Música vocal: Música vocal del Renacimiento y

Barroco

Imagen Adagio Quant en Wikimedia Commons de Csmm bajo CC BY

1. Renacimiento: hay que ver o que sabes

Fíjate, son unos pocos datos sobre el Renacimiento los que hemos plasmado en la línea deltiempo, personajes y detalles históricos de los siglos XV y XVI que se han quedado fijados ennuestra forma de ver la cultura.

Seguramente estarás buscando en la Wikipedia seis nombres que no te suenan demasiado:Dufay, Josquin Desprez, Palestrina, Morales, Guerrero y Victoria. Tanto por la importancia en suépoca como por su repercusión posterior son los músicos que convierten la polifonía renacentistaen un arte sublime.

El sacerdote Martin Lutero es el origen de una ruptura trascendental en la Iglesiacatólica. Sus quejas contra las indulgencias (la idea de que los pecados pudieran serperdonados a través de determinadas condiciones económicas) eran la punta deliceberg de planteamientos que lo alejaron totalmente de la trayectoria que seguía laiglesia católica en ese momento.

La música que escucharás en los puntos 1.1 y 1.2 tiene unas características técnicascomplejísimas. Compuestas e interpretadas por los músicos de las iglesias másimportantes, dejaban a los fieles como meros oyentes.

En nuestro terreno, la música, la Reforma luterana planteó interpretar melodíassencillas de frases cortas, fáciles de cantar y con texto en alemán. Muchas vecesestaban basadas en canciones conocidas y, aunque al principio se cantaban alunísono, también se compusieron a 4 voces.

Este género musical se denominó coral y tendrá una gran importancia en elBarroco.

Escucha uno de los primeros corales publicados.

Actividad

Fragmento de audio: Coral. J.Walter. Naxos.

La invención de la imprenta supuso

una mayor difusión de la música,la creación de un estilo internacional generado por el conocimiento del

trabajo de diferentes artistas,la interpretación musical en contextos “domésticos” que podían acceder a la

partitura,unos beneficios para el músico producidos por el libro...

Al comienzo de este programa de Rne, puedes encontrar las condiciones en las queTomás Luis de Victoria mandaba imprimir en Madrid su libro de misas, magnificats,motetes y salmos.

El programa es muy interesante pero lo que necesitas escuchar son sólo los 6primeros minutos.

A la carta > Radio > Radio Clásica > Música antigua > Música antigua - Tomás Luis

de Victoria - 09/12/11

Ordena cronológicamente los compositores renacentistas que aparecen en la líneadel tiempo, mencionando la fecha de nacimiento y muerte.

Curiosidad

¿Cuál de estas tres músicas es un coral luterano?

hd1

HMD1

Like

Share

La primera

La segunda

La tercera

1.1. El hombre armado

Cuando en el primer tema te hablábamos detextura polifónica escuchamos un fragmentode una obra de Tomás Luis de Victoria.

La textura polifónica llevada a cabo con unasestrictas normas que conocemos como técnicacontrapuntística, es la clave de la composiciónreligiosa de los siglos XV y XVI.

Tratados musicales como Le IstitutioniHarmoniche de Zarlino explicaban como habíaque componer las obras para que todo "sonarabien".

Imagen en Flickr de manuelmg8 bajo CC BY

En la composición musical de esta época se utilizan melodías compuestas anteriormente, laspartes se persiguen, se imitan, suenan invertidas una con respecto a otra pero cumpliendo conprecisión unas estrictas normas.

El análisis de los motetes y misas del Renacimiento conlleva descubrir cuántos “trucos” en elmovimiento melódico de las voces, en las proporciones rítmicas, en los préstamos de otras obrasnos encontramos bajo la dulzura armónica que escuchamos.

Durante el renacimientose producen cambios en la

Para saber más

se rellenan de tintaseguramente porque envez de pergamino seutiliza papel que es másfrágil. Este tipo deescritura se conoce comonotación blanca.

