pilar bermejo arceDOSSIER DE PRODUCCIÓN

2005-2010

StatementPilar Bermejo Arce se sirve principalmente de los formatos de la fotografía,

el vídeo y la instalación. Del mismo modo que utiliza diferentes soportes

para transmitir una reflexión, ésta se contamina y se abre en diferentes vías

temáticas, por lo que su trabajo artístico no sigue unas pautas teóricas cerradas:

“al abordar un concepto intento consumirlo y agotarlo, y una vez cerrado, abrir

un nuevo espacio de reflexión”. De este modo, mediante una temática abierta y

versátil, encuentra como eje conceptual principal de su producción artística el

sentimiento de privación dado por la condición humana consciente de sus límites

para controlar la realidad en la que vive.

“Parto de mi propia experiencia, desde mis obsesiones e incluso desde mi ámbito

privado, investigando mediante la formulación de preguntas, sin la necesidad de

encontrar respuestas categóricas, ya que considero que el arte es un encuentro

de interrogantes que nos ayudan a reflexionar sobre nuestra ubicación, no sólo en

la sociedad, si no en nuestra vida”.

Currículo ArtísticoNombre y apellidos: Pilar Bermejo ArceDirección: Calle Isla de Oza, 59-11ºD | 28035 | Madride-mail: pilar.bermejo@gmail.comweb: http://www.pilarbermejoarce.com

Formación Académica:• Doctorado en Prácticas Artísticas y Teoría del Arte en la Contemporaneidad (en curso/Universidad

Europea de Madrid).

• Máster Universitario de Arte Contemporáneo (07/08-UEM).

• Licenciada en Bellas Artes (00/04-UEM).

• Formación complementaria:

* Talleres: Selección para un taller de creación con Guy Ben-Ner: “Doblar a lo largo de la línea”, (10/

Centro de Arte Dos de Mayo, CA2M, Madrid). Daniel Canogar, Jota Castro, Daniel Gª Andujar,

Cabello/Carceller, Javier Chavarría, y Javier Codesal (07/08-UEM). Alicia Framis, Joanna

Vasconcellos, Mateo Maté, Pedro Galván, Carles Guerra y Rogelio López Cuenca (03/04-UEM).

* Seminarios: Seminario Mirar la guerra dirigido por Miguel Salvatierra, asistencia y presentación

de obra en mesa redonda Las imágenes toman posición (09/ Centro de Arte Dos de Mayo, CA2M,

Madrid). Máquinas de afectos, Eulalia Valldosera (09/MNCARS), Mirar la Guerra, Miguel

Salvatierra y Yayo Aznar, (09/CA2M), I Congreso Internacional de estudios Visuales organizado

por la Asociación Amigos de ARCO y dirigido por José Luis Brea (ARCO/04, Madrid), y seminario de

Lecturas de Arte Contemporáneo: “La metrópolis contemporánea. Un espacio mestizo”, con un ciclo

de conferencias impartidas por: Esther Pizarro, Javier Mederuelo, Santiago Cirugeda, Angelique

Trachana, y Félix Duque, (Círculo de Bellas Artes/03).

Exposiciones colectivas:• (Próximamente, octubre) Download Us, en el espacio Utopic Us (Madrid).

• (Proximamente, febrero) VIDEOART Festival 100 Kubik, en el Instituto Cervantes de Hamburgo y de

Berlín, (Alemania).

• Videoart Festival 100 Kubik, galería 100Kubik (10/Colonia, Alemania).

• C.Viennale, A.VV. La Fraternidad de los Cármenes (09/Laguna, Madrid).

• MicroRelatos, Offlimits (08/Madrid).

• Encuentro cultural Tú a Hollywood y yo a Moratilla, secolectivoforzoso (08/Moratilla de los Meleros,

Guadalajara).

• XVI Edición de Circuitos de Artes Plásticas y Fotografía, (04/05-Centro de Arte Joven de la Comunidad

de Madrid y Univ. de León).

• BLOG, espacios abiertos para interferencias (04/C.A. Joven, Madrid)

• Spanish Paradise, galería Liquidación Total (03/Madrid).

Premios y Becas:• II Convocatoria Bienal para artistas españoles, 100Kubik (09/Colonia, Alemania).

• Preseleción en el Certamen Internacional EXPLUM’09, (08/Murcia).

• Beca de Humanidades y CC. Sociales y Jurídicas de la consejería de Educación de la Comunidad

Autónoma de Madrid (04/Madrid).

• Segundo Premio del I Concurso de Artes Plásticas celebrado por la UEM (03/Madrid).

Obra en colecciones:• El vídeo Que no olvide forma parte de la videoteca del Archivo de Arte Español en Alemania (Spanisches

Kunst-Archiv in Deutschland-SKAD).

• Pintura “Vigilante”, colección privada de Arte Moderno de Sylvan International Universities (Baltimore,

Maryland, EE.UU.).

• Pintura “Miradas Inertes”, colección privada de la UEM.

Proyectos:Miembro y fundadora de sécolectivoforzoso (www.secolectivoforzoso.km6.net):

• Picnic forzoso, Centro de Arte Dos de Mayo, CA2M (10/Madrid).

• Presupuesto 6 €: Prácticas artísiticas y precariedad. Off Limits (10/Madrid).

• Convocatoria C.V. y exposición C.Viennale, A.VV. La Fraternidad de los Cármenes (09/Madrid).

• Arte emergente urgente!!!: Irrecuperables. Menosuno (09/Madrid).

• Tú a Hollywood y yo a Moratilla. Moratilla de los Meleros (08/Guadalajara).

