SEMINARIO DEAPRECIACIÓN

PICTÓRICA

LIC. PEDRO PAUNERO G

PINTURAS RUPESTRES

El hombre de Cro Magnon, el hombre anterior a las civilizaciones, pintó las cuevas de Europa, mientras que en

Australia los aborígenes harían lo mismo poco tiempo después, aproximadamente hace unos 15, 000 años.

Las pinturas rupestres cumplían, por lo que sabemos, funciones rituales para propiciar la caza. Al parecer, las cuevas donde están representadas eran, para la mentalidad prehistórica,

úteros fértiles y a la vez puertas a la comunión con la esencia animal. Mediante la ingesta de drogas alucinógenas y al calor de las fogatas el chaman se vestiría con pieles de animales y danzarían en un baile que imitaría la caza de las

especies pintadas.

REPRESENTACIONES ANTROPOMORFASY ZOOMORFAS

PINTURA EGIPCIA

Desde hace 5,000 años, las típicas pinturas egipcias de representaciones de faraones, cacerías reales, batallas o la vida cotidiana,

tienen un estilo propio en las cuales las figuras se representaban de perfil y el

cuerpo de vista frontal y los personajes de la realeza aparecían de mayor tamaño que

los esclavos o el resto de la población.

PINTURA MINOICAEn Creta del 3,000 al 1,100 a.C. los cretenses representaron extraordinarias escenas coloridas,

naturalistas, pacifistas que cuando se descubrieron en el S. XIX por el arqueólogo Sir Arthur Evans, en tiempos del Art Nouveau, se consideraron falsificaciones que recordaban

precisamente a ese estilo de moda en tiempos del célebre arqueólogo.

EL SALTO INICIÁTICO DEL TOROPINTURA FUNERARIA

PINTURA GRIEGA Y ROMANAFueron varios los periódos por los cuales atravesó el arte de los

griegos, pero todos se destacan por la belleza de los trazos, el naturalismo y la búsqueda de la estilización de las figuras en aras de fórmulas matemáticas como la proporción áurea

que los filósofos descubrieron repetidamente en la naturaleza.

La pintura romana denota una gran influencia de la griega.

FRESCO INICIÁTICO DE LA VILLA DE LOS MISTERIOSFRESCO DEL FLAUTISTA DE STABIAS

POMPEYA, CULTURA ROMANA.

PINTURA BIZANTINA

Desarrollada en el Imperio romano de Oriente. La capital de este estado fue Constantinopla, la antigua ciudad griega de Bizancio, que el emperador

romano Constantino refundó el año 330 con su nombre. El Imperio bizantino se desarrolló durante casi 1.000 años, desde la caída del Imperio romano de Occidente el año 476 hasta la toma de Constantinopla por los turcos en 1453. El arte bizantino, nunca perdió por completo su herencia

helenística, que de hecho se mantuvo como una fuente importante de inspiración y renovación, aunque en este proceso hubo que adoptar el

carácter de la fe ortodoxa.Las imágenes religiosas sólo se aceptaban si la figura humana no se representaba como una presencia física tangible. Los artistas bizantinos

resolvieron este problema por medio de la abstracción, es decir, por medio de diseños planos que conservaran el interés visual de la composición

mientras evitaban cualquier modelo concreto y con ello cualquier apariencia corporal.

ANDRÉI RUBLEV

La TRINIDAD DEL ANTIGUO TESTAMENTO (c. 1410),

realizada por el artista ruso Andréi Rublev, constituye un ejemplo de la pintura bizantina de

iconos del siglo XV. Representa a los tres ángeles que se aparecen a Abraham cerca de los robles de Mambré (Gén. 18, 2-15). Su estilo

de fuerte linealidad, espacio plano y colores intensos tipifica el estilo de la pintura de iconos.

LA TRINIDAD

EL GÓTICO

Desde fin del siglo XII hasta el comienzo del renacimiento italiano, se introdujo un gran repertorio de medios técnicos, y

la pintura dejó de ser exclusiva de los monasterios. El término gótico fue empleado por primera vez por los

tratadistas del renacimiento, en sentido peyorativo, para referirse al arte de la edad media, al que ellos consideraban inferior y bárbaro (godo, de ahí el término gótico) comparado

con el arte clásico. El estilo se caracteriza por la valoración expresiva de lo

anecdótico, la estilización de las figuras, el predominio de las líneas curvas tanto en los pliegues como en las posturas

corporales, la introducción de detalles naturalistas con fines simbólicos y el empleo de una técnica minuciosa.

GIOTTO(c. 1266-1337)

El más importante pintor del siglo XIV. Su concepción de la figura humana, que representó con líneas amplias y redondeadas —en lugar de la

representación plana y bidimensional de los estilos gótico y bizantino— indica una preocupación por el naturalismo que significó un punto de inflexión en la evolución de la pintura occidental. Toda su obra es de temática religiosa. Hizo sobre todo retablos y frescos para diversas

iglesias. Muy pocos de ellos se mantienen en buenas condiciones y la mayor parte han desaparecido por completo o han tenido que restaurarse

casi en su totalidad.Los escenarios son fondos poco profundos, como cajas arquitectónicas, un

poco más abiertos que los fondos totalmente planos de las pinturas bizantina y gótica pero sin llegar todavía al pleno desarrollo de la

perspectiva que se lleva a cabo en la pintura renacentista posterior.

ESTIGMATIZACIÓN DE S. FRANCISCO

PREDICACIÓN A LOS PÁJAROS

Este fresco, y el siguiente, se encontraban en la

Basílica de S. Francisco en Asís,

Italia. Fueron destruídos por

completo durante un sismo a fines del

S. XX.

LA EXPULSIÓN DE LOS DIABLOS DE

AREZZO

PIETRO Y AMBROGIO LORENZETTI

Pietro Lorenzetti (c. 1280-1348)y su hermano Ambrogio (1290-1348) fueron las figuras más importantes de la escuela de Siena de pintura del siglo XIV. El siguiente fresco, de

principios del siglo XIV, pertenece a la iglesia de San Francisco en Asís (Italia); muestra a

Jesucristo entrando en la ciudad de Jerusalén.

FRA ANGÉLICO(c. 1400-1455)

Supo combinar la vida de fraile dominico con la de pintor consumado. Fue llamado

Angelico y también Beato por su temática religiosa, la serenidad de sus obras y

porque era un hombre de extraordinaria devoción.Combinó la elegancia decorativa

del gótico con el estilo más realista de otros maestros del renacimiento

EL BOSCO(1450-1516)

Uno de los pintores holandeses más personales, conocido por su obra enigmática que representa complejos temas religiosos con gran fantasía e

iconografía demoníaca..Los estudiosos difieren respecto a la interpretación de su pintura, pero la

crítica es más bien unánime a la hora de manifestar que sus obras muestran la preocupación por la inclinación del hombre hacia el pecado, en

desafío a Dios, así como la condena eterna a las almas perdidas en el Infierno, como consecuencia fatal de la locura humana.

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS Y EXTRACCIÓN DE LA PIEDRA DE LA LOCURA

EL INFIERNO (DETALLE)

EL INFIERNO

Detalle de un monstruo con cabeza de ave.

ARS NOVA: GÓTICO TARDÍO

Anuncia el renacimiento en el norte de Europa.

Este periodo del arte flamenco se caracteriza por el naturalismo de vívidos colores al óleo, la meticulosidad de los detalles, la

precisión de las texturas y la búsqueda de nuevos sistemas de representación del

espacio tridimensional.

JAN VAN EYCK(1390-1441)

La asombrosa habilidad técnica de Van Eyck y la precisión en los detalles, reproducidos

cuidadosamente, fueron muy admiradas por sus contemporáneos. Sus compatriotas todavía le

seguían considerando el rey de los pintores en el siglo XVI.

LA VÍRGEN Y EL NIÑO CON EL CANCILLER ROLINLOS ESPOSOS ARNOLFINIMADONNA EN LA IGLESIA

EL RENACIMIENTO

El término Renacimiento describe la revolución cultural de los siglos XV y XVI originada en Italia

por el despertar del interés hacia la cultura clásica y por una fuerte confianza en el individualismo.

Se seguía rindiendo culto a los logros de la antigüedad, pero al mismo tiempo se producía una

reactivación intelectual y cultural.

SANDRO BOTTICELLI

Su nombre significa “barrilito”, debido al apodo que tenía uno de sus hermanos

mayores.

LA PRIMAVERA

Se trata de un cuadro encargado por Lorenzo de Pierfrancesco, sobrino de Lorenzo el Magnífico de Médicis, para su boda con una jóven de nombre Semirámide. Destinado a colocarse sobre el lecho nupcial y verse desde abajo, por eso, una de las figuras tiene el pie levantado y puede verse la planta con sus

detalles.Desde el punto de vista botánico, el cuadro representa 170 especies de flores y árboles con sus frutos que

existen y están representados detalladamente, pero no todos corresponden a la primavera sino que son una mezcla de plantas de todas las estaciones. Pueden verse naranjas mediterráneas, jacintos, mirtos que brotan de la boca de Cloris, ninfa de la madera, y que tiene significados sexuales y entre las ropas de Flora se encuentra escondido un clavel: la flor secreta que el novio debe encontrar en su prometida.

Representa la Virtud Cristiana exaltada a través de elementos paganos.El cuadro es iniciático para los recién casados. Se debe leer de derecha a izquierda: el viento del sur,

Céfiro, viola a Cloris, ninfa de la madera y se transforma en Flora, ninfa de las flores, es decir, ella, a través del sexo, florece y sonríe.

Es lo que le espera a la novia. En el Renacimiento era común este tema nupcial.Al centro, como nexo entre lo pagano y lo cristiano aparece Venus, diosa del amor, de clara referencia

nupcial con su hijo Cupido: un nexo con la vírgen y Jesús niño. Las 3 Gracias son el grupo semidesnudo que aparece en el arte en mil años, sus ropas etéreas

representan su carácter semidivino y erótico a la vez.

El cuadro fue muy alabado por los pre rafaelistas, que encontraron en este los elementos clásicos y paganos anteriores a los temas de

Rafael.

