con la mente abierta y despierta,
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Bienvenida y bienvenido,
Te invito a que entres a esta casa
con la mente abierta y despierta,
pues de esta manera recibirás
cualquier tipo de aprendizaje.
El conocimiento es útil, y estará siempre
a disposición de la imaginación.
Andrea León
Índice
Págs.
1. Prólogo: Tiempo y Movimiento………………………………………………......1
2. Introducción……………………………………………………………………….3
3. Contexto: Where dreams come true………………………...…………………….4
4. Ánima……………………………………………………………………………...11
5. Movimiento………………………………………………………………………..12
6. Tiempo…………………………………………………………………………….15
7. Glosario…………………………………………………………………………...18
8. TREE OLD LADY………………………………………………………………...22
8.1 Stop motion……………………………………………………........................25
8.2 Rotoscopia Análoga……………………………………………......................27
8.3 Rotoscopia Digital…………………………………………………………....27
8.4 PostProducción…………………………………………………………….....28
9. La ruptura de la narrativa: la imagen por sobre el relato............................... 28
10. SER-VIVO…………………………………………………………………….......29
11. Sin Título………………………………………………………………………….34
12. Kafkiano…………………………………………………………………………..42
13. Conclusiones……………………………………………………………………....50
14. Bibliografía………………………………………………………………………..51
15. Bibliografía de imágenes………………………………………………………....52
1. Prólogo: Tiempo y Movimiento
Los tiempos rurales son distintos a los urbanos. Los movimientos, por consiguiente,
también lo son. Y hay una interacción distinta y una manera de vivir distinta.
Fácilmente, ésto se puede confirmar con tantas diferencias entre ambos ambientes,
perceptibles a los cinco sentidos.
Pero a medida que te acercas más a los elementos no creados por humanos, existe una
sensación de poco control al movimiento y al tiempo. En la ciudad, el tiempo es
tirano. No se está terminando un movimiento y ya van dos más que se adelantan y
luego tres más, crecen y crecen, se agolpan y comprimen entre ellos, como la gente
que se exprime para estar dentro del metro.
En el campo los movimientos son pausados, se dejan respirar y armonizarse, como
una orgánica coreografía. La tierra no es más que una bailarina girando en su propio
pie en punta.
Mi tía siempre decía: “hay que hacer algo por la vida, que la vida no hace nada por
nosotros”... hasta el día de hoy me llama la atención aquella frase.
Realmente, parece que la vida tiene su propio curso. Y que el atardecer cambie los
colores hasta que apenas pueda ver las líneas de mis manos será un evento que solo el
mismo atardecer decidirá lo que ocurra o no. Yo no soy más que un espectador en la
naturaleza y la vida pasa por todos lados sin necesitar de guardias, de semáforos, de
relojes ni de horarios. Solo pasa y no hay control. Estando en la ciudad parece que no
hay vida más allá de tus propias acciones, que si no prendes el botón de encendido,
nada pasa, nada realmente funciona, nada se mueve. Parece que todo se trata de
estaciones, de inmovilidades que sólo buscan la movilidad cuando es útil. El interés
mueve a la ciudad. ¿Qué mueve al campo?
Son distintas sensaciones de tiempo, pero no por eso la ciudad está muerta y el campo
vivo. Los organismos van más allá de carnes y venas.
Porque si un día despiertas en ese cubículo y estás tarde para todo lo que tenías que
hacer, de repente la ciudad se vuelve surreal, de repente la ciudad sigue su curso, sin
notarte, sin necesitar de tus decisiones ni de tus botones encendidos ni de alarmas. De
repente, te quedas quieta y ves desde tu pequeña ventanilla que la ciudad se mueve y
respira, aunque creíste que era moribunda, la ciudad vive, aún cuando no fuiste a tus
1
reuniones, a pesar de que no sacaste la basura, no le echaste bencina al auto ni
colocaste la alarma. La verdad es que todo sigue fluyendo, todo late, igual como laten
los huevos cuando están a punto de romperse por los pollitos dentro de ellos.
Quizás sólo hay que ponerse a un lado y tomarse unos minutos para encontrar vida en
los edificios, en los escritorios, en los grises, en las baldosas de los subterráneos y en
el concreto. Después de todo, el mundo con campos y ciudades sigue flotando en el
espacio, ¿no?
Andrea León, 2019
Toda la materia está en constante movimiento. Mientras que nuestros cuerpos se
mueven, los árboles, los animales, la ciudad, el sol y la tierra también lo hacen, y eso genera
un flujo que permite que los seres experimenten un ciclo de vida. El flujo que nos hace sentir
que cada día crecemos o que envejecemos, este flujo que percibimos en la naturaleza y en
todo lo que nos rodea, es el tiempo. Tiempo y movimiento son una constante en nuestra
realidad. Somos conscientes de nuestro tiempo, por eso, nos organizamos todos los días a
partir de él, y luego, para accionar en el tiempo, necesitamos del movimiento.
2
2. Introducción
Esta es la memoria de mi proceso artístico, concebida como investigación teórica y
estudio de referentes relevantes para la propia realización plástica preparada en el marco del
examen de grado, de la licenciatura en Artes Visuales. Mis obras se centran en las prácticas
audiovisuales, con especialización en la técnica de animación llamada stop motion . Con este 1
medio investigo la percepción de la imagen en movimiento, sobre todo en la ilusión de vida
en objetos que no la tienen, con el fin de cuestionar qué es lo que nos hace identificarnos
como organismos vivientes.
Por otra parte, reflexiono ante la interrogante: ¿cuál es la relación que existe entre
ánima y movimiento? De alguna manera en este encuentro se genera la impresión de vida, la
presencia de una personalidad en materiales/objetos que no poseen estas características. En
mi caso, busco que las cosas con las que interactuamos día a día, es decir, los elementos
cotidianos, se levanten y persigan el movimiento, para que nosotros seamos espectadores de
su propia vida y que luego, estimule la imaginación a la hora de volver a interactuar con ellos
en la realidad.
A través del texto, se comprenderá tanto la parte formal técnica, que describe en su
totalidad las etapas del trabajo, los materiales y la creación de objetos/personajes. Además de
generar un vocabulario de palabras clave en relación directa con el lenguaje cinematográfico,
como también, la parte temática y de construcción de conceptos que se desprenden del
producto y que son aquellos que forman parte de mi sensibilidad visual a la hora de crear,
aquellos en los que pienso y de los cuales extraigo información y referencias para alimentar
mi obra.
Artistas como Jan Svankmajer, Hayao Miyazaki y el estudio de animación Pixar, han
sido fuentes de inspiración para mi obra, sobre todo cuando en ellos veo el potencial
imaginativo único en la animación como medio de expresión. En cuanto a lo teórico, para el
concepto de movimiento me refiero a Henri Bergson y luego para el tiempo, Andrei
Tarkovski. Así, a lo largo del texto iré comentando los elementos que considero importantes
de los artistas anteriormente mencionados y otros casos.
1 Traducido del inglés sería stop: detener; motion: movimiento. Me refiero a la técnica de animación en la que se utiliza la detención para sacar fotografías en secuencia al elemento o personaje, y así, componer el movimiento. Más adelante se describe en profundidad el método.
3
En la sección que viene a continuación, relato los inicios de mis inquietudes artísticas
que son parte del contexto histórico-cultural en el que vivo, en conjunto con mis
cuestionamientos sobre lo que significa producir animación en el mundo de las artes visuales.
3. Contexto: Where dreams come true 2
Cada artista tiene su propia respuesta a la pregunta por qué haces lo que haces.
Algunos dirán que por eventos o situaciones límite, generaron una sensibilidad especial y un
motivo para crear. Varios podrían estar influenciados por artistas externos o personas
cercanas a ellos. Otros muchos responderán porque la materialidad les despertó la
motivación. Otros pocos responderán simplemente porque les gusta crear. En mi caso, lo que
me llevó a estudiar Artes Visuales fue el medio, es decir, la animación. Me encanta animar,
desde que comencé a ver películas animadas tenía un profundo interés de saber cómo se
hacían. Recuerdo que cuando vi por primera vez el documental “ The Pixar Story”, me di
cuenta de las distintas etapas por las que pasaba la creación de una animación, los trabajos de
dibujo, la creación de un programa digital, la ideas plasmadas en la ilusión del movimiento, y
me pareció que ese era el lugar en el que quería estar. Así, comencé mi investigación artística
a partir de la práctica y el desarrollo de la técnica, descubriendo a través de ella, que mi
sensibilidad a la hora de crear imágenes, está unida a mi deseo por ver movimiento en ellas,
pues en él percibo una cercanía con mi propia realidad, asociada a nuestra percepción más
visceral de vida, la cual se siente, producto del movimiento del latir de nuestros órganos. El
movimiento en adición, es el gestor de lo que se transforma, lo que revela nuestra condición
temporal. Son los cambios, lo que nos dan cuenta del paso del tiempo.
2 Traducido al español sería “Donde los sueños se hacen realidad”. Este es el slogan de la compañía de Walt Disney, mejor conocido sólo por Disney, fue la primera empresa de animación en adquirir el reconocimiento en todo el mundo, por ser la casa de ratón Mickey y hasta ahora es la compañía de medios de comunicación y entretenimiento más grande del mundo. De los recuerdos más antiguos que tengo de mi niñez, uno de ellos fue cuando me regalaron el VHS de Blancanieves(1937), siendo esta la primera película que tendría de una colección de aprox. cien películas animadas e infantiles en VHS.
