PROYECTOPlato imitación mosaiquismoBarrilete Cajonera símil cueroy mosaicoPINTURA ARTÍSTICAEstudio ojos, nariz y bocaTÉCNICAImágenes sobre cuero Filete en flor

Ideas, objetos y creatividadcon espíritu de celebración.

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#05 Eterna te invita a crear

Artista de Tapa: María Teresa Álvarez

CÓMO HACER…

MESA NAVIDEÑA

PINTURAS Acrílico Decorativo Premium. Acrílico Profesional. Pintura y Láminas para estampar por Sublimación. Pinturas para Tela, Dimensional y Accesorios (Termolina, Glaceador, Retardador de Secado). Lacas vitrales. Esmalte Acrílico al Agua. Accesorios Generales. (Goma Laca, Lavapinceles, Betún de Judea).

EFECTOS ESPECIALES Decoupage. (Adhesivos para Decoupage Flexible y Autoadhesivo Multipropósito). Purpurinas. Cristal Líquido. Craquelador. Dimensional Rígido. Films para Metalizar.

1. Buscá tu región.

2. Luego tu zona.

3. Fijate cuál es la artística más cercana.

www.pinturaseterna.com.aren todo el País

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EDIT

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STAFFDirección:Pinturas Eterna

Coordinación:Marcela Cánepa Departamento Artístico Eterna blancomagazin@pinturaseterna.com.ar

Redacción:y dijo la oruga... Estudio de ComunicaciónInés Álvarezialvarez@ydijolaoruga.com.ar Gabriela Camposgcampos@ydijolaoruga.com.ar Samanta Leccesesleccese@ydijolaoruga.com.ar

Fotografía:Julieta CarusoCómo hacer | Herramientas y Materiales.

Diseño:AdviserConsultores en ComunicaciónDG Paula RusconiDG Gustavo Pelissiermail@advconsultores.com.ar

BLANCO magazin es propiedad deEterna Color S.R.L.Director Responsable: Rubén Civeira Agustín de Vedia 2979 · CP 1437Registro DNDA No 5066145Edición No 5. Año 2.Edición Trimestral: Primavera 2013

Impreso en: Artes Gráficas Buschi S.A.Ferré 2250 · Ciudad Autónomade Buenos Aires · 4918-3035

A vibrar

Los que hacemos Eterna

#05

NARANJAHay un momento mágico del acto creativo que no es justamente la famosa

“satisfacción del deber cumplido”. Ese momento (apenas un instante) se produce cuando logramos pasar de la química en ebullición, del cúmulo

de incertidumbres y posibilidades, a imaginar el tránsito por un camino, aún con la certeza de no saber a ciencia cierta a dónde nos conduce.

Cuando la magia sucede, algo vibra en nuestro interior con tanta intensidad que nos impulsa a poner en marcha el hacer. Sería algo así como una celebración del primer paso, porque al segundo bien vale dudar, replantear, transformar —incluso retroceder— con la diferencia de que el andar ya nos puso en movimiento.

En esta edición vibramos en esa frecuencia, y no es casual —por supuesto— que nos motivara el naranja y su intensidad, su aspecto lúdico y fecundo. En nuestra sección Color, profundizamos en algunos de estos aspectos emocionales que éste despierta en las diferentes culturas. Su aspecto más expansivo nos invitó a jugar en la sección Herramientas & Materiales creando sellos con elementos caseros para dar rienda libre a la imaginación. Una técnica que, por sencilla, la usamos desde el jardín de infantes, pero de alto vuelo a la hora de hacer.

La huella del naranja se puede seguir de cerca en varios CÓMO HACER de esta edición: luce sin dudas, realza en los contrastes, pone un toque especial a las pro-ducciones. Y nos hace vibrar, el mejor estímulo para atreverse a crear.

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SUM

ARI

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APUNTES 6Novedades, noticias cortas, eventos, trucos & consejos de utilidad y otros recursos que Eterna te invita a explorar.

CÓMO HACER… 13Guías prácticas para poner en marcha la creatividad y realizar:PROYECTO. Plato imitación mosaiquismo - con Claudia De San Pío.PROYECTO. Barrilete - con Marcela Cánepa.PROYECTO. Cajonera símil cuero y mosaico - con María Teresa Álvarez.PINTURA ARTÍSTICA. Ojos, nariz y boca - con Alejandra Pajares.TÉCNICA. Imágenes sobre cuero - con Adriana Dadamo.TÉCNICA. Filete en flor - con Claudia Berlusconi.

HISTORIAS 38Aerografía: reconstruimos la historia de esta técnica con el artista César Deferrari.

CREADORES 41Hermenegildo “Menchi” Sabat: una charla de estudio.

COLOR, NARANJA 44Explosión de sentidos.

HERRAMIENTAS Y MATERIALES 46 Sellos caseros.

MI TALLER 50 Francisco Speicher, Pop desde Salta y Buenos Aires.

COLORES NATURALES 53La Plata: Entre tilos y sueños.

MESA NAVIDEÑA 56Objetos para crear ambiente en las fiestas.

ÚLTIMO TRAZO 58Estudio Abierto, una intervención en Espacio Forest.

18pág.

30pág.

44pág.

50pág.

Primavera

2013edic

ión #05

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E terna le puso color al día de la italianidad en la Argentina, un festejo que se realizó el 22 de septiem-

bre en las calles de Palermo, organizado por el resto “Il Ballo del Mattone”. El festival convocó a los citadinos a degustar gastronomía, música y arte a cielo abierto con la alegría de la gran familia italiana.

Podés ver los videos en: http://ilballodelmattone.com

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S Estuvimos en…

# Al Dente

C.C. Borges - Art Sale Insoportable septiembreEterna se sumó a la Exposición Colectiva Multidisci-

plinaria de Artes Visuales que se realizó desde el 12 hasta el 27 de septiembre en la Galería de Artistas Emer-gentes de Carlos Regazzoni.

Desde el 8 hasta el 11 de agosto el Centro Cultural Borges realizó por tercer año consecutivo su feria

de arte abierta y gratuita. Una movida que acercó al público la posibilidad de estar en contacto con más de 100 artistas locales y extranjeros que no sólo presenta-ron sus obras sino que realizaron acciones artísticas en vivo. En el marco de este encuentro, Eterna auspició al grupo de Muralistas pintando en vivo: Juan Danna, Da-río Zilbersztein, Analía Galligani, Arte Santoro y Teresita Martínez Gondra.

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En la paleta de colores Eterna hay algunos

clásicos de temporada que vale tener presente para los proyectos artísticos navideños.

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Artez Martes 16 hs (y repeticiones) Telemax (Telecentro)YouTube: Arteztvfull

Para

AgendarETERNA EN TV: técnicas, novedades y secretos del arte decorativo

Bienvenidas TV Lunes a viernes a las 9.30 hs MagazineYouTube: BienvenidasTV

Manos a la ObraLunes a miércoles 15 hs Metro Lunes a miércoles 8 hs MagazineYouTube: ManosalaObraTV

Líneas de productos Eterna

Eterna

Clásicos de navidad Consultá en la libreríaA hora en el mostrador de tu librería artística prefe-

rida podés consultar toda la colección completa de las láminas para sublimación Eterna.

Acrílico decorativo Premium X X XEsmalte acrílico al agua X X XPintura para tela X X XPintura para sublimación X XBase acrílica XLaca vitral X

25. RojoNavideño

70. VerdeMusgo

105. Oro Rico

C on la renovación de imagen de Eterna, identificar cada línea de productos es mucho más fácil.

A cada una un Color

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Las láminas para sublimar sobre tela son distintas a las que se usan para soportes rígidos. Las láminas para estampar por sublimación de Eterna son aptas para ambos soportes. En el caso de las superfi-cies rígidas, pueden utilizarse sobre los soportes pre trata-dos de cartón Eterna (bolsas, cajas, estuches o cartulina) y sobre madera o azulejos que antes fueron curados con la Base para Estampar Superficies Rígidas de Eterna.

La pintura parasublimación sirve pararecarga de cartuchos. Hace un tiempo se popu-larizaron las impresoras de sistema continuo para subli-mar. Sin embargo, no debe confundirse la tinta que uti-lizan estas impresoras con la pintura para estampar por sublimación que se utiliza con fines artísticos o deco-rativos. Ésta no es apta para recargar los cartuchos de es-tas impresoras.

La sublimación sobre azulejos no requiereprotección alguna. Dependiendo del uso que se dará al azulejo como ob-jeto, puede ser recomendable aplicar barniz general bri-llante o el mismo polímero de la base. La pintura para sublimación no es apta para exteriores, su exposición a la luz solar tiende a deteriorar los colores de la imagen con el tiempo.

La sublimación sobre tela resiste cualquier planchado. Una de las cualidades de la pintura para sublimación es su sensibilidad al calor. Es justamente esta característica la que permite transferir la carga de tinta desde un papel a la tela sintética. Si luego de realizada la estampa se plan-cha sobre la imagen con la misma intensidad, la pintura vuelve a migrar desde ese soporte a lo que tenga debajo: por ejemplo, el dorso de una remera. Para esto es conve-niente evitar el planchado sobre la imagen o bien utilizar la plancha en una temperatura extremadamente baja.

