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Creatividad e influencia social
Trabajo Práctico Nº 4
Consigna:
Objetivos:
A partir de las corrientes artísticas de la segunda postguerra mundial como el Arte
Pop y sus influencias de la cultura Hippie en el Happening y la Performance y el Arte
Conceptual realizar un escrito que incluya en su análisis lo siguiente:
Parte 1
Comparar las características del Arte Pop, la Psicodelia y el Kitsch y el Arte Conceptual
en relación a la cultura y la sociedad en donde comenzó, explicando que trataban de
representar estos estilos como emergentes de la sociedad y mencionando al menos dos
artistas de cada una de las corrientes.
Parte 2
Analizar que fue la “Factory” de Andy Warhol, explicando que actividades se
desarrollaban allí y cuál era el concepto de Performance y Happening y en que se
diferencian.
Parte 3
Desarrollar una imagen fotográfica basada en el concepto del Kitsch y otra del arte
conceptual explicando que tratan de simbolizar.
Parte 4
Escribir una acción performatica grupal basada en un emergente de la sociedad
actual y luego producirla y registrarla en secuencia fotográfica o de video de al menos un
minuto de duración.
Elaborar una conclusión que explique la acción performatica. Se debe incluir
bibliografía (ver normas APA) y elaborar un powerpoint para su presentación en clase.
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Parte 1
ARTE POP
El Arte Pop fue un movimiento que surgió a finales de la década de 1950 en Inglaterra
y Estados Unidos, como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que
consideraban vacío y elitista. Los artistas se basaban en temas tomados de la sociedad de
consumo y de la comunicación de masas para aplicarlos al arte. Utiliza imágenes conocidas
con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de
la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo
los intereses y la temática.
Es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura
caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos
dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los
carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido
considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de
serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de refrescos, etc.
El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, se amplían los motivos y
pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica. La expresividad
queda desplazada a un segundo plano, siendo un estilo impersonal que retrata su
contemporaneidad con sutil conformismo.
El Arte Pop fue apreciado y aprobado por el público gracias a sus formas fáciles y
divertidas y a sus contenidos, que podían ser captados sin dificultad; al espectador le
gustaba reconocer objetos corrientes en los cuadros.
Andy Warhol fue uno de los representantes más reconocidos del Pop Art, que además
de dedicarse a las artes plásticas, se avocó al mundo del cine, y fue considerado como un
gurú de la modernidad.
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Warhol utilizó fotografías de prensa contemporáneas y las repitió múltiples veces en la
misma superficie, descontextualizándolas y trasladándolas al dominio del arte. Describió
así la deshumanización que practican los modernos medios de comunicación de masas.
Algunas de sus obras fueron:
Latas de sopa Campbell (1962)
Marilyn Monroe (1967)
Otro de los representantes del movimiento fue Richard Hamilton, pionero del Pop Art
británico y su collage titulado ¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan
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diferentes, tan divertidos?, ha sido considerado la primera obra del Arte Pop. Es un collage
fotográfico que ataca directamente a la sociedad de consumo, al culto al cuerpo, al erotismo,
a la publicidad y a la tecnología doméstica que intentan disimular una sociedad vacía de
contenido y que resalta lo superficial y la apariencia. Introduce ya elementos típicos como
el televisor, el magnetófono o el póster de una viñeta de cómic.
Entre sus creaciones se encuentran:
¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?
(1956)
Interior II (1964)
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PSICODELIA
En 1938 Albert Hofmann, químico suizo de los laboratorios Sandoz, inició sus
investigaciones sobre el ácido lisérgico, nombre que había dado al núcleo común de todos
los alcaloides del cornezuelo (un hongo parásito del centeno). Cinco años más tarde, se
produjo un hecho fortuito que modificó decisivamente el curso de los acontecimientos.
Hofmann descubrió los efectos del LSD-25, naciendo, de esta manera, la psicodelia. Un
término que deriva del griego (psiké y deloun) y significa “algo que manifiesta la mente, el
espíritu o el alma” o lo que es capaz de tener “efectos profundos” sobre la naturaleza de la
experiencia consciente. Durante los primeros años el LSD se empleó casi exclusivamente
con fines médicos, en psiquiatría, psicoanálisis e investigaciones sobre el cerebro.
