Catálogo fia Feria Iberoamericana de Arte

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EEs motivo de satisfacción y orgullo presentar esta vigésima tercera edición de la Feria Iberoamericana de Arte 2014, la Feria de Cara-cas. Han sido veintitrés años de tenacidad, venciendo dificultades y superando obstáculos para llevar a los caraqueños unos días de es-parcimiento y de contacto con el mundo exterior y para reconocernos nosotros mismos. Este año la feria tuvo que cambiar de fecha en razón de las dificultades sufridas en la capital, que son conocidas por todos.

Pero el amor a Venezuela y el compromiso con los caraqueños es un acicate mayor para brindar esta nueva edición. Seguimos siendo la feria más antigua del subcontinente y no ha parado nunca pese a las dificultades y circunstancias que todos conocen, pero que son igno-radas, a veces ex profeso por algunos miembros de la comunidad cultural. FIA como todo espectáculo masivo genera beneficios para toda la ciudad, inclusive fuera del mundo cultural, como lo debe hacer cualquier espectáculo de esta envergadura.

Este año haremos un sentido homenaje a nuestra madrina histórica Sofía Imber quien arriba a sus 90 años de juventud, lúcida, pen-diente del país y la ciudad a los que ama tanto. También tendremos una muestra institucional de Gráfica Norteamericana Contemporánea con sus artistas más emblemáticos, que pese a ser artistas de fama mundial no son conocidos en Venezuela. Ambos eventos hechos bajo la profesional curaduría de María Luz Cárdenas y museografía de Alberto Asprino.

Este año celebramos el Salón Banesco Jóvenes con FIA/XVII edición que es sin duda el espacio de confrontación por excelencia del arte joven de Venezuela, caracterizado por su transparencia y plu-ralidad, en esta oportunidad con la curaduría de Ruth Auerbach. También hacemos nuestro aporte al espacio público caraqueño con FIA Todo Terreno, bajo la dirección de Gerardo Zavarce, dirigido a los sectores populares y de clase media de la ciudad.

FIA es posible gracias al entusiasmo del público caraqueño, y de todos y cada uno de los co-patrocinantes que han creído en ella a través de los años, por eso queremos agradecer, nuevamente, a la Gobernación del Estado Miranda en la persona de su Gobernador Henrique Capriles, quien ha sido un apoyo desde que fue Alcalde del Municipio Baruta; igualmente al alcalde Gerardo Blyde y a su equipo en esta Alcaldía por continuar apoyando la feria. También a la Fundación BBVA Provincial, institución quien nos respalda y acompaña de manera incondicional desde sus primeras ediciones. Asimismo a la Embajada Americana con su presencia consecuente en diferentes actividades, especialmente, dirigidas a las clases más necesitadas; nuestra gratitud a Banesco por haber tomado en sus espacios y apo-yar la edición N° XVII del Salón Jóvenes con FIA. A Decodibo que ha patrocinado la edición N° III del Salón Jóvenes con FIA 2.0 y al grupo corporativo que ha hecho posible Tecnofia. Mención especial a los medios de comunicación que durante veinte tres años han hecho suyo este proyecto.

Asimismo a todos los otros co-patrocinantes y amigos que de una u otra forma han contribuido para que esta edición N° XXIII sea hoy una realidad.

¡Gracias a todos!

El Comité Organizador

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La Fundación BBVA Provincial se complace en apoyar la realización de la Feria Iberoamericana de Arte (FIA), en su vigésima tercera edición, como muestra de su compromiso de fomentar la cultura y el arte como puentes para la construcción de una sociedad donde la conciencia individual y colectiva concurren con armonía.

El arte como forma de investigación ha sido motivo de entusiasmo este año para rescatar y difundir la experiencia del Taller Cobalto, fundado en 1976 por iniciativa de cinco artistas plásticos: Mercedes Pardo, Gerd Leufert, Alejandro Otero, Manuel Espinoza y Gego bajo la gestión de Alicia Briceño. El taller funcionó en Caracas y Los Teques hasta 1985. Los artistas: Ángel Hurtado, Luisa Palacios, Carlos Cruz-Diez, Mateo Manaure, Jesús Soto y Alirio Palacios se incorporaron al grupo y presentaron la recordada exposición La mano, la seda y el color, en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas MACC en 1978, dirigido por Sofía Ímber.

El grupo de artistas mostró un conjunto de obras realizadas con la técnica de estampa sobre seda y una muestra representativa de las obras de esa exposición es presentada por la Fundación BBVA Provincial para FIA 2014.

La Fundación BBVA Provincial celebra esta nueva edición de FIA 2014, respaldando la visión de vanguardia adoptando el formato digital del catálogo de la feria para la difusión de esta importante iniciativa. Reiteramos a sus organizadores nuestro reconocimiento por la perseverancia con la cual conducen esta gran convocatoria anual.


Centro Financiero Provincial. Muestra de la exposición Juan Vicente Fabbiani. Puente a la modernidad / Abril 2014

Peras con manzanasPortada del catálogo Juan Vicente Fabbiani. Puente a la modernidad / Mayo 2014


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LAcerca de la Fundación BBVA Provincial

La Fundación BBVA Provincial tiene como propósito implementar pro-gramas que consoliden el enfoque social de BBVA Provincial hacia la población venezolana, invirtiendo de forma responsable el aporte voluntario del beneficio neto (1%) obtenido por la entidad en cada ejercicio. La inversión está dirigida a la modalidad de ejecución de programas propios, con especial énfasis en la educación y la cultura, además de apoyar diversos proyectos que benefician al conjunto de la sociedad.

Comprometidos con la cultura

Programa ExpositivoLa Institución reafirma su interés por resaltar los valores culturales de nuestro país, promocionando la obra de diversas tendencias artísti-cas, grupos e individualidades.

En el marco del inicio de su programa expositivo 2014, la Fundación BBVA Provincial presentó durante los meses de mayo a julio, la expo-sición “Juan Vicente Fabbiani, Puente a la Modernidad”, una muestra de la extensa obra de este artista venezolano que abarcó las décadas comprendidas entre 1930 y 1980.

Juan Vicente Fabbiani fue un artista excepcional, un creador ubicado en una encrucijada de la historia del arte nacional y universal, dis-creto a pesar de los numerosos premios que obtuvo durante su carrera artística. A los 25 años de su muerte la Institución rindió un homenaje a este importante artífice y al extraordinario aporte que legó al arte moderno en Venezuela.

En el 2013 la Fundación BBVA Provincial presentó, dos exposiciones: Cruz Diez en blanco y negro, mostró por primera vez la obra fotográ-fica del maestro venezolano y universal Carlos Cruz-Diez, realizada en plena mitad del siglo XX, que descubrió una faceta poco conocida y no divulgada hasta entonces de este insigne artista. Contó con la

Sala de exposiciones. Fundación BBVA Provincial. Juan Vicente Fabbiani. Puente a la modernidad / Abril 2014


curaduría de Edgar Cherubini Lecuna y la coordinación general de la arquitecto Mariela Provenzali.

Ciudad Universitaria de Caracas. Síntesis de las Artes Mayores. Seis décadas 1953-2013, un merecido homenaje a la máxima casa de estudios del país, en una feliz coincidencia de los 60 años de BBVA Provincial y los 60 años del inicio del proyecto “Síntesis de las Artes Mayores” ideado por el arquitecto Carlos Raúl Villanueva.

La exposición contempló obras representativas de 25 artistas invitados por el maestro Villanueva, realizadas en los años cincuenta, la misma época del proyecto y acompañadas de una referencia documental de los murales y esculturas integrados a la arquitectura de la universidad, como un reconocimiento de esa importante década en la historia del arte en Venezuela.

Ambas exposiciones contaron con una programación complementa-ria, con actividades y talleres para niños, teatro infantil, conciertos mu-sicales y charlas, tratándose de actividades gratuitas para el disfrute del público en general. Asimismo, para ampliar el alcance de estas iniciativas, en la Planta Baja del Centro Financiero Provincial se ex-hibieron parte de las fotografías y piezas de estas dos exposiciones.

Centro Financiero Provincial. Muestra de la exposición Ciudad Universitaria de Caracas, Síntesis de las Artes Mayores / Octubre 2013

Portada del catálogo Ciudad Universitaria de Caracas, Síntesis de las Artes Mayores / Octubre 2013

Descarga disponible en: www.fundacionbbvaprovincial.com

Sala de exposiciones. Fundación BBVA Provincial. Ciudad Universitaria de Caracas, Síntesis de las Artes Mayores / Octubre 2013

Portada del cat�logo Ciudad Universitaria de Caracas, S�ntesis de las Artes Mayores / Octubre 2013 Descarga disponible en: www.fundacionbbvaprovincial.com


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LComprometidos con la educación

Programa PapagayoPrograma pedagógico orientado a educar en valores, promover la lectura y la escritura creativa en niños de 5to y 6to. grado de Educa-ción Primaria de escuelas públicas adscritas a las Gobernaciones de Estado y subsidiadas por la Asociación Venezolana de Educación Católica (AVEC) a nivel nacional.

A lo largo de su trayectoria más de 63.000 mil niños y niñas, 2.300 docentes e igual cantidad de escuelas en todo el territorio nacional han participado en este programa. Asimismo, se calcula que más de 300 mil personas, entre la comunidad educativa y grupos familiares, han resultado favorecidas indirectamente debido a su efecto multiplicador.

Programa Becas de Integración Iniciativa a través de la cual se otorgan becas a jóvenes que cursan estudios de secundaria, en planteles subsidiados por la Asociación Venezolana de Educación Católica (AVEC) y los que conforman la red de Fe y Alegría, en el marco de la alianza suscrita con ambas instituciones.

Este beneficio se asigna anualmente a 4.500 estudiantes en 100 co-legios de las zonas menos favorecidas a nivel nacional, con la meta de propiciar la permanencia en el sistema educativo y la inserción social de jóvenes de zonas menos favorecidas. En sus cinco años de gestión el mayor logro de este programa son los jóvenes beneficiarios que han culminado exitosamente sus estudios de bachillerato, cifra que a la fecha asciende a más de 4.000 jóvenes que cuentan con las herramientas necesarias para favorecer su integración en la sociedad.

Programa Emprendedor Social La Fundación BBVA Provincial lleva adelante diversas iniciativas dentro de su Programa de Emprendimiento Social, con el que busca pro-fundizar en la premisa de la innovación y el emprendimiento como

garantes de la transformación y el progreso social, en el que los jóvenes son los principales agentes de cambio.

Es así como ha venido desarrollando importantes aportes en el proce-so de capacitación en temas de emprendimiento a diferentes sectores de la población venezolana, promoviendo e incentivando la genera-ción de nuevas ideas y proyectos de negocios sostenibles y rentables para el beneficio de la comunidad.

Este Programa comprende la Cátedra de Emprendimiento Fundación BBVA Provincial en alianza con la Universidad Católica Andrés Bello (UCAB), dirigida a jóvenes, profesionales y comunidades; y el Concurso Actívate y Emprende para jóvenes residenciados en el país.

Ganadores de la primera edición del Concurso Actívate y Emprende


Ruta BBVA 2014Jóvenes expedicionarios de 21 países con los Reyes de España y el Presidente del Grupo BBVA


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LPrograma Educación FinancieraUna decisión informada contribuye a una mejor situación financiera personal, facilita la gestión del riesgo a las entidades y fortalece el sistema financiero, es por ello que BBVA Provincial a través de su Fundación dispone del web site “Adelante con tu Futuro”, un espacio interactivo que brinda al público general acceso a información de interés relacionada con conocimientos básicos financieros. Este portal de Internet disponible en la sección Educación Financiera de www.fundacionbbvaprovincial.com, ofrece un contenido formativo e infor- mativo adaptado a cada segmento: niños y adolescentes, jóvenes y adultos, familia y tercera edad.

Ruta BBVA

Ruta BBVA es un programa patrocinado por el Grupo BBVA, que brinda a jóvenes iberoamericanos de los países en donde opera, la oportunidad de viajar y descubrir las dimensiones humanas, geográ-ficas, sociales e históricas de otras culturas. Es una experiencia que persigue fomentar el crecimiento intelectual de los expedicionarios y de esta manera desarrollar valores importantes dentro de los retos de la Humanidad, tales como, exclusión social, grandes transforma-ciones en el medio ambiente y promoción personal de habilidades y actitudes emprendedoras. Los participantes, además de ampliar sus conocimientos, desarrollan un espíritu de cooperación internacional, con el fin de crear una nueva y más real escala de valores, que va más allá de la riqueza y la pobreza.

Desde 1990 este programa cultural es declarado de “Interés Univer-sal” por la UNESCO.

Comprometidos con la sociedad

Además de los programas educativos y culturales de ejecución directa, se apoyan iniciativas de alto impacto por medio de alianzas estratégicas con diversas organizaciones de desarrollo social de reconocida trayectoria. Asimismo, a través de la Fundación BBVA Provincial se impulsan otras iniciativas, tales como un Programa Interno de Reciclaje reforzando hábitos ecoeficientes; un programa de Voluntariado Corporativo.

El compromiso de la Institución con la sociedad, se refleja con trans-parencia y objetividad, mediante la publicación del Informe Anual de Responsabilidad Corporativa, que podrá ser revisado en www.fundacionbbvaprovincial.com.

www.fundacionbbvaprovincial.com





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inasSeguridad a través del arte en las escuelas

No, la violencia no es normal… En un país como el nuestro, donde los valores se han ido degradando, algunos empiezan a desdibujar las líneas entre lo correcto y lo incorrecto, y la sociedad termina per-dida entre los vacíos que deja la inconciencia.

Entender que la violencia no resuelve los conflictos ni es la forma natu-ral de convivencia dentro de una comunidad, una familia o una es-cuela, es el comienzo de un proceso que implica comprender, a partir de la comunicación y el arte, que la construcción de paz es posible.

Frente a cada acto de violencia tenemos alternativas, que tienen la posibilidad de perjudicarnos o de ser beneficiosas, y debemos ser capaces de ver más allá de la inmediatez de nuestros actos, y en-tender que podremos reaccionar en función de lo que es mejor y no gracias a nuestras reacciones iniciales o a lo que imponen los mitos de nuestras comunidades.

Los cambios que permiten promover los procesos de construcción de paz en las comunidades se logran a partir de la comprensión de los mismos y para ello llevamos el arte y la comunicación a nuestras escuelas, para que nuestros niños, a partir de sus narraciones y ex-presiones sobre la violencia, desarrollen un pensamiento crítico al entender las consecuencias de sus acciones y puedan rechazar la cotidianidad en la que se ha convertido la violencia.

Las escuelas son por naturaleza el lugar más seguro y desde allí debe-mos crear conciencia en los más pequeños. Porque una vez que los niños son capaces de ver su realidad a través sus narraciones y de las piezas creadas por ellos mismos, se inicia el interés por el cambio. Un cambio que no creían posible, porque ya habían aprendido a vivir con la violencia, pero que ahora anhelan: la paz!


Escuela Simón Bolívar

Escuela Nelson Mandela

Escuela San Jorge


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Escuela Manuel Sanoja

Este año estamos entregando cuatro nuevas escuelas:

La Escuela y Liceo Estadal Nelson Mandela en Jardines de Betania, Ocumare del Tuy, nombre escogido por la propia comunidad en reconocimiento al trabajo de igualdad que este Líder llevo a cabo, y como bien dijo: “la educación es el arma más poderosa para cambiar el mundo”.

La Escuela Simón Díaz en El Rodeo, Guatire, nombre también escogi-do por al comunidad en honor al trabajo realizado por este insigne venezolano que dejó huella en grandes y chiquitos.

El Liceo Manuel Salvador Sanoja en Los Mollejones, San Francisco de Yare, cuyo nombre rinde homenaje a esta persona que se dedicó su vida a nuestros Diablos Danzantes de Yare, tradición que representa el triunfo del bien sobre el mal.

En el municipio Acevedo, iniciarán dentro de poco las actividades escolares en la nueva sede de la Escuela Concentración Estadal S/N San Jorge.

Educación, un pasaporte hacia el futuro

“Educa a los niños y no será necesario castigar a los hombres”, decía ya Pitágoras… y es que sólo educando podremos combatir la vio-lencia, porque la educación es la que permite a un país construir un escudo contra la pobreza y a un individuo tener la llave que abre todas las puertas.

Es la educación la que permite que un chamo de Petare como Yeiker haya podido conocer el mundo gracias a su esfuerzo en sus estudios en instituciones como el IESA; o que una muchacha como Gisela haya podido fortalecer su carrera y luego, gracias al apoyo de la Gober-nación, haya podido montar su propia empresa de confección, ahora es una emprendedora.

Estamos convencidos de que el lugar donde naces no determina tu futuro, sino que el mañana le pertenece a quienes se preparan para él en el presente. Con la educación se asciende a la libertad, con la ignorancia se desciende a la servidumbre; sólo con la educación podremos ser independientes.

Por eso en Miranda centramos nuestros esfuerzos en mantener un sis-tema educativo de calidad y en menos de seis años hemos construido 44 nuevas escuelas, para darle a nuestros niños los ambientes educa-tivos idóneos para su aprendizaje.


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enciaSomos baruteños,

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“Este era un país un díadonde todo iba al revés

el sol de noche salíael cielo estaba en los pies”.

Eugenio Montejo, del poema Disparate.

En tiempos de enfermedades, escasez y disparates siempre habrá un poema al cual asirse. En tiempos en los que ni la electricidad, la leche, ni tan siquiera el agua alcanzan siempre habrá una pieza musical para anclarse. En momentos de colas, censura y pobreza, especialmente la de valores, el teatro siempre puede acercarse al público como una tabla de salvación. Porque el arte, con sus infinitas posibilidades, es y ha sido en todas las civilizaciones uno de los me-jores bálsamos, oxígeno y hasta antídoto para este tipo de epidemias.Cuando en una sociedad el delito y la impunidad son los que ganan la carrera, siempre surgen voces, como la del gran poeta Rafael Cadenas, que apuestan por un camino distinto.“En medio de la mentira, por encima de ella, en la hendidura, busca este país su verdadero rostro, para curarse”, fue el mensaje de Cade-nas para la exposición Manifiesto País, exhibida recientemente en la Sala Mendoza. Y es que en esta nación, tercera en el ranking mundial de la violencia, son muchos los que sueñan con ganarle terreno a esas y otras muchas adversidades para hacer la diferencia. Unos sueñan con salas de cine y grandes cantidades de libros. Otros se ven entre galerías de arte o salones para la danza. Otros tantos se descubren entre instrumentos musicales, modelos científicos, imple-mentos para el deporte, ingredientes para recetas. Todos quieren una Venezuela posible, donde -como escribiera Lau-reano Márquez en una de sus editoriales para el diario Tal Cual- podamos recobrar la sensatez. Todo ellos, muchísimos anónimos,

otros no tanto, son conductores de este país, “el país del mientras tanto”, como lo llamaba José Ignacio Cabrujas, y todos ellos, muchos anónimos, otros no tanto, desean que ese “mientras tanto” termine por ser permanente.Lamentablemente algunos de los grandes conductores de Venezuela se fueron, y hace muy poco, el maestro Oswaldo Vigas, el gran cientí-fico Jacinto Convit, el inigualable Simón Díaz. Pero muchos de los que aquí siguen, casi todos anónimos, se desviven por conducir sorteando dificultades con modelos de paz y convivencia.Esa es la apuesta de la Alcaldía de Baruta, cuyos trabajadores, lide-rados por su alcalde Gerardo Blyde, crean, mantienen y difunden espacios para el arte, focos permanentes para el deporte, caminos para el encuentro, zonas donde los pocos disparates que existan sean la cultura y el entretenimiento, y junto a ellos, la tolerancia, la con-vivencia y la libertad.Con ese reto es que han surgido iniciativas que permanecen y se perfeccionan con los años, como el Festival de las Artes y la Lectura de Baruta, referencia obligada para el encuentro con las ideas, cuyo circuito el pasado año abarcó a casi todo el municipio, sumando a la plaza Sadel escenarios como la Concha Acústica de Bello Monte, el Teatro Escena 8, el Trasnocho Cultural, la Hacienda la Trinidad Parque Cultural, el Club Táchira y la Plaza El Cristo en pleno pueblo de Baruta, entre muchos otros.


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Más que un gimnasio

Otro ejemplo de recuperación cívica de los espacios públicos es el gimnasio vertical de Santa Cruz del Este. Inaugurado en noviembre de 2013, en plena zona popular, recibe a más de 400 alumnos de las escuelas públicas de la zona, a organizaciones sociales del municipio (que suman unos 200 niños y personas de la tercera edad), a unos 500 niños y jóvenes de escuelas de iniciación deportiva de Baruta, clubes de diversas disciplinas que agrupan a unos 700 jóvenes y adultos y a vecinos de Baruta, en especial los de Santa Cruz del Este.Ese complejo, el más grande y moderno del país, más allá de un lugar para el deporte, se ha convertido en un modelo de civismo, donde son los propios vecinos del barrio quienes cuidan sus espacios, los mantienen junto a la Alcaldía en perfecto estado y respetan a diario las normas. En este lugar no hay espacio para insultos ni agresiones y hasta el insomnio se diluye en el espíritu de cooperación que se vive en sus dos canchas de usos múltiples, en su pista de atletismo, su tatami o en su sala de ejercicios. Allí el voleibol, el fútbol, las artes marciales, la bailoterapia y el yoga todos los días le ganan puntos a la violencia.El nuevo complejo se suma a las 92 canchas y 14 polideportivos de Baruta, en su mayoría rehabilitados o inaugurados durante la gestión del alcalde Blyde, como las canchas de arena de Manzanares.

Para el encuentro creativo

Pero hay más, en los últimos años, numerosas las plazas y parques de Baruta se han convertido en zonas de creatividad y pluralidad, a través de sus ferias, festivales de danza, conciertos, cine al aire libre y exposiciones viales.

En paralelo, grupos de teatro –obras clásicas y contemporáneas- con-viven en una sala experimental, que lleva un año en funcionamiento, con los niños y jóvenes de la orquesta municipal que a diario ensayan en el interior de la Concha Acústica de Colinas de Bello Monte, icono arquitectónico que está cumpliendo 60 años, para imponerse, contra viento y marea, sobre el miedo, la desidia y la muerte.Asimismo, las calles, como la Avenida Río de Janeiro, se transforman algunas cada semana, otras prácticamente una vez al mes, en pistas para quienes aman ver el sol corriendo. Esa es la Baruta de la cultura, del deporte, del encuentro, que sobrevive a toda ideología y que todos los días intenta sanarse las heridas que dejan las epidemias y la escasez. Es la Baruta de los mercados a cielo abierto y precios solidarios, la que apuesta al emprendimiento y lo fomenta entre sus vecinos, la que entrega títulos de tierra a quienes han invertido por años todo lo que son y todo lo que tienen en un techo que ahora sí heredarán sus hijos.La Baruta de las tradiciones y de fe, con sus decenas de celebra-ciones y incontables procesiones, la Baruta del Centro de Protección Animal, en La Tahona, que cumple con los más altos estándares de calidad de la veterinaria internacional y cuyo modelo lo hace único incluso en Latinoamérica.Esa es la Baruta que sueña, que pese a la crisis económica, la ausen-cia de valores y las enormes trabas del modelo político e ideológico del gobierno central, vive el orgullo de trabajar todos los días para hacer la diferencia.

Alcaldía de Baruta


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Conductores de un país 2

En homenaje al maestro Pedro León Zapata y su mural Con-ductores de un país -expuesto desde 1999 en la autopista Fajardo, a la altura de la Ciudad Universitaria- el caricaturista y artista plástico Eduardo Sanabria, Edo, recrea Conductores de un país 2, en el que muestra a algunos de esos tantos héroes que generan ese orgullo de ser venezolanos.

Sofía Imber, Simón Díaz, Gego, Carlos Cruz Diez, Rómulo Gallegos, José Ignacio Cabrujas, Omar Vizquel, Billo Fróme-ta, Teresa Carreño, José Gregorio Hernández y el mismo Zapata son algunos de los 26 personajes que -entre vehícu-los, motos y peatones, con el majestuoso Ávila de fondo- se exhibirán en la pared de la Alcaldía de Baruta durante la Feria Iberoamericana de Arte, en el Hotel Tamanaco.

En paralelo, una versión en gigantografía se mostrará tam-bién en el Museo Vial de la Alcaldia de Baruta, del Paseo Enrique Eraso, en Las Mercedes. Sin duda, oportunidades únicas para el reencuentro con la Venezuela del éxito, la superación y el esfuerzo.


Elección de Señorita SUcre 2014 en el Centro Histórico de Petare

Festival Son de Sucre. Oscar D’ León recibe las llaves del municipio Sucre, por parte del alcalde Carlos Ocariz

Grupo cultural Los Morichez, de la parroquia Mariches en el municipio Sucre


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Alcaldía de Sucre. Por Buen CaminoCultura como factor de desarrollo

De acuerdo a la Unesco, la cultura puede entenderse como los rasgos distintivos, espirituales, materiales, intelectuales y afectivos que carac-terizan a una sociedad o un grupo social y que engloba, además de las artes y las letras, los modos de vida, los derechos fundamentales al ser humano, los sistemas de valores, las tradiciones y las creencias.

Partiendo desde este punto, la cultura es uno de los factores de desa-rrollo sustentable que permite el crecimiento de todos los agentes cul-turales que hacen vida en Petare, La Dolorita, Mariches, Caucagüita y Leoncio Martínez, las cinco parroquias del Municipio Sucre.

La cultura es un rasgo característico del municipio. El verde intenso del Ávila que arropa Petare, los colores de nuestra geografía y el legado para el país de Tito Salas, Bárbaro Rivas, Miguel Von Dangel, Pablo Livinally (Apolinar), Jermán Ubaldo Lira y Octavio Suárez, junto a otros creadores, son una muestra del quehacer cultural que posee este municipio de Caracas.

En este contexto, la cultura se convierte en una fuerza motriz del desarrollo en el Municipio Sucre. Desde 2009, a través de la gestión del alcalde Carlos Ocariz, los programas socioculturales que ha implementado la Dirección de Cultura Sucre han beneficiado a más de 5000 niños, jóvenes y promotores culturales en distintas áreas como danza, música, artes, literatura, formación, publicaciones, ludotecas e infraestructura, generando bienestar social para los habi-tantes del Municipio. Cultura Sucre también ha realizado alianzas estratégicas que promueven el desarrollo cultural en la localidad con los centros culturales de la zona y Caracas, para convertir al municipio en un espacio para la cultura ciudadana.

Este trabajo en conjunto con la comunidad y aliados ha dado sus frutos. En septiembre de 2014, la organización europea City Mayors, otorgó el galardón de “Alcalde del mes” a Carlos Ocariz, destacan-do el trabajo de la Alcaldía de Sucre en la prevención de la violencia a través de la masificación de actividades recreativas, deportivas y culturales en las zonas populares y clase media del Municipio Sucre.

Gracias al esfuerzo de nuestra gente y la promoción de una agenda cultural de calidad, ahora la cultura es una referencia de desarrollo y una herramienta para la cohesión social en el Municipio Sucre.

Visita de estudiantes de Petare a la Sala Mendoza (Cortesía Prensa Sala Mendoza)


Mercado terminal La Urbina, un espacio para mejorar la movilidad

El sector de la Redoma de Petare, se ha caracterizado en el tiempo, por ser un sector problemático en cuanto a la circulación vehicular como peatonal, un dilema de encuentros no controlados de múltiples actividades, que lejos de convivir en armonía, se entorpecen y dis-crepan entre ellas, dando una sensación de desagrado, inseguridad, abandono y desidia entre los ciudadanos.

Entendiendo esta realidad existente, la Alcaldía de Sucre desarrolla un plan estratégico denominado “Plan de renovación de la Redoma de Petare”, el cual consiste en evaluar tópicos de movilidad, comercio informal y recuperación de espacios públicos en este sector, para poder brindar una mejor calidad de vida a los ciudadanos que habi-tan y circulan diariamente.

El objetivo general de este plan, es concebir espacio público para el libre tránsito de peatones entre los servicios más importantes de la Redoma (Metro, Mercado – Terminal de La Urbina, Hospital Pérez de León y paradas de la Redoma) y dentro de los objetivos más específicos, se encuentran generar un espacio digno donde reubicar de forma definitiva los comerciantes informales.

