Arte y Tecnología Dossier “Colección de arte” Lara Abariturioz Narezo

 

 

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Definiciones Sistema del arte Esta compuesto por un conjunto de elementos que se denominan arte: la cultura, las pinturas, o formas de expresión realizadas por el hombre. Este sistema se puede considerar un sistema abierto por que recibe influencia y a su vez influye en otros, puesto que es un sistema dentro de otro más grande. Recibe influencia del mundo científico, sistemas económicos, religiones, etc. Colección de arte Es un término que procede del vocablo latino "collectío" y que hace mención al conjunto de cosas de una misma clase, que se reúnen por su valor o por el interés que despiertan. La persona que desarrolla o organiza una colección se conoce como coleccionista. Es un término muy empleado en el arte, y se usa para referirse al conjunto de obras que tiene un museo o centro expositivo y que poseen algún nexo en común. Relación entre ambas Al formar una colección de arte te basas en un autor, cultura temática, técnica, formato, etc. Y todo esto forma parte del sistema del arte. Arte tecnológico El arte y tecnología, en cada época, han mantenido relaciones desiguales aunque siempre ha sido inevitable un mayor o menos grado de contacto entre ellos. En la actualidad dicha relación se nos presenta de modo palpable y en un a gran diversidad de manifestaciones. Debe fomentarse la discusión activa entorno a la utilización de las nuevas tecnologías en la practica artística contemporánea, a sus usos, también a sus abusos. El arte hoy no tiene reparos en servirse d e cualquier herramienta que la ciencia o tecnología contemporánea haya realizado, tanto por las posibilidades materiales como por las conceptuales implicadas.

 

 

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Análisis de obras Jenny Holzer

Jenny Holzer (nacida el 29 de julio de 1950 en Gallipolis (Ohio), EE. UU.) es una artista conceptual estadounidense. En 1977 comenzó a trabajar con textos. La artista pone unos textos de mensajes cortos en extensión que sin embargo ocultan significados profundos, obligando al espectador a pararse, leer, comprender y reflexionar incluso en la propia calle, ya que utiliza espacios como edificios y otros elementos urbanos para proyectar sus mensajes. Los temas que toca Holzer entran de lleno en temas tabúes en las sociedades occidentales como son el sexo, la violencia, el amor, la guerra y la muerte. Después de pasar una etapa como pintora abstracta influida por gente como Morris Louis y Mark Rothko, en 1977, coincidiendo con su traslado a Nueva York, inicia su fase como artista conceptual con la serie Truisms, estampando sus frases en camisetas y carteles que distribuyó por la ciudad, en unos principios en los que todavía no se consideraba como una artista sino como una activista política. Su estrategia es colocar textos sorprendentes donde normalmente se encuentra la publicidad habitual de manera que le da a Holzer acceso directo a un público más amplio que, de otro modo, jamás tendría ningún contacto con el "arte" y, al mismo tiempo, le permite socavar las formas de poder y control que suelen pasar desapercibidas.

 

 

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Esta obra ha sido creada como obra permanente para el Museo Guggenheim de Bilbao diseñado por Frank. O. Gehry refleja el creciente compromiso que mantuvo Holzer a finales de la década de 1980 y la década de 1990 con el espacio arquitectónico y, más concretamente, con el espacio institucional del Museo. La obra está compuesta por nueve paneles verticales de diodos luminosos de doble cara, cada uno de más de doce metros de alto, que dividen en dos una de las altas e irregulares galerías del edificio de Gehry. Las columnas que van del suele al techo, forman una barrera imponente aunque permeable, cuya geometría rígida contrasta con las curvas orgánicas de la arquitectura que la rodea. Los aforismos, transmitidos en euskera, español e inglés, son una variación de Arno, un texto escrito originariamente para un proyecto cuyo fin era recaudar fondos para la investigación del SIDA y que más tarde fue adaptado para una proyección instalada en un espacio exterior en 1996 en Florencia.

Instalación para Bilbao (Installation for Bilbao) Jenny Holzer 1997 Guggenheim Bilbao

 

 

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Jim Campbell

Jim Campbell (Chicago, 1956) graduado en Ingeniería Electrónica y Matemáticas por el Instituto de Tecnología de Massachussetts (MIT), es un artista pionero en la transformación digital de datos en obras de naturaleza artística que cruza con el arte contemporáneo, ciencia y tecnología. Actualmente vive en San Francisco, California. Con una amplia trayectoria como cineasta, fusionará sus conocimientos científicos y su bagaje artístico creando, a partir de 1988, instalaciones de lo que él llama “electrónica a medida”, diseñada de manera específica para cada creación artística. Coincidiendo con el Año Internacional de la Luz en 2015, el Espacio Fundación Telefónica expone el trabajo de Jim Campbell, 27 obras basadas en una combinación de técnicas de videoarte y luz que proyecta en soportes de reproducción comunes como LEDs, LCDs y monitores o pantallas de televisión. A través de la manipulación de la electrónica y la informática, el artista nos aproxima al mundo de las videoinstalaciones y esculturas de luz de gran belleza visual. Esferas de leds, pixeles, video proyectores, frames, circuitos electrónicos y fotografías pixeladas, que producen imágenes evocadoras y provocadoras que retan al visitante cuestionando su capacidad de percepción.

