APUNTES_Historia del Arte de los Países Anglosajones

Curso 2010 - 2011

Historia del

Arte de los

Países

Anglosajones Mª Jesús Suesta Estellés

Profesora: Marisa Vázquez

Historia del Arte de los Países Anglosajones - Curso 2010 – 2011

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HISTORIA DEL ARTE DE LOS PAÍSES ANGLOSAJONES

Tema 1. Introducción. El arte del periodo anglosajón.

Principales periodos y manifestaciones artísticas hasta la conquista normanda (1066) 1. Expansión geográfica 2. Cronología 3. Fuentes Primera fase: Hallstatt, Austria Segunda Fase: La Tène, Suiza 1. Arte de la cultura celta en el ámbito de los anglosajones. Su zona inicial de arranque es la Europa central, pero se fueron expandiendo de Este a Oeste de Europa, Austria, suiza… por el Oeste llegará a Francia, España, Inglaterra, Irlanda, influencia en Asia Menor y dentro de Asia Menor, en Turquía Central. Por el Sur, llegará a Italia y Grecia. Por el Este es importante su expansión por Hungría y Rumanía. 2. A nivel cronológico, el origen de la cultura celta está en la Edad del Bronce y la Edad del Hierro. Entre el 2000 y el 700 a.C., en la Edad del Bronce y la del Hierro del 700 a la Conquista de Roma, en el siglo III a.C. y concluirá en el siglo I a.C. En torno al 2000 a.C. había una incipiente lengua entre los celtas. En este periodo ya había una aristocracia guerrera muy posesionada en su sociedad, principal mecenas de las artes en el mundo celta. Son uno de los primeros pueblos en caer, en el 225 a.C., tiene lugar la batalla de Telamón, lo que supone la caída de la cultura celta a manos de Roma. Eran grandes guerreros y no les había ido mal incluso con Roma unos años antes, pues en el 387, los romanos caen en manos de los celtas. En el 279 a.C. los celtas habían hecho caer la ciudad de Delfos en Grecia, la ciudad donde estaba el oráculo, meca de peregrinaje en todo el Egeo. Desde el punto de la expansión, de una manera muy arraigada en la zona anglosajona. Es en la Edad del Hierro cuando se establece con sus ítems bien definidos. Abrimos los dos periodos más significativos de la cultura y el arte celta: la fase Hallstatt y La Téne, en las proximidades del lago de Austria. La primera, temprana, va del 700 a.C. al Siglo V a.C. y la segunda, más tardía, del Siglo V hasta la caída en el 225 a.C. El arte más refinado es la de la segunda, de hecho los historiadores cuando se refieren a este arte, hablan principalmente de esta etapa. Poco a poco hay una síntesis entre lo romano y lo celta. Cronología

- Edad del Bronce (ca. 2000 a.C. – 700 a.C.) - Edad del Hierro (ca. 700 a.C. – 225 a.C.)

*Hallstatt *La Tène (manifestaciones más refinadas)

- Época de dominación romana (ca. 225 a.C. – V d.C.) Se abre en el Siglo V por la caída de Roma y del Imperio romano de Occidente. Diocleciano separa el Imperio entre Oriente y Occidente en el Siglo III. En el 313, Constantino y el Edicto de Milán declaran el cristianismo como religión oficial del Estado. Lo cristiano se acaba mezclando con lo romano.


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3. Las fuentes: La fuente histórica más antigua es del Siglo V a.C. con Herodoto, referencia histórica sobre quien eran los celtas, sus costumbres, etc. Polibio, del Siglo II a.C., también nos habla de que es lo celta. En el siglo I a.C. empiezan a multiplicarse las referencias, destacando Tito Livio, Estrabón, etc. La palabra celta viene de las fuentes griegas y romanas, les llamaban los “keltoi” y “galos” o “celtoi”. Estas fuentes nos dan mucha información pero hay que tener mucho cuidado pues no son los mismos celtas, sino otros, con lo que se tiende a deformarlo. Para Grecia, ellos mismos son el símbolo del orden, la civilización, la armonía, todo lo que queda fuera de Grecia y Roma es bárbaro. Hablan de orfebrería, arte, etc… Todo lo que queda fuera de las fronteras de lo griego y romano es la otredad.

“Los galos son altos de estatura y su carne es muy húmeda y blanca mientras que su pelo no es que sea rubio por naturaleza, sino hasta que usan medios artificiales

para aumentar esta cualidad del color… Su aspecto da miedo”

“Ellos dicen que los barbaros que viven en el océano echan colores en bronce recalentado y estos se adhieren y se vuelven duros como la piedra manteniendo

los diseños que se han hecho de ellos” Filóstrato, Vidas de los sofistas

Ring of Brodgar, Islas Orcadas, Escocia

“A la franqueza y fogosidad de su temperamento han de añadirse los rasgos de una jactancia infantil y el amor a la decoración. Llevan adornos de oro, torques en

sus cuellos y pulseras en sus brazos y muñecas, mientras que la gente de alto rango viste prendas tintadas salpicadas de oro”

Estrabón

“Toda la gente de la Galia es sumamente dada a la superstición religiosa” Julio Cesar


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Pero a pesar de todo lo que digan los griegos y los romanos, no son barbaros porque tienen una sociedad muy organizada y jerarquizada. No es superstición, todo lo que no era religión griega o romana, era superstición. Religión Vs Magia Magia viene de una palabra: Magoi. Con las Guerras Médicas entran en contacto la cultura griega y la persa. Cuando llegan los griegos empiezan a conocer a los magoi, la antigua casta de sacerdotes medas, persas del antiguo Irán, casta sacerdotal, los magoi, tenía conocimientos muy profundos sobre su religión, controlaban los textos, presidían cualquier ritual religioso, las creencias, etc. Esos magoi hacen magia, no religión. A partir de entonces, todo lo que no forme parte de la religión de los griegos es magia. En la cultura celta aparecen frecuentemente tres figuras unidas, genios de la tradición celta que forman parte de la religión celta, que no la magia.

o Saben trabajar los metales o Jerarquización social o Buenos guerreros

Estamos ante una civilización, aunque no esté acuñado, la cultura ha alcanzado su estadio de civilización, ha alcanzado la máxima complejidad económico-social, político y cultural. Dentro de las culturas de Neolítico no tienen esa complejidad que me permite calificarlas como civilizaciones. Los indicadores de civilización (máxima complejidad) que tengo en yacimiento:

- Complejidad social: hay jerarquización, en esa cultura se observan diferentes tipos de tumbas en los yacimientos funerarios.

- Complejidad económica: identifico productos que no son locales, comercio a corta, media y sobre todo, larga distancia. Se controlan las rutas de intercambio.

- Complejidad Política: organizada sino como un estado, como una jefatura o sistema pre-estado.

- Complejidad religiosa: hay un panteón de dioses, deidades, seres que acompañan. Estas cuatro características las tiene la cultura celta desde la edad del bronce, manifiestan una temprana complejidad social, política, económica y religiosa, hasta llegar a la Edad del Hierro, lo que se traduce en:

- Arquitectura monumental: el jefe no va a vivir en las cabañas - Urbanismo: desde el Neolítico hay asentamientos, irregulares, pero el urbanismo tiene una

planificación, reflejo de la propia estratificación social. - Obras publicas: refinamiento, sistemas hidráulicos, de canalización del agua, letrinas… - Arte: arte que es reflejo de la complejidad político-social, económica y religiosa, legitima el

poder político, al líder político que en muchas ocasiones es el religioso. El arte celta es muy portátil, arquitectura, obras públicas, planificación, el arte habla de esa complejidad social.

- Escritura. - Especialización del trabajo: cada uno en esa cultura cumple un cometido. Todos trabajan en

aquello que les da sustento.


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No podían ser barbaros cuando tenían todos estos requisitos y complejidades, es una civilización a la altura de Roma o Grecia. Primero nos centraremos en la fase Hallstatt en el Siglo VI a.C. Tumba de Vix, con coral, ámbar, cobre, estaño, aleaciones. Importación de directa de cráteras de Grecia. …………… CONTEXTOS

- Arqueológicos (arqueólogos, historiadores, historiadores del arte, epigrafistas, antropólogos físicos…)

FUENTES

- Historiadores griegos y romanos (Herodoto, Polibio, Tito Livio, Estrabón…) En esos territorios anglosajones, antes de que cuaje la civilización celta, había un Neolítico en el que es necesario entrar, con contextos domésticos y rituales muy interesantes: ya había arquitectura monumental. El Neolítico en toda la vertiente atlántica se sitúa entre el VI-V Milenio a.C. Ya han conocido la domesticación de las plantas y los animales.

Skara Brae, Escocia


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Se caracteriza por que tiene diez viviendas, cada una de cuarenta metros cuadrados, de esas diez viviendas, hay nueve iguales que se caracterizan porque hay una habitación principal donde se desarrolla toda la vida y hay una vivienda donde el espacio esta compartimentado; esta se ha interpretado que pueda ser un taller donde se tallaba piedra o hueso. Hay piedra, adobe… En el centro está lo que se llama el hogar, para cocinar y dar calor a la vivienda. Hay armarios, espacios para guardar cosas, camas y aparte varios utensilios como cajas de madera para almacenar alimentos y el excedente de la agricultura. Hay enseres para la vida cotidiana, y otros más rituales. Este poblado se descubre en el Siglo XIX y se empieza a estudiar. Gordon Childe es el primero que empieza a estudiarlo en profundidad, y escribe “Revolución Neolítica”, donde cuenta como en estos momentos se pasa de la sociedad depredadora (comen lo que caza, pesca, etc., pero no produce) a la que ya tiene cierta organización. Durante el neolítico hasta las sociedades complejas encontramos al especialista a tiempo parcial, todo el mundo tiene que contribuir a conseguir el alimento que da sustento a todos. Cuando ya se pasa a la civilización el especialista a tiempo parcial pasa a tiempo completo. ¿Cuáles son los rituales? Surge una arquitectura ritual, arquitectura ritual que es la arquitectura megalítica, con tres tipos de arquitectura megalítica:

- Menhir: Laja de piedra dispuesta verticalmente; dispuestas de manera alienada formando calles.

- Dolmen: Tumba enorme. - Cromlech: Círculo de piedras.

Avenidas de Menhires en Carnac (Bretaña Francesa) IV-III Milenio a.C.: No se sabe que puede significar, se dice que pueden ser astronómicas, otra hipótesis es que cada menhir represente un antepasado, en conmemoración a los antepasados, son hipótesis, no hay más elementos de cultura material que nos ayuden a decidir, ni cultura escrita. Los arqueo-astrónomos van en los solsticios para ver si hay algo que ver con ello. Dolmen: Tumba megalítica. Tiene un corredor de lajas verticalmente, el corredor nos lleva hacia la cámara funeraria.


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Dolmen de Newgrange, Irlanda (ca. 3200 a.C.): Es importante por la cubrición: una bóveda de aproximación de hiladas, de lo más temprano en esta tecnología en Europa, se anticipa a las micénicas del II Milenio a.C. y también a las del Imperio Antiguo de Egipto en las cámaras funerarias de las pirámides. Precede al conocimiento del arco, por ello se hace por paramentos independientes hasta llegar a cubrir. Ya presenta elementos decorativos.

Detalle de la decoración del Dolmen de Newgrange: La espiral simboliza el agua, un elemento importantísimo en esta cultura celta. El agua están importante para los celtas que aparte de provenir de tumbas, procede de objetos votivos acuíferos que se sumergieron en ríos, pozos, habitados por deidades benévolas.

Cromlech o círculo de piedra: Stonehenge, III-II Milenio a.C.: a nivel de función el menhir no tiene una interpretación concreta, pero sí el cromlech. Tiene cincuenta hoyos con restos que al analizar (fósforo, etc.), se deduce que proceden a una cremación, con el ritual funerario. Tiene carbono14, una materia que tienen todos los seres vivos y que cuando morimos empieza a salir en la misma cantidad y velocidad. Al analizarlo da esta fecha. Los rituales funerarios que ocurrieron aquí se produjeron en estas fechas. Tiene que ver con el movimiento solar. Tiene función funeraria y alineamientos solares.

La arquitectura megalítica del neolítico europeo se sitúa en la vertiente atlántica: territorio anglosajón, Borgoña Francesa y sudoeste de la Península Ibérica. Los más antiguos están en territorio anglosajón. En los dólmenes hay inhumación, en los cromlech cremación: dos tipos de enterramiento.


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Dentro de la civilización celta, nos ponemos en nuestro contexto: Hallstatt. Fase Hallstatt: CIVILIZACION Y ARTE CELTA COMPLETALEMTE CONSTITUIDO

Estamos en Borgoña, en la localidad de Vix, aparece bajo un cúmulo funerario, es una cámara de nueve metros cuadrados, en ella vemos una disposición muy concreta de los objetos. La difunta está acostada sobre una cama, a sus pies aparece un caldero y aparece junto a ella, a uno de los lados, un carro repleto de ofrendas funerarias de oro, plata, bronce, hierro, materiales muy costosos, ámbar, coral, piedras de mucho valor. El oro era escaso, y parte de estas ofrendas son de este material, lo que significa que al no existir en esta zona, eran productos de importación; el bronce es producto de una aleación: cobre más estaño. Las ofrendas tienen un valor económico y simbólico muy importante. Aunque no se vea, también la acompañaban una

crátera, una jarra llamada “oinochoe” y un quílix, la crátera fue una importación greco-etrusca. Ningún elemento es casual: ella está sobre una cama, para los celtas había una estrecha relación entre la muerte y el sueño, lo que los griegos llamaron una relación entre “hypnos” (el sueño) y “tanatos” (la muerte). Eso ya indica alguna creencia en torno a que la muerte física no es la definitiva, para ellos había vida, si morir es como dormir, significa que morimos físicamente, pero seguimos viviendo. En las tumbas de la alta sociedad celta, aparece el Caldero de la Resurrección. La resurrección tiene que ver mucho con la religión cristiana y con las culturas que tienen una idea lineal de la vida (y no la circular o cíclica de las culturas orientales o la Antigua América). Para los celtas, más que resurrección es un renacimiento. Por este contexto se deduce que hay vida mas allá de la muerte, con ello se relaciona el quílix, la crátera y el oinochoe. Se los llevaban para celebrar los banquetes fúnebres, los sysposium de los griegos. Llama la atención que sea una mujer y no un hombre el de este estatus social, la mujer tenía una alta consideración en la cultura celta, su consideración se equipara a la del hombre. Para ellos, el matrimonio no es un acto religioso, sino un contrato, pero no como el entendido en el cristianismo, los dos tienen los mismos derechos y deberes, y en caso de que uno muera, hereda toda la dote del otro y a partir de ahí puede hacer lo que le plazca, volver a casarse, etc. Esta mujer, al igual que el resto, como tal, tenía ya su estatus, era una sacerdotisa, druida (druida es tanto para los hombres como para las mujeres). Ser druida es tener un amplísimo conocimiento astronómico, conocer las constelaciones y sus movimientos porque a partir de todo ello era posible predecir cosas.