Es por esto que, dentro del marco de este plan, se proyecta y se construye el “Mercado Terminal de La Urbina”, ubicado en frente a la Avenida Principal de La Urbina, sobre un terreno de aproximada-mente 7.400 m2 en el cual se contempla el Mercado Municipal para comerciantes populares del sector de Petare que hacen vida en los alrededores del terreno y la ampliación del Terminal de Transporte que se ubica frente a la Avenida Principal de La Urbina. Este proyecto fue realizado por la Empresa Micucci+ Proyectos Asociados.

El objetivo del proyecto fue ordenar la situación vial y vehicular del entorno así como recuperar el espacio público de la Avenida Princi-pal y con esto devolver a la ciudadanía espacios públicos para la

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Un espacio para la movilidad

movilidad por la ciudad, y de establecer un orden en las paradas terminales del transporte público, de forma tal que se establezcan espacios ajustados a las necesidades de cada actividad, sin que invadan espacios destinados originalmente a otra actividad. Es decir, creando terminales de transporte público que contemplen mercados populares con la finalidad de ubicar a los comerciantes informales, sacándolos de las calles donde entorpecen la movilidad y estable-ciendo un orden en el transporte público.

Este terminal es acompañado por un mercado, que consta de 804 puestos o locales comerciales destinados a la venta fundamentalmente de productos secos y mercancía en general, con un área de restaurant o local de comida de 92 m2, la cual se ha ubicado hacia el ingreso de la parcela, en la que se dispone una pequeña plaza así como un área cubierta para mesas.

Este proyecto conceptualizado como un volumen hibrido busca plan-tear una solución tanto al comercio informal como a las paradas del transporte público.

La distribución espacial de esta infraestructura es una solución para que miles de ciudadanos cuenten con un espacio humano, amplio, seguro y de calidad para sus trabajadores y usuarios, favoreciendo la conectividad a través de una adecuada red de transporte público.


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Contáctanos por los teléfonos: (212) 263 0960/267 1297 E-mail: [email protected]

La Asociación Damas Salesianas, (ADS) “Sembradoras de Espe- ranza”, fue fundada en Caracas, Venezuela en el año 1968 por el Padre Miguel González, sdb, y un grupo entusiasta de mujeres comprometidas, de gran fortaleza espiritual, amor y generosidad, que dejaron este legado a quienes, junto al Padre Fundador, continúan esta labor que en conjunto se denomina Proyecto-Empresa, siendo pionera a nivel latinoamericano en desarrollar estructuras de trabajo para el voluntariado social y procedimiento de trabajo que garantice, de acuerdo al contexto e idiosincrasia cultural, la optimación de recur-sos para lograr el mayor bien.

ADS, para muchos, una oportunidad para capacitarse, para recibir educación formal, para mejorar su salud; ADS una oportunidad para emprender su proyecto de vida en ser mejor persona.

Con Jesús como norte, y el hermano desposeído como razón de ser, la ADS se ha sembrado en 13 estados con 30 centros a nivel nacional y en 22 países más, con 95 centros a nivel mundial.


El Padre Miguel González, Sacerdote SalesianoSu generosidad, su amor y lucha incansable para ayudar a los más necesitados, deja una huella indeleble en nuestro país y fuera de nuestras fronteras.

¡Dios nos guíe para continuar su obra, sigamos su ejemplo!


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GRÁFICA NORTEAMERICANA CONTEMPORÁNEAArtista invitado internacional

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INSTITUCIONES PRIVADAS APOYAN EL ARTE

GALERÍAS PARTICIPANTES

SALÓN BANESCO JÓVENES CON FIA / XVII ediciónConstrucción identitarias: cuerpo, memoria y lugar

SALÓN JÓVENES CON FIA 2.0/3

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La Embajada de los Estados Unidos de América celebra la ocasión de esta exhibición de exponentes de la gráfica estadounidense, que le brindará al público venezolano la posibilidad de ver por primera vez en Venezuela obras fundamentales del arte contemporáneo.

A través del coleccionismo venezolano se podrá acceder entre otras a obras litográficas de Alexander Calder, mejor conocido por sus extraordinarias colaboraciones escultóricas con el arquitecto Carlos Raúl Villanueva en el campus de la Universidad de Venezuela, y a la icónica presencia de Andy Warhol, uno de los representantes más influyentes del Pop Art estadounidense, a través de su emblemática Lata de Sopa Campbell cuya exhibición en Venezuela marca un hito.

Esta muestra nos sorprende también con la presencia de obras de Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Larry Rivers, Robert Indiana, Julian Schnabel y muchos otros, lo que coloca a esta exhibición a la altura de las mejores en todo el mundo.

Gracias a Zoraida Irazábal, Ana Josefina Vicentini, a la curadora María Luz Cárdenas, y a todo el equipo de la Feria Iberoamericana de Arte por hacer posible esta estupenda iniciativa.

Mary Lou Johnson-PizarroAgregada Cultural


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El arte norteamericano contemporáneo: una lectura a través de la obra gráfica-I. Modernidad, Expresionismo Abstracto, Minimalismo y Pop Art

María Luz Cárdenas

Los orígenes y desarrollo del arte contemporáneo tienen uno de sus más fuertes anclajes en los Estados Unidos. Toda vez que la Segunda Guerra Mundial desplazó definitivamente el polo europeo de creación artística hacia Norteamérica, el impulso por las nuevas formas encon-tró un vigoroso lugar para su asentamiento. En su mayoría refugiados, llegados hacia los años cuarenta, numerosos artistas de sólida trayec-toria y protagonismo en los orígenes de la modernidad, se establecie- ron en Nueva York. Hans Hofmann, Duchamp, Mondrian, Albers, Max Ernst, Gropius, De Kooning y Richard Lindner, asumieron entre otros la tutoría y formación de la nueva generación y crearon, en Nueva York, una escuela artística como anteriormente no había existido en el Con-tinente Americano. De ahí en adelante la historia comprueba cómo los diferentes movimientos norteamericanos lideraron el devenir de las artes de la segunda mitad del siglo XX con una penetrante capaci-dad para la experimentación con medios y técnicas, investigación de nuevos contenidos y posibilidades de ampliación de los contextos conceptuales y los márgenes de la creación. Las artes gráficas ocu-pan un espacio importante en los procesos de experimentación, constituyeron uno de los medios de expresión con mayor capacidad de comunicación y alcance discursivo y se plantean como elemento central de esta exposición que concentra movimientos y artistas que señalaron a las artes gráficas como fuentes esenciales de la creación.

El arte norteamericano contemporáneo: una lectura a través de la obra gráfica es una muestra que propone recorrer los principales movimientos guiados por obras de sus más representativos artistas. Alexander Calder (1898- 1977) abre el camino que permite articular el capítulo de ingreso a la modernidad. Le sigue Robert Motherwell (1915-1991) como uno de los titulares del expresionismo abstracto, con una sección muy completa dedicada a los orígenes, plenitud

y movimientos posteriores del Pop Art. Jasper Johns (1930), Robert Rauschemberg (1925- 2008) y Larry Rivers (1923-2002) se exhiben como precursores del Pop. Andy Warhol (1928- 1987) y Robert Indiana (1928) expresan el desarrollo del movimiento y Keith Haring (1958-1990) ejemplariza el curso Post-Pop después de los años ochenta. Sol Lewitt (1928-2007), Robert Mangold (1937) y Frank Stella marcan el despliegue de los minimalismos y abstracciones con-ceptualistas. Las nuevas figuraciones y movimientos transvanguardistas de finales de siglo contemplan la presencia de Chuck Close (1940) y Malcolm Morley (1931) por el Hiperrealismo; Richard Estes (1932), Richard McLean (1934) y John Kacere (1920) por el Foto Realismo y Julian Schnabel (1951), David Salle (1952) y Donald Baechler (1956) por la figuración de la transvanguardia.

Gran parte de las gráficas seleccionadas –procedentes de coleccio-nes venezolanas y norteamericanas– son piezas catalogadas y ava-ladas por la APA (American Prints Association), lo cual garantiza la autenticidad y calidad de ejecución de las mismas e incluyen obras esenciales en la producción de los artistas.

1. Ingreso a la modernidad: Alexander Calder

Calder es uno de los fundadores del arte abstracto y creador de las estructuras “móviles” suspendidas en el espacio como una forma de generar una dimensión espacial nueva donde el balance, los vacíos y el movimiento ofrecen el foco central a la expresión. Con una pro-lífica producción gráfica, asignó a la disciplina un lugar dominante


en su producción cuyo cromatismo se fundamenta en el juego de los colores primarios. Las estampas de Calder poseen una linealidad imaginativa que refleja las mismas ideas originales de sus esculturas y móviles. Esta exposición presenta dos litografías firmadas en la plan-cha: Balloons (Globos), 1968 y Autumn Harvest (Cosecha de Otoño), 1969. Balloons está compuesta en naranja, rojo y negro sobre fondo blanco. La simplicidad de los colores y las formas hacen de ella una obra contundente y muy llamativa. Contiene cinco formas circulares sostenidas por líneas muy delgadas de idéntico color que los círcu-los. Estas líneas se entrecruzan y crean retículas, lo cual amplía sus efectos de vuelo, vibración, movimiento y energía. Autumn combina la imagen de las hojas en negro sobre un fondo con los tres colores primarios. El vacío y el vuelo son aquí reemplazados por la solidez del trazo en espirales, que llena el espacio.

2. Expresionismo Abstracto: Robert Motherwell

La primera manifestación importante en la pintura, nacida como res-puesta de los jóvenes artistas neoyorquinos guiados por los maestros europeos, fue el Expresionismo Abstracto, que orientó el desarrollo de un estilo pictórico basado en la recuperación del gesto, el uso libre y expresivo del color y en un intento de dibujar espontáneamente la imaginería del subconsciente. Tal y como lo pronunciara radicalmente Robert Motherwell, “se precisaba una experiencia sentida: intensa, inmediata, directa, sutil, unificada, cálida, vívida, rítmica”. Los artistas se aproximaban a tientas a una estética que repudiaba la hegemonía del intelecto y permitía la expresión libre y espontánea. Se trataba

de una reacción a las contradicciones del avance tecnológico como garantía de progreso, para recuperar la intuición ante el quebran-tamiento de valores y debacle política y social de la posguerra. A comienzos de la década de los años cincuenta era un estilo ya internacionalmente reconocido. Los nombres de Franz Kline, Arshile Gorky, Hans Hofmann o Motherwell en el terreno del Expresionismo Abstracto y Jackson Pollock y De Kooning como líderes de la van-guardia gestual de la Escuela de Nueva York, abanderaron la toma de conciencia del arte norteamericano como un arte universal de tal fuerza que rebasó los límites continentales. En todo el mundo la influencia de la Escuela de Nueva York se hizo patente al punto de convertirse casi en academia oficial.

Motherwell desarrolló un lenguaje muy personal para mostrar al es-pectador el talante emocional en la relación del artista con el lienzo o el papel. En el uso de la pintura negra como elemento básico, o también diluida con aguarrás, tiene uno de sus más conocidos logros para llegar a misteriosos efectos de sombras. La Suite Madrid de 1991 es una serie litográfica que concentra el alcance de su propuesta. La serie fue ejecutada por el maestro grabador Irwin Ho- llander, con quien el artista trabajó desde los años sesenta. Se trata de una reelaboración sobre el recuerdo de unos dibujos que había trazado en las paredes del cuarto de hotel en Madrid durante la luna de miel con su esposa Helen Frankenthaler. Utilizó cinco grados de creyones, cinco grados de negro y cinco grados de blanco, de manera de activar diferentes texturas y superficies. La simplicidad del lenguaje de Motherwell le sale muy libre e inocente, sin estructuras o enrejados que le determinen su curso. De los diez ejemplares de la Suite Madrid, se exhiben cuatro en esta exposición.

3. Orígenes, plenitud y desarrollos contemporáneos del Pop Art: Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Larry Rivers, Robert Indiana, Andy Warhol y Keith Haring

La hegemonía del expresionismo abstracto fue cuestionada por una generación de relevo que señalaba cómo se había desembocado


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en un callejón sin salida y concebido la pintura como un asunto de mero color, pinceladas y composición, desatendiendo el problema del tema, el cual tendría que ser recuperado. Los temas escogidos fueron los más cercanos, los que el artista pudiese encontrar en su entorno, no sólo dentro del paisaje urbano sino dentro de la televisión, los mensajes publicitarios, las costumbres, las imágenes populares o el mundo cotidiano que, a la sazón, llegaron a constituirse en temas innovadores, radicales y emblemáticos de una nueva conciencia. El Arte en América pasó a ser un Arte de América. Por ello, si bien la fecha oficial del establecimiento de nuevas formas de figurar en el arte se ubica hacia finales de los años cincuenta, no es un acontecimiento manifestado en forma abrupta.

a. Precursores: Johns/Rauschenberg/Rivers

El estado previo a la consolidación del Pop Art en el propósito de restablecer la presencia del arte figurativo se perfila a partir de tres artistas fundamentales que, hacia los años cincuenta, fueron los pri-meros en declarar su rebelión sincera contra el expresionismo. Johns y Rauschenberg se enfocaron en elementos figurativos tomados de lo cotidiano, crearon nuevas técnicas, y un tratamiento plástico distante, sin referencias a lo gestual o lo espiritual. Son precursores del Pop Art, y su lenguaje fue denominado proto-pop en algunas ocasiones. Debido a que ambos crearon un arte inédito hasta el momento, se les considera creadores y únicos miembros de un nuevo movimiento artístico: el neodadaísmo —nombre derivado de una cierta conexión con el dadaísmo, del que Marcel Duchamp con los ready-made había

sido antecesor. Desde 1954, Jasper Johns comenzó incorporar en sus obras elementos que lo alejaban radicalmente de la tradición domi-nante. Centró su iconografía en temas conocidos como dianas de tiro, banderas estadounidenses, números y letras del alfabeto. Desarrolló un estilo objetivo y preciso, aplicando gruesas capas de pintura de modo que el propio cuadro se convirtiera en un objeto y no sólo en la reproducción de objetos reconocibles. Esta idea de arte-como-objeto se convirtió en una poderosa influencia en la escultura y la pintura posteriores. Más adelante integró objetos tridimensionales a sus pin-turas. Johns se encuentra al origen de muchas otras innovaciones en el terreno de las artes plásticas y exploró considerablemente la obra múltiple y el grabado —campo en el que destacó por ampliar y modi-ficar los registros de las técnicas gráficas. Technics and Creativity es un múltiple a manera de libro-objeto que en 1971 editó el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Se trata de una caja blanca en plástico que contiene, en la cara derecha, el catálogo razonado de Technics and Creativity, una exposición del Museo de Arte Moderno de Nueva York compuesta por grabados múltiples de Josef Albers, Jasper Johns, Ellsworth Kelly, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, Robert Rauschen-berg y Frank Stella, con un ensayo de la curadora Riva Castleman. En la cara izquierda se encuentra la impresión de una diana de tiro sin colorear con tres placas de acuarelas en los tres colores primarios acompañados por un pincel. La litografía de la diana de tiro fue especialmente comisionada para esta publicación por el Museo. La intervención del propietario del múltiple sobre el dibujo de la diana produce una obra original a dúo con el propio Johns, cuya firma en lápiz se encuentra estampada al lado inferior derecho. El artista creó un kit de pintura al estilo “hágalo usted mismo” que invita a cada quien a crear su propia versión de las dianas de tiro.

Robert Rauschenberg pertenece a la estirpe de precursores del Pop Art que, con una insólita libertad de experimentación en la incorpo-ración de técnicas, ofrece una reveladora visión de la vida contem-poránea. A su amplio y sabio eclecticismo se debe, en gran parte, la idea cultural de que una obra de arte pueda existir indefinidamente, hacerse con cualquier material (desde una cabra disecada o un dese-


cho a una persona viva), ponerse en cualquier sitio (en un escenario frente a una cámara de televisión, bajo el agua, sobre la superficie de la luna o en un sobre sellado), servir a cualquier propósito (con-templarla, divertirse, invocarla, amenazarla) y destinarse al lugar que uno escoja (desde un museo a un basurero). Todo artista que, después de los años sesenta, desafíe las estructuras genéricas y disciplinas totalitarias, estará en deuda con este gran creador, por el solo hecho de haber alterado radicalmente las clasificaciones, hasta el punto de exigir la creación de un nuevo rótulo: combine/paintings. Rauschen-berg desarrolló un buen número de grabados, entre los que se en-cuentra la Serie Nueve, a la cual pertenece La gente tiene suficientes problemas sin ser intimidada por una alcachofa, de 1979, incluida en esta. La pieza contiene los elementos propios del lenguaje del artista. Se compone de planos superpuestos a manera de collage, que estructuran la narrativa textual de la obra. Incluye imágenes foto-gráficas que atrapan la realidad en escenas cotidianas y espacios urbanos, en concordancia con su declaración según la cual sólo le interesaba “acortar la brecha que existe entre el arte y la vida”, meter el arte dentro de la vida y la vida dentro del arte. Al final queda un encuentro con el imaginario: la revelación de uno de los más porten-tosos descubridores y hacedores de imágenes y recuerdos en el arte de la segunda mitad del siglo XX.

Larry Rivers creó un paradigma de asociaciones con respecto a la manera de comprender y representar la figura humana. Su partici-pación en los orígenes del Pop Art –por la presencia de temas de carácter netamente cultural en su obra y por la utilización de una iconografía exacerbada y característica de nuestra sociedad de consumo— lo ubica en un sitial de precursores en el arte del siglo XX. Rivers evolucionó hacia una figuración libre que, combinando elemen-tos cotidianos, alusiones históricas y referencias artísticas, preludiaba la pintura del pop-art. Sus años dentro del Gestualismo Norteameri-cano y las corrientes expresionistas abstractas le otorgaron como he-rencia la libertad en el manejo del trazo y el color tan propio de sus obras, así como la espontaneidad en el acabado de la superficie; pero este artista asume la figura y el dibujo de un manera tan radical

que por momentos parecería proponer una especie de hiperrealismo. Rivers se desplaza en el uso de diferentes medios y técnicas con faci-lidad y soltura, especialmente las artes gráficas. En esta exposición participa con dos obras: Girlie, 1970, una serigrafía emblemática en su producción que forma parte también de las colecciones de la Galería Tate de Londres y el Instituto de Arte de Chicago. La pieza expone el cuerpo femenino de frente, sin complejos. Rivers fue uno de los artistas precursores en el juego de la representación del cuerpo con libertad, humor y desparpajo. Contrasta la nitidez de la figura central con el dibujo libre en el sofá del fondo.

b. El Pop Art: Andy Warhol/Robert Indiana

El Pop es una forma de cultura que refleja un momento importantísimo del siglo XX. La esencia se extendió a la existencia: a una manera de vivir. Su alcance no se restringe solamente a un movimiento artís-tico, sino que incluye la literatura, la moda, la música, la poesía, el lenguaje, la publicidad, la prensa, el cine o el teatro. El Pop es la expresión del estado de ánimo, con una magnitud y extensión sin precedentes. Fue la época de Truman Capote, de John y Jackie, de Allen Ginsberg, de la Nueva Ola, de las agudas y críticas referencias de Tennesse Williams con respecto a los usos y costumbres sociales, de las fiestas, del Jet Set, de la moda de Mary Quant, del culto a las estrellas de cine y a las estrellas de la política, de las marcas, del Sargento Pimienta, del LSD, de la expansión del mercado cultural, de las mitologías cotidianas y las mitologías pasajeras, del auge de los medios de comunicación de masas, del auge del consumo, del


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ADORock, de Los Beatles y los Rolling Stones, de filmes y novelas como

La Naranja Mecánica. Fue una época de euforia, de lucha contra lo establecido, de licencias y amplitudes expresivas, de ingreso a nuevos medios y disciplinas en el arte y la cultura. Lawrence Alloway, curador y crítico anglo-americano residente en Nueva York, canonizó el término y definió sus planteamientos en el ensayo titulado Las artes y los medios de comunicación de masas asociándolo a la cultura po-pular de masas. Vertiginosamente, en el arte norteamericano se dise-minó el talante Pop, la escena neoyorkina lo acogió como emblema y produjo una especie de americanización de la cultura. Se desarrolló con precisión un lenguaje propio para la estética Pop, condicionada, en primer lugar, por el intento de colocar al arte en contacto con el mundo real, alejándose de los propósitos del Expresionismo Abs-tracto. Se había creado, desde Norteamérica, una forma de cultura con una estética nueva. No sería pues extraño, que la primera gran superestrella de las artes fuese justamente un norteamericano: Andy Warhol.

La influencia de Andy Warhol resonará para siempre en el sistema de definición, producción y comprensión de la obra de arte, en su inserción en los procesos sociales y en la construcción de una forma que aún domina los escenarios contemporáneos. Warhol creó una forma de arte y de vida asociada con los cánones del Pop, pero con ideas originales que él mismo aportó. Warhol ha inspirado en-sayos y teorías de acercamiento al arte contemporáneo. Generó un modelo de entender la celebridad y la fama. Deslastró prejuicios. Estableció las raíces de una nueva mitología con base en iconos que van desde una lata de sopa Campbell’s o una botella de Coca-Cola, a la imagen de Marilyn Monroe, Jacqueline Kennedy, Liz Taylor o Elvis Presley. Inventó técnicas gráficas propias: concedió a la estampa un papel protagónico dentro de la creación, experimentó con todos los recursos a su alcance. Incorporó el cine, la publicidad, la labor editorial, la narración y la televisión a los procesos artísticos. Elevó la dimensión de lo cotidiano. Sus contribuciones son verdaderamente incalculables. En esta exposición se encuentra una de sus más recono-cidas representaciones procedente de la primera serie dedicada a la

Sopa Campbell’s. Se trata Consommé (Beef), 1969 y funciona como icono de la expresión del Pop. La serie de Latas de Sopa Campbell’s generó polémicas y cuestionamientos que contribuyeron a reforzar su celebridad. Ella concentra la intención de reflejar los contenidos de la sociedad de consumo e incorporar imágenes cotidianas. Original-mente pintó 32 lienzos con la imagen de la lata serigrafiada sobre fondo blanco, cada una con diferentes nombres de sabores disponi-bles. Posteriormente realizó numerosas series gráficas. Con el tiempo, la Lata de Sopa Campbell’s llegó a ser la obra favorita de Warhol. La pieza es emblemática en el arte contemporáneo y definitivamente tiene una importancia capital su exhibición en Venezuela.

Robert Indiana sostiene un destacado desempeño en artes gráficas, escenografía y vestuario para teatro. Utilizó la estampa como fuente inagotable de la creación. Generó una iconografía propia que forma parte del imaginario colectivo en el arte contemporáneo y recons-truyó la función del lenguaje en la obra de arte. Emplea símbolos y palabras que representan la cultura y la vida norteamericana. Si bien no encaja en la etiqueta del Pop Art en el estricto sentido, su valor se fortalece por la incorporación del poema de pocas palabras, lo cual lo convierte en precursor del arte conceptual, siendo uno de los pioneros en introducir, desde finales de los años cincuenta, un tipo de estructura conceptual en la obra a partir del uso del plástico del lenguaje. Se afinca en el tema de la identidad nacional, la agitación política y social, el estancamiento frente a ella, el auge del consu-mismo, las presiones de la historia y en definitiva, el llamado sueño americano. Ironiza los contenidos y propone críticas al sistema y reflexiones políticas. The Golden Future of America, 1976, contiene los principios básicos del uso del lenguaje en Indiana. Acude a una cita de Benjamin Franklin según la cual “en los gobiernos libres los gobernantes son servidores y el pueblo su superior y soberano”. La composición mantiene la estructura circular muy común en las estam-pas del artista y pertenece al portafolio Para un Retrato Americano, 1776-1976, publicado en honor a la celebración del bicentenario americano, en el cual desarrolla una mirada satírica contra el opti-mismo naif del “sueño americano”.


c. Desarrollos posteriores del Pop Art: Keith Haring

El curso evolutivo del Pop Art tiene en el Arte Conceptual un punto de enlace y, de hecho, algunos de sus oficiantes, o bien son precursores, o bien inclinaron su desarrollo hacia el conceptualismo. Es de esperar que estos procesos hayan tenido consecuencias en movimientos pos-teriores que, bajo la influencia del Pop, despliegan otros dominios y características para la figuración a partir de los años ochenta del siglo XX. Esta generación post-pop no refleja simplemente versiones actualizadas de la matriz original del Pop Art, sino que cambia el enfoque con respecto la relación con lo real-social y cambia también la relación con los materiales. Se aprecia el mismo punto de partida en el uso de la iconografía de la cultura popular, de los medios de comunicación de masas y de la publicidad; pero el acelerado creci-miento exponencial de los procesos de circulación de las imágenes y la diversidad en los problemas que atañen a los modos de vida, se reflejan en la elaboración de iconografías más complejas. Keith Haring es un artista clave. Su fuerza como activista social, grafitero, apropiador de la iconografía callejera y creador de un sistema de símbolos propios (el bebé con radiaciones gateando, las pirámides, los televisores, las figuras humanas con los brazos levantados, el perro, el conejo y los platillos voladores) lo convierten en una leyenda urbana de finales de siglo. El talante experimental le llevó a trabajar con todo tipo de medios y soportes, desde paredes del metro a lienzos y obras sobre papel. Dancing Bunny Playboy, 1990 revela el estilo propio de un artista que debe realizar sus obras con rapidez y con-tundencia en espacios no permitidos por la ley. Se trata de un cartel en serigrafía cuyas figuras nítidas y muy dinámicas mantienen el ritmo de la expresión que reproduce el modo de vida de una generación.

4. Desarrollos conceptuales de la arte abstracto: el minimalismo

A partir de los años sesenta y en reacción a la avalancha del Pop Art, la abstracción fue tomando un rumbo propio vinculado con la experiencia conceptual del espacio. El Minimalismo es el primer movimiento que se instaura bajo esta perspectiva y, al igual que el Pop Art, diversificó sus fuentes de expresión, no sólo hacia la pintura y la escultura, sino al teatro, la escenografía, la música, la danza y el diseño. El Minimalismo parte de la reducción a lo esencial, a la economía de los elementos y los medios y a la búsqueda de las estruc-turas primarias más depuradas dentro de lo real. La fortaleza de este modelo estético reside en sus elevados contenidos intelectuales, las síntesis geométricas, la desmaterialización de lo lineal y no en los logros meramente formales. La idea es llegar a un grado extremo de austeridad plástica, donde la experiencia estética está activada por la desnudez del material y la exclusión del ornamento.

Sol Lewitt es una figura pionera para el minimalismo y el arte concep-tual. En su trabajo, la idea está por encima de la concreción material. Estableció el término “estructuras” para sus esculturas, instalaciones y composiciones y la obra gráfica mantiene un importante lugar en su producción. Desarrolla variaciones abiertas y modulares de las figuras geométricas, especialmente el cubo y el hexágono cuyas reproduc-ciones se despliegan según progresiones matemáticas. All double combinations, 1977 es un ejemplo de sus aspiraciones estéticas. Se compone de 15 recuadros y un texto con sobre posiciones de seis figuras geométricas (círculo, cuadrado, triángulo, rectángulo, trapecio y paralelogramo). Consiste en un grabado en blanco sobre fondo de aguatinta en negro. La edición es de 25 ejemplares, publicada por Parasol Press Ltd., New York e impresa por Patrick Foy en Crown Point Press, California. Robert Mangold trabaja la indelimitación formal dentro de la precisión del minimalismo, ya que sus figuras monocro-mas –de aspecto irregular, en secuencias generalmente incompletas y con falta de proporciones en sus lados– parecen desprenderse de los marcos. Mangold coloca en el plano el peso esencial para definir


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ADOel espacio y la realidad de la pintura, de manera que la superficie

monocroma, sin alusión a la profundidad, es la obra. Multiple pa-nel paintings, 1973-1976, mantiene su característica reducción del vocabulario a los aspectos plásticos elementales (superficie/forma, color/línea). Se trata de nueve paneles realizados en aguatinta y grabado en diferentes colores y formas irregulares que conservan un exquisito equilibrio entre ellas. Frank Stella enfatiza el tema de la pintura como objeto y no como representación. Durante décadas de los sesenta y setenta (etapa a la cual pertenece Purple Series) des-plegó un prolongado proceso de relación con la obra gráfica. En 1973 instaló un taller de grabado en su casa de Nueva York, refor-zando la presencia del grabado como forma de arte. En Purple Series introduce un nuevo nivel de intensidad con el uso del pigmento me-tálico color púrpura. Sus configuraciones (triángulos, paralelogramos y pentágonos) se definen a partir de bandas que forman un circuito continuo y a la vez definen una situación de circularidad y cierre. Las líneas fluyen sin comienzo ni final.


