Post on 29-Nov-2015
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ÍNDICE:
Presentación……………………………………………………………………………3
Introducción………………………………………………………………………….....4
1) Cine ¿Qué es?.................................................................................................5
2) ¿Cuándo y dónde surgió?...............................................................................6
3) Géneros Cinematográficos………………………………………………………..8
3.1) Documental………………………………………………………………..8
3.2) Western……………………………………………………………………8
3.3) Aventura…………………………………………………………………...9
3.4) Guerra……………………………………………………………………..9
3.5) Terror………………………………………………………………………9
3.6) Ciencia-Ficción…………………………………………………….……10
3.7) Musical…………………………………………………………..……….10
3.8)Comedia………….………………………………………………….…...10
3.9) Político……………………………………………………………………11
3.10) Social……………………………………………………………………11
3.11) Policíaco………………………………………………………………..11
3.12) Melodrama……………………………………………………………..12
3.13) Propaganda…………………………………………………………….12
3.14) Animado………………………………………………………………...12
4) Datos curiosos sobre el cine……………………………………………………..13
5) El Expresionismo………………………………………………………………….15
5.1) El Expresionismo como corriente artística…………………………...16
6) Tim Burton…………………………………………………………………………19
6.1) Características de sus obras…………………………………………..22
6.2) Incorporación de personajes siniestros………………...…………….23
7) Análisis “El Joven Manos de Tijera”…………………………………………….25
7.1) Ficha técnica……………………………………………………………25
7.2) Sinopsis………………………………………………………………….25
1
7.3) Argumento……………………………………………………………….25
7.4) Contexto histórico………………………………………………………28
7.5) Producción………………………………………………………………28
7.6) Características de fotografía……………………………….………….30
7.7) Características artísticas ……………………………………….……..30
7.8) Características sonoras ……………………………………………….32
7.9) Montaje……………………………………………………………...…...32
7.10) Actuación………………………………………………………………33
7.11)Crítica personal………………………………………………………...33
8) Análisis “El Extraño Mundo de Jack”…………………………………………...34
8.1) Ficha técnica……………………………………………………………34
8.2) Sinopsis………………………………………………………………….34
8.3) Argumento…………………………………………………………….…34
8.4) Contexto histórico………………………………………………………37
8.5) Producción………………………………………………………………37
8.6) Características de fotografía…………………………………………..39
8.7) Características artísticas……………………………………………….40
8.8) Características sonoras………………………………………………..40
8.9) Montaje…………………………………………………………………..41
8.10) Actuación………………………………………………………………41
8.11) Crítica personal……………………………………………………….41
9) Filmografía………………………………………………………………..………..43
10) Entrevista a Tim Burton………………………………………………....………45
11) Entrevista a Federico Naguil……………………………………………………50
Conclusión…………………………………………………………………………….58
Bibliografía…………………………………………………………………….………59
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Presentación:
Yo elegí el tema “Corrientes Cinematográficas del siglo XX”, centré mi
trabajo en “El Cine y Tim Burton” porque siempre me pareció muy interesante y
quería saber más acerca de este artista, el más joven de los directores
exitosos: su estética, su estilo, su forma de dirigir, sus influencias y sus
películas.
También quería informarme sobre su vida y sus películas, Tim tiene un
estilo tan singular que casi siempre que vemos una película suya, nos damos
cuenta que es una de sus obras.
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Introducción:
En mi trabajo, voy a desarrollar los conceptos generales del cine, los
distintos géneros de forma muy sintética y como influyó el Expresionismo
Alemán en Tim Burton. Voy a analizar dos películas de este director donde me
concentraré en los detalles de cada una para intentar entender mejor lo que
trata de expresar.
Cuando se estrene una nueva película:
¿Seremos capaces de entenderla en su totalidad?
¿La veremos con los mismos ojos con los que veíamos antes?
¿Descifraremos su significado a través de las formas, de la estética, de los
colores, de la música y de la luz?
Para ello utilicé información de internet, relevamiento bibliográfico,
entrevista al director y una entrevista a Federico Naguil, licenciado en
comunicación visual.
No abordaré: corrientes cinematográficas, géneros, influencias,
directores o películas, que no estén relacionadas con el expresionismo alemán
y Tim Burton.
Para hacer mi trabajo me encontré con varias dificultades como la
escasez de materiales escritos sobre el tema, es un tema difícil porque
generalmente se sabe muy poco acerca las filmaciones. Otra dificultad que
tuve fue la organización de tiempo.
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Cine ¿qué es?
Técnicamente lo podemos definir como la proyección continuada de
fotografías en una cinta plástica que simulan movimiento. Pero ¿por qué
nosotros no percibimos el cine como una serie de imágenes?
Porque nuestros ojos tienen una condición llamada “persistencia
retiniana” por lo cual las imágenes no desaparecen inmediatamente después
de ser registradas. Está cualidad permite que al percibir imágenes, las
retengamos, de manera que se crea la percepción de movimiento.
El cine es un arte que las generaciones pasadas vieron nacer, este arte
toma elementos de otras artes: de la fotografía, toma las nociones de
composición de imagen e iluminación, de la pintura, los conceptos de color y
textura, de la escultura, las nociones de volumen aparente y relieve, del teatro,
elementos como los parlamentos, escenografía, actuación y vestuario, de la
danza toma los aspectos coreográficos y la planeación de las escenas basadas
en coordinación de movimientos y de la música, las mismas partituras.
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¿Cuándo y dónde surgió?
El cine comenzó en París en Francia el 28 de
diciembre de 1895, cuando los hermanos Louis y
Auguste Lumière realizaron la primera proyección
pública de imágenes en movimiento. Estos hermanos
inventaron lo que muchos calificaron como “fábrica de
los sueños” y para otros también fue una fábrica, pero
de dinero.