Estos pintores supieron encontrar la melancolía que caracteriza a la composición, las flores como caídas, la sensación de que algo va a

surgir de la floresta, de miedo sexual, de tensión. El escritor inglés Oscar Wilde, que inició una gira por el Oeste norteamericano, aludió a la obra en sus conferencias como una pintura llena de elementos homosexuales: Flora sería, entonces,

una especie de hombre travestido que se atreve a mirar de frente, algo insólito en los cuadros de la época, la mujer no mira de frente

al espectador.Mercurio, la figura de la izquierda, según esta teoría (retrato de Lorenzo el Magnífico, idealizado), le da la espalda a las mujeres, como rechazándolas y buscando una fruta en las alturas, un fruto prohibido: no una mujer, sino un compañero de su mismo sexo...

Grupos de

Figuras

PIETER BRUEGHEL, EL VIEJO

(c. 1525-1569)

Famoso por sus paisajes, su obra es producto de una visión panorámica del mundo, y abarca desde la pintura religiosa alegórica hasta las escenas de la vida campesina.

Brueghel pintó con todo lujo de detalle escenas de la vida cotidiana de los campesinos holandeses y episodios de la Biblia, trasplantados a los paisajes y ciudades del

norte de Europa de su época.Sus obras se han interpretado de diferentes maneras, como referente de las ideas de

diversos pensadores religiosos, de los conflictos entre catolicismo y protestantismo, de la dominación de los Países Bajos por parte de los españoles y como

equivalentes visuales de alegorías dramáticas representadas en público por sociedades retóricas flamencas.

BANQUETE DE BODAEL TRIUNFO DE LA MUERTE

LEONARDO DE VINCI(1452-1519)

Uno de los grandes maestros del renacimiento, famoso como pintor, escultor, arquitecto, ingeniero y científico. Su profundo amor por el conocimiento y la investigación fue la clave tanto

de su comportamiento artístico como científico. Sus innovaciones en el campo de la pintura determinaron la

evolución del arte italiano durante más de un siglo después de su muerte; sus investigaciones científicas —sobre todo en

las áreas de anatomía, óptica e hidráulica— anticiparon muchos de los avances de la ciencia moderna.

LA VÍRGEN DE LAS ROCAS.

Esquema compositivo triangular que encierra

a la Virgen, el Niño, san Juan y el ángel.

Leonardo, en este dibujo (Las Proporciones del Hombre),

representa el conflicto entre el espacio físico y el

representativo.Basado en las teorías del

arquitecto romano Marco Vitrubio sobre la aplicación de la sección áurea al ser humano: la

proporción entre la distancia desde la cabeza hasta el

ombligo y desde éste hasta los pies, debe ser la misma que la proporción entre la distancia

desde el ombligo hasta los pies y desde la cabeza hasta los

pies.

Movimiento de grupos

de apóstoles

MIGUEL ÁNGEL(1475-1564)

Uno de los mayores creadores de toda la historia del arte y, junto con Leonardo da Vinci, la figura más destacada del renacimiento italiano. En su condición de arquitecto,

escultor, pintor y poeta ejerció una enorme influencia tanto en sus contemporáneos como en todo el arte

occidental posterior a su época.

EL JUICIO FINAL

Cristo aparece flanqueado por las almas salvadas, que ascienden por su derecha, y las condenadas que

descienden por su izquierda.Surge desde su trono y con un ademán

sostiene todo el conjunto.Sus finas facciones permanecen

serenas. Es la clásica cabeza del Apolo de Belvedere.

Aún la Vírgen María, no puede sino resignarse ante su hijo

todopoderoso. Miguel Ángel representó a todas las

figuras desnudas, desnudez que fue tapada una década después con los

paños de pureza, realizados por Daniele da Volterra (conocido como

Il Braghettone precisamente por este motivo) en un momento en el

que el clima cultural se había vuelto mucho más conservador.

RAFAEL(1483-1520)

Estudió la obra de reconocidos pintores contemporáneos suyos, como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Fra Bartolommeo, de quienes aprendió sus métodos de representación de luces y sombras, sus estudios anatómicos y actitudes dramáticas. Cambió su forma de

pintar, basada en las composiciones geométricas y el interés por la perspectiva, hacia unas maneras más naturales y suaves. Tuvo la

influencia de Leonardo en la expresión de serenidad y en los esquemas compositivos triangulares y equilibrados, como es el

caso de La bella jardinera (1507-1508, Museo del Louvre, París) y La Virgen del jilguero (1505, Galería de los Uffizi, Florencia).

LA VÍRGEN DEL JILGUERO

DESPOSORIOS DE LA VIRGEN:

Punto de fuga sobre la parte central superior.

Perspectiva.

ESCUELA DE ATENAS

(1510-1511)

Es uno de los frescos que Rafael pintó para decorar las estancias del Vaticano y que marca

la madurez artística alcanzada durante sus años en Roma (1508-1520).

En él aparecen Platón y Aristóteles (centro) así como otros filósofos y eruditos griegos. Está considerado como una obra maestra de la

perspectiva y de la expresión de los ideales artísticos del renacimiento.

TIZIANO(c. 1477-1576)

Tiziano, cuyo nombre completo era Tiziano Vecellio. Figura principal de la escuela veneciana del siglo XVI y configurador

de su tradición colorística y pictórica.

AMOR DIVINO Y AMOR PROFANO (c. 1515)

es una obra alegórica de Tiziano en la que la mujer vestida representa al amor materialista y a la vanidad terrenal, mientras

que la desnuda, a un amor más puro y elevado.

ALBERTO DURERO

(1471-1528),

El artista más famoso del renacimiento alemán conocido en todo el mundo por sus

pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte, que ejercieron una

profunda influencia en los artistas del siglo XVI de su propio país y de los Países

Bajos.

CABEZA DE UN APÓSTOL

En este dibujo a tinta de 1508 se aprecia la

delicadeza de trazo y la magistral expresión de

la forma humana, características de la

obra de Durero.

ESTUDIO DE CRISTO Y AUTORRETRATO

EL ÁNGEL DE LA MELANCOLÍA

En un estilo que parece anticipar el barroco por la profusión de formas y el predominio de zonas sombrías, Durero ubica su apesadumbrado personaje arrinconado contra una

construcción y con un paisaje abierto al fondo. Sumida en una actitud

depresiva, la rodean una multitud de elementos, figuras, formas,

instrumentos, todos los cuales están cargados de significados.

ELEMENTO Y SIGNIFICADO El cometa y el arco iris La Astronomía Aquí se ven como emanaciones misteriosas y de mal agüero

El murciélago: Sale al anochecer, habita en lugares solitarios, oscuros y ruinosos.

El perro: Puede ser víctima de tristeza y locura.

El apoyar la cabeza en una mano: Pensamiento caviloso, fatiga o pesar.

El rostro oscuro: Típico del rostro del melancólico, que en Durero es un rostro en sombras.

La guirnalda: Paliativo contra los peligros del humor melancholicus.

La bolsa (que lleva la mujer): Símbolo vulgar de la riqueza, que Durero transforma en símbolo de la "riqueza de artista"

El llavero (que cuelga a su costado): Denota poder: asociado con Saturno, el más viejo y elevado de los dioses.

El niño o angelito: La pericia práctica que actúa pero no puede pensar.

La docta Melancolía: La penetración teórica que piensa pero no puede actuar.

Aún cuando Saturno había sido reivindicado, la superstición sobre su maléfica influencia seguía

prevaleciendo y se recomendaba el uso de talismanes para contrarrestar la influencia negativa

del planeta. Eso explicaría, la presencia del cuadrado mágico en el grabado de Durero, identificado con la mensula jovis dividida en

dieciséis casillas y que, grabada en una lámina de estaño podía "convertir el mal en bien" y "disipar

toda angustia y temor". Se podría concluir que la Melancolía de Durero, la

"Melancolía de Artista", lleva claramente el elemento "I" porque se encuentra en la esfera de

la imaginación, la esfera de las cantidades espaciales. Tipifica la forma primera, la menos

exaltada del ingenio humano. Personifica a los que no pueden llevar su pensamiento más allá de los límites del espacio. Siente impotencia por lo que no puede alcanzar, y renuncia a lo que está a su

alcance porque le resulta insuficiente.La Melencolia I es un reflejo de la personalidad de

Durero. Él se consideraba a sí mismo un melancólico. Había experimentado las

"inspiraciones desde lo alto", y también había conocido la sensación de "impotencia". El hombre cuyo "autorretrato espiritual", había plasmado una de sus obras maestras (inspiración y modelo para

infinitas obras posteriores) llegó a manifestar:"Mas qué sea la belleza absoluta, no lo sé. Nadie lo

sabe sino Dios".

MANIERISMO

Hacia 1520, surgió en Italia un estilo sofisticado y artificioso, muy intelectual, conocido como manierismo. Se confería más importancia a la complejidad y a la

distorsión que a la armonía de las líneas, al color o a la composición; en el manierismo,

hasta las pinturas religiosas resultaban inquietantes para el espectador.

EL GRECO(1541-1614)

El más conocido de los manieristas tardíos es El Greco (“El Griego”, debido a su origen), que, aunque formado en Italia, se estableció en

España y fue el primer gran genio de la pintura española.

Su manera, intensamente emocional, de abordar los temas confería un fuerte sentido

apocalíptico a sus obras, hasta a los paisajes.

LA ASUNCIÓN DE LA VÍRGEN

El primer encargo que El Greco pintó en España, su

patria adoptiva. La composición está dividida

en dos mitades horizontales: en la superior

vemos la asunción al paraíso de la Virgen María, mientras que en la inferior se encuentra un grupo de

gente que observa la escena asombrada. Aquí

las figuras no presentan el alargamiento característico de sus obras posteriores.

LA ASUNCIÓN DE LA VÍRGEN

El primer encargo que El Greco pintó en España, su

patria adoptiva. La composición está dividida

en dos mitades horizontales: en la superior

vemos la asunción al paraíso de la Virgen María, mientras que en la inferior se encuentra un grupo de

gente que observa la escena asombrada. Aquí

las figuras no presentan el alargamiento característico de sus obras posteriores.

BARRÓCO

El arte barroco del siglo XVII se caracteriza por su aspecto dinámico, en contraste con el estilo clásico, relativamente estático, del renacimiento. Esta tendencia se distingue

por las líneas compositivas diagonales, que proporcionan el sentido del movimiento, y por el empleo de un marcado claroscuro.

DIEGO DE SILVA VELÁZQUEZ(1599-1660)

Español, máximo representante de la pintura barroca en su país.