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¿Dudas sobre la mejor forma de utilizar nuestros productos? TE INVITAMOS A PREGUNTAR: ETERNA RESPONDE

Pintura para estampar por sublimación

Mito vs. Realidad

Utilitarios

Ojo con el telgoporLas bandejas de telgopor son de las herramientas descarta-bles más utilizadas en la actividad artística por su practici-dad, economía y posibilidad de descarte. Sin embargo, hay que considerar que algunos productos al solvente como las lacas vitrales o la base para sublimar soportes rígidos tienen una composición química que deteriora el material con que están hechas. ¿Un consejo? Cubrirla con papel aluminio en estos casos.

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JOSLa columna técnica

Una sección en la cual la química, los compuestos y la ciencia al servicio de la pintura se vuelven -simplemente- grandes curiosidades.

Resistiré,el título de la películaE n el número anterior profundizamos algunas de las

condiciones que debe cumplir el aglomerante de una pintura acrílica. Para esta edición prometimos

revisar cómo se comporta la película que se forma una vez terminado el proceso de curado de la pintura y los requerimientos que debe cumplir en función del soporte sobre el que se aplica.

Si queremos decorar un tejido, y la película que se pro-duce es rígida, una vez que pintemos nuestra remera ob-tendremos una hermosa tabla con cuello y mangas. Por el contrario, si barnizamos una caja de madera con un producto cuya composición está dada por una dispersión acrílica blanda, se rayará ante el menor roce o contacto.

¿Cómo se maneja el equilibrio justo para atender cada caso? Fundamentalmente, haciendo uso de la gran va-riedad de especies químicas disponibles. Vayamos en orden: dentro de cada familia de materiales plásticos existen infinidad de variantes, con propiedades también muy variadas. Por lo tanto, lo primero es encontrar dentro de ese amplio espectro, los materiales que sean flexibles o rígidos según nuestros requerimientos. Sobre esa base de trabajo se podrán hacer modificaciones que extremen esas propiedades: algunos materiales (denominados plas-tificantes) tienen la propiedad de flexibilizar las películas plásticas. Por otra parte, hay todo un arsenal químico que permite —en determinadas condiciones— que se pro-duzca una reacción con algunos polímeros aumentándo-les dramáticamente la dureza.

Sigamos con las exigencias. Muy probablemente a nues-tra pintura le pidamos que muestre una superficie lisa (técnicamente lo llamamos buena nivelación). Esta pro-piedad se vuelve crítica cuando lo que se desea es una

pintura satinada, y mucho más aún si es una brillante. En estos casos, la adecuada selección del aglomerante, la formulación bien balanceada y los aditivos niveladores se encargan de la cuestión.

Pero hay más: los vehículos de las pinturas acrílicas tie-nen la tendencia a un secado muy rápido, demasiado para muchas prácticas y actividades. Se lo regula con el agre-gado de retardadores de secado que deben seleccionarse con cuidado porque, por sus propiedades físico-químicas, permanecen en la película un tiempo más o menos pro-longado afectando de manera poco deseable otras pro-piedades.

Si bien no suele ser tan crítica como en las pinturas indus-triales o para arquitectura, es muy probable que también le pidamos a nuestra película de pintura que soporte al menos una limpieza con un trapo húmedo. Prácticamente todos los aditivos que integran la formulación de pintura acrílica al agua van a contramano de este requerimiento: dispersantes, retardadores de secado, ciertos espesantes (por nombrar algunos) disminuyen en mayor o menor me-dida la resistencia al agua de la película final de pintura.

Una hermosa capa de pintura, elástica o rígida (según el caso), pero bien conformada, que cumpla con todas las exigencias anteriores de nada serviría si se despega de la superficie sobre la que se aplica. Nuevamente, la peri-cia de quien formula está en la selección de sus materias primas para resolver la cuestión. En este caso, auxiliares para mejorar el mojado del sustrato.

Como verá, es esta una cadena de exigencias en la cual apenas vamos entrando en tema. Hasta la próxima.

Por Rubén Civei raIng. Químico (U.B.A.), socio gerente de Eterna.

blancomagazin@pinturaseterna.com.ar www.facebook.com/PinturasEterna

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cómo lograrel color deseado*

Conocida entre los pintores realistas e hiperrealistas como encarnadura, la técnica requiere amalgamar bien los colores entre sí, respetar las proporciones y

Recursos

Si el color final queda muy rosado (excedente de rojo) se debe equilibrar sumando una pizca de verde. Si es muy anaranjado, se neutraliza con una pizca de azul.

atender especialmente la dirección de la luz sobre la obra.Comenzar a investigar en la paleta de acrílicos profesionales el 17 es Naranja, en la de deco es anaranjado.

Las proporciones van de mayor a menor teniendo en cuenta una mayor presencia de Blanco de Titanio.

Paleta: 01. Blanco de Titanio17. Anaranjado84. Tierra Siena Natural85. Tierra Siena Tostada87. Tierra Sombra Tostado

*Asesoró Alejandra Pajares, profesora de dibujo y pintura artística hiperrealista.

Clara: Blanco de Titanio + Anaranjado + Tierra Siena Natural

Oscura: Anaranjado + Tierra Siena Tostada + Tierra Sombra Tostado. Esta combinación sirve además para hacer las sombras.

Matices: Se logran con: 50. Azul Ultramar o 69. Verde Oliva o 64. Verde Bambú

Intermedia o base: Blanco de Titanio + Anaranjado + Tierra Siena Natural + Tierra Siena Tostada

= + +

= + + +

= + +

Piel blanca

TIP

Pieles

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Las cantidades son más equilibradas, y su composición lleva más tonos marrones.

Paleta: 01. Blanco de Titanio84. Tierra Siena Natural85. Tierra Siena Tostada87. Tierra Sombra Tostado99. NegroLila amarronado (60. Violeta + Blanco de Titanio + Tierra Sombra Tostado)

Las veladuras (transparencias) sirven para lograr una tez más grisáceay dar tintes más oscuros.La luz y las sombras se definen aplicando estas mismas combinaciones.

Nota al pie:El Glaceador Acrílico es un complemento ideal para dar mayor fluidez al acrílico, por más tiempo.

= +

= +

= +

Piel morena

Clara: Blanco Titanio + Tierra Siena Natural

Intermedia: Tierra Siena Tostada + Tierra Sombra Tostado

Oscura: Tierra Sombra Tostado + Negro

Veladuras: Blanco de Titanio + Lila Amarronado + Tierra Sombra Tostado

TIP

Vidriera

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Tarro Vaca. Esmaltes acrílicos sobre envases

plásticos de color. Ana Gjurinovich - Bs. As.

Gracias a todos los lectores que enviaron sus trabajos con productos Eterna a: blancomagazin@pinturaseterna.com.ar

ESPECIAL

PIED

RITA

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A PURO ESMALTEObjetos que se visten de color con los nuevos Esmaltes Acrílicos al Agua de Eterna.

Botella aplastada. Esmaltes acrílicos aplicados sobre el dorso de una botella de vidrio. Lidia González Varela - Bs. As.

Botellas. Set de colores, formas y tamaños. Silvia Porcel - Tucumán.

Ana GonzalesGabriela CabreraMariela Pastrana

Librería Lerma (Salta) impulsó el concurso “Piedras Pintadas” Aquí los diseños realizados con esmalte acrílico que integraron el podio.

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Ojos, Nariz y Boca

26pág.

Filete en flor

30pág.

Imágenes Sobre Cuero

34pág.

14pág.

Barrilete:¡Alto en el cielo!

18pág.

Cajonera símil cuero y mosaicos

22pág.

Plato Imitación Mosaiquismo

CÓMO HACER

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CER Proyecto

Plato Imitación Mosaiquismo

Pasos:

1 | Pintar los vidrios.

2 | Pintar el fondo.

3 | Componer el diseño.

Con Claudia De San Pio

· Lacas vitrales Eterna:

10. Amarillo Limón

14. Amarillo Dorado

17. Anaranjado | 23. Rojo Fuego

65. Verde Manzana

69. Verde Oliva | 89. Marrón

· Acrílico Decorativo Eterna:

01. Blanco de Titanio

· Goma Laca incolora

· Purpurina en polvo Oro Rico

· Pastina color talco

· Silicona transparente

· Plato de bizcocho cerámico

de 18x18 cm

· Recortes de vidrio de 2 mm

de espesor

· Pinceles: redondo y chato

· Espátula

· Esponja

Tom

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Plato: se consigue enlas librerías artísticas,es el que sueleutilizarse parahacer las fuentesde Feng Shui.

Formas y simetría:los recortes de vidrio son de 2x2 cm; 2x3 cm y 2x4 cm y, tanto las formas como los colores, se utilizaron de manera simétrica.

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Limpiar los vidrios con un algodón embebido en alcohol para desen-grasar y quitar las marcas de la superficie.