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El arte norteamericano contemporáneo: una lectura a través de la obra gráfica-II.

Conceptualismos, Nuevos Medios y Nuevas Figuraciones

Grisel Arveláez

1. Conceptualismo y Nuevos Medios

Una de las primeras referencias aparecidas para definir lo que se concebía como Arte conceptual data de 1961 cuando el escritor y músico Henry Flynt asoció el lenguaje como material operativo de la obra de arte. Sin embargo, los precedentes venían sembrándose dé-cadas atrás, hacia principios del siglo XX, cuando Marcel Duchamp criticó al arte moderno tildándolo de “pintura retiniana”. Para el artista francés, el arte debía aportar ideas y dejar de ceñirse a valores plás-tico-formales en los que privasen la búsqueda de formas idealmente “bellas” en soportes artísticos tradicionales. Sus ready-mades (obje-tos de uso cotidiano transformados en arte), constituyeron elementos elocuentes, a través de los cuales vapuleó lo siguiente: si el artista deseaba, cualquier objeto que fuese calificado por él podía consi-derarse “artístico”.

Una vez entrada esa década del sesenta de Flynt, el movimiento con-ceptual insistía en desplazar el interés de la obra como “objeto” hacia la preeminencia de la idea. El arte estaba entendiéndose más como un proceso que no prestaba demasiada atención a los resultados: el verdadero poder de la obra residía en la idea, y en el proceso de ideación de esa idea. Estaba constituyéndose pues un arte de carácter procesual que precisaba del trabajo mental, del comporta-miento reflexivo y crítico humano, para posar sus bases sobre la idea, la teoría y el pensamiento.

El resquebrajamiento de los valores tradicionales pretendido por los conceptualistas, atrajo un escenario interesante de propuestas, en muchos casos, corrosivas. La obra física comienza a tratarse como un

residuo documental que promovió su desmaterialización. Se insiste en el lenguaje, en el comentario, tanto artístico como del espectador. Ello contribuyó también a que se diera un movimiento de carácter abierto en los que importaba la “acción”, y en los que cada propuesta y cada “ismo” darían resultados distintos, de lo que surgieron expre-siones como el Fluxus, el Minimalismo, el Land Art, el Arte Povera, el Body Art, el Performance Art, etc. Y entre sus exponentes se enlistan, mencionando breves ejemplos: los estadounidenses John Cage –com-positor que practicaba el budismo Zen–, Robert Rauschenberg y Jas-per Johns, quienes desde las dinámicas de la pintura coincidieron en transformarla con objetos cotidianos. En Japón se citan las propuestas del grupo Gutai. En Francia e Italia, Yves Klein y Piero Manzoni. Sol Lewitt, Nam June Paik, Joseph Kosuth, son nombres importantes a mencionar. Asimismo, se fueron diversificando los medios en detri-mento del empleo de los soportes tradicionales del arte: la fotografía, los vídeos, los objetos, el cuerpo del artista, venían siendo elementos ideales para la construcción de una obra. Una diversificación que se acrecentó mediante la difusión de los medios de comunicación de masas, dando como resultado que la tecnología fuese ampliamente explorada por los artistas interesados en desentrañar las posibilidades del concepto.

Nam June Paik fue compositor y artista plástico y se desenvolvía entre la investigación y la enseñanza. Contribuyó a crear un arte global estrechando la cercanía entre el mercado del arte y la cultura de los medios. Estudió Historia del Arte en la Universidad de Tokio, y trabajó de manera cercana con John Cage. Por ser pionero en el empleo de la tecnología como medio de arte, se la ha considerado el “padre del videoarte”. Con su lapidaria frase, “El futuro está aquí”, brindó al mundo del arte conceptual una redefinición que se apuntaba hacia la instauración más clara y frontal de usar nuevos medios para la expresión artística.

Hacia 1965 comenzó a desarrollar el trabajo bajo este interés. En aquel momento, la empresa Sony lanzaba al mercado la primera re-productora de video portátil. Sobre este hecho comenta el historiador


Arthur Danto en su célebre La Madonna del futuro que el 4 de octubre, durante la visita que hacía el Papa a la Catedral de San Patricio de Nueva York, Paik “se subió a un taxi inmovilizado para filmar el paso de la caravana de vehículos. La cinta se mostró esa misma noche en una exposición”, lo cual quedó registrado en la obra Electronic Video Recorder.

Fue frecuente para este artista coreano realizar instalaciones con tele-visores, videos y artefactos; creaba especie de “escenografías” para ofrecer una propuesta que innovaba y aportaba al público otras ma-neras de entender el mundo de las imágenes que estaban generando las tecnologías y los medios de comunicación de masas. En Video sonata opus 57 (1995) podemos vislumbrar en arte gráfico el rastro del video Bye bye Kipling, un performance grupal realizado en 1986 en el que entabla una comunicación vía satelital entre Norteamérica y Asia.

La envoltura de un objeto, a gran y baja escala, ha hecho de Christo artista famoso por haber realizado los máximos extremos del arte moderno, algo que lo ha catapultado como pionero del movimiento Land Art. Su nombre completo es Christo Javacheff, vivió en Francia entre 1958 y 1964, fecha en la cual se trasladó a Estados Unidos. Sus empaquetages exploran los efectos de transformación en objetos fabricados así como en monumentos naturales y arquitectónicos al ser envueltos, al ser intervenidos por él. Botellas, latas o cajas, las ha cubierto con tela o plástico, como es el caso Wrapped Telephone (1985) y Wrapped bottles and cans (1958-2004) que han quedado

ampliamente registrados en las posibilidades reproductoras en serie del arte gráfico. Y en grandes dimensiones: Running Fence (1976), una franja de nailon de 5.5 metros de altura extendida a lo largo de cuarenta kilómetros de dos condados de California.

Hoy Christo sigue promoviendo sus instalaciones junto a su pareja Jeanne-Claude. Ambos intervienen los paisajes, para incluso crear formas visualmente bellas. Utilizando el ambiente como, digamos, un lienzo gigante, han sondeado las posibilidades de crear poéticas en contextos renovadores adaptando ciertos espacios exteriores, selec- cionados por ellos, a sus propuestas. Y aunque en este dúo queda clara la posibilidad de exploración de los nuevos medios para multi-plicar las ideas, es de destacar que llegan a producir lugares comunes que generan sensaciones sublimes a través de lo bello. Contrario a lo que pasa cuando envuelven objetos: estos se desprenden de su referentes objetuales, comerciales e inmediatos, para generar nuevos discursos, que aunque pudieran ser velados por esa condición envol-vente que aprisiona, permiten al espectador desarrollar una lectura propia acerca de lo que puede existir más allá del objeto. Es, de nueva cuenta, la idea la que prevalece.

2. Nuevas Figuraciones: Hiperrealismo y Fotorrealismo, Figuración Libre

A mediados del siglo XX en el mundo artístico se levantaba un seña-lamiento: había quienes condenaban el arte abstracto de estar des-provisto de alusión a la realidad y carecer de contenido humano, generándose una brecha que separaba, por un lado, a quienes favorecían el abstraccionismo, y por el otro, a aquellos que preferían el realismo. Paralelamente, surgió una búsqueda intermedia, de tono más conciliatorio, que abogaba por deslastrar las prácticas artísticas de estas intransigencias, proponiendo tendencias figurativas que lo-graran demostrar que es tan importante lo que se quiere decir como la manera cómo se dice. No obstante la premisa era clara: se bus-caría encauzar el arte hacia lo figurativo que reevalorizara tanto la expresión de la forma como el contenido icónico de lo representado.


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Poco a poco las Neo-figuraciones tuvieron difusión en Europa y Amé-rica Latina, tras los trabajos de Jean Fautrier y Jean Dubuffet en Fran-cia, el Grupo Cobra en Holanda, Bélgica y Dinamarca, Willem de Koo-ning en Estados Unidos. Producían obras que, aunque ofrecían una clara alusión a elementos de realidad concreta, en muchos casos aludiendo a contextos crudos y desgarradores, sus expresiones podían insertar elementos plástico-formales propios de las abstracciones, en el especial del Informalismo.

Hiperrealismo y Fotorrealismo

La referencia a la realidad concreta, de manera progresiva, se ha ido concatenando con los contextos humanos propios. En el caso del Hiperrealismo, esa realidad salta y traspasa lo que vemos para pre-sentárnosla ampliada como quien mira una pequeña imagen a través de una lupa: una sobreexposición del contenido que rodea el entorno humano. Lo suprarreal, la realidad más concreta, la percibimos tras el resultado de la copia de lo que el artista captaba en una fotografía tomada por él. Estas formas encauzarían en lo que hoy se denomina Hiperrealismo, un movimiento que surgió a mediados de los sesenta en Estados Unidos. Con frecuencia se le asoció al Pop Art porque ambos aludían a los temas del consumismo: motocicletas, paisajes urbanos, automóviles, familias burguesas norteamericanas como iconografías típicas de la posguerra, objetos de consumo, etc., y en él se enlistan nombres como John Salt, Robert Bechtle, Ralph Goings, Malcolm Morley, Chuck Close o Don Eddy.

Los gigantescos retratos de Chuck Close, que llegan a medir los tres metros de altura, lo han hecho célebre al haber retomado un género prácticamente desvalorizado por el mundo del abstraccionismo de mediados de la centuria pasada. A su vez, reinserta al ser humano como tema para el arte pero potencializando sus posibilidades discur-sivas: sin temerle al tinte tradicional que ofrecía el carácter mimético del retrato, este estadounidense los pinta a partir de fotografías en primeros planos tomando en cuenta, sobre todo, el detalle de elemen-tos significativos y elocuentes de la realidad humana más concreta y

cercana, tales como arrugas y poros dilatados. Con un Doctorado en Bellas Artes en la Universidad de Yale, en 1965 fue a estudiar en Austria gracias a una beca Fulbright, este genial artista ha instaurado un estilo peculiar que ha calado en el mercado del arte: coloca una cuadrícula sobre la fotografía y, una vez plasmada la imagen, es tras-pasada a otro formato con la dimensiones proporcionales al enorme lienzo que pretende pintar.

De esta manera, podemos ver que Chuck Close ha sido capaz de insertar técnicas tradicionales del arte (el retrato, el uso de la cuadrí-cula en la pintura) para explorar y producir obras de tintes evidente-mente contemporáneos. En la litografía Estudio para retrato de Keith vemos la meticulosidad del artista, pero con el descarnado afán de profundizar en el detalle: sus retratos dan la impresión de como cuando se aumenta la imagen al zoom máximo de nuestro monitor. Con esto, el retrato adopta dos funciones: por un lado retoma al humano como contenido del arte, pero al mismo tiempo, lo expone y lo desfragmenta, así como la sociedad de consumo contemporánea lo hace con nosotros. Este retrato de Keith conduce a un imaginario humano identificado (sus modelos pocas veces quedaron anónimos), los cuadricula, los divide.

Malcolm Morley acuñó el término Superrealismo y siempre reconoció que su pintura ha estado influenciada por artistas de las vanguardias de principios del siglo XX, en especial por Cézanne, los cubistas y los expresionistas, y esto es significativo pues se ha retomado (o re-admiti-do) la influencia de las vanguardias de fines del XIX y principios del XX.


Muchos de los cuadros de Morley, sobre todo los que creó a partir de los años sesenta, refieren más a la imagen fotográfica que al contexto real, en especial en aquellas series en donde vemos representados barcos de guerra. SS Amsterdam in front of Roterdam (1966) es un claro ejemplo. Por otro lado, desde aquellas fechas, en sus obras podía vislumbrarse la estridencia del color, pero a la vez cierta minu-ciosidad en la disposición de las pinceladas, el acabado limpio y cuidado; en muchos casos sus lienzos parecían postales. También es el caso de la litografía que vemos en esta exposición. En ella un paisajismo marino es casi una invitación a hacer formulaciones técni-cas acerca de cómo el artista llegó a estos resultados. Sus memorias de la guerra también vienen a tono para reconducir su pintura hacia esa maximización técnica hiperrealista. Este inglés hizo larga vida en EE UU: laboró como profesor en la Universidad de Ohio y en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, por ejemplo. A partir de 1970 comenzó a insertar el collage a su estética así como elementos del expresionismo abstracto, algo que venía sembrando desde épo-cas tempranas gracias a la admiración abierta que sentía por la obra de Jackson Pollock.

La nitidez en el trabajo de Richard Estes es absoluta. Se puede hablar que ha alcanzado mayor precisión que la nitidez que consigue el ojo humano, por ello se considera otro pionero del Hiperrealismo. Entre 1952 y 1956 estudió en el Art Institute of Chicago y, una vez egre-sado, comenzó a trabajar en agencias publicitarias y en el mundo editorial. En adelante, fue profundizando en la fotografía. Se mudó a Nueva York, ciudad a la que siempre consideró una fuente de inspiración, aunque su mirada nunca estuvo exenta de admirar –y recrear esos embelesos– del amplio mundo que conoció a través de viajes auspiciados por la alta admiración que se estaba presintiendo hacia su trabajo en Estados Unidos y en Europa.

Una de sus gráficas más citadas es Shopping Center. En ella vemos un escenario citadino, la esquina de un espacio comercial. El án-gulo es tan inusual que recuerda a aquellos instantes es que nuestras memorias tienden a elaborar recuerdos fugaces sin registrar algo de-

masiado importante, son imágenes que pasan por nuestra mente de manera rápida. En esta serigrafía sobre papel el uso de la luz marca la pauta pues proporciona elementos de direccionalidad casi geomé-trica: líneas rectas estrictas que evocan el ingreso de la luz. Estes ha localizado un momento brillante del día, resaltando superficies metá-licas, cristales y los espejos. Pero esa realidad no es perfecta: muestra imágenes deformadas por sus propios reflejos.

En la obra Standing Figures with Bag Lunch de Richard McLean el trazo pictórico se percibe. La luz y los tonos claros resaltan con estri-dencia. El uso de la luz confunde y domina el discurso. Este líder de la imaginería ecuestre, se ha interesado por realizar representaciones fo-torrealistas a gran escala de caballos pura sangre, ubicados generalmente en contextos hípicos o ferias rurales norteamericanas. A pesar de la serialidad de sus temáticas, sus imágenes juegan con elementos psicológicos pues pareciera ironizar con el tono “real” que estos esce-narios crean en sus obras.

Ha tendido a apropiarse de símbolos de los medios de comunicación pues antes de 1973 sus contenidos eran extraídos de revistas hípi-cas. Luego de esta fecha, se interesó más por reproducir sus pro-pias fotografías siendo así más autónomo en sus procesos creativos: estaba recogiendo la realidad tamizada por su propio proceso o idea. Formado en California College Art and Craft durante la década del cincuenta, los años venideros fomentaron una trayectoria larga, de numerosas exposiciones tanto en su país natal como en el mundo.

Así como Richard McLead se mantuvo siempre fiel y apasionado por una temática fija: el hipismo, John Kacere, pintor y grabador, ha destacado por la forma cómo expresa el cuerpo femenino (con el poder erótico que encierra incluido).

Desde 1950 hasta 1963 despuntó como pintor abstracto. Pero sus piezas posteriores, que se vinculan al hiperrealismo, presentan carac-terísticas similares y constantes: siempre vemos retratado el cuerpo femenino. Curvas, texturas, movimiento, color, se desprenden de la


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ADOrepresentación de la parte media del cuerpo de mujeres, que llevan

por indumentaria delicadas y hermosas lencerías. Aquí la alusión a la realidad se vislumbra de dos maneras: desde la exploración y penetración al espacio femenino íntimo a partir de lo erótico y, por otro lado, en los detalles más recónditos que esos cuerpos –siempre perfectos– pueden poseer como, por ejemplo, el pliegue entre los huesos y las pieles, o las costuras detalladas de una hermosa ropa interior, tal como puede verse en la litografía Ileana.

Kacere juega también con la fantasía; con la fantasía que encierra el imaginario de la intimidad humana como un juego psicológico que es inherente al ser, y esta fantasía/realidad es plasmada en grandes formatos, de manera que es triplemente impresionante. A sus 12 años de edad realizó su primera obra, misma que firmó. Asistió a la Es-cuela de Artes de Chicago desde 1938 hasta 1940. Como muchos hiperrealistas repasados en estas líneas, Kacere estuvo especialmente interesado por las obras de vanguardias. Artistas clásicos como Van Gogh, Degas y Toulouse-Lautrec fueron enriqueciendo su mirada. Tam-bién ha citado a Holbein a Ingres como artistas predilectos. Ingresó a la armada americana, pero luego del conflicto bélico comenzó a estudiar Bellas Artes en la Universidad de Iowa. Fue docente en lugares como Canadá, o como Nuevo México, California y Nueva York. Sin duda uno de los artistas que más influencias ha tenido sobre la estética realista latinoamericana, además de contar con una trayec-toria que ha reconocido su aporte estético de manera internacional.

Figuración libre

A finales de la década del setenta en Francia surgió la Figuración Libre, un movimiento pictórico que respondía a la excesiva desma-terialización de la obra propuesta por los minimalistas y los artistas conceptuales. Artistas como Robert Combas, Remi Blanchard, Fran-cois Boisrond y Herve di Rosa formaron parte de esta agrupación, quienes proyectaban la siguiente búsqueda: demostrar que las formas tradicionales del arte, tales como la pintura al óleo, no habían muerto y que, no obstante, se podía proponer un arte nuevo, corrosivo, crítico y provisto de ideas.

El cromatismo intenso es casi una bandera visual de la Figuración Libre. También se inspirarían en la cultura de masas, haciendo espe-cial énfasis en el mundo del comic y el Rock and Roll, pero extrayendo y empleando elementos iconográficos de la realidad concreta que, al disponerlos en la composición, no necesariamente remitían a una narrativa lineal. Muchas de estas obras, que claramente aluden al expresionismo, se vinculan con pulsiones humanas, con fantasías, con otros mundos. Quizás lo más valioso es aquella libertad pronosticada que traía al cuadro lo inesperado, era plasmada la mayor de las veces con excesivo dinamismo. Arte de carácter joven, dotado de elementos primitivos. Antítesis minimalista.

El artista Ben Vautier fue quien acuñó el término, un hombre polifacé-tico para quien no era posible hacer vanguardia sin novedad. Fue un artífice rebelde, por lo que promovía una ética artística en la que la primicia y la crítica eran elementos necesarios para que se produjera una verdadera obra de arte.

Entre los artistas norteamericanos más comprometidos con la Figura-ción Libre se cita a Julian Schnabel. Realza su trayectoria trabajando como reconocido director de cine. Se formó en la Universidad de Houston y, posteriormente, cursó un programa dedicado a críticos y conservadores en el Museo Whitney de Nueva York. Esta experiencia hizo que este joven, que transitaba la década del setenta, se inspirase


en la paleta moderna de Pablo Picasso o de Jackson Pollock, por mencionar ejemplos. Frecuentemente se le destaca la manera cómo ha empleado los grandes formatos así como su estilo expresionista, lo cual ha traído la consecuencia de que sus pinturas estuvieran carga-das de dramatismo y teatralidad.

El uso de los soportes poco convencionales como platos de lozas, terciopelos, pieles de animales y lonas alquitranadas, le ha otorgado la fama de explorador de la materialidad desde la figuración. Llegó a adherir sus platos de lozas a soportes pictóricos con lo que generó una acalorada polémica que giraba en torno al futuro y uso de la pintura. Un provocador, que también se le reconoce como escultor y, primeramente, como cineasta. Por su polifacética mirada se le con-sidera uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Películas como Basquiat, Antes que anochezca y Le Scaphandre et le Papillon han hecho de él un director aclamado en Cannes y en los Globos de Oro.

Decir David Salle es quizás aludir directamente a las nuevas estéticas posmodernas que han marcado el mundo del arte más reciente. Uno de los artífices que más polémicas generó dentro del Movimiento Apropiacionista. Pero es difícil, e incluso injusto, pretender enmarcarlo dentro de una corriente del arte: es más un investigador, es un estudio-so de la estética en la posmodernidad. Ha utilizado indistintamente la imagen, el vídeo, el cine, el diseño y la moda para reunir una obra compleja, –si es que se pretende clasificarlo–.

No obstante, en su obra gráfica la yuxtaposición de formas y líneas continuadas y descontinuadas, son elementos constantes, tal como podemos notar en The Drunken Chauffer, una serigrafía realizada en 1983. Cuando este norteamericano compone una obra pictórica o gráfica, no se interesa por crear una obra mimética de la realidad sino, al contrario, sus trazos son enloquecidos, libres, que muchos tildan de torpes; algunas de estas piezas resguardan un tono erótico de fondo. Lo cierto es que David Salle no se limita cuando desea expresarse a través del arte: se ha dejado seducir por las influen-cias del arte barroco, renacentista, surrealista, del expresionista, etc.; explora el arte gráfico, el cine, la pintura; elementos como el diseño, la publicidad, los medios de comunicación, el cómic y la cultura po-pular, han hecho de su lenguaje visual un compendio rico. Estudió en el California Institute of the Arts, donde fue alumno de John Baldessari. Posteriormente se trasladó a Nueva York, donde vive y trabaja.

Donald Baechler se formó como artista plástico en el Maryland Insti-tute College of Art (MICA), en Baltimore, y en el Staatliche Hochschule fuer Bildende Kuenste en Frankfurt. En 1980 regresa de Alemania a Nueva York, donde se inserta inmediatamente dentro en el esce-nario expositivo. Al igual que Salle, Baechler no escatima cuando de influencias se trata: es un espectador perenne con apertura a lo convencional para convertirlo en algo no-convencional, lo cual le ha dado la base contextual para desarrollar una obra de carácter naif en un ambiente neoyorkino moderno, un contexto en donde disfruta de fama pues, además, ha sido imagen para la publicidad de marcas como GAP.


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ADOBrown hat, esta serigrafía, es de franco estilo primitivo, es naif. Una

composición que alude a trazos infantiles y que demuestra que la libertad de la figuración no tiene límites; que la referencia temática puede trazar caminos insondables y sofisticados, sin dejar de desa-rrollar ideas y lenguajes profundos.

En su obra plástica vemos el arte desarrollado como un juego puesto que, desde la composición técnica naif, este artista crea obras inser-tando páginas de cuadernos de niños, mapas, bocetos de represen-taciones de juguetes, de helados, de floras y faunas, de carros, de galletas de la fortuna, todos con trazos muy básicos, superpuestos, ubicados sin un orden aparente. Esta estética del juego alerta frente a la cultura actual del caos, un caos que hemos naturalizado, incluso pareciera ser necesario. En su obra, Baechler acumula un conjunto de códigos que parecen aludir al caos que merece ser controlado.

Con Baechler, Salle, Schabel, Kacere, Estes, Morley o Chuck está visto cómo la influencia del arte norteamericano, desde las propuestas figurativas, han aportado al mundo artístico nuevas formas de evaluar el discurso estético. Y el arte gráfico insiste en una reproducción de ideas que, lejos desplazar formas, conceptos o valores, genera una multiplicación a veces fortuita, otras veces necesaria. El fin es que los conceptos de obras abiertas estén cada vez más activos en contextos globalizados. No existe una obra única, ni una válida, ni siquiera un solo discurso, –tal como pretendieron los conceptualistas de los sesen-ta–. Estos, aunque generaron obras geniales, hoy han comprobado que los caminos del arte son infinitos y están lleno de valoraciones intrincadas. La idea persiste como núcleo de la obra, pero la forma cómo esta se haga es igualmente necesaria.


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La realización del presente homenaje a Sofía Imber en la Feria Ibero-americana de Arte de Caracas 2014 adquiere una doble impor-tancia por la vigencia de sus aportes en un momento como el que actualmente vive nuestro país. Sus contribuciones son esenciales en el periodismo de opinión y el desarrollo institucional de la cultura en Venezuela, pero sobre todo, sus cualidades personales, valores y for-taleza en la lucha por la libertad y la democracia, hacen de ella una personalidad excepcional.

1. Valores: un ser fuera de lo común

Alguna vez Octavio Paz se refirió a Sofía como una de esas espe-cies únicas e irrepetibles, diferentes y resistentes a ser etiquetadas en el territorio de lo humano. No hay etiquetas para Sofía; no hay catalogación posible. Sofía es auténticamente rara y ella misma nos recuerda siempre una frase de Bertrand Russel, básica en su vida y formación: “no tengo miedo de pertenecer a una pequeña minoría”. No tener miedo a ser diferente. Saber asumir la disidencia con coraje y valentía.

Al valor de la diferencia le acompaña una inquebrantable voluntad de trabajo asumido como compromiso de vida, como una eficiente manera de movernos por el mundo y no como un acuerdo salarial o burocrático. Sin horarios, con una extraordinaria capacidad, con la firmeza de construir espacios para la creación de un país posible.

El trabajo según Sofía, es una condición existencial.

A la fuerza de la diferencia y el trabajo se une la convicción de defensa de la libertad y la democracia, valores sin los cuales será

imposible asentar un proyecto de país. Sofía orientó su actividad pro-fesional hacia la lucha por la libertad y por alcanzar un espacio vital digno para los seres humanos.

Centró sus ideales en la libertad de pensamiento y expresión, en la libertad como una conquista diaria que vivía en el ejercicio del pe-riodismo y la dirección del Museo. En la libertad como una lucha y no como un regalo venido del cielo; en la libertad como un acto de responsabilidad. El escritor Romain Rolland señalaba que “libertad significa responsabilidad, y por eso los mediocres le tienen tanto miedo”. Ese es el sentido de la libertad al cual se refiere Sofía, estre-chamente vinculado con su defensa de la democracia.

Ni el Museo, ni el desarrollo de las Páginas Culturales de El Univer-sal o el programa Buenos Días, hubiesen sido posibles fuera de una sociedad en democracia. Una democracia en apertura a todos los credos, sin restricciones ideológicas, sin amenazas totalitaristas de ex-terminio. Una democracia y una libertad que hoy vemos tan heridas, lesionadas, vulneradas en su esencia, pero hacia la cual el ejemplo de Sofía nos hace fuertes.

Porque a la disidencia, al valor del trabajo y a la defensa de la liber-tad y la democracia, se agrega la admirable calidad humana de Sofía Imber: una personalidad digna, de fortaleza, inspirada bajo el continuo anhelo del perfeccionamiento y la búsqueda de la exce-lencia. La lengua hebrea tiene una palabra especial para designar estas características. Se trata de la palabra “mensch”: el individuo cabal en su trabajo, con la familia, con sus semejantes, el que sabe distinguir entre lo correcto y lo incorrecto, el que cumple sus deberes en cualquier aspecto de la vida cotidiana; el que es íntegro.

Estas cualidades personales enmarcan la importancia y aportes de Sofía en el desarrollo cultural venezolano. Las dos áreas que deter-


minan su enorme influencia son el Periodismo y la creación y direc-ción del Museo de Arte Contemporáneo (el Museo de Sofía). Había comprendido desde siempre que la cultura, la comunicación y el desarrollo de las artes debían tener el mismo apoyo que otras áreas de la vida social como la planificación, la administración pública, la ciencia y la tecnología. Porque a través de la cultura se obtienen grandes logros políticos, porque la “cultura” integra todo lo que hace el ser humano. Y ella entiende por cultura la manera de comportarse, concebir la vida familiar, conducirse en la vida social, respetar la naturaleza, crear, escribir, amar a los animales y a las plantas... La cultura abarca todos los aspectos de la vida, es un proceso perma-nente, y por eso planteó su labor como un trabajo de comunicación e integración a la existencia cotidiana, con la conciencia de la cultura como el proceso esencial de progreso, desarrollo humano integral y presencia histórica de un país. Esta visión la aplicó en el Periodismo y el desarrollo institucional de las artes.

2. Aportes al Periodismo Político y Cultural en Venezuela

Sofía es periodista desde antes de nacer y lo lleva en la sangre. El periodismo es su norte y su destino. En ese campo sus invalorables contribuciones incluyen la participación en el equipo fundador de la Revista CAL (Crítica, Arte, Literatura) junto a Guillermo Meneses, el Programa Buenos Días y la conducción de las Páginas Culturales de El Universal. La revista CAL, en los años sesenta, conjugó la última vanguardia literaria y artística venezolana en su más elevado des-pliegue estético. CAL es legendaria, sus influencias aún quedan por determinar. Fue una experiencia completa de integración de las artes y el pensamiento.