El cinematógrafo, invento de los Lumière, tenía como
antecedente el kinetoscopio de Thomas Edison. Ellos
lograron construir una cámara más portátil y funcional,
que registraba imágenes en movimiento, pero no podía
reproducirlas. Poco a poco estas proyecciones van
atrayendo cada vez a más personas. Las primeras
películas combinaban el cine documental y el cine de
ficción, por un lado se exhibían escenas de la vida
cotidiana, filmadas en exteriores: trabajadores saliendo
de las fábricas, trenes, etc. y por el otro,
representaciones escenificadas grabadas en interiores. Algunas de estas cintas
a las que nos referimos son las famosas “Salida de la fábrica” (1895) o “La
llegada del tren a la estación” (1895).
Pronto este invento fue distribuido en todo
el mundo, inventores alemanes, ingleses y
norteamericanos copiaron el cinematógrafo y lo
mejoraron. El cine se convirtió en un espectáculo
de feria muy barato y popular, desprestigiado por
intelectuales y estaba muy lejos de entrar en la
categoría arte como hoy se lo considera.
Los hermanos Lumière crearon más de 500
producciones cinematográficas, pero con el
tiempo los espectadores comenzaron a aburrirse de las simples filmaciones,
por eso directores como George Méliès comenzaron a desarrollar nuevas
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Kinetoscopio
Cinematógrafo
técnicas cinematográficas, narrando historias ficticias, incluyendo la técnica
teatral y creando los primeros efectos especiales.
La industria del cine comenzaría una intensa e imparable evolución en la
creación de películas; desde la primera película con sonido, pasando por
la inclusión del color en las proyecciones y, más tarde, las películas en tres
dimensiones.
Géneros cinematográficos:
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Desde las primeras escenas cotidianas de los hermanos Lumière, el cine se
acercó a todo tipo de temas, diversos lugares y distintas etapas históricas.
Según su tema principal, las películas se han clasificado en una serie de
"géneros", con sus normas, personajes y temas característicos, que se han
mantenido dentro de ciertas constantes a lo largo de muchos años. Algunos de
estos géneros son:
Documental:
El objetivo del cine documental es reflejar
lo mejor posible la vida real. Sus pioneros
fueron los Hermanos Lumière y los
noticieros de Charles Pathé. Durante la
segunda Guerra mundial, el género se
puso al servicio de las diferentes
naciones en conflicto. En el Reino Unido,
John Grierson creó una importante
escuela documentalista.
Western:
Trata el Western del mundo del oeste
Norteamericano (cowboys, indios,
diligencias, trenes). Se inició con Edwin S.
Porter con “The Great Train Robbery”
(1903), y en el cine mudo lo cultivaron
Thomas H. Ince y D. W. Griffith. La
Consagración del género llegó con
Stagecoach (1939), de John Ford,
exaltación de la
dura vida del oeste, como ocurrió también en las
obras de Howard Hawks y Anthony Mann.
Aventuras:
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“Salida de la Fábrica” de los hermanos Lumiere
“The Great Train Robbery” de Edwin S. Porter
Refleja un mundo heroico de combates y aventuras, predominando la acción y
lo narrativo. Sus protagonistas abarcan todas las épocas Históricas. Los
primeros fueron los filmes italianos que exaltaban el pasado de su país. Los
soviéticos le dieron un impulso épico, con sus temas revolucionarios. En el cine
mudo destacó Napoléon (1926), de Abel Gance. Las series sobre Tarzán,
Cleopatra (1963) y películas dirigidas por Steven Spielberg dieron una nueva
energía y cierto humor al género en la década de 1980 con “Raiders Of The
Lost Ark” entre otras.
Guerra:
Estás películas muestran a las guerras como
espectáculo cinematográfico, con tono patriótico o
crítico. Se inició el género con “The Birth of a
Nation” (1915), de Griffith. Las dos guerras
mundiales inspiraron muchísimas películas y la
guerra del Vietnam también daría pie a numerosas
películas en los Estados Unidos.
Terror:
Recurre el cine de terror, a la fantasía y
al miedo a través de personajes
monstruosos o sobrenaturales. Empezó
con el expresionismo alemán. A partir
de La década de 1970, este género se
hizo más realista y violento, según una
tendencia iniciada por “The Night of the Living
Dead” (1969), de George Romero.
Ciencia-ficción:
Comprende el género de la Ciencia-ficción,
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viajes interplanetarios, seres extraterrestres, experimentos atómicos y mundos
futuros. Han destacado “Space Odyssey” (1968), del estadounidense Stanley
Kubrick, y “Star Wars” (1977), de su compatriota George Lucas. Otro
estadounidense, Steven Spielberg, dio nuevas perspectivas al género y
consiguió enorme popularidad con “E. T.” (1982).
Musical:
Se denomina cine musical al género en que las
escenas cantadas o bailadas son las predominantes.
Se estableció sobre todo en Estados Unidos, en
Broadway. Entre los grandes creadores estuvieron los
directores Busby Berkeley y Stanley Donen.
Comedia:
Se basa la comedia en el humor y el enredo y busca
ante todo la risa y la sonrisa. Sus primeros maestros
fueron Charles Chaplin y Buster Keaton, que dirigieron
y protagonizaron sus películas. Posteriormente
sobresalió el estadounidense Woody Allen, que
consolidó su gran prestigio gracias a la comedia
romántica “The Purple Rose of Cairo” (1985).
Político:
La temática política es tratada frecuentemente en el cine. Ya en sus primeras
décadas de desarrollo el "Séptimo Arte" contó con notables muestras de su
motivación política, posteriormente, otros célebres directores dedicaron buena
parte de su obra a creaciones en las que predominaban los aspectos políticos.