Imagen en Wikimedia Commons de Juandelenzina | Dominio público

Componer polifonía fue en su origen unalabor de construcción sobre el cantogregoriano: a la línea monódica delgregoriano se le añadía una segundavoz. Hemos visto que durante toda laEdad Media, apoyarse en una melodíatomada en préstamo era una maneracomún de componer. Esa melodía, aveces de procedencia profana para unacomposición religiosa, se cortaba y semanipulaba rítmicamente.

En la composición de la misa del Renacimiento se llegó máslejos: como si de un corta y pega se tratara, se llevaba a lanueva composición fragmentos de otras obras con todas susvoces. Una vez pegado se comenzaba a “jugar” con eseelemento dentro del sistema contrapuntístico de la nuevaobra.

Los compositores, lejos de pensar que su labor creativadebiera comenzar de cero, utilizaban este material:

para dar unidad a todas las partes de la misa (un

Estas misas se titulan con elnombre de la obra que hanutilizado.

Conocemos más de 30 misasL'home armé.

Los seis compositores quehemos nombrado en el puntoanterior tienen una (o dos)misas basadas en esta cancióndel Renacimiento.

elemento común en todas las partes),

para captar la atención del oyente que pudieradescubrirlo,

para utilizar las características interesantes de esamúsica ya compuesta,

como un homenaje a otros compositores eligiendoalguna de sus obras

incluso como un reto entre músicos que tomaban lamisma referencia de partida.

Escucha esta lista de reproducción con algunos fragmentos de estasmisas.

Este tipo de misas se denominan:

Misas de corta y pega

Misas profanas

Misas copiadas

Misa parodia

¿Cuál de estas partituras pertenece al Renacimiento?

AV - Pregunta de Elección Múltiple

AV - Pregunta de Elección Múltiple

1.2. De Sevilla a Roma pasando por Venecia

La “industria” musical de la época tienesus grandes factorías en las catedrales.Maestro de capilla, cantores yministriles formaban una plantillamayor en número y en prestigio segúnel nivel económico de la ciudad y lacatedral que los albergaba.

La imprenta permitía conocer yadmirar las partituras de músicos quese convertían en pilares del estilopolifónico.

Cristóbal de Morales (1500?-1553) yFrancisco Guerrero (1528-1599)tuvieron una formación como niñoscantores en la catedral de Sevilla ycompartieron su trayectoria comocompositores con los más afamados desus contemporáneos, con los quecoincidieron físicamente mientrastrabajaban en Roma y también envarios libros de composiciones.

Cristóbal de Morales murió siendomaestro de capilla de la catedral deMálaga. Francisco Guerrero, que llegóa viajar a Jerusalem, murió comomaestro de capilla de la catedral deSevilla donde está enterrado.

Imagen en Wikimedia Commons de Anual con licencia CC BY

Sin duda un lugar fascinante por su ubicación ysu riqueza en el Renacimiento es Venecia. Lacatedral de San Marcos albergaba un estilomusical que aunaba la belleza del espacio y elsonido: la policolaridad.

Conocíamos coros que se alternaban en salmosresponsoriales, pero en Venecia llegaron acomponer para cuatro coros con cuatro vocescada uno. Algunas de esas voces se tocaban coninstrumentos.

Esos coros se situaban separados proyectandosus sonido desde diferentes puntos de lacatedral y dirigidos por el maestro de capilla.

Todo un espectáculo que nos abre las puertas del mundo sonoro del Barroco.

Imagen en Ficrk de manuelmg8 con licencia CC BY

En este vídeointerpretan unaobra de GiovanniGabriellicompuesta paravarios coros conlos queintervieneninstrumentos.

¿Podrías decir,viendo lainterpretación,cuántos corosintervienen?

En este caso están todos situados en el mismo espacio pero puedes comprobar queson diferentes pequeñas agrupaciones.

1.3. Un músico de otra época

"Si no hubiera música, la vida sería insoportable"

Entrevista a Jordi Savall en El País

Cancionero de Palacio

Las capillas musicales son instituciones vinculadasa la corte y a las catedrales o iglesias en las que secreaba e interpretaba música. En momentos deriqueza y esplendor como el que vivieron la corte yla iglesia de la España del XV-XVI, las capillasmusicales disponían de compositores destacados ymayor número de intérpretes cantores einstrumentistas. La corte de los Reyes Católicos fuepor lo tanto, un momento de riqueza musical quequedó reflejado en el Cancionero de Palacio, unmanuscrito con casi 500 obras poéticas y musicalescompuestas e interpretadas en aquellos días.