 

 

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Para ver la imagen en movimiento à http://www.jimcampbell.tv/portfolio/low_resolution_works/exploded_view/exploded_view_commuters/ La obra mide 72x46x38 pulgadas y para realizar la obra el artista ha utilizado 1152 LEDs, alambre y acero. Con su trabajo, Campbell juega con la manipulación del espacio y reflexiona sobre el modo en que el ser humano procesa y decodifica la información visual. Es habitual que reduzca la cantidad de elementos constitutivos de las imágenes (pixeles) a un mínimo, llevándolas hasta los límites de la coherencia visual, desdibujando nuestras categorías y ordenamientos lógicos.

Exploded View Commuters. Jim Campbell, 2011, expuesto en Londres, Light Show en 2013.

 

 

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Leo Villareal

Leo Villareal (nacido en 1967 en Albuquerque, Nuevo México) es un artista estadounidense que vive y trabaja en Nueva York. Su obra combina luces LED y la programación de computadoras codificada para crear pantallas iluminadas. Villareal se graduó de Portsmouth Abbey School en 1986. Recibió una licenciatura en escultura por la Universidad de Yale en 1990 y un título de postgrado de la Universidad de Nueva York Tisch School of the Arts, Interactive Telecommunications Program (ITP). El 5 de marzo de 2013, Villareal debutó con su pieza más grande hasta la fecha, "Las Luces de la Bahía", una instalación de luz pública que consiste en 25.000 LEDs ensartadas en los cables verticales del puente de San Francisco-Oakland Bay. La instalación costó $ 8 millones para instalar y se activará todas las noches hasta el año 2015.

 

 

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La obra se compone por 19.600 LED blancas que están programas de tal manera que crear sin cesar cambiantes patrones, evocando las lluvias de meteoros, la caída de nieve, nubes de luciérnagas y otros fenómenos naturales. Las luces realizan coreografías abstractas en el espacio. La intensidad y velocidad cambia continuamente. Villareal explica que la secuencia no tiene principio, medio o al final y dice: "es como un esquema aleatorio elaborado, que nunca va a repetir la misma progresión de secuencias de nuevo. ' Bibliografía: http://www.guggenheim-bilbao.es/obras/instalacion-para-bilbao-2/ http://espacio.fundaciontelefonica.com/jim-campbell/ http://www.jimcampbell.tv/portfolio/low_resolution_works/exploded_view/exploded_view_commuters/ http://es.javierlopezferfrances.com/news/ http://lavidanoimitaalarte.blogspot.com.es/2007/09/jenny-holzer-1950-gallipolis-ohio-usa.html https://es.wikipedia.org/wiki/Jenny_Holzer https://en.wikipedia.org/wiki/Leo_Villareal http://www.haywardlightshow.co.uk/

 

Cilindro II. Leo Villareal, 2012, expuesta en Londres, Light Show en 2013

 

 

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CERITH WYN EVANS

Cerith Wyn Evans es un artista conceptual, escultor y cineasta galés, nacido en 1958 en Llanelli. Fue en 1990 cuando comenzó a crear instalaciones, esculturas y luz. Asimismo, la influencia del cine se hace presente en sus obras. Estas suelen ir acompañadas de fuegos artificiales y breves textos de neón, reflejando el gran interés del artista en el lenguaje y la comunicación. Suele recurrir a frases de películas, de la filosofía y de novelas y poemas. Su primera exposición individual tuvo lugar en 1996 en el White Cube. Sus obras tratan de la fenomenología del tiempo, el lenguaje y la percepción y pretende crear un lugar que "está fuera de lugar…”. La reputación de Evans va in creciendo, ya ha expuesto en la Exposición de Arte Británico, en Venecia, el Hayward y en la Tate. “Trato de evocar en la obra un espacio intersticial entre la imagen y la palabra o el lenguaje y otro idioma, entre encendido y apagado: las cosas en espacios intermedios... que se encuentran entre la percepción de una persona y la percepción de otra persona”, Cerith Wyn Evans.

 

 

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BOLA DE ESPEJOS Obra del artista galés Cerith Wyn Evans, Cleave 02 (la parte maldita), de 2002. Es una obra de dimensiones variables. Es un espejo a modo de lámpara, que adopta la forma circular de un globo. Como se puede apreciar que la luz proveniente de algún tipo de proyector (obturador) incide sobre el dispositivo creando sombras reflejadas en la pared blanca adoptando una forma de eclipse rodeado de numerosos destellos, de la luz, que conforman la instalación.