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“The Cotton Club” 1983 de Francis Ford Coppola
Social:
Los argumentos sociales, que se acercan a géneros
específicos como el melodrama y a estilos como el
neorrealismo, presentan muchas manifestaciones a
lo largo de la evolución del arte Cinematográfico. Se
destacan, títulos Como “The Grapes Of Wrath”
(1940), de John Ford, “Ladri Di Biciclette” (1948), de
Vittorio De Sica.
Policíaco:
Los temas clásicos del cine negro tratan sobre
crímenes y criminales, policías, detectives y
gángsters. El Reino Unido ofreció una visión icónica
del mundo del espionaje con la serie sobre James
Bond, cercana al cine de aventuras. Después, el
género se situó desde la recreación de los modelos
clásicos “Chinatown” (1974), producción
estadounidense del polaco Roman Polansky a la
adaptación a las nuevas circunstancias sociales.
Melodrama:
El género del melodrama se centra en las pasiones humanas, destacando lo
trágico y lo dramático y desarrollando conflictos individuales.
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Propaganda :
Los filmes de propaganda divulgan ideas sociales
y políticas en favor de una ideología determinada.
Los primeros en impulsar este cine fueron los
rusos. En Alemania, con el Nazismo, se
desarrolló toda una propaganda política dirigida
por Goebbels. Después de la guerra, en los
Estados Unidos se produjo una corriente
anticomunista, defendida por el comité de
actividades Antiestadounidenses. La renovación
del género vino con el neorrealismo Italiano.
Animado:
Por cine animado se entiende la filmación de
dibujos o muñecos fotograma a fotograma. Sus
pioneros fueron los franceses Émile Reynaud y
Émile Cohl. El gran impulso lo dio Walt Disney
en los Estados Unidos.
Datos curiosos sobre el cine:
1) Scarface, la versión rodada en 1982
protagonizada por Al Pacino, tiene "el honor"
de ser el filme con más groserías de toda la
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Un Pueblo, un Imperio, un Líder!
“Fantasmagorie” 1908 de Émile Cohl
historia. En toda la película se sueltan 303 insultos, lo que equivale a un
promedio de una grosería cada 29 segundos.
2) La película con mayor número de extras esclavos
ha sido Gandhi. Nada menos que 300.000 extras
aparecieron en una sola escena de la película, la del
funeral.
3) El filme más largo de todos los tiempos tiene un
título que combina con la película: “Tratamiento contra
el insomnio”. Dura 87 horas, es decir, más de tres días
y medio. La cinta consiste en una única secuencia en
la que puede verse al poeta Lee Groban leyendo una
composición de 3.400 páginas.
4) Fidel Castro trató de triunfar en Hollywood, trece años antes de convertirse
en el líder de Cuba, Castro inició una breve carrera cinematográfica como
galán latino en la que tuvo tiempo de interpretar pequeños papeles en tres
musicales: "Escuela de sirenas", "Bathing beauty" y "Holiday in Mexico".
5) Bruce Lee ha sido el único actor con clones, la
estrella de las artes marciales sólo pudo protagonizar
4 películas antes de su prematura muerte. Para
exprimir la leyenda al máximo las dos grandes
productoras de Hong Kong rodaron varias decenas
de películas protagonizadas por los dobles del actor
a los que bautizaron con nombres como Bruce Le,
Bruce Li, Bruce Liu, alguno era parecido pero otros no se parecían en nada,
hubo otro que ni siquiera su origen era de nacionalidad China.
6) En la primera película de Tarzán los gorilas eran en realidad un equipo
estatal de futbol americano disfrazado para la ocasión. El Santa Monica
Football Club, para ser exactos.
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7) La película con más extras calvos, "Metrópolis", donde Fritz Lang recluta a
15.000 alopécicos para la escena del sacrificio
al dios Moloch, el dios sin escrúpulos del
capitalismo.
8) Ya no se hacen películas para enanos pero
hubo un tiempo en que era un género más. La
más famosa de ellas es “The Terror of Tiny
Town”, un western protagonizado
exclusivamente por actores pequeños que se
disparan, embriagan, pelean y cabalgan por la
pradera (montados en ponis).
9) La actriz más asesinada, fue la francesa Paula Maxa, especializada en
papeles de víctima en el cine mudo fue asesinada en toda su carrera un total
de 358 ocasiones, muchas de ellas de forma espantosa. En algunas películas
quizá hiciera más de un papel con el fin de poder ser asesinada varias veces.
10) El verdadero beneficio del cine ya no está en las entradas, sino en todo lo
que consume: pop, refrescos, golosinas, producen el 45% de sus ingresos.
El Expresionismo:
El cine como arte en sí, siempre ha
sido tocado por otras influencias artísticas
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o ha nacido a partir de ellas. Los grandes directores se basaron en los iconos
representativos para expresar emociones y sensaciones en la pantalla, o
simplemente para crear una ambientación acorde con el argumento de la
película. En todo caso, la pintura siempre ha estado muy presente en el cine.
Tanto que las grandes corrientes artísticas que comenzaron siendo pictóricas,
rápidamente fueron acompañadas por su correspondiente cine afín.
El movimiento expresionista surgió
en Alemania a principios del siglo XX,
precisamente en 1905 y durante la
República de Weimar y se manifestó en
todas las artes. El cine fue esencial para la
estética de esta corriente artística.
Surgieron grandes maestros del cine como
Robert Wiene con “El Gabinete del Doctor
Caligari”, Fritz Lang con “Metrópolis” o
Friedrich Murnau con “Nosferatu”.
El Expresionismo como corriente artística:
Definir el expresionismo es muy difícil, una de las definiciones que logra
expresar mejor ese espíritu fue la del escritor alemán Kasimir Edschmid:
“El expresionismo no mira: ve, el expresionismo no cuenta: vive, no
reproduce: recrea, no encuentra: busca”.
