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Colegio La Presentación (Madrid) - Dpto. De Música - Historia de la Música - 1

HISTORIA DE LA MÚSICA

3º ESO 1) MÚSICA RELIGIOSA Y PROFANA EN EL MEDIEVO 2) LA POLIFONÍA RELIGIOSA DEL RENACIMIENTO 3) MÚSICA PROFANA E INSTRUMENTAL EN EL RENACIMIENTO 4) MÚSICA VOCAL BARROCA 5) MÚSICA INSTRUMENTAL BARROCA

2º ESO

6) MÚSICA Y MÚSICOS DEL CLASICISMO 7) MÚSICA INSTRUMENTAL EN EL ROMANTICISMO 8) MÚSICA VOCAL ROMÁNTICA: EL LIED Y LA ÓPERA 9) MÚSICA INSTRUMENTAL, CANTO Y DANZA EN EL SIGLO XX

Medievo renacimiento barroco clasicismo romanticismo Siglos XX-XXI

ss. V al XV ss. XV al XVI ss. XVII-XVIII s. XVIII s. XIX

Para que mis alumnos de 2º y 3º de eso conozcan la Música, aprendan a escucharla y no dejen de amarla nunca.

Escrito y terminado en Madrid, a 13 de octubre de 2.011


1 - MÚSICA RELIGIOSA Y PROFANA EN EL MEDIEVO

1. EL CANTO DIVINO O GREGORIANO.

1.1. Su origen. La música para alabar a Dios: La música occidental nace con los griegos, que concebían la

música como un arte para perfeccionar al hombre.

Con este espíritu nace la música en el cristianismo.

La música es un medio para dirigirse a Dios: canto gregoriano.

El cristianismo acepta lo que el pueblo cantaba; es una confluencia de las músicas grecorromanas y judías.

1.2. Características: Tiene unas peculiaridades que la diferencia de nuestra música actual:

Usa ocho escalas diferentes, llamados modos.

El ritmo es libre, especie de línea ondulante y flexible.

A una sola voz y sin instrumentos (monódico y a capella).

Se canta en latín.

Música unida a un texto religioso.

1.3. Tipos de gregoriano: según el número de notas que tenga cada sílaba:

Silábico: una nota por cada sílaba.

Neumático: dos o tres notas por sílaba.

Florido: más de tres notas por sílaba.

1.4 Se inventa la escritura musical: el músico necesitó escribir el sonido, no podía recordar de

memoria las melodías.

Comenzó poniendo signos que llamamos neumas, le recordaban si la melodía subía o bajaba.

Posteriormente, inventó la notación cuadrada.

Por fin, Guido d’Arezzo inventó las cuatro rayas (tetragrama), donde se colocan las notas y

las dio nombre: Do, Re, Mi, Fa, Sol, La, Si.

En el siglo XV la música se escribía en el pentagrama.

1.5 Estética y función del gregoriano: es una música sobria y equilibrada que lleva al oyente a una especie de

nirvana, con una finalidad esencialmente religiosa.

2. LA MÚSICA DE LOS HOMBRES. EL AMOR CABALLERESCO.

Nace cuando el hombre necesita cantar sus alegrías y tristezas, sus amores, deseos y aspiraciones, hacia el año

800 d.C.

2.1 La música trovadoresca: trovadores y troveros:

Los trovadores (poetas músicos) cantan al amor caballeresco, rendían homenaje a su amada. Son músicos

profanos que van a florecer en las principales vías comerciales o guerreras (Camino de Santiago, Ruta de las

Cruzadas).

Con ellos, la música llega a las cortes y a las plazas públicas.

Antes de ellos existían los juglares: tañen instrumentos, bailan, cantan y hacen pantomimas.

2.2 Cualidades de su música: ritmo medido y marcado, se acompaña de instrumentos musicales.

2.3 Las Cantigas de Alfonso X el Sabio: España produce un arte

musical propio. Son 417 melodías de muy diversos tipos: tonadas

provenzales, romances españoles, cantos árabes, judíos,

castellanos, gallegos y portugueses. Las Cantigas nos transmiten,

en sus miniaturas, los instrumentos de la época.


3. EL HOMBRE DESCUBRE LOS INSTRUMENTOS. La segunda gran forma de expresar la música es por medio de los instrumentos.

3.1 La música instrumental en el Medievo:

Los primeros años fueron difíciles porque los instrumentos eran mal vistos por la Iglesia, porque se usaban en

los cultos paganos.