Juan del Encina, Franciscode Peñalosa y muchos otrostienen sus canciones yvillancicos grabados en estacaja.

Buscando este cancionero enYoutube o Spotify te vas aencontrar, si no te hasencontrado antes, con elnombre de un músicollamado Jordi Savall(1941). Es un especialista enmúsica antigua que con suinvestigación ha dado voz amuchas músicas que estabandormidas.

Actualmente, el manuscrito del Cancionero de Palacio se encuentra en labiblioteca de la Universidad de Salamanca.

Para saber más

Documental de la Televisió de Catalunya y Televisión Española (2010), sobre la grabación y elaboración

del disco LA DINASTÍA BORGIA: Iglesia y Poder en el Renacimiento, de Jordi Savall, Hespérion XXI y La

Capella Reial de Catalunya.

2. Moro, lasso, al mio duolo

MORO, LASSO , AL MIO DUOLO

E chi mi può dar vita,Ahi, che m'ancide e non vuol darmi aita!

O dolorosa sorte,Chi dar vita i può, ahi, mi dà morte!

…...

ME MUERO, POR DESGRACIA, EN MI SUFRIMIENTO

Y ella la que me podía dar la vida,¡Ay, me mata y no me ayuda.

O triste destino,Ella, que me pudiera dar la vida, ay, me da la muerte.

Partitura

Mira cómo suena la muerte (moro, lasso...) en notas largas, ese movimiento tan intrincado desemitonos y una profunda textura homofónica. Escucha la viveza de las semicorcheas en la “vita”que salta de voz en voz a las órdenes de la textura contrapuntística.

Moro, lasso, al mio duolo es un madrigal.

Sobre poemas y otros textos líricos crecieron en el Renacimiento formas musicales que ponían enprimer plano a la palabra. La frottola, la chanson, el villancico evitaban la complejidad delcontrapunto y colocaban la melodía en la voz más aguda, lista para ser acompañada por otrasvoces o instrumentos.

Este madrigal está compuesto por Carlo Gesualdo, príncipe de Venosa, un músico sobre el quehan corrido ríos de tinta (su biografía/leyenda cuenta cómo asesinó a su mujer y al amante deésta). Llenó sus obras musicales de una expresividad que admiraron y siguieron en el Barroco.

3. ¿Barroco vocal? Händel y Bach

©2012 Google -

Datos de mapa ©2012 Basarsoft, Google, Tele Atlas -

A. Eisenach (J.S. Bach)

B. Halle (G.F. Händel)

Ver mapa más grande

A unos 150 km de distancia y con un mes de diferencia nacieron Händel y Bach. El primero fuefamosísimo en vida llenando teatros con sus óperas y oratorios. El segundo, un creador alservicio de la iglesia con una producción ingente para la exigente rutina eclesiástica. Al primerolo enterraron en la Abadía de Wetsminster en un funeral multitudinario y no dejaron deinterpretar su música. Bach ocupa hoy este lugar por el trabajo que en el siglo XIX hicieronalgunos músicos volviendo a poner sonido a aquellas partituras olvidadas. En sus obras se puedeconocer el recorrido de la música en este periodo. Su muerte marcó el fin del Barroco.

Bach y Händel nunca llegaron a conocerse en persona.

Los años en los que encuadramos el Barrocomusical, 1600-1750, fueron época de regímenesabsolutistas en Europa, así como de los cimientosdel pensamiento moderno (Descartes, Newton...).

Image en Wikimedia Commons de Calliopejen1 |Dominio público

Foto en Wikimedia Commons de Alejandropuchau bajo CC

Estas poderosas cortes eran centros de cultura. Enel campo musical, aunque hubo disputas estéticasque diferenciaban a los países, de una manera uotra Italia impregna de sus ideas musicales laEuropa barroca.