 

 

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CARLOS CRUZ-DIEZ

Carlos Cruz-Diez es un artista plástico venezolano, nacido en 1923 en Caracas. Se le considera uno de los principales representantes del op art (arte óptico) a nivel mundial, vive y trabaja en París desde 1960. Su investigación ha aportado al arte una nueva forma de conocimiento sobre el fenómeno del color, que ha ampliado su universo perceptivo. Es presidente de la Fundación del Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez en Caracas y miembro de la Orden de Andrés Bello (OAB).

Cruz-Diez propone entender el color como una realidad independiente que se desarrolla en el tiempo y en el espacio real sin necesidad de soporte. Su trabajo incluye ocho investigaciones: Couleur Additive, Physichromie, Induction Chromatique, Chromointerférence, Transchromie, Chromosaturation, Chromoscope y Couleur dans l’espace.

 

 

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CHROMOSATURATION.

El artista venezolano inicio su serie de instalaciones de Cromosaturación fluorescentes en 1965. Estos ambientes artificiales producen espacios donde el color 'actúa con toda su fuerza en la piel, los objetos del espectador y superficies de las paredes circundantes.' Cada Cromosaturación está compuesto de tres cámaras de color separadas: roja, verde y azul. De modo que el color se convierte en una situación del espacio.

Esta experiencia origina perturbaciones en la retina, habituada a percibir simultáneamente amplias gamas de colores. La Chromosaturation puede actuar como la chispa que activa en el observador la noción del color en tanto que situación material, física, que sucede en el espacio sin la necesidad de la forma e incluso sin soporte, autónomamente de las convenciones culturales.

 

 

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CONRAD SHAWCROSS

Conrad Hartley Pelham Shawcross es un artista británico especializado en esculturas mecánicas basadas en ideas filosóficas y científicas, nacido en 1977. Estudio en la Universidad de Oxford y es el miembro más joven de la “Royal Academy of Arts”, lo que ya supone un gran logro y prestigio. Artista rodeado de racionalidad científica, cuyas las esculturas exploran cuestiones al límite de la geometría y de la filosofía, la física y la metafísica. Crea ambiciosos montajes estructurales y mecánicos, empleando una extensa variedad de materiales y medios de comunicación.

 

 

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SLOW ARC INSIDE A CUBE La obra “dentro de un cubo” de Conrad Shawcross de 2008 consiste en un aparatoso y complejo juego de luces y sombras que se mueven. La inspiración se debe a una anécdota acerca del complicado proceso de mapeo de la estructura molecular de la insulina por medio de una radiografía de cristal, logrado por el químico Dorothy Hodgkin, ganador del Premio Nobel . Shawcross explica que aunque siempre ha hecho obras con luz y movimiento, no había estado muy interesado en las sombras hasta que leyó la descripción de Hodgkin , lo que se asemeja a la decodificación de la forma de un árbol de la sombra que sus hojas proyectan en una pared.

 

 

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Yayoi Kusama

Nació en Matsumoto, (Japón) en 29 de marzo de 1928. Estudio la carrera de arte en los 50. Se caracterizó en sus comienzos por la influencia de la pintura tradicional japonesa y las consecuencias de sus crisis alucinatorias, debido a los malos tratos sufridos en su infancia. Este hecho queda recogido en sus obras puesto que nacen las “ redes de infinito,” representado por lunares que marcan su seña de identidad. Es muda a EEUU en 1957. En Nueva york lidera movimiento avant-garde (El vanguardia referida a las obras que son experimentales o innovadoras) Organizó “happenings” extravagantes en Central Park y el Puente de Brooklyn. Fue muy productiva aunque no se beneficio económicamente. Algunos de sus amigos y seguidores fueron Joseph Cornell y Donald Judd. Su trabajo acoge características del feminismo, minimalismo, surrealismo e incluso expresionismo abstracto. Su obra está impregnada de contenido autobiográficoy psicológico incluyendo pinturas, esculturas, performances e instalaciones. Es a su vez también novelista y poeta. Yayoi Kusama ha exhibido su trabajo con celebridades como Andy Warhol.