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Calendario de Coligny, Siglo I a.C. Placa en bronce encontrada muy fragmentada a finales del Siglo XIX. El calendario celta era lunar y no solar, con sesenta y dos meses lunares, lunar es por rituales. Los druidas eran los que conocían los astros y a partir de ellos se organizaban todos los actos y festividades religiosas, políticas y sociales, todo ello encajado dentro de un calendario lunar. Podían saber el momento propicio para cada actividad.

Las cuatro festividades más importantes para ellos eran:

La festividad de Imboc: Celebración de la lactancia de las ovejas, se celebraba entre el 1 y el 2 de Febrero, estaba presidida por una diosa: la Diosa Brigit, rescatada por la iglesia primitiva irlandesa como Santa Brígida. Tenía muchas funciones en el mundo celta, entre ellas ser protectora de los partos y las parturientas, de la cosecha de cerveza y muy relacionada con la profecía y la poesía. No es exclusivo del mundo celta, sino muy común también dentro de las culturas mediterráneas. Es el lenguaje de los dioses y tiene que ver con la adivinación.

La festividad de Beltené: En nuestro calendario gregoriano, es el 1 de Mayo. Se traduce literalmente por fuego brillante y/o bienhechor. Su objetivo era dar la bienvenida al verano y al buen tiempo, para ellos era un lujo que llegara el verano. Con el verano llega la época del pastoreo al aire libre y maduraran las cosechas gracias al calor del sol, el sol es vida. Ritualmente, se encendían hogueras, no había una sola casa donde no se encendiera una, porque lo que se pretendía era simbolizar el calor del sol que tenía que dar en esos meses. Esto se llama magia simpatética o simpatía cósmica, la base a muchas actividades mágicas. Pensaban que si no quemaban hogueras, el sol no calentaría. Está documentada en esta festividad el hacer pasar al ganado entre dos hogueras para su purificación y que hubiera fecundidad.

La festividad de Lughnasad: Era el 1 de Agosto, era la festividad de las cosechas. Había muchas ceremonias ligadas a las cosechas a lo largo de Agosto, el día uno era como la inauguración a una etapa de celebraciones.

La festividad de Samahin: Se celebraba entre el 31 de Octubre y el 1 de Noviembre. Da la bienvenida al invierno. A partir de este día los animales eran llevados a sus casas para hacerlos animales de cría o sacrificarlos para comer su carne durante el invierno. El portal que comunica el mundo de lo sobrenatural con el de los hombres queda abierto por un día. Temían este día porque lo que habita en el más allá entra en nuestro mundo y hay que saber estar y convivir con esas fuerzas que son muy peligrosas. Halloween viene de esta creencia.


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“Los leñadores llegaron hasta un antiguo bosquecillo sagrado. Sus ramas entrelazadas rodeaban un frío espacio central en el que nunca brillaba el sol, pero donde abundante agua emanaba de oscuros

manantiales” Los druidas, además de todo lo que hemos visto antes, conocían muy bien la naturaleza, la utilidad de cada planta, árbol. Para los celtas, todo lo viviente había sido creado por una misma energía absoluta “oiw” que precedía a la creación y sería posterior al final de los tiempos. Pero esta energía está concentrada sobre todo en los bosques. Para los celtas, el santuario es el bosque, por ello se han encontrado muy pocos. Estos bosques se conocen como “neméton”. Excepcionalmente, hallaremos algún santuario, pero está más ligado a lo funerario, es tan excepcional como que todos ellos son de época romana, en fase Hallstatt y La Tenè no hay de estos santuarios. Los pocos que existen son de planta circular. Pero no todos los bosques valen, el culto celta se desarrollaba en bosques de robles, el árbol sagrado para los celtas. La palabra celta para robre es “duir”, de donde deriva la palabra druida, el que conoce todo lo astronómico y la naturaleza. El cedro produce el muérdago. “Los druidas se ocupaban de los asuntos sagrados, la conducta del público y los sacrificios privados, e

interpretaban todos los temas religiosos. A ellos acudían gran número de jóvenes con el fin de obtener instrucción, y los druidas eran tenidos en una altísima consideración entre ellos”

Julio Cesar, La Guerra de las Galias Organización social

Rey Druidas / aristocracia guerrera

Artistas – Algunos salen de la casa real.

Pueblo

Esclavos (solían ser prisioneros de guerra)

“Los leñadores llegaron hasta un bosquecillo sagrado. Sus ramas entrelazadas rodeaban un frio espacio central en el que nunca brillaba el sol, pero donde abundante agua manaba de oscuros

manantiales…” Lucano, Farsalia

Para los celtas, el bosque era tan sagrado porque consideraban que toda la creación había sido creada por “oiw”. No todos los bosques son válidos, solo los de roble, el árbol sagrado para los celtas. Conocen la sabiduría del roble. Era un portal que comunicaba el mundo de los dioses con el de los hombres. El tema del árbol como portal es común en los países del Norte de Europa, está conectado con la cosmovisión de las mitologías nórdicas. El árbol yydrasil comunicaba el mundo de los hombres con el de los dioses. El mundo inferior estaba habitado. Es un fresno perenne, el árbol de la vida. Solo en la tierra media vivimos los humanos, en el inferior y superior, dioses y seres sobrenaturales. Esto es así concebido en los países celtas de influencia anglosajona.


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Tres hadas que habitan las raíces del yydrasil controlan nuestro destino. Existe todavía la costumbre de cuando nace un niño, hay una ceremonia a través de la cual se presenta ese niño a su comunidad, y para ello se dejan tres sillas libres porque estas hadas están invitadas, si se olvidan, este niño tendrá un mal destino. La Bella Durmiente deriva de esta tradición. Existe una relación entre estas tres hadas y la figura de las tres moiras o parcas en las culturas del Mediterráneo Antiguo. Estas tres parcas eran Laquesis, Cleto y Átropos. Esta última es la más conocida, pues es la que corta el hilo de nuestra vida. Se corresponde también con las tres edades o rostros de la luna. Entre la pintura de los países anglosajones se retoma mucho estas creencias. A parte del roble, controlan el muérdago como planta sagrada. Los druidas, pues así llamaban a sus magos, nada tienen más sagrado que el muérdago y el árbol que lo porta. A causa de este árbol solo eligen bosques de robles. Los druidas, una de las riquezas que manejaban era como curar la infertilidad. En el sexto día de luna nueva, el druida de la comunidad podía subir al roble y cortaba una rama de muérdago. Era necesario que la portara con una oz dorada de bronce. Esa rama de muérdago se recogía en un manto blanco y se sacrificaban dos toros blancos (el color blanco se relaciona con la luna). Después, se preparaba una pócima que las mujeres que querían quedarse embarazadas, les iba a dar el don de la fertilidad, ayudaba a concebir.

También en el Mediterráneo Antiguo se tenían recetas para favorecer para la concepción, pero no era el muérdago, sino el extracto de azafrán. En la Isla de Thera (Santorini), había un santuario: Acrotiri donde se encontraron murales como el de las recolectoras de azafrán, lo más interesante es que en esa misma pared, aparece una chica ofreciéndolo a Potnia Theron, que en Micenas se la conoce como la señora de las bestias y era la diosa madre para que a la edad que están ya puedan concebir. La Artemisa de Brauron, allí se desarrollaba una ceremonia, se ponían las muchachas a disposición de la diosa Artemisa y le daban muchas ofrendas. A nivel epigráfico y arqueológico se habla de unas compresas que

se untaban con grasa de oca y extracto de azafrán para favorecer la fertilidad. Aplacan la ira de aquella que decidió quedarse virgen. ¿Pero porque a Artemisa? Porque era una de las pocas divinidades femeninas y que decidió quedarse virgen. Fue la protectora de la infancia en la Antigüedad Clásica, protectora de todo lo incivilizado, lo salvaje, de los bosques. Siendo diosa y pudiendo fecundar decide quedarse virgen. En Grecia un niño solo se convertía en ciudadano de pleno derecho cuando hacia el servicio militar, las mujeres cuando se casaban. Piden la fecundidad a la diosa que las ha estado defendiendo.


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Hay que relacionar paralelismos: Roble --- yydrasil Muérdago --- azafran

Resumen: Sacerdotisa: alta consideración de la mujer en la cultura celta. Lecho donde yace es una cama relación muerte – sueño entre los celtas Muerte = sueño / ajuar: cratera, oinochoe, kylix para banquete funerario; Caldero de las “resurrección”; otros enseres… creencia en el mas allá (Renacimiento, concepción cíclica del tiempo entre los celtas) Torque de oro. Tumba de la Princesa de Vix (s. VI a.C.)

Lo portan los reyes, la realeza, la aristocracia guerrea, y druidas. Es un distintivo de alta clase social. El oro es el material ligado a los dioses por excelencia en cualquier cultura, porque se asocia al sol, es astro divino por naturaleza. Distintivo social. No había muchos yacimientos de oro en el mundo celta, viene de importación. Mineral de los dioses, en especial del Sol. La clave está en cómo acaba del torque (un ejemplo es el galo moribundo) es el bulbo de una flor importantísima muy empleada por los druidas celtas: la adormidera, cuyo nombre científico es la Papaver

Somniferum, el extracto de esta flor produce el sueño, cuando sale la flor es una amapola, la flor que sirvió para la extracción del láudano, el opio y luego la morfina. El extracto de la papaver somniferum es conocido desde la Antigüedad pero su destilación para crear drogas tan complicadas llega después. En Europa Occidental conocían muy bien esta planta y su utilización. En relación a ello se lleva el torque, tiene que ver mucho con el contexto en el que estamos. Utilizaron mucho el extracto sin la purificación como anestesia, puesto que produce el sueño. Por último fue muy utilizada por los druidas para conseguir

el trance extático en las ceremonias religiosas que debían de conectarles y permitirles la comunicación con el mundo de los dioses, es lo que se llama psicotrópico. Ese bulbo en ese torque nos habla de que morir es soñar, uso de esta planta como anestesia que permite hacer intervenciones y fundamental para el rito sagrado para entrar en comunicación con lo divino, su consumo permite el trance de éxtasis que te deja ver más allá de la frontera de este mundo. Empleado en el campo de la medicina y en el ritual. Muchos de los suicidios durante el periodo decimonónico fueron con opio. En las Culturas del Egeo hay deidades celtas primitivas ligadas a la fertilidad que sobre su cabeza, en el tocado, llevan la papaver somniferum. Deméter, en el mundo griego, diosa de la tierra y de la fertilidad, también la lleva, porque en Grecia también fue importante para los rituales místicos. Se usaba en los cultos y ceremonias que tenían que ver con esta diosas como los Misterios de Eleusis (Deméter, Perséfone o Proserpina y Baco o Dionisos), siguiendo la religión órfica. Otra ceremonia muy importante ligada a esta diosa era la Festividad de las Tesmoforias también conocidas como las aloas (de aquí viene el aloe vera).


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A nivel icnográfico, el caballo es Pegaso, este torque se realizó en territorio celta. Había un conocimiento entre los celtas de dioses y animales que formaban parte del Panteón Grecorromano posterior. Esto no es raro porque tenemos que imaginarnos la Europa de la Edad del Hierro conectada con rutas de intercambio por las que llegaban objetos y también se movían ideas, personas, artistas que salían del mundo Egeo y acababan trabajando en el mundo celta. Nos llegan cráteras con personajes que no imaginaríamos en la cultura celta. Buscan un lugar donde estar, vienen con sus dioses, creencia y tradiciones y todo queda en contacto.

Pegaso es el caballo alado que sale de la cabeza de la Gorgona, por eso es dorado, porque reúne tantas virtudes que debe ser dorado, de los dioses, y, ¿Porque un caballo? Porque entre los celtas, es el animal más importante, tan importante que los celtas tuvieron una diosa de los caballos: la Diosa Épona. Para los celtas el caballo simbolizaba la bravura, la velocidad, la belleza y la vigorosidad sexual, además era signo de prosperidad porque todo el mundo no podía tener un caballo. La diosa Épona también era diosa de la abundancia y de la prosperidad, de ahí que no nos sorprenda que en las casas celtas, desde la más poderosa a la más humilde, hubiera una figura de esta diosa, de diferentes materiales, claro, de oro hasta de barro, pero estará. El caballo se convirtió en símbolo de la aristocracia guerrera, son guerreros, necesitan un caballo. El caballo y esta diosa siguieron siendo importantes en el mundo celtorromano, es una de las diosas que sobrevivió más tiempo, se instauró incluso una fiesta oficial en honor a Épona. Esa festividad oficial se celebraba el 18 de Diciembre. Va a tener larga vida.