4
Knick Knack (realizado en 1989 y estrenado en 2003) fue uno de los primeros cortos animados de
Pixar, estaba al comienzo de el largometraje Buscando a Nemo. (min 3:09)
Sin duda, la animación es un fenómeno relativamente reciente si se llegase a comparar
con el espectro de disciplinas y formas de expresión del arte. De esta manera, si nos situamos
en que las primeras pinturas y dibujos estarían presentes en la pintura rupestre de la
prehistoria, este tipo de técnicas tendrían la antigüedad equivalente a toda la historia de vida
de la humanidad, no así la animación, puesto que dicha ilusión de una imagen en
movimiento, llevaría poco más de cien años, estableciendo que la primera animación de la
historia fue estrenada en 1906, dirigida por J. Stuart Blackton en Estados Unidos, el
cortometraje se llamó Humorous Phases of Funny Faces . 3
J. Stuart Blackton
Humorous Phases of Funny Faces Animación min 0:58 Estados Unidos, 1906
3 En la película, alguien es el que dibuja en una pizarra los rostros que se mueven e interactúan entre ellos. Se basó en una popular obra de vodevil y funciona a veinte cuadros por segundo.
5
Más aún, si se hace referencia al mundo de las Bellas Artes, a la institución que ha
construido la definición de Arte que se tiene como conocimiento general, en el caso de la
animación no ha sido fácil establecerse como técnica dentro de la academia y separarse de lo
que se dice, peyorativamente, sobre ella. Esto es, su facultad industrial, ilustrativa, infantil en
muchos casos, y “popular”. Es decir, a su facilidad de entrar al entendimiento general social,
lo que lleva a que la gente prefiera, por lejos, ir a ver una película llena de CGI , que ir a 4
tratar de descifrar la especificidad de una instalación contemporánea y, en muchos casos, sus
sobre complejizados conceptos. Ya se decía, en los días tempranos del cine, que estaba
idiotizando a la gente y luego la animación, el hermano chico del séptimo arte, era acusado de
promover la violencia con series como “Tom y Jerry” . La animación a diferencia de otros 5
medios artísticos, tomó rápidamente el camino de la empresa, probablemente porque su
técnica se debía a herramientas de la misma categoría del cine, como la cámara, la invención
de un guión, un storyboard que describiera encuadres, etc. sumado a la necesidad de gran 6
cantidad de personal para llevar a cabo los innumerables dibujos necesarios para un
largometraje animado, en el menor tiempo posible. El factor de producción repetitivo y
comercial, hizo que la animación poco a poco se distanciara de la noción de obra única y
aurática del Arte.
4 Es la sigla para “Computer Generated Imagery”, en español, “imagen generada por computador”, se refiere al proceso de animación digital producida en un programa en el que se simula un espacio 3D y se construyen variados efectos especiales útiles para la producción de cine. 5 Tom y Jerry fue una producción de los creadores del estudio estadounidense de animación conocido como Hanna Barbera. Fue en 1940 que la serie se originó, centrándose en la comedia de la rivalidad entre un gato y un ratón. 6 Un storyboard es el guión del video o película, pero llevado a dibujos separados por viñetas, que plasman la idea del encuadre que se desea grabar. Esto sirve mucho para que, a modo de bosquejo, se pueda visualizar y tener una mejor decisión respecto a cómo se desarrolle la historia en imágenes.
6
Warner Bros. Tom and Jerry “Trap Happy”
Animación min 2:52 Estados Unidos, 1946
Sin embargo, se tiene la concepción de que los artistas tienden a reproducir su
contexto histórico, que en sus obras podemos ver los procesos sociales, políticos y/o
económicos que han vivido. ¿Qué pasaría entonces, para una generación de artistas que
nacieron en la década de los 90’s, con TV cable ya constituido por diversos canales
enfocados a audiencias y temáticas específicas, entre ellos, los canales infantiles como
Discovery Kids , Cartoon Network , Nickelodeon, llenos de series animadas? esto en conjunto
con producciones de largometrajes animados llevado a cabo por una creciente gama de
estudios de animación, podrían generar naturalmente, influencias que llegarían a las obras de
los artistas estudiando en academias.
Sobre la base de este contexto, es en el que me veo inmersa. Siendo de esta
generación, la animación moldeó la manera en que observo el mundo y se me abrió como una
posibilidad para externalizar lo que hay en mi imaginación.
En Chile, que es donde nací y estoy viviendo actualmente, el primer largometraje
chileno en debutar en el cine fue recién para 2002, reproduciendo las aventuras de Ogú y
Mampato, una de las tiras cómicas más reconocidas a nivel nacional, creada por Themo
Lobos. La industria de la animación chilena por lo tanto, lleva poco tiempo en la escena
mundial, comparado con los grandes estudios en Estados Unidos y Europa, que fueron los
que fundaron el medio. No fue hasta sólo tres años atrás, con el cortometraje chileno
7
“Historia de un oso”, ganador del Oscar al mejor cortometraje animado, que la animación
comenzó a constituirse en el entendimiento general en Chile, como un trabajo válido para la
producción artística.
Alejandro Rojas Ogú y Mampato en Rapa Nui
Animación Chile, 2002
Gabriel Osorio
Historia de un oso Animación Chile, 2014
Si la industria de animación chilena recién comienza a tener mayor actividad, las
carreras de animación en Chile siguen teniendo una orientación más cercana a su tecnicidad
que a la experimentación. Más aún, la falta a su inclusión dentro de la carrera de Arte
Visuales en la universidad, no tanto por los recursos técnicos necesarios de aprender, pero sí
para encontrar bases teóricas y de profundización que sostengan el medio como producto
legítimo de Arte, y que esto a la vez sea aceptado por los profesores guías. Sin embargo, poco
a poco han aparecido ejemplos de artistas que conciben la animación como un producto de
arte, donde sus investigaciones plásticas están por sobre la preocupación por “lo que vende
más”. Un ejemplo de esto sería Joaquín Cociña y Cristóbal León, un dúo de artistas chilenos
8
que trabaja con animación stop motion en sus obras y viajan a distintos espacios artísticos,
trasladando su estudio como instalación dentro de las exhibiciones.
León y Cociña La Casa Lobo
Largometraje animado en stop motion (75 min) Chile, 2018
Por otra parte, Danilo Espinoza, Doctor en Bellas Artes y profesor de la Universidad
Católica de Chile, en su tesis doctoral sobre la animación chilena, establece una diferencia
entre la animación comercial y la animación artística, que sirve para entender el objetivo final
de todo Arte, sin importar el medio y para comprender lo que ha sido mi paso por la
academia:
Aunque no es preciso identificar a la animación artística en oposición a la
“comercial”, es claro que la animación que persigue lucro como principal objetivo e
insertarse en los medios de difusión y distribución propios de la industria
cinematográfica y televisiva, queda inevitablemente sometida a las condiciones y
regulaciones impuestas por el mercado, que en la mayoría de los casos, termina
limitando las posibilidades creativas y las libertades de expresión, priorizando una
animación más narrativa y convencional. 7
A través de las Artes Visuales, he podido entablar una investigación que analiza y
cuestiona el propio medio, que proviene de la técnica pero que responde a mi interés por
7 ESPINOZA, Danilo. Animación artística en Chile 1995-2006. Universidad Politécnica de Valencia, España, 2015. p. 42.
9
tratar la percepción de vida en la animación, el movimiento como actor principal del paso del
tiempo, la narrativa lineal y no lineal, entre otros.
La animación tiene la capacidad de poder generar imágenes y situaciones que
simplemente no existen en realidad. Ver objetos comportándose como seres humanos o llevar
el imaginario onírico a una dimensión que podemos comparar con nuestra realidad, es algo
que la animación trajo a la vida.
Así es como este camino largo para poder a animar, ha desembocado en mi pasión por
adquirir conocimientos, por ver, leer, analizar y aprender, para luego activar eso en la
producción artística. Mi interés en estos cuatro años de viaje artístico por la academia se han
concentrado en llevar la técnica, al estudio profundo y al empleo de sus conceptos desde la
visión provocativa de las Artes Visuales.
Andrea León Gravity Animación 3D (min 0:38-1:39) 1920x1080p 2018
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4. Ánima
Animación, etimológicamente, viene del latín “ánima”, palabra que significa “aire,
aliento, alma”. No es una simple coincidencia el que se esté definiendo ánima como aire y
alma a la vez, si se piensa, a modo de ejemplo que, según la Biblia, Dios le dio vida a Adán
soplando ; que se dice que cuando una persona está en su lecho de muerte exhala su último
aliento y deja ir su alma e incluso, la prueba más rápida para comprobar si alguien está vivo
es verificar que esté respirando. Es decir, desde una respuesta física y natural, el alma vendría
siendo lo que le da vitalidad al cuerpo. Misma vitalidad, es la que se le entrega al objeto que
se anima. Por eso es que, la animación no se trata sólo de hacer mover cosas como si se fuese
un fantasma empujándolas, si no que, es dar vida. Como si el animador tuviese un complejo
de divinidad ante las cosas, sabiendo que tendría la capacidad de hacer que vivan.
James Frazer, antropólogo escocés que ha escrito sobre mitología y religión comparada,
indica en su libro “La rama dorada” que en antiguas civilizaciones, se tenía la creencia de que
existe un “pequeño humano” dentro de nuestro cuerpo:
“Si un hombre vive y se mueve sólo puede hacerlo porque tiene dentro un hombrecito
o animal que le mueve. El animalito dentro del animal y el hombre dentro del hombre
es el alma”[...] El cuerpo grande muere y es enterrado, pero el cuerpo pequeño vuela y
se aleja cuando el grande muere” 8
Al comparar la animación con la cita, me llama la atención la diferencia en tamaño a
la que se refiere el autor. Él habla de un hombrecito dentro del hombre, similar a la relación
proporcional entre animador y personaje animado, como si se tratara de animar el alma, de
quien anima. Y más allá de eso, recordar que los objetos están inertes fuera de la cámara, sólo
viven, sólo poseen alma, a través de nosotros. En otras palabras, se podría imaginar que parte
de nuestra ánima se traspasa al personaje animado, como si por un momento nos separáramos
de ella y la pudiéramos observar introducida en el personaje. Aunque suene a una suerte de
ritual prehistórico, me parece coherente, frente al dicho popular de la animación como “la
magia del movimiento”.