Buenos Días, con Carlos Rangel, fue una experiencia pionera para los programas de opinión en la televisión venezolana. No tenía prece-dentes y durante sus años de difusión contribuyó considerablemente a la consolidación del debate de las ideas. Ser invitado al programa era el más alto honor, era ser “mensch”. Hoy un programa de entre-

Con Jorge Luis Borges

Con Hans Newmann


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vistas de opinión es algo normal en la televisión, pero para entonces Carlos y Sofía marcaron un antes y un después en la comunicación. Su agudeza, sus incisivas e inteligentes palabras son irrepetibles.

Las Páginas Culturales de El Universal representan bajo su conduc-ción un período glorioso para la prensa cultural venezolana. Con una plantilla de colaboradores que comprende desde Mario Vargas Llosa, Octavio Paz o Julia Kristeva hasta las más jóvenes voces que se iniciaban en el campo de la crítica; las Páginas removieron la reflexión, allí tuvo cabida el más amplio espectro de tendencias; sin censura, con libertades expresivas. El único requisito era la calidad. Las discusiones allí promovidas fueron enriquecedoras. En las Páginas se formaron periodistas y críticos como Carlos Delgado-Flores, Javier Vidal, Adriana Meneses, Roberto Montero Castro, Luis Pérez Oramas, Ariel Jiménez, William Niño Araque… Para todos los que pasamos por las Páginas, ese paso es nuestro mejor orgullo como periodistas o críticos de arte.

3. El Museo de Sofía: una obra capital en América Latina

En el desarrollo institucional de las artes, los aportes de Sofía Imber saltan las escalas. Desde muy joven, en Europa, tuvo el privilegio de compartir y conocer a los más notables creadores y pensadores del siglo XX: Miguel Ángel Asturias, Pablo Neruda, Octavio Paz, Jean Paul Sartre, Albert Camus, Jaques Lacan, Ana Freud. Allí habitó el cen-tro de las polémicas por la interpretación de la historia y el papel del hombre en la sociedad. Conoció a Pablo Picasso, a Matisse, a Léger, a Henry Moore, Herbin, Vasarely…; a los rusos que se rebelaban ante los dogmas del realismo socialista, a los que pudieron huir de Hitler, quien les impuso el término de “arte degenerado”. Se vinculó a los jóvenes venezolanos (Jesús Soto, Alejandro Otero, Carlos Cruz-Diez), a Los Disidentes que habían hecho de París (como tantos otros artistas del mundo) el lugar de aprendizaje y deslumbramiento. Sofía fue el puente de comunicación entre el arte moderno y el proyecto de integración de las artes de Carlos Raúl Villanueva en la Ciudad Universitaria de Caracas y toda esta experiencia, unida a su interés por comunicar, cobró su forma en la creación del Museo de Arte Contemporáneo.

En 1972 se iniciaba el proyecto de construcción de Parque Central, y el Presidente del CSB, Gustavo Rodríguez Amengual, otorgó un especial interés a la promoción del desarrollo cultural dentro de la renovación urbana de Caracas, manejando en un comienzo la idea de poner en funcionamiento una “Sala de Exposiciones”, valioso ins-trumento de extensión creativa que contribuiría a la calidad y varie-dad de enriquecimiento cultural de la comunidad caraqueña. En ese momento, el Centro le solicitó la adquisición de un conjunto de obras de artistas significativos en la conformación de las vanguardias euro-peas para la nueva sala. Actuando con plena libertad de criterios, reunió lo que posteriormente sería el primer núcleo de la Colección del MACCSI y, atendiendo a una proposición de Alfredo Boulton, planteó la idea de trascender el concepto de sala expositiva para poner en funcionamiento un museo de arte contemporáneo que proporcionase a la ciudad un destino cultural dinámico y transformador de la calidad de vida de sus habitantes.

Fachada principal


En Venezuela no había un Museo de Arte Contemporáneo y Sofía asumió el reto de crearlo. Ante la observación de las autoridades del Centro acerca del poco espacio con el cual contaría ese nuevo mu-seo, Sofía respondió con su conocida frase: “No importa. Si me dan un garaje yo lo convierto en un Museo”. Con el tiempo, no solo un garaje, sino estacionamientos, espacios baldíos, espacios imposibles, se fueron incorporando al Museo, que pasó de tres, a tener dieciséis salas, con bóvedas acondicionadas, comedor de empleados, talleres de carpintería y restauración de obras, la primera Biblioteca Pública de Arte en Venezuela, la sala especial para invidentes, la Sala Múl-tiple para conferencias y conciertos, el Café del Museo, el Jardín de Esculturas, y las legendarias oficinas del MACCSI.

Parecía fácil. En realidad el éxito estaba garantizado y cualquier cosa que hiciese habría funcionado. Pero Sofía no se contentó con lo fácil y se propuso crear un Museo del mismo nivel que los mejores del planeta. Cambió la visión institucional. Esto significaba trabajar por la cultura como pocas veces antes se había trabajado en Venezuela. El Museo se convirtió en un paradigma de museo abierto, pionero en programas sociales en Venezuela, vinculando la institución con una comunidad participativa de sus actividades. Cambió también la ma-nera de percibir la cultura por parte de los gobernantes. Sofía marcó la pauta para exigir apoyos presupuestarios, supo cómo hacerlo y se entregaba a ello de manera despiadada.

La Colección del Museo de Sofía es otra leyenda. En ese entonces nadie imaginaba qué se traía entre manos, ni siquiera nosotros dentro del propio Museo. De pronto, en 1981, llegó el Retrato de Dora Maar, y la Odalisca de Matisse. Luego Chagall, Léger o Miró se sumaron a piezas maestras que ya teníamos como Bacon, Botero, Vasarely, Léger o Lucio Fontana. En dos o tres años ya se podía ha-blar de un significativo conjunto de obras de Picasso. De verdad no se podía creer. La Colección contiene una condición muy particular donde cada una de las obras se comporta como una constelación de sentidos, brilla por sí misma y multiplica sus relaciones plásticas, con-ceptuales y poéticas con las demás, lo cual permite un infinito cruce de lecturas que enriquece notablemente la manera de abordarla y presentarla al público.

Sala de exposiciones

Exposición Inaugural


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En este sentido, se expresa el singular talento de Sofía al saber ir a la pieza, escoger la que mejor representa al artista y la de más alta calidad. Por eso a los artistas les era un honor pertenecer a ella y muchas obras ingresaron por donación. Entre ellas, el célebre Gato y un conjunto de 17 esculturas de Fernando Botero. No existe otra colección similar en el mundo: con esa fuerza del alma de su creador, con la manera cómo palpitan las obras. Podrá haber colecciones más completas en su representación de los movimientos del arte del siglo XX, o con mayor cantidad de obras… Quizás podemos tener un ejemplo más cercano en el Stedelijk Museum de Amsterdam durante los años de la dirección de Eddy de Wilde. Pero es que la Colec-ción del MACCSI salta los criterios académicos o tecnicistas y va a la esencia, a la vida de la obra. Sofía Imber tiene un “ojo” como nadie; sabe de arte, lo ha vivido, lo ha sentido, ha participado en el devenir de los movimientos importantes en la segunda mitad del siglo veinte.

Aparte de sus cualidades institucionales, el Museo fue también un modelo de existencia. El Museo de Sofía no fue una simple expe-riencia institucional sino una manera de vivir. Trabajar en el Museo removió la existencia de sus trabajadores, sus formas de vida y vocación de servicio. En el Museo, se crecía como personas, como seres humanos y no como simples burócratas. Bajo el espíritu de for-mación de una Institución dirigida a la excelencia y de esa Colección sin precedentes, nos desarrollamos como venezolanos. La relación con el trabajo no estuvo marcada por las funciones administrativas o el cargo ocupado, sino por un compromiso con la existencia en sus niveles más profundos: una experiencia diferente que lleva el signo y el alma de Sofía.

Tenemos el deber de defender ese legado. De promover tesis e inves-tigaciones sobre el Museo, sobre la Colección. Debemos insistir per-manentemente en ello…. Que el olvido no haga morir a la memoria.

El maravilloso ejemplo de Sofía, quien apoyó a FIA Caracas desde sus inicios siempre con exigencias y entusiasmo, nos orienta e inspira a luchar por la Venezuela Posible. Concierto de jazz en la Plaza Contemporánea

Actividades educativas


El aluvión artístico de Sofía Imber, entre anécdotas y amistades cercanas

Grisel Arveláez P. “La palabra amistad es tan tremendamente transparente, tan tremen-damente fina, que no se puede romper y es para siempre”

Sofía Imber A sus 90 años, esta periodista y promotora cultural venezolana ateso-ra un recorrido inestimable por el escenario artístico y comunicacional de nuestro país, que no sólo ha sido y será citado, sino que además ha dejado huellas en la construcción de nuestra cultura moderna. Sofía Imber (Soroca-Rumania, 1924) es este personaje, una figura que se enlista entre los que, al vislumbrar el devenir histórico nacional, ofrece una trayectoria de ineludible repaso. Desde lo histórico y lo anecdótico, la mayoría de las letras que se le han dedicado celebran un itinerario por el mundo periodístico y cultural que comprueba un incansable trabajo de sol a sol, por ende nunca es tarde para seguir reconstruyendo sus pasos institucionales y desde el presente aportar registros escritos. Investigar y escribir sobre Sofía Imber, sin duda una mujer idealista, es percatarse del aluvión artístico que ha sido para Venezuela. De esta premisa surgen las siguientes páginas que intentan trazar un recorrido sobre la estrecha amistad que sostuvo con cuatro figuras fundamentales para el desarrollo de nuestro arte moderno: Alejandro Otero, Jesús Soto, Carlos Cruz Diez y Pedro León Zapata.

Ellos, acompañados de un peregrinaje artístico que brillaba por su creatividad y por las labores de difusión y promoción –Miguel Arroyo, Alfredo Boulton, Carlos Raúl Villanueva, José Antonio Abreu, María Teresa Castillo, Roberto Guevara y, entre los artistas, Cornelis Zitman, Marisol, Francisco Narváez, Gego, Juan Félix Sánchez, Luisa Richter, Seka, Víctor Lucena, Alirio Rodríguez, Mateo Manaure, entre otros nombres no menos importantes e injustamente dejados por fuera en estas páginas–, son signo del arte y la cultura moderna de mediados del siglo XX venezolano.Cortesía El Nacional


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Una promotora cultural en nuestras mañanas

Al recordar a la Sofía de esta época, surge una figura que no marchi-ta en nuestras memorias porque proyectó un aspecto físico práctica-mente invariable: rostro de mirada firme, estatura de 1.54 m. y de porte elegante, impecable cabello con reflejos dorados, siempre pre-firió llevarlo corto, voz tenue y trémula. Mujer elocuente y con determi-nación. Exigente y de carácter combativo, fue protagonista de varias polémicas. Aguerrida. La tenacidad es algo que ella misma reconoce como una virtud: “Es que soy excesivamente exigente” –llegó a de-clarar en 1989 en una entrevista que le hiciera Miriam Freilich a El Nacional– “Tantos años en periodismo, tantos entrevistados, tanta compañía de Carlos Rangel, tantos libros leídos juntos, tanta gente inteligente…te obliga a pensar y a exigir más.”(1)

Su apego al reloj, detrás del cual residía una enorme capacidad y entrega para el trabajo, son ejes de su personalidad recapitulados al unísono por casi todas las notas biográficas que se le han intentado, y cultivadas en nuestras memorias desde las primeras apariciones en cámara con el programa Buenos días, que conducía junto a su espo-so Carlos Rangel desde la década del setenta. Así pues una persona

con semejante carácter –probablemente muchas veces debió estar guiado por la intuición, lo que habla de los dones con los que nació–, será recordada siempre como la fundadora y directora del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, ese espacio que desde febrero de 1974 se posó como una altiva estructura de concreto en la zona de Bellas Artes, en Caracas, y que con el pasar del tiempo y la acumu-lación de experiencias artísticas se convirtiera en nuestro epicentro de arte: un emblema de nuestra capital cultural, templo del arte de pri-mera línea, una casa del coleccionismo de vanguardia. Y lo dijo de manera muy atinada en 1988: “No tenemos nada que envidiarle a los mejores museos del mundo.” (2) Así, ¿cómo no acumularía historias de amistades con nuestros creadores?

Fue, ante todo, reportera. En Buenos días ofreció un conjunto de entrevistas atesoradas aún, que narran y resguardan un interesante devenir cultural, político y social venezolano. En aquel set, entre sillas y cámaras, aparecieron personajes notorios como Arturo Uslar Pietri, Miguel Acosta Saignes, José Antonio Abreu, Camilo José Cela, Eunice Kennedy (hermana del presidente John Kennedy), el crítico de arte John Edwin Canaday, Dalai Lama, entre muchos otros. Y, por supuesto, cedió buena parte de este espacio a los artistas que pro-

Carlos Rangel y Sofía Imber. Cortesía archivo El Nacional Con Felipe González Con Luis Beltrán Prieto


movía. Este trabajo lo alternaba con la labor de directora del MACC sabiendo establecer diálogos entre ambos ejercicios, y el éxito pudo deberse también a que tomó a aquella pinacoteca de la modernidad como un hijo más. “Denme un garaje y haré de él un museo”, dijo cuando el Centro Simón Bolívar le ofreció aquella pequeña sala y de a poco creó, formó y desarrolló la colección de arte moderno más importante de Latinoamérica. Los linderos de la curaduría ya le eran familiares desde los tempranos sesenta y setenta. En 1972 organizó junto a Carlos Rangel el Primer Salón de Pintura Venezolana, en la Midland Gallery, en Nottingham, Inglaterra. (3)

Alejandro Otero y Sofía Imber

El programa Buenos días del 10 de agosto de 1977, lo abrió con esta contundente frase: “Me fascina que mis obsesiones sean los disi-dentes” y en ella entabló, junto a Carlos Rangel, una larga entrevista con Alejandro Otero (Edo. Bolívar, 1921- Caracas, 1990), entre tan-tas, pintor, escultor, y líder del grupo Los Disidentes. La amistad ya tenía tiempo de haber sido labrada, desde la década del cincuenta en que ella residía en Europa y, siendo esposa de Guillermo Mene-ses, escribía sobre artes para la prensa venezolana.

En la entrevista de 1977, la conversación derivó en los aportes que Alejandro Otero había dado a la abstracción –y para el arte vene-zolano en general–. Esta ganadora de la Medalla Picasso otorgada por la Unesco (1967), sostuvo con ahínco durante aquel programa la alta capacidad del artista como escritor, como crítico de arte, sin dejar de lado su valioso aporte como escultor y pintor. Otero ya tenía más de tres décadas de trabajo: aquella época cuando expuso Las cafeteras en el MBA, cuando había generado polémica disidente, él ya era un personaje de nuestra plástica venezolana. Las enérgicas palabras de Imber venían con un tono similar a la siguiente sentencia: “yo siempre he sostenido que tú eres el mejor crítico que ha tenido Venezuela.” Y no sonaban a simple adulación, ella sabía lo que le es-taba diciendo, pero para un personaje de carácter tan tajante como Alejandro Otero solo le quedaba aceptar las sentencias, con modes-tia, incluso son desacuerdo.

Este artista comprometido con su contemporaneidad y con el devenir cultural de nuestro país, le retribuía el afecto. Para ejemplo léase lo que manifestó cuando se fundó el Museo de Arte de Coro: “En este es-pacio conmovedor del Museo, yo los exhorto a defender y prolongar este lugar. Este espacio no se parece a ningún otro, ni físicamente ni en su espíritu; es quizás el reto más estimulante que haya sido resuelto en Venezuela. Tenemos que protegerlo. Hay que pensar que estamos viviendo decepciones, quiero decir, de esfuerzos aparentemente ais-lados, pero cuya fuerza y proyección están llamados a proponernos

Sofía Imber con Alejandro Otero


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[sic.] producir. Trabajemos en esa dirección, así está haciendo Sofía, digna de todo reconocimiento (…)” (3) Para Sofía, Alejandro Otero representaba especial sensibilidad artística, de afán investigadora que incentivó la pesquisa de nuevos lenguajes. Para ella él fue: “la integración del conocimiento científico y el desarrollo tecnológico al alfabeto del arte”. Seguramente muchos coincidamos con ella.

Jesús Soto y Sofía Imber

El “bigotudo”, así le decía ella con profundo afecto. Era 1976, pro-grama Sólo con Sofía, entrevista a Jesús Soto (Ciudad Bolívar, 1923- Paris, 2005). La introducción permite que hagamos lectura de la estrecha amistad que había entre ambos, y cómo Soto fue elemental para el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas: “No vamos a hablar de nada de eso [se refiere a la polémica sobre si los cinéticos eran considerados venezolanos o no], sino que vamos a hablar de un aspecto de Soto que todos ustedes me preguntan: ¿por qué nadie se ha atrevido a preguntárselo? Porque me saben amiga y admiradora de siempre, no solo de ahora sino de cuando empecé a dirigir la institución del Museo de Arte Contemporáneo, una de las razones era para darle un espacio a Soto. Ustedes saben que lo primero que hizo en nuestro museo, que ustedes visitan y que espero lo visiten cada vez más, es el Espacio Soto, que se hizo gracias a la generosidad del Maestro Soto que nos regaló los diseños, y fueron los primeros Soto hechos en París.” (5) Ella lo conoció en su casa, en Ciudad Bolívar.

La indagación personal que Jesús Soto emprendió con tesón, dio co-mo lugar a ese arte-ciencia que a tantos nos ha permitido “penetrar” en nuevos enfoques perceptuales. El hallazgo estético de Soto no pasaría desapercibido para Sofía Imber. Cuando se estaba gestio-nando la compra de obras para integrar la colección del MACC, ella hizo un viaje a Inglaterra buscando lo más actual, en medio de esa pesquisa tuvo la fortuna de encontrar en la galería Signal dos obras fundamentales de Jesús Soto. Las adquirió a precios muy módicos –las compró “como chatarras”, recuerda–. Al llegar a Venezuela, fueron restauradas, y terminaron siendo dos de las piezas más hermosas Jesús Soto junto a Sofía Imber. Archivo El Nacional

Con Jesús Soto, 1983


que el museo había tenido del artista. El maestro Soto no sólo era su amigo, sino uno de nuestros artistas más entrañables.

Carlos Cruz-Diez y Sofía Imber

—¿Cuántos hijos tienes?—Tengo uno—¡Qué bien! ¿Es ingeniero?—No, no—¿Médico?—No—¿Abogado?—No, no—¿Y qué es?—Es artista—¡Ah! –dijo la amiga con desilusión.

Con ironía y humor, Carlos Cruz Diez (Caracas, 1923) cuenta en el programa Lo de hoy, del 14 de agosto de 1974, esta anécdota que vivió su madre. Esas palabras pertenecen a una conversación sosteni-da entre la madre del maestro con una amiga quien le pregunta sobre la profesión de su hijo. El momento lo acota para manifestar cómo es difícil para muchos considerar el ser artista una profesión real, en tanto oficio poco conocido y para nada rentable. Puede que hoy no haya cambiado mucho la visión, pero en ese entresijo descansaba un detalle imposible de eludir: no se trataba de cualquier artista ese que no fue ni abogado, ni médico, ni ingeniero, se trataba de Carlos Cruz Diez, maestro estudioso del comportamiento del color y de la percepción.

En aquella entrevista Sofía Imber y Carlos Rangel destacan aquel mo-mento en que Cruz Diez, habiendo ya cultivado una buena carrera en la gráfica, con 36 años, toma esta contundente decisión: “dejó todo, cuando estaba ganando un montón de plata para aquella época, es-taba haciendo una excelente obra básica, y un día, ya teniendo hijos y mujer, se fue de Venezuela”. Se fue a París y perseguía un sueño: darle difusión al arte en que él estaba depositando toda su confianza.

La relación entre el maestro y Sofía comenzó como un reflejo de em-patía entre curador y artista. Y aunque esta dinámica hoy no se queda allí, claro está ha ido más allá, convive enriquecida por la gracia de los años, por las vivencias. Pero al remontarnos a 1967, ella, conocida como Sofía Meneses, fue comisario de Venezuela para la IX Bienal de Sao Paulo. Los artistas que nos representaron fueron: Carlos Cruz-Diez, Mario Abreu y Harry Abend. Y no pasaron desa-percibidos en este espacio de confrontación internacional, declaraba Sofía a la prensa venezolana: “El premio otorgado a Carlos Cruz Diez no solamente es justo como obra individual, sino que dentro del conjunto expuesto de más de 1000 obras, sus fisicromías tuvieron una total y absoluta aceptación.”(6) Para ella, “Carlos Cruz Diez demostró unas cualidades únicas”. No es de extrañarnos que ella, multifacé-tica, inquieta, fundadora de la revista CAL (Crítica, Arte y Literatura), se convirtiera en una de las principales promotoras de este artista,

Con Cruz-Diez


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aventurado a explorar y examinar las posibilidades del color desde una prueba del arte como ciencia, y de la ciencia como arte. Esa “impresión” de dinamismo y vibración en la luz-color que Cruz-Diez ha explotado al máximo para poner a prueba el acto de percepción visual y esa posibilidad de que la imagen derive como post-imagen en la retina, fue un recurso admirado por la periodista. Ella le reconoce ser un artista arriesgado (por el giro que dio a su vida), y ser un gran maestro pintor. “Yo creo que donde tú vivas, vives plenamente para la pintura, porque yo te conocí hace muchísimos años y ya vivías para la pintura y por la pintura”.

Pedro León Zapata y Sofía Imber

“Yo me voy en una nube rosada que me hizo Zapata”. A sus nietos les responde eso las veces que les ha embargado el pensamiento de adónde irá su abuela al momento de morir. Se irá en una nube rosa que conserva en su casa, es grande, y está pintada por Pedro León Zapata (La Grita, 1929). Para ella, él es la evocación de una mezcla explosiva: arte y humor. De su arte la satisfizo –y la satisface– ese poder de congregación que posee tras una caricatura en la que, a su vez, yacen valores plásticos. Es una facultad única la que tiene este Premio Nacional de Artes Plásticas (1980).

Ese poder de congregación que tiene Zapata para la gente, es co-mentado por la promotora cultural en 1981, durante el programa Buenos días: “Una vez tuvimos nada menos que Todo el museo para Zapata, donde más de 250.000 personas vinieron a ver esa exposición. Hubo un domingo en que había 20.000 personas en el museo y estaban las personas pegadas a los vidrios, montadas por fuera, yo tenía inclusive miedo de que les pasara algo. Pero lo que me iba a hacer morir del corazón es que yo todas las noches trataba de ver cómo iba a ser esa exposición, porque Zapata enviaba sus cuadros materialmente para terminarlos en el momento de la exposición...”

De mirada crítica, Sofía Imber ha sido capaz de adentrarse en el universo plástico de cada artífice y reinterpretarlo y, que además,

el público asiduo al museo tuviera otras lecturas desde las cuales abordarlos. La exposición Todo el museo para Zapata fue un acto de convocatoria y de relectura de Zapata, así comenta: “No se puede separar el Zapata de las caricaturas del Zapata pintor, porque uno y otro desembocan en un individuo perfectamente único. El de las cari-caturas demuestra que sabe pintar, que dibuja como pintor. El de los cuadros no puede ni quiere abandonar el tono de sarcasmo y ataque sin el cual nada serían los juegos de los colores de las sombras, de los inventados tiempos que se deslizan sobre la tela.” (7)

En 1971 Sofía Imber se coronaba como la primera mujer en haber recibido el Premio Nacional de Periodismo. Hoy, en pleno 2014, la Universidad Católica Andrés Bello inauguró la Sala de Artes Sofía Imber, no solo para homenajearla sino para preservar su legado artís-tico y cultural. Además se le ha concedido la Medalla Páez de las Artes otorgada por el Fondo Venezolano Americano para las Artes. La entrega tendrá lugar en el David Rubenstein Atrium del Lincoln Center en Nueva York, en noviembre, con Carolina Herrera como anfitriona.

Con Pedro León Zapata

Hay varios hilos con los cuales tejer la tela biográfica de Sofía Imber. Intentar rescatar y registrar, de escribir, las interacciones entre los ar-tistas y esta mujer que mereció el Premio Nacional de Artes Plásticas (1987), la periodista, pero sobre todo la amiga, la colega del mundo del arte, surte una especie de otra historia, una audaz, quizás menos académica, y eso le da un toque particular desde donde evaluar varios aspectos de la cultura venezolana.

Es difícil cerrar estas páginas sin evocar esa necesidad que surge de que Venezuela retome y reviva el momento en que las artes formaban parte fundamental del día a día, y que iban movidas por búsque-das estéticas e intelectuales de distintas naturalezas; estéticas que, además, estaban situando en altos lugares a nuestro país. Con el aporte de Sofía Imber a la cultura artística y comunicacional vene-zolana queda sellada una historia que no se borra, vivencias que se entrelazan, rostros, aportes y adelantos que no se olvidan.

REFERENCIAS1. Miriam Freilich, Sofía Imber, cara a cara. Yo soy un animal de mi trabajo, publicado en El Nacional, 16 de abril de 1988, Caracas.2. Ramón Darío Castillo, Sofía es del Museo de Arte Contemporáneo y de las Bellas Artes, publicado en El Diario de Caracas, el 12 de enero de 1988.3. Ídem4. Mariveni Rodríguez, Sofía Imber: la calidad es universal, publicado en El Nacional, el 22 de febrero de 1990, Caracas.6. S/A, Sofía Meneses: Venezuela y Argentina son los grandes potencias de la plástica Latinoamericana, publicado en El Nacional, en 1967. 7. Sofía Imber escribe para el catálogo de la exposición Todo el museo para Zapata, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, 1975, pág. 32

Sofía Imber al lado de pintura de Picasso, MACC. Foto cortesía El Nacional


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LLA MIRADA DEL OTROUna relectura institucional desde el arte contemporáneo

Las relaciones actuales en los procesos colectivos e individuales de nuestras sociedades, se han creado en base a campos constantes de expansión anclados en las nuevas estrategias de enlace que nos ofrece el mundo global: tweets, chats, perfiles, diseño, redes, imagi-narios… encuentros fortuitos que recorren las arterias del universo 2.0 con una velocidad difícil de describir y mucho menos de atrapar. Sin embargo, la imagen del mundo y de nosotros mismos aparece y desaparece del mismo modo que se elevan y se distancian cada uno de los mensajes que atraviesan estas prolíficas avenidas de lo inma-terial, brindándonos el estallido de vivir en un fragmento tan explosivo como descosido que navega por entre las sucesiones de un entorno cambiante.

Por encima de estas rutas febriles, otras tensiones también van asentando sus recorridos; perviven detrás de la efímera vida de es-tos elementos tan comunes en el proceso del día a día. Son ideas, ilaciones primarias, imágenes que inspiraron el encuentro, utopías iniciales de un territorio posible, huellas emblemáticas de una vida en movimiento que nunca se detiene y con la que se construyeron institu-ciones, empresas, lugares, cartografías, destinos, obras. Conscientesde la simultaneidad de estos episodios en la vida humana, nos hemos propuesto para esta edición de la Feria Iberoamericana de Arte, poner en relación cuatro puntos esenciales de la historia institucional de Banesco con la actividad de cuatro creadores destacados de la contemporaneidad; un experimento de acción y reacción, una tenta-tiva que ahonda en las metáforas posibles que pueden desplegarse entre los distintos actores simbólicos y reales del mundo actual.

De este modo convocamos a Alfredo Ramírez, Nayarí Castillo, Cipria- no Martínez y Yucef Merhi. Estos cuatro creadores venezolanos de generaciones distintas se han dedicado en esta ocasión a investigar y profundizar en cuatro ejes de Banesco, unidos por una investigación constante a través de amplios cuerpos de trabajo artístico, e involucra-

dos desde caminos heterogéneos con poéticas actuales que indagan en los vericuetos entre realidad y ficción, presencia y ausencia, tec-nología, memoria, cuestionamiento, desaparición y alternancia de las relaciones humanas en nuestra contemporaneidad.