Pintor de Felipe IV, consumado maestro del tono y del color. Abordaba sus temas con objetividad, desapasionadamente, pero de forma realista al retratar a los miembros de la familia real, cuyo

entorno queda reflejado en su obra maestra Las Meninas (1656, Museo del Prado), donde, como

símbolo de veracidad, incluso se autorretrató ante el caballete.

Las Meninas (1656)

es un cuadro complejo. Está considerado como la obra maestra de Velázquez. La

figura del centro es la infanta Margarita Teresa,

hija del rey Felipe IV, flanqueada por dos meninas

o damas de honor. A la izquierda del cuadro está el

propio Velázquez frente a un enorme lienzo, en el que quizá esté pintando al rey y

a la reina, que aparecen reflejados en el espejo del fondo y que ocupaban, por

lo tanto, el lugar donde ahora se encuentra el

espectador del cuadro. La figura que baja la escalera

en el extremo opuesto de la habitación sirve para

acentuar el plano horizontal.

REMBRANDT

Fueron muchísimos los pintores que surgieron en los Países Bajos durante el siglo XVII, pero Rembrandt los superó a

todos.

El Autorretrato de 1659 (Legado Iveagh, Kenwood House, Londres), muestran su incomparable técnica del claroscuro y su

profundidad psicológica.

AUTORRETRATO

RONDA DE NOCHE

LA LECCIÓN DE ANATOMÍA DEL DOCTOR NICOLÁS

RES ABIERTA EN CANAL

LOS GENTILESCHI

ORAZIO GENTILESCHI (c. 1562-1639)

ARTEMISIA GENTILESCHI (c.1593 -1651)

Pintores italianos del barroco, padre e hija.

ARTEMISIA GENTILESCHI(c.1593 -c.1651)

Artemisia estudió con su padre y con el compañero de éste, Agostino Tassi. En 1612 Orazio acusó a Tassi de haber abusado de su hija y de romper el compromiso matrimonial. En el famoso juicio por violación que se llevó a

cabo más tarde, Artemisia fue torturada durante los interrogatorios. Finalmente, Tassi fue absuelto de todos los cargos. Sin embargo,

Artemisia continuó su carrera, pintando en Roma, Florencia y Nápoles con gran éxito. Desde 1638 hasta 1640 vivió en Inglaterra con su padre,

ayudándole en sus proyectos, realizando encargos propios y consiguiendo gran fama como retratista.

Uno de los temas favoritos de Artemisia Gentileschi es el de la historia bíblica de Judit, la viuda virtuosa que seduce y asesina al malvado Holofernes con

su propia espada.

Hace poco, en una película sobre su vida (Artemisia), se le llamó “Primera Pintora de la Historia”

SUSANA Y LOS SACERDOTES

NATURALISMO

Surge en oposición al manierismo. Caravaggio usó figuras en diagonal,

naturales, claroscuros por lo cual a su naturalismo se denominó “tenebrismo” o

“pinturas negras”

CARAVAGGIO(1573-1610)

En sus cuadros, tanto profanos como religiosos, no utilizó otro modelo más que la cruda realidad sin someter a los

personajes a proceso alguno de idealización. Esta forma de tratar las composiciones religiosas atrajo la atención de la Contrarreforma por su carácter devocional que facilitaba la

identificación de los fieles con los modelos de santidad, aunque, en algún caso, la excesiva vulgaridad de aquellos le

valió algún problema con la Iglesia. Fue asimismo muy importante su utilización del claroscuro para imprimir

dramatismo a sus obras.

CONVERSIÓN DE SAN PABLO:

¿Cuál es el Punto Focal?

El punto focal es el caballo en lugar de la

figura del santo.

DAVID Y GOLIAT

La acción del cuadro la

realizan los miembros de

la figura

ISAAC

El punto focal, el rostro,

seguido de la acción de movimiento

de las manos

JUDITHLínea de los

ojos, acción de las manos

LA MEDUSA

TENEBRISMO

Surgido por la influencia de Caravaggio: el uso de la luz y la sombra, los temas

religiosos dramáticos, la monumentalidad de las figuras y los rostros apasionados.

JOSÉ DE RIBERA(1591-1652)

Llegó a Nápoles (1616), ciudad en la que va a desarrollar toda su carrera pictórica hasta su muerte en 1652 como el pintor favorito

de los virreyes de España residentes en dicha ciudad, así como de diferentes congregaciones religiosas. En Nápoles fue conocido con

el sobrenombre de 'el Españoleto', por su corta estatura.Ribera es el artista del Siglo de oro que participa de una manera más

acentuada de los avances estilísticos del naturalismo tenebrista o claroscuro del pintor italiano Caravaggio; en la mayoría de sus

dramáticas composiciones religiosas sus figuras destacan siempre gracias al recurso compositivo tenebrista, en el que un foco de luz

dirigido en diagonal desde el exterior del cuadro crea las líneas maestras de la composición, dejando generalmente el fondo del cuadro sumido en una gran oscuridad y haciendo aparecer a los

personajes muy contrastados con respecto a la luz.

MARTIRIO DE SAN SEBASTIÁN

José de Riberapor lo general evitaba

representar la sangre y prefería mostrar la escena anterior o posterior

al suplicio. Este lienzo del Martirio de san Sebastián

(1651) se encuentra en el Museo di

Capodimonte de Nápoles (Italia).

LUZLUZ

FRANCISCO DE ZURBARÁN(1598-1664)

Su estilo, adscrito a la corriente tenebrista por el uso que hace de los contrastes de luces y sombras, se caracteriza

básicamente por la sencillez compositiva, el realismo, el rigor en la concepción, la exquisitez y la ternura en los detalles,

las formas amplias y la plenitud en los volúmenes, la monumentalidad en las figuras y el apasionamiento en los

rostros.Las obras de Caravaggio, José de Ribera y Diego Velázquez

ejercieron una clara influencia en Zurbarán. Al final de su carrera artística también le influyó el estilo más tierno y

vaporoso de Murillo.

LUCHA DE HÉRCULES CON LA HIDRA DE LERNA

APARICIÓN DE S. PEDRO A S. PEDRO NOLASCO

SANTA APOLONIA

LUMINOSIDAD

ESCUELA FLAMENCAPintores que surgieron en los Países Bajos durante

el siglo XVII, artistas holandeses del periodo fueron Frans Hals que, como Rembrandt, pintó retratos de grupo, y Jan van Goyen y Jacob van

Ruysdael, que pintaron magníficos paisajes. Hubo numerosos ‘pequeños maestros

holandeses’ que destacaron con sus escenas de género, representaciones de la vida cotidiana que

deleitaban a la nueva clase media, cuyos miembros se estaban convirtiendo en

consumidores de arte.

FRANS HALS(c. 1580-1666)

Es uno de los grandes maestros en el arte del retrato. Despierta gran admiración por la brillantez en la representación de la

luz y la libertad en el manejo de los pinceles.En todos sus retratos logró reflejar un ambiente de absoluta

espontaneidad; sus personajes producen la impresión de haber sido sorprendidos en una pose y con una expresión

fugaces, pero características.Como dato curioso, cuando pintaba a sus “alegres bebedores”,

hombres bebiendo en el bar, se ponía a llorar.

RETRATO DE CABALLERO SONRIENDO

JACOB VAN RUISDAEL(c. 1628-1682)

Pintor holandés, considerado como uno de los más grandes maestros de la pintura paisajista holandesa.

Ruisdael a menudo pintó los campos llanos y sencillos característicos del paisaje Holanda, dando un carácter apacible y melancólico a las vistas de

aldeas lejanas, molinos de agua, oscuras extensiones de agua que sobresalen entre los árboles y cielos nublados. Las representaciones de

las masas oscuras del follaje hacen que el verde oscuro sea el color predominante de muchos de sus lienzos. Las figuras de sus cuadros fueron pintadas por otros artistas. Entre sus obras más importantes

destacan las escenas de montañas con cascadas encrespadas, y los paisajes melancólicos y románticos,

EL MOLINO DE VIENTO DE WIJK BIG DUURSTEDE (c. 1670, Rijksmuseum) es un cuadro más tranquilo.

VERMEER DE DELFT(1632-1675)

Destacó por sus retratos de escenas de interiores llenas de serenidad, compuestas con una claridad matemática e imbuidas de

una luz fría y plateada.Sólo se conservan 35 lienzos de Vermeer. Este pequeño número parece ser fruto del metódico y deliberado estilo de trabajo de este

autor, su corta vida y la desaparición de muchas de sus obras durante un periodo de oscuridad tras su muerte en Delft, el 15 de

diciembre de 1675.Vermeer fue olvidado tras su muerte y no se le redescubrió hasta el

siglo XIX. A partir de entonces su reputación ha crecido de modo constante. Hoy se le considera uno de los más grandes pintores

holandeses.

LA LECHERA

Elementos simbólicos, la leche es la pureza de

la mujer jóven.Vermeer se valió de una

cámara oscura para captar los efectos de

la luz, que luego plasmaría con gran

maestría en su obra.

LA MUCHACHA CON LA PERLA EN LA

OREJA

(1665-1666)

LECCIÓN DE MÚSICA

Trayectoria de la luz

ROCOCÓEl arte rococó, que floreció en Francia y en Alemania a

principios del siglo XVIII, era en muchos aspectos una continuación del barroco, sobre todo en lo concerniente al uso de la luz y de la sombra, y al movimiento compositivo.

Sin embargo, es un estilo más ligero y festivo, muy adecuado para la decoración de las residencias parisinas.

Estilo pictórico y decorativo del siglo XVIII que se caracterizó por una ornamentación elaborada, delicada y recargada. El periodo del rococó se corresponde aproximadamente con el

reinado de Luis XV, rey de Francia (1715-1774).El término rococó proviene del francés rocaille, que significa

‘rocalla’.

JEAN-ANTOINE WATTEAU(1684-1721)

Jean-Antoine Watteau, sus cuadros de colores delicados sobre escenas aristocráticas se desarrollan en medio de un entorno idílico que rompe con

el heroísmo del estilo de Luis XIV. precursor del impresionismo del siglo XIX.

EMBARQUE PARA LA ISLA DE CITEREA (1717)

de Jean-Antoine Watteau es uno de los mejores ejemplos de la pintura rococó francesa. La escena, inspirada en las fiestas de la aristocracia de la época,

muestra a un grupo de personas a punto de embarcar para la mítica isla griega de Citerea, un paraíso inalcanzable. El estilo etéreo y delicado

denota la influencia de Rubens y de la escuela veneciana.