8 FRAZER, J. la rama dorada. Inglaterra, Macmillan Publishers, 1890. p. 218
11
En este breve corto animado, represento la introducción del alma dentro de un ser tipo escultura. Luego de eso, la figura toma vida y sale de escena. Andrea León Playing God Animación stop motion (min 1:29) 1080x1920p 2019, Santiago 5. Movimiento
Naturalmente, todo está en movimiento, hasta los objetos más duros tienen sus
partículas en constante vibración, por lo que, se me hace coherente transmitir ideas desde
acciones y no desde una fotografía o una captura congelada.
En varias ocasiones se suele pensar que la animación y el cine, son artes sintéticos, o
dicho de otra manera, en ellos hay una recopilación de numerosos tipos de arte, pues al ser un
medio audiovisual, se debe considerar el tratamiento del sonido y cómo se va a mezclar,
incluso de composición musical, si es necesario, que se invente una melodía particular, pero
también, la imagen animada puede requerir dibujantes, pintores, escultores dependiendo del
tipo de visualidad que se quiera lograr. Aunque a primera vista esto puede ser cierto, no es
suficiente. ¿Por qué algo que contiene varias disciplinas resulta distinto a todas ellas? ¿qué
esencia tiene la animación?
Aproximándose a aquello, Richard Taylor, escritor de la “enciclopedia de técnicas de
animación”, citado por Danilo Espinoza, artista chileno, doctor en bellas artes, en su tesis
doctoral sobre animación chilena, se aproxima a una definición explicando que: “la calidad
de la secuencia es más importante que la calidad de las imágenes” . Esto indicaría que la 9
generación de la imagen, vale decir, los medios y las técnicas utilizadas para llegar a la
visualidad, no es tanto más importante, como lo es la secuencia de imágenes, que es lo que
9 ESPINOZA, Danilo. Animación artística en Chile 1995-2006. Universidad Politécnica de Valencia, España, 2015. p. 28.
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finalmente genera el movimiento de la imagen. El arte esencial de la animación reside en la
creación del movimiento y su tratamiento expresivo para transmitir emociones e ideas a
través de él.
En el libro “el pensamiento y lo movible”, Henri Bergson, filósofo, escritor francés y
Premio Nobel de Literatura en 1927, indica sus primeras teorías respecto al movimiento,
separándolo de lo que normalmente confundimos como una trayectoria.
Por ejemplo, si nos encontráramos delante de una pizarra con un plumón y
trazáramos una línea de un punto a otro punto, diríamos que el dibujo indicaría el movimiento
del plumón, y entonces la física estudiaría el movimiento y le daría una medición a partir de
la línea que se produjo. El problema es que aquello sería la trayectoria del movimiento, pero
no el movimiento en sí, aquello sólo sería una huella de lo que fue el movimiento. Por eso se
dice que las ciencias estudian las fenómenos desde el pasado, pues necesitan de la
inmovilidad, de la trayectoria realizada, ya que de otra forma, es imposible establecer
mediciones, si se estudiara desde el principio que todo puede moverse, por consiguiente todo
puede transformarse, por lo tanto, no podrían existir las definiciones ni las mediciones
estáticas:
“Necesitamos de inmovilidad, y cuanto más conseguimos representar el movimiento
como coincidiendo con las inmovilidades de los puntos del espacio que recorre, mejor
creemos haberlo entendido. En realidad de verdad, no existe verdadera inmovilidad, si
por inmovi- lidad entendemos la ausencia de movimiento. El movimiento es la
realidad misma, y lo que nosotros llamamos inmovilidad viene a ser un cierto estado
de cosas parecido al que se·produce cuando dos trenes marchan a igual velocidad, en
la misma dirección, sobre dos líneas paralelas : ambos trenes resultan, en ese caso,
inmóviles para los viajeros del otro tren.” 10
El movimiento para Bergson estaría relacionado a un tiempo presente, imposible de
dividir en puntos que el plumón unió, sino que el movimiento sería el mismo momento en el
que el plumón realiza la acción de desplazarse. Por lo tanto, movimiento siempre sería
presente singular, y la trayectoria sería pasado.
10 BERGSON, Henri. El pensamiento y lo movible: ensayos y conferencias. Ediciones Ercilla, Chile, 1936. p. 118.
13
Ya desde la teoría de la persistencia retiniana se podía entender que la animación es 11
sólo la ilusión de un movimiento, pues, es nuestro cerebro el que une la secuencia de
imágenes y las interpreta como movimiento a una velocidad determinada. En el caso de
Bergson, la animación también correspondería a un falso movimiento, pues no es que
efectivamente los elementos se muevan sino que representan la trayectoria realizada por el
animador.
Podría aventurarme a proponer una vuelta más desde la práctica de la animación.
Pienso que animar sería como una doble trayectoria del movimiento, esto porque el animador
investiga la trayectoria de los movimientos que desee representar en el objeto, pero no
necesariamente esta trayectoria es la misma de la referencia real, de hecho, si fuera el caso,
sería casi imposible replicar una trayectoria exactamente como la que se tiene de ejemplo.
Ante esto, es sabido, entre los animadores, que un movimiento no tiene porqué ser
realista, sino “creíble”, la diferencia radica en que no se espera que los elementos en una
animación actúen necesariamente de acuerdo a las versiones reales (si las hay), ni a las leyes
físicas que condicionan el equilibrio, la masa, la temperatura, que sí afectan los movimientos
en la realidad. Si bien es útil, la animación permite que se puedan formular leyes de su propio
mundo, en tanto que sea coherente con el contexto del ambiente establecido. El punto es que,
si la animación crea trayectorias de movimientos que posiblemente no tengan un referente
real, ¿seguiría siendo un movimiento falso? Bergson probablemente diría que sí, porque
seguiría siendo la ilusión de un movimiento que nunca ha estado en primer lugar. Sin
embargo, si desde el comienzo la trayectoria nunca tuvo su movimiento real-presente, eso no
quita que dejemos de relacionarnos con la animación como si fueran casos reales de
movimiento, creíbles para nuestra percepción.
Por lo tanto, ya que la animación es la única manera de que los objetos puedan
moverse por sí solos, ¿no equivaldría a un movimiento en tiempo presente?, ¿tal como el
desplazamiento del plumón? Personalmente, creo que los parámetros entre movimiento y
trayectoria se vuelven difusos en la animación ya que expresa movimientos que únicamente
en el mundo animado es posible realizarlos.
11 La persistencia retiniana es un fenómeno óptico en el que la retina conserva durante cierto tiempo la impresión de las imágenes y es por esta razón que podemos percibir como movimiento la secuencia de fotogramas de un video a gran velocidad.
14
Lo cierto es que, hasta la propia práctica de la animación, especialmente si se trabaja
con stop motion , requiere de movimiento. Difícil es para mí, detenerme mucho tiempo en una
sola cosa, creo que en sí, el animar es como una coreografía: desplazarse hasta el objeto,
moverse con él delicadamente, retroceder, apretar la cámara y repetir incesantemente. Quien
anima, debe tener un sentido del ritmo y una preparación física como si estuviese listo para
bailar, pues ésto, se transmite en la vitalidad del personaje: si a medio tiempo te cansas la
animación será floja, si de repente, te descordinas y olvidas un paso puedes mover el trípode
y perder el cuadro o si no estás concentrado en el resultado final, los movimientos pueden ser
monótonos.
Por consiguiente, el movimiento no es sólo un problema que está fuera del artista, no
es que el problema sea el cómo voy a generar movimiento en algo que no se mueve, sino
cómo yo voy a moverme para que el objeto traduzca esa energía en la película.
6. Tiempo
A propósito de lo último comentado, me encuentro con una reflexión similar sobre la
presencia del tiempo en mis obras. Ya que el movimiento como ecuación siempre incluirá el
tiempo, la manera en como me mueva, se verá reflejado en las animaciones, entonces de
acuerdo a la sensibilidad que tengo con mis acciones y con las del entorno, son las que serán
evidenciados en los elementos que anime. A pesar de que a varias personas se le enseñe la
misma coreografía, no se podrá encontrar que todos lo bailen exactamente igual, pues cada
uno es distinto en su percepción del movimiento. Lo mismo ocurre con la percepción del
tiempo, en cada persona es diferente.
Según los principios de la antropología, hay dos formas básicas para entender el
tiempo. Está el objetivo, y el subjetivo. El primer tiempo, es aquel que se mide, es el que
sirve como variable física y matemática para científicos y es el que organizamos socialmente
en horarios, fechas y años. Aquel tiempo es objetivo, porque es un número igual para todos, a
pesar de que, en ocasiones llegue a ser problemático, como por ejemplo, cuando se establece
una misma hora para todo un país, pero los tiempos de día y de noche varían de lugar en
15
lugar. El famoso jet lag se produce a causa de que el tiempo orgánico de un ser humano, los 12
ciclos biológicos, dejan de estar en conexión con la diferencia horaria entre un país y otro.