Entre la aplicación de colores limpiar el pincel con una servilleta. No utilizar en este paso diluyentes para evitar que se licúe la laca.

ManchaSe realizan pequeños toques de colo-res permitiendo la fusión espontánea entre ellos.

DegradéSe aplica un tono de color en un sec-tor y otro de la gama al lado realizan-do una pequeña mezcla en la zona de contacto entre ambos.

1| Pintar los vidrios

Antes de empezar

Los colores de la Laca Vitral son translúcidos por lo tanto, su aplicación se realiza por depósito. Es decir: se carga bien el pincel redondo y luego se apoya suavemente o con pequeños movimientos sobre la superficie para que libere su carga. La clave es no arrastrar el pincel para evitar que queden marcas de la pincelada.

La transparencia de las lacas permite un efecto de fusión de colores que se luce mucho sobre el vidrio.

PlenoSe cubre toda la superficie con un sólo color.

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2| Fondo dorado

Una vez seca la laca (40 min aprox.), se aplica sobre ella un dorado realizado con purpurina que realza el efecto contraste de color, a la vez que integra estéticamen-te todos los mosaicos.

Este lado será el fondo de la pieza, con lo cual la superficie usable del plato será, simplemente, vidrio.

1- Recipiente con gomalaca incolora : mojar el pincel chato, inmediatamente después ir al recipiente que contiene la purpurina.

2- Revolver una pequeña porción de purpurina hasta que se genera una pasta integrada y pintar. Se toman pequeñas porciones porque seca rá-pidamente.

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3| Componer el diseño

De formación docente, brinda clases y seminarios sobre técnicas decorativas en artísti-

cas y en su propio taller desde hace 15 años. Mail: claudiadesanpio@hotmail.com

http://www.facebook.com/cdesanpio

Claudia De San Pio

La simetría fue la opción en este caso, pero las posibilidades son tantas como permita la creatividad de cada uno. Conviene apoyar algunas pie-zas sobre el plato e ir tomándolas una a una para pegarlas, dejando entre sí un espacio más o menos parejo.

Foma de L: para seguir una secuen-cia simétrica, como en este caso, se puede trabajar en L desde afuera ha-cia el centro para facilitar la compo-sición.

Margen: disponer las piezas consi-derando un margen de 5 mm. desde el borde del plato hacia adentro. Esto evitará cortarse con el vidrio y que la superficie quede más pareja.

1. Aplicar silicona en el dorso de la pieza.2. Pegar generando presión y aco-modar si es necesario.3. Retirar el excedente con un pali-llo. Dejar secar 30 min.4. Aplicar la pastina con espátula para cubrir las juntas y, una vez seca, limpiar con una esponja húmeda.

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CER Proyecto Con Marcela Cánepa

Barrilete:¡Alto en el cielo!Hacer un barrilete puede ser tan placentero como remontarlo. Aquí una opción en tela para hacer en casa y ponerle color a la sonrisa de los más pequeños.

Pasos:

1 | Pintar la base.

2 | Realizar las manchas.

3 | Armar la estructura.

· Esmalte acrílico al agua Eterna

11. Amarillo Medio

17. Anaranjado

24. Rojo de Cadmio

47. Celeste Bahía | 99. Negro

· Varillas de pino

redondas o chatas

· Adhesivo multipropósito Eterna

· Hilo de algodón

· Cuadrado de Tela Sire

(comúnmente llamada “de avión”)

· Esponja

· Jeringa y aguja

Tom

á no

taTela “de avión” y esmaltes. La combinación liviana perfecta para que la capacidad de vuelo sea óptima.

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Sujetar con cinta de enmascarar el cuadrado de tela bien extendido a la superficie de trabajo.Antes de empezar

1| Pintar la base

Con un cuadradito de esponja poncear (sin arrastrar) toda la superficie de la tela. Este método es más rápido para cubrir áreas grandes y evita que queden rastros de pinceladas.

Siempre conviene homo-geneizar bien el esmalte antes de pintar para que los sedimentos del fondo se integren bien y el color exprese todo su potencial. Para esto utilizar un palillo y revolver suavemente. Evitar batir el frasco para que no se produzcan burbujas.

Arrugas:Cuando la tela se humedece con la pintura se arruga, pero recupera su tensión una vez seco el esmalte.

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2| Jugar a la mancha

Los recursos para intervenir el fondo son infinitos, pero en este caso los rastros de pintura arrojada con una jeringa fueron protagonistas.

Dominar el trazo:Al usar la jeringa con aguja, el trazo es más fácil de dominar. Conviene alejar-se unos 40 cm. de la tela para realizar el recorrido. Por la presión, puede su-ceder que la aguja “estalle”, esto tam-bién produce un buen efecto mancha sobre la tela.

Otro recurso:Con un palillo de brochete (o similar) se pueden realizar pequeños punteos de color.

Mezcla espontánea:si se cargan dos colores en la jeringa, la mezcla se dará de manera aleatoria sobre la tela. En este caso, algunas líneas quedarán amarillas, otras ce-lestes y otras verdes producto de la mezcla.

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Artista visual egresada del I.U.N.A. (Instituto Universitario Nacional del Arte). Departamento

artístico de Eterna.

Marcela Cánepa

3| Armar la estructura

La estructura del barrilete cuadrado es muy simple: se cruzan y amarran por el medio dos varillas de pino (son muy livianas) que deben ser unos 3 o 4 cm más chicas que el tamaño de la tela. Con el hilo de algodón se contornea el perímetro cuadrado.

Refuerzo en las puntas: se realiza una pequeña muesca para sujetar mejor el hilo.

Hilos: Se sujeta un hilo de aprox. 40cm

desde cada uno de los tres vértices y desde el centro. Para esto se perfora la tela y se ata a la varilla. Los cuatro tientos se unen en el centro. A ellos se sujetará el hilo para remontarlo.

Adhesivo:Sobre el dorso de la tela se rea-

lizan pequeños toques de adhesivo multipropósito que recorran el borde. El punto mordiente (cuando está apto para pegar) es cuando apenas se per-cibe un pegote al tacto.

a

cIntegrar la tela a la estructura:

Centrar la estructura en el dorso de la tela y doblar los laterales y esquinas sobre sí para pegarlos. Este “dobladi-llo” queda con el hilo en el medio para asegurar su sujeción.

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CER Proyecto con María Teresa Álvarez

· Base Acrílica Eterna

01. Blanco de Titanio

17. Anaranjado

· Set Craquelador: amarillo / rojo

· Cristal Líquido

· Acrílicos decorativos

17. Anaranjado

52. Calipso

65. Verde Manzana

01. Blanco de Titanio

· Adhesivo Multipropósito

· Marcador Indeleble

· Pinceletas

· Pincel Lengua de gato y redondo

Tom

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Cajonerasímil cuero y mosaicos

Pasos:

1 | Imitar textura cuero.

2 | Diseñar los mosaicos.

3 | Imitación cristal y terminación.

Versátil, esta técnica es ideal para replicar en otros objetos de fibrofácil.

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BARNIZ BASE. Cuanto más carga de material hay en estas

manos mayor profundidad tendrán las grietas del efecto.

1| Símil cuero

Cuarteado. Tiene una cuota de azar, pero hay dos variables que con la práctica se aprenden a regular: ta-maño y profundidad del efecto o de la grieta.

Sobre la base de color se realiza el procedimiento de craquelado que dará un aspecto cuarteado similar a las grietas de algunos cueros. El procedimiento requiere de dos pasos que corresponden a los dos componentes del producto: Barniz Base y Craquelador incoloro o transparente.

Aplicar dos manos de base acrílica 17. Anaranjado y lijar suavemente entre cada una.

Antes de empezar Base de color

Aplicación. Pinceladas cortas y car-gadas para que no se retire el mate-rial. Se aplica una mano en un sentido (1), se secar 30 min. y se aplica la otra mano en el otro sentido (2).

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Aplicación. Pinceladas bien cargadas y suaves para que quede una buena cantidad de material y craquele gran-de. Se deja orear un rato y luego se puede ayudar el proceso con secador, de lejos y sin mucho calor.

b CRAQUELADOR. Una vez seca la base, se aplica una mano de

craquelador. En este caso, para obte-ner el naranja -que no se encuentra entre los 12 colores que integran la paleta de este producto- se mezcla-ron amarillo y rojo.

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2. Pintar. Con acrílicos decorativos.

3. Contornear.Con fibra indeleble las figuras o con acrílico negro y pincel liner.

2|Diseñar los mosaicos

Sobre los cuadrados de fibrofácil se aplican dos manos de base acrílica 01. Blanco de Titanio, realizando un suave lijado entre cada una.

Flores y arabescos en serie.Es el típico diseño de los mosaicos. Se utilizan en guardas y repeticiones o centrados en un único diseño como en este caso.

1. Dibujo. Si es desde un papel, se puede trans-ferir con carbónico. También se puede utilizar un esténcil.

Para ampliar horizontes e inspirarse con más diseños: www.mosaicocalcareo.com

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Producto en dupla

El efecto se obtiene de la mezcla de dos resinas (epoxi y curador) que vie-nen en envases separados y predosi-ficados: el contenido del envase pe-queño debe ser volcado íntegramente en el envase grande.