TIEPOLO(1696-1770)

Considerado como el principal maestro de la escuela veneciana y el mejor muralista del estilo

rococó.

LA APOTEOSIS DEL ALMIRANTE VITTOR PISANI es uno de los frescos que Giovanni Battista

Tiepolo pintó en la villa Pisani, en Italia, entre 1761 y 1762. Representa a Vittor Pisani

ascendiendo al paraíso rodeado de ángeles.

EL NEOCLASICISMO

En la segunda mitad del siglo XVIII la pintura experimentó una revolución, cuando el sobrio neoclasicismo vino a sustituir al exuberante estilo rococó.

Este resurgimiento clásico en las artes se debió a diferentes acontecimientos. En primer lugar, a mediados del siglo XVIII, se iniciaron muchas excavaciones arqueológicas en Italia y en Grecia, y se publicaron libros con dibujos de antiguas construcciones que los arquitectos ingleses y franceses copiaron con avidez. En segundo lugar, en 1755, el historiador

del arte alemán Johann Joachim Winckelmann publicó su ensayo Gedanken über die Nachahmung der Griechischen Werke in der Malerei

und Bildhauerkunst (Reflexiones sobre la imitación de las obras griegas en la pintura y la escultura), ensalzando la escultura griega. Esta obra, que ejerció gran influencia sobre los artistas, impresionó sobre todo a cuatro pintores extranjeros residentes en Roma: el escocés Gavin Hamilton, el

alemán Anton Raphael Mengs, la suiza Angelika Kauffmann y el estadounidense Benjamin West, que se inspiraron en ella para crear

cuadros basados en la literatura clásica.

NICOLAS POUSSIN(1594-1665)

Pintor francés; fue el fundador y máximo representante de la pintura clasicista francesa del siglo XVII. La lógica, el orden y

la claridad fueron virtudes esenciales en su trabajo y ha influido de manera decisiva en el devenir del arte francés

hasta nuestros días. La creencia de Poussin de que el arte debe atraer a la mente más que al ojo —debe presentar las

situaciones humanas más nobles y serias de manera ordenada, desprovista de detalles triviales o referencias

sensibles— se convirtió en el dogma del estilo academicista francés del siglo XVII. La influencia de Poussin alcanzó a

artistas como Jacques-Louis David, Jean August Dominique Ingres y Paul Cézanne.

EL ENTIERRO DE FOCIÓN Y LOS PASTORES DE ARCADIA

Nicolas Poussin recurrió a la ordenación matemática del espacio y a la austeridad cromática para lograr paisajes idealizados

y armónicos. El tema de El entierro de Foción (1648, Louvre, París) es de

inspiración clásica: la saga del héroe griego Foción, condenado a muerte en el 317 a.C.

por acusaciones falsas de traición.

EL ENTIERRO DE FOCIÓN

75°

ANGELIKA KAUFFMANN

(1741-1807)Pintora suiza cuyo estilo delicado y sentimental se hizo muy

popular a finales del siglo XVIII. Aunque fue esencialmente una pintora rococó, en su estilo se perciben algunos motivos neoclasicistas, producto de sus viajes a Italia entre 1762 y 1763. Realizó más de 500 obras de temática mitológica o

histórica.En Londres fue uno de los miembros fundadores de la Royal

Academy of Arts y realizó numerosos trabajos de decoración de techos, paredes y muebles para el arquitecto y decorador

de interiores británico Robert Adam.

AUTORRETRATO

JEAN AUGUSTE DOMINIQUE INGRES

(1780-1867)Las principales características del arte de Ingres, pureza del dibujo, sensibilidad para la

expresión del carácter y precisión en la línea de estilo neoclásico, demostraron ser perfectas para el arte del retrato.

Se consagró su situación como pintor y portavoz académico oficial contra los románticos.Ingres continuó pintando hasta una edad avanzada y a los 82 años hizo su famosa obra El

baño turco (1863, Louvre), culminación de sus espléndidos desnudos femeninos. Como dato curioso: él, que tocaba el violín, se consideraba mejor violinista que pintor de desnudos.

Pero era malo como músico y ha pasado a la historia como el mejor retratista de desnudos. Por eso surgió el dicho: “Ese es tu violín de Ingres” para señalar cuando alguien es malo para

determinada disciplina en la cual se cree bueno.

ODALISCA (1814)

de Ingres es una obra neoclásica en la que se aprecia la influencia de la antigüedad clásica y los rasgos característicos de su pintura: sensualidad,

contornos suaves y líneas sinuosas.

EL ROMANTICISMOSucediendo muy de cerca al neoclasicismo, el movimiento romántico introdujo el gusto por lo

medieval y lo misterioso, así como el amor por lo pintoresco y lo sublime de la naturaleza. Se dio rienda suelta a la imaginación individual y a la

expresión de la emoción y del estado de ánimo, desbancando al enfoque intelectual razonado de

los neoclasicistas. En general, los pintores románticos preferían las técnicas coloristas y pictoricistas al estilo neoclásico, lineal y frío.

THÉODORE GÉRICAULT(1791-1824)

Sus obras muestran una acción violenta, un diseño atrevido y un dramatismo cromático de gran poder emotivo. Tales características se intensifican en su lienzo La balsa de

la Medusa (1818-1819, Museo del Louvre), de grandes dimensiones y expresión sobrecogedora. En 1816 el barco Medusa, del gobierno francés, naufragó a causa de una tempestad, y muy pocos de sus tripulantes lograron salvarse después de muchos días a la deriva en una balsa improvisada. Géricault pintó el momento

culminante del episodio: cuando los náufragos avistaron el barco de salvamento. La combinación inquietante de figuras idealizadas y la agonía que plasma con

extremado realismo, así como su gigantesco tamaño y la minuciosidad de los detalles desataron una tormentosa controversia entre los artistas de tradición

neoclásica y los que tenían una opinión diferente sobre los temas que debía tocar la pintura. Géricault rompió en este cuadro con todas las reglas del neoclasicismo,

excepto las de la composición.

LA BARCA DE LA MEDUSA 1818-1819

Los cuerpos de los personajes describen una línea ascendente que nos produce la ilusión demovimiento

EUGÉNE DELACROIX(1798-1863)

Su influencia se extendió hasta los impresionistas.Su obra más romántica y tal vez la más influyente es La libertad guiando al

pueblo, también conocida como La barricada (1830, Louvre), una glorificación semialegórica de la idea de libertad. Este cuadro, que le valió la Legión de Honor, confirmó la clara división entre la pintura romántica,

que resaltaba la importancia del color y el espíritu, y el concurrente neoclasicismo (de cuyo desarrollo Jean Auguste Dominique Ingres fue una de las figuras prominentes), que hacía más hincapié en la importancia del

dibujo y en el distanciamiento respecto al tema. El gobierno francés compró esta obra pero se expuso hasta 1848, por considerarla demasiado

incitadora.

LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO

MILLET(1814-1875)

Jean Francois Millet, francés, precursor del realismo pictórico, movimiento que, aunque no existió

formalmente, sí presentaba una obra característica y diferente en algunos autores.

Aunque Millet no pretendió plasmar una protesta social a través de su obra, los temas en los que centró su

trabajó provocaron de forma inevitable tal interpretación.

LAS ESPIGADORAS (1857)

JOHN CONSTABLE(1776-1837)

Pintor inglés, maestro del paisaje de estilo romántico. Sus obras, extraídas directamente de la naturaleza, influyeron en los pintores franceses de la

Escuela de Barbizon y en el movimiento impresionista.Sus paisajes han recibido diferentes consideraciones: algunos críticos ven una

verdadera y sensible traducción del escenario familiar; otros perciben un tono moralizante inspirado por los Discursos de Joshua Reynolds, que eleva la vida natural y el escenario rural al tono pastoral de Claude; sin

embargo algunos ponen de relieve en las obras altamente estructuradas de Constable el reflejo de tiempo idílico perdido, durante un periodo en que la Revolución Industrial estaba cambiando irremisiblemente el aspecto del

campo.LA CATEDRAL DE SALISBURY

Donde la aguja de la catedral marca una fuerte verticalidad mientras las figuras y el estanque del primer plano acentúan la horizontalidad.

TURNER(1775-1851)

William Turner, paisajista inglés reconocido sobre todo por su dinámico tratamiento de los efectos de la luz natural en los temas de paisaje y

marinas. Su obra es determinante para el desarrollo del impresionismo.

LA RAMA DORADA (THE GOLDEN BOUGH, PORTADA DEL LIBRO DE FRAZER QUE TOMA SU TÍTULO DE LA PINTURA DE TURNER)

VARIACIONES DE OTROS AUTORES SOBRE LA RAMA DORADA DE TURNER:

DIDO´S FLEET AT CARTAGOLA RAMA DORADA

LOS EDIFICIOS DE CARTAGOEL LAGO DE NEMI DE ROBERT WALLIS

GOYA

(1746-1828)

Don Francisco de Goya y Lucientes, español, personaje atípico en la pintura pues mientras se daban los

movimientos del rococó y romanticismo, del clacisismo y sus derivados, él no perteneció exactamente a una

escuela en particular.

Con justa razón se considera el último de los clásicos y el primero de los modernos.

LA MAJA DESNUDA

1800-1803

Pintada al mismo tiempo que la versión de la Maja Vestida, fue la pintura no oficial que el público no podía ver, ya que representa a

su amante, la Duquesa de Alba, quien estaba casada.

EL 3 DE MAYO DE 1808 O

LOS FUSILAMIENTOS DEL 3 DE MAYO

En el célebre lienzo de El 3 de mayo de 1808 en Madrid: los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío (1814, Museo del Prado, Madrid) Francisco de Goya

representa, con dramático realismo y extraordinaria fuerza expresiva, a los españoles fusilados por los soldados de Napoleón durante la guerra de la

Independencia. Deben destacarse varios puntos importantes:

-El punto focal es un hombre, de rostro horrorizado, que parece absorber una extraña luminosidad sobrenatural, con los brazos en X, como condenado a la crucifixión.

-A la izquierda de la figura principal aparece un sacerdote católico, también condenado al fusilamiento.