En el caso de Alfredo Ramírez el primer logo musical de la corpo-ración, creado por Julio d’Escriván en el año 1992 es el centro de acción para descomponer sus espacios intangibles y traducirlos en una escultura cuyo movimiento traslada las ausencias y presencias sonoras de la partitura hacia una estructura vibrante que apunta a un espacio intersticial entre lo efímero y lo palpable. Para Nayarí Cas-tillo, la ausencia de figuras femeninas en la colección numismática del banco, la invitaron a reconstruir un producto inédito, una serie de heroínas claves en nuestra historia civilizatoria que funcionan como los engranajes de una mirada trasgresora sobre la historia oficial, acción que pone en tela de juicio los modelos tradicionales de he-gemonía y subalternidad, poder y exclusión, civilización y barbarie. En la obra de Cipriano Martínez, siempre atento a los cromatismos, reflejos y accidentes de la topografía virtual y real que vincula nuestra idea del entorno y nuestra verdadera conexión con la ciudad, es la ubicación de las principales sedes de Banesco en la ciudad de Caracas (Ciudad Banesco y Las Torres de El Rosal), la partícula arqui-tectónica que opera en la fragmentación cromática de ese recorrido: reflejos, visiones, enlaces y alteraciones de una urbe en movimiento constante. Finalmente, Yucef Merhi se inserta en los trazos gráficos de la institución, operando en la programación de un software en siete versiones desprendidas de la matriz gráfica. En esta regene-ración, el artista suscribe la ampliación de una materia inédita sobre los ángulos del diseño y sus variables, así como sus redes con el alma de la organización que los alberga; conclusión abierta de una posibilidad fractal que remite a las quimeras iniciales del logo y a sus progresiones materiales en un futuro pleno de organicidad.

En su totalidad, la muestra funciona como un aporte, un intercambio dirigido hacia la generación de vínculos entre la creación como una forma de conexión con el presente y los rígidos paradigmas de las


crisis sociales, políticas y económicas que atraviesa la cartografía mundial; en este ejercicio, más que ser inéditos o trascendentales lo que hemos buscado es la recuperación de otro tipo de conexión: trasladarnos desde nuestros lugares de confort y seguridad (tanto para los artistas elegidos como para la institución que los ha convocado) con la finalidad de encontrar nuevos eslabones que nos permitan vernos y proyectarnos en un futuro probable, espacio fecundo que pueda construirse desde el diálogo abierto con la mirada del otro.

Lorena González I.

Alfredo RamírezSatélite, 2014.

“Es una pieza de 2 X 1,50 mt. Está construida con acero negro, la idea es que su acabado sea de pátina de cobre. Esta pieza emu-la, en su apariencia, a la obra del artista ruso estructuralista, Naum Gabo. Quise utilizar las progresiones helicoidales para encerrar las progresiones de ciertas escalas que encontré en los sonidos presentes en el logo musical, sirviéndome de sus intervalos, más que de las notas mismas y de sus sonidos”

Nayarí CastilloColección Conmemorativa Lya Imber de Coronil o anotaciones para celebrar heroínas, 2014. “En la mayoría de mis proyectos la historia es el punto clave de acción, reconstruyendo a través de objetos antiguos y retazos visuales, una mi-rada crítica sobre nuestras formas de hacer historia. Quisiera elaborar una colección en honor a las heroínas venezolanas no plasmadas en las usuales monedas conmemorativas. Dentro de la hermosa y valiosa colección de monedas del banco los únicos nombres que hacen eco de lo femenino, son la niña, la pinta y la santa maría. Dentro de los lineamientos y políticas de la institución, sin embargo, está la inclusión y la celebración de los balances; por tanto, deseo construir a manera de instalación una oda a valientes mujeres que cambiaron con su fuerza y maneras la historia civilizatoria de Venezuela.”


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Cipriano MartínezLíneas en expansión, 2014Óleo sobre tela100 cm x 140 cm Fachada I (detalle), 2014Óleo sobre tela40 cm x 60 cmFachada II (detalle), 2014Óleo sobre tela41 cm x 31 cm

“Siempre he trabajado con las disposiciones y variables de lo pic-tórico a partir de una reflexión personalizada del paisaje como el espacio de interacción donde las cartografías del inconsciente y los fragmentos de la cultura digital-global se traducen en abstracciones cargadas de nuevos significados. Mi idea es hacer este proceso a partir de la triangulación de esa zona de la ciudad, con el auxilio de los mapas cenitales de Google. Durante la visita reciente a las te-rrazas de Ciudad Banesco y las Torres de El Rosal, surgió la idea de trabajar con las reflexiones, situaciones geométricas y las estructuras etéreas que sobre la superficie del vidrio tenían lugar; destacando el uso del color verde como una presencia importante en los espacios de la institución y el vidrio como una superficie límite que conecta el complejo paisaje de la ciudad con la estructura - a veces minimalista - de la infraestructura institucional.”

Yucef MerhiBanescus, 2014

“Opté por usar el logo de Banesco como materia prima, como punto de partida, y desarrollar siete módulos orgánicos, generativos y autóno-mos, que denominé Banescus. Etimológicamente, logo deriva del grie-go Aóyoc, que quiere decir palabra, discurso, razón. En la filosofía, el logos es el átomo ubicuo que conforma a todas las razones; inicio y término de la racionalidad; síntesis universal de lo discernible.Si bien los Banescus son organismos visuales, también funcionan comoherramientas. Se pueden emplear para meditar o para crear. El sis-tema alude a la geometría sagrada, a la física fractal y, también, a la relación invisible e ineludible entre el lenguaje programado y la imagen. Informáticamente, los Banescus fueron escritos en Java, emplean OpenGL y se adaptan a cualquier dispositivo (PC, Mac, tableta, móvil) gracias a las librerías JS.”

link http://banescus.com/

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APUNTES SOBRE LA HISTORIA DEL LOGO INSTITUCIONAL

El logo Banesco ha tenido una historia tan múltiple como acorde a las inquietudes que han movilizado a la organización que lo convoca y lo postula. Esta dinámica encierra una circularidad especial producto de una transformación cónsona con su presente que lo ha hecho unirse a diversas entidades con la mirada puesta en el futuro. La primera propuesta surgiría en el año 1992 con la conformación de Banesco Banco Universal, allí fueron las líneas de un lingote de oro traba-jadas desde el cinetismo lo que inspiraría la conformación vertical de dinámicas en transfor-mación. Luego del cambio de milenio la fusión entre diferentes filosofías: inno-vación (Banesco), tradición (Banco Unión), cambio (Unibanca) y apoyo (Caja Familia), decantarían en el actual logo de Banesco, cuyo punto crucial es el estado dinámico de sus es-feras en movimiento.

La esfera verde es el punto de partida y su valor fundamental es marcar la diferencia a través de la innovación. La esfera azul está directamente conectada con la eficiencia y la calidad buscando mejorar los resultados a través de un ejercicio óptimo de los recursos, una actividad con la que la organización ha extendido sus fronteras hacia el ejercicio financiero en otras cartografías. Finalmente la esfera roja remite al sentido humano, soporte base, corazón de una estructu-ra que busca satisfacer las necesidades, aspiraciones e ideales de sus clientes, de los empleados y de la comunidad en general.

En este sentido la Colección de Arte Banesco conserva obras funda-mentales de una historia donde diversos artistas se han conectado con ese espíritu institucional como Jacobo Borges con la instalación Del sol y de la luz que recorre el espacio laboral de Ciudad Banesco o el maestro Oswaldo Vigas con su mural en mosaico vitrificado que abraza la plaza interna. En el caso del logo, valores como la tradición están reflejados en el óleo sobre tela del maestro Pedro Centeno Vallenilla bajo el título La industria y el comercio, que manifiesta el logo original de Banco Unión. La solidez y la confianza están ampliadas en los Tres volúmenes tallados en piedra de cumarebo pertenecientes


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LA MIRADA DEL OTROUna relectura institucional desde el arte contemporáneo

ArtistasAlfredo RamírezNayarí Castillo

Cipriano MartínezYucef Merhi

Curaduría y textosLorena González I.

MuseografíaPietro Daprano

Concepto y diseño gráficoPedro Quintero

Producción y montajeJesús Guerrero AriasKarla Guerrero Arias

Arte Taller 33

al creador Francisco Narváez. Para la muestra La mirada del otro, Alfredo Ramírez explora la innovación a través de la ubicuidad del primer logo musical transcrito en un proyecto escultórico, en tanto que Yucef Merhi se sumerge en las poéticas de la tecnología como el pun-to de partida para ampliar siete tecnoentidades concentradas en las emprendedoras arterias que recorren el sentir humano de la institución.


Tahía RiveroCuradora de la Colección

Emilio NarcisoEspecialista de Colección

Juan NogueraEspecialista de Colección

Eduard DíazTécnico de Colección

Merly VargasOficial de Administración

Mercantil Arte y Cultura A.C.Rif: J-40109584-4

Avenida San Juan Bosco con 3ra transversal de Altamira.Edificio Panaven P.B., Caracas, Venezuela.Teléfonos +58 (212) 264 5087 / 263 [email protected]


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ILMercantil Arte y Cultura A.C. se dedica a la promoción de las artes visuales a través de la Colección Mercantil y su sala de exposiciones Espacio Mercantil, participando en exhibiciones tanto dentro como fuera de Venezuela, realizando investigaciones y promocionando conferencias en apoyo al talento artístico venezolano. La Colección Mercantil congrega un conjunto de obras que reflejan variadas co-rrientes y tendencias del arte, reuniendo no sólo importantes obras del período colonial, del paisajismo del siglo XIX y de las vanguardias históricas del siglo XX, sino también formatos artísticos contemporá-neos, con lo cual esta colección se perfila como una visión de lo que ha sido el devenir del arte venezolano de los últimos cuatro siglos.

Proyecto en exhibición

Color/Gesto/Materia. Cuatro artistas. Colección Mercantil


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Mary BrandtVentana N° 7, 1981Óleo sobre tela150 x 125,4 cm

Teresa Casanova Intromisión retrospectiva, 1962 Óleo sobre tela 91 x 147,5 cm


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Mercedes Pardo Composición implícita n° 1, 1959 Óleo sobre tela 130,7 x 97 cm

Maruja RolandoCacuri, 1959 Óleo sobre tela 100 x 75 cm

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Mary BrandtSin título, 1990Aguafuerte, aguatinta y barniz blandoSoporte: 65,5 x 50 cmMancha: 33 x 27,8 cm

Maruja Rolando Vibraciones, sin fecha Aguafuerte, aguatinta y barniz blando Soporte: 35,2 x 29 cm Mancha: 26,1 x 20 cm

Teresa Casanova Sin título, 1966/1996 Aguafuerte y aguatinta Soporte: 64 x 50,3 cm Mancha: 26,9 x 29,7 cm


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ALFREDO GINOCCHIO / México

ART NOUVEAU / Venezuela - USA

ARTE ASCASO / Venezuela - USA

ARTE DÍEZ / Venezuela

BEATRIZ GIL GALERÍA / Venezuela

CENTRO DE ARTE DANIEL SUÁREZ / Venezuela

D’MUSEO / Venezuela

DÍAZ MANCINI / Venezuela

DIMACA / Venezuela

DURBAN SEGNINI GALLERY / Venezuela - USA

FREITES GALERÍA / Venezuela

GALERÍA DE ARTE FLORIDA / Venezuela

GBG ARTS / Venezuela

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GRAPHIC ART / Venezuela

GSIETE / Venezuela

IMAGINART GALLERY / España

JUAN RUIZ GALERÍA / Venezuela

LA COMETA / Colombia

LGM ARTE INTERNACIONAL / Colombia

LUIS PÉREZ GALERÍA / USA

MEDICCI / Venezuela - USA

OKYO / Venezuela

PARÉNTHESIS / Venezuela

RGR+ART / Venezuela

THE CHILL CONCEPT / USA

23º feria iberoamericana de arte84

En 1988 Alfredo Ginocchio funda la galería Praxis México la cual desde 2008 lleva el nombre de Galería Alfredo Gino-cchio. Abraza como objetivo principal la promoción interna-cional de artistas mexicanos y latinoamericanos. A lo largo de 23 años que ha conmemorado Galería Alfredo Ginocchio, participó en más de 60 ferias del arte en los Estados Unidos de América, Europa y otros países Latinoamericanos, preparó más de 130 exposiciones individuales y colectivas en la galería en la Ciudad de México e igualmente ha participado en la formación de colecciones de arte y colaborado con impor-tantes museos. Galería Alfredo Ginocchio ha consolidado en el mercado y representado a artistas de la talla de San-tiago Carbonell, Roberto Cortázar, Bruno Widmann y Roger Mantegani. Dedicada especialmente a la neofiguración delarte moderno y contemporáneo, Galería Alfredo Ginocchio impulsa a una nueva generación de jóvenes emergentes artistas: Ofill Echevarría, Claudio Gallina, Hugo Lugo, Luis Selem, Carlos Oviedo, Cesar Rangel, Luis Kerch y Ramses Olaya entre otros.

Arquímedes 175, Polanco, 11570, México D.F., México. Telf: (5255) 5254 8813 Fax: (5255) 5255 5690E-mail: [email protected] www.ginocchiogaleria.com

Artistas representados Santiago Carbonell Roberto Cortázar Ofill Echevarría• Claudio Gallina• Luis Kerch• Hugo Lugo Roger Mantegani Ramses Olaya Cesar Rangel Carlos Ríos Victor Rodríguez• Luis Selem Susan Schmidt Francisco Valverde• Bruno Widmann

• artistas exhibidos

Alfredo Ginocchio DirectorMEXI

COAL

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NOCC

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Claudio GallinaDe la serie Cuadernos intervenidos – Verbo, 2012

Cuaderno rescatado e intervenido21 x 32 x 1.5 cm

Luis KerchCon la luz del río manzanares, 2013

Acrílico s/tela150 x 150 cm

23º feria iberoamericana de arte 85


Elizabeth Hazim de Castillo Directora

Desde 1987 Art Nouveau Galería ha promovido artistas plás-ticos de diversas generaciones y trayectorias, propiciando un panorama abierto y plural del sentir creativo que se ha manifes-tado con suma libertad, en un espacio y tiempo de verdadera repercusión. Lección de vida que ha tenido la firma de un Soto, Cruz-Diez, Lía Bermúdez, Hung, Edison Parra, José R. Sánchez, entre otros, quienes gracias a su sentir zuliano y solidaridad irrestricta, han ampliado ese diálogo propuesto y buscado tan sensiblemente. Asumiendo que para progresar como nación, debemos empezar por esforzarnos nosotros mismos. Máxima que Art Nouveau ha elegido como bandera ideológica, terri-torial y existencial, dentro y fuera del país. Alberto Asprino

Calle 73 con Av. 3H, Edif. San Francisco de Paola PB. Maracaibo - Venezuela.Telf: +58 (261) 793 2780 / 416 1989Cel: +58 (414) 361 7046 / (412) 079 9919

348 NW 29 STMiami, FL 33127Telf: +1 (305) 573 4661 / +1 (786) 554 5011 / 241 2099E-mail: [email protected]@artnouveaugaleria.comwww.artnouveaugaleria.com

Artistas representados Ana Cecilia Avigdor• Rafael Barrios Francisco Bellorin• Lía Bermúdez Ania Borzobohaty• Carlos Cruz-Diez Adham Dalloul Rosana Fernández• Leon Ferrari Francisco Hung• Roberto Lombana• Carlos Medina Jonidel Mendoza Miguel Meza

ART

NOUV

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VENE

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• Gabriela Morawetz• Desire Obtain Cherish Julio Pacheco Rivas Lourdes Peñaranda Arturo Quintero Héctor Ramírez José Ramón Sánchez Delsy Rubio Schuster y Zajac • Jesús Soto Zerep


Rafael BarriosVertical dislocado, 2013

Hierro laqueado130 x 133 x 10 cm

Lía BermúdezAyaá (Relámpago), 2013

Hierro laqueado33 x 76 x 32 cm

Desire Obtain Cherish DOCBlowpops, 2013

Encapsulado en resina76 x 32 x 32 cm


La primera sede de la GAA se funda en Valencia en 1989 y durante trece años se convierte en espacio de indiscutible referencia para artistas, coleccionistas y público en general. En el 2002, se inaugura en Caracas la segunda sede, pio-nera en Venezuela en el concepto de edificación museística de galería privada. Mantiene un perfil de arte universal y de todos los tiempos, con énfasis en la proyección, tanto nacional como internacional, de maestros venezolanos así como de no-veles talentos del país. Ocho años después la Galería de Arte Ascaso crece en sus espacios con la apertura de su nueva sede Ascaso Gallery, Miami.

Av. Orinoco, entre calles Mucuchíes y Monterrey, Urbanización Las Mercedes. Caracas 1060, VenezuelaTelf: +58 (212) 993 6862Telefax: +58 (212) 993 5301E-mail: [email protected]

Calle Uslar, casa N.° 92-36Urbanización Trigal Centro Valencia, VenezuelaTelefax: +58 (241) 843 6144e-mail: [email protected]

2441 NW 2nd Ave. Miami, Fl. 33127, USATelf: +1 (305) 571 9410 / 571 9411 / 788 5333E-mail: ascasogallery@gmail.comwww.ascasogallery.comwww.galeriadearteascaso.com

Artistas representados Antonio Asis Fernando Botero Arturo Correa• Carlos Cruz-Diez José Antonio Dávila Jiménez Deredia• Carlos Hernández Guerra• Ignacio Iturria• Julio Larraz James Mathison• Carlos Medina• Francisco Narváez• Carmelo Niño

Antonio Ascaso Director

ARTE

ASC

ASO

Carlos MedinaGota C, 1997

BronceEdición de 7 ejemplares

60 x 19 cm

Oswaldo VigasObjeto paisaje I,1954

Óleo sobre tela65,5 x 92 cm

• Alirio Palacios Rolando Peña Darío Pérez Flores Pancho Quilici, Luisa Richter, Jorge Seguí• Jesús Soto• Luis Tomasello• Víctor Valera• Oswaldo Vigas Cornelis Zitman


VENE

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VENE

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Luis TomaselloAtmosphère chromoplastique N° 941, 2010

Acrílico sobre madera55 x 55 x 8 cm

Carlos Cruz-DiezInducción cromática a doble frecuencia Madrid B,

París 2008Mixta, original de 8 ejemplares

70 x 200 cm


La galería Arte Diez es un espacio dedicado especialmente al arte venezolano y latinoamericano, con la intención de estimu-lar un mercado que crea en él y apoye su talento. Desde esta institución se plantea el estudio, exhibición, apoyo a los artistas de las Artes Plásticas. Arte Diez garantiza la asesoría personali-zada al coleccionista y público del arte, explorando los talleres de los creadores en búsqueda de nuevas tendencias. La galería presenta de manera continua el trabajo individual y colectivo de maestros consagrados, artistas con trayectoria y jóvenes crea-dores. Sensibilidad, armonía, respeto y seriedad se conjugan en este espacio.

Av. Andrés Bello, entre 1ra y 2da Transversal, PB,Los Palos Grandes, Caracas - Venezuela. Telf: +58 (212) 283 1857 / 286 3426 (0426) 536 8826 / (0412) 995 9698E-mail: [email protected] / [email protected]://www.galeriaartediez.com.ve Twitter: @artediez

Artistas representados• Edgar Álvarez Estrada• Álvarezdelvecchio • Rodrigo Benavides Karim Borjas Juan Calzadilla Luis Enrique Camejo• Omar Carreño Quintana Castillo Saverio Cecere Ender Cepeda• Carlos Cruz-Diez• Johnny Descamps Arlex Gruber Octavio Herrera Kcho• Julio L’Parc Rubén López

Sandra Diez Directora

ARTE

-DIE

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NEZU

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Mateo Manaure Carlos Martínez• Jorge Mena Humberto Ortega Armando Pérez Herrera Portillo• Nelson Rangelosky Arles del Rio Alirio Rodríguez Roger Sanguino• Jesús Soto Annette Turrillo Francisco Verde Oswaldo Vigas


Edgar Álvarez EstradaMarina con taburete, 2014

Acrílico sobre tela120 x 40 cm

ÁlvarezdelvecchioOtero y de lo solar, 2013

Acrílico impreso/acero inoxidable88 x 79.6 cm

Nelson RangeloskyCharles Chaplin, 2014

Dadosgrafía (3.168 dados)83 x 53.5 x 5 cm


Beatriz Gil y Valentina Atencio Gil DirectoresVENE

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L GAL

ERÍA Desde finales del 2013 comenzó la transformación a la labor

que por diez años sostuvo la Galería Artepuy como plataforma de compromiso sostenido que dio la apertura a tantos crea-dores reconocidos, como a jóvenes talentos en todo el territorio venezolano.Luego de estos años hemos decidido dar un giro identificán-donos aún mas con el proyecto para comenzar a construir un nuevo relato que propone el intercambio entre nuestros crea-dores y sus colegas de la región latinoamericana. Es así, como en el 2014 estamos ampliando nuestro perfil con el nombre de Beatriz Gil Galería.

Calle California con Jalisco, Edificio San Carlos, Nivel PB, Local 2, Las Mercedes. Caracas. Venezuela. Telf: +58 (212) 993 0974 / (414) 129 4781 E-mail: [email protected] www.beatrizgilgaleria.com

Artistas representados• Joâo Castilho• Carlos Cruz Diez• Pietro Daprano• Rodrigo Echeverri• Darío Escobar• Mauricio Esquivel• Pepe López• Cipriano Martínez• Jesús Matheus• J. J. Moros• Nydia Negromonte• Cecilia Paredes• Marcos Temoche


Darío EscobarEscultura Transparente X, 2014

Madera160 x 192 x 160 cm


Cecilia ParedesEn las alas de tus sueños, 2014, Ed. 5 Impresión en tela120 x 120 cm

Cipriano MartínezBillboard IV, 2011Óleo sobre tela140 x 100 cm


Daniel Suárez Director

Luego de 10 años ininterrumpidos de actividades culturales especialmente vinculadas a las artes plásticas, el Centro de Arte Daniel Suárez tiene el agrado de participar por primera vez en el evento de mayor importancia del año, es la Feria Iberoamericana de Arte 2014. Participaremos con las obras de cuatro artistas venezolanos de gran solidez y trayectoria, se trata de Juvenal Ravelo (Premio Nacional de Artes Plásticas 2008), Ángel Hernández, Octavio Herrera y Daniel Suárez.En nuestro debut participaremos con obras recientes de estos grandes artistas, quienes ocupan un importante lugar en el presente del arte cinético, geométrico y constructivista en Vene-zuela y Latino América. Cabe destacar que el Centro de Arte Daniel Suárez no sólo representa a los artistas antes menciona-dos, sino proyecta, realiza, promociona y restaura sus obras. Adicionalmente, contamos con el taller de restauración de arte contemporáneo más importante del país, en este sentido nos encargamos de conservar colecciones privadas y públicas.

Av. El Ávila con calle San Miguel, Qta. Veneyork, Urbanización Alta Florida. Caracas – Venezuela.Telf: +58 (212) 730 3316 / (416) 539 3731E-mail: [email protected]

Artistas representados• Juvenal Ravelo• Ángel Hernández• Octavio Herrera• Daniel Suárez

• artitas exhibidos

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DE

ARTE

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Juvenal RaveloS/T, 2014Mixta sobre acrílico150 x 150 cm

Ángel HernándezS/T. 2014Mixta sobre acrílico150 x 80 cm

Octavio HerreraTriángulos azul – plata, 2009Acero pintado59 x 95 x 75 cm


VENE

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ARTE

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Juvenal RaveloS/T, 2014

Mixta sobre poliestireno y elementos reflectantes100 x 200 cm

Fragmentación de la luz y el color, 2014Mixta sobre MDF, elementos reflectantes y aluminio pintado

120 x 250 cm


VENE

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NTRO

DE

ARTE

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Ángel HernándezS/T, 2014

Mixta sobre acrílico200 x 120 cm

Daniel SuárezEspejo, 2013Hierro pintado

30 x 30 x 15 cm

Daniel Suárez Para Liza, 2014

Mixta sobre acero inoxidable280 x 200 x 200 cm


Ana Josefina Vicentini, Zoraida Irazábal, Nicomedes Febres Directores

El objetivo fundamental de la Galería D’MUSEO durante sus 24 años ha sido la promoción, difusión y comercialización de los artista venezolanos contemporáneos, por igual los grandes maestros como a los noveles creadores. Por ello además de exposiciones, formación de colecciones, esta presente en fe-rias de arte internacional.También maneja piezas fundamentales de artistas de resonan-cia universal. Desde1992 organiza la Feria Iberoamericana de Arte, FIA y sus Salones Institucionales.En junio de 2014 abrió LA ESQUINA GALERÍA en la ciudad de Bogotá, con el fin de promocionar los artistas venezolanos y Colombianos.

Av. Ávila con 8va transv., Centro de Arte Los Galpones, G2, Los Chorros. Caracas, Venezuela.Telfs: (58 212) 284 0943 / 0177E-mail: [email protected]

Artistas representados Pedro Barreto Antonio Briceño• Violette Bulle• Jesús Caviglia Carlos Cruz-Diez• Juan Camilo García Nelson Garrido• Ángel Hurtado• Susy Iglicki• Baltazar Lobo• Ángel Marcano• Augusto Márquez• Noemí Márquez• Pedro Morales Emilio Narciso JulioPacheco Rivas

VENE

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MUS

EO

• Aureliano Parra• Francisco Pereira• Rayma• Alirio Rodríguez• Reymond Romero• Edgar Sánchez• Jesús Soto• Juan Toro• Efraín Ugueto• Miguel Von Dangel• Pedro León Zapata Cornelis Zitman• Carlos Zerpa



Alirio RodríguezLa veste, asume que te representa, 2005Acrílico sobre tela50 x 46 cm

Edgar SánchezEn la vía, 2014Acrílico sobre tela120 x 120 cm


D’M

USEO

VENE

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Juan ToroPartes de Guerra, 2014

Fotografía digital60 x 38 cm

Susy IglickiNueva Serie Ranchos I, 2013

Edición 1/3Imagen digital montada en acrílico comprimido

44 x 102 cm

Francisco PereiraBipardo, 2014

Edición 3/8Bronce fundido

45 x 96 x 25 cm

Noemí MarquezTierra Pequeña 11, 2012

Cerámica42 x 30 x 23 cm


D’M

USEO

VENE

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A

Aureliano ParraCromourbano II, 2014

Mixta / Pintura y acetato Mylar 150 x 150 cm

Efraín UguetoDe la Miel… Los mismos Signos, 2014

Mixta – Pintura Esmaltada, Recubrimiento plástico, metal, Yeso 32 x 13 x 8 cm


Ángel MarcanoColas de pescado, 2014Alambre de cobreMedidas variables

Reymond RomeroIdeograma 11, 2014Textil sobre madera120 x 120 x 4 cm


La Galería Díaz Mancini inicia sus actividades en el año 1990, fruto de una familia de tradición galerista (1961). Con-cebida para la promoción y difusión de las artes de todas las tendencias- pintura, esculturas, fotografía, estampa, joyería y otras expresiones artísticas- está situada en una de las mejores urbanizaciones de Caracas, concretamente en una casa de amplios espacios expositivos con seis salas y un total de 300 m2 . Basa sus muestras en la calidad artística y pone especial énfasis en los detalles de producción: curaduría, selección de obras, calidad de las publicaciones- presentación, diseño, pa-pel y fotografía-, montaje, iluminación. Además de las muestras de carácter individual y colectivo, la galería lleva a cabo otras actividades como presentaciones de libros y catálogos, con-ciertos, charlas, teatro, cine y una fructífera labor pedagógica. Otra de las actividades, que estamos desempeñando, es la accesoria de colecciones, restauración y avalúo de obras.Tenemos actualmente un importante número de obras de colec-ción de artistas nacionales e internacionales, que conforman una excelente inversión.

Av. Mohedano, entre calle Los Granados y 1ra transversal, La Castellana, CaracasTelefax: +58 (212) 261 0417Cel: +58 (0416) 801 0387 / (0414) 305 9528 E-mail: [email protected] [email protected]

Artistas representadosJuan Pablo ÁlvarezSusana, AmundarainGilberto BejaranoPedro BriceñoFrancisco CaminoCarlos Alberto CastilloMaria José Da SilvaInés De VeerAdonay DuqueEnay FerrerAstolfo FunesElizabeth GonzalezValentín MalaverMilagros Marambio

César Díaz Mancini Director Carlos Díaz Mancini Subdirector

DÍAZ

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Leopoldo PalisPaul ParrellaCarlos Quintana Iván QuinteroHernán RodríguezRafael RosasPedro SandovalMilagro SerritielloIsabel SouchonLuis Valera



Francisco SalazarUn Element Inmaterial Et Uh Autre Transprent Dans L Espace Vide No 663, 1986 Mixta, cartón y madera pintada 140 x 120 cm

Mercedes Pardo Espiral Discordante, 1980Acrílico sobre tela120 x 120 cm


Hector Iguini, Bernardo Iguini Directores

La Galería Dimaca es un espacio cultural dedicado a presentar exposiciones de artes plásticas. La idea de crear este espa-cio surge hace dieciséis años, por su fundador Héctor Iguini, durante los cuales ha venido laborando en el campo de la marquetería artística, veinticinco de ellos en “Dimaca” espacio donde fue conociendo y tratando a importantes artistas vene-zolanos de los últimos tiempos.