Imagen en Wikimedia Commons de Urdangaray |Dominio público

De allí partió, como vimos en el madrigal deGesualdo,la expresión de sentimientos yconceptos mediante la música. Allí comenzaron aperfeccionar los instrumentos hasta convertir sutimbre en una razón para hacer música diferentea la que se componía para voz.

Escucha cómo suena el Barroco

Music for a while es una canción de Henry Purcell,un mito de la música inglesa. La voz delcontratenor acompañada por el bajo continuoes, sin duda, un sonido representativo de esteperiodo.

Aquí puedes ver cómo se le puso el nombre de esta canción de Purcell a uno de losconciertos del Festival de Música Antigua de Sevilla. Te enlazamos aquí el programa

Curiosidad

¿En cuál de estas dos canciones dirías que suena un contratenor cantando unamelodía acompañada por el bajo continuo instrumental?

AV - Pregunta de Elección Múltiple

4. El Mesías

Plantilla flash de Flasmo bajo CC BY

Dos horas y media para recorrer la vida de Jesús. La historia está contada con fragmentos deversículos de la Biblia que Charles Jennes convirtió en un libreto, es decir, en el texto que iba aacompañar a una obra musical escénica y lo organizó en tres actos.

Georg Friedrich Händel puso la música. Se estrenó en Dublín en 1742 y después en el CoventGarden de Londres. No había compuesto una ópera sino un oratorio. Quizá la obra musical másinterpretada de la historia.

Vamos a guiarte un poco por la primera parte de la obra.

Escucha cómo empieza

1-Sinfonía

Sobre el escenario, el coro en silencio. Cuatro cantantes adelantados, cerca del director, tambiénen silencio escuchan esta pieza instrumental. La orquesta es pequeña (ya hablaremos deorquestas en la próxima unidad) pero no faltan dos instrumentistas representativos de la músicadel Barroco. Se trata de una viola de gamba y un clavecín. El primero toca la línea del bajo y elsegundo construye, sobre esa línea, acordes muchas veces indicados con números. Este tipo de

acompañamiento vertical se llama bajo continuo.

Ahora canta el Tenor

2-Recitativo

Siguiendo el programa, uno de los solistas, el tenor, da un paso al frente. Va a cantar elrecitativo Comfort ye, my people, saith your God . Fíjate en la partitura y escucha: La velocidad(el tempo) se ha parado y un acompañamiento de la orquesta muy sencillo, con un movimientode las voces homofónico da la entrada al tenor que va a cantar una melodía muy sencillatambién, sin saltos, sin melismas.

A veces en los recitativos -que suelen ser la parte narrativa, de acción, de las obras vocales delbarroco- la orquesta se para y sólo acompaña a la voz el bajo continuo. Entonces se llamanrecitativo secco.

Llega el aria

3-Aria

La música del recitativo acaba en una cadencia. Comienza una nueva parte: el aria Every valleyshall be exalted. Varía el tempo, la orquesta se mueve más rápido. Un acompañamiento másdinámico, más adornado da paso al tenor. El aria es ágil, melismática, muy expresiva.

Y luego canta el coro

4-Coro

La orquesta cierra la intervención, del tenor que vuelve junto a los otros solistas y el coro sedispone a cantar por primera vez And the glory of the Lord shall be revealed. La escritura paracoro de Handel es grandiosa moviendo las voces en la tesitura en la que su sonoridad semagnifica. Las voces se mueven imitándose y vuelven a la homofonía cuando el texto requiereuna armonía compacta para su comprensión. Fíjate, al final del coro la palabra Lord (Señor) sealarga y hay un silencio que prepara la última frase hath spoken it cantada lentamente indicadopor la palabra Adagio en la partitura.

Sigue el programa que está al inicio de este apartado, mira todas sus partes, la alternancia derecitativos, arias y coros.

Audios en Wikimedia Commons con licencia CC BY

¿En qué momento se canta el famoso coro del Aleluya?

En la primera parte

En la segunda

Al comienzo de la segunda parte

En la tercera parte

¿Y en qué parte se canta el Amén?