Docente, brinda clases de pintura decorativa y falsos acabados desde hace 10 años en

su propio taller. marite.alvarez@hotmail.com · facebook.com/marite.alvarez.75

María Teresa Álvarez

3| Imitación cristal

La aplicación del cristal líquido genera una película vidriada que hará lucir los cuadrados de fibrofácil como verdaderos mosaicos.

1. Aplicación.La mezcla en el centro.2. Distribuir.Moviendo la pieza suavemente.3. Emparejar.La mezcla sobre los bordescon la espátula.4. Pegar.En cada cajón con adhesivo multipropósito.

Tips de uso

· Mezclar suavemente para que no se generen burbujas.· Dejar reposar unos pocos minutos.· Tener en cuenta que en 10 min. el producto empieza a solidificar.· Chequear que el ambiente de tra- bajo esté libre de polvillo.· Leer detenidamente las instruccio- nes del producto.

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CER Pintura Artística Con Alejandra Pajares

Ojos, Nariz y Boca:

· Acrílico profesional Eterna:

01.Blanco de Titanio,

09.Carne claro | 17. Naranja

84.Tierra Siena Natural

85.Tierra Siena Tostada

87.Tierra Sombra Tostado

99.Negro

· Lápiz de grafito

· Bastidor

· Pinceles: redondo para las

líneas finas; almendrado para

planos más grandes

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Observación extrema: punto de partida funda-mental para una representación objetiva.

”Jugando a ser grande”

Luces y sombras: combinación necesaria para dar naturalidad, lograr volumen y textura.

Obra realizada en el stand de Eterna en Eniarte 2013

expresión hiperrealista

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CEREl dibujo. A mano alzada, cuidando que el iris siempre quede cubierto por una parte del párpado.

Así se evitará el “ojo de pescado”. La pupila queda entonces más cerca del párpado superior que del inferior.

Pestañas: dividir el párpado por un eje imaginario y dibujarlas con inclina-ción hacia la izquierda, centro o dere-cha, según corresponda, siempre de abajo hacia arriba y entrelazándolas para dar volumen.

En el centro se acortan para dar cuen-ta del plano que se produce en el ojo.

Inferiores: nacen desde un pequeño borde interno trazado a modo de pár-pado inferior. Son menos pobladas y más claras.

Tips:La distancia entre ojo y ojo siempre dependerá del rostro que se vaya a dibujar. En una cara clásica, debe haber un ojo de diferencia.

Ojos

Recordar marcar la ojera.

La pintura. Siempre se pinta de abajo hacia arriba. Para lograr los matices propios del rostro humano, Alejandra recomienda no utilizar color pleno y capa sobre capa sino las técnicas color al lado de color y fresco sobre fresco para amalgamar fácilmente los tonos y lograr así mayor naturalidad. El agua es un buen vehículo para lograr esta fusión y sumar transparencia cuando es necesario.

1. Párpado: dar color con Carne Claro y sumar luz combinándola con Blanco de Titanio. En la parte más alta, oscu-recer y dar volumen con Siena natural.2. Esclerótica: se parte de un blanco sucio (Blanco de Titanio con una pisca de Negro). Aplicar Blanco de Titanio pleno en los laterales del iris para que este cobre cuerpo y se destaque.3. Iris: aplicar un pleno de Siena Natu-ral, desde el perímetro hacia la pupila, para dar volumen y definir las líneas naturales. Para enfatizarlas, agregar Blanco de Titanio con una pizca de Amarillo. Luego, matizar la parte supe-rior con Siena Tostado y esfumarlo ha-cia el centro, humedeciendo el pincel.

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Orificios nasales. Se pintan en espe-jo. La parte con luz se aclara con blan-co sucio. En tanto la zona con sombra se oscurece con Tierra Siena Tostada + Negro, fundidos con agua.

4. Pupila: dar un pleno de Negro y es-fumar los bordes con agua para quitar rigidez. Marcar con Blanco de Titanio puro el brillo principal (donde pega el punto de luz) y esfumados los secun-darios.5. Lagrimal: aplicar Carne Clara + Tierra Siena Tostada y dar relieve os-cureciendo la zona indicada levemen-te con Tierra Siena Tostada. Para que dé sensación de ojo húmedo, dar bri-llo con Blanco de Titanio.6. Pestañas superiores: pintar con Siena Sombra Tostada punto tinta de abajo hacia arriba y entrelazándolas. Las inferiores irán más translúcidas y también se pueden cruzar entre sí para dar naturalidad.7. Sombra proyectada del párpado y pestañas superiores: trazar una línea de Siena Natural Tostada a lo ancho del ojo y disipar con agua (veladura).

Para tener en cuenta: siempre que haya un cuerpo encima de otro, se genera una sombra proyectada.

El dibujo. Trazar un eje central para lograr simetría en el dibujo. Comen-zar por los laterales (narinas), luego dibujar el tabique alineado a los late-rales y, por último, los orificios en for-ma elevada y hacia lo ancho. Nunca en redondo ni cerrados porque al pintarlos se pierden con el bozo.

Nariz

La pintura. Es muy importante con-siderar desde dónde ingresa la luz a la figura para enfatizar zonas cla-ras u oscuras, según corresponda, y generar así los diferentes planos. Sobre una base de Carne Clara, iluminar la zona central con Blanco de Titanio y oscurecer los laterales sumando Siena Tierra Natural para dar volumen y afinar la nariz.

Enfatizar. Sumar tintes para enfatizar -según corresponda- las zonas claras (Blanco de Titanio) y oscuras (Tierra Siena Tostada). Para hacer más cáli-do el color piel, sumar tintes en Siena Natural.

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Artista autodidacta especializada en hiperrealismo (rostros). Comenzó a estudiar dibujo y pintura

artística a los 7 años y, desde hace 27, se dedica a la docencia en su propio taller e instituciones

privadas. Además, dicta seminarios en el interior del país y participa de muestras colectivas.

Alejandra Pajares

TIP: al pintar un rostro, recordar acentuar la sombra del filtro (parte superior y central del labio) para lograr mayor cuerpo en la boca.

El dibujo. Marcar un eje central y una base para lograr simetría.Boca

Matices. Se suman desde el princi-pio, con el producto fresco, atendien-do el ingreso de la luz. Así, ya se esta-blecen planos.

Volumen. La mitad del labio inferior debe ir más claro que el resto. Mover el pincel verticalmente de arriba hacia abajo para definir luces y sombras, marcar las líneas de expresión y dar volumen.

Profundidad. Oscurecer la línea me-dia y fundir con agua en dirección al labio inferior. Con Blanco de Titanio, sugerir en el labio inferior rayas curvas en la zona de luz.

Comenzar por la parte superior y tra-zar la línea desde el centro hacia los laterales. En el medio, se repite la lí-nea del labio superior.

Al dibujar el labio inferior tener en cuenta que, generalmente, es más carnoso.

Marcar comisuras y el gesto superior del bozo.

La pintura. Siempre hay que direc-cionar las pinceladas hacia el centro para dar volumen. El color elegido, dependerá de la persona que se re-trate.

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CER Técnica con Claudia Berlusconi

Plana, tulipa, campanita. Un entrenamiento sim-ple para dibujar y pintar este elemento tan carac-terístico en las composiciones del fileteado. Una alternativa para renovar almohadones, manteles o cortinas, entre otros elementos.

· Esmalte Acrílico al Agua Eterna

01. Blanco de Titanio,

11. Amarillo Medio,

24. Rojo de Cadmio,

51. Azul Cobalto, 60. Violeta,

68. Verde Talo, 78. Ocre,

99. Negro.

· Barniz Acrílico Eterna

Satinado o Brillante

· Lápiz de grafito (tipo HB)

· Bastidor o lienzo

· Pinceles de fileteado o letrista

no 02, 04 y 06

Tom

á no

taFilete en flor

Dedo en compás: una práctica característica (y necesaria) para lograr la oscilación, sutileza y la firmeza que requiere la técnica.

Luz: casi siempre ingresa desde arriba.

Sombras: son las que generan el falso volumen.

Pasos:

1 | Dibujo y formas.

2 | Pintura y recursos.a. Colores planos.b. Media luz. c. Sombras.d. Brillos.

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1| El dibujo y las formas

Se puede ejercitar sobre hojas para ganar confianza. Una vez definido el dise-ño, realizarlo sobre papel manteca para poder transferirlo al soporte final.

Plana: trazar un círculo grande y lue-go uno más pequeño marcando el centro. Dividir en 4 o 5 partes regula-res -según la cantidad de pétalos a di-bujar-, marcar círculos con un espacio entre sí y dar la terminación deseada: circular, acorazonada o lobulada.

Los elementos del filete siempre parten de una base geométrica y deben ser simétricos.Antes de empezar

Campanita (2): dibujar un triángulo o cono, dividirlo en dos con una línea horizontal y trazar en espejo las líneas ondeadas que dan forma a la cara ex-terna. La interna se representa a partir de dos curvas pequeñas.