-El muerto yace sobre un charco de sangre de color realista.-Los miembros del pelotón de fusilamiento son, a diferencia de los otros personajes,

una masa sin rostro, casi robóticos.-Al fondo, los fantasmales edificios de la montaña.

Goya anuncia así, el horror y la frialdad de cualquier guerra presente y venidera.

AQUELARRE, EL MACHO CABRÍO

c. 1820

En esta reunión festiva y secreta de los adoradores de Satán, el diablo aparece

disfrazado de macho cabrío. Las brujas y brujos le informan de los males causados desde la última reunión, en un ambiente

tétrico y escalofriante.

SATURNO DEVORANDO A SUS HIJOS

c.1821-1823

Pintada en el muro de su Quinta, es una obra de la serie de “pinturas negras” por la temática.

Representa a Saturno (Cronos), el Padre Tiempo greco latino, quien, para no ser destronado,

devoraba a sus hijos en cuanto nacían.

NATURALISMO Y COSTUMBRISMO MEXICANO

La lucha por la emancipación se extendió a la mayoría de los países de América Latina a lo largo de la segunda mitad del

siglo XVIII y las primeras décadas del XIX.En México, en 1846 se contrató a Pelegrín Clavé para dirigir la

reapertura de la Academia de San Carlos, organismo desde el que fomentó la temática histórica y el paisajismo con una visión europeísta. La reacción en contra del academicismo

corrió a cargo de Juan Cordero, con una interesante producción que introdujo los rasgos mexicanos en la pintura

clásica. Los seguidores más destacados del paisajismo fueron Luis Coto y José María de Velasco, a quien se

considera el pintor más importante del siglo XIX.

JOSÉ MARÍA DE VELASCO(1840-1912)

Sus paisajes retratan los ambientes naturales de su país, en particular del valle de México, que pintó desde puntos muy diversos.

Naturalista convencido, se alejó de las corrientes impresionistas de la época. Su naturalismo no responde a la observación directa de

la naturaleza, sino que sus cuadros tienen una plástica e imaginación muy personales que le dieron reconocida fama. Viajó por el interior de su país y expuso en Filadelfia, París y Chicago.

UN PEQUEÑO VOLCÁN(1887)

Se conserva en la Narodni Galerie de Praga.

LOS IMPRESIONISTASApareció como reacción contra el arte académico. El movimiento

impresionista se considera el punto de partida del arte contemporáneo. Por extensión, el término también se aplicó a un

determinado estilo musical de principios del siglo XX. El impresionismo en pintura partió del desacuerdo con los temas

clásicos y con las encorsetadas fórmulas artísticas preconizadas por la Academia Francesa de Bellas Artes. La Academia fijaba los

modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales del Salón parisino. Los impresionistas, en cambio, escogieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana. Su primer objetivo fue conseguir una representación del mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos. Las figuras principales del movimiento fueron: Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro,

Auguste Renoir y Alfred Sisley.

ÉDOUARD MANET(1832-1883)

Pintor francés, cuyo trabajo inspiró el estilo impresionista, pero que rehusó identificar su trabajo con este movimiento. El largo alcance de su influencia en la pintura francesa y en el desarrollo del arte moderno en general se debió a su forma de retratar la vida

cotidiana, a su utilización de amplias y simples áreas de color y a su técnica de pincelada vívida.

DESAYUNO EN LA HIERBA1863

Representaba una mujer totalmente desnuda acompañada de dos hombres completamente vestidos atrajo inmediatamente la atención general, pero fue

atacado con dureza por los críticos.Es una pintura intencional, que promueve al pudor. Manet dijo que no era una figura

alegórica ni una diosa la mujer desnuda, ni que era de mal gusto, sino que su tema era la luz: esta idea es la que dió origen al impresionismo.

CLAUDE MONET(1840-1926)

En 1874 Monet y sus colegas decidieron apelar directamente al público mediante la organización de sus propias exposiciones. Se denominaron a sí mismos independientes, aunque la prensa pronto les aplicó

burlonamente la etiqueta de impresionistas a causa del aspecto inacabado de sus obras (como una primera impresión) y porque una de las pinturas de Monet llevaba el título Impresión: sol naciente (1872, Museo Marmottan, París). Las composiciones de Monet de este periodo poseen una estructura bastante

libre, aplicando el color con cortas y vigorosas pinceladas. Esta técnica viene determinada por la espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al aire libre a la hora de captar una impresión de la

naturaleza.

IMPRESIÓN: SOL NACIENTE1872

Como dato curioso, ésta es una obra robada, de la cual se desconoce su paradero.CAMPO DE AMAPOLAS

GRENOUILLEREMADAME MONET

PIERRE AUGUST RENOIR(1841-1919)

Famoso por sus pinturas resplandecientes e íntimas, en particular las que representan desnudos femeninos. Considerado como uno de los más grandes artistas

independientes de su época, es famoso por la armonía de sus líneas, la brillantez de su color y el encanto íntimo de sus

muy variados temas pictóricos. A diferencia de otros impresionistas, le interesó más la representación de la figura humana individual o en retratos de grupo que los paisajes;

además, tampoco subordinó la composición y plasticidad de la forma a los intentos de interpretación de los efectos

lumínicos.

EL BAILE DEL MOULIN DE LA GALETTE O

EL DESAYUNO DE LOS CANOTEROS

1881

Se trata de un cuadro muy hermoso y en apariencia muy plácido. Pero es muy engañoso. La escena representa un convivio de varias

personas de la vida real retratadas con realismo, amigos de

Renoir, escritores, pintores y chicas pobres que bailaban en el Moulin de la Galette, el antecedente de los Table Dance actuales. Se trata de prostitutas y personajes a los cuales Renoir sacó de su

contexto y trasladó a un ambiente de paz y concordia, lejos del ruido, la prostitución y la explotación, muy al contrario de un

Toulousse Lautrec, por ejemplo.

PERSONAJES:

La joven con el perrito, sentada frente a Caillebotte, es la futura Mme. Renoir. Detrás de ella, el barón Barbier

contempla a la bella Alphonsine Fournaise, recargada en la balaustrada.

Lothe, Ephrussi, Lestringuez y la modelo Angéle completan este grupo.

Mme.Renoir

Barón Barbier

Caillebotte

Alphonsine

Angele

LAS GRANDES BAÑISTAS(Frag.)1887

MUCHACHAS AL PIANO

1892

CAMPODE

HIERBA

EL LAGO

IRENE

MALABARISTAS

MARIE CASSATT(1844-1926)

Pintora estadounidense que vivió y trabajó en Francia, donde se adscribió al grupo de los impresionistas.

Su obra atrajo la atención del pintor francés Edgar Degas, que la invitó a exponer con sus amigos impresionistas.

A partir de 1882 el estilo de Cassatt dio un giro. Al igual que en Degas, las xilografías japonesas ejercieron una gran influencia en su obra, empezó a destacar los trazos y

a experimentar con composiciones asimétricas, como en Paseo en barca (1893, National Gallery, Washington) y con gestos y posturas más naturales e informales.

La relación de las madres con sus hijos en escenarios domésticos se convirtió en su tema característico. No hacía retratos por encargo sino que pintaba a miembros de

su propia familia.

NIÑA SOBRE SOFÁ AZULLA LÁMPARA

PASEO EN BARCA

EDGAR DEGAS(1834-1917)

A Degas se le suele asociar con los impresionistas y, de hecho, expuso con ellos en siete de las ocho exposiciones que realizaron. Sin embargo, su formación clásica en el dibujo y su rechazo por la pintura

directa al aire libre dio lugar a un estilo que representó una alternativa relacionada con el impresionismo.A diferencia de los impresionistas, prefirió trabajar en su taller y no le interesó el estudio de la luz natural que

tanto fascinó a aquéllos. A Degas le gustaban los temas del teatro, por lo que la mayor parte de su obra representa teatros, cafés, teatros de variedades o gabinetes y carreras de caballos. Degas fue un gran

observador del ser humano —sobre todo de las mujeres, en las que se centra gran parte de su obra— y tanto en sus retratos como en sus estudios de bailarinas, sombrereras y lavanderas, cultivó una

objetividad absoluta, intentando atrapar las posturas más naturales y espontáneas de sus modelos como las que podían registrarse en las fotografías.

Su estudio de los grabados japoneses le llevó a experimentar con ángulos de enfoque inusitados y composiciones asimétricas.

ENSAYO EN EL ESCENARIOLA BAILARINA ESTRELLA SOBRE EL ESCENARIOLOS JÓVENES ESPARTANOS EJERCITÁNDOSE

DIBUJOS: BAILARINA ARREGLÁNDOSE LA ZAPATILLA; ESTUDIO SOBRE FONDO AZUL

POST IMPRESIONISTASSe dió una ramificación del impresionismo desarrollada por Georges Seurat y conocida

como divisionismo o puntillismo. Seurat y sus seguidores transformaron la pincelada suelta, típica del impresionismo, en puntitos de pigmento puro, yuxtaponiendo sobre

el lienzo zonas diminutas de colores complementarios. Las teorías de Seurat procedían de sus lecturas de los textos estéticos y científicos del siglo XIX sobre el

color. Esta técnica se aprecia perfectamente en una de sus obras más espectaculares, Un domingo de verano en la Grande Jatte (1884-1886, Instituto de

Arte de Chicago).Las obras tempranas de tres importantes artistas de finales del siglo XIX, Vincent van

Gogh, Paul Gauguin y Henri de Toulouse-Lautrec, denotaban la influencia del impresionismo, pero acabaron por desarrollar estilos postimpresionistas claramente

definidos. Tanto Van Gogh como Pissarro hicieron breves experimentos con la división del color. Sin embargo, en el estilo desarrollado por Van Gogh era típico el empleo del color puro, aplicado muy denso en pinceladas vacilantes que dotaban a la obra de intensa expresión emocional. Muchos de sus lienzos, en especial los de cipreses azotados por el viento y los de campos de trigo bajo cielos tormentosos,

expresan su propio estado de ánimo, tal como lo reflejan las fuerzas de la naturaleza. El estilo de Van Gogh ejerció gran influencia sobre los pintores del norte

de Europa que, a principios del siglo XX, desarrollaron el expresionismo.

PUNTILLISMO

Método pictórico que consiste en la aplicación de pequeños puntos o pinceladas yuxtapuestas de color puro. Al contemplar los cuadros desde cierta distancia, estas pequeñas manchas se funden en un

solo campo de color y reproducen con brillantez los efectos lumínicos.