Publicaciones:• “Una visita guiada: reflejo de impresiones”, en el catálogo Tú a Hollywood y yo a Moratilla,

sécolectivoforzoso y Ayuntamiento de Moratilla de los Meleros, 2009, pp. 44-47.

• “El peso de la realidad”, en el catálogo MicroRelatos. Offlimits y UEM, Madrid 2008, pp. 30-35.

El papel que tienen actualmente las convocatorias

artísticas es clave a la hora de reclutar artistas

“emergentes” dentro del sistema institucional.

Juegan el papel de jueces de calidad, y ser

seleccionado en algunas de ellas se convierte

algunas veces en una meta, y así, la trayectoria

profesional en una verdadera carrera de fondo, en

la que cada éxito es una línea curricular más que

te empuja a ganar otra convocatoria, con el posible

objetivo de poder vivir de una profesión que precisa

tanta dedicación, y cuyo sueldo actual, no es otro

que el de dichas convocatorias con la fecha de

caducidad de 35 años de edad.

Las esperanzas volcadas en la elaboración de

cada proyecto, de cada dossier, en cada texto o

fotografía, fichas de inscripciones, currículums, o

papeles oficiales reclamados según la convocatoria,

son inmensas; y durante el día, o los días

próximos a la publicación del fallo del jurado, el

presentimiento de si vas a ser seleccionado o no, te

impiden separarte del teléfono móvil, ese aparato

que deseas que suene y que pregunten tu nombre,

al fin y al cabo, que se produzca “La llamada”: ese

colapso de sentimientos, de nervios, de esperanzas

volcadas con tantas horas de trabajo, explotan en

The callLa llamada

Técnica: VídeoMedidas o duración: 10 seg.Año de realización: 2010

The role of the art awards is ultimate to know new

artists inside institucional art system. The awards

have the role of quality judges, and to be selected

by some of them is a goal, and so, the career

converts in distance race, in which each success is

something to add to the curriculum for getting to

win another contest, with the possible aim of making

a living from this profession whose current salary

is the prize of this contests with expiry date: 35

years old.

The hopes invested in each project, each dossier,

each texto or photography, registration forms,

Technique: VideoinstallationMeasures or duration: 05 min.Year of production: 2008

curriculums, or official documents reclaimed by the

organization, are great; and during the day or the

next days to publication of winning entries, you

can’t separate from the mobile phone because you

don’t know if you can be the selected person. You

wish the mobile phone rings and someone asks for

you, finally you hope to occurs “The call”: a group

of feelings and emotions, nervous and hopes, while

you remember a lot of hours working, run inside of

the person who receive this call, and in less of

10 seconds hears the magic words: “you have been

selected…”.

A la izquierda se pueden

ver algunos fotogramas del

vídeo subtitulado al inglés.

El vídeo muestra una acción

en la que un número oculto

llama a alguien (la artista)

para decirle que ese mismo

vídeo es seleccionado en

una convocatoria.

///On the left, some

frames of the english

subtitled video. It

shows an action in

which a hidden phone

number calls to

someone (the artist)

for saying this same

video is selected in a

contest.

el interior de a quien le suene el teléfono, y con un

vuelco al corazón, en menos de 10 segundos, le digan

las palabras mágicas: “Has sido seleccionado en…”.

Durante 4 segundos se muestra la pantalla del

interfaz de un gestor de correo electrónico, en el

que el cursor se desplaza ligeramente al botón

de “actualizar” o “enviar y recibir” mensajes

pendientes/nuevos... El gestor se actualiza. No se

recibe ningún mensaje.

El vídeo comienza de nuevo. Durante 4 segundos

se muestra la pantalla del interfaz de un gestor

de correo electrónico...

«Loop» es un vídeo que representa una acción

propia de las actitudes sociales contemporáneas

en la era de las telecomunicaciones, en la que la

inmediatez de la comunicación de los hechos se

ha convertido no sólo en una característica de la

época dada por el avance tecnológico, sino en una

necesidad, e incluso exigencia. Es obvio que el

concepto del tiempo ha cambiado en los últimos

diez años, en la actualidad es absurdo “perder el

tiempo”, es inaceptable la espera. El vídeo dura

los 4 segundos que tarda en actualizarse el gestor

de correo electrónico sin éxito, sin recibir ningún

mensaje nuevo; un gesto que al reproducirlo

en bucle, reinterpreta la acción automática y

casi neurótica-obsesiva de actualizar el correo

electrónico con la frustración de no obtener

ningún mensaje nuevo reiteradamente.

De este modo, «Loop» reflexiona acerca

de la dependencia a la tecnología de las

telecomunicaciones, Internet fundamentalmente,

junto a la necesidad de estar continuamente

informados a tiempo real, lo cual más que

una posibilidad, se concibe como un derecho

(tal y como se pronuncia el slogan de la

campaña publicitaria de la compañía de

telecomunicaciones Orange: “Tienes derecho a

Internet”).

Arriba tres fotogramas del vídeo, que resumen gráficamen-

te la acción cotidiana reiteradamente repetida casi de forma

inconsciente, de actualizar el «e-mail».///

BucleLoop

Técnica: VídeoMedidas o duración: 4 seg.Año de realización: 2010

For 4 seconds the screen shows an interface of an

email software, in which the cursor clicks on the

button “update” or “send and receive” messages

pending or new… The software is updated. No messages

received.The video starts again. For 4 seconds the

screen shows an interface of an email software…

For playing, the video Loop has been repeated for a

minute to create the loop effect.

Loop is a video which shows a typical action

of the social contemporary attitudes in the

telecommunication age, in which the immediacy

of communication is not just a characteristic of

technological evolution, but a necessity and even

a requirement. It is obvious the concept of time

has changed for last ten years, as currently it is

absurd “to waste time” and to wait. The video lasts

four seconds, time that the email software have been

updated without success and without receiving new

messages. This gesture, when plays in loop, reflects

about the automatic and almost neurotic-obsessive

action of updating the email software with the

frustration of not receive any new message.