Mientras que el segundo tiempo, el subjetivo, se referiría a las experiencias
temporales que cada uno siente de distinta manera. Es la percepción individual del tiempo,
eso que hace que aunque dos personas estén en la misma clase, una sienta que pasó muy
rápida, pero para otra le resulte una eternidad. Como cuando, por distintas razones, la misma
película la puede sentir cortísima el que le causó interés, pero el que se aburrió, sintió que
nunca terminaría. Así mismo también, como lo que mencioné anteriormente, el tiempo se
podría percibir más lento en el campo y más rápido en la ciudad. Aquello sería mi propia
sensibilidad temporal.
Ante esto, Andrei Tarkovski, reconocido cineasta ruso, en su libro “esculpir en el
tiempo”, profundiza respecto a la importancia del tiempo en el cine, indicando que:
Del mismo modo que la vida, que fluye y que se transforma continuamente y ofrece a
cada persona la posibilidad de sentir y llenar cada momento de un modo propio, una
película verdadera, con un tiempo fijado con precisión en el celuloide, pero que fluye
por encima de los límites del plano, vive en el tiempo sólo cuando el tiempo a la vez
vive en ella. 13
El autor hace una relación entre el tiempo objetivo y el subjetivo con respecto al cine,
en orden de que una película sea orgánica y consiga impregnar al espectador. Los medios
audiovisuales como el video, el cine y la animación, siempre tendrán duración, porque su
fenómeno se produce gracias a que el tiempo pasa a través de las imágenes. Aquel tiempo
medible, la duración de una película, y el tiempo de cada corte, será su objetividad. Pero lo
que pasa dentro del plano, lo que maneja la visualidad de las acciones, correspondería a una
subjetividad.
El tiempo expresado en la visualidad del movimiento es subjetivo, pues dependerá del
tipo de montaje y su duración, el que el espectador pueda o no relacionar su propia
12 Es un trastorno temporal del sueño. Ocurre cuando el reloj interno del cuerpo no está sincronizado con un nuevo huso horario. Se puede producir una desorientación con respecto a la exposición de la luz y los horarios de las comidas. 13 TARKOVSKI, Andrei. Esculpir en el tiempo: reflexiones sobre el arte, la estética y la poética del cine. Ediciones Rialp, S. A. Madrid, España, 1984. 143-144 p.
16
experiencia a lo que ve. Es como cuando el personaje en una película entrena para un evento
importante, pero esa preparación solo pasa en menos de 30 segundos, cuando en la realidad,
eso mismo ocurre en meses. El tiempo en la vida real, en nuestra experiencia, no siempre se
acerca al tiempo que transcurre en la película. Tampoco digo que se debiese grabar tal y
como es la vida, porque aparte de ser poco práctico, alargar todas las escenas también
aplicaría la película. Sin embargo, hay sutilezas, hay momentos que dependen de la decisión
de cada director el cuanto tiempo se le otorgue, y la mayoría de las veces esos momentos de
“tiempo real” en las películas, generan el acercamiento necesario para que el espectador se
encuentre inmerso en ella.
En mi caso, he sido una persona que gran parte de la infancia vivió en campo, para
luego trasladarse a la ciudad, y mientras tanto, se acostumbró a siempre estar alejada del lugar
de estudio y tener que viajar para lo que necesitara hacer. Por lo que mi sensibilidad tiene que
ver con trayectos de un tiempo a otro, desde una tranquilidad, me muevo al caos, desde
sonidos difuminados en la imagen, paso a el ruido total y la saturación. Y, entre medio de
ambos, está el viaje, o lo que yo llamaría, “el tiempo muerto” o el entretiempo en un partido.
Ese momento es donde la mayoría de mis obras nacen, porque es un momento donde ningún
evento importante ocurre y sólo me queda reflexionar lo que pasó y lo que va a pasar. Debido
a eso, la mayoría, sino todas las obras que explicaré más adelante, de alguna u otra manera
buscan espacios de meditación, para encontrar el tiempo detenido de las cosas en donde
pueden pensar sobre su existencia e imaginar su dualidad entre lo rápido/agresivo y lo
lento/pasivo. Aquello sería el tiempo subjetivo presente en mis obras.
17
Andrea León
Joyero Video y Animación stop motion 3 min
1ª imagen 0:29 seg. 2ª imagen 0:44 seg.
1920x1080p 2018, Santiago
7. Glosario
Además de estos conceptos, es preciso establecer definiciones sobre palabras que
funcionan como parte de el lenguaje con el que explico mis trabajos, y en su mayoría tienen
base en el lenguaje cinematográfico. Éstas serán las palabras más mencionadas a
continuación en la descripción y análisis de mis obras.
Secuencia : en el cine se habla de secuencia cuando hay un conjunto de escenas que
pueden tener cambios de encuadre o de planos, pero que se mantienen ciertos elementos o se
mantiene la idea general que se quiere comunicar. Por ejemplo, en el caso del primer corto
que se analizará más adelante, hay una secuencia de stop motion, donde se cambia de planos
18
pero el ambiente es el mismo. Se cambia de secuencia cuando se pasó a otro estilo de
animación, donde la estética es distinta al igual que la atmósfera. También se puede hablar de
secuencias, cuando es posible identificar momentos de la historia que, por lo general, tienen
una continuidad y se pueden dar títulos, por ejemplo, “cuando Fulanita se entera que Fulanito
estaba enfermo”, “la muerte de tal personaje”, “el primer encuentro de los protagonistas” ,
etc.
Lado izquierdo primera secuencia (min 0:00-0:31), lado derecho cambio de secuencia (min 0:35- 0:52). Esta
separación viene dada por la visualidad, el ambiente y la narrativa. Andrea León
TREE OLD LADY Animación stop motion
1920 x 1080p 2019, Santiago
19
Escena: está dentro de una secuencia, por lo tanto, puede ser de duración menor, se
puede definir por la salida o entrada de personajes, tal como en teatro.
Encuadre : Igual que en fotografía, se habla de encuadre para componer qué parte de
lo que grabo quiero que aparezca en la visión de la cámara y qué dejo afuera. En el cine para
facilitar el lenguaje, se han establecido una serie de planos que son encuadres definidos por el
nivel en que cortan al personaje. Está el plano general, que encuadra una gran porción del
lugar donde ésta el personaje, el plano medio que corta la persona por la cadera, primer plano
que es sobre los hombres, primerísimo primer plano para mostrar un detalle o un objeto
importante para la narrativa, entre otros.
Ejemplo de tipos de planos según el personaje.
Escenario : la ambientación, el lugar donde se graba, que puede ser en exterior o en
interior, muchas veces se crean los sets que son escenografías construidas dentro del estudio
de grabación.
Fotogramas/cuadros : la parte mínima de un video o de una animación. Un video no
es más que una secuencia de fotos dispuesta a una velocidad considerable para que el ojo lo
capte como movimiento. Por lo tanto, un fotograma sería una de las muchas fotografías que
posee un video. En el cine, las películas se graban a 24 cuadros por segundo, en televisión el
20
video corre a 30 cuadros, mientras que en animación puede ser variable dependiendo de la
fluidez del movimiento.
En cine y televisión se habla de tres momentos a la hora de crear una película:
preproducción, producción o rodaje, y post producción o montaje. Preproducción es la etapa
inicial donde se crea el guión/storyboard , la idea general de cómo se verá el producto y lo
que se ocupará, por lo tanto es un momento de investigación y planificación. El rodaje es
cuando se produce el material audiovisual, aquí es donde se graban todas las escenas.
Finalmente, en postproducción se unen todas las escenas y se edita para generar la película
completa. En mi caso, no los ocupo en tanto para generar una pieza audiovisual industrial
creada con una amplia gama de personal y mega producción, donde si se necesita tener etapas
concretas, ya que muchas veces sigo investigando mientras realizo las escenas, por lo que, me
sirven más para ordenar los procesos a la hora de explicar y describir lo que hago.
21
8. TREE OLD LADY 14
A continuación, presento mi primera obra que funciona como inicio para la
investigación. Esta es una pieza audiovisual de 1 minuto y 49 segundos, en un formato mp4
HD (1920x1080), y se construye a partir de video y animación. El montaje consistió en una
proyección hacia la pared en una sala con la luz apagada.
Andrea León
TREE OLD LADY Animación stop motion (min 1:45)
2019, Santiago
Las secuencias se ambientan en un paisaje desértico y desolado, donde no queda nada
más que un árbol, el que sigue ahí gracias a una anciana que lo mantiene vivo. El personaje
de la abuela es meditativo, parece no tener boca, tiene una mirada endurecida y sus rasgos
son toscos. Observa el paisaje, camina a paso lento y apesadumbrado, se sienta en el sillón
que está al lado del árbol y mira hacia la cámara. Es ella la que explica, a través de sus
recuerdos, el porqué este lugar está así. Entonces, a modo de flashback , las imágenes se 15
vuelven a blanco y negro, sólo resaltan los colores fuertes del fuego esparcido en los árboles
y en todo el paisaje. El escenario se vuelve oscuro y deprimente, a lo lejos se escuchan voces
asustadas y sirenas, remitiendo a un gran incendio, difícil de olvidar para la mujer.
14 Es una combinación de los tres elementos más importantes del corto en inglés. Juntos se traducirían como “ La vieja señora árbol”. 15Flashback: técnica narrativa utilizada en cine y literatura que consiste en intercalar en el desarrollo lineal de la acción secuencias referidas a un tiempo pasado.
22
En la siguiente escena la anciana está regando el árbol. La tierra absorbe rápidamente
el agua y llega a las raíces de la planta. De pronto, del agua surge una energía que se desplaza
hacia arriba, moviéndose por el tronco y llegando hasta sus ramas más altas. El árbol se
revitaliza.