 

 

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Rwegresa a Japón en 1973y a mediados de los setenta ingresa voluntariamente en un hospital psiquiátrico. Sigue participando en exposiciones y muestras de arte en todo el mundo. En 2002 participó en la exposición Sunday Afternoon en Nueva York, en 2003. En 2006 se convirtió en la primera mujer en obtener el Praemium Imperiale de Japón, en la categoría pintura. Actualmente tiene el record de precio pagado por la obra de una artista mujer viva. El 24 de agosto se inauguró el Kusama-Vuitton pop-up Store. Para celebrarlo se erigió una muñeca gigante de la imagen de la artista sobre las puertas de la entrada principal del centro comercial Selfridges en Oxford Street. Otras de sus obras: Yayoi Kusama, Infinity Net: The Autobiography of Yayoi Kusama, 2011, en ingléstraducida por Ralph McCarthy, University of Chicago Press, Chicago, Illinois. "Yayoi Kusama", 2003, alemán, Kunsthalle wien, Vienna, Austria. Obsesión infinita es la primera retrospectiva de la obra de Yayoi Kusama que se presenta en América Latina. La exposición presenta un recorrido amplio del trabajo de la artista viva más prominente de Japón a través de más de un centenar de piezas que abarcan de 1950 a 2014, incluyendo pinturas, obras en papel, esculturas, videos, presentaciones con diapositivas e instalaciones. Obsesión infinita sigue la trayectoria de esta figura rebelde e inconforme que va de lo privado a lo público, de la pintura al performance, del estudio a la calle. Kusama nació en la ciudad de Matsumoto, Japón en 1929. Después de crear obras poéticas y semiabstractas en papel en la década de 1940, comenzó su célebre serie Infinity Net (Red infinita) a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta. Estas pinturas extraordinariamente originales se distinguen por la repetición obsesiva de pequeños arcos pintados que siguen patrones rítmicos mayores. Su traslado a Nueva York en 1957, donde conoció a Donald Judd, Andy Warhol, Claes Oldenburg y Joseph Cornell, constituyó un parteaguas en la carrera de la artista. Kusama dejó la pintura y empezó a crear esculturas blandas conocidas como Accumulations (Acumulaciones): objetos cotidianos como bolsos, sillas, escaleras de mano y zapatos, cubiertos con elementos rellenos de tela que se asemejan a falos [la serie conocida como Sex Obsession (Obsesión por el sexo)] o con pasta seca [la serie Food Obsession (Obsesión por la comida)]. Estos objetos siniestros de elementos casi idénticos comparten la seriación y la repetición que caracterizaron el minimalismo y el arte pop, pero al mismo tiempo son expresiones auténticas de la compulsión de la artista por repetir sus obsesiones psicológicas, las cuales marcaron el principio de un proceso de radicalización de su trabajo que continuó con la instalación fundamental Aggregation: One Thousand Boats Show (Conglomerado: Espectáculo de mil botes, 1963), en la que en una sala construida ex profeso se exhibió un bote de remo con incrustaciones fálicas, rodeado de 999 imágenes fotográficas idénticas y estampadas en serigrafía en papel tapiz; y con Infinity Mirror Room – Phalli’s Field (Sala de espejos del infinito – Campo de falos, 1965), el primero de una serie de ambientes inmersivos en los que la participación del espectador activa y completa el significado de la obra. La radicalización y la desmaterialización progresivas del

 

 

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trabajo de Kusama —lo que ella denominó “autoborramiento”— continuaron en performances en vivo, happenings, acciones e intervenciones que se convirtieron en elemento básico de la subcultura del downtown neoyorquino y le ganaron a la artista la atención y notoriedad del gran público. Una presentación enfocada en materiales de archivo da vida a sus múltiples actividades como artista, diseñadora de modas, empresaria y emprendedora. Kusama’s Self-Obliteration (1967), un filme formalmente experimental que funciona como una especie de cine ampliado, documenta las inspiradas actividades participativas de la artista (Kusama estaba intuitivamente en sincronía con el antinómico Zeitgeist que prevalecía en Estados Unidos a finales de la década de 1960) y presenta un resumen de su arte hasta ese momento. En 1973 Kusama regresó a Japón y desde 1977 vive por voluntad propia en una institución psiquiátrica. El marcado carácter psicológico de su obra siempre ha tenido como contrapeso toda una gama de innovación y reinvención formal que le permite compartir su singular visión con un público amplio a través de un espacio reflejado hasta el infinito y los lunares obsesivamente repetidos que la volvieron famosa. En la selección de obra reciente presentada en Brasil —entre ellas, treinta y seis pinturas nuevas y una de sus más grandes salas de espejos hasta la fecha, Infinity Mirrored Room – Filled with the Brilliance of Life (Sala de espejos del infinito – Plena del brillo de la vida, 2011), la artista ha renovado el contacto con sus instintos más radicales en instalaciones inmersivas y obras en colaboración que la han convertido, con toda razón, en la artista más viva.

