10_El Quattrocento_Escultura

• El Renacimiento supone, antes que nada, una RENOVACIÓN en lo artístico, pues el desarrollo del HUMANISMO fuerza a cambios en lo que era la tradición gótica:– renovación bajo la pauta de modelos clásicos;– renovación buscada por nuevos grupos sociales en

auge: la burguesía comercial de las ciudades.– renovación de las estructuras sociales (individualismo);

políticas (monarquía autoritaria=Estado moderno); y culturales (ciencia)

• El Humanismo es el “alma” del Renacimiento:– una nueva perspectiva de lo humano: el centro

de la creación (pues hablamos de un humanismo

cristiano);– una nueva valoración de lo humano:

• libre: sin ataduras de orden natural salvo la muerte;• inteligente: capaz de entender la Naturaleza;• con derechos: la dignidad, como el ser creado más

perfecto;• y creador (homo faber), sólo por detrás de Dios;

– Y de la Naturaleza: el conocimiento empírico: ver, medir, experimentar, conocer… para poder.

• Ese individuo único, el ser humano, ahora se retrata a la misma altura y detalle que la divinidad (véanse los “primitivos flamencos”) para luego retratarse ya solo, mirando de frente: – retratado, pintor y espectador en un único diálogo …

que ya no es “pedagógico” como la narración pictórica o escultórica medieval.

– el detalle lleva a un realismo y a una veracidad que es más que la individualización gótica.

– Finalmente, ese retrato llegará al autorretrato: el artista se considera alguien diferente y con un toque divino: Rafael o Miguel Ángel, en los inicios del XVI así se verán a sí mismos.

• Como hemos visto en la Arquitectura, los artistas se inspiran en el mundo clásico, pues el gusto ha llevado a que se inicien “colecciones” a partir de restos arqueológicos que se van descubriendo en esta época. También quedan obras antiguas que son vistas ahora como modelos.

• Pero no es una “copia”, sino que reinterpretan siguiendo los valores de la sociedad renacentista.

• A esta influencia dominante se añade la pervivencia del naturalismo realista propio del gótico vigente en Europa y que en Italia ya desde el Trecento se venía apreciando.

• Se busca la belleza formal, capaz de producir placer estético.

• Como materiales, prefieren el mármol y el bronce, igual que en la Antigüedad, pero también utilizaron el barro cocido, recubierto con esmalte vidriado y policromado, y la madera.

• En cuanto a los temas, tanto en el relieve como en las esculturas de bulto redondo, siguen predominando los temas religiosos, pero se desarrollan también los profanos (mitológicos, históricos y alegóricos).

• El cuerpo humano desnudo adquiere gran importancia, como ejemplo máximo de la belleza perfecta, siguiendo las ideas antropocéntricas, y representándose de una manera realista, con estudio de la anatomía, el movimiento y la proporción, según el canon clásico.

• El retrato tiene un gran auge en esta época, tanto de cuerpo entero como el busto-retrato, de gran realismo, expresión de la importancia del individuo en la sociedad.

• También la estatua ecuestre adquiere un sentido nuevo al erigirse en lugares públicos, como retrato de personajes ilustres cuyas glorias se exaltan.

• En los monumentos funerarios se retrata al difunto como manera de recordar su fama y virtudes, mediante símbolos.

• El relieve renacentista muestra preocupación por las composiciones sencillas, armoniosas, claras y serenas, así como por captar el espacio y la profundidad mediante el nuevo sistema de representación de la perspectiva

Lorenzo Ghiberti (1378-1455), escultor y orfebre, es uno de los primeros escultores renacentistas. Se le considera el autor de transición entre el Gótico y el Renacimiento. Continúa la trayectoria iniciada por los PISANO, pero la lleva al culmen con su visión pictórica de los relieves.

Tras ganar un concurso, en 1401 realiza en bronce las puertas del lado norte del baptisterio de la catedral de Florencia. Posteriormente también se le adjudicarán, ya sin concurso, las puertas del lado este, frente a la puerta de la catedral.