So, Loop reflects about our dependence on the

telecommunication tecnology, mainly Internet, and

the necessity of being always reported in real-time,

something that is conceived more as a law than a

possibility (like the advertising campaign slogan of

the telecommunication company Orange: “You have law

to Internet”).

Technique: VideoMeasures or duration: 04 seg.Year of production: 2010

///Above, three frames of the video, which

explain graphicly the repeated everyday action

of updating the e-mail, once and anothee once,

almost unconsciously.

Para el diseño y la petición de datos del aviso se tomó como ejemplo un modelo de pegatinas oficiales que la

policía local procede a adhesivar en el parabrisas de ciertos vehículos para anunciar a los respectivos dueños

que se va a proceder a su retirada por considerar que se encuentran abandonados. De este modo, en el texto

solo se cambia la palabra vehículo por obra de arte.

Arriba, la imagen de la obra escalada redactada en castellano.

NoticeAviso

Técnica: Impresión láser sobre papel adhesivo amarilloMedidas o duración: Din-A5Año de realización: 2009

Seguridad ExpositivaOBRA DE ARTE EN TRÁMITE DE RETIRADA POR

ABANDONO

FECHA:___________________________TÍTULO:__________________________

AUTOR:__________________TÉCNICA:_____________TAMAÑO:____________

ESTA OBRA DE ARTE HA SIDO CALIFICADA POR SUS SIGNOS EXTERNOS, COMO OBRA DE ARTE EN ESTADO DE ABANDONO, POR ESTE MOTIVO CON LA FECHA ARRIBA INDICADA SE HA INICIADO EXPEDIENTE ADMINISTRATIVO PARA LLEVAR A CABO SU RETIRADA DE EXPOSICIÓN PÚBLICA Y TRATADA COMO RESIDUOS SÓLIDOS URBANOS (R.S.U.) SEGÚN LA LEY EXPOSICIONES/2009.

SI DESEA ACLARAR ALGUNA DUDA SOBRE LA SITUACIÓN DE ESTA OBRA DE ARTE PUEDE PERSONARSE EN LAS DEPENDENCIAS DE SEGURIDAD EXPOSITIVA O ESCRIBIR UN E-MAIL A ARTEABANDONADO@GMAIL.COM.

SEGURIDADEXPOSITIVA

A la derecha, una imagen de las pegatinas oficiales usa-

das por la policia en las que se ha basado la pieza «Aviso».

/// On the right, a image of the official

stickers used by the police, about

themselves is based the work «Notice».

The origin of this work is the model of official

stickers are pasted by local police on windscreens

of some cars to advertise to the owners that the

vehicles are going to be removed because they seem

abandoned. So, in the text the only word that is

changed is “artwork” instead of “vehicle”.

The text fields that say which is the artwork the

notice refers to (date, title, author, technique,

size…), appears in white, so the spectator has total

Technique: InstalationMeasures or duration: Din-A5Year of production: 2009

EXPOSITIONAL SECURITYTHIS ARTWORK IS IN PROCESS OF WITHDRAWAL BY

ABANDONED

DATE:___________________________TITLE:______________________________

AUTHOR:__________________ TECHNIQUE:_____________SIZE:_____________

THIS ARTWORK HAS BEEN DESCRIBED BY ITS OUTWARD SIGNS, AS A WORK OF ART IN A STATE OF NEGLECT. FOR THIS REASON IN THE DATE ABOVE HAS STARTED ADMINISTRATIVE PROCEEDINGS TO CARRY OUT ITS WITHDRAWAL FROM PUBLIC EXPOSURE AND TREATED AS SOLID WASTE (MSW) UNDER THE LAW EXHIBITIONS / 2009.

TO CLARIFY ANY DOUBT ABOUT THE STATUS OF THIS ARTWORK MAY APPEAR IN PERSON AT THE EXPOSITIONAL SECURITY UNIT OR SEND AN EMAIL TO ARTEABANDONADO@GMAIL.COM

EXPOSITIONALSECURITY

freedom to imagine the words that should be there.

Notice tries to make us think about the current

situation of art: private property, as object, its

market, if it has expiry date and who stimates it,

the spectator, the owner, the artist, the society…

if the fashion exists inside of art, if the art

is always linked with an age, if the artworks are

abandoned by us or by themselves…

///Above, the image of the scaled work translated to english.

Los campos que indican a qué obra de arte se está haciendo referencia (fecha, título, autor, técnica, tamaño...),

aparecen en blanco, el espectador tiene total libertad para imaginar las palabras que deberían cubrir dicho

campo.

Aviso pretende incentivar una reflexión acerca del estado del arte: como propiedad privada, como mercancía,

si tiene fecha de caducidad y si es así, quien la estima, el espectador, el propietario, el artista... si existe la moda

dentro del arte, si el arte está ligado siempre a una época, si las piezas se abandonan o se dejan abandonar...

Multitud de máscaras nos rodean, las vemos en los

demás y muchas veces las sentimos sobre nuestro

propio rostro, otras veces estamos tan acostumbrados

a llevarlas que dejamos de apreciar su peso formando

parte de nosotros. Somos una construcción realizada

a base de superposiciones de máscaras. Algunas son

pesadas y aunque dibujadas tan bien como otras,

cargamos con ellas a pesar de que no funcionen,

porque las necesitamos para algo tan sencillo

como seguir con nuestra rutina diaria. A veces las

borramos cuando pasa la tormenta, otras durante

ésta porque no soportamos más su carga, otras

simplemente las hacemos nuestras y permanecen.