Tulipa (1): partir de una semiesfera (vista como una taza desde arriba) y trazar un eje central. Dividir la cara interna y externa en pétalos, comen-zando por el eje central. Puede hacer-se más cerrada o más abierta, y orien-tada según la posición que tenga en el diseño general.

Para transferir el diseño, con el contorno del dibujo previamente marcado con punzón, apo-yar el papel manteca sobre el soporte final y recorrer el diseño dando pequeños golpes con una muñeca armada a partir de una tela porosa rellena con ceniza de papel si el fondo es claro o con tiza, si es oscuro.

ESPÚLVERO. Herramienta de fileteador Tips: Claudia recomienda usar lápices duros que facilitan los trazos finos y no manchan al trabajar. Esto permitirá tener un diseño más claro y definido que redundará en un mejor trabajo final.

Sombreado: facilita posteriormente la pintura de luces y sombras.

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2| La pintura

Es un proceso de 4 pasos consecutivos en los que se va definiendo el falso volumen propio del fileteado.

Si se desea, se puede fondear el bas-tidor con Esmalte Acrílico al Agua Eterna.

Contra fondo: es el borde que contie-ne a la composición. Son líneas más gruesas y en un color oscuro que per-mita destacar el interior. Claudia eligió aquí 30. Rojo Óxido.

Banda: se utiliza un color que con-traste. Puede combinarse y comple-tarse con la hoja de acanto, otro ele-mento importante del fileteado, que suele enmarcar las flores.

Plenos: dado el alto poder cubritivo del Esmalte acrílico al agua Eterna, con una sola mano basta.

Al momento de definir la paleta, buscar colores que contrasten entre sí, aprovechando la vasta oferta de Esmalte Acrílico al Agua Eterna. Optar por tonos determinantes, vibrantes, que den protagonismo a los elemen-tos en el trabajo final.

Antes de empezar

Esfumado: puede realizarse con una esponja o con el dedo. Su función: atenuar las líneas de corte entre el color plano y su luz.

Ubicación: se define según la posi-ción del elemento en relación con el ingreso de la luz.

Mezcla: generalmente para iluminar las figuras se mezcla el color utilizado en el plano + el doble de blanco.

Aplicación: Conviene humedecer con agua levemente el pincel para que co-rra mejor.

a. colores planos

b. media luz

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Artista, especializada en fileteado porteño, restauración y renovación de muebles u

objetos antiguos. Dicta talleres y seminarios en todo el país. www.arteberlusconi.com.ar

Claudia Berlusconi

Con un pincel 00, trazar líneas en el contorno del elemento con 01.Blanco de Titanio para simular su resplandor.En el centro de la flor, Claudia punteó con una mezcla de Blanco de Titanio y pizca de Ocre.

Claudia recomienda probar la preparación en un papel antes de aplicarla, para corroborar si su intensidad es la deseada. “Siempre debe generar trans-parencia (veladura)”, reafirma.

Ubicación: por dentro y por fuera (proyectada) de cada elemento para denotar volumen.

Producto: para preparar el Yapán -tal como se lo denomina en la jerga- mezclar Rojo de Cadmio y Negro por un lado y luego agregar Barniz Sati-nado o Brillante Eterna, para lograr un tono marrón.

Aplicación: utilizar un pincel más grue-so para lograr un trazo más ancho.

c. sombras

d. brillos

Es importante mantener el pincel limpio durante todo el proceso de pintura para lograr que la pincelada sea suelta.

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CER Técnica

Imágenes sobre CueroSobre este soporte noble y típicamente

argentino, Adriana explica una técnica sencilla

de transferencia de imágenes para combinar

pintura y dibujos.

Con Adriana Dadamo

· Pinturas para tela Eterna

· Soporte: cuero de vaca

semiterminado color claro

· Acetona Cutex

(es la más recomendable)

· Fotocopias B/N

(no deben ser láser)

· Pinceles sintéticos:

lengua de gato y chato

Tom

á no

taDibujos complejos, técnica sencilla.

Las imágenes sobre este soporte pueden ser una simple guía de

contorno para pintarlas o se puede preservar el negro del trazo para

velarlas con color.

Ideal para aplicar sobre carteras, sobres, zapatos, estuches y cartucheras de cuero semiterminado.

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CER

A. Apoyar la imagen sobre el cuero y frotar el papel con un algodón apenas humedecido con acetona.

1| Transferir la imagen

Proceso

La técnica permite transferir imágenes que serían muy complejas para dibujar a mano alzada sobre el cuero. Simplemente hay que realizar una (o varias) fotocopias blanco y negro de la imagen en la cual se noten los trazos.

Imágenes tips· Si se bajan imágenes de Internet, no sirve usar la hoja impresa de la impresora: de ésta habrá que realizar una fotocopia.· También se pueden fotocopiar partituras, recortes de diarios, etc.

B. Chequear que la tinta penetre en el cuero.

C. La acetona se evapora rápidamen-te y no deja rastros sobre el cuero.

Fotocopia: no debe ser láser y, si se quiere transferir un texto, hay que pe-dir que realicen la copia en espejo (es decir, que la fotocopia quede al revés) para que al transferirla se lea bien.

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CER

Docente especializada en pintura sobre tela y cueros con más de 20 años de ex-

periencia, en la actualidad explora otras técnicas como la sublimación. Da clases en

Capital Federal y en Avellaneda. adrianadadamo@hotmail.com

Adriana Dadamo

Para proteger los trabajos en cuero, Adriana reco-mienda “utilizar pomada al agua para zapateros natural o cera líquida para pisos. También puede protegerse con una capa liviana de bar-niz en aerosol (no pasar con pincel porque se cuarteará el barnizado, casi como un craquelado)”

2| Pintarla imagen

La pintura para tela es ideal para aplicar sobre este soporte porque es muy flexible, no se acartona y no le altera la textura al soporte ni le quita sus propiedades. Sobre las imágenes transferidas se pueden realizar dos técnicas de pintado:

Se aplica una capa fina de pintura: absorbe rápidamente.Se estira con movimiento circular sua-ve del pincel.El resto de las capas son sobre la pin-tura seca por lo cual no las absorberá el cuero.

Figurativo: el trazo de la transferencia se cubre con la pintura. Se aplica una primera mano de color en la zona a pintar y luego un tono sobre tono para trabajar luz y sombra.

Veladura: Algunos colores de la pin-tura para tela son más translúcidos que otros. Éstos permiten que se pre-serve la imagen transferida.

Aplicar color sobre toda la transferen-cia, incluso transgrediendo las formas y límites del dibujo.Utilizar el color para dar volumen o realzar alguna parte de la figura.

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AS Aerografía

Con la ayuda del artista

César Deferrari, referente

de la aerografía en el país,

reconstruimos la historia de esta

técnica que acompaña al hombre

desde que vivía en las cavernas.

El recorrido que hizo la aerografía, técnica de apli-cación de la pintura sobre una superficie por as-persión o difuminación, es muy largo. Comienza de

manera muy rudimentaria, como evidencian las pinturas rupestres que aún se conservan en algunas provincias ar-gentinas, como Santa Cruz, La Rioja, Neuquén y Chubut. “Las imágenes de manos pintadas en «negativo» fueron creadas mediante la aplicación de pigmento alrededor de una mano apoyada contra la pared, ya que la particular terminación pulverizada de la pintura sugiere que fue rea-lizado a través de un primitivo difusor bucal: un hueso hueco por el que el hombre primitivo soplaba y dejaba así huellas de su cultura para la posteridad”, explica Deferrari.

Partículasen el aire

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Siglos después, fue otro arte el que rescató a la ae-rografía del olvido. En el siglo XIX la fotografía re-currió al aerógrafo —esta vez industrializado— para retocar las fotos y darles un mejor contraste y color a las figuras. El instrumento fue patentado en el Reino Unido en 1893 por Charles Burdick, aunque se cree que su apari-ción fue unos años antes en los Estados Unidos. Deferrari cuenta que “Burdick era un pintor acuarelista que prove-nía de una familia de inventores. Su gran desafío era crear un pincel mecánico que logró usar en sus obras, aunque en su momento fue muy rechazado por tratarse de un ins-trumento mecánico”.

En rigor, el aerógrafo consiste en un instrumento con for-ma de bolígrafo que tiene en su interior una aguja muy fina, por donde pasa el material. Completan el equipo un inyector que mezcla el aire con la pintura, un recipiente donde se aloja y algún tipo de suministro de aire con-

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tinuo, como latas de gas propelente, tanques de aire o compresores, cuya principal ventaja es ofrecer una cantidad ilimitada de aire.   En cuanto a la pro-

visión de pintura, existen dos opciones: por gravedad -a través de una pieza fija llamada copa, unida a la parte superior del cuerpo principal- y por succión -mediante un depósito móvil en la parte inferior del aerógrafo-.