Tras las experiencias iniciales de Hofmann varios intelectuales, representantes de muy
diversas tendencias e ideologías, se acercaron a la autoexperimentación con LSD y otras
drogas psicodélicas, alucinógenas, visionarias o enteógenas.
Experimentación psicodélica artística explícita con el LSD fue conducida en un marco
clínico por el psiquiatra de Los Angeles Oscar Janiger. En 1959, propuso a un grupo de 50
artistas gráficos que hicieran primero una pintura sin la influencia de substancias
psicodélicas y después otra bajo los efectos del LSD. Las pinturas fueron comparadas por
Janiger y también por los artistas, quienes reportaron que el LSD había contribuido a su
creatividad.
Entre 1964 y 1966, ciudades como San Francisco, Berkeley y Los Ángeles estallaron
en un inmenso alucine colectivo. Fue un fugaz momento de esperanzas e ideales, un amago
de revolución que bailaba al ritmo de Grateful Dead, The Doors, Janis Joplin, Jefferson
Airplane, Santana y otras formaciones musicales de corte psicodélico. Una experiencia
multitudinaria, hinchada de misticismo, orientalismo y no-violencia y que daría finalmente la
ecuación básica del Flower Power. Era la primera vez que los jóvenes, como colectivo,
tomaban la iniciativa por sí mismos.
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Usualmente, las obras psicodélicas se caracterizan por patrones caleidoscópicos,
fractales o inspirados en los diseños persas conocidos en inglés como paisley pattern,
colores brillantes y contrastantes, extrema profundidad de detalle o estilización del detalle,
mutación de objetos y/o patrones y algunas veces collage, y la inclusión de motivos
fosfénicos y otros fenómenos entópticos.
Entre los artistas psicodélicos, destacan Alex Grey, estadounidense interesado en la
anatomía del cuerpo humano. Su principal idea consiste en plasmar en una obra el equilibrio
que todo hombre debe alcanzar para poder llegar a una perfecta contemplación, una
mediación entre el cuerpo, la mente, y el espíritu.
Algunas de sus obras son:
Healing (1985)
New Family (1985)
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Por otro lado, Michael Garfield también destacó dentro del arte psicodélico. En su
trabajo se pueden ver reflejadas las experiencias por las que ha pasado; el artista visual,
además de haber vivido en ciertas comunidades artísticas de Estados Unidos, también ha
participado en varios festivales de arte como Wakarusa, Electric Forest, Sonic Bloom,
Rothbury, Rootwire, Trinumeral, Bear Creek, Motion Notion, Global Sound Conference y
Geoparadise. Él mismo ha descrito su trabajo como ilustraciones que tratan de mostrar el
campo energético que la música contiene.
Entre sus obras se encuentran:
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KITSCH
Tendencia artística de fines del siglo XVIII, el concepto de kitsch nació junto a la
revolución industrial que urbanizó las masas y estableció lo que se denomina alfabetidad
universal, empezó cuando las ciudades se comenzaron a llenar de proletarios y pequeños
burgueses alfabetizados que descubrieron una nueva capacidad de aburrirse. La esencia
del kitsch es mostrar el mal gusto, se caracterizó por su ostentosidad pretenciosa, su
barroquismo y su mal gusto. Este estilo busca la exageración, colores disonantes, en moda
o en elementos decorativos excesivamente recargados y pretenciosos. El kitsch, según el
concepto común que se tiene del mismo, no pretende ni pide nada más a los espectadores
que su dinero, ni siquiera su tiempo para reflexionar sobre las obras, ya que su contenido
no invita a la reflexión.
Jeff Koons, artista estadounidense, busca hacer la obra de arte lo más accesible
posible para el espectador, mayormente sus obras son esculturas de gran tamaño que se
han expuesto en numerosos museos a nivel mundial.