La anciana observa sobrecogida, y la revitalización se traspasa hacia ella,
convirtiéndola en una niña de nuevo. Su mirada se enternece y su piel se suaviza. Luego de
aquel momento de contemplación hacia el árbol, vuelve a ser anciana y se va de la escena.
Hay una intención de moraleja, donde la idea a transmitir es un mensaje constructivo para
mejorar nuestra interacción con la naturaleza: dándole vitalidad al que está al lado tuyo, te
das vitalidad a tí mismo, es decir, la anciana se sintió más joven, con mas vida, al darle vida
al árbol.
Andrea León
TREE OLD LADY Animación stop motion (1:26-1:33) 2019, Santiago
La protagonista del cortometraje se basó en la tía Poa , una mujer real, nacida en 16
Palestina, nunca tuvo esposo (muchos piensan que se mantuvo virgen hasta su fallecimiento),
y se dedicó a cuidar a su madre siguiendo una estricta tradición a causa de ser la hija mayor
de la familia. Luego de que su hermana tuviese un fatal accidente de auto que la dejaría
tetrapléjica,pasó a ser la cuidadora de ella y la ama de casa. La relación entre las dos fue tan
apegada, que al mes de que ella muriese, su hermana también falleció.
Ciertamente, esta historia no forma parte de la narrativa del cortometraje, pero hay un
aspecto que rescato porque sé que, quisiera no olvidar lo que estaba pensando mientras
decidía hacer una versión de ella y creo que más adelante es posible que lo desarrolle en otras
16 La tía Poa es la hermana de mi abuela, mi tía abuela. De alguna manera, lo que no podía hacer mi abuela por estar postrada en la cama, ella me lo hacía. Me cocinaba, me tejía chalecos y alcanzaba los regalos que mi abuela quería darme. Cuando murió, heredé su máquina de coser. Me siento un poco en deuda con ella, porque nunca fui a su casa para que me enseñara a usar la máquina.
23
obras. El hecho de construir un muñeco a partir de una persona real. Sería posible entablar
una suerte de voodoo , al atribuirle el alma de una persona real al objeto. Si encima, en el 17
video se ve que este objeto está en movimiento, prácticamente es como si se estuviese
reanimado a la tía Poa. Puede sonar como una idea bastante romántica , pero es un 18
cuestionamiento que acompaña a la investigación sobre qué sería ese atisbo del alma que
hace que veamos tan “humanamente” cercanos a personajes animados.
Tía Poa, foto sacada en su casa Andrea León
en Llay Llay, 2015 TREE OLD LADY Animación stop motion (min 0:12)
2019, Santiago
Entonces, está la imagen eterna de la tía Poa que pasa a ser símbolo. El delantal que
remite al esfuerzo de su vida por ser la responsable de las tareas en la casa, la vestimenta
negra como si fuese un vestigio de un tradicionalismo árabe, la mirada seria y preocupada,
consciente de muchas realidades, y la atribución de la vejez a la sabiduría. Ese ser sabio es el
que da cuenta de cómo sobrellevar la tragedia del motivo ecológico en el cortometraje.
El paisaje y la secuencia de grabación del incendio tienen su referencia en la zona
central de Chile, específicamente en el recorrido que hay entre la Región Metropolitana y la
Quinta Región. Se caracteriza por ser semi-árido, de tonos terrosos y espinos.
17 El vudú se encuentra entre las religiones más antiguas del mundo, originaria de África Occidental. Consiste en una religión teísta de un sistema animista, provisto de un fuerte componente mágico. Tiene una relación directa con la cosmología y los sistemas de creencias neolíticos. 18 Entiéndase romántica relativo al periodo artístico cultural del Romanticismo (siglo XIX), que se caracterizó por crear escenarios oscuros, personajes con características fantásticas y pensar lo sublime y lo inabarcable de la naturaleza. La novela de Frankenstein pertenece a esta época. Creo que su personaje puede tener una vinculación con mis obras pero falta desarrollar a fondo.
24
8.1 Stop motion
El stop motion es una técnica de animación, en donde el animador dispone de un
espacio real, en el que, por lo general, hay una maqueta construida (también se puede utilizar
el exterior o una pieza, las dimensiones de los ambientes son infinitas) y en ella se disponen
los elementos a animar, que pueden ser marionetas, objetos cotidianos, objetos creados por el
artista, desechos, etc. Básicamente cualquier objeto que se pueda disponer en frente de una
cámara, con una iluminación específica, y que se pueda mover detenidamente en la medida
que se van tomando fotos y así, crear una secuencia. Luego estas fotos se pasan a un
programa que las convierte en un video y se genera la animación.
En el caso de mi obra, tanto el paisaje como los elementos dentro de él, se hicieron a
escala en una maqueta, mientras que los personajes se crearon a partir de una estructura de
alambre que se cubre con esponja y látex.
La maqueta tiene orificios donde se puede atornillar al personaje desde sus pies. Esto,
más la estructura de aluminio ayuda a tener un control a la hora de generar el movimiento y la
animación, que se logra con una cámara, captando pose por pose.
Todas las escenas de stop motion se realizaron con un fondo azul. Esto viene de una
técnica de cine utilizada para postproducción, donde se cubre con un mismo color zonas
específicas de una grabación, para que después en el programa de edición se puede eliminar
ese color y sobreponer otra imagen o video. Generalmente, se ocupa para agregar fondos o
efectos especiales en productos audiovisuales.
Todo lo que en la escena tenga el color que se selecciona se borrará, por eso
mayormente se ocupan telas verdes o azules, pues son los colores que menos están presentes
en la piel, así se evita que parte del rostro del actor se fusione con el fondo y se pierda.
También se tiene especial cuidado que los objetos presentes en el cuadro no tengan el mismo
color del fondo.
La iluminación es importante, pues el color de la tela que se ocupe se debe ver parejo,
sin arrugas o gradación que finalmente generen tonos distintos, o de otra forma el programa
no podrá borrar todo el fondo correctamente. La maqueta o el individuo delante del fondo
debe estar a una distancia considerable para que el color no rebote en su piel. Y, para efectos
de uniformidad y continuidad en la atmósfera, la iluminación que se le da a lo que se quiere
grabar también tiene que estar pensada según lo que se colocará como fondo. En este caso, si
25
deseo grabar a mis personajes en un día soleado, la iluminación que recibirán entonces, debe
ser fuerte, con sombras poco difuminadas, en el fondo, imitando la luz del sol.
Andrea León
TREE OLD LADY Animación stop motion, proceso de obra (min 0:04)
2019, Santiago
26
8.2 Rotoscopia Análoga
Esta técnica se utilizó en la secuencia del incendio. Es como un proceso inverso a la
animación: desde la grabación de un video o de una animación prehecha, se separan los
fotogramas y se imprimen, luego se intervienen con distintos materiales, en este caso lapices
cera y pastel para crear el fuego. Finalmente, se escanean o se toman fotos de todos los
cuadros.
Andrea León
TREE OLD LADY Animación stop motion (min 0:47)
2019, Santiago
8.3 Rotoscopia Digital
A diferencia de la anterior, toda la animación se produce desde el computador. Se
separan los fotogramas del video/animación y en cada uno se interviene digitalmente dentro
de un programa. En la obra está presente en el agua y en la energía del árbol.
Andrea León TREE OLD LADY Animación stop motion (Derecha min 1:07/Izquierda min 0:59) 2019, Santiago
27
8.4 Postproducción
En general, la visualidad de la obra tiene un carácter simple y minimal, pues los
elementos presentes son los imprescindibles para el desarrollo del relato, no hay más ni
menos, coincide con lo directo y breve de la narrativa. Sobre lo mismo, se seleccionaron
mínimos sonidos que describiesen las acciones y las atmósferas sólo con los elementos
básicos (Agua, fuego, tierra y aire). Podría decirse que se mantiene en un volumen bajo y
ritmo enlentecido, de hecho, la música que aparece al final no sigue ninguna armonía ni
metrónomo específico.
9. El quiebre de la narrativa: la imagen por sobre el relato
Las obras audiovisuales no siempre relatan historias, a pesar de que, en el cine y la
televisión los productos sean de esa manera y se entreguen a través de una única pieza
proyectada en una sala o dispuesta en un televisor.
En Artes visuales, por lo general, se trabaja a partir de conceptos, es así que en un
video podría solamente mostrarse imágenes que se refieran a un concepto en particular, sin
tener que ser ordenado por “sucesos en el tiempo”. Esto sumado a que en las
videoinstalaciones artísticas no siempre los videos son presentados de manera única, sino
que, en una misma sala pueden haber muchas proyecciones a la vez, se genera un quiebre en
la narrativa, en el sentido de que, a pesar que la secuencialidad, es lo principal en los videos,
el orden de estas secuencias se disponen para que el espectador las una y establezca
relaciones entre ellas como él desee. No existe solo una manera de contar el concepto, sino
muchas maneras presentadas a la vez.
A partir de las siguientes obras experimenté con un relato separado en escenas, donde
la imagen prevalece ante la historia. Si bien, en el primer proyecto me basé en la manera
convencional de crear una animación, desde storyboard de una historia, esta vez lo principal
serán imágenes seleccionadas que estén en movimiento.
Para dar este salto del primer trabajo al segundo, me basé en las imágenes que más me
interesan que son los sueños. Justamente, lo onírico se compone de imágenes que no siempre
tienen una conexión cronológica, más aún, cuando uno despierta de un sueño, por lo general
solo recuerda breves escenas o imágenes, atmósferas y emociones. Es por esto que me sentí
28
con la confianza de reducir la historia a una escena, porque consideré la posibilidad de que en
una escena pudiese evocar el concepto general de una historia.