 

 

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Yayoi Kusama. Obsesión infinitaLas enfermedades mentales tienen un misteriosa relación con el desarrollo artístico, no es casualidad que grandes artistas hayan padecido algún tipo de trastorno, por ejemplo tenemos a Vincent Van Gogh que se cree padecía un trastorno bipolar. Todos alguna vez hemos tenido algún pensamiento recurrente sin embargo, cuando esta obsesión se vuelve intensa puede tratarse de una enfermedad mental, en el caso Yayoi Kusama dio como resultado una serie de magnificas obras.

Yayoi Kusama nació en Matsumot, Japón en 1929, en una época difícil para su país debido a la Segunda Guerra Mundial esto tuvo gran repercusión en la vida y obra de Yayoi. Es considerada una de las artistas más importantes del arte post-guerra sin embargo, en ese tiempo la sociedad japonesa era muy conservadora para la obra vanguardista de Yayoi por lo que ella decidió trasladarse a Nueva York para desarrollar su obra en un ambiente

 

 

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más abierto.

Durante su estancia en America conoció personalidades como Donald Judd, Andy Warhol y Josph Cornell. Kusama no solamente plasmo su mundo en obras pictóricas también lo hizo mediante esculturas, inclusive realizo una película experimental. En 1973 Kusama decidió volver a Japón para internase en una clínica psiquiátrica por voluntad propia en 1977 en la cual reside actualmente.

El Museo Tamayo presenta por primera vez en México más de 100 obras de Kusama en la exposición “Yayoi Kusama. Obsesión Infinita” que van desde sus inicios como artistas hasta obras más recientes del 2013. El recorrido se conforma por obras pictórica, esculturas, la muestra de su película y los maravillosos cuartos de los espejos que te trasladan directamente al mundo de Kusama. La exposición abrirá sus puertas al público el 26 de septiembre, sin duda es una oportunidad que no pueden dejar pasar, como adelante les tenemos una serie de fotografías para animarlos a conocer la obra de Yayoi.

 

 

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Antoni Muntadas

Antoni Muntadas, Barcelona, 1942 Artista experimental. Estudia Ingeniería Industrial en Barcelona. En 1964 participa en la fundación del grupo Machines. Aunque sus comienzos se vinculan a la pintura, desde 1971 se dedica a los nuevos soportes multimedia y audiovisuales. Establece su residencia en Nueva York en 1974 y centra su trabajo en las relaciones entre el arte y la vida y utiliza fundamentalmente la televisión como soporte. En sus instalaciones suele yuxtaponer fragmentos de telediarios o de símbolos, o proyecta diapositivas de anuncios publicitarios sobre una televisión apagada (Televisión, 1980). En 1997 completa su formación en el Center for Advanced Visual Studies del Massachusetts Institute of Technology donde, más tarde, impartirá una serie de cursos, además de en otros centros y universidades americanas y europeas. Ha dado clases en la Universidad de California en San Diego, Escuela de Bellas Artes de Burdeos, CAVS del M.I.T., Escuela Nacional de Bellas Artes de París, Universidad de Sao Paulo, entre otras. Ha recibido premios y becas de las fundaciones Rockefeller y Guggenheim, delNational Endowment for the Arts en EE.UU., Centre National d´Arts Plastiques en Francia. Ha sido artista residente en Rochester (EE.UU.), Banff (Canadá) y Sidney (Australia). Sus obras han sido expuestas en las bienales de París, Venecia, Sao Paulo, Lyon, Documenta de Kassel, MOMA, Whitney y Guggenheim de Nueva York, Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París, Palacio de Bellas Artes de

 

 

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Bruselas,MNCARS de Madrid, IVAM de Valencia, etc. También se ha visto su obra en Kent Gallery y Store Front for Art and Architectureen Nueva York, septiembre de 1995 y en List Gallery de M.I.T. Cambridge, Mass. El título "On translation" ha sido recurrente en el trabajo de Muntadas desde 1995, cuando inicia una serie de 35 proyectos en los que investiga asuntos relativos a la interpretación y la metamorfosis que han vivido diversos procesos de la historia reciente, dentro de los que se cuentan asuntos desde el orden económico hasta el lingüstico. Fue elegido para representar a España en la 51º edición de la Bienal de Venecia (1995) interviniendo en el espacio con el proyecto On traslation: I Giardini. El artista, a través de una reflexión que cuestiona el concepto de producción cultural y sus implicaciones en cuanto a las formas de representación nacional, toma precisamente a la propia Bienal como objeto de crítica. La Bienal para Muntadas es un acontecimiento carente hoy de vigencia, porque posee una mirada estanca en torno a las maneras de concebir las clasificaciones en el arte.