Se puede decir que dedicó casi toda su vida a estas dos obras: de 1401 a 1452.

• Su formación como orfebre la aplica en la minuciosidad de los detalles lo que, además, acentúa el carácter “pictórico” de sus relieves.

• Gradúa el relieve desde formas casi imperceptibles en el fondo hasta casi un bulto redondo en el primer plano.

• Ordena las escenas en planos: aumentando así el efecto de profundidad y perspectiva.

• Esculpe fondos de paisajes o arquitecturas sobre los que dispone un gran número de figuras: perfecta relación figura-espacio.

• El concurso que convocó el gremio de la Callimala para realizar las puertas se hizo como “respuesta” al que el gremio de la Lana había realizado para la fachada del Duomo, enfrente del Baptisterio.

• Este episodio artístico se ha venido considerando como la fecha de inicio del Renacimiento. En él participaron un viejo maestro, Jacopo della Quercia, y dos jóvenes, Ghiberti y Brunelleschi, que debían representar el sacrificio de Isaac, en relieve, sobre un cuarterón de bordes lobulados, típicamente gótico.

• Era necesario integrar determinados elementos que están en la narración bíblica: los diferentes personajes (Abraham, Isaac, el ángel, los criados), objetos (altar), un animal y hacer explícita la referencia de lugar (montaña).

• La elección del marco polilobulado, sigue el de las puertas del lado sur realizadas por Andrea Pisano en el s. XIV.

Puertas del lado sur, de Andrea Pisano (hacia 1330).

Escenas en la puerta sur (Andrea Pisano) 1. El ángel se anuncia con Zacarías. 2. Zacarías se queda mudo 3. Visitación4. Nacimiento del Bautista. 5. Zacarías escribe el nombre del chico. 6. San Juan de niño en el desierto. 7. Le reza a los fariseos. 8. Anuncia a Cristo. 9. Bautismo de sus discípulos. 10. Bautismo de Jesús. 11. San Juan reprime a Herodes. 12. Encarnación de San Juan. 13. Los discípulos visitan a San Juan. 14. Los discípulos visitan a Jesús. 15. Baile de Salomé. 16. Decapitación de San Juan. 17. Presentación de la cabeza de San Juan a Herodes. 18. Salomé presenta la cabeza a Herodías 19. Transporte del cuerpo de San Juan. 20. Entierro. A. Esperanza B. Fe C. Caridad D. Humildad E. Fortaleza F. Templanza G. Justicia H. Prudencia

• El estilo de Ghiberti es mas amable que el de Brunelleschi.

• El drama psicológico, en Ghiberti se expresa en la torsión de cuerpo y cabeza, sugiriendo un conmovedor y mudo e infantil heroísmo en la cara.

• Brunelleschi propuso una interpretación mas estoica, mas de acuerdo con la lucha de la República en 1401, contra Milán.

• Ghiberti eligió una rendición psicológicamente menos obvia y formalmente mas elegante. Ghiberti venció no solo por su excelencia técnica y economía en el material (su pieza era bastante mas fina que la de Brunelleschi) sino también por su vinculación a la linealidad flexible del estilo gótico internacional.

• Posiblemente el gremio de Calimala, muy cosmopolita, supo apreciar esa flexibilidad

http://www.xtec.es/~fchorda/renaixe/doors.htm


• Brunelleschi realiza una composición rigurosa y plana; las figuras y elementos del paisaje del centro están abruptamente separadas y presentadas al observador con énfasis en el perfil.

• Todos los elementos, salvo las formas de la parte baja, tienden a presionar hacia arriba, contra un único plano imaginario.

• Contrastando con lo anterior, la representación del tema, aparece como hipertrofiada, incorporando algunos elementos "antiguos", vestidos de "moderno", como el sirviente, de la parte inferior izquierda.