Algunas de sus obras son:
La Pantera Rosa (1988)
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Ushering in Banality (1988)
Moda Kitsch
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ARTE CONCEPTUAL
El arte conceptual emergió a mediados de los años 60 y apropió ideas más allá de los
componentes formales o visuales de la obra de arte tradicional. Los artistas fueron
motivados por el reto de subvertir los presupuestos acerca del arte, conceptos como
belleza, calidad, y la diferencia entre un documento y una obra de arte. También
cuestionaron los significados convencionales a través de los cuales el público consumía
arte, y cómo era procesado a través de un creciente complejo de galerías, museos y críticos;
instituciones que, ellos creían, le daban a la obra nuevos significados con los que muchas
veces estaban inconformes. Para cuestionar estas convenciones, deconstruyeron el objeto
de arte convencional, a menudo pasando por instituciones convencionales, y presentaron
trabajos en diversos medios, desde mapas y diagramas hasta textos y videos. El
conceptualismo fue una amalgama de varias tendencias, la mayoría de ellas perdieron su
ímpetu a principios de los 70 pero quedó una de los más influyentes movimientos del arte
reciente.
En el arte conceptual, la relación entre artista, obra de arte y espectador fue
transformada. Una obra de arte conceptual no es una mera narración de la naturaleza en
sus muchas variantes; los artistas, a través de inferencias personales, utilizan los elementos
disponibles de la expresión para representar no solamente la naturaleza de los objetos sino
además temas políticos, sociales y tecnológicos. En muchos casos el espectador, y a veces
el artista en sí mismos son parte íntegra de la obra de arte y su concepto base.
Marcel Duchamp fue uno de los precursores en cuanto a arte conceptual, entre sus
obras destacan:
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Fountain (1917)
Bottle Rack (1914)
Por otro lado, Joseph Kosuth, artista norteamericano, exploró una nueva función en el
arte a partir de las idea de Duchamp, el estructuralismo francés y de las teorías del lenguaje
que surgían en los años 60, de ellas toma el “giro lingüístico” (las ideas, reflexiones, análisis
y estructuras que se dan a partir del lenguaje) como parte de la obra de arte. Esto lo hace
a partir de una postura crítica para acercarse a las obras, ya que quiere dejar de hacer arte
como un objeto decorativo.
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Su obra más reconocida es “Una y tres sillas”, una instalación conceptual en la que se
presentó una silla, la fotografía de la silla y la definición de silla.
Una y tres sillas (1954)
Parte 2
The Factory (La Fábrica) fue un estudio de arte fundado por Andy Warhol y situado en
la quinta planta del número 231 de la calle 47 Este en Midtown, Manhattan, Nueva York. El
estudio funcionó entre 1963 y 1968, fecha en la que Andy trasladó The Factory a la sexta
planta del número 33 de Union Square Oeste, cerca del famoso club y restaurante Max's
Kansas City.
Era un local-fusión: centro de arte, discoteca a tiempo completo, estudio de cine y
fotografía y, sobre todo, refugio del artista.
Warhol se rodeó de personas de procedencia diversa: artistas de exóticas tendencias,
músicos inadaptados, niñas ricas buscando el vértigo de lo prohibido, feministas freudianas.
Todos ellos se alistaron en una legión descontrolada por las drogas, las poses extremas,
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los dogmas desenfrenados. Veneraban a Andy Warhol como un tótem instigador de las
mayores extravagancias, donde la jet society neoyorquina compartía la celebridad con
drogadictos y marginales de todo tipo.
Este taller tuvo una actividad artística desenfrenada y a veces excéntrica. Se realizaron
proyectos artísticos de todo tipo, incluso se impulsó la actividad musical de grupos de rock
como los de la Velvet Underground. Se filmaron más de quinientas películas, algunas de
ellas de una duración de horas, en las cuales tan sólo se veía a individuos que hablaban o
dormían. Parecían experimentos de dudosa credibilidad que en realidad eran actos
corrientes pero tocados del divino sello de lo real según Andy Warhol. También se
realizaban docudramas de finales imprevisibles, donde los actores se agredían llevados por
el calor de realizar actos reverenciales; en el centro de las ceremonias, observando todo,
santificándolo, estaba Andy Warhol. Realizó muchas colaboraciones con otros pintores,
incluso en ocasiones tan sólo estampaba su firma sobre obras que no le pertenecían en su
ejecución.
Por la Factory pasaron muchas celebridades de las artes como Truman Capote, Allen
Ginsberg, Salvador Dalí, Bob Dylan, Mick Jagger, Fernando Arrabal, Brian Jones o John
Giorno.