El proyecto «(Don´t) let me be sad», que actualmente

sigue completándose, parte de dos acciones: la construcción, el enmascaramiento, la ocultación, la ficción…

y la deconstrucción, el desenmascaramiento, el descubrimiento, la realidad. Muestra el proceso meticuloso

y doméstico de ponerse una máscara, y el doloroso y salvaje de limpiarla. Reflexiona sobre las máscaras que

utilizamos diariamente y sin embargo, son imperceptibles en la cotidianidad, aquellas que ocultan estados

de ánimo, miedos, sentimientos, aquellas que finalmente, ocultan y describen a un mismo tiempo, quiénes

somos.

De este modo, la artista realiza una acción de carácter privado en la que en primer lugar maquilla su rostro

con la máscara de clown, personaje dramático conocido por sus connotaciones de lo absurdo y cómico, y cuya

función es entretener y hacer reír a los demás, bien con sus risas, bien con sus desgracias. En segundo lugar,

una vez maquillado el rostro, la artista pasa a limpiarlo y desvanecerlo, siempre manteniéndose en un gesto

hierático, obteniendo la imagen final del proceso (arriba a la derecha), donde se encuentra la desafiante

afirmación que da título a la obra.

El proceso culmina con una imagen de un rostro de gesto

hierático y limpio de máscaras visibles, mirando a cámara

de forma desafiante. Un autorretrato que firmemente recla-

ma su libertad de decisión, su identidad.

/// The process finishes with an image of a face

with hieratic gesture and clean of visible

masks, a face is looking to camera defiantly.

A selfportrait reclaiming its freedom for

deciding, its identity.

Permíteme, o no, estar triste(Don’t) let me be sad

Técnica: Fotografía digitalMedidas o duración: 100x150 cm.Año de realización: 2008

A lot of masks are around of us, we can see them

on the other and, we feel them on our face often,

other times we are so used to carry them than we

help feeling their weight above us. Some of them are

heavy and properly drawn, we carry them despite they

aren’t useful, because we need them for something so

simple like to continue with our routine. Sometimes

we clean them when the storm finishes, other times,

while the storm happens, because we can’t stand more

their weight, and other times the masks stay with us

forever.

The project «(Don´t) let me be sad» continues

completing to itself and its origin are two actions:

the construction, masking, concealment, and fiction…

and the deconstruction, exposure, discovery,

reality. Both of them reveal the painstaking and

Technique: Digital photografyMeasures or duration: 100x150 cm.Year of production: 2009

domestic process of putting on a mask, and the wild

and painful process of cleaning it. The project

reflects about the masks we use everyday and however,

we cannot see them, they are masks that hide moods

which finally say how we are.

So, the artist makes a private action in which,

firstly she makes up her face with the clown mask, a

dramatic character known for making people laugh with

his jokes and misfortunes. Secondly, when the face

is made up completly, the artist cleans it, always

she keeps a hieratic gesture, and so, we get the

final image of all process (above on the right, in the

previous page), where we find the defiant assertion

that gives title to the work.

A la izquierda, podemos ver

una selección de imágenes

que documentan el carácter

procesual del proyecto.

/// On the left,

different photographs

documenting the

process to reach the

final image.

“Queda algo por contar de nosotros que todos estamos

esperando que se cuente (…) sabemos que somos explicables

y que aún no nos han explicado. Ya se han dicho muchas de

las cosas menores que nos atañen, pero las grandes siguen sin

haber sido dichas; y no hay nada que pueda ocupar su lugar.

(…) Hasta que se cuente la historia que falta sobre nosotros,

ninguna otra cosa que se cuente nos puede bastar: nuestra

ansiedad persistirá en silencio”. *Laura Riding Yackson.

Las sensaciones, los sentimientos, los pensamientos,

construyen nuestra identidad. Somos lo que son. No hay nada

más definitorio de nosotros mismos. El medio que utilizamos

para darles forma en nuestra cotidianidad es el lenguaje,

nuestra capacidad de comunicar mediante palabras lo que

pensamos y sentimos, en definitiva, transmitir con ellas lo

que somos. Cada palabra que empleamos, pronunciándola,

escribiéndola, nos define, nos dibuja en un papel, en definitiva,

nos construye como personas.

Necesitamos transmitir lo que sentimos, pero en ocasiones

esta necesidad no la satisfacemos porque no todo lo que

somos lo decimos, no todo lo que pensamos o sentimos lo

comunicamos. De este modo, esos recuerdos borrosos al no

ser dichos, saboreados, quedan grabados como marcas que

nos definen, heridas cicatrizadas, palabras que nunca se

dijeron, monólogos sin voz ni receptor.

Las cosas que nunca dije es una instalación compuesta por

una máquina de escribir tradicional y un pliego fotográfico

brillo de 21x207’9 cm, en el que se revelan autorretratos

de fracciones del cuerpo desnudo de la artista, y sobre el

que se ha escrito, con la misma máquina de escribir que lo

sostiene y sin tinta, sólo con los golpes secos de las manillas

unidas a las teclas, escritos personales de la artista dirigidos

a diferentes personas que nunca fueron mandados ni

entregados, finalmente nunca leídos por aquellos para quien

se escribieron, de esta forma quedan grabados como huellas

casi invisibles en la textura de la fotografía, sobre la piel que

ésta revela.

Words never saidLas cosas que nunca dije

Técnica: InstalaciónMedidas o duración: 200x30x35 cm.Año de realización: 2009

“There is something left to be told about us that

all of us are waiting for (…). We know we are

explainable but anybody has explained us yet. Many

minor things that concern us have already been

said, but great things keep on waiting for; and

there is nothing that can replace them. Until the

missing story about us will be told, nothing will

be enough: our anxiety will persist in silent”.