10. “SER-VIVO”
La obra consiste en un díptico de animaciones, cada una proyectada en paredes
dispuestas frente a frente. Ambas están en un formato mp4 HD (1920x1080p) y repiten la
secuencia a modo de loop . 19
La primera secuencia, consta de un rostro con una máscara puesta en el centro del
encuadre y fondo negro. La luz ilumina su contorno, dibujando un círculo alrededor de la
cara. El círculo se mantiene latente por unos segundos, hasta que la línea se retrae hasta el
lugar donde inició. La animación se repite indefinidamente.
Se utilizó la técnica del stop motion , esta vez, utilizando un ejercicio de fotografía en
donde se “pinta con luz”. Más conocido por su término en inglés, light painting , se produce 20
cuando se deja abierto el obturador de la cámara a una velocidad lenta, de manera que, capte
el movimiento de la luz como si fuese una línea de dibujo. Entonces, funcionaría tal como si
se hiciera la animación en papel y lápiz, sólo que esta vez, el lápiz es la luz y el papel lo que
se ilumina. Mientras que la animación es como el paso de las fotografías/dibujos con luz.
La segunda secuencia, genera una visión endoscópica de lo que tiene el aspecto de un
órgano que se contrae y se relaja, simulando el movimiento respiratorio, como si
estuviésemos dentro de un cuerpo.
Esta animación se hizo en stop motion. Se ocupó bolsas, cubiertas por dentro por una
tela gruesa y algodón, todo esto dentro de una caja, donde se iba rellenando con más algodón
las paredes para generar el efecto de hinchazón. En postproducción se invirtió ese trozo de
animación para que creara el efecto de deshinchazón, además de una capa encima del video
con el filtro de partículas y suciedad en el lente de la cámara.
19 Se traduce al español como bucle. Se refiere a un proceso, sistema o estructura circular, la cual termina donde comienza y viceversa. 20 Traducido sería Pintura de Luz, la técnica fue creada en 1889. Es el registro fotográfico de la trayectoria de una fuente luminosa en movimiento en un ambiente con poca luz.
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Andrea León SER-VIVO
Proceso de la obra 2019, Santiago
Se ocupó una ambientación sonora de tipo espacial, descargado de una página con
sonidos sin copyright . La atmósfera recuerda a películas de género Sci-Fi o ciencia 21 22
ficción, con sonidos robotizados, de máquinas calculadoras, de naves espaciales, motores,
etc. la idea es que se vincule la imagen científica con una mitológica/mística.
El rostro flotante, en esa suspensión, es como si se encontrara dentro de una cápsula
de hipersueño en la nave, mientras que el espectador se escabulle a su laboratorio. El
laboratorio sería para investigar la esencia, el lugar donde se encuentra el alma. Entonces nos
21 Derechos de autor. 22 Proviene del término Science Fiction que signfica Ficción Científica, es un género derivado de la literatura de ficción, junto con la narrativa fantástica y la narrativa de terror. Se caracteriza por diseñar un mundo con un desarrollo tecnológico muy avanzado, de temáticas espaciales y ciencia que va más allá de lo que conocemos.
30
topamos con lo que serían los archivos de sus experimentos donde está la animación
respiratoria. ¿Será de él mismo? ¿se estará grabando mientras duerme?
Ridley Scott
Prometeo Película 2h 4m
Andrea León SER-VIVO
Animación Stop Motion (Videos en bucle, duración aprox de 10 seg) 2019, Santiago
31
La luz simboliza la energía, algo que incluso desde la ciencia fue difícil de definir si
era onda o partícula. Esa naturaleza escurridiza de definición, es la que asumo como símil
del alma, y en este díptico la luz se comporta frenética en uno, y pasiva en el otro, posee
ambas cualidades. La plasticidad de la luz se ve acuosa, como si fuese el brillo del agua en
movimiento.
Andrea León SER-VIVO
Animación Stop Motion (Videos en bucle, duración aprox de 10 seg) 2019, Santiago
Imagen que representa las teorías sobre la materialidad
de la luz en la ciencia, una pensada la luz como partículas y la otra vista como ondas.
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Una de las referencias que me sirvieron para la obra fue una sección del documental Dune 23
de Alejandro Jodorowsky , cuando en un momento explicaba que, en su idea de hacer la 24
película, hubiese querido que las naves se comportaran como seres vivos, que el mecanismo
fuese una cosa viva que sufriera y sangrara si era dañada. Me pareció una idea similar a
atribuirle condiciones humanas a lo que está inerte.
Frank Pavich Jodorowsky’s Dune Documental, 1h 30m 2013, Estados Unidos
Si bien en la obra me alejé de una narrativa lineal compuesta por una sola proyección,
entre esta y la anterior veo una continuidad en cuanto a la intención teórica de base en ambas.
Hay un cuestionamiento sobre la presencia del alma, sus cualidades, y de imaginarse como
esta se puede mover/traducir dentro de la materia, ya sea, desde la facultad de convertir a una
anciana en una niña, como se mueve dentro del árbol o dentro del rostro, o también que es lo
que nos permite estar conscientes de que respiramos y que estamos vivos.
23 Dune fue una película que Alejandro Jodorowsky nunca pudo grabar por las magnitudes de la producción. Entre otras cosas, contrataría a Pink Floyd para desarrollar el soundtrack de uno de los personajes, deseaba que Salvador Dalí, y de pasada, Gala, estuviesen actuando, tenía al que más tarde sería el creador de la saga de Alien, H.R. Giger, diseñando el estilo del film y todo esto dentro de un escenario intergaláctico. Para compensar todo el trabajo prehecho, realizó un documental en el que cuenta todas las ideas del proyecto. Más tarde, este proyecto sería el que inspirara a George Lucas para hacer Star Wars. 24 Alejandro Jodorowsky es un artista chileno de múltiples facetas, entre ellas, mimo, actor, director de cine, guionista, psicomago, etc. Actualmente vive en Francia. Sus trabajos más destacados han sido las películas El Topo y La Montaña Sagrada.
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11. Sin título
Esta obra es una videoinstalación de tres etapas. Todos los videos expuestos están en
loop. La sala está completamente pintada de negro y el espectador entra a ella desde la
primera etapa, la que consiste en un televisor que muestra el primer video de formato
1920x1080p y con un duración de 2 min y 18 segundos. En él se ve el encuadre de la boca de
una persona a contraluz, que imita la palpitación de un corazón. Luego de esta imagen
aparece el personaje de la primera obra descrita que mira hacia la luz, como en busca de algo.
sus manos se funden en una transición con las manos reales de la persona del principio, y
luego en la sombra de esas manos se mueven unas luces como si fuesen estrellas, en
movimiento detenido y constante.
La idea general de la videoinstalación, es seguir explorando el significado de la
latencia o palpitación como signo de vida. Hay un juego de crear signos vitales en materiales
que son inertes, como si se estuviese buscando el concepto del alma en los objetos o
materiales, como por ejemplo, las bolsas, la tela, el plástico, las marionetas, etc. que
naturalmente no concebimos relacionar con un cuerpo parecido al nuestro, sin embargo están
presente a lo largo de toda nuestra vida. Nuevamente cito a James Frazer en su libro de La
rama dorada, en el cual agrega que:
Las expresiones populares del lenguaje de los pueblos civilizados, tales como tener el
corazón en la boca o el alma en los labios o en la nariz muestran cuán natural es la
idea de que la vida o el alma pueda escapar por la boca o la nariz. 25
Es a través de esta cita que quise representar los estados del alma como aquel cuando
parece que se fuera a escapar por nuestra boca, tal como aparece en la parte del video en la
obra, donde hay una persona reproduciendo latidos en su boca.
25 FRAZER, J. la rama dorada. Inglaterra, Macmillan Publishers, 1890. p. 221
34
Andrea León Sin título Videoinstalación (min 0:00) 2019, Santiago
Andrea León
Sin título Videoinstalación (min 0:42)
2019, Santiago
35
Andrea León Sin título Videoinstalación (min 0:49) 2019, Santiago
Andrea León Sin título Videoinstalación (min 1:24) 2019, Santiago
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Luego de la primera etapa, la reacción general es mirar hacia el fondo de la sala donde
hay una proyección del tamaño de la pared que muestra la secuencia de respiración que fue
presentada en la obra SER-VIVO . Esta secuencia, está modificada y fusionada con otra
secuencia que repite esa misma sensación de interior, esta vez con tubos que imitan una
suerte venas que transmiten transmisiones eléctricas en forma de luz en movimiento. La
secuencia se repite una y otra vez, al mismo tiempo que sus colores cambian sutilmente de
tonos más oscuros a tonos claros.
Andrea León Sin título Videoinstalación, fotogramas y proceso (videos en bucle, duración 5 seg.) 2019, Santiago
En la tercera etapa, están unos videos que se pueden observar a través de los orificios
de una caja, dispuesto para que el espectador los mire hacia abajo, como imitando la posición
en la que uno observa en el microscopio. Las imágenes que están ahí son simulacros de
células y órganos hechas con materiales de plástico (bolsas y tubos).
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Andrea León Sin título Videoinstalación, fotogramas y proceso (videos en bucle, duración 5-6 seg.) 2019, Santiago
Se ocuparon varios sonidos para generar la ambientación que mezcla partes de
sonidos de máquinas, mezclados con burbujas, palpitación del corazón e intermitentemente el
sonido de las alas de un pájaro.