• Ghiberti concibió la representación de la escena como una alegoría, a modo de ritual clásico, donde la obediencia de Abraham se antepone a los afectos; el canon, los ropajes y las anatomías remiten a los modelos de la Antigüedad;

• Las figuras se articulan en una composición centrípeta, que permite armonizar dos escenas diferentes, separadas por una diagonal, a modo de eje trasversal, definida por la roca, a cuyos lados se reconocen dos curvas divergentes, la que forma el cuerpo de Abraham y el cuello del asno, que encuentran eco en los lóbulos del marco; y, por otro lado, la mano del ángel, el brazo derecho de Abraham y la mirada de Isaac trasmiten la idea de un movimiento detenido, donde se concentra el sentido último de la escena.

Brunelleschi Ghiberti

Obras presentadas por ambos para el concurso de 1401 en Florencia para la realización de las puertas sur del Baptisterio. Hoy están en el museo Bargello, de Florencia

• El tema es el Nuevo Testamento, con escenas de la vida de Jesús. El lado sur es la vida de Juan Bautista

• Según el plan, anterior a 1403, las puertas habían de ir en la fachada este del baptisterio, y no en su actual situación, al norte.

• Cada hoja tendría 10 escenas narrativas en cinco registros.

• Un friso, muy del gótico tardío, de vegetación naturalista, con animalitos y reptiles jugando en la fronda, iba a cubrir los espacios libres; en las esquinas del marco, habría como un trébol de cuatro hojas, del que emergería un motivo clásico, como la cabeza de un profeta o profetisa.



La puerta sur, de Andrea Pisano y la puerta norte, de Ghiberti

• Cerradas, pues, ambas hojas muestran 20 escenas del Nuevo Testamento, empezando con la Anunciación, arriba a la izquierda, y terminando con Pentecostés, arriba a la derecha.

• El orden de lectura es diferente a la de la puerta del Pisano: se mira de abajo arriba, y de izquierda a derecha.

• Debajo del Evangelio (o sea, las escenas

representadas), como un plinto, está un registro de los cuatro evangelistas y, debajo, otro con los cuatro doctores de la Iglesia (Ambrosio, Jerónimo, Gregorio y Agustín);



Escenas en la puerta norte (Lorenzo Ghiberti): 1. Anunciación. 2. Navidad. 3. Adoración de los magos. 4. Disputa con los doctores. 5. Bautismo de Cristo. 6. La tentación de Cristo 7. Atrapando a los mercaderes del Templo. 8. Jesús caminando sobre el agua y salvando a Pedro. 9. Transfiguración. 10. Resurrección del Lázaro. 11. Entrada de Jesús en Jerusalén. 12. La Última Cena. 13. Agonía en el Huerto. 14. Cristo capturado. 15. Flagelación. 16. Jesús ante Pilatos. 17. Ascenso a la Caballería. 18. Crucifixión. 19. Resurrección. 20. Pentecostés. A. San Juan Evangelista. B. San Mateo C. San Lucas D. San Marcos E. San Ambrosio F. San Jerónimo G. San Gregorio H. San Agustín.

La Anunciación. El fondo arquitectónico nos recuerda el mundo clásico. Sin embargo las figuras aún pertenecen al gótico tardío: la “S” estilizada que nos ofrece María. Es más, se podría decir que esta virgen es la típica virgen María del gótico desde el siglo XIII

Dado que los diferentes cuadros se realizaron en momentos diferentes a lo largo de más de 20 años, podemos encontrar una evolución entre unos y otros. Éste, precisamente, es de primera época.

Adoración de los Reyes Magos. En este cuadro volvemos a encontrar la arquitectura al modo clásico. De las figuras debemos destacar los rostros que reflejan una serenidad “clásica”, aunque la composición sigue todavía modelos góticos y que la pintura flamenca de la época (gótica internacional) sigue como canon.

Nacimiento y Jesús ante los doctores. Los dos paneles parecen de factura diferente, sin embargo ambos fueron realizados casi en la misma época. Las figuras en los dos casos responden a un modelado ya clásico aunque el fondo “natural” es gótico y el “arquitectónico” es renacentista.