El rechazo que esta herramienta recibió en sus comienzos se fue diluyendo con la materialización de su mejor atribu-to: el efecto realista. Deferrari describe que esta cualidad se logra en diferentes texturas, cromados y transparencias. “Su fácil y perfecto modo de degradado proporciona un alto impacto visual. Además, una ventaja muy importante del aerógrafo por sobre el pincel radica en que  permite obtener finas capas de pintura. Esto significa que si damos varias manos a lo que estamos pintando no nos quedarían relieves no deseados, ni excesos de pintura”.

“Una ventaja muy importante del aerógrafo por sobre el pincel:permite obtener finas capas

de pintura.”

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El control del material que se va a plasmar depende del pulsador que, según el tipo de aerógrafo, tendrá una o dos tareas. En el caso de los aerógrafos de acción simple, el aire y la pintura salen al mismo tiempo con una relación constante entre ambos. Aunque es fácil de manejar, no permite tener tanto control sobre la aspersión de material. En cambio, esto sí es posible en el aerógrafo de doble acción: presionando hacia abajo el pulsador sale sólo aire, pero si se presiona hacia abajo y hacia atrás al mismo tiempo, mezcla el aire y la pintura.

Desde sus tímidos comienzos hasta la actualidad, la aero-grafía llegó a abrazar un amplio abanico de posibilidades. Se puede aplicar en todo tipo de superficies tales como madera, papel, paredes, chapa, plástico, vidrio y hasta en la piel, de modo que alcanza disciplinas como el body

paint, la decoración de tor-tas, los efectos especiales, el maquillaje, el  bronceado de la piel, la decoración ve-hicular, cuadros y telas. “En definitiva, se pueden inter-venir todo tipo de objetos siempre y cuando se utilice

la pintura adecuada para cada superficie. Toda pintura que se pueda diluir puede ser utilizada con esta herramienta: esmalte sintético, acrílicos, pintura para tela, óleo, acuare-las, colorantes comestibles, etcétera”.

Como toda técnica, la aerografía ya tiene sus maestros. Por citar algunos: Dru Blair, Craig Fraser y Mike Lavallee, to-dos ellos de Estados Unidos, donde se ha desarrollado am-pliamente también en un sentido industrial. En el resto del mundo, Alberto Ponno (Italia), Hajime Sorayama (Japón), Marissa Oosterlee (Holanda) y Gerald Méndez (México) son importantes exponentes.

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AEROGRAFÍA: “se pueden intervenir

todo tipo de objetos siempre y cuando se utilice la pintura adecuada

para cada superficie”.

Artista y explorador

BM: ¿Cómo te vinculaste a esta técnica?CD: Desde chico me gustó el dibujo y, en mi adolescencia, decidí estudiar en una escuela de arte. Fue por intermedio de un amigo que trabajaba en una empresa importadora de artículos de librería como conocí el aerógrafo. Cuando lo descubrí me llamó mucho la atención, y gracias a este acercamiento a la herramienta pude dar mis primeros pasos. Más allá de que realizo mis ilustraciones con una amplia variedad de técnicas (lápiz, pincel, tinta, etcétera), la aerografía es hoy en día mi técnica predilecta y en la que mejor me desempeño.

BM: ¿Cómo se te ocurrió usar pintura para tela de Eterna y qué beneficios percibís?CD: En la Argentina no existe una pintura

específica para aerografía, por lo cual me tuve que ir adaptando. Luego de varias pruebas descubrí en

las pinturas Eterna algo que es clave para el aerógrafo: el pigmento es fino, lo

que permite que las pinturas textiles tengan un excelente rendimiento.

También las pinturas acrílicas Eterna   me resultan más eficientes que otras marcas del mercado. Además de todo esto, me gustan mucho la gama de colores y sus acabados vibrantes.

BM: ¿Sobre qué superficies trabajás con

aerógrafo?CD: Mis superficies preferidas para

pintar son las textiles, como remeras y bastidores, aunque siempre trato de innovar

y buscar cosas nuevas. También pinto sobre superficies más duras como maderas, murales, chapas y objetos tridimensionales.

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SHermenegildo Sábat

Hermenegildo “Menchi” Sábat es un artista autodidacta que se convirtió en un maestro paralas nuevas generaciones a fuerzade trabajo y experimentación.

Un alma sensible

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se pierde un poco la idea del tiempo y como yo no tengo urgencias, no tengo por qué estar pendiente de si lo que estoy haciendo lo va a ver otro o si lo van a exponer...

BM: ¿No está pensando en el espectador cuando pinta?HS: No, es que no es recomendable. Yo para eso trabajo en el diario.

BM: ¿Y cuál es la diferencia entre el trabajo que hace en su taller y el que hace en el diario? HS: Yo trabajo diferente. Acá dependo, primero, de las no-ticias. Segundo, hay tiempos de producción y yo trato de

no dificultar esos tiempos. Y, además, hay veces que se acierta y hay veces que no, como todo.

BM: ¿La realidad política se cuela en las obras que hace en su taller?HS: No, no tiene nada que ver. La influencia que he re-cibido, y lo digo con todo

gusto, es la obra literaria de Juan Carlos Onetti. La gente que pinto es del Río de la Plata, no tengo dudas de eso. A veces me pasa que hago las cosas y después que lo hago me recuerda a alguien que yo conozco.

Nos recibe en su pequeño estudio del diario Clarín, en donde se mueve cómodo entre pilas de pape-les, dibujos y pinceles. Habla pausado y bajito,

pero su tono es tan firme y decidido como las conviccio-nes que lo mueven a pintar todos los días.

BM: ¿Cómo empezó a pintar? ¿Fue por la influencia de su abuelo, que era dibujante, pintor y caricaturista?HS: No, el murió un año y cinco meses antes de que yo naciera. No lo conocí, lo único que tengo son evidencias de su trabajo, nada más. Lamentablemente fui autodidacta, entonces todo ha sido un soliloquio. Esto no lo recomien-do porque lleva a confusio-nes e incluso una mejoría técnica no va a ser nunca una mejoría sensible, será únicamente una cuestión operativa. Cada maestrito con su librito, pero creo que lo importante es que todo tiene que estar al ser-vicio de una idea.

BM: ¿Y cómo empezó a investigar siendo autodidacta?HS: Un día compré los materiales y me metí. Esta es una profesión sucia, no es para tipos delicaditos, porque te ensuciás, tenés que zambullirte en lo que hacés. Ahora, una vez que uno está trabajando, es interesante porque

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S

La pintura abstracta se supone que no representa a nadie.

Siempre repito lo que decía Picasso:“La pintura abstracta nunca

es subversiva”.

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BM: Sus obras son figurati-vas. ¿Alguna vez hizo pintura abstracta?HS: No, nunca hice, a lo mejor soy un poco monó-tono, pero pintar por pintar no es lo que me gusta ni lo que hago. Si yo no tengo una idea clara de lo que quiero expresar no lo hago, pero ade-más hay otros elementos que son muy importantes: de qué modo hacerlo. Eso que se dice, “yo no busco, yo encuen-tro”, tiene algo de verdad. Yo sé qué quiero hacer, pero lo que trato es de no repetirme en el camino porque si no todo sería muy aburrido. Después hacerlo no es un truco, pero es un asunto de experiencia que se puede manejar.

BM: ¿Tiene alguna rutina para trabajar? HS: Pinto todos los días, es la única manera, y hay que mirar lo que se hace. No me enamoro de lo que hago, yo miro y trabajo. Ahora, llegado cierto momento, hay que to-mar partido. Yo comparto esto que decía Georges Braque: “El cuadro está terminado cuando la idea desapareció”.

BM: ¿Cómo analiza la evolución de sus obras?HS: Te cuento una modesta impresión que tuve en 1966, cuando hice mi primera exposición en Buenos Aires, en una librería que quedaba en Viamonte y Florida. Eran re-tratos, cabezas, y no venía nadie. Yo no era conocido, venía de Montevideo, pero pasó una cosa muy gracio-sa. Un día fue una señora y después de recorrer el lugar, que era muy peque-ño, me dijo: “¿no hace pai-sajes?” (se ríe). Me pareció que me estaba diciendo que yo hacía siempre lo mismo. Intenté hacer algu-nas cosas, nada más que para probar, pero no sé… estas cosas que yo hago ahora, que sé que para al-gunos muchas de ellas no son agradables, me repre-sentan bien.

BM: ¿Por qué no tiene agen-te o galerista? HS: Me invitan para expo-ner de lugares públicos. Su-cede que en las cosas que a

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Smí me pasan yo intervengo (se ríe). Debo ser un bicho raro para los galeristas. Hay gente que dice que no les convengo porque regalo las cosas que hago, cosa que

es cierto. ¿Y por qué no? De otro modo, a mí nadie me dice qué tengo que hacer, que también es muy importante. Repito: cada maestrito con su librito.