En los países anglosajones, sobrevivirá en la Edad Media a través de la leyenda, en la figura de “Lady Godiva”, quien estaba casada con el Conde de Chester, tenía un corazón muy noble y era muy bella, vivió en el Siglo IX d.C. Su marido era muy duro con su población, y ella pide clemencia por su pueblo, que se reduzcan los impuestos y su marido se lo concede, pero a cambio de que ella se pasee desnuda durante un día por todo el condado montada en su yegua. Lo único que

pudo utilizar para taparse fue su larga cabellera, con una connotación positiva. Como el pueblo la quería mucho, pidió el favor al pueblo de cerrar todas las puertas y ventanas en señal de respeto mientras desfilara. Épona puede aparecer sola, con uno o dos caballos. En época romana aparece con un templete. No hay que confundirla con Artemisa, la diosa de la caza, que aparece asociada a veces al caballo y a los animales, Artemisa llevara un atributo que nos permitirá distinguirla, la antorcha, la clave para no confundirla. Los caballos tenían tanto valor que aunque los celtas si sacrificaban algunos animales para ritos votivos, casi nunca se sacrificaron caballos. Se entendía como una locura, fatal para el propietario y la comunidad. Este caballo celta es una especie de poni. A pesar de que no era lo más común, en ciertos lugares como Checoslovaquia encontramos pozos votivos con ofrendas de estos animales.

Pintura inglesa del Siglo XIX


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Este enterramiento de la tumba de la Sacerdotisa de Vix, coincide con muchas de las tumbas en la orientación a la constelación de Orión, símbolo de la regeneración. En la tumba hallamos un Caldero de la Resurrección, símbolo de la regeneración por excelencia. Entre muchos de los calderos que hallamos en época celta romana denominado Grundstrup, del Siglo I a.C., en Dinamarca.

Se trata de un caldero de plata, interesante porque la plata fue de los materiales menos utilizados por los celtas. Concretamente, este caldero está realizado por doce placas ensambladas de plata, más la base que sería otra más. En los diseños se combina el grabado, el modelado y el cincelado. Estudios recientes determinan que trabajaron cinco artistas en la realización de esta pieza. Consta de 65 centímetros de diámetro por cuarenta y dos centímetros de altura. En esta pieza trabajaron cinco artistas diferentes. Aunque todo lo que se representa en ella es celta, de creencias celtas, se sabe que no es una pieza que se realizó en territorio anglosajón, ni tan siquiera en los países escandinavos, sino que se trabajó en el sureste de Europa, en concreto en Tracia. Tracia fue muy famosa por ser un lugar de plateros. Además la plata procede también de allí. Todo lo que se representa en él es celta, es una pieza que se encarga en Tracia, para alguien que vive en Dinamarca. De todas las placas nos centraremos en las dos más significativas. Aun así, es importante saber que todas ellas en resumidas cuentas representan a dioses, animales y plantas que se refieren a la fecundidad, la regeneración y la perpetuidad de la vida.

1. Representación del Dios Cernnunos: Es el dios que encarna la naturaleza salvaje, lo más animal, lo más irracional. Es un ser híbrido con atributos de animales. Lleva un torque en el cuello y en la mano, símbolo de poder, que portaban los dioses y la aristocracia. Se representa sentado, en posición de yoga. Él en sí mismo es un símbolo de regeneración. En él queda encarnada esa energía regeneradora y creadora, ya que simboliza de la naturaleza en la que vive OIW. LA serpiente también cuenta con una

simbología de regeneración en la cultura celta. Cennunns tiene cornamentas de ciervo, que también mudan en la primavera, otro símbolo de regeneración, y también irá representado muchas veces con pájaros cerca, que son el mismo símbolo de regeneración, por las migraciones. Tiene connotaciones espirituales, cuando el celta muere, el OIW, la energía, sale del cuerpo y levanta el vuelo, al igual que los pájaros. También aparece representado con árboles preferentemente de hojas perennes. En el arte celta vemos representaciones de manzanos, como árbol que expresa la regeneración. Relacionado con el mas allá y con la vuelta a la tierra. Cómo Avalón, donde fue llevado el rey Arturo, literalmente El Paraíso de los Manzanos.

2. Representación del dios Dagde: Nos remontamos a los Trofeos de Annw´n, son los trofeos del más allá. Según el texto, en la tierra de Annwn, en esas tierras llenas de bendiciones, de bienestar, hay una mansión. La mansión de Bruidhen, en esa


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mansión habita el dios Gagde, que tiene un caldero lleno de agua. Todo aquel que llega allí, experimenta la regeneración ya que lo sumerge en ese mismo caldero, permitiéndole la vuelta a la tierra.

Los calderos de resurrección o se encuentran en tumbas o se encuentran dentro de lagos, lagunas o estanques naturales. En las tumbas los veremos enteros, tal y como los usamos. Pero si se encuentran en las fuentes naturales, se hallaban fragmentadas. Son ofrendas a las deidades que habitan bajo el agua. Todos los calderos de fuentes están fragmentados, los celtas practican la fragmentación ritual. Es símbolo de regeneración absoluta, la inmersión facilita esa regeneración. LOS NÚMEROS PARA LOS CELTAS

Movimiento centrífico de eternidad, regeneración. En el trisquel vemos el movimiento de la creación.

Número 2: Es la dualidad, representado por una doble espiral. Dualidad que lo impregna absolutamente todo: día y noche, luz y oscuridad, femenino y masculino, verano e invierno…. Es como el Ying y el Yang. La existencia es porque los opuestos se complementan y permiten esa existencia. En el trisquel está tres veces presente. Número 3: Es el símbolo de la totalidad. Prosperidad, riqueza de dones materiales y espirituales. Número 4: Son los Puntos Cardinales. No se va a representar tanto en el arte, el arte celta está inspirado en la observación de la naturaleza, las aguas, las plantas, las flores. Los movimientos de la naturaleza son ondas, formas curvilíneas. Es un arte que se inspira exclusivamente en la naturaleza. Como se mueve la tierra, el agua en verano o en invierno, etc. Numero 5: Los cinco elementos. Tierra, agua, aire y fuego, agregando el espíritu, todo está habitado por oiw, el espíritu, la energía espiritual. Los fundamentales para los celtas son el agua y la tierra en su cosmovisión. Se representan con cinco círculos concéntricos. El círculo es la base de todo, los movimientos de la naturaleza. Relación entre el agua del Caldero de Resurrección y el de cualquier fuente natural, todas regeneran. La Diosa Sulis: La tradición de ir a fuentes de agua para que su inmersión te pueda curar o sanar no viene del cristianismo sino de estos Países Anglosajones y que tanto interesaron a los romanos, por eso esta diosa no desparece.

En Bath, hay unas termas que se llaman Aquasulis. Tenían su frigidarium, caldarium y tepidarium. Las aguas de esas termas tienen que estar habitadas por esa deidad y aportaba esa salud y vigorosidad. Todo lo que está en la naturaleza es mejor que lo construido por el hombre, eso es lo que pensaban los celtas por eso no construían ni santuarios ni termas.

Aquasulis. Termas romanas de Bath (Inglaterra) Siglo I d.C.


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Contextos para los hallazgos arqueológicos celtas

Tumbas (entierro de la Sacerdotisa de Vix) Ofrendas rituales en depósitos acuíferos celtas, incluye pozos además de lo natural como el

lago o la laguna. Humanas: Hombre de Lindow (ca. 300 a.C.). Animales: Domésticos (excepcionalmente caballos). Objetos: De gran valor económico y simbólico.

Todas tienen el mismo significado: ofrendas a los dioses para ganarse los favores y apaciguar su ira, tener prosperidad en la tierra, etc.

Humanas: Hombre de Lindow (ca. 300 a.C.): Sacrificios humanos en Dinamarca e Irlanda. Fue sacrificado, pero antes se le dio una comida sustanciosa basada en semillas y granos y después de eso se le sacrificó golpeándole el cráneo, pero no contentos con eso, se le estranguló, y se le sumergió boca abajo en un deposito acuífero. Este personaje que recibió este trato venía de una alta clase social. La mayoría de estas ofrendas humanas tienen una alta categoría social. Se le sumerge totalmente desnudo pero con un brazalete. Los estudios de hueso indican que estuvo muy bien alimentado, y no todo el mundo podía alimentarse así de bien, las manos muy bien cuidadas, no de un trabajador, y la pintura corporal, indicadora de rango. Antes, el

pintarse o tatuarse la piel, solo lo hacían reyes, druidas, aristócratas y algún artista muy destacado. El cosmético ritual post-mortem es solo para estas clases sociales. Los sacrificios de mujeres en el mundo celta son por temas de fertilidad, y tienen que ser vírgenes. Comió semillas porque tiene un significado ritual importante, había ingerido polen de muérdago, esa planta que en todo ritual estaba presente. El muérdago en invierno sigue creciendo a pesar del frío, capacidad de sobrevivir y existir a pesar de todo. Se le da muérdago por eso, porque vive por encima de la muerte. En resumen, sacrificios de gente de alto rango social, se les trata muy bien antes del sacrificio, no hay ensañe con ellos, se sumerge en el agua para facilitar el viaje.

Otro tipo de sacrificios son los de los esclavos de guerra. La Reina Roja de Palenco, para comparar con otras culturas. Es óxido de hierro y no afecta a la piel, no es tóxico.

Animales: domésticos (excepcionalmente caballos): Los animales que se sacrifican en el mundo celta son generalmente domésticos, no el caballo porque indicaba prestigio. A partir del periodo celto-romano, los animales que aparecen sacrificados en territorio celta no tienen el hígado, son sacrificados y cuando se ha podido disecar, el hígado se extraía para temas adivinatorios por influencia romana. El hígado de los animales desde época griega era usado para adivinación a través de él. Los celtas empleaban más lo que es la naturaleza vegetal. Cuando Roma entra en contacto con el mundo celta, estos lo asumen como método. Con la llegada de los romanos, se construyen santuarios, se cambian los métodos de adivinación y se produce la cremación.


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En los depósitos acuíferos son muy abundantes las piezas que tenían que ver con la indumentaria guerrera.

“En sus cabezas llevan cascos de bronce que poseen figuras salientes que le dan al que las lleva la apariencia de una gran estatura. En algunos casos, los cuernos forman una pieza con el casco,

mientras que en otros, llevan figuras en relieve o las partes delanteras de pájaros o cuadrúpedos” Diodoro Sículo, Biblioteca de Historia

El material era bronce, hierro, o cuero, en los tres casos pero sobre todo en los dos primeros están revestidos de bronce dorado, al que se agregan incrustaciones de piedras preciosas y una de las más frecuentes es de origen marino: el coral, incluso de oro y plata. En cuanto a la forma, o son semicirculares o ligeramente apuntados y coronados generalmente por animales temibles.

Uno de los más bonitos es el Casco de Agris, Francia, Siglo IV a.C., La Tène, de hierro revestido de bronce dorado, con incrustaciones de ámbar. También incorpora orejeras. Los cascos y los escudos que tengan esos revestimientos hace pensar que se organizaban en talleres de herreros y broncistas, pero de metalisteros, donde los especialistas en trabajar un metal estaban en un mismo taller. Todo ello nos habla de la organización del trabajo. La mayoría de estos cascos y escudos tienen esta estructura de hierro con revestimiento de bronce.

Casco de Waterloo, Londres, Siglo I a.C.: Fue hallado en el Támesis, casco de hierro que carece de revestimiento en bronce, acaba de forma ligeramente apuntada, y sobre el hierro hay decoración con incrustaciones. Hace muy temible la apariencia del guerrero. Los cuernos se asocian al toro y son símbolo de fortaleza y bravura. El guerrero encarna la fuerza del toro.

Çiumesti, Rumania, S. III-II a.C, la Tène: De manera apuntada, de hierro, en mal estado de conservación aunque sí hay restos del revestimiento dorado. También lleva orejeras. El animal es un cuervo, existen numerosos mitos en las culturas celtas donde aparecen diosas cuervo en su mitología que consiguen devastar en un campo de batalla y causan numerosos estragos, el guerrero se identifica con esas diosas. Suelen ser de un material más ligero que el del casco y por ello se ha conservado peor. Los ojos son incrustaciones de coral rojo. Relación valor económico – valor simbólico, por ello los análisis deben de empezar siempre por el material, porque está hecho de este material, que valores entraña, etc.


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Escudo de Battersea, Hallado en el Rio Tamesis, Londres, S. II-I a.C.: En esos depósitos votivos también abundan los escudos. La teoría de los expertos es que esos escudos tuvieron solo una función ritual, pues solo estaban hechos de madera o de cuero, imitan a los que se utilizaron en el campo de batalla, pero como solo tienen un fin ritual, son de esos materiales, pero revestido con bronce dorado. Son imitación o réplicas de los reales. Éste se considera el escudo mejor conservado. Procedía de algún taller de Gran Bretaña, pues solo estos talleres decoraban el centro de las piezas con un elemento circular incrustado con una piedra, es como el sello de identidad de estos talleres. El rojo que vemos es coral.

Los metalisteros celtas eran itinerantes, hay que imaginarse el territorio celta-anglosajón con talleres de artistas que trabajan para una corte pero que puntualmente pueden trasladarse a otra corte y llevarse con ellos temas y técnicas. Los estilos entraban también de un lugar a otro por medio de los matrimonios entre cortes. Y por regalos de corte, de unos reyes a otros. Los talleres eran regionales y los temas, técnicas y estilos se movían de las tres formas que acabamos de mencionar. La decoración del escudo está basado en círculos que remiten a la creación (oiw) y la dualidad: la doble espiral que simboliza el número tres. Tres son los círculos que decoran el escudo: la totalidad. Y cinco círculos concéntricos en el de en medio. 1 = Creación 2 = Dualidad 3 = Totalidad 5 = Elementos La inicial celta centra su decoración en el círculo y la espiral. Están engarzados cada uno de los círculos con cabezas de animales fantásticos, las piezas de coral que son los ojos, el coral es una constante, la clave para entender la decoración celta es el círculo y como se encuentran entrelazados. La piedra y el libro son tratados como objetos de metalistería. El libre se trabaja como una pieza de orfebrería.