*Laura Riding Yackson (own translation).

Our feelings, emotions, thoughts… build our

identity. We are what they are. There is nothing

more characteristic of us. We use the language for

communicating them to people in our daily life,

because we can say our emotions with the words, and

so, transmit with them what we are really. Each

word we say, write… defines to us, draws to us on a

paper, finally, each word builds us like people.

Technique: InstallationMeasures or duration: 200x30x35 cm.Year of production: 2008

We need report what we feel, but sometimes we can’t

do it because we don’t say all we are, nor what we

think, nor what we feel. So, those fuzzy memories

keep themselves engraved like scarred wounds which

define us, because those words were never said,

monologues without voice nor receiver.

Words never said is an installation which has got

a traditional typewriter and a glossy photograph of

21×207’9 cm with de image of some selfportraits of

the naked artist’s body which has been written with

the same typewriter without ink, and so, engraved on

the surface of gelatin of the photo by the different

keys, personal letters which were never sent nor

delivered to their addressees. In the end, never

read by those whom they were written, so these words

are engraved like almost invisible traces on the

photograph texture, on the skin developed by it.

A la izquierda dos imágenes

de detalles de la obra, donde

se puede apreciar la sutile-

za de la huella del texto gra-

bado sobre la gelatina del

papel fotográfico que sirve

de soporte a la imagen.

/// On the left

two images of

details of the

artwork, where we

can appreciate the

subtlety of the

trace of the text

engraved on gelatin

of the photo paper

which developes the

image.

¿Qué es la vida?, ¿es una cadena

de tiempo que suma años uno

detrás de otro?, ¿es que nuestro

corazón lata, que nuestros

pulmones respiren?, ¿es un cuerpo

en funcionamiento?, ¿es nuestro

cuerpo?, ¿nos pertenece?

Sólo somos personas, y como

personas, como seres culturales,

rechazamos nuestra fragilidad

fisiológica, nos enfrentamos a la

enfermedad. Sin embargo el dolor es el sentimiento vinculado a nuestro cuerpo

que más huella deja en nosotros.

Un año sin sonreír es una breve historia que nace de la intimidad de la artista

desde la realidad más directa. Relata, en un silencio de respiraciones, un

recorrido realizado varias veces al día. El espectador, un voyeur que se introduce

poco a poco en una triste soledad dolorosamente serena.

Algunos fotogramas del ví-

deo muestran el recorrido

que se realiza desde una

máquina que fabrica oxíge-

no, siguiendo el cable que lo

suministra, y alcanzando a

la persona que lo necesita.

/// Some frames of

the video show the

travel from a machine

that produces oxygen,

following through the

cable which supplies

it, arriving to the

person who needs it.

One year without smilingUn año sin sonreír

Técnica: VídeoMedidas o duración: 1’59’’Año de realización: 2008

What is life?, is it a chain of time which sum

years, one after another?, is it that our heart

beats, our lungs breathe?, is it a body operating?,

is it our body?, is it ours?

We only are people, and as people, as cultural

beings, we reject our physiological frailty, we face

on illness. However,the pain is the feeling linked

our body which more trademark ourselves.

A year without smiling is a brief story that comes

from the intimacy of the artist and from the direct

reality. The work tells, in a silence of breaths,

the rut of a walk made several times a day at home.

The spectator becomes a voyeur who is gradually

introduced in a sad and painfully serene solitude.

Technique: VideoMeasures or duration: 1'59''Year of production: 2008

Enfrentemos en el espacio la causa y el efecto. El tormento del simulacro de la realidad producido por la

tecnología de las telecomunicaciones y las heridas digitales manipuladas electrónicamente. Enfrentemos

un vídeo y una imagen, y dejémoslo en el lugar donde la ley de la gravedad se hace presente. Sintamos su

peso por una vez y démonos cuenta de que lo soportamos todos lo días. Causa y efecto, realidad y dolor. Un

simulacro de la mercancía de la verdad proyectada sobre todos nosotros.

Descripción de la videoinstalación: un proyector situado en el techo, proyecta hacia abajo un video, con

multitud de imágenes de medios de comunicacion, sobre una imagen impresa en vinilo situada en el suelo,

imagen que refleja las heridas digitales invisibles en la cotidianidad.

El vídeo está editado con numerosas y parpadeantes dosis de información audiovisual de diferentes medios

de comunicación. El sonido y la imagen no se corresponden y saltan de una escena a otra cada tres segundos

de media, realizando un juego azaroso sin lógica en el que algunos casos, sonido e imagen se distorsionan

independientemente. De este modo se genera un caos informativo en el que todo lo emitido, la banalidad y la

información, se equiparan al mismo nivel.

The reality weightEl peso de la realidad

Técnica: VideoinstalaciónMedidas o duración: Medidas variables, 3 min.Año de realización: 2008

A la izquierda la imagen impresa en el vinilo adherido al suelo. Debajo, algunas fotografías de la instalación en su exposición en Off Limits (Madrid)./// On the left, the

image printed on

vynil sticked on the

floor. Below, some

photographs of the

installation in its

exhibition in Off

Limits (Madrid).

Confront the cause and the effect in the space.

The torment of reality simulacrum produced by

technology of telecommunications and digital wounds

manipulated electronically. Confront a video and a

image, and leave them in the place where the law of

gravity acts. Feel its weight for once and notice

that we endure all days.

Cause and effect, reality and pain. A simulacrum of

the merchandise of the truth upon us all.

Description of the video installation: a ceiling

projector projects down a video, with a lot of

audiovisual images of massmedia, on an image printed

on a vinyl situated on the ground, an image which

reflects the invisible digital wounds in everyday.