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Andrea León Sin título Videoinstalación, fotogramas y proceso 2019, Santiago
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Esta videoinstalación, se realizó en mayor parte por animaciones de stop motion ,
repitiendo el mismo procedimiento descrito en la segunda obra. Las tomas de microscopio
fueron hechas con una cámara apuntando hacia abajo, encima de una pantalla led grande que
daba el efecto de contraluz en los objetos que disponían a animar encima de ella. Mismo
efecto usé en la secuencia del personaje y en la fotografía de las manos.
Andrea León Sin título Videoinstalación, fotogramas y proceso 2019, Santiago
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Usé una técnica de fotografía llamada superposición, en la que fusionan dos imágenes
a partir de las sombras que dan una imagen, esas son las que recortan lo que aparece en la
segunda imágen. Así se hicieron la secuencia de las manos y las luces que están dentro de
ella.
Me parece que este trabajo continúa el quiebre del relato, separado en estas tres etapas
y se toma una mayor decisión en el proceso instalativo de los videos. Esto además, acompaña
la ideas simbólicas de lo que se cree que puede ser el alma, concepto principal en la
investigación.
“Según los indios nootkas, el alma tiene forma de un hombre diminuto; su morada es
la coronilla de la cabeza” 26
De esta forma quise incorporar al personaje de la primera obra, para incorporar la idea
de la escala con respecto a mi propia persona que los anima. Hay una relación de traspaso de
mi alma hacia el objeto, como lo mencioné anteriormente, los personajes animados fuesen en
cierta forma el alma de la persona que los anima.
Me interesó plasmar esa idea que me permite el stop motion, de seguir creando vida
donde no la hay, y que nuestra percepción de las cosas comunes con las que interactuamos
todos los días, le podamos asignar algo así como una latencia de alma, una latencia de
conservación de un espíritu, a pesar de que a simple vista no percibimos aquellos
movimientos palpables en ellos.
26FRAZER, J. la rama dorada. Inglaterra, Macmillan Publishers, 1890. p. 218
41
12. Kafkiano
“Kafkiano” es el nombre que recibe el proyecto de todo un semestre, que sintetiza los
aprendizajes que obtuve, a partir de las obras anteriores. El resultado es un cortometraje de
animación experimental que fusiona el 2D con stop motion, y se presenta en la sala de
exposición en una videoproyección a la pared. Su duración es de seis minutos estimados y su
formato es de 1080p (HD).
Continuando con la idea de generar vida a objetos inertes a través del movimiento, en
esta obra la inspiración nació de darle una vuelta al comportamiento de las cosas que usamos
cotidianamente. De alguna manera, el cargo que me asigné, fue el de una “etóloga de las
cosas”, como quien estudia el comportamiento animal, en este caso mi deseo era de
interpretar el cómo se comportaría una cosa, en el caso de que estuviera viva. Aquello tiene
sus raíces en lo que svankmajer comentó en su decálogo al final del libro “para ver cierra los
ojos”:
Los objetos, sobre todo los objetos vetustos, fueron testigos de diversos sucesos y
destinos que dejaron en ellos su impronta. En diferentes circunstancias fueron tocados
por hombres dominados por diversas emociones que dejaron imprimidos en ellos sus
estados psíquicos. Si aspiras a visualizar estos contenidos ocultos mediante la cámara,
debes escucharlos con atención. 27
Una opinión similar también hallé en Marie Kondo, una mujer japonesa que se ha
hecho conocida por enseñar a organizar los objetos de una casa, sobre todo, saber decidir
cuándo eliminar o conservar algo, dependiendo del significado y del uso que le das:
Dejar ir las cosas, puede hacerte sentir culpable o sentimental. Puedes sentirte muy
ligado al pasado. Pero es tiempo de seguir adelante. Entonces, cuando algo no te
provoque alegría, dale una apropiada despedida. Expresa tu gratitud y dile adiós. Sólo
dejando ir las cosas, una por una, puedes verdaderamente enfrentar el pasado y
comenzar a crear el futuro 28
27 SVANKMAJER, J, 2012. Para ver cierra los ojos [en línea]. Logroño: Pepitas de calabaza. ISBN: 9788493943745 [consulta: 30 noviembre 2019]. Disponible en: http://comunizar.com.ar/wp-content/uploads/Svankmajer-Jan-Para-Ver-Cierra-Los-Ojos.pdf 28 MARIE KONDO, 2018. KonMari Method | Finish Discarding Things – and Let Go With Gratitude | KonMari. En: Youtube [video en línea] Publicado el 27 septiembre de 2018 [consulta: noviembre de 2019] Disponible en: https://www.youtube.com/watch?v=qo2v645STW0
42
En vista de estas observaciones, es posible considerar que las cosas, naturalmente, se
impregnan de la manera en como las usamos, estas reciben nuestro comportamiento y lo
reflejan a través de las huellas que dejamos. Para mí, las huellas sirven para imaginar el
comportamiento del objeto y de esa manera, plasmar su ánima a través del movimiento. Por
lo tanto, lo principal en la obra sería la construcción del personaje basado en un objeto real al
cual pude asignarle movimiento y crear una narrativa entorno a él.
En esta oportunidad, me basé en las cualidades de un vehículo de transporte público
para el personaje principal de la obra. ¿Por qué elegir un objeto como este? analizando las
distintas razones, me parece apropiado agruparlas en dos categorías: la exterior, que tiene que
ver con el contexto actual y sociopolítico de la realidad en la que me basé, y la que tienen que
ver con una sensación interior, de carácter psicológico en el personaje.
Andrea León KAFKIANO
Animación stop motion y 2D (min 0:41) Santiago, 2019
Antes de proceder a explicar las categorías, a continuación una breve reseña del
cortometraje. “Kafkiano” muestra el proceso de metamorfosis que sufre una máquina, la cual
pasa a ser un animal, y desde el animal a un ser humano. La monocroma ciudad y las
apagadas personas que ocupan su espacio interior, le sirven de estímulo para iniciar su
43
transformación. Ya convertido en un organismo, se traslada a un escenario natural, en donde,
bajo la tierra, llega a su estado final, floreciendo en ser humano.
Andrea León KAFKIANO
Animación Stopmotion y 2D (min 0:15) 2019, Santiago
Exterior
Para comenzar, algunos datos sobre el transporte público en la capital de Chile. Según
la página de Moovit , Santiago tiene cuatro tipos de transportes, incluyendo: metro, tren, 29
micro y funicular, operado por agencias de transporte público, las cuales son Transantiago,
Tren Central, Bus rural, Bus Universitario, Bus Vecinal, Bus aeropuerto y Ascensor . Sólo 30
observando las cifras en el Transantiago, en febrero de este año el ministerio de transportes
indicó que para el 2018 hubo cerca de seis millones de personas que ocuparon este transporte
público al día. La gran cantidad de personas que ocupan este medio incluyéndome, ha sido
testigo también del mal estado en que funcionan estas máquinas, con mal funcionamiento de
las puertas, algunas sin siquiera freno o con fugas de aceite, y aún así se establecen como
completamente operativas. Se trata de un objeto que recibe la decadencia de la ciudad, con la
lenta actuación de parte de las autoridades para solucionar problemas básicos y luego eso es
29 Moovit es una aplicación para celular lanzada internacionalmente el 2011, la cual se especializa en facilitar el desplazamiento por las ciudades, ofreciendo rutas a partir de transporte público/privado, bicicleta y a pie. 30 MOOVIT. Datos y estadísticas de uso del transporte público en Santiago, Chile [en línea] [fecha de consulta: 30 noviembre 2019]. Disponible en: https://moovitapp.com/insights/es-419/Moovit_Insights_Índice_de_Transporte_Público-642#
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acentuado con el estrés de los usuarios viajando incómodos, cuestionando si vale la pena el
precio a pagar por un sistema que les deja esperando a veces hasta una hora para ser
transportados.
Estando presente en estas situaciones, es como llego a visualizar la máquina como
representación del comportamiento de la ciudad, donde, si bien por dentro se constituye de
una masa orgánica, que son las personas, por encima viste de una coraza dura, como el
concreto de los edificios, que la obliga a tener una movilidad limitada, sin curvas, sólo líneas
rectas.
Andrea León KAFKIANO
Animación Stopmotion y 2D (min 0:15) 2019, Santiago
El personaje principal acompaña mis reflexiones que mencioné anteriormente en el
texto, sobre las diferencias de tiempos entre la ciudad y el campo. Algo que pertenece a lo
urbano, está inerte, fundido entre los grises de las calles y alejado de cualquier proceso
natural. Pero cuando se anima, su vida lo hace consciente de ser orgánico y busca acercarse a
su condición natural, alejándose de su convención artificial (mal hecha) que le fue impuesta.
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Interior
Dentro del mundo interior que represento con esta máquina, se encuentran conceptos
que engloban el sentido de la cortometraje, el primero siendo, la idea de la metamorfosis. El
título de la obra indica directamente la referencia.
Franz Kafka fue un escritor nacido en Praga en el año 1883, quien escribió un gran
número de relatos cortos a lo largo de su vida. En ellos, plasmó una visión crítica y pesimista
sobre el mundo moderno, en donde sus personajes se sienten débiles frente a un sistema que
los tiene prisioneros de sus trabajos, con un orden burocrático que no hace más que
desorientarlos en su búsqueda por el sentido de la vida. Hoy en día, algo recibe el apodo
“kafkiano” cuando se refieren a problemas absurdamente complicados, como si se tratara de
una tragicomedia de la cual es difícil escapar dado el nivel de poder que tiene el enemigo y
nuestra debilidad mental para sobrellevarlo. Así mismo ocurre en su libro “La metamorfosis”,
donde Gregorio Samsa un día, despierta transformado en una cucaracha e irónicamente, su
mayor preocupación, es su imposibilidad de poder ir a trabajar así. En la historia, su familia
de a poco se va olvidando de él y comienzan a verlo sólo como un insecto que les estorba
dentro de la casa. Gregorio al percatarse de esto lo acepta y se deja morir, rendido a su
repugnante connotación.