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“El Gabinete del Doctor Caligari” 1920 de Robert Wiene
El expresionismo surge
gracias a un grupo de estudiantes
de arquitectura aficionados a la
pintura, se hicieron conocer como
“Die Brücke” (El Puente) cuando
realizaron una exposición de sus
cuadros. El puente era un símbolo
de su deseo de construir un pasaje
entre el viejo mundo y el nuevo.
Esta sociedad estaba formada
originalmente por Ernst Ludwig
Kirchner, Erich Heckel, Fritz Bleyl y
Karl Schmidt-Rottluff, los cuales querían crear un arte diferente al que se había
hecho hasta la fecha. Este grupo de artistas creó una fundación del
movimiento, en el que compartían sus pensamientos y los hacían públicos, este
grupo recogía las ideas principales del
movimiento expresionista.
Otro grupo artístico del expresionismo era
“Der Blaue Reiter” (El Jinete Azul). Se creó en
Munich en 1911, este conjunto no tenía miembros
fijos. Se caracterizaban por el rechazo a los
valores de la vieja civilización occidental. Lo que
buscaba este grupo con sus pinturas eran nuevos
mundos y para ello se valían del simbolismo. El
arte de Der Blaue Reiter es más exquisito,
subjetivo y espiritual que el de Die Brücke. Les
importa más el cómo de la representación que el qué. Algunos alumnos de este
movimiento fueron Kandinsky, Klee y Campedonk.
La Primera Guerra Mundial destruye los grupos, pero el Expresionismo
no se extingue, al contrario, las pérdidas y la brutalidad de la guerra estimula a
otros artistas a traducir el dolor provocado.
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El expresionismo comienza
con la pintura. Una pintura que
toma como influencias al Greco, a
Goya o a Munch ya que sus
pinturas recuerdan al
impresionismo con un poco de
vanguardia. El uso de los colores
y las formas distorsionadas
sirvieron a los expresionistas para
crear después sus pinturas.
Esta era una época nueva
con cambios que no afectaban a
todos por igual y que no eran del
todo aceptados por la mayoría y
solo los jóvenes artistas que querían cambios recibieron esta transformación
con optimismo ya que deseaban romper con lo establecido lo que dio inicio a
un nuevo pensamiento y en consecuencia, a una nueva manera de hacer arte.
Un arte que evadiría lo figurativo para centrarse en las emociones.
La estética expresionista y lo que pretendían los que la defendían era la
búsqueda interior del artista, expresar sus pensamientos sin limitaciones. Los
temas expresionistas más comunes eran los estados del alma, los miedos, las
fantasías y los sueños.
Lo que más caracterizaba a la pintura expresionista es el uso del color y
la forma pero sin haber uniformidad en el estilo, la ruptura del clásico ideal de
belleza y de las perspectivas. Pero además, en los cuadros expresionistas se
destaca la unión entre dinamismo y sentimientos
que en ellos se reflejan y que son un espejo al
alma del autor.
En la actualidad existen directores
contemporáneos que se basaron en esta corriente
17
“El Coloso” 1812 Francisco de Goya
artística. Uno de ellos es Tim Burton. El cine de Burton tiene notoriamente unas
bases expresionistas con un toque gótico.
Este director norteamericano supo trasladar hábilmente y con éxito a
nuestros tiempos, la estética expresionista de inicios de siglo. En sus primeros
cortometrajes se pueden observar claras similitudes con el movimiento
cinematográfico expresionista. Los temas, los escenarios, la estética, los
personajes, todos estos elementos hacen referencia a este estilo. Pero la
carrera cinematográfica de Tim Burton ha evolucionado como director y con
ello su cine.
La estética gótica de Burton tiene mucho que ver
con los representantes del estilo gótico moderno. Figuras
como Robert Smith (The Cure), Tilo Wolff (Lacrimosa),
Evanescence, Therion entre otros, reflejan un estilo gótico
actual más parecido a la estética de Burton que el estilo
medieval original.
Tim Burton es un director, productor y diseñador que
en todas sus películas muestra personajes solitarios,
personas con siniestras historias, considerados
insignificantes por la sociedad, como su propia crítica al
mundo en el que vive y personas que lo habitan. Para conseguirlo usa los
mismos elementos que utilizaron los expresionistas alemanes en su momento,
como las líneas oscuras y violentas, las sombras y contornos distorsionados,
los colores chocantes, oscuros y contrastantes.
Tim Burton:
Timothy William
Burton nació en California
el 25 de agosto de 1958,
su madre era comerciante,
se llamaba Jean Burton y
su padre se llamaba Bill
Burton era jugador de
18
Arte Gótico en la Edad Media
Robert Smith, tiene una estética gótica pero moderna.
Burton tiene un estilo que se acerca más a este que al medieval.
beisbol y trabajaba en el parque de la localidad de Burbank. Es director,
dibujante, escritor y productor de cine. Él se obsesiona con los temas que
conoce. Tiene síndrome de Asperger y eso lo hace ser muy detallista con sus
creaciones.
La mayor parte de su infancia vivió con su hermano representado
parodias relacionadas con delitos sangrientos como homicidios, asesinatos,
etc. Una de las anécdotas es la de haber simulado un asesinato con una
hacha, recibió el alias de "Axe Wound". Otros de sus pasatiempos favoritos era
asustar a los hijos de los vecinos diciendo que habían llegado los
extraterrestres.
Muy destacado en sus animaciones y
en sus películas con actores reales, lo que
más caracteriza a su tipo de filmografía es
que tiene una excelente ambientación visual y
espacial de historias góticas y fantásticas,
también destacamos las de humor ácido y
protagonizadas muchas veces por seres
marginados o incomprendidos.
Una de las inspiraciones que tiene Tim, es que es un fanático del
admirable escritor de terror Edgar Allan Poe y del actor de terror Vincent Price.
Del escritor Edgar Allan Poe se obsesiono con él por sus poemas, ya
que en ese tiempo causaban mucho miedo y pesadillas en la gente. Del actor
Vincent Price le gusto la forma en que expresaba el terror a las personas.