The video is edited with a lot of flashing doses

of found footage in different media. The sound and

Technique: VideoinstallationMeasures or duration: varia-ble measures, 03 min.Year of production: 2008

La imagen impresa en vinilo, que actúa de pantalla de proyección del vídeo,

recibe sobre sí misma el tormento del simulacro de realidad que nos facilitan

las pantallas de ficción que consumimos. Por esto, la imagen interpreta un dolor

a caballo entre lo real y lo virtual, representado por heridas digitales, heridas

manipuladas electrónicamente, marcas invisibles en nuestra cotidianidad. Éstas

se manifiestan en una multiplicidad de autorretratos que parecen impasibles al

peso que soportan proyectado sobre sí mismas.

the image don’t correspond to each other and jump

from a scene to another every three seconds on

average, without a cause and in meaningless way, so

they are distorted independently. So, it’s produced

a information chaos, in which everything that is

showed, banality and information, become in the same

level.

The image printed on vinyl, which is the projection

screen, receives on itself, the torment of reality’s

simulacrum offered by the fiction screens we consume.

For this reason, the image performs a pain between

the real and virtual, represented by digital wounds

that are electronically manipulated, invisible

traces in everyday. These wounds can be seen in a

multiplicity of selfportraits which seem impassive

to the pojected weight on themselves.

Arriba, algunos fotogramas

del vídeo muestran la diver-

sidad de temáticas comuni-

cacionales.

/// Above, some frames

show the diversity

of communicational

themes.

“El vidrio, que nos permite ver, pero no tocar, es el

perfecto símbolo de la frustración”. *Enst Dichter

El reflejo de la pantalla es una instalación que

encierra una reflexión acerca de la relación que

mantiene uno mismo con las diversas y diferentes

pantallas de ficción que saturan la vida social

actual. Una relación que no es más que un reflejo

del aislamiento que producen las historias que

consumimos, absorbiéndonos en soledad. Un reflejo

de nuestra expectación.

Jugando con los conceptos de pantalla y espejo, en

un lenguaje de actitudes sociales contemporáneas, se

recrea un pequeño salón de estar acogedor en el que se sitúan dos sillones contiguos enfrentados a dos televisiones.

Así, las pantallas de éstos, actúan de espejo reflejando en sí mismas los sillones que se sitúan en frente.

En uno de los sillones hay un cartel de “ocupado”, por consiguiente, impide ser usado, y muestra en su

correspondiente televisión a la artista en actitud expectante, sentada en ese mismo sillón, como si de

The screen reflectionEl reflejo de la pantalla

Técnica: VideoinstalaciónMedidas o duración: medidas variables, 19’ 55’’Año de realización: 2008

///In the below images

can be seen how an

spectator tries out

the installation:

above, the spectator

sight of both TVs,

below, the sight

of the opposite

chairs. The spectator

see himself in the

opposite TV, like a

mirror. In front of

his the next chair,

with the busy poster,

other TV with other

spectator, (this is a

video which has been

recorded before).

En las imágenes inferiores,

se puede ver como un es-

pectador experimenta la

instalación: arriba, la vista

de lo que ve el espectador

en ambas televisiones, aba-

jo, la vista de sus sillones

opuestos. El espectador se

ve asimismo en su televi-

sión opuesta, a modo de

espejo. En frente del sillón

contiguo con el cartel de

"ocupado", la otra televisión

con otra espectadora, (un

vídeo previamente grabado

por la artista).

Technique: VideoinstallationMeasures or duration: 05 minYear of production: 2008

“The glass, which allows us to see but not to touch,

is the perfect symbol of frustration.”. *Enst

Dichter (Own translation).

The screen reflection is a video-installation which

thinks about the relation that someone has with

oneself and with the different screens of fiction

which full the current social life. A relation which

is a reflection of the isolation produced by the

stories we consume everytime more lonely. It’s a

reflection of our expectation.

Playing with the concepts of screen and mirror, in

a contemporary language of social attitudes, the

installation takes place in a small homely living

room, in which there are two chairs faced with two

televisions. So, the screens of these televisions

become in mirrors reflecting the opposite chairs.

In one of the chairs, we can’t sit down because

there is a busy cartel, opposite itself, a

un reflejo atrapado en la pantalla se tratara, un

espejismo. En cambio, el sillón contiguo invita a

sentarse al espectador por asociación de conceptos

contrarios, y al hacerlo, se ve a tiempo real reflejado

en la pantalla del televisor que le corresponda en

actitud expectante. Es espectador de sí mismo y

de la artista, de su reflejo y un espejismo, ambos

absorbidos por el cristal de la pantalla. De este modo

el espectador puede intentar comunicarse con la

artista por medio de las pantallas, un simulacro de

comunicación.

Algunos fotogramas toma-

dos del vídeo previamente

grabado (columna izquier-

da) y de algunos espec-

tadores en su exposición

en «Tú a Hollywood y yo a

Moratilla». Un simulacro de

comunicación entre las dos

televisiones.

television shows a girl with expectantly attitude

(the artist) seated in that same chair, like she

could be a reflex or even a mirage. However, when the

espectator sits in another chair, he sees himself

in the same attitude than the other girl of the

next televisión, he sees himself in that screen

like a mirror and in real time. He is spectator

of himself and of the artist, of his reflex and the

artist’s mirage, both of them inside the screens.

So, the spectator can try to communicate with the

artist through the televisions, it’s a simulacrum of

communication.

In these images, an spectator tests the

videoinstallation: on the left, the view of the

chairs, on the right, the image of what the

spectator watches in both televisions, its opposite,

which is like his mirror, and another television

which has got opposite the empty chair.