La técnica, basada en las teorías del color del impresionismo, fue desarrollada científicamente por el pintor francés Georges Seurat,

fundador del neoimpresionismo a finales del siglo XIX. El cuadro de Seurat Un domingo de verano en la Grande Jatte (expuesto en la Exposición de los impresionistas de París en 1886) es uno de los ejemplos más destacados de puntillismo. Después de conocer a

Seurat en 1884, el pintor neoimpresionista francés Paul Signac se convirtió en un apasionado defensor de esta técnica.

GEORGE SEURAT(1859-1891)

Pintor francés, uno de los máximos representantes del neoimpresionismo: Rechazando el efecto borroso de las pinturas impresionistas, realizadas con pinceladas irregulares, inventó

la técnica del puntillismo, en el que las formas sólidas se construyen a partir de la aplicación de muchos pequeños puntos de colores puros sobre un fondo blanco. El revolucionario sistema de Seurat encontró muchos seguidores e imitadores. Muchas de sus teorías referidas a la pintura derivan del estudio de los

tratados contemporáneos de óptica. Su tendencia científica se refleja también en sus hábitos de trabajar, que incluían horarios fijos y una meticulosa sistematización de su técnica.

Su obra maestra, Un domingo de verano en la Grande Jatte (1884-1886, Instituto de Arte de Chicago), representa a los paseantes del domingo de una isla del Sena. La pintura muestra una atmósfera de

dignidad monumental a través de un orden equilibrado de sus elementos y los contornos de las figuras.En “modelos” pinta a una serie de modelos que se visten ante su propia pintura “Un Domingo de Verano en

la Grande Jatte”

UN DOMINGO DE VERANO EN LA GRANDE JATTEMODELOS

UN BAÑO EN ASNIÉRESPORT EN BESSIN PUNT

MODELOS

Un Domingo de Verano

en la Grande

Jatte

PORTEN

BESSINPUNT

TOULOUSSE LAUTREC(1864-1901)

Pintor, grabador y dibujante francés, fue uno de los artistas que mejor representó la vida nocturna parisiense de finales del siglo XIX.

Toulouse-Lautrec frecuentó los coloristas y animados cabarets del distrito parisiense de Montmartre, como el Moulin Rouge, y atrajo con su ingenio y locuacidad a un nutrido grupo de artistas e intelectuales entre

los que se encontraban el escritor irlandés Oscar Wilde, el pintor holandés Vincent van Gogh y la cantante francesa Yvette Guilbert. Visitó también con asiduidad el teatro, el circo y los burdeles. Los

recuerdos e impresiones que sacaba de estos lugares y de sus personajes más destacados los plasmó con gran maestría en retratos y bocetos de sorprendente fuerza y originalidad.

Su vida desordenada, su alcoholismo y un ataque de parálisis le llevaron a abandonar su estudio para refugiarse con su madre en el castillo de Malromé, propiedad de la familia, donde el 9 de noviembre de

1901 falleció.El arte japonés, de moda en París por aquellos años, ejerció también su influencia en Toulouse-Lautrec, con

sus contornos fuertemente marcados, su composición asimétrica y la utilización de manchas de colores planos. Su obra inspiró a Vincent van Gogh, Georges Seurat, Georges Rouault y a todos aquellos

artistas interesados en el trabajo de litografías y carteles.

JANE AVRIL ENTRANDO EN EL MOULIN ROUGELA GOULUE ENTRANDO EN EL MOULIN ROUGE

Ambas de 1892

PAUL GAUGUIN(1848-1903)

Pintor postimpresionista francés, cuyos colores exuberantes, formas bidimensionales planas y temática contribuyeron a dar forma al arte moderno.

En 1874, después de conocer al pintor Camille Pissarro y ver la primera exposición de los impresionistas, se hizo coleccionista y pintor aficionado. Expuso con los impresionistas en 1876, 1880, 1881, 1882 y 1886.

Bajo la influencia del pintor Émile Bernard, se alejó del impresionismo y adoptó un estilo menos naturalista, al que denominó sintetismo. Halló inspiración en el arte indígena, en los vitrales medievales y en los

grabados japoneses; estos últimos los conoció a través de Vincent van Gogh en 1888, durante los dos meses que vivieron juntos en Arles, en el sur de Francia. Tras el altercado en el que Van Gogh intentó

matarle, abandonó la ciudad. En 1891, arruinado y endeudado, se embarcó hacia Tahití escapando de la civilización europea, una sociedad "gobernada por el oro", y de todo lo que es artificial y convencional. A excepción de una visita a Francia entre 1893 y 1895, permaneció el resto de su vida en las Antillas, primero en Tahití y después

en las islas Marquesas. Su obra maestra es la inmensa alegoría, considerada su testamento pictórico, ¿De dónde venimos, qué

somos, dónde vamos? (1897, Museo de Bellas Artes, Boston, Estados Unidos), pintado inmediatamente antes de su intento de suicidio. Una modesta pensión que le enviaba un marchante de arte de París le

mantuvo hasta su muerte, el 9 de mayo de 1903, en el pueblo de Atuana, isla de Dominica (islas Marquesas). Su obra postimpresionista fue punto de partida del fauvismo y el expresionismo.

¿DE DÓNDE VENIMOS, QUÉ SOMOS, DÓNDE VAMOS? 1897¿CUÁNDO TE CASAS?

EL ESPÍRITU DE LOS MUERTOS OBSERVA 1892

VINCENT VAN GOGH(1853-1890)

Pintor postimpresionista holandés. Vivió la mayor parte de su vida en Francia y su obra influyó de forma decisiva en el movimiento expresionista.

Oscuras y sombrías, a veces descarnadas, sus primeras composiciones ponen en evidencia el intenso deseo de expresar la miseria y los sufrimientos de la humanidad tal y como él los vivió entre los mineros de Bélgica.

Para él todos los fenómenos visibles, los pintara o los dibujara, parecían estar dotados de una vitalidad física y espiritual. Logró contagiar su entusiasmo al pintor Paul Gauguin, al que había conocido en París, para que fuera a verle a Arlés. Menos de

dos meses después empezaron a tener violentos enfrentamientos que culminaron en una pelea en la que Van Gogh, fuera de sí, amenazó a Gauguin con una navaja; esa misma noche, sumido en un profundo remordimiento, Van Gogh se

cortó parte de la oreja. Estuvo internado durante un tiempo en un hospital de Arlés y un año en el manicomio de Saint-Rémy, situado en esa misma región. Durante ese periodo siguió trabajando entre los varios ataques de locura que sufrió. Más tarde pasó tres meses en Auvers bajo la atención de un médico cordial y comprensivo, cuyo retrato pintó (El doctor Paul Gachet, 1890, Museo de Orsay, París). Inmediatamente después de acabar su inquietante Cuervos sobre el trigal

(1890, Museo Vincent van Gogh), se disparó un tiro el 27 de julio de 1890 y murió dos días más tarde.

AUTORRETRATOCAMPO DE TRIGO Y CIPRESES 1889

CAFÉ NOCTURNOLOS GIRASOLES

NOCHE ESTRELLADA EN EL RÍONOCHE ESTRELLADA

FAUVISMO

Movimiento pictórico francés de escasa duración (entre 1904 y 1908, aproximadamente) que revolucionó el concepto del color en el arte contemporáneo. Los fauvistas

rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas en favor de los colores violentos, introducidos por los postimpresionistas Paul Gauguin y

Vincent van Gogh, para crear un mayor énfasis expresivo. Alcanzaron una intensa fuerza poética gracias al fuerte colorido y al dibujo de trazo muy marcado,

desprovisto de dramatismo lumínico.El término fauves, literalmente ‘fieras’, fue una etiqueta peyorativa aplicada por la crítica

con motivo de la primera exposición, en el Salón de Otoño de 1905, aunque los miembros del grupo ya pintaban en ese estilo con anterioridad a esta fecha. Sus

integrantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Georges Braque, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy, Emile Othon Friesz y Henri

Matisse, su principal exponente.El término fauves nunca fue aceptado por los propios pintores y, de hecho, no describe

de ningún modo su intención subjetiva ni el lirismo de sus imágenes.

GEORGES BRAQUE(1882-1963)

Pintor francés, que junto con Pablo Picasso contribuyó al origen y desarrollo del cubismo, del cual es una de las figuras más importantes.

Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la capital francesa y hacia 1905 empezó a pintar al modo de los fauvistas, utilizando colores puros y brillantes en composiciones de estructura muy libre.

Sin embargo, ya en 1908, su atención se había desplazado a las obras de Paul Cézanne. El interés de éste por las formas extrañamente distorsionadas y sus perspectivas poco convencionales llevaron a Braque

a pintar de un modo que más tarde se conocería como cubista. Picasso, con quien Braque empezó a trabajar en estrecha colaboración a partir de 1909, utilizaba un

enfoque pictórico similar. Desde 1910 a 1912 ambos artistas realizaron obras estructuradas en complejas formas geométricas y pintadas con colores neutros, que hoy son conocidas como cubismo

analítico.

En GUITARRA Y COPA (1921, óleo s/lienzo, 43 × 73 cm, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou, París) se aprecian las características del cubismo sintético de Georges Braque: formas

planas y fragmentadas, predominio de la composición y del color e incorporación del collage.

EXPRESIONISMO

Corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. El movimiento expresionista apareció en

los últimos años del siglo XIX y primeros del XX como reacción frente a los modelos que habían prevalecido en

Europa desde el renacimiento, particularmente en las anquilosadas academias de Bellas Artes. El artista

expresionista trató de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad

externa sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el observador. Para lograrlo, los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la

comunicación artística.

EDVARD MUNCH(1863-1944)

Pintor noruego cuyos cuadros y obra gráfica, tristes y angustiosas representaciones basadas en sus obsesiones y frustraciones personales, abrieron el camino al desarrollo del expresionismo.

Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista, derivó hacia un estilo mucho más personal, obsesivamente apegado a la representación de imágenes relacionadas con la enfermedad y

la muerte. La exposición de sus cuadros en Berlín en el año 1892 impresionó de tal modo a las autoridades que decidieron cerrar la muestra.