BM: Además de la de Onetti, ¿reconoce alguna influencia de su entorno familiar?HS: Mi padre era profesor de literatura. En casa no había dinero, pero había libros. Por eso yo leí y sigo leyendo. Un tío abuelo mío, Carlos Sábat Ancasti, era poeta. Fue un tipo que influyó en un momento sobre Borges y decisivamente en Pablo Neruda. De hecho, Neruda en “Confieso que he vivido” le dedica a mi tío tres páginas. Era un personaje notable que vivía frente a un convento de monjas en Mon-tevideo. Escribía poemas oníricos, envolvía piedras con ellos y se los tiraba a la azotea de las monjas, que se pelea-ban por leer sus poemas. Tengo otra anécdota que muestra qué clase de tipo era Carlos: hubo un poeta uruguayo muy notorio a principios de siglo, que se llamaba Julio Herrera y Reissig, que estaba casado con una mujer que se llamaba Adelina de la Fuente. La hermana de Adelina era Diana

de la Fuente (aparentemen-te, una mujer muy bonita, pero estaba gravemente enferma y condenada a morir). Carlos se casó con Diana para que ella tuviera la satisfacción de unirse en matrimonio. Pero luego de su muerte, él se casó con otra mujer y tuvo una hija. Cuando su hija tenía más o menos 20 años, Carlos es-cribió un libro de poemas que se llamó “Artemisa”. ¿Y quién era “Artemisa”? Diana de la Fuente. Es decir que todavía tenía a su mujer acá (se señala el corazón). Esas son las cosas que a mí me llaman mucho la atención, la conducta de un hombre. Así que lo que yo tengo son ejemplos morales en mi familia, de los cuales me siento honrado.

Sábat fue recientementenombrado Presidente de

la Academia de Periodismo.

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LOR

Salud, alegría, fertilidad, advertencia…así de versátil es el naranja,un color con raíces en el lejano oriente.

NARANJA

Expl

osió

n de

sen

tidos

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LORA nahí camina distraída de la mano

de su mamá, hasta que llega a la plaza de su barrio. De pronto, sus

ojos se sorprenden ante el notorio cambio de paisaje: frondosos naranjos perfuman el aire y enormes globos, juegos y carteles anaranjados la invitan a sumarse a su gru-po de amigos. Lo que le pasó a Anahí nos pasa a todos: el naranja tiene la propiedad de captar la atención y de generarnos sen-timientos vinculados a la amistad y al es-parcimiento. Esto tiene su explicación: en el libro Psicología del color, Eva Sheller (su autora) destaca el potencial comunicativo de esta tonalidad que nace de la mezcla entre dos colores tan extrovertidos como el amarillo y el rojo.

En China, el naranja es muy utilizado en la decoración y la vestimenta. En esta cultura, el amarillo es interpretado como el color de la perfección y de todas las cualidades nobles, mientras que el rojo define la feli-

Rubén Civeira, ingeniero químico y socio gerente de Eterna, explica que si bien “podría obtenerse una gama muy amplia de naranjas acudiendo a la mezcla en variadas proporciones de rojos y amarillos, esto no es lo habitual en pinturas artísticas.   Normalmente se prefiere utilizar pigmentos naranjas de origen, de los que hay una amplia variedad disponible en la actualidad”.

Aunque no es fácilmente perceptible para el ojo humano, el naranja es un componente elemental en innumera-bles tonos. “Algo curioso es la gran

cidad y el poder. Sin embargo, el naran-ja no representa a todos estos sentidos mencionados sino que cuenta con una identidad propia: para los orientales, el naranja es esencialmente el símbolo de la transformación.

La historia del color comienza en la In-dia, de donde es oriundo el fruto del na-ranjo, al que se llamaba nareng. De allí pasó a Arabia y luego a Europa, traslada-do por los cruzados. Hasta entonces el fruto (y por consiguiente el color) eran desconocidos en el viejo continente. Cuenta Sheller que antes de nombrarlo como tal, los europeos definían a los ob-jetos anaranjados empleando variantes del rojo, como “rojo amarillento”, para describir las cualidades, por ejemplo, del fuego. Lo curioso es que mientras para la cultura occidental el nombre del co-lor proviene del fruto, para los indios y

Dado que el árbol puede dar flores y frutos al mismo tiempo, el naranja

está asociado con la fertilidad.

Van Gogh decía “no hay naranja sin azul”, para explicar que ambos eran colores complementarios que,juntos, logran explotar todo su potencial.

variedad de colores de los productos de las líneas para artesanía donde es-tán presentes los naranjas.  En nuestro caso, no exageramos si decimos que nuestro acrílico decorativo —y también las pinturas para tela— tienen no me-nos de 20 colores donde hay presente algo de naranja.

Desde los obvios (naranjas), pasando por otros no tanto (coral), siguiendo por marrones varios (marrón, terracota), el naranja muestra una versatilidad muy apreciada por los formuladores”, deta-lla Civeira.

los chinos es el azafrán el condimento más aso-ciado al naranja. En cual-quier caso, estos vínculos explican el motivo por el que uno de los sentidos que se le da a esta tonali-dad es la buena alimenta-ción y la salud.

Por su capacidad de cap-tar la atención, también se lo utiliza para adver-tir peligros y es por eso que es tan utilizado en botes, flotadores, chale-cos salvavidas y por los equipos de rescate. En definitiva, un mar de sig-nificados para este color tan apreciado por todas las culturas.

Materialmente naranja

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TAS

& M

ATER

IALE

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YO te estampoLa magia de la textura, de la repetición, de la huella imperfecta sucede cuando sello y superficie se tocan. Herramientas caseras; arte de alto contacto.

Punto tinta: el acrílico se diluye con algunas gotas de agua. Cuan-do se moja el pincel y gotea, es el punto óptimo para la técnica.

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Frutas, verduras, vegetales, hojas con nervaduras bien marcadas.

La naturaleza se brinda a quien se atreva a crear con ella.

Antes de sellar:secar con un paño de tissue o un trapo absorvente la humedad que las frutas y verduras puedan tener enla superficie.

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RAM

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LA PIEL >

cebolla

"(…) una vida ávida de traspasarse / Tierna

/ Rendidamente íntima / Así era su piel /

hojas

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& M

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IALE

S

< Extracto de un poema de © Idea Vilariño.

/ Lo que tomé

papa

manzana

/ Que diste.”

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ALL

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Soy de aquí y de allá

Desde el dibujo escolar hasta Bellas Artes.Desde el pop de los `60 hasta una reinterpretación personal más agresiva.Desde el bastidor hasta los murales y objetos. Desde Salta hasta Buenos Aires.

Francisco Speicher, artista salteño, abre las puertas de su taller en Bairesy cuenta cómo transitó todos estos caminos sin alejarse definitivamente de ninguno.

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BM: ¿Cómo fue que adoptaste este estiloestético?FS: Creo que lo que más me influenció fue-ron los comics que consumía desde que aprendí a leer: muchas revistas america-nas de superhéroes. También me impac-taban la moda y los videoclips de los ‘80, mi infancia y adolescencia transcurrieron en la época en la que se puso de moda

MTV; la esté-tica de íconos pop como Madon-na, Michael Jackson o de películas futuristas de la época quedaron grabadas en mi mente. Creo que el pop es atractivo, fácil de leer y al mismo tiempo puede transmitir mensa-jes complejos que reflejan el consumismo de nuestro presente.

BM: ¿Cuál es tu forma parti-cular de trabajar el pop?FS: Es un pop más agresivo que el de los años ‘60, con imágenes muy pregnantes

e impactantes: utilizo colores intensamente satura-dos y contrastantes entre sí, figuras sumamente glamorosas y extravagantes, pero cuido que no pierdan lo humano. Creo que de esta manera se genera un impacto visual en el público que lo traslada a ese mundo fic-ticio relacionado con los cómics, el gla-mour y el color.

BM: ¿Cómo se vuelca a tus producciones?FS: La mayoría de mi obra está en bastidor, pero también incursioné en otros soportes no convencionales, como por ejemplo: murales en pared, guitarras, intervención de espacios arquitectó-nicos como baños de casas de arte, barricas y botellas de vino para distintas bodegas y eventos. En el rubro indu-mentaria junto a una diseñadora fusioné la pintura con

el diseño de modas: creamos una colección de vestidos que estuvieron expuestos en Puro

Diseño 2011.

BM: Hay una fuerte impronta femenina en tu obra, ¿por qué decidiste enfatizar en ello?FS: Creo que la mujer es el ser más be-llo sobre la tierra. Su estética es mucho

mejor que la del hombre, físicamente. Ade-más, esta be-

lleza innata es un mundo en sí:

todas las mujeres tienen su atractivo, incluso aque-llas que no entran dentro del “canon” de belleza que impone la sociedad actual. Esto hace que sean infinitas las posibilidades de hacer imágenes con lo femenino como protagonista. De he-cho, la mujer ha sido —y es— el tema constante y de mayor representación en la historia del arte a través de los siglos.

BM: ¿Que cambió en tu vida personal a partir de la evolución de tu vínculo con el

arte?FS: El arte hoy en día es mi vida: me generó

un extraordinario vínculo con la gente. Me hace inmensamente feliz que el mensaje que quiero transmitir llegue a quienes gustan de lo que hago. Esto hace que el motor de mi motivación y mi pasión por la pintura rebalse de energía para tra-bajar cada día más. El arte me permitió

alcanzar mucho de lo que alguna vez soñé: de ser un artista joven salteño y llegar a la

Capital Federal y poder trabajar de lo que me gusta. Soy muy feliz en muchos aspectos… siempre

digo que en la vida puede haber etapas felices y otras no tanto, pasar por la soledad o las necesidades, pero el arte y el amor nunca, jamás te abandonan.