 

 

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Muntadas. Híbridos 11 febrero - 27 marzo, 1988/ Edificio Sabatini, Planta 1 Antoni Muntadas. Monumento genérico, 1987 - 1988. Instalación. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid Una de las características más destacadas del trabajo de Antoni Muntadas (Barcelona, 1942) es la utilización artística de contenidos de los medios de comunicación de masas. La amplitud de visión de su trabajo, así como la diversidad de intereses y medios presentes, se recoge en esta exposición que le dedica el Centro de Arte Reina Sofía. En sus salas se reconstruyen cuatro obras de 1978 a 1987 y se presentan cinco vídeos, además de dos obras creadas específicamente para el contexto de la exposición: la instalación Situación y la pieza de catálogo Híbridos. Muntadas desarrolla la mayor parte de su actividad fuera de España, por lo que a pesar de ser conocido como artista en el país, su obra no se muestra mucho hasta la fecha. Sin ánimo de constituir una exposición retrospectiva, Híbridosrecupera obras pasadas, expuestas junto a algunos de sus últimos trabajos, que giran en torno a la recepción de diferentes mensajes emitidos por los medios de comunicación y las relaciones de poder que los rodean.

Los trabajos de Antoni Muntadas son difíciles de clasificar dentro de una sola disciplina, como sucede con On Subjectivity (About TV) de 1978, compuesta por un libro y una cinta de vídeo. En el primero, se reproducen fotografías de The Best of Life Magazine junto con las interpretaciones de una audiencia

 

 

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de procedencia diversa a la que el artista envía una imagen sin título. En el vídeo, la subjetividad especulativa de los participantes se pone en relación con la propia subjetividad del artista.

La publicidad aporta a Muntadas material ilimitado para sus creaciones. Ejemplo de ello son las obras Media Ecology Ads (1982) y This is not an Advertisement (1985), proyectado en Times Square de Nueva York. Muntadas crea anti-anuncios mediante los mecanismos de reclamo habituales, para contradecir el estatus de anuncio de las propias obras. En esta línea de reflexión se sitúa Slogans (1986), que aísla frases clave de anuncios para reparar en la intención última del mensaje publicitario. Frases como “Triunfe marcando Goles”, “Hoy nace la moda en ti” o “Suba como la espuma” se diseccionan a nivel semántico y se descomponen digitalmente, solo permanece su patrón geométrico y su cromatismo.

Como muestra de la reapropiación y creación de nuevas poéticas figura Credits (1984), donde el material final de diversos programas de televisión es montado en una sola cinta y resignificado. En La televisión (1981), Muntadas sitúa el receptor apagado sobre una repisa en la esquina de la sala. Su poder como centro de la acción es superado por la proyección de imágenes de prensa ampliadas, que el aparato absorbe y recicla con su presencia.

Este mismo interés por el diálogo entre prensa escrita y televisión se observa en Watching the Press/Reading TV(1981), donde el artista invita al espectador a mirar la prensa y leer la televisión de manera que, al intercambiar los modos de acceso a cada medio, se pone a prueba el modo de consumir mensajes.

Por último, Muntadas confronta en Situación, una instalación site-specific para el Centro de Arte Reina Sofía, el espacio interior y exterior del edificio, al tiempo que recupera el contexto cultural y arquitectónico del espacio como Hospital Provincial, a través del vacío de las salas y las luces y los sonidos de la Plaza de Atocha (Glorieta de Carlos V) que penetran a través de ocho ventanas abiertas al exterior. Antoni Monumento genérico, 1987 - 1988. Instalación. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

 

 

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Bibliografía http://www.decollagedesign.com/yayoi-kusama-abcdesign/ https://es.wikipedia.org/wiki/Yayoi_Kusama http://museotamayo.org/exposiciones/ver/obsesion-infinita http://www.cem.itesm.mx/signo/index.php/secciones/expresiones/931-yayoi-kusama-obsesion-infinita http://www.educathyssen.org/antoni_muntadas http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/muntadas-hibridos

 

 

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Lucio Fontana

Lucio Fontana es un pintor y escultor Argentino. Nació el 19 de febrero de 1899 en Rosario, aunque desde muy temprana edad vivió en Milán donde se formó en la academia de Brera. En 1917 se alistó en el ejército italiano y combatió en la Primera Guerra Mundial. En 1921 regresó a Argentina, donde estuvo siete años y trabajó como escultor junto a su padre, hasta que en 1924 abrió su propio estudio. Al regresar a Italia en 1928 volvió a ingresar en la academia Breba y acabó siendo uno de los cofundadores del grupo de abstractos italianos e influenciado por los futuristas. Entre 1934 y 1939 vivió en París, donde conoció a Miró, Brancusi y se vinculó al grupo Abstraction-Creation. En el año 1940 vuelve a Argentina y abandonó la abstracción para meterse en la escultura figurativa de tendencia expresionista y lanzo una “protesta artística” contra la guerra. En el año 1947 regresó a Milán, donde fundó el movimiento espacialista. Y a partir de los años 60 vuelve a las formas sencillas. Por último, Fallece el 7 de septiembre de 1968 en Verase, Italia.