De entre toda su obra, la más conocida es quizá El grito (1893, Museo Nacional de Oslo). Ésta, junto con el angustioso Niño enfermo (1881-1886, Museo Nacional de Oslo), reflejan el trauma sufrido por Munch en

su niñez al morir su madre y su hermana víctimas de la tuberculosis. Pinta también tristes y melancólicas escenas, como El puente, con figuras lánguidas, de rasgos y rostros indefinidos. El reflejo

de sus ansiedades sexuales puede verse en sus múltiples retratos de mujeres, representadas alternativamente, como frágiles e inocentes víctimas o como vampiresas devoradoras de vida.

EL GRITO(1893)

es la más dramática de las obras de Edvard Munch y una de las más famosas del expresionismo. En ella el artista expresa la angustia espiritual y el tormento emocional experimentados en determinadas etapas

de su vida. El cielo atormentado amenaza, como ante un futuro incierto y la extraña criatura que aúlla, más que grita,

aterroriza ante su carga emotiva.

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

Consiste en la afirmación espontánea del individuo a través de la acción de pintar.

Es un arte no figurativo y no se ajusta a los límites de la representación convencional.

PAUL KLEE(1879-1940)

Siguiendo un estilo artístico específico, creo una serie de obras famosas por parecer

imágenes de ensueño fantástico, ingenio e imaginación.

SIMBAD EL MARINO

CUBISMOPretendía alejarse de la reprsentración naturalista

de los objetos y plasmarlos desde distintos ángulos. Fueron George Braque en su etapa

posterior al Fauvismo y Picasso sus principales representantes.

Seguían la sentencia de Paul Cézanne: “Todas las formas de la naturaleza parten de la esfera, el

cono y el cilindro”

Fue el movimiento mas influyente del Siglo XX.

PAUL CÉZANNE(1839-1906)

Pintor francés, considerado el padre del arte moderno. Intentó conseguir una síntesis ideal de la representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico abstracto.

Entre todos los artistas de su tiempo, Cézanne tal vez sea el que ha ejercido una influencia más profunda en el arte del siglo XX (Henri Matisse admiraba su utilización del color y Pablo Picasso, desarrolló la

estructura de la composición plana de Cézanne para crear el estilo cubista). Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional. Estaba distanciado incluso de su familia, que tachaba su comportamiento de extraño y no apreciaba el carácter revolucionario de

su arte.Mientras los impresionistas se dedicaban a plasmar los efectos transitorios, como los cambios de la luz,

Cézanne se preocupaba por los aspectos eternos de la naturaleza, extrayendo sus principios estructurales, como en sus numerosos lienzos del monte Sainte-Victoire. Estos estudios, pintados

durante los últimos años de su vida, son el resultado del empeño de Cézanne por conseguir plasmar el color y el volumen de una montaña vista desde lejos. El interés de Cézanne por las formas geométricas

tuvo gran influencia en el desarrollo del cubismo.

MELOCOTONES Y PERAS 1888De perspectiva plana, sería prescursora del cubismo del S. XX

PABLO PICASSO(1881-1973)

Considerado el “creador y destructor” del arte moderno. Verdadero genio de la pintura, escultura y el arte gráfico.

Es el artista más importante del Siglo XX.

GUERNICA 1937El 26 de abril de 1937 la Legión Cóndor alemana bombardeó la población

vasca de Guernica, siendo el primer bombardeo sobre una población civil en la historia.

Los colores que eligió Picasso realzan el cracter dramático de la obra: la violencia de la masacre y el caballo atravesado por una lanza del centro de

la composición, simboliza las víctimas inocentes.

CUBISMO SINTÉTICO

Forma de cubismo que experimentó con el “papier collé” o “collage” que se valía de formas geométricas de papel pegadas al

lienzo.

Su exponente fue el español Juan Gris.

JUAN GRIS(1887-1927)

Experimentó con el collage para formar figuras geométricas. Escenógrafo, ilustrador ed libros,

amigo y admirador de Picasso.

EL DESAYUNO

FUTURISMO

Movimiento que exaltaba la vida moderna vaiéndose de sus temas preferidos: las máquinas y el movimiento en las obras.

Tuvo una corta existencia, aproximadamente de 1909 a 1914, pero influyó en el

Movimiento Dadá o “Dadaísmo” precursor, a la vez, del Surrealismo.

GINO SEVERINI

(1883-1966)

Uno de los fundadores del Futurismo, el italiano Severini es uno de los firmantes del

Manifiesto Futurista.

Sus pinturas muestran la técnica de fragmentar el cubismo para mostrar el

movimiento a través de formas quebradas.

DADAÍSMO

Para expresar rechazo ante los valores establecidos en el arte, un grupo de artistas e

intelectuales escoge el término “dadá”, sin significado alguno.

Su fundador fue Tristán Tzara en 1916.

Marcel Duchamp es el más conocido y expresó su desaprobación por el “arte agradable y atractivo”, por esto pintó a la Mona Lisa y le puso bigotes.

MARCEL DUCHAMP(1887-1968)

Pasó del fauvismo a la experimentación en “Desnudo bajando una Escalera” de 1912, en la que expresó el movimiento a través

de una serie de figuras cubistas superpuestas.

DESNUDO BAJANDO UNA ESCALERA 1912, Síntesis de cubismo y fauvismo,

PRERAFAELISTAS

Grupo de artistas ingleses del S. XIX que se revelaron contra la burguesía y se

inspiraron en la “escuela nazarena” de 1810, quienes pretendían restaurar la pureza medieval en el arte cristiano a

través de los pintores anteriores a Rafael.

DANTE GABRIEL ROSSETTI(1828-1882)

Figura principal de los pre rafaelistas, que renovaron la pintura inglesa tomando elementos de la pintura medieval así como de su

literatura, como tal también fue poeta.Enamorado eternamente de su esposa: Elizabeth Siddal de 28 años.

Ella se suicidó con láudano por padecer enfermedades dolorosas. Rossetti la pintó una y otra vez hasta que murió poco después.

GHIRLANDATA Y MONNA VANATHE BOWER MEADOW Y PROSERPINA

ROMAN DE LA ROSE (Basado en el poema del mismo nombre, en la pintura, las rosas simbolizan el amor cortesano)

UN POEMA DE DANTE GABRIEL ROSSETTIEL RETRATO(Fragmento)

He aquí su retrato: así era ella,da asombro verla, como si mi imágen quedase en el espejo, habiendo yo salido de la estancia.

Contemplo su figura, hasta que me pareceverla alentar y casi mis ojos aseguran que se abren

sus labios todavía, y van a susurrar sus palabras, tan dulces:mas sobre ella yace la tierra.

Al pintarla, su rostro, como en un templo, puseentre místicos árboles, donde la luz apenas se desliza: en un sitio retirado, donde encontrar creyeras, el murmullo de voces

apagadas,y una viva llama errante, y figuras cuyo nombre ellas mismas ignoran, y rocío

de otros tiempos y el eco de tus propias pisadas, y las cosasque llegan y se van calladamente.

Allí, junto a su rostro, se queda mi recuerdoentre tanto, y espera el declinar del día,

hasta que entonces mire con unos ojos nuevos,con los ojos que das, Palestina del alma, más tiernos que el mirar de otros tiempos;

y , en tanto, esperanzas y anhelos, ya con ella perdidos,muy cerca de su imagen están,

como las tumbas de peregrinos muertosjunto al Santo Sepulcro.

J.W.WATERHOUSE

UNA SIRENA

BÓREAS

HYLAS Y LAS NINFAS

FRANK CADOGAN COWPER

FRANK CADOGAN COWPER

HUGHES

DAMA Y CABALLERO

HUGHES

DAMA Y CABALLERO

FRANK

DICKSEE

FRANKDICKSEE

DEl PRERRAFAELISMO AL ART NOUVEAU

De fines del S. XIX y primera década del Siglo XX, el “arte nuevo” usaba líneas curvas y sinuosas,

similares a marcas de latigazos.

Sus antecedentes son los prerafaelistas y el pintor y poeta visionario inglés William Blake (1757-1827) quien usó sus dibujos para su obra “Matrimonio

del Cielo con el Infierno”

WILLIAM BLAKE(1757-1827)

Su poesía, acompañada de imágenes místicas, se encuentra entre als más originales de lengua inglesa.

Defendía en su arte las visiones interiores, por lo cual se considera que no perteneció a mimguna escuela o movimiento en especial, sin embargo rompe con cualquier método, la forma en que

realizó sus grabados es un enigma, pero parecen haber sido creados sobre algún material insensible al ácido y luego aplicaciones de color sobre tela o papel.

“Sin contrarios no hay progreso” expresó, acerca de su obra “Matrimonio del Cielo con el Infierno”

EL BLASFEMOEL DRAGÓN

EL ANCIANO DE LOS DÍAS

GUSTAV KLIMT(1862-1918)

Obsesionado por las mujeres; las necesitaba tanto como al oxígeno. Su amante fue Valerie Neauzil, él la llamaba

Wally. Tenía 16 años. Por un tiempo ella lo fué todo para él, luego se aburrió de ella y la abandonó. Se dice que

sólo vivió 5 años más y murió de pena, po él.La secesión vienesa se denominó el movimiento del Art

Nouveau al cual perteneció, cuyo interés radicaba en expresar las angustias e intereses del hombre de su

época.

ALPHONSE MUCHA(1860-1939)

El checo Mucha, pintor y cartelista, introduce los arabescos, las líneas sinuosas, flores de tallos finos y retorcidos, mujeres de largas y sueltas

cabelleras y profusión de sedosos pliegues. Son famosos los carteles que hizo para la actriz

inglesa Sarah Bernhardt.

PAPEL DE FUMAR JOB

MAX ERNST:HACIA EL SURREALISMO

(1891-1976)

Figura entre dos corrientes, Max Ernst constituye un nexo entre el Dadaísmo y el Surrealismo. Usó diversas técnicas, estilos y

materiales.

Buscó expresar en dos o tres dimensiones el mundo extradimensional de los sueños y la imaginación. Incorporaba el absurdo en sus

obras atribuyendo a las máquinas cualidades humanas.

L´ELÉPHANT CÉLEBES 1921

RENÉ MAGRITTE(1898-1967)

Expositor del “Realismo Mágico” muy cercano al Surrealismo, basado en la yuxtaposición de objetos comunes en contextos poco

corrientes.La manzana, la pared, el personaje anónimo con bombín son temas

recurrentes, como sueños en su obra.