Vincent trabajo en el primer trabajo de Tim, el cortometraje "Vincent" y también
apareció en "El joven manos de tijeras", siendo el padre del Edward.
Unos de los mil pasatiempos de Tim Burton fue el diseño, aspecto que
demostró tras concursar y ganar una competencia de trazos que serían usados
en algunos camiones de su ciudad natal. En la escuela nunca sintió nada por la
lectura ni los estudios. Su pasión más grande era la pintura, el dibujo y el cine,
sus películas favoritas eran las de monstruos sobre todo aquellas vinculadas
con Godzilla. Tim consideraba a Vincent Price como su héroe.
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Vincent Price
Es tan bueno en lo que hace que a los 13 años ya realizó su primer corto
animado junto con algunos de sus amigos, se llamó “The Island of Doctor
Agor”, también Tim interpretó al escapista Harry Houdini.
Después de terminar sus estudios en el bachillerato en 1976, ingresó a
al Instituto de Artes de California, fundado por Walt Disney, era como una
forma alternativa de aprendizaje, creada para jóvenes que estaban interesados
en la animación. Durante su estancia en la escuela creó una serie animada
llamada “Stalk of the Celery Monster”, corto que le dio oportunidad de ser
contratado por los estudios Disney.
Su estilo fue lo que motivó a Disney a contratarlo, pero no funcionó
porque sus dibujos eran tétricos, daban miedo y eran poco recomendables para
la audiencia infantil. Al no renunciar al estilo que más le gusta, decidió crear su
propio estudio e inicia así una carrera hacia el estrellato.
Crea dos cortometrajes “Vincent” 1982 y “Frankenweenie” 1992, gracias
a estas obras consiguió varios premios y obtuvo un gran reconocimiento. Esto
le permite realizar su primer largometraje “Pee Wee´s Big Adventure” 1985 y su
gran éxito inesperado, la comedia de fantasmas “Beetlejuice” 1988. Gracias a
este film Warner le permite filmar la adaptación al cine del cómic de “Batman”
1989, esta película sorprenderá por su cuidada estética gótica y la atmósfera
oscura que lo caracterizará.
En su vida amorosa Burton se casó
en 1989 con la artista alemana Lena
Gieseke, de la cual
se divorció un tiempo después de
filmar “Batman Returns”. Estuvo
casado con Lena desde 1992-1995.
Tiempo después conoció a la
inglesa Helena Bonham Carter,
relación de la cual tiene dos hijos:
uno varón llamado Billy Ray Burton,
cuyo padrino es su amigo Johnny
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Helena Bonhan Carter y Tim Burton
Depp, nació en octubre del 2003 y la niña llamada Nell, nacida el 15 de
diciembre de 2007.
Tim dijo que Bonham Carter ha aparecido en todas sus películas desde
el 2001. Helena Bonham Carter indicó que la razón para el estilo y visión de su
prometido es que sufre del Síndrome de Asperger una forma muy poco
habitual de autismo, ha dicho que esto es lo que lo ha ayudado a inspirar
su creatividad y que "no es un defecto sino una gran virtud".
Burton dijo que la mayoría de
sus actores son sus amigos como es
el caso de Johnny Depp, del cual es
amigo desde muy temprana edad.
Regresa como productor en
“Tim Burton´s Nighmare Before
Christmas” 1993, realiza con la
técnica de animación stop-motion y
como resultado da un film de
animación y se convierte en una película de culto para sus seguidores.
Los principales temas que Tim abarca son la figura del hombre contra el
mundo (Ed Wood, El Joven manos de tijeras), los mundos fantásticos (El
extraño mundo de Jack), las dobles personalidades (Batman), las diferentes
realidades e imaginaciones (El Gran Pez, Charlie y la casa de chocolate), el
lado oscuro y la lucha del bien contra el mal (Sweeney Todd) y la muerte
(Beetlejuice).
Características de sus obras:
El cine surrealista y oscuro es el que ha inspirado a Tim Burton.
Las características físicas de los
protagonistas son muy exageradas:
21
Tim y Johnny cuando eran muy jóvenes
muy altos, muy bajos, muy esbeltos o muy gordos son algunas de las más
notorias.
Casi todos sus personajes se
caracterizan por tener enormes
ojeras como si no hubieran
dormido en varios días (por
ejemplo, Edward Scissorhands,
el Pingüino, Sweeney Todd,
Katrina Van Tassel, etc.). A esto
el director le suele llamar "estilo
de cine mudo".
Incorporación de personajes siniestros:
Frecuentemente recurre a los nombres Edward, Vincent y Víctor para
sus personajes principales.
El color en sus películas son de dos tipos: siniestros,
usando colores negros, índigos, verdes, rojos y grises (Edward
Scissorhands, Batman) y fantástica, usando tonos pasteles y blancos
contrastados con colores primarios (Charlie y la fábrica de chocolate, Mars
Attacks).
Su estilo y temas visuales están influenciados por las películas de horror
de la década de 1920 a 1930, especialmente aquellas de James Whale y F.W.
Murnau, junto con las películas del expresionismo alemán. Las ilustraciones
de Edward Gorey son otras influencias, mientras que la razón de cadáveres,
Burton parece mostrar influencias del artista Edward Burra . A su vez, en sus
22
Jack Skellington
obras se ve la influencia del Dr. Seuss y de las películas de Víctor Moll en
especial "Las aventuras del Baron Munchaussen".
Hay muchas partes elegantes trabajadas en
los diseños de muchas cosas vistas en pantalla.
Los extremos de las líneas muchas veces se
vuelven espirales. La más famosa de ellas es la
colina en “El extraño mundo de Jack”.