 

 

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“Luz espacial” Estructura de neon para la novena trienal de Milán de 1951. Esta escultura aérea fue suspendida desde el techo de la escalera central del palacio del arte de Milán y lanzo un leguaje visual que más adelante se convirtió en una parte fundamental del arte contemporáneo. Está formada por un tubo de neon de 100 metros de largo extendido a lo largo del techo que forma curvas de luz. La pieza era una representación clásica de lo que Fontana llama un "ambiente espacial" y "concepto espacial", lo que vio como la superación de las divisiones en la arquitectura, pintura y escultura para llegar a una síntesis en la que convergieron color, movimiento y espacio. La escultura permanece al movimiento artístico espacial y el propio autor decía: “El artista espacial ya no impone un tema figurativo en el espectador, pero lo pone en la posición de crear en sí mismo, a través de su propia imaginación y las imágenes que recibe” Varios críticos de la época describen la obra como un lazo o un pedazo de espagueti, pero a Fontana no le gustaba esta interpretación simplista. La obra fue destruida pero en 1972, cuatro años después de la muerte de Fontana se realizó una copia. Fue dada en préstamo permanente a la colección de arte cívica de Milán y en septiembre de 2008 se reinstaló en el edificio del trienal.

 

 

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Monica Bonvicini

Monica Bonvicini es una artista, escultora y fotógrafa italiana. Nació el 3 de febrero de 1965 en Venecia, Italia. Sus estudios los realizó en la academia hochschule der künste de Berlín y en la universidad de las artes de Valencia, California. Su trabajo ha sido presentado en la Bienal de Berlín en 1998 y 2003, la Bienal de Estambul en 2003 y la Bienal de Venecia en 2001, 2005, 2011 y 2015. Ha sido galardonada con varios premios. El León de oro en la Bienal de Venecia en 1999, el Premio Nacional de la galería de arte joven en Berlín en 2005 y el Rolandpreis für Kunst en Bremen en 2013. Desde el año 2003 Monica Bonvicini ha sido profesora de escultura y Performance en la Akademie der Bildenden Künste en Viena Actualmente reside en Estados Unidos

 

 

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“Not for you” Esta instalación fue realizada en el año 2006 y está formada por letras de acero galvanizado de gran tamaño con bombillas de 40W. Las dimensiones exactas son:  99 x 400 x 14 cm. Esta obra es una confrontación y una paradoja: yo veo algo que en un principio me informa de que no se refiere a mi, pero en realidad si, lo está hacienda de la manera más directa posible, poniendo el mensaje directamente en mi cara y en un espacio público, más directo que cualquier anuncio podría hacerlo Not for you se refiere a situaciones de exclusión y separación, así como a las estructuras lingüísticas de la energía, control de acceso territorial, derechos de residencia, circulación y libertad personal, esta escultura desarrolla su potencial de confrontación precisamente en los lugares que buscan apropiárselo. Es una mezcla de belleza, el deseo y la intimidad, por un lado, poder, violencia y manipulación, por el contrario.

 

 

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Bibliografía. http://www.artexpertswebsite.com/es/artistas/fontana.php http://www.biografiasyvidas.com/biografia/f/fontana_lucio.htm http://www.tate.org.uk/context-comment/articles/it-not-lasso-arabesque-nor-piece-spaghetti http://es.phaidon.com/agenda/art/articles/2014/june/04/monica-bonvicini-shows-some-love-in-zurich/ http://www.tba21.org/augarten_activities/1/artworks/41

 

 

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Bruce Nauman  

  Es un artista nacido el 6 de diciembre de 1941, en Fort Wayne, Indiana, EE. UU. Su obra abarca una gran variedad de medios, como la escultura, fotografía, neón, video, dibujo y performance. Nauman estudió matemáticas y física en la Universidad de Wisconsin-Madison y arte en la Universidad de California, Davis. En 1990 recibió el Premio Max Beckmann. En 2002 participó en la exposición Sunday Afternoon para la galería 303 en Nueva York, EUA comisariada por Patricia Martín, fue una selección de obras para destacar cómo la minimización de los medios y los gestos a través de la repetición puede producir obras de extrema densidad visual, física y conceptual. En 2004 expuso su obra Raw Materials en Tate Modern, Londres.