Jesús ante Pilatos y Crucifixión

• Estos temas, responden, dialécticamente, al programa de la fachada del Duomo, enfrente, pues era el destino inicial de la obra.

• Las partes sobresalientes (cabezas, frisos, figuras, elementos arquitectónicos), se acabaron en bronce macizo y dorado; el resto, incluyendo los elementos inorgánicos del paisaje, se dejaron en marrón negro, sedoso, bronce, contrastando.

• Estas puertas repiten el esquema de Andrea Pisano, creadas 70 años antes de 1401, en el lado Norte del baptisterio, si bien el tema ahora es la vida de Jesús y antes es la de Juan el Bautista (se trata, claro está, de un Baptisterio).

http://www.xtec.es/~fchorda/renaixe/doors.htmhttp://www.artehistoria.jcyl.es/arte/videos/749.htm


• Fueron encargadas en 1424/5 y tardó unos 10 años en empezarlas.

• En un primer momento se pensó en seguir el viejo esquema de Andrea Pisano, pero ahora dedicadas al Antiguo Testamento.

• Una primera aproximación al programa la hizo el luego canciller Leonardo Bruni, en 1424, en carta al gremio de Calimala, previendo 20 escenas y un zócalo con doble registro de profetas.

• El autor, ahora reconocido ya como genial, no lo aceptó y manipuló la propuesta: redujo los paneles a 10, añadiendo figuras a los lados y arriba y abajo; los Calimala le dieron carta blanca, según dice el propio Ghiberti en sus Comentarii para que quedaran "lo más perfecto, más ornado y más rico“.


• Ghiberti respeta gran parte de los temas de Bruni. Por ejemplo, la historia de José estaba prevista en tres paneles y quedó unificada a uno; la historia de Caín y Abel, tiene 5 sub-temas, que el llama effetti, pero aparecen en un solo panel.

• Hay, también, un sentido simbólico en varios de los paneles: el de Salomón y la Reina de Saba refleja el concilio que debería unificar la Iglesia de Oriente y la de Occidente… ante la presión de los turcos sobre Bizancio

• Es una obra muy bien trabada, ajustando infinidad de detalles y refinamientos, creando un sentido unificado lo que es una característica del Renacimiento: la unidad e integración de lo representado.


• Se llaman del Paraíso porque así las bautizó Miguel Ángel, según Vasari. Parecen mas simples que las primeras pero son mas complejas: el friso tiene una gran variedad de formas de plantas y 24 estatuas en miniatura.

• Las series de 10 piezas eran comunes en el Arte del renacimiento y se encuentran aquí, en las puertas.

• Cada relieve tiene 1/3 de brazo de lado. Las superficies están doradas totalmente; se fundieron juntas, sobre 1436, luego fueron doradas y cinceladas hasta 1443/4, el dorado duro hasta 1452 (al fuego).

• La puerta actual es una copia, pues los paneles originales se hallan en el Museo della Opera di Duomo tras una inundación que deterioró la obra original.


Escenas en las Puertas del Paraíso (Lorenzo Ghiberti) : 1. Adán y Eva 2. Caín y Abel 3.Noé 4. Abraham 5. Isaac con Esaú y Jacob 6. José 7. Moisés 8. Josué 9. David 10. Salomón y la reina de Saba.

Adán y EvaNoé y el arca

Caín y AbelAbraham

Caín y Abel. Detalle

Abraham

Jacob, Esaú e Isaac

José y el sueño del Faraón

Moisés

Josué y la conquista de Jericó

Josué. Detalle

David y Goliat

Salomón y la reina de Saba

Salomón y la reina de Saba. Detalle

• Donatello (1386- 1466) es el gran escultor del siglo XV florentino y uno de los más importantes de toda la historia del arte occidental.

• En su juventud se formó junto a Ghiberti y, como él, también se inició en la orfebrería. En las más tempranas obras aún “respira” gótico, como en su primer David en mármol.