El Happening es una manifestación artística que surgió en la década de 1950, con el
objetivo de producir una obra de arte que no se focaliza en objetos, si no en el evento en sí
mismo y la participación de los espectadores, para que dejen de comportarse de forma
pasiva, y alcancen una liberación a través de la expresión emotiva y la representación
colectiva. Frecuentemente se llevan a cabo en lugares públicos, de manera sorpresiva,
interrumpiendo la cotidianeidad. Es guiado por la improvisación e intervienen la música, la
danza, el teatro y el movimiento.
La historia de la Perfirmance se remonta a principios del siglo XX, con las acciones en
vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Consiste en una muestra escénica, muchas
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veces con un importante factor de improvisación, en la que el asombro y la provocación
juegan un papel importante. Puede ocurrir en cualquier lugar y comenzar en cualquier
momento, mientras estén los cuatro elementos básicos: espacio, tiempo, el artista y su
relación con el público. Suele ser un acto organizado en el que no intervienen los
espectadores.
Parte 3
Concepto Kitsch
Título: Abundancia y Prosperidad
Basada en historias sobre la ley de atracción. Muchas veces las personas enfocan su fe en
religiones o amuletos para elevar su ánimo y esperanzas. Sienten que tienen un gran apoyo
espiritual que los conduce hacia sus objetivos.
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Arte conceptual
Título: Pirámide de medias
Revela el equilibrio entre la unificación de cuerpo, mente y alma tras exponer la variedad
de materiales que el usuario puede llevar a sus pies para el desarrollo del día a día.
Parte 4
Mediante la acción performatica quisimos representar el consumismo.
Actualmente vivimos en un entorno sobre comunicado que constantemente nos incita a
consumir. El marketing y la publicidad, a través de los medios de comunicación masivos
(televisión, radio, internet e incluso en la vía pública), crean necesidades que “debemos”
satisfacer para poder pertenecer a la convivencia en sociedad.
La mayoría de la población que ya tiene sus necesidades básicas cubiertas (según Maslow
serían las fisiológicas, de seguridad, de afiliación, reconocimiento y autorrealización), se
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deja influenciar por los cambios constantes en los hábitos de consumo en moda, tecnología
u otros campos, ya sean de productos, bienes o servicios.
Así, el individualismo gana por el afán de acumular cosas materiales, y nos olvidamos de
las personas que nos rodean que no han podido lograr alcanzar las necesidades básicas
en la vida, generando desigualdad social y retroalimentando esos deseos que nos despierta
la comunicación abusiva a la que estamos sometidos diariamente, siempre
convenciéndonos de adquirir lo último que sale al mercado.
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Fuentes de consulta
http://elartecomoarte.blogspot.com.ar/2014/04/andy-warhol-latas-de-sopa-
campbell.html
http://jalfocea.com/2014/07/08/10-obras-mas-famosas-pop-art-andy-warhol-91456/
http://www.arteespana.com/artepop.htm
http://www.elcultural.es/noticias/arte/Richard-Hamilton-cuando-haces-Pop/6422
http://revistareplicante.com/historia-de-la-psicodelia/
http://culturacolectiva.com/los-10-artistas-mas-representativos-del-arte-psicodelico/
http://cultivacultura.jimdo.com/2014/07/02/michael-garfield-y-la-esencia-del-arte-
psicod%C3%A9lico/
http://www.artishock.cl/2012/07/el-arte-kitsch-de-jeff-koons-en-la-fondation-beyeler/
http://www.portaldearte.cl/terminos/kitsch.htm
http://www.ecured.cu/index.php/Arte_conceptual
https://esquimalenator.wordpress.com/2010/12/20/arte-conceptual-y-
postconceptual-de-duchamp-a-joseph-beuys/
http://culturacolectiva.com/joseph-kosuth-el-arte-y-los-conceptos/
http://www.20minutos.es/noticia/1500623/0/factory/andy-warhol/exposicion-madrid/
https://aevr.wordpress.com/2007/05/07/the-factory-andy-warhol/
http://es.slideshare.net/jhosep1014/happening-y-performance-1
http://www.wordreference.com/definicion/kitsch
https://arteyvestimenta.wordpress.com/2012/12/10/kitsch/