Av. Andrés Bello con 2da transversal. Los Palos Grandes. Caracas Telf: +58 (212) 285 1863 / 285 4671Fax: +58 (212) 285 6056E-mail: [email protected]

Artistas representados• José Antonio Araujo Rafael Araujo• José Campos Biscardi Víctor de la Rosa Alexis Fernández Juan Carlos Fernández Wiston García Karuz Gruber Luis Guevara Moreno Mateo Manaure Alexander Martínez José Merchán• Martín Morales Ismael Mundaray Bernardo Nieves Abilio Padrón

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Armando Pérez Nicolás Piquer Azalea Quiñones Alirio Rodríguez Braulio Salazar• Trino Sánchez Wuilfredo Soto Oswaldo Subero Virgilio Trompiz• Juan Urbina Oswaldo Vigas Esteban Villaparedes Hildemary Vizcaya Pedro León Zapata



José Antonio AraujoMenina con gato, 2014Mixta sobre madera. 94 x 66 x 25 cm

José Antonio AraujoMenina azul, 2014Mixta sobre madera. 46 x 28 x 15 cm


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Martín MoralesAutana, 2014Acrilico sobre tela. 100 x 100 cm

José Campos BiscardiÁvila escapando del fuego y el cielo acompañándolo, 2013Acrílico, carboncillo y pastel sobre tela y M.D.F. 120 X 197 cm


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Juan UrbinaLíneas dispersas y círculo, 2014

Mixta sobre cartón corrugado. 29 x 49 cm

Trino Sánchezs/t, 2014

Mixta sobre tela. 158 x 158 cm


VENE

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Cesar Segnini, Sulay Segnini Directores

Galería Durban Segnini fue fundada en Caracas en 1970 y en Miami en 1992 por su director y propietario Cesar Segnini.La Galería Durban Segnini se especializa en pintura y en es-cultura contemporánea, con énfasis en artistas que han traba-jado con el expresionismo abstracto, la abstracción, la geo-metría, el constructivismo y el cinetismo. Simultáneamente, la Galería se esfuerza en promover y difundir la obra de jóvenes artistas, así como las vanguardias históricas que han influido en ellos. La Galería Durban Segnini es conocida por su ex-periencia en áreas tales como: La integración de obras a la arquitectura y espacios públicos y por su asesoramiento a colecciones privadas.

3072 SW 38 Ave. Miami, FL. USATelf: +1 (305) 774 7740 +58 (212) 242 4053E-mail: [email protected]

Artistas representados• Pablo Atchugarry• Carmelo Arden Quin• William Barbosa• Agustin Cardenas• Omar Carreño Carlos Cruz-Diez Carlos Evangelista Bolívar Gaudin Gyula Kosice• Mateo Manaure• Cesar Paternosto Omar Rayo Fanny Sanín Antonio Seguí• Jesús Soto• Fernando de Szyszlo Ramírez Villamizar Beto de Volder


Mateo ManaureColumna Policromnada, 2000

Mixta sobre madera160 x 50 cm

Pablo AtchugarrySin título, 2012

Marmol blanco de Carrara94 x 14 x 18 cm


Alejandro Freites Director

En noviembre de 1977 abre sus puertas la GALERÍA FREITES, y desde entonces en sus espacios han sido dedicados a la di-fusión y proyección de los más importantes artistas nacionales e internacionales. Más de 140 exposiciones han sido organi-zadas desde entonces, convirtiéndose en un centro cultural de referencia para la ciudad de Caracas.GALERÍA FREITES también ha colaborado con préstamos a diferentes galerías y museos del mundo, como el Metropoli-tan Museum de Nueva York, Tate Gallery de Londres, Biblio-teca Luis Arango del Banco de la República de Colombia. Museo Rufino Tamayo de México, el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) y el Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO), entre otros.

Av. Orinoco, Las Mercedes, Caracas 1060- VenezuelaTelf: +58 (212) 993 7846 / 993 2259E-mail: [email protected] / [email protected]

ArtistasArman Jacobo BorgesFernando BoteroReg ButlerSantiago Cárdenas Enrico CastellaniLynn ChadwickJean DubuffetLucio FontanaSam Francis Robert IndianaAnish Kapoor Baltasar LoboHenry MooreLouise NevelsonEdgar SánchezJorge SteverDonald SultánManolo Valdés Abigail Varela

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Manolo ValdésRostro con traje amarillo, 2013

Óleo s/tela166.5 x 141 cm


Fernando Botero Bailarines, 2011Bronce 134.6 x 53.6 x 89.2 cm

Robert Indiana HOPE (Violet-Red), 2009Aluminio pintado 45.7 x 45.7 x 22.9 cm


GALE

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Callisto Di Benedetto, Vincenzo Speranza, Pedro Loguercio Directores

La Galería de Arte Florida establecida por Michele Loguercio y Callisto Di Benedetto, desde su fundación en 1974 ofrece a los coleccionistas la asesoría necesaria al momento de ad-quirir una obra. Pedro Loguercio, Vincenzo Speranza, junto a Callisto Di Benedetto, asumen en la actualidad los retos del mercado del arte, brindan a su distinguida clientela seguridad en la negociación, la cual cuenta con un servicio integral que abarca desde la selección de la pieza, información de la mis-ma y de su creador, hasta el servicio de marquetería y montaje.

Avenida Don Bosco, Galeria de Arte Florida, Urbanizacion La Florida. Caracas 1050 VenezuelaTlf: +58 (212) 730 3389 / 7312466E-mail: [email protected]: @artefloridaFacebook: Galeria De Arte Florida

Artistas representados Ben Abounasif María Elena Álvarez Ina Bainova Nelson Boscán• Ramón Chirinos Carlos Cruz Diez Julio Díaz Alfonzo Flamez Karuz Gruber Patricia Luján José Mohamed Julio Pacheco Rivas• Felix Perdomo Secundino Rivera Patrizia Rizzo Yanel Sánchez


Felix PerdomoSin titulo, 2013Mixta sobre tela60 X 35 cm


Ramon ChirinosFragmento de un amanecer, 2012Mixta sobre tela150 x 150 cm

Vientos de primavera, 2012Mixta sobre tela150 x 150 cm


GBG

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Gabriela Benaim, Mario Matos Directores

GBG ARTS inicia sus actividades en 2001 como una galería virtual, con el propósito de servir de vitrina para proyectar el trabajo de maestros y jóvenes artistas. GBG oficialmente abre sus puertas con su primera exhibición en el año 2009 en Prados del Este, Caracas. Desde ese momento comparte espacios con una comunidad de artistas y desde allí apoya y promociona el arte contemporáneo local. GBG cuenta con 150 metros cuadrados de salas de exhibición con triple altura, espacio apropiado para muestras de gran escala. GBG ha posicionado el trabajo de sus artistas en importantes colec-ciones privadas y regularmente exhibe en ferias de arte nacio-nales e internacionales.

Av. Ppal. de Prados del Este. Galpón Nº 2. Urb. Prados del Este. Caracas-Venezuela.Tlf: +58 (212) 975 2209 / (412) 213 3619E-mail: [email protected]: @GBGArtsFacebook: Galería GBG Arts

Artistas representados• Harry Abend Rigoberto Astupuma• Daniel Benaim • Ricardo Benaim Starsky Brines• Paulo Castro Elizabeth Cemborain• Carlos Enríquez–González Enay Ferrer Consuelo Ginnari Alfredo Herrera Francisco Martínez

Cristina Matos-Albers Jonidel Mendoza• Luis Millé• Julio Pacheco Rivas Paul Parrella Sandro Pequeno Jorge Pizzani Natalia Rondón Patricia Van Dalen José Vívenes


Ricardo BenaimAtalayas árticas, 2014

Técnica mixta sobre MDF30 x 30 cm c/u


Paulo CastroDe la serie «Tensopintura», 2014Tela sintética intervenida/MDFInstalación de medidas variables


GBG

ARTS

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Harry AbendConjunto de obras, 2004–2013

Madera y concretoInstalación de medidas variables


Daniel BenaimDe la serie «Nueva identidad», 2014Fotografía digital sobre papel RC / Plexiglass. Edición 1/680 x 120 cm

Luis MilléFlexocromos vertical, 2014Ensamblaje en aluminio pintado130 x 60 x 60 cm


Desde 1976 Graphic Art ha definido un perfil para la difusión del arte geométrico en todas sus variables y tendencias –cine-tismo, abstracción geométrica, constructivismo– en la que alterna la promoción de artistas emergentes, la reconocida trayectoria de grandes maestros como Carlos Cruz-Diez y Jesús Soto con la obra de creadores nacionales e internacionales. La galería desarrolla continuamente en Caracas exposiciones individuales y colectivas con criterios de un gran nivel selectivo, así como ahora promociona permanentemente a sus artistas en Bogotá y Lima. Graphic Art ha participado en ferias como Art París, Art Miami, Artbo Colombia, ArtLima Perú, entre otras. Durante más de veinte años ha organizado, en Caracas, la Feria Iberoamericana de Arte - Fia, además de asesorar y rea-lizar distintos proyectos y eventos culturales.

Av. Veracruz, Edf. La Hacienda, PB. Las Mercedes, 1060, CaracasTelf: +58 (212) 415 7232Cel: +58 (416) 820 5327E-mail: [email protected] / @graphicartccswww.facebook.com/graphicart.caracas

Artistas Representados• Gisseline Amiuny• Ania Borzobohaty Rafael Barrios Omar Carreño Esteban Castillo• Saverio Cecere• Cristina Colichón• Carlos Cruz-Diez Narciso De Bourg Yuye De Lima• Nanín García Gego Edgar Guinand• Flix• Angel Hernández• Joaquín Latorraca• Julio Le Parc Manuel Mérida Juan Michelangeli

Magdalena Arria, Luis Suárez, María Gabriela Arria DirectoresVENE

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Jesús SotoRombo en el Círculo, 1975

Acero 60 cm de diámetro

Hernán Monterola Edgar Negret• Miguel Prypchan• Héctor Ramírez• Ana Isabel Reyna Martha Rodríguez Francois Morelett Francisco Salazar India Serena• Nicolás Shoffer Inés Silva• Jesús Soto• Victor Vasarelly• Abel Ventoso• Ani Villanueva Carlos Zerpabzueta



Ignacio MonqueTexto de Fernando Paz Castillo, 201370 x 34 x 10 cm

Ani VillanuevaVentanas en rojo, 2013Arte digital85 x 85 cm


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Nanín GarcíaVientos 30

120 x 35 cm, 2014PVC y acero pintado

Ana Isabel ReynaEspadas norte y sur, 2014

51 x 30 x 8 cm Acrílico grabado sobre el material


Joaquín LatorracaInstabile flotante A-OO11, 2014Láminas de aluminio policromadas95 x 45 x 45 cm

Abel VentosoC25R, 2014Polímero de alta densidad 99 x 99 cm


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Saverio CecereTrans-Form-Cromía , 2014

Plexiglas laser cut74 x 74 x 5 cm

Ania BorzobohatyEstructura evolutiva azul y morada, 2014

Programación y proyección 3D Holográfica130 x 70 x 55 cm


FlixOjo Cósmico, 201480 x 80 cm

Gisseline AmiunyEsfera Maestra Doble 2V3, 201456 x 28 x 28 cm


Adriana Meneses Imber, Miguel Ángel Becerra Guzmán, Isabella Reyna de Gabaldón Directores

Inaugurada en abril de 2009, GSiete muestra todas las expre-siones de las artes visuales, con especial énfasis en los artistas venezolanos y muy en particular el periodo de la modernidad, a través de una programación dinámica en la que se muestran artistas consagrados, figuras emergentes y maestros univer-sales como Víctor Vasarely, Ángel Hurtado, Jesús Soto, CarlosCruz Diez, GEGO, Alirio Palacios, Víctor Valera, Mateo Ma-naure, Omar Carreño, Eugenio Espinoza, Francisco Hung, Arturo Quintero, Miguel Grillo, Carlos ZerpAbzueta, Cristóbal Ochoa, entre otros.

Av. Ávila con 8va Transversal, Centro de Arte Los Galpones, Galpón #7. Urb. Los Chorros. Caracas VenezuelaTelf: +58 (212) 286 8731E-mail: [email protected]

Artistas Representados Nadia Benatar• Fran Camino• Carlos Cruz Diez Yuye Delima Ricardo Goldman• Miguel Grillo• Pablo Griss• Armando Linares Ingrid Lozano Luis Marrufo Cristóbal Ochoa• Alirio Palacios• Arturo Quintero• Alejandro Salas Shuster & Zajac• Jesús Soto• Víctor Valera• Vasarely Kethy Violo Carlos ZerpAbzueta

• artistas exhibidosVíctor Valera

Sin titulo, 1976Cubos de Madera y recubrimiento frontal en placas de metal

196 x 142 x 27 cm

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Armando LinaresEstructuras Cinéticas, 2014Cartulina cortada90 x 90 cm

Pablo GrissIntervention Cian-Red Ligth- Grey, 2014Acrílico sobre tela122 x 106 cm


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Imaginart Gallery, fundada en el 2007 por su director Benito Padilla Chicano, trabaja en dos caminos del arte; el del arte moderno con la representación de grandes maestros del arte europeo y latinoamericano, y el del arte contemporáneo, donde explora los nuevos lenguajes plásticos que surgen del arte hoy en día.En los últimos años, la galería ha establecido un fuerte vín-culo y un especial interés por el arte concreto latinoamericano, particularmente en la búsqueda del arte geométrico, los nuevos artistas y los nuevos lenguajes.En el 2012 Imaginart Gallery abrió su sede en Bogotá, don-de se trabaja en la ampliación y reconocimiento de artistas para la difusión en nuevos territorios.

Avda. Diagonal 432, Barcelona 08037, EspañaTelf: (34) 932 412 [email protected]

Artistas representados Gisseline Amiuny de Ottati William Barbosa Jesús Bordetas Ania Borzobohaty• Marta Boto Hélène Crécent Máximo Flórez Carlos Forns• Cristina Ghetti Priscila González Octavio Herrera• Julio Le Parc• Manuel Marín

Benito Padilla Director

Joan MiróLa Femme, 1974

Gouache sobre papel41 x 41 cm

Julio Le ParcRelief nº 27, 1970

Plexiglass41 x 41 x 6 cm

Manuel MarínMóvil en rojo, azul y amarillo, 2005

Metal soldado y pintado32 x 63 x 21 cm

• Joan Miró Nohemí Pérez José Luís Pomar Lidó Rico Manuel Ros Pedro Ruiz• Mariano Vargas• Victor Vasarely• Go Segawa Inés Silva



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Julio Le ParcImplantación nº 6, Serie modulaciones, 1970-1980

Aerógrafo en papel técnica mixta29 x 40 cm

Marta Boto

Demi Cercle, 1975Técnica Mixta

40 x 20 x 24 cm


Manuel MarínMovil negro y amarillo, 2005Metal soldado y pintado34 x 65 x 22 cm

Victor VasarelyKelta, 1956Óleo sobre tela66 x 57 cm


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Mariano VargasDama con Google Glasses, 2014

C-Print Feroz en aluminio80 x 60 cm

Cristina GhettiDouble wave 1.1, 2014

Acrílico sobre tabla35 x 85 cm

Cristina GhettiRojo, 2014

Acrílico sobre tabla37 x 85 cm


Go SegawaGota Roja, 2012Tinta Barniz y PVC40 x 40 x 25 cm

Go SegawaLas Gotas III, 2011Tinta Barniz y PVC46 x 46 x 27 cm


Juan Carlos Ruiz, María Gabriela Soto Directores

Juan Ruiz Galería fue fundada en 1993 en Maracaibo, Vene-zuela; estimulada por la innovación artística y en la búsqueda de proporcionar una plataforma para el arte contemporáneo.Comprometida con la promoción y la comprensión del arte contemporáneo, abre su nueva sede en la ciudad de Miami en Septiembre de 2012, donde artistas con propuestas conceptua-les logran encontrar un ambiente propicio para su desarrollo.

Avenida 8 No. 74-45. Maracaibo, Venezuela 4002Telf: +58 (261) 797 2762Fax: +58 (261) 797 0235E-mail: [email protected]

Artistas representados Abel Barroso• AES+F• Betsabeé Romero Helmut Grill Martin C. Herbst• Kcho Clemencia Labin Oriol Llauradó Miguel Meza Maritza Molina Marco Montiel-Soto Glexis Novoa Kwang-Sung Park Carlos Quintana• Rubén Torres Llorca• Federico Uribe Víctor Vázquez


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Ruben Torres LlorcaCarl Jung cantaba boleros, 2013Mixta sobre Tela198 x 218 cm

Betsabeé RomeroLlantitas Doradas, 2014Llantas de caucho grabadas y talladas con hojilla de oro12 cm. de diámetro c/u


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Esteban Jaramillo Director

En sintonía con el mundo contemporáneo, Galería la Cometa se convierte en un eje central en el circuito de artes de América Latina. Exposiciones de arte moderno y contemporáneo que se presentan durante el año, son ape-nas una de las múltiples actividades que nuestra organi-zación ejecuta alrededor de las artes. Después de 25 años de labores, hoy, Galería la Cometa se consolida como una sala en la que el público de arte encuentra exposiciones contundentes formal y conceptualmente. Las asesorías a colec-ciones públicas y privadas que brindamos, sumadas a la comercialización de obras de arte en la que ya cumplimos una trayectoria mayor a 20 años, convierten a Galería la Cometa en un espacio único y de calidad para la academia, colec-cionistas y el público en general.

Carrera 10 # 94ª – 25 Bogotá, ColombiaTelefax: 6019494 Extensión 113E-mail: [email protected]

Artistas exhibidos• Fernando Botero Nadir Figueroa Ana González Ramón Laserna • Edgar Negret• Alejandro Obregón• Carlos Rojas Pablo Tamayo• Manolo Valdés

Edgar NegretTothem, 1970. Pieza Única

Aluminio pintado250 x 40 x 40 cm

Manolo ValdésSin título, 2006

Óleo sobre arpillera174.5 x 157.5 cm


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Julio Le ParcModulación, 1987Acrílico sobre tela130 x 195 cm

Alberto GiacomettiIntËrieur de líatelier (recto), Femme nue debout raturÈe (verso), 1950Crayon sur papier 65 x 50,6 cm Marco producido con diseño original de Diego Giacometti


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Luis Guillermo Moreno, Elvira Moreno Directores

LGM Arte Internacional es una galería dedicada desde 1995 a la representación de artistas nacionales e internacionales. Tiene como misión la promoción, divulgación y comerciali-zación del arte moderno y contemporáneo a nivel mundial. Cuenta con profesionales especializados en España e Italia en áreas como la expertización, valoración, tasación y restaura-ción del patrimonio artístico; de igual manera es de reconocer su amplia experiencia de cerca de veinte años en la comer-cialización del arte Colombiano y Latinoamericano, tanto en Colombia como en España, Venezuela, México, China, Corea, Singapur, entre otros países.Uno de los fundamentos del quehacer de la galería LGM, se centra en el interés por fortalecer lazos culturales que superen las fronteras territoriales y de pensamiento, para dar cabida a la innovación, al libre discernimiento de las ideas, posibilitando así la apertura de nuevos senderos dentro del mundo artístico.

Carrera 13 #82 – 91 (101), Bogotá, Colombia.Telf: (571) 530 4350 / (57) 314 4098032E-mail: [email protected]

Artistas representados Alfonso Álvarez Rafael Barrios Rossina Bossio Fernando Botero Rafael Echeverri• Danny Esquenazi Ana Mercedes Hoyos Ignacio Iturria• Juan Ricardo Mejía Hernán Miranda Guillermo Muñoz Vera• Edgar Negret Alejandro Obregón

• Darío Ortiz• Eduardo Ramírez Villamizar Eun Sun Park Omar Rayo Carlos Rojas Kwon Soonik• Sebastián Trujillo• Gustavo Vélez Jerónimo Villa Hugo Zapata



Darío OrtizPortraits in Exile, 2014Acuarela76 x 56 cm

Sebastian TrujilloTantalo, 2013Mixta180 x 60 cm


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Gustavo VélezVolo di Bronzo, 2012Bronce219 x 34.5 x 34.5 cm

Juan Ricardo MejíaSignos n.10 Rojo, 2013Polivinilo + Plexiglás180 x 60 cm

Danny EsquenaziDramática Calidez, 2014MDF, acero inoxidable y laca nitrocelulosa86 x 86 x 21 cm


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Luis Pérez Director/ Samuel Pérez Sub-DirectorHilda Molano CEO/ Lucas Pérez CTO

Luis Pérez Galería. Fue fundada en el año 1989. Se ha es-pecializado en la promoción y divulgación a nivel nacional e internacional de artistas de América Latina a través de inter-cambio de exposiciones con instituciones culturales, museos y otras galerías. Ha participado en ferias internacionales de arte desde 1990 en Estados Unidos, España, Venezuela y Colombia. Ofrece un servicio integral que incluye adquisición y conservación de obras de arte, asesoramiento para iniciar o continuar colecciones. Comercializa obras de grandes maes-tros nacionales e internacionales.

550 N.W. 29th Street. Miami, FL 33127Telf: +1 (305) 576 4007Cel: +1 (786) 280 1732Fax: +1 (888) 272 1411E-mail: [email protected]

Artistas representados Fernando Botero• Jesús Caviglia Sigfredo Chacón• Cruz Diez Julio Larraz• Mateo Manaure Roberto Matta• Tilena Morales • Edgar Negret Alejandro Otero Picasso Ramírez Villamizar Reveron• Alejandro Salaz• Martin Schoffel• Jesús Soto

• artistas exhibidosJesús Caviglia

De la Serie Re-escrituras (libro Octavio Paz), 2013Mixta/Collage

15 x 22 x 5 cm

Edgar NegretConstelación, 1999

Aluminio Pintado81 x 156 x 81 cm


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Martin Gunter SchoffelLenguaje lineal, 2014

Permanent Ink sobre cartulina73 x 52 cm

Palafito, 2013Madera sobre Acrílico

64 x 121 x 6 cm


Desde 1996 Galería Medicci se ha dedicado a promoción de las artes plásticas venezolanas y latinoamericanas, convir-tiéndose en un centro obligado de visita en el mundo cultural caraqueño.Artistas consagrados así como jóvenes en pleno ascenso son asiduos participantes en las exposiciones que organiza este centro. Nuestro objetivo es brindar un espacio abierto a todaslas tendencias y movimientos de la plástica nacional y ofrecer tanto al coleccionista como al público en general, la oportu-nidad de admirar y adquirir lo más relevante del arte contem-poráneo.

Galería MedicciCalle París, Edificio Themis Mary, PB. Las Mercedes, Caracas.Telf: +58 (212) 992 3902 / 992 3095Cel: +58 (416) 621 4897E-mail: [email protected]

Medicciart.com 100 Kings Point Dr., Suite # 319, Sunny Isles Beach, Florida.33160, USATelf: +1 (305) 318 5697 / (786) 349 7499 (786) 441 9030 (Caracas)E-mail: [email protected]

Artistas representados• Karim Borjas• Manuel Carbonell• Asdrúbal Colmenárez Luis Alberto Hernández Frank Hyder• Carlos Luna• Manuel Mendive Ivan Petrovszky• Manuel Quintana Castillo• Luisa Richter• Annette Turrillo• Oswaldo Vigas

• artsitas exhibidos

Tomás Kepets DirectorVENE

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Manuel CarbonellDavid con Arpa, 2010Bronce70 cm

Amore, 2009Bronce85 cm

Torso, 2011Broce110 cm

Fotografía: Yelis Ontiveros


Rosa Amelia Herrera Director

La Galería Okyo inicia sus actividades en el año 1990 en la ciudad de Caracas, Venezuela, bajo la orientación de servir como plataforma para la difusión de las artes visuales contem-poráneas con énfasis en los artistas emergentes del contexto latinoamericano. Dirigida por Rosa Amelia Herrera desde su fundación las actividades de OKYO están enfocadas especial-mente en apoyar y promover a los jóvenes valores del campo artístico de la región, manteniendo un diálogo e intercambio permanente con artistas consagrados y de trayectoria, cura-dores, historiadores y críticos del arte.

Av. Veracruz, Edf. La Hacienda, P.B., Urb. Las Mercedes, Caracas, 1060.Telf: +58 (212) 993 6975 / +58 (412) 303 6975Email: [email protected] / [email protected]: Okyogaleria

Artistas Representados Félix Ángel• Diana Beltrán • Yosman Botero• Yuye De Lima• Juan Diego Díaz Juan González Bolívar• Alfredo Martínez Muss Hernández• Alejandro Prado• Camilo Sanín Julián Villafañe Carolina Vollmer• Vargas-Suárez Universal


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Yosman BoteroInmaterial matter 57 (Picasso), 2013

Acrílico/acrílico41 x 36 x 6 cm


Juan Diego DíazSerie Retratos Nocturnos, 2014Dibujo, lápiz/papel Murillo negro28 x 80 cm

Diana BeltránPuntos Suspendidos IV, (díptico), 2012Ensamblaje fotográfico, papel metalizadoy alfileres sobre acrílico60 x 120 cm (60 x 60 cm c/u)


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Alfredo MartínezPanther-Lastic, 2014

Cintas elásticas, acrílico/papel137 x 122 cm

Vargas-Suárez UniversalSolid Vector Array, 2014Esmalte de aceite/lienzo

137 X 122 cm


Alejandro PradoViaje Púrpura, 2014Óleo/lienzo170 x 130 cm


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Yuye De LimaS.A. 127, 2013

Amarilla70 x 60 x 43cm

Camilo SanínHalf Past Five, 2013

Acrílico/tela 106 x 132 cm


Verónica Díaz Fernández, Joice González Michelón, Ibelise Michelon Rivas DirectoresVE

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NEO Parenthesis inicia su actividad expositive en 2010, en el

contexto del Centro de Arte Los Galpones, Caracas, bus-cando promover y divulgar el trabajo e indagación plástica de creadores de reconocida trayectoria, así como el de una generación emergente, haciendo énfasis en la manifestación contemporánea como vínculo y diálogo en el contexto de las artes visuales del país; hemos destacado en este corto y aleccionador tiempo, la obra reciente de un gran número de artistas plásticos, entendiendo que la diversidad de propuestas es un campo fértil para proyectar y promover ampliamente el rico espectro de nuestras artes, por lo que hemos insistido, además de presentar exposiciones de carácter individual, en subrayar el aspecto colectivo como factor de mayor intercam-bio y comunicación. Galpón G12, Centro de Arte Los Galpones, Avenida Avila con 8va. transversal, Urb. Los Chorros, Caracas, Venezuela.Telf: +58 (412) 254 1400 +58 (414) 240 9337 +58 (414) 325 4346E-mail: [email protected]

Aristas Representados• Ben Abounassif• Gustavo Blanco Uribe Alvaro Fernández Flix Jhonny Fung Manuel E. González Jesús Guerrero• Edgar Guinand• Maria Fernanda Lairet• Jonathan Lara Ramsés Larzábal• Augusto Marcano

Francisco Martínez• Emilio J. Narciso Julio Pacheco Rivas Maria Virginia Pineda Samuel Sarmiento Sofía Simón Mairyseth Vargas• Maria Angélica Viso


Emilio J. NarcisoSerie: Redes cromáticas, 2014

Acrílico y grafito sobre tela40 x 50 cm


Ben AbounassifSerie Movimientos, 2014Acrílico, papel, resina100 cm x100 cm


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Edgar GuinandRelieve Virtual, 2012

Laca acrílica sobre hierro82 x 35cm


Maria Angélica VisoNudo, 2014Aluminio soldado y pintado100 x 90 x 138 cm


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Jonathan LaraSostenido, 2013

Impresión serigráfica sobre tela60 x 122 cm

Gustavo Blanco UribeSpectrum 4, 2013

Mixtos110 cm x 330 cm x 10 cm


Augusto MarcanoExpropiación, 2014Foto-performance. Fotografía digital sobre papel de algodón40 x 60 cm

Maria Fernanda LairetMi espejo Bolívar revelada, entre colores y reflejos, 2013Foto-performance. Impresión gráfica sobre acrílico80 x 120cm, 1/5


Ricardo González Ramos Director

RGR+ART empieza su actividad en 2009 con un apoyo firme al arte abstracto-geométrico y cinético que, de manera pro-gresiva, amplía hacia otros movimientos y tendencias del arte actual; un pluralismo que le ha permitido difundir los nuevos lenguajes desarrollados por artistas noveles y consagrados. La ubicación de la galería en una capital del interior, aunque importante y moderna como Valencia, no ha sido óbice para abrirse camino en el circuito internacional del arte con un destacado catálogo de creadores venezolanos y extranjeros reconocidos por la calidad de su trabajo plástico, que hoy están presentes en colecciones públicas y privadas de varias ciudades del mundo.