• Pasó por Roma, por la época en que Brunelleschi se hallaba también allí estudiando el Panteón y otras obras que se iban descubriendo en excavaciones más o menos casuales.

• Desde el principio dotó a sus figuras de una fascinante dimensión humana, buscando el efecto psicológico y dramático de la expresión.

• Trabaja todo tipo de materiales, con los que representa la figura humana en una gran variedad de edades y actitudes (niños, jóvenes, ancianos).

• Domina a la perfección la anatomía y sus figuras tienen serenidad y dignidad.

• En los relieves utiliza la técnica del schiacciato o “aplastado”, una incisión tan sutil que casi parece un dibujo, tratando de rebajar el volumen desde el primer plano, con objeto de conseguir una sensación atmosférica.

• Se caracteriza por el humanismo, el realismo naturalista y la expresividad que da a sus figuras.

• Introduce el tema del desnudo, abandonado desde la época romana.

• Difunde el retrato, en el que quiere representar el carácter del individuo, como ya estaba ocurriendo por la época con la pintura.

• En 1406 empieza a trabajar en Florencia con encargos para la catedral o Duomo: profetas o el David de mármol; y, luego, un evangelista, San Marcos hacia 1411.

• Hacia 1415 realiza el San Jorge, para Orsanmichelle, una iglesia para la que estaban trabajando los mejores escultores florentinos del momento (y de décadas anteriores)

• Recibirá, luego, encargos de numerosos sitios, y trabajará con Ghiberti en la labra de las puertas norte del Baptisterio así como en las obras de la cúpula de la catedral, encargada a Brunelleschi a finales de la segunda década.

• Sufrió el exilio con Cosme (el viejo) de Medicis si bien será corto y, otra vez en Florencia, realizará su obra maestra y genial: el David fundido en bronce: la primera obra monumental desnuda desde la Antigüedad.

San Jorge. Orsanmichelle. Florencia(Copia. Original en el museo Bargello)

• El David es un encargo de la familia Medicis y responde al gusto clásico y humanista del patrono, Cosme el viejo.

• El desnudo y la “curva praxitelina” o contrapposto nos retrotraen a la Antigüedad. Pero no se olvide que el tema es “cristiano”: el David que vence al gigante Goliat.

• También con un fuerte contenido simbólico… para la situación política del momento en Florencia: – las luchas de Florencia (David, con el sombrero toscano) contra

sus rivales más poderosos, en especial, Milán. – Y el triunfo de la razón humanista sobre la barbarie “medieval”

• Tema cristiano pero forma y acabado “clásicos”: serenidad en la expresión, presentación como “héroe” tras haber vencido…

• El David mide 159 centímetros de alto y tiene una circunferencia de 51 centímetros. Es decir, tiene unas medidas aproximas al tamaño natural.

• Representa a un adolescente de actitud serena pero que incorpora la sonrisa (etrusca, que debió conocer en su afición arqueológica de juventud) de quien vive un momento glorioso.

• El estudio anatómico es soberbio pero en vez de resaltar la musculatura propia de un hombre maduro, se queda en las formas de un adolescente casi niño.

• El modelado, de una extremada suavidad, refuerza el carácter “amable” de toda la obra, restando violencia al acto que representa, la muerte del gigante cuya cabeza, desmadejada, está a los pies del vencedor.

• La técnica utilizada, el bronce, es clásica y, más aún, griega. Se recupera ahora aunque como sabemos, el bronce era utilizado de forma amplia en la Edad Media para relieves diversos.

• Pero la técnica de la “cera perdida” para esculturas de bulto redondo no era tan habitual y, sin embargo, ahora se impone con tanta frecuencia como el mármol.

• Podemos ver el uso del nuevo material como un intento de despegarse de la escultura en piedra que el gótico usó de manera amplia y generalizada.

• Esto no quiere decir que se haya abandonado el trabajo en mármol, habitual en las esculturas religiosas sobre todo, sino que el uso del bronce, metal noble, es deseado por la nueva aristocracia cultural.