Fueron llegando durante la Edad Media hasta Europa desde Asia por dos caminos: Bizancio y España.

La música instrumental no se escribe hasta el Renacimiento.

Los Instrumentos Medievales

viento Cuerda percusión

Chirimía, añafil, flauta, cornamusa, órgano

portativo

Arpa, salterio, rabel, viola en ocho,

zanfoña

Tamboril, címbalos

4. EL HOMBRE DESCUBRE LA POLIFONÍA.

o La tercera manera de expresar la música es a través de la

polifonía: cantar al mismo tiempo dos músicas distintas. Se hace

después del año 800 d.C.

o Surge del canto gregoriano, cuando se le añade una

segunda voz. La Iglesia lo acepta como una manera de enriquecer el

canto litúrgico.

o Hay dos períodos: El Ars Antiqua (hasta el siglo XIII) y el

Ars Nova (siglo XIV).

o Las primeras formas polifónicas:

Organum: a una melodía gregoriana (voz principal) se le

añade una segunda voz (voz organal) a distancia de cuarta o quinta.

Organum medido: la melodía está sometida a ritmo;

pueden ser hasta tres voces.

Motete: es la más importante y más refinada; cada voz

canta una letra diferente y tiene un ritmo diferente. Es la gran

invención de la Escuela de París (surge en la Catedral de Notre

Dame).

o La Escuela de París: en ella se inventan estos sistemas

polifónicos. Aquí surgen dos músicos relevantes: Léonin y Pérotin.

Ars Nova: La polifonía medieval llega a resultados más perfectos

en el siglo XIV. Es la expresión del hombre gótico que busca en la

música elementos nuevos como es el gozo sensual de la música.


2 – LA POLIFONÍA RELIGIOSA DEL RENACIMIENTO

1. LA MÚSICA RENACENTISTA.

1.1. Las cualidades de la música renacentista:

Es Polifónica.

La polifonía se emplea Igualmente para la música Vocal e Instrumental.

Todas las Voces (cuatro o seis) tienen la Misma Importancia.

El Ritmo es Medido y Regular.

El texto tiene mucha importancia; la Música aspira a Destacar el Contenido.

1.2. Las técnicas de la música del Renacimiento: son cuatro:

Contrapunto imitativo: una voz expone una brevísima melodía y otra voz la repite inmediatamente,

bien al unísono o un poco más alta o más baja; las restantes voces repiten, una tras otra, la misma

melodía.

Cantus firmus: una voz canta una melodía y las otras voces tejen a su alrededor la trama polifónica.

Variación: se repite un tema y se varía, cada vez que aparece, la melodía, el ritmo o la armonía.

Homofónica: todas las voces cantan en vertical y con el mismo texto.

2. EL CANTO POLIFÓNICO RELIGIOSO.

La polifonía comienza en las actuales Bélgica y Holanda (la

llamada “Escuela flamenca”) y, desde allí, se exporta a todas las

cortes e iglesias europeas.

Sobresalen los músicos:

Guillaume Dufay (1400-1474) y Johannes Ockeghem

(1428-1495), cultivan el motete y la misa.

Josquin des Prés (1440-1521): es un maestro insuperable

en transmitir, a través de la música, las ideas del texto.

El Renacimiento musical pasó a Italia con la llegada de los músicos

flamencos en el siglo XV. Aquí surgen músicos muy importantes:

Orlando di Lasso (1532-1594): gran actividad creadora;

impulsa una música polifónica con dos cualidades: elimina

todo aspecto profano y compone una música que sirve al

texto.

Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1579): compone

varias misas; cualidades de su música: LLena de ambiente

religioso y espiritual; Polifonía clara; Música llena de

belleza plástica.

2.1. Las formas de la polifonía religiosa:

Motete: gran importancia en el renacimiento.

Misa: en el s. XVI se convierte en una gran forma musical.

3. LAS OTRAS NACIONES. EL CORAL PROTESTANTE.

La música alemana sirve también a la religión: la protestante.

Martín Lutero (1.483-1.546) valora la música como lo más importante

después de la Teología. Fue músico y flautista. Creó la forma musical

llamada Coral, símbolo de la nueva religión e himno de los protestantes.

El coral protestante:

Aprovecha las melodías profanas o religiosas existentes.

Se canta en alemán.

Huye del contrapunto (por su dificultad).