///Some frames of

the video which was

recorded before by the

artist (column on the

left) and some frames

with spectators of the

«Tú a Hollywood y yo a

Moratilla» exhibition.

A simulacrum of

comunication between

the two televisions.

«Que no olvide» es un vídeo que enfatiza la fragilidad de la memoria

mediante uno de los sencillos mecanismos habitualmente utilizados en la

vida cotidiana para no olvidarnos de cosas cuya ejecución consideramos

imprescindible: apuntárnoslo en el dorso de la mano. Sin embargo

no son citas, ni reuniones, ni teléfonos, ni e-mails lo que se escribe,

no son esas cosas que categorizamos de importantes, son acciones

y sentimientos que normalmente se pasan por alto y son difíciles de

rememorar porque las otras cosas, las “importantes” ocupan su lugar.

Sin embargo según se escriben se borran, una y otra vez, desaparecen,

evidenciando la fragilidad de la memoria y de nuestro sistema de

valores, nuestra memoria construida se convierte en un caos borroso

de cosas pendientes, se torna en un leve olvido difícil de recordar.

Arriba, una selección de fo-

togramas del vídeo subtitu-

lado al inglés. Se puede ver

como el dorso de la mano se

transforma en una lista caó-

tica y borrosa de cosas por

recordar.

///Above, a selection

of frames of the

subtitled to english

video. We can see how

the back of the hand

becomes a caotic and

I will not forgetQue no olvide

Técnica: VídeoMedidas o duración: 9’ 47’’Año de realización: 2005

«I will not forget» is a video which emphasizes the

fragility of the memory through an action often

used to not forget essential things: to write them

on the back of the hand. However, the things are

showed in the video, aren’t dates, nor phone numbers

nor emails, these things which we think they are

important normally, the actions that appear in the

video are linked with emotions and feelings often

forgotten because the “important” things occupy

their place.

However, while these actions are written, also are

cleaned, they dissappear showing the fragility of

Technique: VideoMeasures or duration: 9’ 47’’Year of production: 2005

En el vídeo la acción de escribir para no olvidar, es reiterada constantemente

al ser inevitable que se emborrone la tinta dibujada sobre el dorso de la

mano: sonreír, soy única, tengo amigos, descansar, no estoy sola, hay

momentos felices, centrarme, escuchar música, quererme, ir al cine, lo

que pienso, abrazar, llorar y buscar consuelo, besar, escuchar, decir no...

fuzzy list things

which have to be

remembered.

the memory and so, of our value system. Our built

memory becomes in a fuzzy chaos of pending things,

it’s a oblivion difficult to remember.

In the video, the action of writing to remember, is

constantly repeated because it is inevitable that

the text disappears on the back of the hand: to

smile, I am unique, I have friends, to rest, I’m not

alone, there are happy moments, to focus on myself,

to listen to music, to love myself, to go to the

cinema, to hug, to cry and to seek solace, to kiss,

to listen, to say no…

La serie fotográfica «Fiction Victims», realizando un

juego de palabras con la expresión popular “fashion

victims”, hace referencia a una identidad construida

combinada con el sistema de

representación documental de la

fotografía..

Cada una de las tres series

recoge una escena de una

muerte, en la que el cadáver

es fotografiado tal y como

hemos grabado en nuestro

imaginario colectivo que se

haría en una investigación

policial cinematográfica,

con la particularidad de que

es la misma identidad. Así

se evidencia la existencia

del mismo cuerpo, la misma

persona, deconstruida en

diferentes identidades sin

vida en distintas imágenes.

Víctimas de la ficciónFiction Victims

Técnica: Impresión digitalMedidas o duración: 3 series de 5 fotografías, DIN-A3Año de realización: 2004

The photo series «Fiction Victims», making a pun on

the popular “fashion victims” expression, refers to

a constructed identity combined with the documentary

representation system of photography.

Technique: VideoMeasures or duration: 3 series of 5 photos, DINA3Year of production: 2004

Every serie of the

three is a scene of

a dead, in which

the dead body is

photographied as we

are used to watch

in the movies in

the cinemas, but,

there is a special

characteristic: the

body is the same in

every scene, belongs

to the same identity.

So, the same person

becomes diferent

identities without

life in several

images.

«Entonces, cuando me siento observado por el objetivo, todo cambia: me constituyo en el acto de “posar”, me

fabrico instantáneamente otro cuerpo, me transformo por adelantado en imagen. Dicha transformación es

activa: siento que la Fotografía crea mi cuerpo o lo mortifica, según su capricho».

*Roland Barthes

El vídeo reproduce la acción de ser fotografiado, la imagen

de la artista es dañada mediante el flash de la cámara, hasta

que la hace desaparecer del estudio fotográfico.

/// The video plays the action of being

photographed, the image of the artist is

damaged by the flash of the camera until it

makes she dissapears.

Lucid cameraCámara Lúcida

Técnica: VídeoMedidas o duración: 2'22''Año de realización: 2004

“Then, when I feel sight by the camera lens,

everything changes: the act of “posing” is me,

instantly I fabricate another body, I transform

myself in advance into an image. This transformation

is active: I feel that Photography creates my body,

or she mortifies it, as she pleases”.

*Roland Barthes (own translation).

Technique: VideoMeasures or duration: 2'22''Year of production: 2004

«Patient Suit» toma una perspectiva terapéutica de la

identidad enferma que nos somete a todos.