MI T

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ER“Pinto desde que recuerdo”, cuenta Francisco,“en la primaria mis compañeros me pedían que les dibujara, y a los 14 años expuse por primera vez.

Mi dibujo siempre tuvo la influencia de los cómics que leía, pero mi acercamiento al popsurgió cuando estaba estudiando Bellas Artes”.

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ENTRE SALTA y BUENOS AIRES - EL TALLER.Desde que se instaló en Buenos Aires hace apenas un año, Francisco alterna entre dos espacios de creación: el taller que armó en su casa porteña —en donde concentra su producción diaria y brinda clases a sus alumnos por las tardes— y otro en su Salta natal que utiliza cuando viaja para organizar algún evento artístico o para guardar obras de colegas.

BM: ¿Cuál es tu ámbito preferido para crear?FS: En general, mi ámbito preferido para trabajar es mi ta-ller. Este espacio tiene que tener mucha luz, esencial en mi caso, ya que prefiero pintar de día. Por eso es que lo armé en una habitación de mi casa que tiene un ventanal y una mesa grande ya que no pinto sobre caballete.

BM: ¿Cómo es tu rutina… cómo surgen los momentos de inspi-ración? FS: No tengo una rutina establecida, pero en general la mañana es el mejor momento para las ideas. Igual creo que la inspiración te debe sorprender trabajando.

BM: ¿Cómo surgen los conceptos sobre los cuales trabajás?FS: En general me inspira el amor, la belleza interior, la igualdad en todos sus ámbitos, la felicidad, el positivismo, la idea de que todos podemos ser lo que queramos y lo-grar nuestros sueños en la vida.

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ATELIER EN VIVO

Pintura, música y literatura combinan bien. Así que para la presentación que se realizó en septiembre del libro Anselmo, de Ignacio Chesa, Fransisco Speicher pintó en vivo acompañado por la banda “La Macha”. Una velada a la que Eterna le puso color.

PH créditos: Mery Rocca

“En el taller no me pueden faltar la música y, si hay otras personas mientras trabajo,

la buena onda y energía”

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Exquisita combinación de naturaleza y paisaje urbano,

La Plata es una ciudad de artistas que encuentran en

cada uno de sus rincones un motivo para expresarse.

La Plata

Entre tilos y sueños

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L a capital de la provincia de Buenos Aires es una hermosa obra de arte,

y esto no es una exageración surgida de su belleza, sino un hecho basado en las características de su fundación y dise-ño. En principio, porque fue planificada hasta el más mínimo detalle; y, en se-gundo lugar, porque vista desde arriba, se trata de un cuadrado perfecto cruza-do por diagonales. Así las manzanas co-bran forma de rombos, separados cada seis cuadras por bosques y plazas.La ciudad fue fundada por el goberna-dor bonaerense Dardo Rocha el 19 de noviembre de 1882, en un momento histórico, en el que el país estaba saliendo de violentas luchas internas. En este sentido, La Plata sig-nificó un símbolo de unidad y una apuesta al futuro. La deci-sión de gestar una ciudad se había tomado dos años antes, cuando se pensó desde su emplazamiento hasta las carac-terísticas de los edificios más importantes del eje histórico, que aún hoy se conservan. Sus autores surgieron de un concurso internacional a partir del cual se formó un equi-po de urbanistas al mando del ingeniero Pedro Benoit.

La planificación le dio a La Plata una equilibrada com-binación de naturaleza y diversa arquitectura, que re-

corre desde el renacentismo alemán (presente en el Palacio Municipal) has-ta el Movimiento Moderno de la Casa Curuchet. Aunque la ciudad abunda en obras emblemáticas, la referencia a la Catedral de la Inmaculada Concep-ción, ubicada frente a la plaza Moreno, es insoslayable por ser el mayor tem-plo neogótico de Latinoamérica.

Inspirado en las catedrales de Amiens (Francia) y Colonia (Alemania), el edi-ficio está revestido por alrededor de

12 millones de ladrillos, ocupa 7.000 metros cuadrados y tiene capacidad para 14.000 personas. Sus nueve torres expresan cada una un mensaje diferente: la del crucero

representa el Pantocrator, la imagen que simboliza el Todo-poderoso. La torre mayor de la derecha, que contiene el cam-

panario, simboliza a la Virgen María, mientras que la de la izquierda representa a Jesucristo. Por último, las cuatro torres secundarias aluden a las virtudes cardinales: Forta-leza, Justicia, Prudencia y Templanza.

Por su belleza, la Catedral es fuente de inspiración de los artistas locales, como Vilma Venier, que un día decidió salir a recorrer su ciudad natal con una cámara de fotos.

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“Recomiendo visitar el Centro Cultural Islas Malvinas”. Vilma Venier.

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para Vilma las estaciones más lindas son el otoño y la pri-mavera “cuando se notan más las diferentes tonalidades”.

Aunque las obras de Fabián fueron cambiando de sujeto, él reconoce que su mirada es “desde un lugar urbano, ya sea por oposición o por la inserción de lo natural, la ve-getación o los lugares recreativos que existen en las ciu-dades”. Desde esta posición, la ciudad de La Plata cobra importancia en tanto es el lugar en donde investiga, busca y encuentra muchas de las imágenes para su obra.Es que a 130 años de su creación, y a pesar de algunos sinsabores, La Plata mantiene vigente el halo creativo que inspiró a sus fundadores.

Secretaría de Cultura y Educación www.cultura.laplata.gov.ar

Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano www.macla.com.ar

Catedral de La Plata www.catedraldelaplata.com

Sitios de interés:

Así fue como retrató lugares que siempre había admirado y descubrió rincones interesantes que se habían escapado a su observación cotidiana. “En 2010 se me ocurrió salir a buscar nuevos escenarios. Encontré lugares hermosos, como la cúpula de la Biblioteca López Merino —donde luego expuse mis obras—, la estación de trenes y el costa-do de la Catedral. Saqué fotos y, en base a ellas, pinté mis cuadros”.

Fabián Giménez es el subjefe del Taller de Escenografía del Teatro Argentino de La Plata y, como artista nativo de esta ciudad, también decidió relacionar su obra con este entorno. Comenzó a trabajar con la temática urbana en el 2005 hasta que poco a poco fue virando a la naturaleza, otro fuerte atractivo de La Plata. La frondosa arboleda que recorre la ciudad resulta una importante musa inspiradora. Los tilos que perfuman el aire, el color del jacarandá y la forma de los Ginkgo bilo-ba emplazados frente al Museo de Ciencias Naturales son ciertamente parte de la identidad platense. Por eso es que

“La Plata tiene muy buena actividad artística y, como es una ciudad a escala humana, se puede

hacer un circuito a pie”. Fabián Giménez

“El lugar que más me gusta, en el que tuve más vivencias, es el parque Saavedra”.

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1. Si este portón hablara Vilma Venier2. Cúpula biblioteca Vilma Venier3. Cubierta de cielo verde Fabián Giménez4. Lentamente perplejo Fabián Giménez5. La Plata mención 2009 Vilma Venier

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Espacio Forest es un lugar donde conviven los talle-res de varios artistas visuales que, además, se con-vierte periódicamente en un estudio abierto con la

intervención de artistas de diversas áreas y público aficio-nado. “Invitamos amigos a revelar en una noche piezas arrumbadas, olvidadas, aquellas que no tienen categoría de obra o esas que están casi en el límite con el fracaso. Esos ensayos, bocetos, experimentos, conflictos… Les pro-ponemos hacer algo que nunca hicieron”, define su cura-dora Ana Gallardo.

En una de esas jornadas participó Juliana Ceci, una jo-ven artista habituada a realizar intervenciones en espacios abiertos, “una experiencia muy intensa que deja pequeñas huellas que es lindo recoger. En este caso, me permitió realizar y poner en diálogo una obra desde un costado más experimental. Compartir y valorizar una obra en es-tado inconcluso y procesual con el público interesado y algunos colegas. Asumir la apertura hacia la pregunta (en-tre tantas decisiones que involucran certezas) que implica realizar una obra”, cuenta.

Estudioabierto

Espacio Forest queda en Forest 612,

Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Facebook.com/Espacioforest

La obra, según su autora“La consigna era tener en cuenta el espacio asignado (es-calera y bajo escalera) y desplegar la técnica que utilizo habitualmente para hacer una pintura jugando con su tri-dimensionalidad. Ensayar una relación entre el objeto -pintura sobre bastidor- hacia una intervención mural. Ob-servo ese pasaje como un interés frecuente en mi produc-ción. Utilicé los acrílicos Eterna, aplicándolos directamente sobre el muro, me inspiré en las sombras que proyectan las hojas de los árboles bajo el sol para trazar las siluetas blancas, y en producir ambigüedad en la relación «figura-fondo», «adelante-atrás»”.

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