Libro de Kells Lo que más ha pervivido del mundo celta es la metalistería: un libor, escultura, un libre, una pieza engastada en un metal, etc. Son todo círculos, se juega con la concentricidad de los elementos, una especie de ying y yang, iconografía muy pagana que vive en evangeliarios, supervivencia de lo antiguo en obras que ya pertenecen a otra etapa. Libro miniado o iluminado: Por la cantidad de oro que se emplea en ellos. Los colores pueden ser minerales u orgánicos. Se rescata el componente celta en estos libros.


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Constancia de elementos celtas en un libro cristiano, por definición. Libro de Lindisfarme El color imita los materiales originales como el ámbar, el bronce, imita la piedra que se utilizaba en el mundo celta.

Libro de Durrow: Con el león del Evangelista San Marcos.

Simbiosis de los dos mundos que significa la creación: la cruz como símbolo de salvación, envuelta por el círculo, la creación y la energía creadora, sobreviven el símbolo de creación y la salvación ligada al creador.

William Morris: Art & Craft, segunda generación del Prerrafaelismo Inglés. Año 1848, se funda este movimiento, cuya segunda fase conecta ya con el Simbolismo. El Art & Craft reivindica la vuelta a la Edad Media, el arte no puede ser producto de la Revolución Industrial, eleva el valor de una pieza de orfebrería. La naturaleza envuelve las iniciales, al igual que envolvía la civilización celta en los bosques.

El Jardín de la Luz (The Garden of the Light) Se recupera la Edad Media mediante Merlín, sucede en el bosque como espacio para lo mágico y lo sagrado. Edward Burne-Jones hechizo Merlín


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Las espadas suelen ser de hierro, la espada va dentro de la vaina que también solía ir muy decorada. Están muy oxidadas. La empuñadura suele estar recubierta de bronce dorado, vemos esa combinación otra vez al igual que en los cascos y los escudos. Guerrero procedente del túmulo en Hirschlanden, Baden-Württenberg, Alemania, ca. 500 a.C., Fase Hallstatt: Lleva un cordón para sujetar la espada, lleva también un torque, es de lo poco que nos ha legado el mundo celta en bulto redondo.

Gran torque de Snettisham, Norfolk, Inglaterra, Siglo I a.C.: Pieza de excepción, la pieza y el depósito, se hallaron otros muchos con un valor superior a los 15.000€ de oro. Había torques de oro, plata y electrum (aleación de oro y plata que se trabajó en el mundo celta). Confeccionada por ocho tiras de oro con ocho alambres, esos ocho cordones se enroscan en el sentido de las agujas del reloj hasta desembocar en los extremos. A base de talla y cincelado.

Los espejos, se parecen mucho desde el punto de vista formal a los de Egipto o Próximo Oriente. El soporte es de bronce, y sobre esto se engasta. Confeccionados a base de bronce trabajado en líneas semicirculares. Hay que darse cuenta que son circulares. Aparece en depósitos de agua como una ofrenda votiva.


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REPASO GENERAL DEL TEMA Arte Países Anglosajones: Celta 1. Espacio Desde el centro de Europa (Austria, Suiza) se extiende hacia el Este, Sur, Oeste y Norte de Europa. 2. Temporalidad Neolítico: poblados, dolmen, cromlech, menhir. Edad del Bronce (ca. 2000-700 a.C.): Raíces. Edad del Hierro: Hallstatt y La Tène (ca. 700 a.C. hasta la conquista romana). Apogeo La Tène. Periodo Celto-Romano (225 a.C. VI d.C.). Síntesis y continuidad de lo viejo y lo nuevo.

Santuario: Bosque/construcción de santuarios

Inhumación/cremación

Aguas naturales = balneario/construcción de termas

Adivinación por el agua/adivinación por medio de vísceras Periodo cristiano 3. Sociedad: Jerarquizada basada en la igualdad entre hombres y mujeres.

- Rey. Torques, espejos - Druidas. Tumba de la sacerdotisa de Vix: Cámara funeraria, carro con ajuar, piezas de

banquete fúnebre, torques (papaver somniferum, roble, muérdago). - Aristocracia guerrera. cascos, escudos, espadas, torques. - Artistas. Procedencia real en algunos casos, alta consideración, firman los trabajos

normalmente los metalisteros, los que trabajan el metal, destacan los metalisteros, itinerancia entre cortes anglosajonas, intercambios con el Mediterráneo.

- Pueblo. Creencias. - Esclavos. Alta clase social, aristócratas vencidos en guerra. Destinados a sacrificios. - A través del arte hemos navegado por la sociedad celta.

4. Economía: Compleja, comercio a corta, media y larga distancia. Sobresale contactos con el Mediterráneo Antiguo y el Este de Europa: piezas de banquetes, caldero de Grunstup, etc.

5. Política: Compleja. Reinos con sus cortes reales.

- Rey/familia real + cúpula de aristócratas-guerreo. - Artistas itinerantes entre cortes. - Regalos entre cortes. - Matrimonios entre cortes.

6. Religión: Compleja. - Druida - Oiw: Potencia/energía creadora. El bosque, el roble, el muérdago, otras como el papaver

somniferum. - Astronomía – calendario lunar – festividades (IMBOLC, BELTENÉ, LUGNASAD, SAMAIN). - Concepción cíclica del tiempo: hombre-naturaleza. - Creencias entorno a la vida - muerte: Reencarnación (muerte física, liberación, viaje a la

tierra de Annwn, baño en caldero de la Mansión de Bruidhein, Renacimiento). - Dioses: Diosas madres, geni cucullati, Epona, Dios del Sol, Dagdé, Cernunnos, Sulis. - Tumbas y los depósitos acuíferos votivos.


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7. Cultura: Urbanismo, obras públicas, arte, escritura, especialización - Arte como vehículo de legitimación del poder: político y religioso. - Especialistas a tiempo completo. Importancia de los metalisteros (oro, plata, espectrum,

bronce, hierro) y orfebres por las incrustaciones en trabajos de metal (ámbar y coral). - Organización del trabajo: Talleres regionales repartidos en suelo anglosajón. Probable que

los talleres de metalisteros integraran herrero, broncistas y orfebres. En los talleres: maestros y discípulos en distintos grados.

- Arte celta como “leit-motiv” (motivo de continuidad) en el arte de los países anglosajones hasta la época contemporánea.


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El arte de los Países Anglosajones en tiempos del primer cristianismo TEMA 2. El Arte Inglés durante el Románico. Arquitectura y escultura. Pintura y manuscritos

En el siglo III d.C., más concretamente en el 410, se produce la primera entrada de lo cristiano en Inglaterra. Roma está en este territorio. En el momento en el que en Roma, como corazón del Imperio decidía algo, se extendía por todas la provincias. La primera vez que el cristianismo es aceptado como religión por Roma es en el 313 con el Edicto de Milán, después de fracasar el Edicto de Tolerancia. La fecha en la que el cristianismo es aceptado por primera vez por Roma es el 313 por el Emperador Constantino, pero no es la religión oficial de Roma, empezara a serlo en el año 376 con el Emperador Teodosio. Cuando llegan los cristianos se asientan en Gran Bretaña. En el 410 se retira Roma de estos territorios ingleses. Algunos historiadores afirman que entre el 410 y el 590 se produce un vacío de cristianismo. Aprovechando que se han ido los invasores, vuelven a sus tradiciones y raíces más puras sin simbiosis y se reforzarán y fortalecerán mucho entre ellos, se produce un renacimiento de esos antiguos reinos celtas. Refuerzan sus fronteras ante cualquier invasor. Los celtas quieren volver a sus orígenes más puros. Pero otros historiadores afirman que lo cristiano se debilita pero no desaparece del todo. Aparece San Patricio en el 432 d.C., el padre de todo ese monacato ingles que se extiende en estos siglos. En el 596 también se habla de otras figuras: San Agustín (596) y San Columbano (521-596). En los siglos V y VI se extiende el monacato entre los países anglosajones, la primera expresión del cristianismo en estos países. El arte que veremos serán monasterios, libros miniados y cruces. Siglo III d.C.: Llegada del Cristianismo a los PaísesAanglosajones. 410: Salida de Roma de los Países Anglosajones 410 – 597: El Cristianismo permanece en estos territorios. 432 d.C.: San Patricio 521 – 597: San Columbano 597: San Agustín Hay un desarrollo paulatino, no tan rápido como si se hubieran quedado los romanos, pero sigue creciendo poco a poco, de manera ralentizada. Cuando San Patricio llega intentará ubicar en Irlanda un modelo de iglesia episcopal tal y como conoce Roma en estos momentos. Pero al final se regirá por el monacato, intentará ese modelo pero fracasará. La tendencia debe ser la del monacato. Con la llegada de San Agustín, la evangelización se va a extender mucho más. El tipo de Cristianismo implantado será el Monacato. Hay que tener en cuenta que el Cristianismo surge en Oriente y se va extendiendo a Occidente a través de Roma, se ha movido de forma autónoma antes de Roma, llega al territorio anglosajón y allí se instala, no tiene que resultar por ello sorprendente. Recordar la escisión de la iglesia católica, etc. Se instaura un monacato como sistema o cristianismo primitivo, promociona la construcción de monasterios, el levantamiento de cruces y libros miniados o iluminados de una belleza increíble, estas tres obras se van a instaurar.


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Los primeros monasterios estarán hechos en madera, son pequeños y están ubicados en bosques y lugares retirados para la vida monástica y poco a poco se pasará a la piedra. A medida que crezca el Cristianismo, crecen los monasterios y su complejidad en cuanto a estructura arquitectónica. Tienen una iglesia ligada al espacio residencial, las celdas y el refectorio para comer. Son lugares donde se acuna el conocimiento, espacio para y por el conocimiento donde se copian, estudian y realizan libros, punto nuclear desde donde se va a difundir el Cristianismo primitivo en estos territorios.

Monasterio de Glendalough, Irlanda Delante tiene un cementerio, propio de la Edad Media, sobre todo las pervivencias mayores las encontramos en estos territorios anglosajones. Los terrenos se comprar para edificar la iglesia, el cementerio y un hospital. En el Norte fue una constante el tema del cementerio o camposanto.

Cruz de Ahenny, Co. Tipperary, Irlanda, Fines Siglo VIII Vemos el trabajo de estas cruces hechas en piedra como si fuera una pieza de metalistería, vemos en la cruz el símbolo de Dios, unida al círculo, un elemento cristiano íntimamente unido a uno celta, fusión de dos elementos de diferentes culturas. El círculo es símbolo de creación para los celtas. Las tachuelas que lleva la cruz son como de trabajo en metal. El escultor que se enfrenta a estos trabajos en piedra es como si lo hiciera en metal.

Libro de Kells Vamos a ver las técnicas de manufactura de estos libros miniados anglosajones. Se pasa del papiro al pergamino. La primera cuestión importante es la del soporte: es pergamino, se ha producido el paso del papiro al pergamino en el cambio de siglo I a.C. al I d.C. El pergamino tiene la principal ventaja que se conserva mejor que el papiro y su hoja es relativamente flexible. La desventaja es que es más caro, pero conforme nos adentramos en la Edad Media, se produce el tránsito de un papel a otro en el Cristianismo. Este elegirá el pergamino para soporte de sus textos para marcar una diferencia respecto al mundo pagano. Ese cambio de soporte es simbólico, del paganismo al cristianismo.

El pergamino procede de animales: cabras o vacas, y cuanto más joven mejor calidad, era importante elegir la calidad del animal, lo primero era cuidar mucho la elección de animal, de granja, que no han padecido ninguna enfermedad como la peste, para libros de esta categoría. Lo primero que se hacía era lavar la piel en agua fría durante veinticuatro horas como mínimo, después se sacaba y lo siguiente era que se pudriera para quitar el pelo, para ello se sumergía en depósitos de agua con cal, entre tres y diez días, dependiendo el origen del animal, la edad, etc. A partir de ahí, se extendía muy bien para quitar el pelo con un cuchillo u oz, estando tensada en bastidores. Una vez ya tenemos todo el pelo fuera, lo siguiente será dejarlo secar. El proceso es largo.


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Evangelio de San Marcos, libro de Durrow, ca. 680: Incipit es la inicial del manuscrito El monje lo raspará con piedra pómez para quitar si le queda, grasa. La grasa no es buena para las tintas y puede afear esa superficie del pergamino. Tras ello, aún le pone un poco de yeso por encima y a partir de ahí empieza trazando líneas. Hasta el Siglo XII, se raspaba con la punta de un punzón a tinta seca. A partir del Siglo XII, el procedimiento consiste en utilizar grafito o puntas de plomo o plata. Luego ya se empiezan a trazar las líneas con colores: rojo, marrón y más excepcionalmente púrpura y verde. Una vez están las líneas se ponen a trabajar por el texto y se acaba con la decoración. La decoración en estos libros incluye las iniciales, una verdadera obra de arte, estas letras reciben el nombre de inicial insular, muy características de estos territorios, tienen vida propia, se mueven, son una obra de arte en sí mismas, como una obra de orfebrería. Dos tipos de tinta se utilizaron para escribir estos textos:

de carbón y otra más compleja de metal y agallas. Esta última aunque está documentada por primera vez en el Siglo XII, se utilizaba desde el III. Las agallas es un producto que da el roble. Es una tinta que absorbe el pergamino mucho mejor que la de carbón. A. PREPARAR LA PIEL DEL PERGAMINO

1. Elegir correctamente al animal 2. Extraer la piel 3. Lavarla bien 4. Proceso de pudrición 5. Raspado 6. Secado

B. PERGAMINO LLEGA AL MONASTERIO

1. Tratamiento de la hoja 2. Marcar las líneas 3. Escritura con tinta 4. Decoración

Ojo, tinta de carbón y metálica. La de carbón es la más antigua, preparada con negro carbón que se obtiene quemando maderas, de donde se obtiene un hollín negro, mezclado con otras sustancias. A parte, la tinta metálica fue muy utilizada en los Países Anglosajones, la cual es una mezcla de agallas y hierro. La primera vez que se escribió sobre esta tinta fue el Tratado de Teófilo, del Siglo XII.