• El fino trabajo en el modelado de las formas es propio de quien domina el arte de la orfebrería y que ya hemos visto también en los acabados de Ghiberti.• El predominio de la curva en este David hace de él una figura “grácil” y aún “femenina”, aunque ni el tema ni la intención del autor era “feminizar” un asunto que quiere ofrecer como un héroe a la antigua.• Su inspiración más lejana es, probablemente Praxíteles

• El tema será muy utilizado durante todo el Renacimiento y aún después, tanto para el ejercicio del estudio anatómico como por la carga simbólica del enfrentamiento entre débil y poderoso.

• El momento elegido ofrece, además, numerosas posibilidades para ensayar la expresividad del rostro de David y la articulación de postura y expresión.

• Veamos algunos ejemplos.

Verrochio 1476Donatello 1440

Miguel Ángel. 1504 B. Cellini (“falso David” o Perseo) 1554

Bernini, 1624

• Uno de los muchos encargos que Donatello recibió de fuera de Florencia fue el de la familia de Erasmo de Nanni, un soldado de fortuna o “condottiero” que había combatido como mercenario al servicio de numerosos patronos por toda Italia. Desde 1437 y hasta su muerte en 1443 fue “dictador” en Padua. Para allí se le encargará una escultura monumental.

• Donatello concibe esta obra también al modo clásico: será en bronce fundido y como “figura ecuestre” que refleje la actividad vital del homenajeado. Para ello se inspirará en la única obra de bulto redondo ecuestre que quedó de la Antigüedad: el Marco Aurelio que, confundido con Constantino, se había librado en la Edad Media de ser fundido.

• Tiene unas dimensiones de 340 x 390 cm, y se apoya sobre un zócalo de base de 7,80 x 4,10 metros. Se realizó a finales de la década de 1440

• Es un retrato y está realizado para glorificar al personaje representado aunque también se trata de resaltar la virtudes del militar, que con gesto austero conduce al caballo sin violencia pero con autoridad, remarcada ésta por la posición del bastón de mando.

• El retrato del personaje, heredado del realismo romano, deja traslucir la psicología del representado, que muestra una expresión abstracta pero consciente de su alta y difícil misión en defensa de la ciudad a la que sirve Donatello, como sabemos, es un maestro del retrato esculpido y aquí lo pone en práctica.

http://es.wikipedia.org/wiki/Gattamelata_%28escultura%29

Foto de Wikipediahttp://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Gattamelata.jpg

http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Gattamelata.jpg

La firmeza y resolución del guerrero que avanza imparable, con el bastón de mando del poder, y sus atributos militares (la espada, el caballo, la armadura…) están, aún así, contenidos y reflejan más inteligencia y seguridad en ésta que violencia y furia propios de una “máquina militar” que, yelmo o casco –aquí ausentes- resaltarían.Es un héroe, sí, pero un hombre ante todo. Marco Aurelio, que se representó en una actitud “pacificadora” es el referente.

Como en el ejemplo de Marco Aurelio es el caballo el que aporta más movimiento y expresividad que el rostro del jinete, que aparece reconcentrado y sereno.

Foto deNina Aldin Tune

• El condottiero, en vez de ser representado con la fiereza propia de su “trabajo” belicoso, aparecerá como “gobernante” y con la seriedad de quien se concentra tanto en la batalla como en el ejercicio del poder. Eso sí, la decisión de “avanzar” es clara: el destino se busca, no se espera.

• El tema es, desde luego, un homenaje clásico al ejercicio del poder. No se olvide que Italia, en la época, es un “laboratorio” que dos generaciones después y también en Florencia, darán lugar a la obra de Maquiavelo, El Príncipe: el primer tratado “moderno” sobre el poder y su ejercicio, donde la fuerza y la violencia deben combinarse con la astucia y la diplomacia.