Tiene dos partes: Stollen (se repite) y Abgesang, AAB.

Compositores de Corales: William Bird (Inglaterra) y Johan Sebastian

Bach (1.685-1.750).

Colegio La Presentación (Madrid) - Dpto. De Música - Historia de la Música - 5 4. LA EDAD DE ORO DE LA MÚSICA ESPAÑOLA.

El renacimiento musical ocurre durante los reinados de los Reyes Católicos, Carlos V y Felipe II. Esta

época se considera la “Edad de Oro” de nuestra música y cima de la música europea.

Esta música está dominada por el espíritu religioso (Santa Teresa, San Juan de la Cruz, El Greco).

Los músicos tratan de decir con la música lo que otros artistas con otros medios artísticos.

Esta música queda plasmada en los Cancioneros de la época (La Colombina o el de Palacio).

Las características del Renacimiento español:

Polifonía austera y ascética.

Música religiosa en latín y contrapuntística.

Música profana en castellano y vertical.

La música permanece siempre fiel al texto.

4.1. Los protagonistas de nuestra polifonía: Surgen en las

catedrales españolas:

Cristóbal de Morales (1.500-1.553): Libro de misas.

Francisco Guerrero (1.528-1.599): Liber

vesperorum.

Tomás Luis de Victoria (1.548-1.611): estudia en

Roma, becado por Felipe II, conoce a Palestrina;

vuelve a Madrid y será capellán de las Descalzas

Reales. Oficio de Semana Santa y Misa de Réquiem.


3 - MÚSICA PROFANA E INSTRUMENTAL DEL RENACIMIENTO

1. EL CANTO POLIFÓNICO PROFANO.

1.1. El Madrigal: Es el género por excelencia de la música profana.

Es una forma musical que pretende, a través de la unión de letra y música, expresar los

sentimientos del hombre como ser profano.

Suele ser a cuatro, cinco o más voces a capella (pero puede llevar

acompañamiento).

Se compone y escucha en ambientes cortesanos.

Emplea un lenguaje musical complejo.

La música trata de describir e imitar físicamente el texto.

El compositor más famoso fue Claudio Monteverdi (1567-1643): compuso 8 libros de

madrigales y, a partir del 5º, su música es plenamente barroca. Es el músico que realiza el

paso del Renacimiento al Barroco.

1.2. El canto profano del Renacimiento español: En España, la música más importante fue la religiosa pero los

reyes y nobles cultivaron la música profana e instrumental.

Nuestra música popular se define por:

Influencia que recibe de la música popular.

Fuerte apego al texto castellano.

Fuerte carácter rítmico.

Poco uso del contrapunto.

Se expresó a través de tres formas importantes:

El Romance: formado por cuatro frases musicales que

corresponden a los cuatro versos de cada estrofa. Compositor: Juan del

Enzina (1468-1529), nace en Salamanca, estudia leyes y fue músico de los

Duques de Alba; viajó por España e Italia.

Villancico: forma musical de origen popular profana; consta de:

estribillo, copla y estribillo. Compositor: Juan del Enzina.

Ensalada: género polifónico profano que mezcla diferentes estilos:

madrigal, canción popular, villancico, romance y danza. Compositor:

Mateo Flecha (1481-1553).

2. LA MÚSICA INSTRUMENTAL DEL RENACIMIENTO.

A partir del siglo XV, la música instrumental:

Comenzó a vivir una vida propia.

Surgen formas nuevas.

Varios instrumentos tocan a la vez: concierto.

Se dividieron en familias (viento, cuerda y percusión).

La imprenta comienza a imprimir libros de música instrumental

El Concilio de Trento prohibió el uso de instrumentos en las iglesias.


Los instrumentos renacentistas

Viento Cuerda

Corneta, Cromormo, Sacabuche, Trompeta Viola, Laúd, Clavicordio, Clavecín

2.1. Las danzas más importantes del Renacimiento: La danza tuvo vida independiente como música

instrumental; la mayoría fueron escritas para reuniones sociales y para danzar.

Pavana: origen de Padua (Italia) o de la palabra “pavo”; muy ceremoniosa.

Gallarda: francesa, más viva y en tiempo ternario. Seguía a la anterior.

Folía: portuguesa o española; rápida y enérgica; al son de las castañuelas y sólo por hombres.

Gavota: danza de corro francés.

Zarabanda: baile alegre de origen español.