Una de las razones de su uso es que en estos países había muchas agallas, producto de los robles. La agalla se forma cuando en una de las ramas del roble, una avispa pone sus huevos, en torno a los huevos se forma una larva, esa es la agalla. Ésta es rica en taninos, que mezclados con el hierro generan tonos rojizos y ocres. La tinta

metálica permea mejor el pergamino que la de carbón.

El tanino de la agalla que se mezcla con el agua del río con muchos hierros forma trozos rojizos. Esta tinta se conserva de mejor manera. A la hora de decorar, la inicial cobra una gran importancia. Predomina más el color que la escritura. El monje vuelve a tratar la superficie del


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pergamino, pero no con piedra pómez, sino con vidrio pulverizado con miga de pan. En consecuencia, esa superficie era más luminosa que la otra. Tiene mucha luz por las técnicas, colores y materiales empleados. Tras haber tratado la superficie se empieza a decorar con oro, láminas de oro, el color es lo último. La sustancia que más se empleaba para ligar las tintas y el color:

Se utilizaron varios aglutinantes de origen animal y vegetal, como la cola de pescado. Pero hubo uno que es el que más se ha identificado con los análisis químicos: la goma arábiga, producida por las acacias. La mayor producción de acacias está en Sudán, y luego Nigeria y El Chad, Mali, Mauritania, Senegal y Níger, todos en África. No en vano, el uso más antiguo de la goma arábiga es en Egipto, unido al mundo de la

momificación. Cuanto más traslúcido mejor, pues no afectará al color. Lo obtenían haciendo una incisión en el tronco, y a las seis semanas sale. Al ser una goma, es soluble en agua. Hay que solubilizarlas en aceites y otras mezclas. Les llegaba la cola y diluida en agua, mezclaban los colores y pintaban para que se quedaran pegados. Para las tintas utilizan:

Blanco de cal.

Negro de humo. Negro carbón de origen animal de la quema de huesos.

Los rojos, rosas, ocres, gama cálida de la miniatura anglosajona: son de origen mineral. Lo más empleado es la hematita (es lo mismo que decir un óxido de hierro) o tierras rojas y ocres de composición diversa. Eso significa que va a llevar hierro pero no es fontis purísima. Todas las tierras llevan hierro, dependiendo los otros componentes, varían los colores: Manganeso – ocre

Titanio - Naranja

Fósforo – Amarillo

Son pigmentos muy económicos porque hay en todas partes y en una gama muy variada. Son muy buenas para la miniatura porque los pigmentos con hierro los podemos moler hasta donde queramos. El cobre tiene su punto, pues si me muele mucho se pierde el color y si no, pesa mucho. En la miniatura es fundamental mover al máximo un pigmento, pulverizarlo para reducir la partícula y conseguimos más luz y menos opacidad.


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Preparación del pergamino El pergamino llega al monasterio.

Tratamiento de la hoja.

Marcar líneas.

Escritura con tinta.

Decoración. Aglutinante, diversos pero muy importante la goma arábiga Oro Pigmentos Blancos Los colores en los libros anglosajones: Blancos: El más usado es el blanco de cal.

Negros: el más usado es el negro carbón.

Rojos.

Tierras.

Hierro. Bermellón: Sulfuro de mercurio (azufre y mercurio) con un poco de hierro. Es muy común encontrarlo en la zona anglosajona, y no se mezcla porque era poco abundante, no estaba en toda Europa. Importantes yacimientos en Irlanda, y menos en Inglaterra y Escocia. Es costoso, por eso es raro que se mezcle, aunque hay un pequeño porcentaje de mezcla, especialmente para eliminar ese matiz naranja y hacer un rojo más puro. Es caro, pero responde perfectamente a las exigencias de un objeto tan preciado. Cinabrio: Mercurio que da mucha luz a los rojos (anaranjado) va muy bien con la estética de la miniatura. Mercurio: Hay que mezclarlo para que no sea tóxico (medicina, cosméticos) pero en arte es extraño. Rojo de Plomo o Minio: Está menos identificado químicamente en los libros. Es de origen mineral y proviene de la raíz de la rubia tintorum, fue más utilizada en el arte del Mediterráneo Antiguo. Es muy probable que la rubia que se estaba usando en los libros anglosajones, provenga del Mediterráneo, igual que veíamos elementos mediterráneos en la tumba de la sacerdotisa de Vix por ejemplo. El intercambio y movimiento entre el Mediterráneo y el Atlántico están vigentes desde la Edad Antigua. Es un colorante, por lo que será más translucido que un tinte, que un pigmento. Ayuda a la luz. Sangre de Dragó: De la especie calamus draco que es lo que le da el nombre popular. Parece una gota de sangre coagulada porque es color y es resina, lo que suda la planta es una resina roja, que ya lleva el aglutinante dentro. Para diluirlo no basta con agua, será necesario algún aceite o alguna solución con cal. En el caso del libro anglosajón será el aceite (que como pigmento no se usa hasta el Renacimiento, se le da otro uso desde mucho antes). En el Barroco, se utilizó la gota directamente para las lágrimas de la imaginería (Cristos, dolorosas, etc) especialmente en España. Supone un problema para los restauradores porque es una sustancia orgánica, es aceite, es resina.

AMARILLOS Reseda Luteola: colorante amarillo, de esta planta más abundante en el Mediterráneo que en la zona anglosajona, por tanto hubo intercambio.


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AZULES Y VERDES DE COBRE: Había muy buenas minas.

VERDES Malaquita: Carbonato básico de cobre. Paratacamita: Menos usada, silicato básico de cobre, el cobre va ligado a una matriz de sílice. Atacamita: Cloruro básico de cobre. El más usado es el primero, pues en el territorio anglosajón hay mucha humedad. El carbonato de cobre, con la humedad y el tiempo se puede convertir en atacamita, el debate está en saber si las atacamitas son atacamitas o son malaquitas convertidas en atacamitas… AZULES Azurita Lapislázuli: Las únicas minas están en Afganistán, por tanto es caro, por importación. Pastel: Orgánico, procede de la planta del pastel (isastis tintoria), el tinte se encuentra encapsulado en las hojas. Este es el que más se ha identificado en los libros. Índigo: Se importa desde América, por tanto no se identifica en esa primera etapa del Cristianismo. (indigofera jamaicena) no lo había en los países anglosajones, tampoco en el Mediterráneo. Ambos son azules muy parecidos, la base es la misma. El índigo se importa de forma masiva (comercio regulado por los Reyes Católicos y demás monarquía hispana), y esto supone una bancarrota para Alemania y Francia que eran los primeros productores de pastel, ya que el índigo a pesar de venir desde tan lejos, es más intenso, más barato, es una gran competencia. La conquista de América dará lugar a la importación de numerosos colorantes y se produce un importante cambio en la pintura a nivel técnico. En este sentido, la Santa Inquisición mete mano para que no se utilicen materiales de fuera, pues era idolatría, etc. Esto se hace para intentar reflotar la economía de los países productores de pastel. En el libro renacentista, conviven pastel e índigo. Otro producto que trajo problemas fue el rojo de grana cochinilla (dactylopius cocus) hace que se deje de consumir el rojo kermes (cocus illius). Ocurrió lo mismo que con el pastel, la Inquisición se mete por medio con amenazas de cierre de talleres, de hoguera, etc. No afectó demasiado, un buen ejemplo es el Greco y en general los pintores manieristas. **goma arábiga, el aglutinante más utilizado en el libro anglosajón.

Decoración : Aglutinante. Diversos, pero muy importante la goma arábiga 1. Oro 2. Colores

2.1 Blancos de cal 2.2 Negros carbón de origen vegetal y animal 2.3 Gama cálida minerales (pigmentos) hematita y tierras ocres y rojas de composiciones diversas: bermellón y minio.

Respecto a los colores de tonos azules se utilizó mucho la Isahs tintoria, planta de naturaleza índigo. Como azul orgánico, el que se ha identificado generalmente es el pastel. El índigo procedía de América, por lo tanto no se encontraban en los textos decorados del primer cristianismo. La base del colorante es la misma. Fue traída de América. Las principales productores de pastel estaban en el sur de Europa, Alemania y Francia. Así, Alemania fue el principal productor del pastel desde Edad Antigua. Cuando el índigo fue importado desde América con el comercio controlado por la corona española supuso una catástrofe para los productores de pastel del Norte de Europa. En consecuencia, el índigo se utilizará mucho más por ser más económico y tener más calidad. Para controlar esta situación, la Santa Inquisición promulgó algunas cédulas que penalizaban la utilización del índigo.


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Las principales producciones de kermes habían estado en Italia. Estos tintes eran de tan buena calidad que se utilizó durante mucho tiempo, ejemplo de ello fue la pintura de El Greco con la granacohinilla, Tiziano también.

[Lindisfarne Gospels] La portada del Evangeliario de Lindisfarne, tiene una fusión de elementos celtas. Toda la pagina de arranque del evangelio de Lindisfarne está engarzada con piedras preciosas, coral, turquesa, lapislázuli, etc. Todo de tal modo que pareciera una obra de orfebrería. Esos libros a nivel de símbolos enlazan la cruz del cristianismo engastada a lo que es el círculo, OIW de los celtas. Todos los márgenes tienen un engaste de piedras preciosas rodeadas de laberínticos que nos remite a lo celta y vegetal.

[Libro de kells] Tiene exactamente los mismos símbolos como una X y una P. Se denomina hirro (x= fi, p=ro), y es el emblema de Cristo. Estos libros fueron casi todos evangeliarios. A veces lo cristiano es más evidente.

[Evangelio de Lindisfarne] Las páginas que aparecen encabezando la vida de cada santo están decoradas casi sin símbolos celtas, pero en las formas de los extremos de los marcos hay una especie de reinterpretación de formas que tienen más que ver con esa decoración de los países anglosajones. Hallamos estos evangeliarios en pergamino y con una figuración que casi recuerda al mundo romano. En estos lugares de Europa el revival de lo romano surgirá en la época de Carlo Magno y

en la época teutónica. [Cruz de Ruthwell] Labrada por sus cuatro lados, el lado norte y el sur se reservan para las figuraciones celtas y el este y el oeste para representaciones cristianas. En el lado este se representa el arquero, La visitación, María Magdalena lavándole los pies a Cristo, La Anunciación y por último la crucifixión. Esta figuración no ha sido representada de una forma ordenada cronológicamente. El lado oeste, evangelistas san marcos y san Lucas al principio. San Juan bautista, Cristo crucificado, Cristo en la huida de Egipto y la multiplicación de los peces y panes. El lado norte y el sur nada tienen que ver con los lados este y oeste. En los enroscamientos de estos elementos nos encontramos elementos muy importantes del Cristianismo. También vemos las uvas representando la Eucaristía y símbolo de esa ultima cena, y cáliz de salvación. La invasión vikinga: los vikingos llegan con sus creencias y las tradiciones ligadas a esas creencias que no tienen que ver con las culturas cristianas. Así se intentó reforzar mediante las figuraciones cristianas esta fe cristiana.


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[Cruz de Bewcastle] Los cuatro lados se labraron también y de nuevo se produce esa relación entre las iconografías cristianas y en los otros lados hay elementos que simbolizan el mundo vegetal. Aquellas que aluden a la dualidad mediante círculos, serían celtas, mientras que los elementos vegetales que se muestran como vides aluden a la eucaristía cristiana. También hay animales que quedan encerrados en lo vegetal y que nos acercan a los bestiarios medievales donde los animales son virtudes cristianas. Las representaciones figurativas a veces están muy erosionadas pero guardarán un significado cristiano, en las cruces las representaciones figurativas tienen que ver con el Cristianismo, es en la representación de lo vegetal donde hay que saber diferenciar.

[Cruz de Monasterboice] Lo que le dicen a la sociedad irlandesa es que Dios es el que les va a salvar y no los vikingos. En medio de la coyuntura difícil que puede hacer que el fiel dude, hace que Dios sea sin ninguna duda el Dios por excelencia, siempre utilizando esa fusión entre lo celta y el cristianismo.

[Placa de la crucifixión St. John Siglo VIII] Obra muy pequeña de plata, donde vemos en el centro la figura de Cristo crucificado y está flanqueado por cuatro figuras, dos son ángeles y dos humanos. El está en el centro porque en el cristianismo representa el centro, la creación. Los ángeles representan el cielo y los humanos la tierra. El rostro de Cristo guarda relación con el rostro del dios celta Cernunnos, el centro, la naturaleza salvaje. La indumentaria de Cristo tiene elementos celtas como la triqueta.

El cáliz más conocido de plata de la época es el Cáliz de Ardagh, del año 700 d.C, esa plata que lo integra se consolida con filigranas de bronce dorado y las rosetas que aparecen en el centro, donde se engastan piedras preciosas como el coral, de ónice, de cristal de roca, de ámbar, la turquesa también.