 

 

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Título: Malice Autor: Bruce Nauman Cronología: 1980 Estilo: arte contemporáneo Bruce Nauman está considerado en el top five de los artistas vivos más cotizados en la actualidad. En 1996 introdujo un elemento clave en sus obras de arte: el neón. Un medio que le sirvió para introducir en sus piezas, inteligentes guiños lingüísticos. También hace una crítica social y política a su época con mensajes simples, irónicos o ambiguos. Es a mediados de los 80 cuando utiliza la luz para poner de manifiesto las contradicciones propias de la condición humana y del mundo que hemos construido en conjunto. Es el caso de Malice (1980), pieza en la que la contradicción surge entre el significado del concepto “maldad” y su seductora presentación en forma de luminoso reclamo publicitario, llamativo, evocativo e, incluso, con un toque sexual al recordar las luminarias de los centros nocturnos. Este tipo de choque emocional y conceptual es un tema constante en la obra de Nauman. Obras representativas de este segmento destacan, además de Malice, Floating room (1972), Elusive signs, Sex and Death/Double 69′ (1985), Human Nature (1983) o Carousel (1988).

 

 

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David Batchelor    

    Es un artista nacido en julio, el día 17 de 1955 en Dundee, es artista, escritor y un tutor mayor en la teoría crítica en el departamento de Curaduría de Arte Contemporáneo en el Royal College of Art de Londres. David Batchelor estudió Bellas Artes en Trent Politécnica, Nottingham (1975-8), y Teoría Cultural en el Centro de Estudios Culturales Contemporáneos de la Universidad de Birmingham (1978-1980). Ha expuesto ampliamente en el Reino Unido, Europa continental, los Estados Unidos y América Latina; escrito dos libros, Minimalismo (1997) y Chromophobia (2000), es el editor de Color (2008) y ha contribuido a varias revistas, incluyendo Artscribe, Friso (revista), y Artforum. David era un miembro del Consejo Tate Bretaña 2002-5, un órgano asesor en el desarrollo y la programación en la Tate Britain.

 

 

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Título: Magic Hour Autor: David Batchelor Cronología: 2004-05 Estilo: arte contemporáneo David Batchelor ha participado en el Light Show de 2013 (Hayward Gallery, London) aportando sus luminosas obras, entre las que destaca Magic Hour, creada por el artista a base de lámparas fluorescentes, cables, cajas y paneles de conexión. Batchelor hace instalaciones escultóricas con objetos que se encuentran en las calles de Londres, los ahueca, apila y les da una nueva vida a base de colores brillantes, composiciones de luces y sombras. Su obra posee un aire familiar al estar compuesta por los restos materiales de la vida moderna, a partir de chatarra, domésticos en desuso o rotos. Se convierten en objetos hipnóticos, representando la presencia del color en nuestro entorno cotidiano. "A menudo utilizo color para atacar forma, descomponerlo un poco o comenzar a disolverla. Pero no estoy en absoluto interesado en el color "puro" o en color como una presencia trascendente... Así que si utilizo colores para empezar a disolver las formas, también utilizo formas para evitar colores quedar totalmente separados de su existencia cotidiana”.        

 

 

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Bibliografía http://culturacolectiva.com/bruce-nauman-los-limites-de-mi-lenguaje-son-los-limites-de-mi-mundo/#sthash.n8teoI8w.dpuf http://www.davidbatchelor.co.uk/works/3d/ https://es.wikipedia.org/wiki/Bruce_Nauman https://en.wikipedia.org/wiki/David_Batchelor_(artist_and_writer) Distribución de obras para analizar Raquel García: Jenny Holzer, Jim Campbell y Leo Villareal. Nuria Roca: Cerith Win Evans, Carlos Cruz-Diez y Conrad Shawcross Talía Colodrón: Yayoi Kusama y Antoni Muntadas Lara Abariturioz: Lucio Fontana y Monica Bonvicini Elisa San Ceferino: Bruce Nauman y David Batchelor

 

 

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Valoración personal Dentro del arte tecnológico hay varias vías diferentes como el sonido, el video, la luz etc…, pero en este trabajo todas y cada una de las 12 obras que le componen tienen relación con la luz. Dentro de este campo hay mucha amplitud de artistas y temas, por lo que hay obras totalmente diferentes unas de otras. Además en este campo muchas de las obras que se consiguen son muy impactantes y llaman mucho la atención. La mayoría de nuestros artistas no tienen nada que ver unos con otros y algunos no se han especializado en luz si no que es una pequeña parte de su obra. Por otro lado estos artistas son de épocas dispares por lo que también se puede ver los cambios, unos mas sobrios y otros mas arriesgados. En el trabajo hay solo tres artistas que utilizan la palabra en su obra pero indagado sobre el arte con luz se encuentra que muchos artistas recurren a esta herramienta para trabajar con ella. Otra peculiaridad, es que la mayoría de estas obras son instalaciones, es decir, no son una obra fija en un lugar. Normalmente las obras que llevan luz suelen funcionar con led, por la forma que tiene y también por los colores. Las obras de arte tecnológico al verlas puede que no te digan nada pero la mayoría de ellas intentan transmitir algo o darte un mensaje. Por ultimo decir que el arte tecnológico con luz, es un mundo no tan conocido como debería y del que se pueden observar maravillas.