Av. 108 #158-96, Urb. Guaparo, Valencia, edo. Carabobo, Venezuela 2001Telfs: Venezuela (58 241) 416 6522 / (58 414) 341 1044 USA (1 917) 285 9296Email: [email protected] / [email protected]

Artistas representados• Rafael Barrios • Liu Bolin • Francisco Bugallo• Aldo Chaparro• Carlos Cruz-Diez• Pedro Fermín• James Mathison• Manuel Mérida• Alejandro Otero Darío Pérez-Flores Jesús Soto• Santiago Torres• Wolfram Ullrich Víctor Vasarely • Oswaldo Vigas Jorge Yazpik Carlos Zerpa


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Manuel MéridaCírculo Reciclaje, 1989Madera pintada, elementos de reciclaje, arena, vidrio, motorØ 170 cm Aldo ChaparroS/T, 2014Acero y Pintura del Grupo BMW Bavaria180 x 115 x 20 cm

Wolfram UllrichDAN, 2014Acrílico sobre acero (3 partes) 53.5 x 104 x 3.4 cm


RGR+

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Francisco Bugallo Van Gogh como pretexto - La Noche Estrellada No. 2,

Ed. 1/2, 2014Impresión Lenticular 3D

96.5 x 119.4 cm

Oswaldo VigasObjeto Americano, 1955-1956

Óleo sobre papel encolado sobre masonite53 x 76 cm

Alejandro OteroYork No. 31, 1965

Collage sobre madera73 x 60 cm

Carlos Cruz-DiezPhysichromie Panam 133, 2013

Cromografía sobre aluminio, plexiglass50 x 100 cm


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Nina Fuentes Director

Concebido por la creadora Nina Dotti The Chill Concept no es un museo con una colección de objetos. The Chill Concept es un espacio para la integración entre arte, innovación y bien-estar. Un pop-up museum concebido para albergar proyectos alternativos y generar propuestas temporales, flexibles y co-munitarias. Un lugar para catalizar reflexiones sobre diversos aspectos de la creación y cultura contemporánea.

114 NE 20Th Terrace Miami, Fl 33137Tlf: +1 (305) 915 1957 / (786) 442 8843Fax: +1 (305) 285 1967E-mail: [email protected] www.thechillconcept.com Twittwer: @thechillconcept

Artistas representados• Adriana Barrios• Blue and Joy Consuelo Castañeda Manuela Covini• Nina Dotti Julie Friel Leslie Gabaldón• Raúl Marroquín David Palacios Carlos Sánchez Amparo Sard Gladys Triana• Carlos Zerpa

• Artistas exhibidos


Blue and JoyRainbow, 2013Instalación Dimensiones variables

Nina Dotti Tremendo Cambur, 2014Impresión Digital47 x 23 cm

Raúl MarroquínManifiesto del Partido Comunista, 2014Animación Banner DigitalDimensiones variables


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fia y Banesco expresan su agradecimiento a las personas e instituciones que de una u otra forma brindaron su colaboración para la realización de este Salón Banesco Jóvenes con fia / XVII edición.


BANE

SCOPor muchas razones, estas palabras no pueden ser sino unas palabras

escritas con entusiasmo. El simple hecho de tener la oportunidad de acoger en nuestros espacios a las obras de un grupo de artistas jóvenes, con todo el significado y potencialidad que ello representa, es para Banesco una fuente de energía, un modo de ratificar la cone-xión de nuestra organización con el futuro en todos sus sentidos.

Que nuestra contribución haya hecho posible que el Salón de Jóvenes con FIA, que tiene en su haber nada menos que 16 ediciones, pueda volverse a realizar, y que de esta manera no se interrumpa la que ha sido reconocida como una magnífica iniciativa desde que fue anunciada su primera edición en el año 1998, nos ratifica una de las obligaciones que nos hemos impuesto a nosotros mismos, que es la de hacer contribuciones a la sociedad que tengan real significación en los ámbitos de la Educación y la Cultura.

Pero hay algo más a lo que debo referirme y que nos enorgullece: que Construcciones identitarias: Cuerpo, memoria y lugar, título de este Salón de Jóvenes curado por Ruth Auerbach, sea el resultado del acoplamiento entre un proyecto que Banesco venía trabajando -un salón de arte emergente- con el ya histórico de la FIA; de modo que ambas iniciativas convergen en una. El Salón se convierte así en una expresión real del diálogo. Hace patente la comprensión que las instituciones tienen del beneficio de las iniciativas conjuntas. Que este Salón 2014, el número 17 en la historia de la FIA, sea el producto de una alianza con otra iniciativa, habla, no solo de su voluntad de mantenerse en el tiempo, sino también de reinventarse a favor de los jóvenes artistas.

Y es justo este el tema con el que quiero cerrar estas palabras: los jóvenes artistas. Quienes han conocido a un artista en sus primeros años, deben recordar la intensidad, la vibración, las expectativas que portan. Un artista joven irradia. Ansía y lucha por encontrar un espa-cio que le permita proyectar lo que se propone decir. Y es tarea de las instituciones, facilitar que ese proceso ocurra, crear el escenario para que la novedad acontezca. Porque es allí, en la oportunidad que se abre a los jóvenes, sean estos artistas, empresarios, profesionales, deportistas, investigadores o promotores de iniciativas sociales, uno de los lugares donde, de forma efectiva, se construye el porvenir de las sociedades. Puesto que el futuro de Venezuela es una de las causas primordiales de Banesco, y puesto que los artistas son parte de ese futuro deseable, henos aquí dando la bienvenida a todos los elementos que han hecho posible este Construcciones identitarias: Cuerpo, memoria y lugar, que esperamos resulte inolvidable para los artistas y para el público.

Juan Carlos Escotet RodríguezPresidente, Banesco Banco Universal


Por lo general el Salón de Arte es una tradición heredada de la mod-ernidad donde se reúnen un conjunto de propuestas que dan cuenta de los avances y manifestaciones de la creación. En algunas ocasio-nes sus estrategias pueden ser distantes y universalistas, conectadas con formaciones filosóficas en torno a la producción y concepción del arte; en otros casos, sus procesos pueden estar anclados en el fervor del contexto, manifestando una panorámica de distintos para-digmas frente a las demandas de las realidades que circundan a los involucrados. Sin embargo, es solo en la amplitud de su mirada y en la constancia de su ejercicio a través del tiempo, que el salón de arte puede propiciar una lectura que lo trascienda a sí mismo, impulsando los valiosos eslabones de una historiografía compartida. En esta edición número 17, el Salón Jóvenes con FIA cumple un signifi-cativo período de transformaciones que lo han llevado a convertirse en uno de los focos más dinámicos de las múltiples visiones que se han tejido en torno al arte contemporáneo venezolano de los últimos tiempos. El primero de estos encuentros vino de la mano de una volun-tad gerencial por parte de la directiva de FIA quienes lo concibieron como una conexión con el arte emergente guiada por una mirada curatorial: estrategia pertinente para poner en exhibición no sólo las obras de los creadores más jóvenes, sino también los rasgos, las variables, las preguntas y el asentamiento de esa transcripción intelectual que genera la curaduría circunscrita a un momento específico: señales y detonantes de una colectividad en ebullición que traspasa la inme-diatez museográfica de la feria de arte. El primer Salón tuvo lugar en el año 1998 con la curaduría de Jesús Fuenmayor. En aquel momento la FIA se desarrollaba en los espacios del antiguo Hotel Hilton (actualmente Alba Caracas) y el Salón se proyectó en las adyacencias de este entorno ubicado en Los Espacios Cálidos del Ateneo de Caracas (actual sede de la UNEARTES). En este entorno estuvo funcionando durante varios años con la guía de curadores como María Luz Cárdenas, Adolfo Wilson, Ariel Jiménez, Juan Carlos López, Félix Suazo y Carlos Pala

EL SALÓN DE ARTE EMERGENTE COMO MODELO ACTIVO DE REFLEXIÓN


BANE

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cios. En el año 2005 cuando la FIA ya tenía tres años instaurando sus recorridos en el Hotel Tamanaco Intercontinental, el Salón se trasladó a los espacios expositivos del Centro Cultural CorpBanca. Allí y bajo el abrigo de distintos auspiciantes estuvo hasta el año 2013, período en el que se mantuvo impulsando la labor y asentando la experiencia de curadores como Alberto Asprino, Guillermo Barrios, Federica Palo-mero, Lorena González, Gerardo Zavarce, Nydia Gutiérrez, Susana Quintero y Emilio Narciso. Cuando se habla sobre el Salón Jóvenes con FIA, es difícil no con-versar en primera persona. Tanto los artistas como muchos de los investigadores venezolanos que hemos tenido la oportunidad de ser parte de su columna vertebral, lo reconocemos en el tiempo como una instancia de ejercicio permanente, momento único de la profesiona-lización de cada uno de los actores involucrados en las versátiles líneas que lo envuelven y en la contingencia que significa su acción relampagueante; es el pináculo de una apuesta privada y colectiva que determina la mayor parte de los caminos que se recorren luego de pasar por él. En mi caso, y sé que en la mayoría de los destinos de mis colegas curadores así como de los artistas participantes, em-prender este Salón es una de las tareas de mayor riesgo que alguna vez se asumen. El Salón Jóvenes con FIA y su desempeño en el tiempo le han dado esa característica, ser un disparador activo de diálogos, conceptos y articulaciones que otorgan vigorosos elementos de refle-xión para el arte. Hoy, el Salón Jóvenes con FIA cumple 17 ediciones y direcciona sus cartografías hacia los espacios expositivos de Ciudad Banesco, en una alianza que representa un novedoso compromiso con la inno-vación como uno de los valores centrales de la institución y con el apoyo a las propuestas del arte emergente venezolano. Este año la curaduría quedó a cargo de Ruth Auerbach, una de las curadoras más activas en el desarrollo de proyectos especiales que la llevaron a liderar junto a Freddy Carreño durante los años noventa, eventos trascendentales para la experimentación de las artes visuales como

lo fue la Bienal de Guayana. En el caso del proyecto Jóvenes con FIA, los linderos de la performance, su tradición y la renovación que esta dinámica contemporánea ha experimentado en las nuevas generaciones, son los parajes de enlace de una obra comprendida como acción y proceso, pulso que se manifiesta en la mayoría de los proyectos de los creadores convocados. En este sentido y paradójicamente, el engranaje curatorial ha funcio-nado no solo como reflejo de nuestro contexto y la traducción creativa del mismo, sino también como el centro de una experiencia que el Salón ha asumido en un cambio de sede que implica un nuevo creci-miento. Como si de una alegoría se tratara los pasos curatoriales que Auerbach diseñó -consciente de una sintomatología pujante que se está dando en el arte reciente- resuenan en una buena parte de lo que hemos vivido los lugares institucionales que trabajamos en conjunto para la producción del mismo: experimentación, posibilidad, cruce, intercambio, diálogo, ejercicio, aprendizaje, potencia, movilización, nexo. Puntos cruciales que anidan en el corazón de este Salón y que también se han desplegado en los pasos de la gestión que hoy lo acompaña, comprometida en torno a una iniciativa que cumple un periplo amplio, un lapso sostenido que lo determina como uno de los encuentros de arte joven más importantes del país. Así, el Salón Jóvenes con FIA comienza a perfilarse como una escalera de ideas desprendidas de esa híbrida sucesión de ediciones donde el pensamien-to, la acción, la forma y la materia han logrado hilvanar una mirada plural y abierta sobre las reflexiones, la actividad y la práctica del arte emergente, asentando también y en consecuencia, los repiques capitales de lo que podría ser a futuro una pequeña historia de la curaduría en Venezuela.

Lorena González I.Curadora de Arte de Banesco

Salón Jóvenes con fia / ediciones anteriores


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EEn ésta décimo séptima edición de Jóvenes con FIA se han introdu-cido algunos cambios dentro del Salón, en primer lugar cambiamos la sede de la exposición a los espacios institucionales de Ciudad Banesco, pues esta institución ha decidido ser la nueva patrocinante de este Salón imprescindible para el arte joven venezolano y el cual es ya una referencia en todo el continente. La Feria Iberoamericana de Arte hará siempre su mayor esfuerzo para mantener este espacio artístico para permitir que las nuevas promociones de artistas puedan expresarse con plena libertad pese a las turbulencias que enfrenta el país y éste debe considerarse como una parte importante del evento ferial, como parte substancial de sus activos a la hora que la historia juzgue la importancia de FIA en la vida cultural venezolana de estos diecisiete años. La otra modificación fue la fecha, en razón de no estar el espíritu ciudadano presto para una celebración como lo es la Feria, en los meses habituales del encuentro anual ininterrumpido desde 1992.

En esta ocasión le dejamos la dirección curatorial a Ruth Aurbach, curadora independiente que ha tenido una larga trayectoria museís-tica y ha dirigido espacios institucionales privados, y confiamos que el Salón será un éxito como todos los años. También, los premios para los mejores artistas han aumentado su monto; además, el que reciba el primer premio, tendrá una exposición individual, en 2015, en los espacios de Ciudad Banesco, curada por Lorena González. Asimismo la Fundación Patricia Phelps de Cisneros ha decidido otor-gar una Residencia Artística para una estadía de dos semanas en São Paulo, Brasil. Todo sea por abrir el espacio para los jóvenes que tanto representan para Venezuela y que tan duras circunstancias han tenido que vivir en este tiempo histórico.

Damos pues nuestro agradecimiento a Banesco, a la Fundación Patricia Phelps de Cisneros, y a todo el personal de apoyo por la posibilidad de darle continuidad a la máxima expresión del arte joven venezolano, que es un patrimonio de la Feria Iberoamericana de Arte y por ende de toda Venezuela. El Comité Organizador


Salón Jóvenes con fia / ediciones anteriores


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Fundación Cisneros/Colección Patricia Phelps de Cisneros

La Fundación Cisneros/Colección Patricia Phelps de Cisneros cele-bra la realización del Salón Banesco Jóvenes con FIA, que se lleva a cabo anualmente en el marco de la Feria Iberoamericana de Arte (FIA). Este salón, vitrina para el arte emergente venezolano, se ha constituido en un estímulo capital para el desarrollo de nuestras artes contemporáneas.

Como parte de su misión de contribuir a la formación de los jóvenes artistas venezolanos, y a través de su Programa de becas, este año la FC/CPPC otorgará un premio especial a uno de los artistas vene-zolanos participantes en el Salón Jóvenes con FIA. El joven que, por decisión del jurado del evento, sea distinguido con este galardón, podrá participar en una residencia de dos semanas de duración, en Pivô, un novedoso espacio de experimentación artística que tiene como sede la ciudad de São Paulo, en Brasil.

Como ventaja adicional de la distinción, la residencia se realizará en el mes de noviembre del año en curso, coincidente con las fechas de apertura de la 31ª Bienal de Sao Paulo, hecho que representa una oportunidad excepcional para que el joven galardonado esta-blezca relaciones profesionales con los creadores, curadores y críti-cos provenientes de diversas latitudes, que se dan cita en uno de los eventos artísticos más dinámicos y concurridos del mundo.

La FC/CPPC aspira a que el otorgamiento de este Premio constituya un estímulo para la comunidad de artistas emergentes del país, al brindar a uno de sus integrantes la posibilidad de afianzar su prepa-ración profesional y de ampliar sus horizontes creativos y humanos.

Fundación Cisneros/Colección Patricia Phelps de Cisneros

I Salón Jóvenes con fia ALFREDO SOSAcuraduría Jesús Fuenmayor

III Salón Jóvenes con fia ALEXANDER APÓSTOLcuraduría Adolfo Wilson

II Salón Jóvenes con fia EDUARDO MOLINAcuraduría María Luz Cárdenas

IV Salón Jóvenes con fia JUAN ARAUJOcuraduría Ariel Jiménez

V Salón Jóvenes con fia GUSTAVO ARTIGAScuraduría Juan Carlos López

VI Salón Jóvenes con fia ALEXANDER APÓSTOLcuraduría Felix Suazo

VII Salón Jóvenes con fia ÁNGEL MARCANOcuraduría Carlos Enrique Palacios

VIII Salón Jóvenes con fia NAYARI CASTILLOcuraduría Alberto Asprino

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X Salón Jóvenes con fia REYMOND ROMEROcuraduría Federica Palomero

XII Salón Jóvenes con fia FLIXcuraduría Gerardo Zavarce

XI Salón Jóvenes con fia JAIME GILIcuraduría Lorena González

XIII Salón Jóvenes con fia JUAN PABLO GARZAcuraduría Nydia Gutierrez

IX Salón Jóvenes con fia FEDERICO OVALLEScuraduría Guillermo Barrios

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XIV Salón Jóvenes con fia CAMILO BARBOZAcuraduría Susana Quintero

XV Salón Jóvenes con fia ARMANDO RUÍZcuraduría Alberto Asprino / María Luz Cárdenas

XVI Salón Jóvenes con fia MANUEL E. GONZÁLEZcuraduría Emilio Narciso

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uradoraAbordar el dilema de la última contemporaneidad en el arte

requiere, sin duda, de una activa comprensión y visualización de las nuevas y complejas formas de organizar las prácticas artísticas en la plataforma global. Los incuestionables síntomas de cambio, rupturas, quiebres y transformaciones en las actuales dinámicas del arte, el ac-ceso a los diversos circuitos de legitimación, el tráfico y circulación de imágenes e información a través de las redes, el desplazamiento y nomadismo continuo de creadores migrantes entre diversas ciudades, las experiencias alternativas de formación y difusión y, sobre todo, los nuevos modos y dispositivos de producción de la obra artística con-figuran, o al menos dan indicio, de señales significativas de un per-manente fenómeno o escenario de transicionalidad. Procesos intensos que no escapan y más bien se intensifican y se reorientan hacia la singularidad y particularidad distintiva de las variables locales y las relaciones entre la difusión de la obra de arte y el receptor.

Considerar la pertinencia de realizar un salón de arte en los actuales tiempos de aislamiento cultural, polarización ideológica y notorias exclusiones a las cuales nos enfrentamos, obliga a reflexionar en pro-fundidad sobre diversos aspectos teóricos y prácticos para avanzar en el alcance de una renovación de estrategias de acción -significa-tivas y operativas- que permitan impulsar y trazar la permanencia de estos espacios colectivos y multidisciplinarios como plataforma, aún vigente, para la confrontación y el intercambio de ideas en torno de las diversas prácticas del arte y la cultura contemporánea.

Focos de acción: un ensayo de colaboración y descentralización La escena de las artes visuales en Venezuela ha experimentado en tiempos recientes un viraje notable en sus formas de articular la incorporación de nuevos actores. Con el desdibujamiento del rol que antaño ejercieron las instituciones públicas en la organización de espacios para la promoción, desde lo individual y lo colectivo, de una escena joven en sintonía con los legados y las prácticas del arte contemporáneo, en la última década hemos asistido al surgimiento de iniciativas de carácter privado, autogestionadas e independientes que han sido, en definitiva, las que han reconfigurado las formas de

exhibición y promoción del arte emergente en el país. La irrupción de estos nuevos actores-gestores ha traído consigo también formas diver-sificadas de emprender, desarrollar y orientar estas iniciativas que, no obstante, podríamos arriesgarnos en afirmar, coinciden en la necesi-dad de abrir espacios que aún en condiciones adversas, posibiliten la inserción y circulación en sus contextos específicos de la obra de artistas activos, ya sean emergentes o con trayectorias consolidadas. Si bien aún no podríamos señalar que son numerosos estos centros y que algunas de estas tentativas resultan breves e incluso efímeras, los aportes de aquellos que han asumido este reto merecen un justo reconocimiento por su trascendencia en la cada vez más disminuida y restringida plataforma cultural.

Es por ello que este Salón Banesco Jóvenes con FIA / XVII edición qui-so proyectarse desde la posibilidad de un ensayo que apuntara hacia una experiencia basada en renovadas estrategias de colaboración, desde el diálogo con aquellos interlocutores que han emprendido la tarea de hacer visible el trabajo de nuestros creadores, anclados en las distintas coordenadas geográficas. Este salón no solo aspiró ser un lugar y un medio para la exposición de las propuestas de jóvenes artis-tas sino también una tentativa de apertura hacia nuevas metodologías de trabajo en nuestro contexto. Una apuesta curatorial de vínculo y enlace que se forjó en una primera fase de trabajo en la que se apeló al poder aglutinador de espacios no oficiales, artistas independientes, galerías de arte y centros de formación artística, para tomarle el pulso a las investigaciones que han emprendido sus responsables, quienes nos colaboraron con el intercambio de información, con la facilitación de sus redes de artistas, así como con sus respectivas experiencias.1

Con el propósito de descentralizar gradualmente los ámbitos de la producción artística nacional y así dar a conocer las plurales prácticas y lenguajes de las generaciones emergentes, se procuró extender la convocatoria hacia diversas regiones de la cartografía nacional y, asi-mismo, hacia la participación de jóvenes creadores venezolanos que por diversas razones han emprendido un movimiento migratorio hacia otros territorios formando parte de una reciente generación diaspórica.


Construcciones identitarias: cuerpo, memoria y lugar Por su propia naturaleza, un salón de arte joven se constituye en un espacio liberado de directrices tendenciales para configurarse en un complejo y activo laboratorio de ideas e impulsos de creación. Busca así poner en perspectiva el trabajo de una selección de pro-ductores en relación dinámica con los actuales enfoques y argu-mentos inherentes a la práctica del arte. Aun cuando no se plan- tearon líneas de indagación temática previas, precisamente para hacer de esta experiencia un circuito amplio y heterogéneo de con-ceptos y formas de representación, el conjunto de propuestas desa-rrolladas por este reducido, si bien consistente, grupo de artistas, regis- tra e identifica, de alguna manera, narrativas comunes y recorridos coincidentes.

En la fundamentación de las diversas obras que conforman esta exhibición se pueden establecer puntos de encuentro para la cons-trucción de inéditas metáforas e insospechadas sintaxis enfrentadas a las distintas y alteradas nociones de identidad, desde al menos tres vías argumentales que nacen de las propias prácticas artísticas, y que resultan relevantes en el marco de la crítica contemporánea: el cuerpo, la memoria y el lugar. Poéticas disímiles que lejos de afincarse en los paradigmas impuestos por el ejercicio del poder, les permiten desmontar, reflexionar, cuestionar, vulnerar o dislocar estos discursos abstractos de aquellos temas que les son significa-tivos para, desde sus propios procesos y modos de representación, tanto desde el cuerpo social como del doméstico e individual, repensar a partir de la pluralidad de sus relatos, la fragilidad de las construcciones identitarias.

Ciertamente, los artistas participantes favorecen una crítica anti-esen-cialista y problemática de la noción de identidad como una realidad integral y ahistórica, enfrentada a las concepciones renovadas que desconfían de todo reduccionismo fundamentalista. Sus exploraciones visuales profundizan estas nociones alteradas de la relación identi-taria del individuo con su entorno y su vinculación con la memoria colectiva. Ponen en desequilibrio sus convicciones y rasgos de identi-

dad para reconsiderar, desactivar y desplazar conceptos arraigados, establecidos o incluso implantados, inherentes a la memoria individual y a la historia reciente o pasada, al cuerpo y sus consideraciones de género y, al lugar o espacio territorial físico, intelectual y emocional que ocupa. Figuras mediante las cuales se expresa y reconoce como sujeto social determinado, no obstante, por una multiplicidad de varia-bles y acontecimientos.

La actividad productora de los relatos simbólicos que generan procesos de reconocimiento e identificación colectiva e individual en lo que se ha dado por llamar capitalismo cultural del siglo XXI, queda apropiadamente expresada por el teórico de nacionalidad española, curador de arte y crítico de la cultura contemporánea, José Luis Brea en su libro El tercer umbral. Estatuto de las prácticas artísticas en la era del capitalismo cultural, cuando se refiere a la potentísima asociación que se establece entre la economía y la imagen. Dicho de otro modo, la significación que ello tiene en relación al poder simbólico de las prácticas productoras de visualidad, su capacidad de investir identi-dad y de negociar e implantar narraciones e iconografías fundacio-nales de reconocimiento mutuo:

La adquisición de este poder por parte de la mercancía –que, insisto, nunca hubiera sido posible si no se hubie-ra producido el proceso de espectacularización de la mercancía que la extensión del dominio de los media hace posible– coincide en el tiempo con la decadencia creciente de las viejas Grandes Máquinas productoras de identidad –el estado, la religión, la familia, la patria, la et-nia, la clase, el género– y ello sobre todo debido al aumen-to espectacular de la movilidad característica de las nuevas sociedades. Movilidad de todo orden –social, geográfica, económica, afectiva o de creencias– que en primer lugar obedece a los grandes flujos migratorios y de información inducidos por el proceso de Globalización, pero también al carácter enormemente dúctil de los nuevos tejidos sociales,


incluso a la propia movilidad crecientemente inestable de los mercados de trabajo y formación.2

Desde una perspectiva contextualizada, y desde su lúcida dramatur-gia, José Ignacio Cabrujas, en su obsesión por desactivar los discur-sos de identidad ya nos había confrontado de cara a la retórica del poder, cuestionando y desmitificando las supuestas verdades sobera-nas para así reconocernos en lo imperfecto, en lo diverso y en lo frag-mentario como posibilidad ante la utopía integradora de la identidad y la reelaboración de la experiencia personal. En su estudio introduc-torio sobre Cabrujas subraya el escritor Alberto Barrera Tyszka:

Ciertamente, la identidad es tal vez una de sus más gozo-sas obsesiones. (…) Cabrujas siempre propuso una exége-sis de nuestra historia mucho más sarcástica y desalenta-dora. Pensaba que nuestra identidad era no tener una identidad, que nuestra característica era precisamente no tener características. Creyó que la provisionalidad se nos había convertido en un verbo. Entendió que los versos de Quevedo (“sólo lo fugitivo permanece y dura”) podrían tal vez ser una magnífica clave para interpretarnos. Por eso, también, escogió la metáfora del hotel para hablar de nuestra geografía. Por eso propuso la idea del país como un campamento. Veía en nuestra escasa tradición funda-cional señales de una personalidad colectiva móvil, sin demasiados arraigos, sin otra vocación que la de seguir siempre en búsqueda, de paso. (…) Cabrujas esbozó siem-pre un retrato crudo de la venezolanidad. En todo caso, no es un retrato optimista. Porque Cabrujas no era un cantor de loas jubilosas a nuestro pasado heroico y a nuestro destino glorioso. Todo lo contrario. Quería recuperar y alistarse en la otra orilla. En el lugar de las dudas. Más cerca del escep-ticismo que de los himnos.3

De la representación formalizada a la práctica procesualPlurales y polisémicas, las propuestas presentadas en este salón incluyen diversidad de medios: dibujo, pintura, escultura, fotografía, instalaciones, proyecciones de video y prácticas performáticas y participativas. Tanto desde la representación formal como desde sus producciones procesuales de comportamiento y de acción, estos artistas –participantes e invitados– abordan y relacionan indefecti-blemente desde sus propias miradas, aquellas emociones asociadas a los sentimientos de fragilidad, vulnerabilidad, violencia, conflic-tividad y desplazamiento en un contexto que les resulta caótico e inestable. Pero también con una dosis de humor, ingenio e ironía, ellos desatan el potencial narrativo en la eventual legitimación de una identidad continuamente revisada.

Debemos abordar el conjunto de estas propuestas como el engranaje de una inédita sensibilidad en la que la hibridación de formas, técnicas y medios avanzan hacia la mixtura y diversidad de conceptos, disciplinas y modos de producción, y las relaciones que se establecen entre y con la sociedad, la historia y la cultura actual, otorgándole a este procedimiento mayor relevancia incluso que al objeto artístico. Con las particularidades y problemáticas de su propio contexto, los artistas convocados implementan una esté-tica relacional en resonancia con varios de los enunciados teóricos introducidos por el crítico Nicolás Bourriaud: universos posibles e interacciones humanas –propuestas que resignifican los vínculos interhumanos a través de la estética y el sistema de arte, aunque con otras connotaciones– pasando a la postproducción –formas contem-poráneas en que el artista, como apropiador y productor indirecto de vínculos estéticos y culturales, retoma, juega y reconfigura el arte y la cultura– y el Radicante –el artista concebido como nómada vivencial y semionauta estético.