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[Cuenco colgante ca. 700 d.C.] Se utilizaron para llevar agua bendita, la llevaban los sacerdotes y los monjes. Lo que ocurre es que se han visto en diferentes contextos, contextos de origen religioso. Llegan a cualquier poblado y así bendicen la comunidad. El material que lo constituye es el bronce dorado. En parte es por los contactos que tienen con Bizancio. Finales del siglo VII d.C. El enterramiento y tesoro de Sutton Hoo, enterramiento de un rey inglés. Aparecen monedas de finales del s.VII. El rey fue enterrado en la estructura de un barco, ya que para llegar al mundo de Avalon, el más allá, el difunto debía de hacer una travesía por mar que lo llevara a ese lugar. Dentro del barco aparece una indumentaria propia de un guerrero. Como un casco ligeramente abombado o circular, llevaba protección para las orejas y una máscara integrada. Además encontraron una fíbula, orfebrería con símbolos celtas muy concretos, enroscamientos que remiten al mundo vegetal, que finalmente es la naturaleza. Hebilla con incrustaciones de lapislázuli, y un broche de oro y piedras de una calidad y un exotismo hasta ahora no conocido, como la cornalina y el lapislázuli. También se encontraron cuencos de plata de influencia bizantina, con cruz austera, que tiene que ver con la relación del imperio bizantino.

Arquitectura- Nether Wallop, Hampshire En un periodo de cinco siglos s.V y s.XI, se consigue evangelizar totalmente los territorios anglosajones, se levantaron muchos monasterios, se produjeron muchos libros, muchas cruces y piezas de orfebrería de mucha delicadeza. Todo ello representa ese sincretismo entre la antigüedad celta y el cristianismo, sincretismo que ha quedado vigente hasta la actualidad. Cuenco colgante 700 d.C. Lo llevaban los monjes para llevar el agua bendita, iban de un lado a otro evangelizando, necesitaban llevarla consigo. En el año 610, aparece el imperio Bizantino en la parte oriental de Europa, por tanto habrá influencias, contactos, intercambios. Esto afectará evidentemente al arte, especialmente a la orfebrería, se ve en el cuenco colgante, el uso de cristal de roca por ejemplo es típico de Bizancio

Enterramiento y tesoro de Sutton Hoo, (VII d.C.) Este de Inglaterra: Es el enterramiento de un rey inglés, y aunque no se conoce la fecha exacta, se sabe que no puede ser de antes del 695 d.C. por las monedas que aparecen en el ajuar funerario. La estructura del enterramiento es la de un barco, algo que tiene mucho que ver con las creencias anteriores (navegar hacia el más allá) Este es otro ejemplo de esa mezcla de la antigüedad celta con el primer cristianismo. El barco simboliza ese “ir más allá del mar” para llegar a Avalon, Awnn, etc.


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Tesoro de Sutton Hoo, en el enterramiento Aparece el casco, típicamente celta como los ya vistos, en bronce que cubre cuero, con sus orejeras y la parte trasera para el cuello. Hebilla o fíbula: completamente celta, donde no aparece ningún elemento cristiano, enroscamiento que remite al mundo vegetal y presenta los símbolos del uno, dos, etc. Toda la simbología celta.

Otra hebilla Aparecen aquí elefantes (conocimiento de Oriente), además un hombre entre fieras, motivo iconográfico antiguo, recuerda a Cernunnos que aparecía rodeado de animales. Broche: La diferencia con respecto a los anteriores, es que aquí si que aparece oro y no bronce dorado. Debió ser una pieza importante, pues el orol indica importancia simbólica y económica. Colección de cuencos: Ya apenas hay motivos celtas, aquí aparecen motivos bizantinos, los cuencos presentan una cruz con círculo en el centro. Son de plata. Todo el proceso de evangelización hace surgir una serie de representaciones iconográficas, que se entremezclan con los símbolos de las culturas celtas antiguas.


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ROMANICO ANGLOSAJÓN El término Románico se emplea por primera vez en el ámbito de las lenguas para hacer referencia a la recuperación de las lenguas romances frente al Latín, pero en un principio no se usa como un término arquitectónico o pictórico. Luego ya se emplea en los ámbitos arquitectónicos, etc. No es tanto problema asumirlo para lo que es la arquitectura porque el termino Románico hace referencia a Roma, la cual se está recuperando. Recuperación en el uso de bóvedas como la de piedra, la más importante. Desde un punto de vista general, el Románico tiene tres etapas muy claras: Primer Románico: Se extiende desde finales del Siglo X hasta el último cuarto del Siglo XI.

Románico Pleno: A partir de 1070 hasta finales de la primera mitad del Siglo XII, 1150, aproximadamente.

Tardorrománico o Románico Tardío: Segunda mitad del Siglo XII hasta el primer cuarto del Siglo XIII.

Este es el marco general que sirve para determinar la particularidad del Románico Inglés: hasta aproximadamente 1070 no encontramos construcciones plenamente románicas en Inglaterra. Existen precedentes bajo el gobierno de Guillermo I. El Románico pleno coincide con la Batalla de Hasting el nombramiento de Rey de Inglaterra de Guillermo I, Duque de Normandía. El nombramiento en el 1066. Entre que esto ocurre y se regula todo median estos cuatro años. Los precedentes de desarrollan en tiempos del Rey Eduardo el Confesor que entre 1045 y 1050 decide reformar la Abadía o Iglesia Abacial de Westminster. De ella nos quedan ruinas, pero conocemos muy bien su planta y a través de la arqueología. Conocemos aspectos que nos ayudan a conocer cómo era. Gracias a los hallazgos arqueológicos, primer indicio, unido a que sabemos cómo era la planta, el Tapiz de Bayeux, nos permiten acercarnos a como era. Esta ampliación permite que la Iglesia abacial tenga una nave de doce tramos con un importante transepto. Es muy importante el coro donde se eleva una torre. Esta ampliación debe considerarse un precedente con mucha influencia de Normandía. Pero en 1040, el Abad Robert

Champart ordena la reconstrucción de Jumièges, de gran influencia, ambas son de planta basilical, sus tres naves se caracterizan porque la central es más elevada y ancha que las laterales. Se cruzan por un transepto importante que en el exterior se decora con un elemento como una torre y una cabecera imponente. Sus tres naves, tanto en una como en otra están cubiertas con bóveda de piedra, cuando lo normal era que estuvieran cubiertas con madera, lo que supone un cambio desde el punto de vista tecnológico y permite su mejor conservación. Se recuperan las bóvedas de cañón y de arista de Roma. Proliferación de capillas para el culto a las reliquias y aumento considerable del clero, no todos se colocan en el ábside principal. Ello también genera la girola o deambulatorio. En Inglaterra preceden al Románico, construcciones como la de Westminster, la cual se inspira en la de Jumièges.

- Planta Basilical: tienen varias naves y de ellas, la central será más elevada y ancha que las laterales. - Tipo sala o Hallenkirche: Todas las naves tienen la misma altura.


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Tapiz de Bayeux Son 70 metros de tapiz, totalmente narrativo, es como seguir un cómic, una escena detrás de otra. Nos narra la conquista de Inglaterra desde los previos a la Batalla de Hasting a la que corona a Guillermo I. Está hecha de lino con hilos de muchos colores. Es muy estrecho, cincuenta centímetros de ancho. En las letras, las inscripciones están en latín.

Eduardo el Confesor estaba preocupado por su sucesión en el trono, por lo que decide exiliar a su suegro Godwin y nombrar como heredero a su primo Guillermo de Normandía. Pero Godwin tenía un hijo: Harold, el cual no es enviado al exilio. En un momento dado, Harold cae en manos de Guillermo de Normandía, pero este le dice que cuando Eduardo muera, le apoyará como sucesor, pero llegado el momento no le apoyó, como es obvio. En el 1064 muere Eduardo el Confesor, y antes de morir cambia de opinión y ordena como sucesor a Harold. En 1066, Guillermo I se proclama rey de Inglaterra. Los cuatro años de intermedio se fortalecen al máximo castillos, etc, la construcción era para fortalecer todos los espacios de protección, y cuando ya no hay tanto riesgo para una invasión foránea se van estableciendo las nuevas bases. Guillermo I llamará a Lanfranco como arzobispo a la cabeza de Canterbury. Los focos más importantes del Románico Inglés serán Canterbury, York y Roen. Odo de Bayeux: Hermanastro de Guillermo de Normandía. Es de las iluminaciones mas bonitas de la época, de Canterbury. Muere el Rey, y Harold es el nuevo Rey, su cuñado como Rey de Inglaterra, ello desencadena la Batalla de Hasting que coloca a Guillermo como nuevo Rey.

Es una fuente de información para la historia, tipo de caballos, armamento, técnicas de armamento, indumentaria, etc.

Generalidades de la arquitectura romana en los países anglosajones Empezaremos leyendo la planta de la Catedral de Ely: El románico anglosajón se caracteriza por: ¬ Plantas basilicales: con la nave central más alta y amplia que las laterales. ¬ Para la cubrición de la nave central se usan bóvedas de cañón, para las laterales bóvedas de

aristas. ¬ Lo normal son tres naves, raramente cinco. Las naves axiales desembocan en un transepto muy

bien definido dividido también normalmente en tres naves. Ello desemboca en un deambulatorio o girola que envuelve toda la cabecera. Pueden tener ábsides en batería para el culto a las reliquias.

¬ Es común que haya un nártex a la entrada. ¬ No vamos a encontrar tipo sala o hallenkirche en territorio anglosajón.


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¬ Algo muy propio de este territorio en el románico es la increíble jerarquización en vertical de los espacios. La central, de una manera muy notable va a sobresalir sobre las laterales, aunque estas también son bastante altas. Todo esto sería el gótico septentrional.

El gótico del norte acentúa respecto al resto la altura de las naves. Esa elevación tan grande de la nave central permite la articulación en vertical de tres niveles. El primero, a través de arcadas, marca en tránsito de la nave central a las laterales, mediante arcadas de sistemas sustentantes múltiples: se juega con diversos soportes, se combinan entre sí. El segundo nivel conduce a un triforio o galería desde donde se puede observar la celebración de la eucaristía. El tercer nivel permite horadar y que entre la luz al interior, es el claristorio.

Catedral de Winchester Sistemas de arcadas que descansan en sistemas sustentantes múltiples.

Catedral de Ely

Acceso a las dependencias del Prior de la Catedral de Ely Maiestas Domini encerrado en una mandorla, interpretado como el espacio celestial. La flanquean ángeles. En una mano sostiene un libro abierto y en la otra alza en la conocida posición de “ego sum” (lux mundi), es quien nos va a juzgar, un mensaje o temática muy propio de la escultura románica. En La arquitectura románica en general lo común es encontrarnos en el tímpano de las puerta de acceso esta Maiestas Domini. Rodeada de escenas que recuerdan que el hombre cayó en el pecado, pero tenemos derecho al perdón y el advenimiento del mundo y el Juicio Final. Todo ello forma parte del discurso de este momento. La adaptación de las figuras al marco arquitectónico, lo que determina la composición es el marco arquitectónico. Esta es una característica de la arquitectura románica estemos donde estemos. El hieratismo y la expresividad también es propio de este momento. En la Iglesia de Clayton vemos a Dios gobernando desde la Jerusalén Celeste con sus arquitecturas.

Iglesia de St Botolph, Hardham Sussex Aparece también el cordero como muestra del sacrificio. Línea y expresividad a nivel pictórico son dos características de la pintura románica. El pecado original que impide la salvación del hombre es el mensaje, en cualquier lugar y territorio. El románico da prioridad a la imagen de Cristo frente a la mariana, el gótico será al contario, dando prioridad a María.


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Biblia de Bury Las historias están vinculadas a una Edad Media, sigue recordándonos a la obra de orfebrería propia de época celta. Por como aparecen una serie de elementos que se enroscan y cierran las historias. Es muy importante y repetitiva esta Maiestas Domini, rodeada del tetramorfos. El uso del color es muy expresivo en términos de fauvismo, no se mezclan ni superponen colores ni efectos naturalistas. Ausencia de naturalismo por el hieratismo y por cómo se trabaja el color, de manera muy plana. Todas las imágenes tienen que ver con las enseñanzas, todo tiene que ver con Dios y por ello tiene que estar lleno de luz (Yo soy la luz del mundo). Todo ello viene del campo de las ideas estéticas a las artes plásticas. Hasta

que no aparece el oleo en el Renacimiento no se pueden trabajar las mezclas. La forma de rodear a los personajes y los marcos recuerda el repertorio del mundo celta (excepto la mandorla). Iniciales habitadas VS iniciales historiadas Biblia de Winchester Tiene el reforzamiento del torque.

Salterio de Winchester Muestra el mensaje de Dios: llegará el Juicio final que puede salvarte o ser condenado por siempre. Llama la atención la expresividad. Todo lo que vemos es propio del románico anglosajón, es la entrada a los infiernos.