El vídeo muestra como la artista cose la costura rota de

un traje que cubre todo su cuerpo, desde los tobillos hasta

la cabeza. Cada puntada tiene un fuerte sonido, casi más

asociable al desgarro que a la unión, al atravesar la aguja

y el hilo la tela herida. La acción comienza en un tobillo,

ascendiendo por la pierna hasta la cadera, el vientre, el

pecho y la cara. El vídeo transcurre en planos muy cerrados

y temblorosos que siguen las puntadas de la aguja, para

abrirse en los últimos segundo a un plano general.

El traje del pacientePatient suit

Técnica: VídeoMedidas o duración: 11'31''Año de realización: 2004

«Patient Suit» takes a therapeutic point of view

of the identity which is treated as a illness that

everybody has got.

The video shows how the artist sews the torn seam

of a suit that covers her entire body, from ankles

to head. Each stitch has a loud sound, almost more

associable to break than to join, when the needle

with the thread passes through the cloth. The action

begins in a ankle, going up through the leg to the

hip, abdomen, chest and finally the face. The video

plays in very closed and trembling frames that

follow each stitch of the needle, to open the frame

in a long shot during the last seconds.

Technique: VideoMeasures or duration: 11'31''Year of production: 2004

Partiendo del concepto de identidad enferma de la obra «Patient Suit», se

presenta el cuadro « Mi Costura», en el que la acción de construcción ya ha

finalizado y simplemente se nos muestra la cicatriz resultante del proceso, como

huella definitoria o recuerdo de la herida.

My sewingMi costura

Técnica: Técnica pictórica oleosaMedidas o duración: 210 x 210 cm.Año de realización: 2004

Based on the identity concept of the artwork

«Patient Suit», the picture «My Sewing», treats the

action as complete construction and simply shows

us the scar resulting from the process, as defining

trace or the memory of the wound.

Technique: oil paintingMeasures or duration: 210 x 210 cm.Year of production: 2004

Un biombo que presenta un doble autorretrato de la artista, una identidad

desdoblada en la imagen, y segmentada en el espacio. Numerosas elecciones para

interactuar con la obra se abren y cierran sobre sí mismas.

En las imágenes podemos ver el biombo en diferentes

posiciones: arriba, abierto completamente, en la que

adquiere sólo dos dimensiones, a su derecha, cerrado

completamente, y a la derecha de estas líneas en una

posición intermedia. En estas dos últimas posiciones,

ya obtiene tres dimensiones.

///In the images it is possible to see the

folding screen in different positions:

above, completly opened, only with two

dimensions, on its right, completly

closed, and on the right of these words it

is closed in a middle position. In these

two last images, the work already gets

three dimensions.

Perdido en mi caminoLost in my way

Técnica: Instalación pictórica acrílica en forma de biombo.Medidas o duración: 150 x 150 cm abierto, 150 x 30 x 30 cm cerrado.Año de realización: 2004

A folding screen presents a double self-portrait of

the artist, a split identity in image, segmented

in space. Many choices to interact with the artwork

open and close on themselves.

Technique: Acrylic painting installation in the form of folding screen.Measures or duration: 50 x 150 cm opened, 150 x 30 x 30 cm closed.Year of production: 2004

A la izquierda, la artista

interactuando con el biom-

bo, ya que no es un objeto

creado sólo para su contem-

plación, si no para que el

espectador investigue y lo

posicione físicamente. Aba-

jo, un plano de la secuencia

de la acción simétrica del

biombo al plegarse sobre sí

mismo.

///On the left, the

artista interacting

with the folding

screen, as this work

hasn´t been created

for its comtemplation,

if not for the

spectator can look

into it and positioned

it phisically.

Below, a plane of

the sequence of the

symmetric action of

the screen when is

folded on itself.

El ser humano tiende a inmortalizarse en representaciones como la escultura, la

pintura o la fotografía, y de este modo superar una segunda muerte basada en el

recuerdo.

La serie fotográfica «Gum Faces» hace referencia a esta necesidad evidenciando

el carácter efímero que tiene nuestro cuerpo, y con éste nuestro rostro. Se sirve

de la representación instantánea para exteriorizar el proceso de desintegración

de a su vez una representación escultórica de chicle del rostro de la artista,

originalmente asumida como imperecedera. Amplía en escala el conflicto del ser

humano de ser efímero desechando toda representación como placebo de dicho

trance.

Caras de chicleGum Faces

Técnica: Fotografía RC FUJIMedidas o duración: 1 lienzo de 260×115 cm formado por 3 módulos, 2-85×115 cm y 1-90×115 cmAño de realización: 2008

Abajo, podemos ver tres

imágenes con más detalle

del proceso que tiene lugar

cuando la escultura del ros-

tro de la artista hecha en

chicle es sumergida en agua

caliente y se desintegra

paulatinamente. Más abajo

la composición final de la

pieza, con una selección de

45 imágenes del proceso.

Human beings tend to become immortalized in

representations such as sculpture, painting or

photography, and so, overcome a second death based

on the memory.

The photo series «Gum Faces» refers to this need,

proving the ephemeral character of our body,

and with it, our face. It uses the photographic

representation to show the process of disintegration

of a sculptural representation made of gum from the

artist face, originally assumed as everlasting. So

that, the human conflict as en ephemeral being is

increased, rejecting any representation as placebo

of this trance.

Technique: Fotografía RC FUJIMeasures or duration: A canvas of 260×115 cm made up of three modules, two of 85×115 cm and one of 90×115 cmYear of production: 2003 /// Below it is

possible to see three

images with more

detail of the process

of disintegration

produced to be

submerge in hot water

the sculpture of the

artist’s face made of

chewing gum. Below of

these three images,

another image of the

final composition of

the work, with a

selection of 45 images

of this process.

pilar bermejo arceTelf.: (+34) 665 820 366e-mail: pilar.bermejo@gmail.comweb: httc://www.pilarbermejoarce.com