2.2 La música instrumental en España: contamos con los músicos instrumentistas más importantes del

Renacimiento: organistas y vihuelistas. Destacan:

Organista →Antonio de Cabezón (1510-1566): Burgos, ciego de nacimiento, compuso una abundante

obra para órgano; gran improvisador, conocido en Europa porque acompañaba a Felipe II en sus viajes.

Vihuelistas→Luis de Milán (1500-1561), Luis de Narváez (1500?-1555?) y Alonso de Mudarra

(1510?-1580).


4 - MÚSICA VOCAL BARROCA

1. LA MÚSICA BARROCA.

1.1. Los períodos de la música barroca: A lo largo de 150 años, a partir de 1600:

Primer barroco: policoralismo y uso del bajo continuo.

Barroco medio: la música vocal e instrumental, parecida importancia.

Barroco último: predominio de la música instrumental.

1.2. Las técnicas de la música en el Barroco:

o Bajo continuo: existe una voz principal, otras voces rellenan y un bajo sostiene a ambas.

o Ritmos medidos e incisivos: compás moderno, ritmo mecánico con pulsaciones fuertes y normalmente

repetidas.

o Estilo concertato: contrapone las realidades de la música para hacerla más dramática (coros, orquesta,

solos, ritmo o varios coros).

o Nuevo concepto armónico: de música modal a música tonal.

2. MÚSICA PROFANA AL SERVICIO DE LA MONARQUÍA: LA ÓPERA.

La música profana sirve fundamentalmente a la monarquía.

2.1. La ópera:

Es una obra dramática cantada, nacida en el Barroco, en la que los actores representan una historia en

un escenario.

Precisa de escenario, orquesta, coro y solistas.

Consta de obertura (parte instrumental que la precede), partes cantadas e interludios (partes

instrumentales que se intercalan en la ópera).

Comenzó como espectáculo aristocrático y regio; después, se hará más popular.

Se basará en la monodia acompañada (melodía con la que se canta el texto, sostenida por el bajo continuo).

La ópera canta el texto con tres sistemas diferentes: recitativo (es como declamar una poesía), arioso (forma

de cantar más adornada) y aria (la melodía se decora con profusión).

Tipos de ópera barroca

Ópera seria Ópera bufa

Carácter aristocrático – temas y personajes mitológicos. Carácter popular – temas y personajes de la clase media.

2.2. La música para la escena en España: Tenemos una gran tradición en la música escénica. Nuestros músicos

se unirán a los grandes dramaturgos (Calderón de la Barca y Lope de Vega) y se ponen de moda dos géneros: la

Zarzuela y la Tonadilla.

Zarzuela Tonadilla

Obra de teatro cantada en castellano; las escenas habladas

alternan con las escenas cantadas.

El nombre proviene de Palacio Real en que se representa,

lugar donde había muchas zarzas.

Obra escénica cantada y hablada, corta, divertida y

satírica; pinta las costumbres españolas.

2.3. La ópera en Inglaterra: se inicia con el músico Henry Purcell (1659-1695), que

compone con influencias extranjeras, sobre todo, francesas. Obra: la ópera Dido y Eneas.

Otro gran músico: Georg Friedrich Händel (1685-1759): nace en Alemania, estudia

Derecho. Viaja a Italia, pero luego se establece en Inglaterra. Compone música coral y es

un maestro del contraste barroco. Su música es de carácter extrovertido y cortesano.

2.4. La ópera en Francia: género

muy importante porque gusta

mucho a los reyes. Jean Batiste

Lully (1632-1687) es italiano y

afrancesa el estilo italiano.


Purcell Händel Lully

3. LA MÚSICA BARROCA AL SERVICIO DE LA RELIGIÓN.

Es muy importante durante el Barroco ya que la Iglesia la necesita para las grandes ceremonias y para

catequizar a los cristianos.

Utiliza el policoralismo: consiste en usar dos, tres o más coros distintos al mismo tiempo. Giovanni Gabrielli

(1553-16129) usa mucho esta técnica.

3.1. Grandes formas de la música religiosa barroca: Son tres:

El oratorio La cantata La pasión

Forma vocal religiosa – carácter

narrativo – sin representación

escénica – canta un drama de

carácter religioso de la Biblia –

intervienen orquesta, coro y

solistas.

Forma vocal – canta sobre un texto

profano o religioso – carácter

lírico – intervienen orquesta, coro

y solistas.