Genralidades (resumen) A nivel arquitectónico: se tiende mucho al uso del nártex para preceder al acceso al interior de la basílica. Lo más importante es la elevación de la nave central y de las laterales. El románico inglés lo acentúa mucho frente al resto. Importancia de la luz en el románico anglosajón. Importancia de la figura de Cristo en pintura y escultura, en escenas que nos hablan de que él es el Juez, el Cristo en Majestad. Seguimos viendo lo celta en el escenario privado (biblias, salterios, códices…) permanece donde no duele ni atenta contra el nuevo orden. Obras que se disfrutan a nivel privado. A nivel formal, mucha expresividad y hieratismo. Buscar tapiz bayeux en Youtube


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GOTICO ANGLOSAJON ¬ Enrique II ¬ Juan Sin Tierra ¬ Enrique III ¬ Eduardo III ¬ Enrique VII ¬ Enrique VIII El gótico entra en Inglaterra en una época muy temprana, a mediados del Siglo XII. Ello es por Enrique II de la Dinastía de los Plantagenet. Inglaterra y Francia tuvieron durante toda la Edad Media una guerra secular que explica que Inglaterra no quisiera asimilar los modelos del Gótico francés. Querían una arquitectura, un gótico con sello propio. Con esa actitud empieza a acuñarse un nacionalismo. Es un país muy nacionalista, de proteger y defender lo suyo. Crea un sello muy anglo-normando. Ellos lo reinventan y reinterpretan a su manera. El gótico nace en la Abadía de Saint Denis con el Abad Suger. Catedral de Salisbury

Es una de las arquitecturas más representativas de este gótico Inglés. Empezó a construirse en 1220, al igual que Amiens. Pueden estar a las afueras de la ciudad, como es el caso de Salisbury. La de Amiens, sin embargo se planificó en el centro de la ciudad. La planta se concibe como una sucesión de rectángulos. En un inicio se planificó con una torre al norte, pero luego no se hizo. El cuerpo principal de la catedral concluye al sur con un claustro, ese recinto cuadrangular desemboca en la planta poligonal que es la Sala del Capítulo, un rasgo de la Arquitectura Inglesa. Esa sala tendrá

normalmente planta poligonal. Puede haber casos que lleguemos a esta sala capitular desde un extremo de la catedral y no desde el claustro. Ejemplos de ello encontramos en las siguientes catedrales:

Catedral de York

Catedral de Wells Catedral de Lincoln La planta suele ser basilical. Llama la atención que tiene dos transeptos, el central y principal cae más al centro. Por lo general vamos a encontrar dos transeptos. Tienen un crucero, que exteriormente se simboliza con un cimborrio. Detrás del crucero hay un púlpito. La distribución del espacio explica la distribución de la gente, el púlpito delimita el acceso de los fieles, aunque aún quede mucha catedral por detrás. El elemento que hay detrás del primer crucero es una sillería para el clero y en el segundo crucero esta el presbiterio para el altar mayor. En las catedrales inglesas solían ubicarse altares secundarios en las naves laterales de los transeptos. Después del segundo transepto hay una sucesión de volúmenes escalonados para el coro. El coro desemboca en una capilla axial donde se sitúa el coro alto. Entramos al interior… Diferencias con el gótico francés. El inglés es muy elevado en altura, pero es más bajito que el francés. Compensa con la tremenda extensión del cuerpo longitudinal. La Catedral de Salisbury tiene casi veintiséis metros de altura, la de Amiens alcanzó cuarenta y cuatro. En el gótico inglés las elevaciones de los espacios son inmensas, pero comedidas con el francés. En el caso de la Catedral de Colonia, se percibe también una gran elevación.


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Gran riqueza en la diversidad de materiales que se emplean en la construcción. La piedra caliza está siendo utilizada en el ochenta por cien de la construcción y un mármol negro que se puede pulir muy bien lo que da un efecto decorativo muy bonito. Policromía pétrea muy destacada. En muchos casos había policromía en determinados lugares. Combinación de materiales en Inglaterra frente al único material utilizado en Francia. Los baquetones adquieren una gran importancia en la arquitectura del gótico, son muy delgados. Los muros ingleses son mucho más gruesos que los franceses, por ello se utilizan esos baquetones como nervios, que consiguen contrarrestar esa densidad. Para pasar de un espacio a otro, podemos ver decoraciones como la de la catedran del Wells de la foto. Es un mundo muy natural, de nostalgia hacia lo antiguo. Algo muy inglés son las cabezas arriba de los capiteles. Los claustros se caracterizan por un espacio cuadrangular rodeado de galerías porticadas. La sala capitular: con esas bóvedas estrelladas. Del gótico internacional: bóvedas en abanico, se abren como si fueran abanicos. Esto lo retoma el modernismo inglés, o incluso encontramos ejemplos en el Mercado Central de Valencia.

Kings College


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La figura del pantocrátor crea un abismo entre el fiel y la religión, se intentó revertir esa sensación de cara al Gótico, por ello pasa a ser María la protagonista. A través de ella se intenta acercar de nuevo la religión al fiel, una figura más humana. En las fachadas va a ser muy recurrente las imágenes de reyes y reinas, pues es un arte de las ciudades, con su corte, su realeza católica (en este momento). Imágenes que hablan de la religión. Imágenes marianas y de la realeza son imágenes muy comunes en las fachadas de las catedrales góticas inglesas.

En el campo del libro, se siguen haciendo según los tipos que conocemos, donde de nuevo encontramos la representación de la imagen religiosa con escenas de la vida cotidiana. Gorleston Psalter

El gótico se recupera en estos países a partir del Siglo XIX, el revival o renacimiento inglés. El Parlamento o antiguo palacio de Westminster, que sufre un incendio, reproducido por William Turner. Esto lleva casi a la ruina al Reino Unido. Oscar Wilde, El renacimiento inglés del Arte:

“Nuestro renacimiento inglés, un renacimiento multifacético y maravilloso, productor de fuertes ambiciones y elevadas personalidades, pero que a pesar de sus espléndidas

realizaciones en la poesía y en las artes decorativas y en la pintura, pese a toda la acrecentada donosura y gracia en el vestir y el mobiliario de las viviendas y cosas

semejantes, no es completo. Porque no puede haber una bella escultura sin una vida nacional, y el espíritu comercial de Inglaterra la ha matado, el bien que obtenemos del arte no es lo que aprendemos de él: es lo que llegamos a ser gracias a él……..”

Nos acerca a la realidad de la Inglaterra del Siglo XIX y una crítica que los artistas realizan a la época que se está viviendo, industrial, que está arruinando el espíritu del arte.


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EL PRERRAFAELISMO Y LA EPOCA VICTORIANA

El Prerrafaelismo es el Romanticismo renovado, un puente clave para entender el Simbolismo y el Art Nouveau y Art Decó y otras Vanguardias. No respondía al arte oficial de la época, contestatario a las artes oficiales, por eso no se veía en los programas oficiales. La primera vanguardia contemporánea es el Romanticismo, aunque se consideraba del Impresionismo en adelante. La segunda generación Prerrafaelista es simbolista, los mismos pintores prerrafaelistas se convierten en simbolistas, es un paso más que natural. Todo se da en la época Victoriana, época en la que reina la Reina Victoria, de 1837 a 1901. No es un gobierno uniforme en el sentido de que tiene tres etapas claramente diferenciadas a todos los niveles (cultural, social, político, económico…):

1837 – 1850

1850/1851 – 1874

1874/1875 – 1901 Es en la primera etapa, en el 1848 que nace el Prerrafaelismo el Inglaterra, al mismo tiempo que Francia conoce el nacimiento del Realismo. Esta etapa estuvo marcada por la reconstrucción de la Corona (después de la Dinastía Hannover). Ésta había dejado arruinada la corona inglesa, por ello, la Reina Victoria restaura la política y la economía de la Corona con ayuda del parlamento. Recupera lo gótico, un estilo propio, autóctono para subrayar ese Nacionalismo Inglés. Después de un siglo de Revolución Industrial, es el centro de finanzas del mundo, una potencia en toda regla.

La segunda etapa se caracteriza por ser la época dorada, máquina de hacer dinero, lo más poderoso a nivel mundial se encuentra en Inglaterra. La reina y su esposo organizan la gran Exposición Universal de Londres para mostrar al mundo lo que era Inglaterra en esos momentos, ese centro de finanzas del mundo, el ombligo más poderoso del planeta.

La reina dirá: “En día 1 de Mayo de 1851 ha sido el día mas grande de nuestra historia. El más

grande, inmenso y conmovedor espectáculo que se ha visto jamás, y el triunfo de mi amado Alberto de Sajonia y Coburgo. Su nombre quedará inmortalizado en esta gran

idea suya” La tercera etapa es de decadencia. Inglaterra sufre una crisis económica brutal, similar a la crisis positivista que está sufriendo Francia. En Francia estamos asistiendo al origen del Simbolismo (1886). El prerrafaelismo surge en 1848 hasta aproximadamente 1860, después entra en su segunda etapa, dentro de la cual los mismos pintores prerrafaelistas van transformándose en simbolistas. El origen del simbolismo está dentro de la segunda generación del prerrafaelismo. Fundadores del Prerrafaelismo (La Hermandad Prerrafaelista):

Dante Gabriel Rossetti

William Holman Hunt John Everett Millais

John Ruskin – Crítico que apoyará el Prerrafaelismo


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Dante Gabriel Rossetti John Ruskin dice que se está valorando más este arte. Las críticas más duras son que: desconocen las leyes de la perspectiva (geométrica y aérea) y los cánones de belleza. Avanzan cosas para movimientos posteriores. La obra más importante de Ruskin es “Las siete lámparas de la arquitectura”: exhibe hasta qué punto el prerrafaelismo es heredero del Romanticismo. Decía que la arquitectura no podía restaurarse, y esto es un

poco impensable a la vista en estos tiempos de Viollet Le Duc. No debía de restaurarse, porque la arquitectura es como un ser vivo, nace, crece y muere. Asistimos al nacimiento de la arquitectura cuando se está construyendo, asistimos al crecimiento mientras está en uso, cumpliendo su función y muere cuando queda en ruinas, y esta ruina hay que respetarla porque no se podría resucitar un muerto; lo que se puede hacer es consolidar, o curar. La ruina es el Romanticismo, fondo de tantos cuadros.

El Prerrafaelismo es Vanguardia por varios motivos: Porque avanza muchas cosas a nivel estilístico. Porque es un movimiento muy juvenil, ninguno de los fundadores tenia la mayoría de edad (25

años por entonces). Eran católicos en un país de mayoría de Protestantismo Anglicano. Son contestatarios del arte oficial, crearán una publicación que se llamara The Germ (el germen)

donde transmitirán claramente cuál es su filosofía a través de ilustraciones, opiniones, literatura, poesía y pintura.

Avanzan cosas nuevas estéticamente, que se van a convertir en un leit motiv para posteriores movimientos: Uso del motivo vegetal muy estilizado que hunden sus raíces en el Universo Celta, ya trabajado por el libro del primer cristianismo en estos países: el Libro de Kells, de Lindisfarme, Durrow; rescatan lo celta desde el Universo Cristiano. Esto lo va a hacer el movimiento “art & Crafts”, cuyo fundador es William Morris, prerrafaelista de segunda generación. Después lo va a hacer el Simbolismo y sobre todo el Art Nouveau, basado en la línea ondulante de inspiración de la naturaleza, en un sentido muy orgánico. Hay que interpretar este arte en clave erótica muy femenina, la mujer y sus curvas, sus cabellos, el arte finisecular es un arte simbolista.

John Ruskin y Rossetti


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Fusión de las artes plásticas con la literatura, relatos literarios, poesías. No es la primera vez que el artista se adentra en la literatura, como por ejemplo ya lo hizo William Blake y Henri Füsli (prerrománticos ingleses). A parte de ellos, en Alemania, los Nazarenos ya lo han hecho, un movimiento del Romanticismo Alemán, han creado obras de arte inspirados en relatos literarios. Los prerrafaelistas van a tener en cuenta la literatura de otras épocas y las de época contemporánea, muchos de ellos también escriben poesías y relatos, anida en ellos esa fusión de literatura y arte, Rosseti puede tener obras que se inspiran en su propia poesía o creación literaria. Dos de los escritores inspiradores de estos prerrafaelistas son: John Keats y Alfred Kennyson. Se inspiran en leyendas y relatos de la Edad Media y Protorrenacimiento, antes que Rafael Sanzio. Autores importantes para ellos son también Dante y Shakespeare. La integración de las Artes: estamos en el Siglo XIX (el XVIII es el Arte de las Academias, se establece el concepto de Bellas Artes: Arquitectura, escultura y pintura, artes mayores). Los prerrafaelistas están en contra de esto, dicen que el arte expresa, desde un textil, una orfebrería, todo es válido, quieren acercar el arte a la vida cotidiana. Van a integrar las artes y las van a acercar a lo cotidiano. Con ellos adquiere mucha importancia la ilustración del libro.

Elizabeth Siddal “La Dama de Shalott”, musa inspiradora para los prerrafaelistas, su rostro su imagen, aunque empezó como modelo, pronto se convirtió en artista, poeta, ilustradora, y está unida sentimentalmente con Dante Gabriel Rossetti, en esa unión, ella es bastante desgraciada porque él la engañaba con todas sus modelos, ella murió suicidándose siendo muy joven, incluso tuvo un aborto del único hijo que podía haber tenido con él.

Otra mujer es Jane Burden (nombre de soltera), pasando a ser Jane Morris, musa inspiradora también para su marido. No fueron las únicas que contribuyeron en la creación de un nuevo estereotipo femenino. Estereotipo de la femme fatal, ese eterno femenino está detrás del Prerrafaelismo, sus características serán básicas. Otras serían:

Annie Miller

Louisa Ruth Herbert

Ellen Frazaer

Anne Ryan

Maria Zambaco

Effie Gray Esa fisonomía es de cabello suelto muy abundante y muy revuelto y enmarañado, el cabello de medusa, un cabello amenazador, suele ser rojo o negro, raramente rubio. Sus ojos son de color claro, normalmente verdes, tan amenazadores como esos cabellos amenazadores. Los labios son carnosos, rojizos muy seductores. El cuello es muy largo donde puede morder el vampiro, el cuello del cisne, remite a la Edad Media, donde el cisne es un animal mágico, mortuorio y femenino. Su naturaleza férrea con cejas bien definidas y nariz muy recta. La piel será muy blanca.

Rosetti, La Ghirlandata, 1873 Rosetti, Proserpina, 1874

Rosetti, Lady Lilith, 1868 Fue la primera mujer de Adán, muy contestataria, por ello se fue con Eva.

John Collier, Lilith, 1892 La envuelve la serpiente, el símbolo del mal.