Usualmente utiliza el tema de la paternidad,
aunque él no se considere un padre modelo y
tampoco un hijo modelo al no haber tenido una
buena relación con sus padres.
Mayoritariamente trabaja con el actor Johnny Depp. Lo vemos en las
películas Edward Scissorhands, Ed Wood, Sleepy Hollow, Charlie y la fábrica
de chocolate, Sweeney Todd, Alicia en el País de las Maravillas entre otras.
Burton quería integrar a Depp en la película Mars Attacks, personaje que
finalmente interpretó Michael J. Fox.
Varias películas, como Batman Returns, The Nightmare Before
Christmas (El extraño mundo de Jack), Charlie y la fábrica de
chocolate, Corpse Bride y Edward Scissorhands son ubicadas en navidad,
durante la temporada de invierno o el intercambio de regalos.
En sus películas casi siempre existen escenas en las que los personajes
aparecen sentados a la mesa.
A muchos de sus personajes se les da una relación con sus padres, a
veces como medios de explicar su comportamiento errático. Algunos ejemplos
son: Sleepy Hollow, Charlie y la fábrica de chocolate, Big Fish y Edward
Scissorhands .
En la mayoría de sus películas incluye perros muertos; pues son sus
animales favoritos y para él la amistad entre hombre y perro obtiene
un carácter simbólico, payasos, mosaicos a cuadros blancos y
negros, árboles torcidos, faroles de calabaza, espantapájaros, serpientes a
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rayas, edificios típicos de películas de terror y mariposas y muchas cosas más
alucinantes.
Danny Elfman fue el director de música y musicalizó muchas películas
de Tim Burton, desde “La Gran Aventura de Pee-Wee” hasta las más recientes
como “Alicia en el País de las Maravillas” y “El Cadáver de la Novia”. La
película “Sweneey Todd” fue musicalizada por Stephen Sondheim.
Sus personajes principales tienden a no ser muy sociales, y son
usualmente tímidos, con complexiones
pálida y alocado cabello negro, parecido al
suyo. También suelen ser altos y
caracterizados, de extremidades finas y
alargadas. Los ojos de sus personajes
suelen ser muy expresivos y otro rasgo es
el de tener la boca pequeña.
Los personajes principales
generalmente aparecen sorpresivamente
dentro de algún tipo de efecto visual,
como los colores, el humo, las sombras.
Análisis de “El Joven Manos de Tijeras”
Ficha Técnica:
Título original: “Edward Scissorhands”
Género: Fantasía, drama, romance
Dirección: Tim Burton
Producción: Tim Burton y Denise di Novi
Guión: Caroline Thompson
Reparto: Johnny Depp, Winona Ryder,
Dianne Wiest, Alan Arkin, Anthony Michael
Hall, Vincent Price.
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Victor de “El Cadaver de la Novia”
Director de fotografía: Stefan Czapsky
Director de música: Danny Elfman
Montaje: Colleen y Richard Hasley
Fecha de estreno: 7 de diciembre de 1990 (en Estados Unidos)
Duración: 105 minutos
Presupuesto: US$ 20.000.000
Sinopsis:
En lo alto de una colina, en un castillo muy aislado vive Edward la gran
creación de un científico. Este creador muere inesperadamente antes de
terminar las manos de Edward por lo que quedo con tijeras en su lugar. Desde
ese momento él vivió solo hasta que una señora vendedora de cosméticos lo
encuentra y lo recibe en su casa, al principio lo tratan con ternura pero después
lo ven como una amenaza.
Argumento:
En una noche muy fría de invierno, en un pueblo donde no se supone que
nieve, una anciana le cuenta a su nieta una historia para que se duerma. Le
cuenta porque nieva en ese pueblo:
En las afueras del pueblo había un castillo embrujado según los niños,
donde vivía desde hace ya un tiempo un joven llamado Edward. Este joven fue
creado a partir de un robot para hacer galletas por un viejo científico. El
inventor le enseñaba modales, poesía y sobre como sonreír.
Desgraciadamente antes de terminar su obra su corazón le falló y murió por lo
que dejó a Edward incompleto, con tijeras en vez de manos.
Cierto día, después de una mala jornada de trabajo, Peg, una vendedora
de cosméticos, va al castillo y descubre a Edward, al principio se asustó pero
después lo llevo a su casa a vivir con su familia. Aunque el castillo y el pueblo
quedaban relativamente cerca, el joven nunca había salido ni entrado nadie en
el predio del castillo.
El pueblo se llamaba Suburbia, parecía perfecto, con las casas muy
coloridas, los vecinos regando el pasto en el patio, muchos niños y flores. Todo
este aspecto ilusiona a Edward y más tarde traslada su imaginación y el hogar
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donde vivía, a la vida de sus nuevos vecinos, podando sus arbustos. Su
bondad, su inocencia y su ingenuidad conquistan el corazón de todos a su
alrededor y todos empiezan sacarle provecho a sus tijeras: para cortar la carne,
las verduras, etc. Kevin, el hijo de Peg, lo lleva a la escuela para mostrarlo
frente a sus compañeros y obtiene un gran éxito.
Edward se enfrenta con los obstáculos cotidianos, como vestirse y usar
los cubiertos. Una noche inesperadamente llega Kim de un viaje a las
montañas, Kim es la hija adolescente de Peg y cuando entra a su habitación
encuentra a Edward y los dos se asustan mucho. Él se enamora
inmediatamente de la chica pero ella no lo valora mucho, Kim tiene un novio
llamado Jim, el cual es deportista y engreído.
Peggy tiene miedo de mostrar a Edward por temor a que le hagan daño
pero su extraño aspecto llama la atención de las chismosas vecinas, amas de
casa. Edward se hace conocido en poco tiempo y utiliza sus habilidades
artísticas, primero para darle extrañas formas a los arbustos, después a los
perros y finalmente corta el cabello de las mujeres.