Gigantesca cantata para glorificar la

Pasión y muerte de Cristo – los

personajes: evangelista que narra,

personajes del Evangelio y el pueblo

– no hay representación escénica.

Giacomo Carissimi (1605-1674) Alessandro Scarlatti (1660-1725) Johann Sebastian Bach (1685-1750)

3.2. La música religiosa en Alemania:

Johann Sebastian Bach: figura más importante; fue un gran organista y un músico que se inspiró en todo el

pasado musical e hizo una síntesis entre el estilo italiano, el francés y el alemán. Como organista tenía que

componer música para cada domingo: ha dejado numerosas obras de órgano. Las características de su obra son:

Hombre religioso, protestante convencido, dedica la mayor parte de su obra a la religión.

Lleva a un gran equilibrio principios contrapuestos: armonía y contrapunto, monodia y polifonía.

Destacan sus cantatas y son famosas sus pasiones.

3.3. La música religiosa en la España barroca: A mediados del siglo XVII surgen músicos como Mateo

Romero, maestro de capilla de Felipe II; Juan Pujol o Juan Bautista Comes. En sus obras se encuentran los

siguientes elementos:

Búsqueda de Contraste entre los diferentes Coros.

Multiplicación de las Voces (hasta 16).


5 - MÚSICA INSTRUMENTAL BARROCA

1. LA MÚSICA INSTRUMENTAL BARROCA.

1.1. Elementos que la definen:

Nacen nuevas formas: suite, sonata, concerto y fuga.

Las técnicas empleadas son las mismas que en la música vocal.

Contraste entre los diversos planos sonoros de la orquesta: tutti (toda la orquesta), concertino (un

grupo) o solo (solista).

Contrastes entre movimientos veloces y lentos.

Se inventan nuevos instrumentos: familia de los violines.

Los instrumentos nuevos adquieren mayor velocidad, capacidad expresiva y brillantez.

Los Instrumentos del Barroco

Viento Cuerda percusión

Oboe, Fagot, Flauta travesera Violín, Viola, Violonchelo, Contrabajo Timbales

1.2 La orquesta barroca: Es aún pequeña en relación con la moderna. Los violines, las violas, los cellos y un

contrabajo eran el núcleo de la orquesta barroca del siglo XVIII. Un clave mantiene unida a la orquesta

tocando acordes que encajan con la armonía. Los oboes y fagotes se añadieron a la línea del bajo.

1.3. Formas instrumentales barrocas :

La suite

La sonata

El concerto

Unión en una sola

obra de varias

danzas de distinto

carácter y ritmo.

Tiene cuatro movimientos:

1º Grave – 2º Allegro en estilo

fugado – 3º Moderato – 4º

Vivo en estilo fugado

Forma instrumental para orquesta con tres movimientos

contrapuestos: 1º Allegro – 2º Lento – 3º Allegro

Es un diálogo contrastante entre el tutti y el concertino.

Puede ser concerto grosso (concertino y orquesta) o

solo (solista y orquesta)

Colegio La Presentación (Madrid) - Dpto. De Música - Historia de la Música - 11 1.4. Los creadores de la música barroca:

Italia

Giovanni Gabrieli (1557-1612): trató de dar más color y contraste a

esta música.

Antonio Vivaldi (1676-1741): sacerdote y violinista; representa la

culminación del Barroco instrumental italiano. Melodías bellas y con

mucho ritmo. Obra: Las cuatro estaciones.

Alemania

Johann Sebastian Bach (1685-1750): importante creación para órgano, clavicémbalo y orquesta. Compone

corales, lleva a la suite a su culmen así como al concerto (6 famosos Conciertos de Brandeburgo).

La Fuga (composición instrumental o vocal a partir de un solo tema a través del uso de la imitación.

Inglaterra

Händel, de origen alemán. Destacan Música acuática, Música para los fuegos artificiales.

Francia

Destaca la producción para clavicémbalo de Jean Philippe

Rameau.

España

Se cultiva la música para guitarra y para órgano.

Francisco Correa de Arauxo (1575-1663), Juan Cabanilles

(1644-1712).

El Padre Soler (1729-1783): músico más destacado; trabajó para

los reyes en El Escorial, Seis conciertos para órgano obligado.

La guitarra se convierte en nuestro instrumento nacional: Gaspar

Sanz (1640-1710): su música guitarrística se basa en danzas como

las folías, zarabandas, chaconas, españoletas…

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