Otros escultores florentinos de la época:

• El sienés Jacopo della Quercia (c. 1374-1438), que pertenece a la generación de Ghiberti, busca los efectos plásticos y la pureza de las figuras. Compitió también en 1401 por la realización de las puertas del Baptisterio. Centra su atención en la figura humana: formas robustas, monumentales, como en el sepulcro de Ilaria del Carretto, en Lucca.

• Otra figura importante es Nanni di Banco (1390-1421), autor de los Cuatro santos coronados, obra en la que consigue un grupo de figuras de gran nobleza y gravedad, con pliegues voluminosos, de gran aplomo, que nos acercan al espíritu antiguo.

• Lucca della Robbia (1400- 1482), además del mármol, introdujo la terracota (barro cocido vidriado), con dulces Vírgenes con el Niño, en blanco sobre fondos azules o verdes, de gran popularidad.

• Bernardo Rossellino (1409-1464), que también fue arquitecto discípulo y colaborador de Alberti. Realizó los sepulcros de Leonardo Bruni en la Santa Croce y de Villana en Sta. María Novella, ambas en Florencia.

• Andrea Verrochio (1435- 1488) arranca del realismo de Donatello para alcanzar una mayor expresividad. Sus figuras de actitudes nerviosas, violentas y demuestra una gran preocupación por la anatomía. Es el autor del Condottiero Colleoni, escultura ecuestre en bronce, llena de dinamismo y expresividad; está en una plaza pública de Venecia.

Jacoppo della Quercia. Tumba de Ilaria del Carretto. Hacia 1406, en la catedral de Lucca.

Nanni di Banco, San Juan Evangelista. Hacia 1410. Florencia

Luca della Robbia. Cantoría realizada para Il Duomo hacia 1431. Otra la realizará Donatello.

Tumba de Leonardo Bruni, realizada por Bernardo Rossellino en colaboración con su maestro L. B. Alberti. Santa Croce, Florencia.

Verrochio, 1478. Condottiero Colleoni.Venecia.

Créditos Internet:http://www.educared.net/universidad/asp_problemas/problemasvisualizar.asp?idAsignatura=9&idProblema=372

http://www.wikilearning.com/curso_gratis/arte_del_renacimiento-escultura_quattrocento/1057-7


http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/videos/749.htm

http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=5781

http://www.italyguides.it/es/italia/toscana/florencia/guias_turisticas_audioguia/free_ipod_mp3/audioguia_florencia.htm [guías en mp3 de algunas visitas en Florencia]]

http://es.wikipedia.org/wiki/Baptisterio_de_San_Juan_(Florencia)

http://es.wikipedia.org/wiki/Gattamelata_%28escultura%29

Bibliografía:Es muy numerosa, pero me limito a señalar la más accesible para el alumnado de Bachillerato, los

libros de texto de diversas editoriales. En concreto:

Joaquín Yarza, Fernando Collar y otros: Historia del Arte. COU. Editorial Noguer, 1978

T. Llancay Pintat y otros: ARTERAMA, Historia del Arte. Vicens Vives 2003.

Juan A. Ramírez, Manuel Arias y otros: Historia del Arte 2 Bachillerato. SM, 2002.

http://www.educared.net/universidad/asp_problemas/problemasvisualizar.asp?idAsignatura=9&idProblema=372

http://www.educared.net/universidad/asp_problemas/problemasvisualizar.asp?idAsignatura=9&idProblema=372

http://www.wikilearning.com/curso_gratis/arte_del_renacimiento-escultura_quattrocento/1057-7


http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/videos/749.htm

Créditos

FotografíaSe informa de la fuente en los casos en que la foto no es del autor de

esta presentación, a excepción de las fotos en B/N del David de Donatello, y las correspondientes al Gatamelatta.

Como es obvio, para uso educativo no hay ninguna restricción en el uso de esta presentación y de las fotos que son del autor: sólo se pide citar el origen.

Higinio Rodríguez Lorenzopara los alumnos de Segundo de Bachillerato del curso de Historia del

Arte del IES Mata Jove.

Febrero 2008

[email protected]

mailto:[email protected]

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