A la gente del pueblo le gustó tanto lo que Edward hacía, que se
presentó en un programa de televisión. Una de las vecinas, Joyce, le propone
tener su propio salón de belleza y Edward se pone muy feliz ya que trabajando
podría retribuirle a los Boggs todo lo que habían hecho por él pero resulta que
esta mujer sentía una atracción por él e intenta seducirlo, pero no lo logra
porque Edward sale corriendo.
Jim, manipula a Edward utilizando su amor por Kim y lograr que abra las
puertas de su propia casa para robarle a su padre, pero algo no sale como lo
planeado y Edward queda encerrado dentro de la casa mientras todos huyen.
La policía llega y lo apresa pero como no delata a nadie, creen que estaba solo
y carga con la culpa. Más tarde lo liberan porque consideran que no sabía lo
que estaba haciendo y su familia cree que es el responsable. Todas las
personas del pueblo se enteraron de lo que pasó y empezaron a mirarlo como
a un monstruo, todos tienen alguna queja.
Cuando todos se ponen en su contra, se encuentra con el amor
incondicional de Kim, que descubre que Edward es capaz de renunciar a todo
por ella. Desde ese momento, solamente ella estará a su lado sin importar lo
que pase.
26
Él también comprenderá que lo que le permitió crear belleza es también
lo que le provoca dolor. Puede amar pero no tocar, y para encajar en esa
sociedad, tendría que ocultar su individualidad porque su mundo y el de las
demás personas era muy diferente, su bondad, su pureza se alejaban mucho
de los principios de esas personas.
Obligado a abandonar lo que ama, Edward retorna hacía su castillo pero
lo siguen. Kim entra al castillo y habla con Edward pero aparece Jim y empieza
a pegarle, él no se defiende hasta que golpea a Kim, entonces él lo mata por
haberle hecho daño a lo que más amaba. Para salvarlo Kim debe renunciar a
su amor y lo abandona después de decirle que lo ama. Sale del castillo y le
dice al pueblo que se mataron el uno al otro, mostrando unas tijeras parecidas
a las de Edward. Para protegerlo el único modo era nunca volver al castillo
para que nadie supiera que él seguía vivo y lo quisieran matar.
Así termina la historia que cuenta Kim, ya anciana a su nieta. Cuando
mira la nieve caer sabe que Edward está vivo. La niña le pregunta porque
nunca pensó en volver a verlo y Kim le responde que prefiere que él la
recuerde como era: danzando joven bajo la nieve.
Contexto histórico:
La película “El joven manos de tijera” se estrenó en el año 1990 en
Estado Unidos.
La década de 1990 empezó con grandes cambios en la política
norteamericana e internacional, en la música y también hubo grandes
desarrollos tecnológicos.
Tras la caída del muro de Berlín se unificó Alemania y se desintegró la
URSS y se crearon nuevos países.
Producción:
La película se filmó en la calle, en casas que son reales en Florida, solo
se hicieron arreglos llamativos en las mismas.
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El presupuesto de la película fue US$ 20 millones y recaudó US$
86.024.005 sumando ganancias de US$ 66.024.005.
Hubo muchos candidatos para el personaje “Edward” como Jim Carrey,
Robert Downey Jr. y Tom Cruise, el actor, Johnny Depp no dijo más que 169
palabras en toda su actuación.
Vincent Price tiene el papel de padre de Edward, cuando muere en la
película fue la última vez que se lo vio en pantalla, ya que estaba muy enfermo
y fallece un poco después.
Durante la película en un momento podemos ver que un chico está
jugando en la calle con su ropa interior. El niño que se ve es el
futuro Backstreet Boy llamado Nick.
Las cicatrices que tiene Edward en la cara nunca están en el mismo
lugar, además de que tienen diferentes profundidades, ya que no se grabó todo
con el mismo maquillaje.
Las esculturas de arbustos que se pueden ver durante todo el film que
Edward hace, en realidad son esqueletos de metal cubiertos con alambre y
pequeñas hojas por encima, todo un trabajo por parte de la producción, pero el
resultado es muy realista.
Cada vez que el Johnny Depp tenía que meterse nuevamente dentro del
papel, entre maquillaje y vestuario pasaban en total 1 hora y 45 minutos. Una
de las anécdotas es que en el momento donde Johnny tiene que correr hacia el
castillo porque el pueblo lo está persiguiendo, el actor tuvo una caída y se
desmayó debido a que el traje estaba realizado en látex, en el estudio hacía
demasiado calor y el maquillaje denso le faltaba el aire.
Antes de Edward, Tim había logrado un gran éxito con Batman, la buena
aceptación comercial de ese filme le permitió a Tim abocarse a un proyecto
mucho más personal, basado en una idea que rondaba su cabeza desde que
era un niño: la imagen de un hombre que tenía tijeras en vez de manos, que
había volcado muchas veces en sus dibujos.
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"...la idea estaba ligada a un personaje que quiere tocar y no puede, que es
creativo y destructivo a la vez: esa clase de contradicciones puede crear una
clase de ambivalencia..."
Depp expresaría luego que había estado esperando mucho por una
historia como ésa, apenas leyó el guión se identificó inmediatamente con
Edward.
Por obtener el papel fue capaz de bajar once kilos de su peso habitual y
perder musculatura para obtener un aspecto más frágil.
Ya filmando, debía someterse cada día a larguísimas horas de maquillaje.
Finalmente, en Diciembre de 1990 la película se estrenó en Estados
Unidos logrando un asombroso éxito en las taquillas y críticas favorables
alrededor del mundo. Se elogió mucho el trabajo de Johnny Depp, a quien
señalaron como la clave del éxito de Edward Scissorhands.
Características de fotografía:
La iluminación de la película es muy buena y se adapta a los lugares y
escenografías, en que se mueven los personajes. También le da vida a la
personalidad de los personajes principales, aunque siempre hay un poco de
oscuridad en todas las tomas.