Construcciones de sentido: Exploraciones críticas y argumentosLa propuesta visual de este salón reúne y explora la multiplicidad de aproximaciones críticas que circulan alrededor de representaciones y narrativas afines para desactivar y decodificar los mecanismos y

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dispositivos fijos del discurso identitario, al tiempo que construye una diversidad de relatos que trazan una perspectiva autorreflexiva de la práctica del arte. Es así como sus diversas motivaciones levantan un mapa que transita:

- El vínculo autorreferencial que se establece a partir de la experiencia literaria, el estudio del lenguaje y el dilema emocional (José Miguel Del Pozo, Faride Mereb, Verónica Alvarado).- La interacción performática que sitúa la relación cuerpo/objeto sobre la estructura del paisaje que habita, o aquella que cuestiona y desmonta desde las estructuras sociales y científicas, las nociones de identidad y las consideraciones de género (Luis Mata, Max Proven-zano).- El desafío a las estructuras simbólicas y los discursos del poder geo-político y sociocultural; los conceptos de territorio y memoria histórica representando conflictos que apuntan a la deslocalización del he-cho; y, la estructura narrativa que activa fragmentos de una memoria colectiva difusa como argumento central (Jesús Hdez-Güero, Rosario Lezama, Rómulo Peña). - Las inquietudes en torno a la condición “exótica” del artista latinoamericano y sus diferencias culturales dentro de las esferas hegemónicas del mercado, la especulación sobre el discurso antro-pológico y postcolonial, así como la ambigüedad de los signos e iconografías locales elaboradas como herramientas de configuración identitaria (Sol Calero, Cristian Guardia, Víctor Hugo Henríquez).- Una cultura de la violencia en todas sus formas, sociales o indivi-duales, buscando vulnerar la constitución física de la materia (Oscar Aramendi, Armando Rosales).- La construcción de estructuras frágiles y sonoras a partir de meca-nismos y materiales localizados que entran en resonancia para po-tenciar un nuevo dispositivo provisional de carácter experimental y poético, en un intento por alcanzar alternativas sociales de partici-pación (Ana Alenso y Rubén D´hers, Enrique Moreno, Fabio Bonfanti y Raily Yance). - El contenido cualitativo de las cargas sociales, políticas y culturales que incluyen los espacios públicos, desdibujando en el recorrido de

los continuos desplazamientos y la participación colectiva, los límites generadores de ciudades paralelas y fronteras intangibles (Miguel Braceli). O desde otro ángulo, el territorio-país versus los lugares geo-gráficos fragmentarios vistos desde un difuso espacio mental compen-diado en un nuevo formato artístico: el fotolibro (Ricardo Báez). - Una investigación exploratoria orientada a reflexionar y reconside-rar la compleja relación del hombre con el tiempo histórico y con su presencia social y antropológica en el mundo material (Ernesto Klar). De otro modo, los registros visuales basados en la colección de imágenes, documentos, historias, paisaje y tradición local, reinterpre-tados en la consolidación de una narrativa pictórica vinculada a la relación afectiva y a la experiencia personal (Christian Vinck). - Y, por último, la práctica estética y procesual resultante de la inte- gración de una rutina o experiencia cotidiana y autobiográfica surgida en la intimidad del espacio doméstico, casa-taller donde habi-ta la memoria, los conceptos, los objetos y las eventuales emociones a modo de dispositivos para la creación. (Antonieta Sosa, Juan Pablo Garza, Fabián Salazar).

Es así como cada una de las propuestas presentadas en este salón, Construcciones identitarias: cuerpo, memoria y lugar, resultan indicadores no solo de las agudas transformaciones que proceden de la mirada acuciosa de estos jóvenes creadores en cuanto que profundizan en el derrumbamiento inquietante y hasta conmovedor de las certezas históricamente cimentadas, desplazándolas hacia una provisionalidad discontinua en relación a la comprensión que tienen del mundo global.


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1. Los espacios que de manera generosa colaboraron con la curaduría de este Salón son: Estespacionoesmio (Valencia), Al Borde (Maracaibo), Bella Vista Arte Contemporáneo (Isla de Margarita), Oficina #1, El Anexo Arte Contemporáneo, Organización Nelson Garrido ONG, El Apartaco, Carmen Araujo Arte, Galería GBG Arts, todos estos últimos ubicados en Caracas.

2. Brea, José Luis, El tercer umbral. Estatuto de las prácticas artísticas en la era del capitalismo cultural, segunda edición, CENDEAC, Murcia, 2003.

3. Barrera Tyszka, Alberto. ¿Existe el mito Cabrujas? en estudio introductorio al libro “José Ignacio Cabrujas habla y escribe: conversaciones, entrevistas, ensayos, conferencias y artículos de Leonardo Azparren Giménez, Editorial Equinoccio, Caracas, 2012.

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Antonieta Sosa (invitada Especial)

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Juan Pablo GarzaPesebrismo (e.g.d.r), 2014Medios mixtos (Instalación)

Dimensiones variables

Detalles


Ernesto Klar

Disparidades Invisibles, 2011- 2014 (En proceso)39 video still: 20 x 30 cm c/uVideo HDInstalación: dimensiones variables

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Enrique MorenoCO, 2014

Ensamblaje sonoro, compresor de aire acondicionado, botellas de agua, soplador, motor eléctrico, sensor de movimiento, soldadura y amarres con alambre

200 x 40 x 40 cm

MO, 2014Ensamblaje de materiales diversos, hierro, mopeador,

botellón de agua, motor eléctrico, sensor de movimiento, cables, soldadura y amarrado con alambre

200 x 50 x 50 cm


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Christian Vink Serie Postales Andinas, 2014Óleo sobre lienzo17 piezas de 13 x 18 cm c/u2 piezas de 10 x 15 cm c/u


Verónica AlvaradoCaracas (VEN) 1989. Reside y trabaja en Caracas

José Miguel Del PozoSan Felipe (VEN) 1985. Reside y trabaja en Caracas

Ana Alenso / Rubén D’HersCaracas (VEN) 1982 / 1980. Residen y trabajan en Berlín (ALE)

Sol CaleroCaracas (VEN) 1982. Reside y trabaja en Berlín (ALE)

Oscar AramendiValencia (VEN) 1982. Reside y trabaja en Valencia

Cristian GuardiaMaracay (VEN) 1982. Reside y trabaja en Cagua


Ricardo BáezCaracas (VEN) 1983. Reside y trabaja en Caracas

Víctor Hugo HenríquezMaracaibo (VEN) 1988. Reside y trabaja en Leipzig (ALE)

Miguel BraceliValencia (VEN) 1983.Reside y trabaja en Caracas

Rosario LezamaCaracas (VEN) 1984.Reside y trabaja en Caracas

Fabio Bonfanti / Raily YanceMaracaibo (VEN) 1990 / 1989. Residen y trabajan en Maracaibo

Jesús Hdez-GüeroLa Habana (CUBA) 1983. Reside y trabaja entre Caracas y La Habana

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Max ProvenzanoCaracas (VEN) 1986.Reside y trabaja en Caracas

Faride MerebValencia (VEN) 1989. Reside y trabaja entre Valencia y Caracas

Fabián SalazarMaracaibo (VEN) 1989.Reside y trabaja en Maracaibo

Luis MataPorlamar (VEN) 1990. Reside y trabaja en Porlamar

Rómulo PeñaCoro (VEN) 1982. Reside y trabaja en Coro

Armando RosalesCabimas (VEN) 1987.Reside y trabaja en Maracaibo

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GARCONSTRUCCIONES IDENTITARIAS:

CUERPO, MEMORIA Y LUGAR

Ciudad Banesco

Exposición 11 de septiembre al 18 de octubre 2014

Curaduría y textoRuth Auerbach

Asistente a la curaduríaLeyla Dunia

Museografía Pietro Daprano

Producción general Feria Iberoamericana de Arte, fia

Coordinación general y apoyo institucional

Lorena González I.

Curadora de Arte de Banesco

MontajeCoordinación

Jesús Guerrero AríasKarla Andreina Guerrero Arías

MontadoresGabriel Belisario

Ader Cordero

Apoyo logístico en diseño e infraestructura de sala Arq. Gilberto Carauta

Carlin Álvarez

Diseño gráfico de catálogo Luisa Ponte C.

Caracas, Venezuela 2014

http://ow.ly/B8seI

http://www.fiacaracas.com

https://twitter.com/tipsfiacaracas

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http://www.fiacaracas.com

https://twitter.com/tipsfiacaracas

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Definir el arte en nuestros días es una tarea difícil, ya no depende de un lienzo y un pincel, los artistas echan mano de cualquier recurso posible para expresarse. Hay mucho arte por todas partes, tanto que sólo la web puede albergar semejante colección. Los amigos de la Feria Iberoamericana de Arte conocen la importancia del pensamiento creativo para el individuo, para la raza humana en sí, por eso no sólo organizan cada año la más importante exposición de arte de nuestro país, sino que abren un espacio para el talento joven latinoamericano a través del concurso Salón Jóvenes con FIA 2.0 que estimula y man-tiene vivo el espíritu artístico en las nuevas generaciones.

Este año, DECODIBO ha querido ser parte de esta gran iniciativa, porque el arte es un elemento fundamental de nuestra naturaleza como compañía y porque creemos en el futuro de Venezuela.

Desde este momento, deseamos mucha suerte a los concursantes y agradecemos enormemente a quienes han participado con su voto e interés en esta importante manifestación de nuevas e interesantes experiencias artísticas.

Edgar Hernández Bossio


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as Curadora2.0/3: El arte a través del objeto


El proyecto Jóvenes con FIA 2.0 está destinado a expandir los térmi-nos de difusión del imaginario del arte joven venezolano, desde una perspectiva que les permite ubicar sus obras en espacios temáticos partiendo de referencias artísticas. En esta ocasión, las considera-ciones giran en torno al problema del objeto y se trata de una aproxi-mación a la vinculación con los objetos que circundan y asedian la vida cotidiana. A partir de los primeros ready-mades de Marcel Duchamp, pero sobre todo con el surgimiento del Nuevo Realismo en los años sesenta, el objeto se convierte en interés principal de los artistas de vanguardia como una manera de construir acercamientos perceptivos de lo real. El objeto abandona su carácter inanimado y se convierte en fuente de expresión y creación, transmisor de emociones, emisor de contenidos culturales, sociales y políticos. Por otra parte, se incorporan nuevas disciplinas como el diseño para ampliar los contex-tos de selección. Las relaciones entre el arte y el objeto se organizan en tres campos de expresión que definen estrategias de construcción.

El esquema de participación propone tres campos de expresión o estrategias de construcción del objeto: a. Fetichismo del Objeto. Cons - trucción Simbólica, Política y Social; b. Construcción Conceptual. La subversión del objeto. Ensamblajes. Ready-Mades y c. El Diseño y su Expresión en el Objeto.

a. Fetichismo del Objeto. Construcción Simbólica, Política y Social

Incluye todas aquellas manifestaciones que contienen los aspectos culturales, desde la memoria del objeto –que le otorga valores sim-bólicos–, hasta la elaboración de un objeto con las marcas que los acontecimientos políticos y sociales dejan en él.

En este contexto proponemos tres artistas como referencia:

- Esso Álvarez (Maracaibo, 1960) ha realizado a través de la foto-grafía una investigación visual acerca de la memoria política del país, y Sin Título, de la Serie Palacio de Miraflores, 1992, concentra en la silla los atributos del imaginario del poder. Su trabajo con los objetos le generado la producción de una iconografía muy personal con mati-ces de crítica a los sistemas de posesión.

Esso Álvarez, Sin Título, 1992. De la serie: Palacio de Miraflores. Colección MBA

- Armando Reverón (Caracas, 1889-1954) edificó su propio universo cotidiano donde aborda al objeto como “cuerpo” y no como “cosa”, elabora los utensilios como materias recicladas y desechos que cuan-do se integran al contexto adquieren la penetración mágica de una especie de teatro de operaciones del imaginario colectivo. Reverón otorgó un talante fenomenológico al enclave de los objetos en la ex-periencia cotidiana como una manera de vivir el arte sin mediaciones.


Armando Reverón, Daga, s/f. Colección GAN

- Juan Toro (Caracas, 1969) aborda la problemática del objeto desde la perspectiva de arqueólogo contemporáneo que busca en el campo de las batallas urbanas cotidianas las huellas labradas sobre las co-sas por la violencia y la represión política. Realiza un interesante juego para comprender los sistemas de poder, adjudicando al objeto las tensiones propias del enfrentamiento social. Con esta estrategia el artista propone una nueva narración de la violencia, esta vez a través de los restos de los equipos y armamentos de represión policial, que permanecieron en las calles después de las desiguales batallas lleva-das a cabo los últimos meses en el país. Toro capta la huella, lo que deja la violencia: las metras con trazos de pólvora, las bombas ven-cidas, las balas torcidas, pero también manifiesta cómo la represión masiva se convierte en hábito y se aloja en lo cotidiano.

Juan Toro. Metra, 2014

b. Construcción Conceptual. La subversión del objeto. Ready-Mades. Ensamblajes

Marcel Duchamp establece las bases conceptuales para considerar que la decisión sobre un objeto por parte del artista le otorga su valor como obra de arte. Esta estrategia de construcción del objeto permite posteriormente reflexionar sobre el uso cotidiano de los objetos y su inclusión como fuente crítica en el discurso estético, para desmontar los atributos de consagración artística asignados por convención. En este contexto incluimos a dos artistas como referencia:

- Alfred Wenemoser (Grasz-Austria, 1954), sostiene una obra que es un acto cuestionador y persistente dirigido a infringir las reglas y los patrones establecidos en las artes plásticas. En este proceso, los objetos se convierten en soportes para la transgresión de los cánones estéricos y las funciones del arte. La pieza CAP, 1997, es la camisa que un ex-presidente venezolano obsequió al artista luego que éste la solicitara. Al sacarla de si contexto y exhibirla en un museo (en la realidad la pieza pertenece a la Galería de Arte Nacional), el artista desafía la definición tradicional de obra de arte y la re-contextualiza en un nuevo orden simbólico que se vincula con el ejercicio del poder.

Alfred Wenemoser, CAP, 1997. Colección GAN


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as Curadora- Con Carlos Zerpa (Valencia, 1950), el campo del objeto se con-

vierte adquiere un valor adicional en la proyección de sus significados y sentidos cuando lo resemantiza a la manera de un ready-made, portador de las feroces señales de los actos de violencia y abuso del poder. Penetra el arsenal de imágenes de la violencia en la historia del arte y la cultura contemporánea (objetos, ídolos de la música rock, personajes, emblemas, figuras y deidades). Su compleja iconografía tiene en Sólo espero un fuerte viento, 1984 es una pieza que des-marca linderos y funciona como iconografía de una época. El objeto encontrado, multiplicado y ensamblado redimensiona sus valencias poéticas.

Carlos Zerpa, Sólo espero un fuerte viento, 1993

c. El Diseño y su Expresión en el Objeto La incorporación del diseño gráfico e industrial como una de las bellas artes, es uno de los principales aportes de los artistas del movimiento de la BAUHAUS, que otorga valores estéticos y utilitarios al objeto como una estrategia de integración a la vida cotidiana.

En este contexto incluimos a diseñadores y artistas:

- La Silla Aeron, diseño de Don Chadwick y Bill Stumpf para Herman Miller constituye el primer diseño de mobiliario totalmente ergonómico y adaptable al organismo. Está compuesta en un 74%por materiales reciclados y es en un 94% reciclable. Su cualidad aérea, levedad,

flexibilidad, movimiento y ágil diseño le han permitido formar parte de la Colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York y convertirla en innegable parte del imaginario artístico del hábitat contemporáneo.

Silla Aeron, 1994. Diseño: Don Chadwick y Bill Stumpf para Herman Miller

- Julio Pacheco Rivas (Caracas, 1953) ha incorporado al discurso pictórico el talante del diseño de objetos y del espacio arquitectónico. Pacheco Rivas, quien también diseña mobiliario, proporciona una mi-rada objetual desde la pintura, donde estructura el objeto y el espa-cio. Todo diseño utilitario construye su sentido en el uso, que siempre va a mantener lugar en el espacio arquitectónico. La silla protagoniza, pero el artista la construye desde el diseño y le da arquitectura.

Julio Pacheco Rivas, Porvenir, 2011

212 XXII feria iberoamericana de arte

213XXII feria iberoamericana de arte

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0/315 de agosto al 28 de septiembre

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Coordinación GeneralFeria Iberoamericana de Arte, fia

Ana Josefina Vicentini

Conceptualización OriginalMaría Luz Cárdenas

Grisel Arveláez

Curaduría y Comité de selecciónMaría Luz Cárdenas

José Antonio Parra

Concepción, desarrollo y diseño de portal web

TMS Total Marketing Solutions Carolina Díaz/Sonia Hinestrosa

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Proyecto Cancha Bárbaro Rivas

Proyecto Fachada Escuela Bárbaro Rivas


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fiaFIA TODO TERRENO: la FIA más allá de la FIA.

La Feria Iberoamericana de Arte de Caracas (FIA) promueve desde su 20ma edición, en el año 201, la realización de una serie de inter-venciones en el contexto del espacio público. Se trata de la FIA más allá de los espacios propios de la FIA. Para sus organizadores este programa, sui generis e innovador en el ámbito de los emprendimien-tos culturales enmarcados en el contexto de la ferias de arte, implica el desborde del evento FIA hacia los espacios de la ciudad que la alberga, bajo los lineamientos de un compromiso con los ciudada-nos que la habitan y estructurados sobre un sentido de pertinencia ciudadana y responsabilidad social. Entonces, se trata de propiciar experiencias de lo urbano que permitan, a través del arte, construir prácticas innovadoras que permitan fortalecer los vínculos de sus ac-tores con la ciudad.

Sumar como clave para la transformaciónA lo largo de los últimos años el Programa FIA Todo Terreno ha logrado configurar alianzas con los sectores públicos y privados, tanto nacionales como extranjeros. La cooperación y el intercambio cultural ha sido uno de los principios esenciales para la realización de proyectos integrales de intervención artística. En este sentido, FIA Todo Terreno avanza sobre la premisa del trabajo colectivo, el aprendizaje dialógico y la oportunidad que brinda la creación como una oportu-nidad para propiciar una acción cultural transformadora. De esta ma-nera, creadores, curadores, arquitectos, representantes de gobiernos locales, miembros de las comunidades, galerías, escuelas, docentes, voluntarios de empresas privadas y estudiantes han participado de los diversos proyectos agrupados en sus tres ejes de acción:, ciudad sensible, pedagogías sensibles y tránsitos sensibles.

Ciudad sensibleEngloba las intervenciones en el contexto de espacios públicos ubica-dos en los entornos urbanos: parques, plazas, jardines, calles, facha-das, etc. Pretenden a través de estas acciones propiciar una interac-ción sensorial entre los habitantes de la ciudad y el contexto propio de

la calle como escenario de encuentros colectivos. Estas intervenciones son de carácter temporal, se piensan desde una perspectiva polisen-sorial, promueven la participación de los actores ciudadanos involu-crados en la experiencias propuestas y generan vínculos que preten-den fortalecer los núcleos de organización de carácter comunitario. En este sentido, ciudad sensible se piensa desde la perspectiva del arte en entornos comunitarios donde los procesos resultan vitales para la activación de las experiencias. Igualmente, a través de este tipo de intervenciones se constituyen nuevos saberes y experiencias que inciden en estrategias para percibir e interpretar los espacios públicos en el marco de su apropiación y usos individuales y colectivos.

Pedagogías sensiblesSupone la ejecución de propuestas de intervenciones artísticas integrales, de carácter efímero y/o permanente, en instituciones edu-cativas de carácter público. Vale destacar que, la ejecución de los proyectos artísticos son acompañados por un proceso de reforza-miento pedagógico, contenidos y metodologías didácticas, dirigido a docentes, estudiantes y otros miembros de la comunidad educativa, a través de la realización de encuentros creativos y talleres de sen-sibilización. Aproxima la experiencia de creación a los ambientes pedagógicos. Hace de la escuela un espacio para la creación, la diversidad y la promoción de la cultura democrática.

Tránsitos sensiblesSon intervenciones que privilegian los espacios destinados a la movi-lidad de bajo impacto: tránsito pedestre, transporte colectivo, trans-porte en bicicleta, patines, patinetas. Propician recorridos sensibles que promueven la integración del habitante que se desplaza a través de la ciudad con el paisaje propiamente urbano mediante la acti-vación de una experiencia sensible.


FIA 23va Todo Terreno 2014-2015

Michelle Ángela Ortíz“Juntos creamos nuestra Comunidad”El programa FIA Todo Terreno se ha erigido en un programa de carácter permanente, ya no responde exclusivamente a la realización de la feria de arte sino que mantiene actividades durante todo el año convocando a los creadores a vincularse con la ciudad desde la actividad creadora. Una vez culminada la FIA 2013 todo terreno llevó adelante la intervención integral comunitaria en el Parque la Ciudadela, ubicada en el municipo Baruta, a través de una propuesta concebida por la creadora estadounidense de origen latino Michelle Ortiz basada en la realización de una policromía moral denominada “Juntos creamos nuestra Comunidad”. Vale destacar que el trabajo de Ortíz, desarrollado del 04 al 19 de octubre, logró articular y formar a un equipo de asistentes locales en la metodología de realización de murales comunitarios con énfasis en procesos participativos de creación. Este trabajo estuvo patrocinado por la Embajada de Los Estados Unidos, bajo la coordinación del encargado de cultura Neal Murata. Asimismo, contamos con la participación activa de los miem-bros de la comunidad de La Ciudadela, agrupados a través del Con-sejo Comunal de la Ciudadela y de la Alcaldía del Municipio Baruta.

María Virginia PinedaYo SoyPosteriormente y gracias a la colaboración del Colegio Británico de Caracas. FIA todo terreno logró llevar adelante la 2da fase de la intervención Yo Soy de la artista María Virginia Pineda en la Escuela Municipal Bárbaro Rivas de Las Minas de Baruta. Este trabajo im-plicó la rehabilitación integral de la cancha mediante una propuesta cromática que reforzó la intervención inicial realizada en el Marco de la FIA 2013. Igualmente, mediante un trabajo con voluntarios del Colegio Británico se logró intervenir el área de juegos destinada a la educación inicial en lo que consistió la tercera fase de un proyecto ahora permanente que tomará a la Escuela Municipal Bárbaro Rivas como espacio de aprendizaje piloto para llevar adelante propuestas de intervención artísticas integrales. La cuarta y última fase de esta propuesta contempla la intervención de la fachada externa de la es-cuela para emplazar la idea de la Escuela Faro en el context visual de la comunidad aledaña a la Bárbaro Rivas.

Vanessa Avendaño (curadora)La Nube Laboratorio de Arte, Ciencia y reciclajeEn alianza con la Fundación Telema actualmente todo terreno lleva adelante como parte de pedagogías sensibles la experiencia La Nube que consiste en la concepción de un espacio de aprendizaje destinado a la enseñanza de la ciencia y el arte de manera integral con énfasis en la promoción de los procesos creativos. Esta experi-encia está siendo concebida por Vanessa Avendaño, joven diseña-dora venezolana, quien además es co-curadora de FIA Todo Terreno y participó en el programa de formación impartido por Michelle Ortíz durante su residencia artístiva en Venezuela. Durante los meses de junio y julio se realizaron en el marco de La Nube los primeros encuentros creativos de serigrafía para docentes y estudiantes que culminaron con una pequeña exhibición de los trabajos realizados por los alumnos como actividad de cierre del año escolar.

Proyecto La Ciudadela, Michelle Ortíz


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fiaTeresa Mulet

Callejón El SamánEl callejón El Samán está ubicado en la adyacencias de la escuela Municipal Bárbaro Ribas de las Minas de Baruta, en este sentido forma parte de la zona escolar. Por tanto, tendremos previsto reforzar la señalética urbana: rayado, cruces peatonales y la intervención de la parada de mototaxi y de la cooperativa de transporte que hace vida en el lugar, estas intervenciones suponen un cruce de programas: tránsitos sensibles-ciudad sensible-pedagogías sensibles. El proyecto central de intervención del callejón Los Samanes estará a cargo de la diseñadora y artista visual Teresa Mulet.

El trabajo de Teresa Mulet se centra en el desarrollo experimental de soluciones de creación y diseño a través de la comunicación visual y la exploración sobre los usos de los materiales. Teresa Mulet genera una identidad mediante la realización de talleres con los miembros de la comunidad. Este proyecto supone una serie de intervenciones urbanas que implican: conceptualizar y diseñar mobiliario urbano; espacio para usos recreativos: cine al aire libre, juegos lúdicos, etc; rehabilitar fachada y mobiliario de cancha deportiva en la calle; desarrollar sistema de identidad gráfica basada en los elementos el lugar; sistema de gestión de desechos sólidos, puesta en valor del recorrido urbano.

Sistema cromático para parques urbanosSofía ColorLa creadora Sofía Color actualmente desarrolla un proyecto de interven-ción comunitaria con la asociación de vecinos del cafetal (APRACAF). Que supone la concepción de un sistema cromático para establecer usos de tres parques ubicados en la Urbanización el Cafetal. Este proyecto supone imaginar mediante encuentros creativos el parque como lugar de encuentro ciudadano. Esta iniciativa impicará la reha-bilitación de espacios, desarrollo de caminerías, jardines, sistemas de iluminación, policromías murales, sistema de cruces peatonales, etc.

Proyecto Sofía Simón

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Feria Internacional de Arte BogotáAv. Eldorado Nº68D-35, piso 2Telfs.: (57 1) 383 0300 / 594 1000

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Alcaldía de SucreTelfs.:(0800) MISUCRE (080006478273)E-mail: programa.informa@alcaldiasucre.netwww.alcaldiamunicipiosucre.gov.veTwitter: @alcaldiadesucre

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IA FERIA IBEROAMERICANA DE ARTETamanaco InterContinental25 al 29 de septiembre

Gala InauguralJueves 25 de junio, 7:00 pmA beneficio de la Asociación de Damas Salesianas

Exposición 26 al 29 de septiembreHorario Viernes 26 - 2:00 a 9:00 pmSábado 27 y domingo 28 - 11:00 am a 9:00 pmLunes 29 clausura - 2:00 a 9:00 pm

Salón Banesco Jóvenes con fia / 17 edición Construcción identitarias: cuerpo, memoria y lugarCiudad Banesco, Av. Principal de Bello Monte, entre calles Lincoln y SorbonaExposición: 11 de septiembre al 18 de octubreHorarios: martes y jueves de 4:30 pm a 7:00 pmSábados y domingos de 11:00 am a 4:00 pmEntrada libre

Salón Jóvenes con fia 2.0/3www.jovenesconfia.com

FIA Todo Terreno / Pedagogía SensibleEncuentros creativos y de formacióne intervenciones artísticas de carácter permanente


Comité OrganizadorMagdalena de ArriaZoraida Febres de IrazábalAna Josefina Vicentini CastilloConsejeroNicomedes Febres Luces

Asistente al Comité OrganizadorMaría Gabriela Arria de ArévaloGerente GeneralHernán Gímenez CampínsDiseño de espaciosArquitecto Gilberto CarautaComunicacionesMarisela MontesPasante en ComunicacionesSabrina González MichelonWeb Master Carlos I. ArévaloDiseño gráficoLuisa Ponte C.Montaje Spacio Visual 77, C.A.Servicios nacionales de aduanasSUNADCA

fia 2014 agradece a todas aquellas perso-nas e instituciones públicas y privadas que con su apoyo hicieron posible la realización de esta vigésima tercera edición.

Catálogo fia 2014

Coordinación y dirección editorialMaría Gabriela Arria de ArévaloDiseño gráfico e imagenLuisa Ponte

Caracas, Venezuela 2014


FUNDACIÓN IBEROAMERICANA DE ARTE / RIF: J-31135317-8Calle California, entre Mucuchíes y Perijá,

Edif. Sonora, PB, Las Mercedes, Caracas 1060, VenezuelaTelf: (58 212) 993 0127

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twitter: @tipsfiacaracas

Catálogo fia Feria Iberoamericana de Arte

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