Cadogan Cowper “La Belle Dame sans merci”, 1926

Gustav Klimt, Danae, 1907

Todo esto pasa al cine como por ejemplo en “Drácula” o “Abierto hasta el amanecer” de Tarantino. Rosetti, ecce ancilla domini Mujer vulnerable, virginal Es un rostro andrógino


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Edward Burne-Jones, El hechizo de Merlín, 1872-1877 Es un rostro andrógino

John Everett Millais, Mariana, 1851 La mujer frágil víctima de un destino fatal, el suicidio, amor no correspondido

Rosetti, Beata Beatrix, 1863 Es Elisabeth Siddal, la pinta justo después de que se quitara la vida. La flor del opio nos da la clave de cómo se quito la vida…


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REVIVAL O RENACIMIENTO INGLÉS DEL SIGLO XIX * CONTEXTO HISTÓRICO - GOBIERNO DE LA REINA VICTORIA - DESPUÉS DE UN SIGLO DE REVOLUCIÓN INDUSTRIAL (LAS CONSECUENCIAS YA SON EVIDENTES) * SURGIMIENTO DE LA HERMANDAD PRERRAFAELISTA (1848/EN FRANCIA EN EL MISMO AÑO SE INICIA EL REALISMO) - Miembros fundadores (Dante Gabriel Rossetti, William Holman Hunt, John Everett Millais) - Crítico de apoyo: John Ruskin -Aportaciones del prerrafaelismo: decoración vegetal estilizada, poesía-pintura, integración de las artes, importancia del diseño exlibri…. Hoy analizaremos obras concretas:

Dante Gabriel Rossetti, Ecce Ancilla Domini, 1849-1850. Es una Anunciación. Pintura ejecutada sobre tabla, sobre el soporte de la Edad Media, esa tabla la trabajan como un retablo de la Edad Media, con base de preparación de yeso, la reivindicación de este movimiento es volver a la Edad Media, la obra no puede ser producto de la producción en masa. El yeso en las tablas medievales se pulía para que fuera más luminosa, cuando pintan sobre eso consiguen que lo colores sean muy luminosos. Sobre esto, una representación iconográfica de esta época. Todo viene, sea cristiano o pagano, de la Edad Media, reinterpretado a la luz de los Prerrafaelistas. Parece un encuentro sexual entre dos jóvenes, llama la atención la juventud de ambos, de una forma muy sexuada y salvo algunos elementos, parece un primer encuentro sexual. Los elementos que nos indican que es una

escena sagrada son las aureolas, las llamas de los pies de él, un personaje que no forma parte de este mundo. Los lirios son el símbolo de María, de la virginidad y la pureza y el color azul del telón de fondo. Se está anunciando la femme fatal: la palidez, los labios y cabellos rojizos aunque no enmarañados… Reivindican tanto volver a trabajar como antes que no firman la obra con su nombre, se firma como la “Hermandad Prerrafaelista”, caen en el anonimato propio de la Edad Media, donde se atribuyen las obras a los talleres. Técnicamente al prerrafaelista le obsesionó que su pintura se acercara al máximo al realismo fotográfico. Le asombra la capacidad de las hojas binoculares para poder captar la realidad tal cual. A la luz de todo esto, la pintura prerrafaelista se caracteriza por intentar reproducir el realismo de la fotografía. Todo lo que surge a raíz de la Revolución Industrial, también lo utilizan, una nueva paleta de colores.


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El sueño de Dante en tiempos de la muerte de Beatriz Remite a una obra como es la Divina Comedia de Dante, el motivo y sus personajes salen de esta obra. Dante para Rossetti era una obsesión, por eso él también se llama Dante. Para Rosetti, vivió su relación con Beatrix como si él fuera el propio Dante e Elisabeth Siddal fuera Beatrix (el amor de Dante). En sus vidas viven sus propios relatos literarios, esas leyendas van mas allá, viviéndolas en sus propias vidas personales.

Aquí podemos ver esos cabellos y labio rojos, cuellos largos, la melena cobriza, piel blanca… Preparación como los retablos.

Beata Betrix, 1863, Rosetti Relación literatura-pintura, los personajes del fondo son el propio Dante y Virgilio, que visitan el infierno y el purgatorio, son los protagonistas de la Divina Comedia. Es Elisabeth Siddal que acaba de fallecer. Es muy interesante el reloj, que marca la hora en que falleció Elisabeth, que murió por sobredosis de láudano, algo común en esta época postindustrial. No comprenden el mundo en el que viven, se sumergen en la espiritualidad, la lectura… Los prerrafaelistas trabajaron a la luz del neoplatonismo, el cual ve la muerte como una liberación. Exhibe el cuello y labios, nariz recta que da carácter férreo…. El pájaro le deja la papaver somniferum, la causa de su muerte. Elisabeth Siddal es enterrada con un libro de poesía escrito por Rosetti, años después de su muerte, pide su exhumación para

recuperar este libro, pero esto es una excusa, lo que realmente quería era volver a verla. Ver: Ítalo Calvino

John Everett Millais Ofelia, 1851 Es de la primera generación. Es una tabla, trabajada con una base de preparación de yeso muy pulimentada. Su tamaño recuerda al del icono. No la firman. Está inspirada en Hamlet de William Shakespeare. Lo primero que se pinta es la naturaleza, lo hacen todos los prerrafaelistas, para acercarse a ese realismo fotográfico, trabajado sobre todo en la naturaleza. En 1841 aparece ya el pigmento preparado en tubo de estaño, sin ello no hubiese sido

posible pintar al aire libre, es toda una revolución técnica, sin ello no habría sido posible el Impresionismo. Consigue ese realismo fotográfico al punto de que delante de ese cuadro se daban clases de botánica. Técnicamente les obsesiona la fotografía, sobre todo con la naturaleza, con la identificación concreta de especies.


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Una vez ya tenía el entorno, la pintó a ella, la modelo fue Elisabeth Siddal, pero Ofelia muere ahogada en un agua muy fría, quería representar como Ofelia había muerto, como le cambiaba el color de la piel, la musculatura rígida y para poder analizar eso, la modelo pasó horas y horas en una bañera fría. En ese tiempo la piel cambiaba de textura y tonalidad. A raíz de ello sufrió una neumonía que casi le cuesta la vida. Está inspirada en la Escena VII del Acto IV.

“Allí donde en el río crece un sauce recostado que refleja hojas blancas en el agua cristalina.

Allí, mientras tejía fantásticas guirnaldas de ranúnculos, ortigas, margaritas y esas flores alargadas

que los pastores procaces llaman con nombres soeces pero en boca de nuestras doncellas no son sino "dedos de difuntos". Allí, cuando trepaba

para colgar en el árbol su corona silvestre, rompióse una rama pérfida, y cayó ella, y sus trofeos

floridos en aquel arroyo de lágrimas. Extendidos sus ropajes en el agua, salía a flote cual sirena, y cantaba estrofas de antiguas canciones,

inconsciente del peligro, o como hija del agua, acostumbrada a vivir en el propio elemento.

No pasó mucho tiempo, sin embargo, sin que el peso de sus vestidos, empapados de agua, arrebatara de sus cánticos a la infeliz, arrastrándola

al cieno de la muerte”

La figura de Ofelia es una figura muy importante porque se identifican con esa figura, pues se siente incomprendida en su tiempo, desamor, no entiende su época, esa sensación de incomprensión en su mundo es la de prerrafaelistas, románticos y simbolistas.

Es la época de la fotografía, rompe planteamientos dentro de las artes, el retrato ahora se hará solo a través de la fotografía. Hay fotografía prerrafaelista: Julia Margaret Cameron, que plantea también el tema de la mujer como artista.

“La semilla de la flor del prerrafaelismo era la fotografía; historia, estilo, medievalismo o poesía se consideraban como asunto, pero la ejecución debía de

ser parecida a la representación binocular de las hojas que el estereoscopio comenzaba a mostrarnos”

William Bell Scott Autobiographical Notes…and Notices of his Artistic and Poetic Circle of Friends,

1830-1882, Londres, 1892.


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El prerrafaelista vuelve atrás, técnicamente su obsesión es reproducir el realismo fotográfico. Julia es de esas prerrafaelistas que están unidas a la segunda generación. Esta fotografía remite a la Ninfa Eco, enamorada de Narciso. Ella ve que cada vez le ama más y él está cada vez mas ensimismado. Tal era el amor de ella por él, que ella poco a poco se fue consumiendo en el interior de las montañas, por ello se escucha el eco en las montañas. Julia Margaret Cameron, La partida de Lancelot y Ginebra (1815-1879) Las figuras femeninas y las infantiles son evanescentes, muy etéreas, transmiten la idea de fragilidad muy ligada a Millais, víctimas de un destino fatal. Traslado del Rey Arturo Julia Margaret Cameron, (1815-1879)

Julia Margaret Cameron, Beatrice Cenci (1815-1879) Se ve esa evanescencia.

John Everett Millais, “Mariana” (1851) Es otra de las mujeres frágiles víctimas de un destino fatal. Las vidrieras remiten a la Edad Media. Está esperando, desesperando. Tiene la inspiración literaria en: Alfred Tennyson, inspirado en una obra anterior: William Shakespeare, Medida por medida. Toma un poema contemporáneo. Relación arte-literatura. Espera a su amado Ángelo, que después de conocer la dote que le espera, ha huido, sabe que es difícil que el vuelva. No se aún ve el pelo meduseo, pero si la palidez, la rectitud de la nariz, es más una mujer frágil como las de Millais. La escenografía es totalmente medieval.


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Los cuadros de Millais hablan del otoño: caída, muerte, tiene incluso cuadros concretos que se llaman así, sentimiento de desamor ligado a la muerte. En el Prerrafaelismo vemos rasgos que llegarán luego en la segunda generación.

WILLIAM HOLMAN HUNT

Sus pinturas remiten a la Antigüedad Bíblica. William Holman Hunt La luz del mundo (1851-1853) Alegoría de que Cristo es la Luz del Mundo. Se cuida mucho el entorno.

SEGUNDA GENERACIÓN

WILLIAM MORRIS

Wiliam Morris nos da la creación del movimiento “Art & Crafts”. Aboga desde sus entrañas a que tiene que haber una integración de las Artes. Supo de las infidelidades de su esposa con Rossetti, aún así, él seguía centrado en su trabajo. 1765 – François Blondel Acuña el termino Bellas Artes: Arquitectura, escultura y pintura, junto a la Comedia, la elocuencia y la poesía. Esto hace mucho bien a estas, que a partir de esos momentos serán artes mayores y se estudiarán en las Academias, pero ¿Qué pasa con los orfebres, vidrieros, etc? pierden importancia, se estudiarán en los talleres, serán oficios, una reivindicación de esto es el Prerrafaelismo y el Art & Crafts. Es arte, creaciones que nos acercan a la vida cotidiana, al hoy y ahora, que es nuestro presente. Art & Crafts: Integración de las artes porque todas son importantes.

La reina del Rey Arturo que se enamora de Lancelot. Es un lienzo. Se trabaja como tal y sobre esto una representación iconográfica que recuerda al pasado artúrico. Concede la misma importancia a la figura principal que a los detalles, la misma importancia de toda la pintura. Todo está trabajado con el mismo cuidado, todos trabajan con esa idea. Ella es su esposa: Jane Morris, una de las estereotipos de la femme fatal. Importancia del textil, diseño exlibris. También recupera el pasado celta, filtrado a través del libro filtrado por el primer Cristianismo. Se toma de los libros anglosajones como el de Lindisfarme, etc. A nivel temático se remite a una Antigüedad Clásica y medieval.


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EDWARD BURNE-JONES

E. Burne-Jones, La estrella de Belén (1888-1891) La Adoración de los Reyes. Esta labrada como si fuera una orfebrería. Todo tiene importancia, vemos como la madera con la decoración vegetal es casi fotográfica. Conoce el movimiento Art & Crafts, comparte inquietudes. Otra cuestión es la androginia, los rostros de sus personajes son hombre y mujer a la vez, estamos muy cerca del Simbolismo. Todo tiene como telón de fondo la obra de Platón, el Banquete, la condición andrógina que nos caracterizó a todos en el origen del tiempo. Todo está trabajado con el mismo preciosismo.

E. Burne-Jones, El espejo de Venus (1877)

Edward Burne-Jones El sueño del rey Arturo en Avalón (1881-1898) Obra encargada por George Howell, mecenas más importante de Burne-Jones. El encargo tiene tanto que ver con el que le fascina. Esto se convierte en un tema personal, le lleva el resto de su vida, trabajó en él hasta el último día antes de morir. Era tal la perfección. Lo concibió como un tríptico, aunque no era en madera. El personaje principal, el rey Arturo y en los lados figuras más secundarias. El

cuadro está dominado por un claustro en mármol jaspeado y dentro un baldaquino, y bajo de él, sobre un sepulcro descansa el Rey Arturo. El baldaquino tiene doce recuadros que relatan la historia del Santo Grial. Le velan su hermanastra, la Hechicera Morgana, a sus pies las reinas de la Tierra Devastada y las reinas de las Tierras Norgales. La figura de blanco es la Dama del Lago. El resto en primer plano son las reinas de las Tierras Lejanas y de la Tierra del Este. Junto a Morgana hay una planta: la papaver somniferum, la clave de que el Rey Arturo no está muerto, sino dormido, ella ha preparado ese brebaje. También hay centinelas con grandes trompetas que custodian el sueño del rey y amazonas llevan la armadura del rey. Todo envuelto en una decoración que recuerda a la Tierra de Avalon, allí reposa Arturo, volvemos al Mundo Celta.


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“No puedo esperar que todo el mundo tenga los mismos sentimientos que yo tengo y que

siempre he tenido con respecto a este tema. Es un terreno tan sagrado para mi que en comparación no hay nada que se le aproxime...”

E. Burne-Jones (Tomado de “La Bella Durmiente. La Pintura Victoriana en el Museo de Ponce)

He llegado a Avalón, pero aún no estoy en Avalón...

E. Burne-Jones a su mujer (Tomado de “La Bella Durmiente. La Pintura Victoriana en el Museo de Ponce)

Frederick Sandys, El hada Morgana (1864) El pasado medieval artúrico.

William Waterhouse, La Dama de Shalott (1888) Todo va hacia la Edad Media, como va vestida, la naturaleza, el tapiz…

William Waterhouse, Hamadríade (1894) Remite al roble. En los arboles vivían mujeres.

- Dante Gabriel Rossetti - John Everett Millais - William Holman Hunt - William Morris - Edward Burne-Jones - William Waterhouse

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