Referirme a él en mi obra tiene el sentido de introducir aquello que oscila entre un
chiste, y una duda angustiosa. El vehículo en la animación tiene un aspecto precario, donde la
textura contrastada le da una impresión grotesca que a la vez, lo acompaña la ciudad oscura,
donde las personas son fantasmagóricas, entonces todo el escenario se acerca a una pesadilla.
Pero lo que escapa a esa seriedad es la similitud que tiene al tipo de micro apodada como
“oruga”, por tener una larga extensión con un acordeón entremedio. La literalidad absurda, es
asumir que su metamorfosis corresponde finalmente a convertirse en una oruga como tal.
Cabe señalar también, que la oruga es el ejemplo más usado para hablar de la metamorfosis:
“Oruga: Reencarnación, transmigración del alma, por alusión al cambio de este insecto que
luego adquiere la forma de un mariposa” 31
31 PÉREZ-RIOJA, J. A, 1971. Diccionario de Símbolos y Mitos: las ciencias y las artes en su expresión figurada [en línea]. Madrid: Tecnos [consulta 30 noviembre 2019]. ISBN: 8430908420. Disponible en: https://www.scribd.com/doc/139436058/Simbolos-y-mitos-J-A-Perez-Rioja-pdf
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Andrea León KAFKIANO
Animación Stopmotion y 2D (min 1:49) 2019, Santiago
La diferencia que existe entre su libro la metamorfosis y mi obra, en primer lugar es el
proceso inverso, que de un humano se convierta en bicho, a un bicho convertido en humano.
Y en segundo lugar, es la intención final que busqué en la narrativa. Dentro de la oscuridad y
la depresión que puede significar las desventajas de vivir en un lugar donde las personas
dejan de verte como un ser humano y más como un bicho, no dejan de tener su realidad, pero
a la vez tienden a perderse en la profundidad, dejando un ruido sordo en el estómago, al no
hallar la resolución del problema, la luz, como la que vió la oruga en mi corto.
Tomo esa parte oscura del ser humano como punto de inicio, mas a esas preguntas lo
que quiero lograr es algún tipo de estímulo que lleve al espectador a considerar más
posibilidades. El final es lo que se separa pues existe el momento del renacimiento, la parte
oscura siempre estará en nosotros, pero también está nuestra posibilidad de florecer como el
ser del final en el corto.
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Andrea León KAFKIANO
Animación Stopmotion y 2D (arriba min 3:06/ abajo min 3:41 ) 2019, Santiago
Por otro lado el segundo concepto de interés que se atañe al objeto es el del viaje. En
este sentido mi referencia más fuerte es el viaje de chihiro, largometraje dirigido por Hayao
Miyazaki. En una parte de la película, Chihiro, la protagonista, debe viajar en busca de una
solución para la enfermedad de su amigo. Toda la película es una alegoría sobre el paso de la
niñez a la adultez, por lo que en ese contexto, la secuencia del tren es una de las más
importantes, pues simboliza la determinación de Chihiro de tomar el viaje, incluso si no tiene
la certeza de volver. La asustadiza niña de un principio, se convierte en una persona
capacitada para enfrentar conflictos mayores.
Siendo alguien que toda su vida ha viajado desde lugares exteriores a la capital, no es
coincidencia para mí que la transformación de la protagonista incluya un tren. Los medios de
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transporte te llevan de un punto a otro. El vehículo, te da la posibilidad de no ser la misma
persona que fuiste en el punto de partida, cuando llegues al destino final, con cada viaje se
acumulan experiencias, entonces, la persona se transforma. Introducir un medio de transporte
como protagonista del cortometraje tiene esa potencia de transformación al movilizarse de un
espacio a otro.
Estudios Ghibli, Hayao Miyazaki
El viaje de Chihiro Película 2h 5m
Japón, 2001
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13. Conclusiones
Lo que en un principio comenzó con dudas e inseguridades, al final del trayecto ha
resultado en mayor claridad y determinación, y es lo que veo en el desarrollo de mis obras.
Si al comienzo presenté una reflexión sobre el lugar de la animación dentro del
mundo del Arte, es porque mi primera impresión fue la de una definida separación entre
ambos, lo que hoy por hoy observo lejano, con una creciente cantidad de animadores
dispuestos a la experimentación, que toman sus propios rumbos, fuera de las grandes órbitas
de la industria, atreviéndose a darle nuevas formas al medio, que lo enriquece y le da esa
calidad única que tienen los objetos de Arte, donde la investigación autoral, alejada de lo que
más vende, ayuda a ver el medio de manera activa al pensamiento.
La intención de mi investigación no es de probar qué es el alma ni mucho menos
asumir que el animador es una clase de chamán contemporáneo. Sólo propongo una mirada
que se sumerge a los orígenes de la palabra, entendiendo que parte de esa reflexión se suma a
la visualidad de la obra. Siendo el ánima un concepto que tiene diferentes formas para cada
cultura/religión, la animación no tiene límites para adaptarse a cualquiera de ellas, en mi caso,
me ha permitido imaginar lugares internos en los personajes, donde se atisban las sensaciones
viscerales de la vida, que se presentan, como ejemplo, en movimientos respiratorios y
latentes.
Como una obra que también es temporal, la narrativa es un factor que siempre estará
presente. A lo largo de las animaciones he experimentado con distintos tipos de
secuencialidad, siendo una historia lineal el tipo que se acerca más a lo convencionalmente
entendido en el medio, por lo tanto, el espectador generalmente se muestra pasivo ante
cualquier cuestionamiento que presente en ellas. Por otra parte, cuando el relato no es lo que
prevalece, cuando hay más de una proyección, la impresión es de una mayor apertura a
diferentes lecturas. Esto es lo que concluí según mis experiencias y no necesariamente va a
funcionar así para todos.
Este texto lo finalizo más como un punto de partida hacia más preguntas, si bien no
deja de ser el término de un ciclo, hay ideas que quedan como comienzo de una nueva
investigación. La tendencia de dejar pequeñas moralejas en varias de mis obras, es algo que
sigue sin una definición particular por ahora, como así también, una mayor interpretación a lo
que transmiten las diferentes técnicas de animación.
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14. Bibliografía
ESPINOZA, DR. Animación artística en Chile 1995-2006 [en línea] Universidad Politécnica
de Valencia. (2015) [Fecha de consulta: 25 Agosto 2019] Disponible en
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15. Bibliografía de imágenes Andrea León Gravity, 2018. Animación 3D. Duración 1:50 minutos, formato HD (1920x1080p). Santiago, Chile. Disponible en: https://www.youtube.com/watch?v=xUYvCB1nBE0 Playing God, 2019. Animación stop motion. Duración 2:14 minutos, formato HD (1920x1080p). Santiago, Chile. Disponible en: https://www.youtube.com/watch?v=_gpGsbqK3m0 Joyero, 2018. Video y animación stop motion. Duración 3 minutos, formato HD (1920x1080p). Santiago, Chile. Disponible en: https://www.youtube.com/watch?v=Ow_bGqL9S2o TREE OLD LADY, 2019. Animación stop motion y 2D. Duración 1:49 minutos, formato HD (1920x1080p). Santiago, Chile. Disponible en: https://www.youtube.com/watch?v=DJ5Lz206oiY SER-VIVO , 2019. Animación stop motion. Videos en bucle, duración aprox. de 10 segundos, formato HD (1920x1080p). Santiago, Chile. Disponible en: https://www.youtube.com/watch?v=TbRAI83xhYk https://www.youtube.com/watch?v=VhYKvIWCXrg Sin Título , 2019. Videoinstalación. Proyección a la pared y videos en pantalla. formato HD (1920x1080p). Santiago, Chile. Kafkiano, 2019. Animación stop motion y 2D. Duración 4:22 minutos, formato HD (1920x1080p). Santiago, Chile. Referentes Pixar Studios. Knick Knack, 1989. Cortometraje animado. Duración 4 minutos. Estados Unidos. Disponible en: https://www.youtube.com/watch?v=9uhM_SUhdaw&frags=pl%2Cwn James Stuart Blackton. Humorous phases of funny faces, 1906. Cortometraje animado. Duración 3 minutos. Estados Unidos. Disponible en: https://www.youtube.com/watch?v=wGh6maN4l2I Warner Bros. Tom and Jerry “Trap Happy”, 1946. Cortometraje animado. Duración 7 minutos. Estados Unidos. Disponible en: https://www.youtube.com/watch?v=K5k1Ve1rjmU&t=172s Alejandro Rojas. Ogú y Mampato en Rapa Nui, 2002. Largometraje animado. Duración 1h y 20 min. Chile. Disponible en: https://www.ccplm.cl/sitio/ogu-y-mampato-en-rapa-nui/
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Gabriel Osorio. Historia de un oso , 2014. Cortometraje animado. Duración 1h y 16 min. Chile. Disponible en https://www.youtube.com/watch?v=7A2HaJjYfOA&t=9s&frags=pl%2Cwn León y Cociña. La casa lobo , 2018. Largometraje animado. Duración 1h y 15 min. Chile. Trailer disponible en: https://vimeo.com/255662087 Ridley Scott. Prometeo, 2012. Largometraje. Duración 2h y 4 min. Estados Unidos. Frank Pavich. Jodorowsky’s Dune , 2013. Documental. Duración 1h y 30 min. Estados Unidos. Hayao Miyazaki. El viaje de Chihiro, 2003. Largometraje animado. Duración 2h y 5 min. Japón.
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