Al principio de la segunda parte

Es final de la segunda parte

Es la última pieza de la obra

Pertenece a la primera parte

Escucha esta interpretación. Es un proyecto en el que cientos de participantesintervienen en los coros. No es algo nuevo. En el aniversario de la muerte deHändel de 1787 ya se hizo algo parecido. Observa el programa de aquel evento:

AV - Pregunta de Elección Múltiple

Para saber más

5. 200 Cantatas

Johann Sebastian Bach trabajóen 4 ó 5 puestos a lo largo desu vida, todos ellos en elcontexto de la Alemanialuterana. Fue organista enArnstadt, Mühlhausen y en lacorte del duque de Weimar,también maestro de capillaen Weimar y en la corte deCöthen. Finalmente maestrodel coro y director musicalde las iglesias de Santo Tomásy San Nicolás en Leipzig.

El que ahora es una figura única de lamúsica occidental estaba contratadocomo organista teniendo que cumplirunas estrictas normas de puntualidad ycuidado del órgano, y en su contratocomo director musical en Leipzig seestipulaban cuántas horas de clase demúsica y latín impartía a los niños yjóvenes del coro.

Se dice muchas veces que Bach era un artesano, y comotal, utilizó la materia prima sonora que cada contextolaboral le daba. Lógicamente, nos encontramos con unagran producción para órgano cuando ocupaba puesto deorganista, para orquesta o para clave en su etapacortesana y mucha música vocal en Leipzig. Bach estabaobligado a componer una cantata para cada domingo yfestivos del calendario luterano, unas 58 al año. Escribiócinco ciclos anuales, y se conservan unas 200.

Fragmento de audio: Inicio de la Cantata 147. Bach. Naxos.

Las cantatas, con tema alusivo al evangelio correspondiente a ese día, contienen música delpropio Bach que aparece en otras obras y también melodías de corales luteranos que reutiliza,modifica, reconstruye o varía como si la música fuera una sola pieza de barro en su cabeza a laque se puede dar formas geniales.

Bach también compuso cantatas profanas que él denominaba drama per musica. La mayoría de lamúsica de estas obras aparece en las cantatas religiosas que compuso en Leipzig.

Las cantatas tienen un número variado de secciones, con arias, recitativos, coros y partesinstrumentales.

Las cantatas de Bach despiertan un interés muy especial. Existen páginas específicas endiferentes idiomas que descubren los detalles de composición de estas obras, de dónde salen susmelodías, la complejidad de elaboración que ocultan bajo estrictas normas de composición, larelación de la música con el texto. También la idea de ciclo anual, la relación de cada obra con undía concreto, es un factor atractivo. Aquí tienes algunos ejemplos:

www.bach-cantatas.com

www.cantatasdebach.com

Verás que tras el título de las obras de Johann Sebastian Bach aparecen unas siglasy un número. No es el clásico Op. (opus), el número de obra con el que vanordenando los compositores su música. Las siglas BWV significan Bach WerkeVerzeichnis (Catálogo de las obras de Bach), y el número hace referencia al ordende composición. No es un trabajo fácil, Bach nunca numeró ni fechó sus obras,algunas ni se han conservado. Los compositores Mendelssohn y Schumman fueronlos primeros en interesarse, investigar, dar a conocer... y poner números a laspartituras. A su primera catalogación le siguieron otras, esta BWV es la última y esla que el mundo de la música ha adoptado como definitiva.

Dos interesantes artículos sobre el tema, el primero de ellos con una errata en eltítulo ¿la descubres?

Bach, cantatas profanas, BWV 30A y 207

La difícil pervivencia de las cantatas de Bach

Aquí tienes las dos cantatas a las que hace referencia el primer artículo.Observa su parecido.

Encuentra y completa el número de catálogo de cada una de estas obras:

Importante

Para saber más

AV - Actividad de Espacios en Blanco

partes independientes, pero convertida en un proyecto acabado poco antes de sumuerte son, probablemente, lo más lejos que llegó el Barroco.

Enviar

Busca y escucha el Agnus Dei de la Misa en Si menor.