CHATEAU DES PYRENEESCHEF D´OEUVRE OU LES MYSTERES

GOLCONDE 2LES AMANTS

THE SON OF MANTHE RECONTRE

PINTURA METAFÍSICA:GIORGIO DE CHIRICO

(1888-1978)Funda el Movimiento de la Pintura Metafísica y sus obras incorporan elementos urbanos como

calles y plazas solitarias en una atmósfera extrañamante amenazadora, onírica, que luego

incorporarían surrealistas como Dalí.

ENDLESS VOYAGELE GRANDE TORRE 1913

SURREALISMOFundado por André Bretón, este movimiento artístico y literario, incluso cinematográfico con Luis Buñuel, nació del manifiesto Surrealista

publicado en París en 1924.El inconsciente en la actividad creadora, surgido del

dadaísmo, pero más ordenado y serio, fue su premisa.

Dalí, el mejor surrealista, fue expulsado del grupo por Bretón al considerarlo un artista en busca de

dólares.

JOAN MIRÓ(1893-1983)

Catalán, como Dalí, sus obras recogen elementos extraños extraídos de los sueños, de la memoria y el subconsciente, trasladando la poesía surrealista a imágenes ameboides,

puntillistas, coloridas en la línea fauvista para crear una obra original.

A su surrealismo se le denomina “abstracción biomórfica”

EL NACIMIENTO DEL MUNDO 1925,focaliza sobre dos puntos de color la atención del espectador.

SALVADOR DALÍ(1904-1989)

El catalán Salvador Jacinto Felipe Dalí y Domenech, personifica el surrealismo en la pintura, el cine, junto a Luis Buñuel, en la escultura, la joyería, el

diseño de ropa, la creación de perfumes y en sus libros.Siempre excéntrico, siempre atrevido y escandalizador, decía “que se hable

de Dalí, aunque se hable bien”Inspirado en las teorías de Freud (“método paranoico-crítico”) representó

imágenes insospechadas extraídas del subconsciente y los sueños.Inventó la doble exposición en sus cuadros, donde una figura mayor incorpora

otras menores que la forman a la vez.Dibujante meticuloso, amigo de poetas como Federico García Lorca y Paul

Elouard a quien le arrebató a la esposa, Gala, once años mayor que él y quien sería su musa, murió dos veces, la primera cuando Gala murió y la

segunda cuando nació como el tercero de los grandes del Siglo XX cuando nos dejó en 1989.

LA ÚLTIMA CENAEL CRISTO DE PORT LLIGAT Y CORPUS

HIPERCUBUSLA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA

CATACLISMO MUSICALJIRAFAS Y TELEFONOS QUEMÁNDOSE

BALLERINE ET TETE DE MORT

MUSEO DALÍ:“Un Objeto Surrealista

Gigantesco”

DOROTHEA TANNING: PEQUEÑA SERENATA NOCTURNA

IVES TANGUY: INDEFINITY DIVISIBILITY 1942:

Las formas orgánicas-ameboideas de este pintor son patentes en esta obra.

ESCHERMaurice Cornelius Escher o M. C. Escher

(1898-1972)dibujante holandés, su obra se basa en sus “visiones internas”

Sobre su obra dijo: “...he terminado en el campo de las matemáticas”, ha intrigado, ciertamente, a matemáticos y psicólogos y los jóvenes de las décadas de los 1960 y 1970 que experimentaban con drogas como el LSD, se acercaron a sus grabados a través de sus alucinaciones. Su obra roza el surrealismo, pero es original en cuanto

al lenguaje matemático de un mundo obsesionado por la simetría.

DÍA Y NOCHEENCUENTRO

CABEZASHABITACIÓN REFLEJADA

PATITOSREFLEJOSGALERÍA

EL SEGUNDO DÍA DE LA CREACIÓN

POP ART

Popular Art es el nombre del movimiento que le da importancia a expresiones típicas del Siglo XX y la cultura de consumo

estadunidense, tales como los cómics y la comida chatarra, la coca cola, la sopa campbells, la actriz Marilyn Monroe. Sus grandes

representantes, Lichtenstein (1923-1997) y Andy Warhol (c.1928-1987), no carecen de humor al tratar sus obras.

La frase “todos merecen sus 5 minutos de fama” fue acuñada por Andy Warhol, pintor, diseñador, director de cine, amigo de cantantes y músicos pop y de rock, que demostraba así la

velocidad y el vacío del Siglo XX.

WHAAM! 1963 de Lichtenstein

OP ARTSurgida a partir de 1950, se basa en la óptica para producir

efectos de vibración o relieve.Del inglés “Optical Art”, hace referencia en tono irónico al “Pop

Art”

Víctor Vasarely (1908-1997), interesado por el arte cinético (del cual forma parte el futurismo) e interesado en el movimiento

es su gran representante.

VONAL-STRI 1975La mirada se precipita hacia el cuadro negro del centro

mientras a la izquierda, la sensación de curvatura incrementa el movimiento.

MINIMALISMODespués de las rupturas con el expresionismo, las

tendencias abstractas que condujeron al op art se decantan hacia el ahorro de las formas.

El desarrollador del minimalismo, FRANK STELLA (1936), se inclinó después hacia un

expresionismo abstracto. De esta manera los artistas siguen en la búsqueda incesante de

tendencias que les ayuden a entender los días veloces que vivimos.

ROZDOL II

ARTE NAÏFTérmino que se aplica a la corriente artística desarrollada por

personas sin formación artística de escuela, sus obras son ingenuas, cercanas a lo infantil y cursi.

HENRY ROUSSEAU (1844-1910) llamado “El Aduanero” es su representante más notable.

Se puede decir que la obra del colombiano FERNANDo BOTERO (1936) se inscribe dentro de este movimiento.

EL ENCANTADOR DE SERPIENTES (1907) de Rousseau.FERNANDO BOTERO posando

GRABADO JAPONÉS

Cuando en Europa se descubrió la técnica y la obra de los dibujantes y grabadistas japoneses causó una profunda impresión en distintas corrientes, desde los impresionistas y post impresionistas, pasando

por los cartelistas como Toulousse Lautrec y Alphonse Mucha, hasta los movimientos modernos. Marie Cassat denota gran

influencia de ste tipo de grabado al pintar interiores intimistas con personajes que recuerdan, a la vez, personajes de obras

japonesas.Una obra se destaca, LA GRAN OLA, de Hokusai, en cuya

representación se pueden observar distintos planos superpuestos y una perspectiva profunda que anuncia la tercera dimensión

explorada hoy en día en el arte sintético, creado por computadoras.Monet expresó sobre esta influencia occidental en Europa (tendencia

que denominaron “japonisme”): “Son los perfectos impresionistas”

HOKUSAI(1760-1849)

A mediados del siglo XIX sus grabados, como los de otros artistas japoneses, empezaron a importarse a París, Francia, donde se coleccionaban con gran entusiasmo, en especial por

parte de impresionistas de la talla de Claude Monet, Edgar Degas y Henri de Toulouse-Lautrec, cuya obra denota una profunda influencia de dichos grabados.

El músico impresionista Debussy, se inspiró en el grabado LA GRAN OLA para componer su sinfonía “La Mer”

En realidad Hokusai se inspiró en la perspectiva y los temas costumbristas de pinturas y dibujos holandeses para terminar creando una obra verdaderamente japonesa.

Grabador pobre. Hokusai vendía sus obras a un publicista que a la vez las imprimía por 20 Mons, lo que hoy costarían dos vasos de sopa Maruchan. Estas colecciones de grabados eróticos (que hoy tienen continuación en el dibujo o cómic (manga) pornográfico japones llamado “hentai”,

que significa “perversión”) reciben el nombre de “Libros de Cabecera” o “Libros de Alcoba” y se vendían para japoneses y turistas europeos.

Gran autor de grabados sobre temas eróticos y pornográficos del llamado “Mundo Flotante” el mundo de los que viven el momento, como el “Carpe Diem” del filósofo latino Horacio, en sus

obras sobre temas naturalistas y bucólicos, trata de escapar de estas tendencias, atendiendo a la filosofía budista que profesaba; era, sin embargo, a pesar de su valor actual, un artesano

más para sus contemporáneos.Budista, adorador del Monte Fuji, no es extraño que su obra esté obsesionada por este volcán,

simbolizando en La Gran Ola, el flujo de la vida. Hokusai pintó la ola a los 75 años. A los 90, decía, apenas empezaré a ser un buen pintor y a los

110, seré el mejor.

LA GRAN OLALa obra de Hokusai comprende algunos de los mejores grabados paisajísticos japoneses. Entre los

miles de grabados que realizó durante su prolífica carrera se encuentra la famosa serie Treinta y seis vistas del monte Fuji (c. 1826-1833). En La ola vemos el monte Fuji al fondo y en primer

plano unas embarcaciones a punto de ser destrozadas por la enorme ola. Para los occidentales, representa amenaza, una ola como conjunto de garras que se inclina, en el

momento congelado en el tiempo más dramático, antes de caer, sobre dos barcas de remeros indefensos. Para los japoneses, sin embargo, representa el esfuerzo en conjunto de esos

pescadores, la unión de sus voluntades, su perseverancia.No representa un Tsunami, sino una “Ola Piramidal” que hasta fines del S. XX pudo cmprobarse en

condiciones de laboratorio que existe, lo que indica que Hokusai era un atento observador de la naturaleza.

El nombre en japonés de la obra (grabado en la parte izquierda) es “Kanagawa Uki Nami Ura” : Olas de Mar fuera de Kanagawa.

En cada bote van 8 personas, a diferencia de los 4 que normalmente viajarían en estos, al parecer se trata de pescadores de atún “bonito”, lo que explicaría que fueran más de los debidos en

busca de una pesca comercialmente bien pagada.La obra debe leerse de izquierda a derecha, como en Japón, lo que indica que los pescadores van a

casa (hacia la izquierda) y a encontrarse con el drama de la ola amenazante.Desde el punto de vista de la Teoría del Caos y el Efecto Mariposa, sería el antecedente de las

Figuras Fractales creadas por computadora: La Gran Ola lleva en sí a otras olas más pequeñas. Rrecientemente, en Internet, un artista anunció que la ola debajo de la grande,

representa una visión del Monte Fuji visto desde un lugar en específico, Por qué pintó Hokusai al volcán dos veces es un enigma.

Trayectoriadelos

Botes

Primer

plano

Segundo

plano

Tercer

plano