Burton se caracteriza por los contrastes del bien y el mal y lo sombrío y
lo agradable, algo que logra con la fotografía en esta película, particularmente
al mostrar la colina con la mansión donde vivía Edward como una montaña
negra y lúgubre en medio de casitas de colores y jardines.
Los movimientos de cámara son de izquierda a derecha, de picada y van
haciendo acercamiento dependiendo de la importancia de los diálogos de los
29
personajes. Los planos van desde general hasta primer plano, utiliza mucho
los planos de detalles y los primeros planos.
Características artísticas:
En este film, la estética no es puramente expresionista, ya que tiene dos
claramente diferenciables, una del mundo de Edward (el castillo donde vive), y
otra, el mundo exterior.
Tim recrea para el castillo una estética gótico-expresionista y también
para el mismo Edward. Y como contraste recrea el mundo exterior con
decorados casi pop.
Otro ícono expresionista que podemos ver, es la escalera en el castillo
de Edward, que es lo que une y a la vez separa los mundos, este símbolo es
muy utilizado en el expresionismo al igual que el puente.
El aspecto de Edwrad Scissorhands venía básicamente del dibujo
original de Burton, su principal directiva al especialista en efectos de maquillaje
Stan Winston fue que quería que Edward se viera hermoso y peligroso al
mismo tiempo.
30Johnny Depp caracterizado como Edward
Dibujo original de Tim Burton
Solamente Johnny Depp podía darle vida a alguien tan inusual como
Edward, terriblemente pálido, con su rostro cubierto de cicatrices, el cabello
muy oscuro y erizado, además de un vestuario ajustado de cuero negro,
correas y metal. Sus movimientos, semejantes a los de un robot o un muñeco,
su extraña forma de caminar y las enormes tijeras que Johnny mueve como si
fueran dedos.
Pero su principal logro es traspasar la apariencia y hacer que el
espectador se olvide de él y se quede con la dulzura, la ternura y la enorme
sensibilidad que reposan en Edward.
Johnny logra todo esto con mínimos gestos faciales y luminosas
sonrisas en los momentos justos, ya que su personaje habla muy poco.
Además, sus expresivas cejas están ocultas bajo el maquillaje, los
instrumentos usuales de un actor como son: las manos, los movimientos del
cuerpo y la voz, no son precisamente de los que él se vale para crear a
Edward.
El mismo Depp solicitó quitar la mitad de los diálogos del guión original,
consideraba que:" porque Edward no es humano y tampoco un robot. Por eso
consideraba que no debía hablar demasiado". Mucha de su inspiración partía
del trabajo de Charles Chaplin.
En la película se distinguen dos gamas de colores: en el mundo de
Edward, colores oscuros, apagados y verdes de los arbustos y en la ciudad,
todo era muy colorido, las casas, los autos, los jardines, etc. Ambos mundos
tienen colores muy exagerados para que cuando se comparen se note un claro
contraste. Edward notoriamente es un personaje con tendencia al color negro,
este color está en el extremo de la gama de grises, simboliza el silencio, el
misterio y la nobleza.
Características sonoras:
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El director de sonido de “Edward Scissorhands” es Danny Elfman, quien
compuso también la banda sonora.
Los diálogos son claros, no están distorsionados. Los sonidos son
realistas y llama la atención en la película el sonido de las tijeras de Edward.
Montaje:
En esta película hay muchos saltos de tiempo, por ejemplo, la historia es
una narración de una abuela a su nieta y dentro de la historia, se va al pasado
para ver como el científico construye a Edward y le enseña. Al final de la
película se vuelve al tiempo real y la abuela termina de contar su historia.
Los distintos lugares y puestas en escena cambian mucho pero
igualmente pasan desapercibidos.
Actuación:
La actuación de todos los actores es natural, menos la de Edward que
es muy diferente; Johnny Depp lo representa muy bien y aunque el papel es
muy raro, él hace que parezca todo totalmente fluido y natural.
Crítica Personal:
La película “Edward Scissorhand” me gustó mucho, para mí es una de
las mejores películas de Tim Burton, donde podemos ver claramente sus
características más notables como director: mundos paralelos que conviven,
personajes con sus grandezas y mezquindades, lo humano y lo sobrenatural,
todo coexistiendo en un mismo lugar.
Un inventor está por cumplir su máximo descubrimiento, pero de repente
fallece y deja su creación sin terminar, solo, aturdido y con miedo. Su nombre
es Edward y tiene tijeras en lugar de manos con las que puede embellecer la
vida de las personas que lo rodean pero también puede sin tener las
intenciones herir y lastimar.
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Edward estaba incompleto, además de las manos le faltaba amor y
cariño, cuando aparece Kim ambos se complementan.
Esta película desarrolla escenas muy artísticas, como cuando Kim danza
bajo la nieve, la música empieza a cobrar un protagonismo muy importante,
gracias al trabajo de Danny Elfman, la banda sonora de esta película, pasó a
ser una de las mejores creadas para el cine.
Análisis “El Extraño Mundo de Jack”
Ficha técnica:
Título original: “The Nightmare Before
Christmas”
Género: Fantasía, animación, musical
Dirección: Henry Selick
Producción: Tim Burton y Denise di
Novi
Guión: Caroline Thompson y Michael
McDowell
Reparto (voces): Catherine O’Hara,
Chris Sarandon, Glen Shadix y William
Hickey
Director de fotografía: Pete Kozachik
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Director de música: Danny Elfman
Montaje: Stan Webb
Fecha de estreno: 29 de octubre de 1993 en Estados Unidos
Duración: 75 minutos
Presupuesto: US$ 18.000.000
Sinopsis:
El señor de Halloween Town, Jack Skellington cansado que de año tras
año siempre sea lo mismo, descubre la navidad y queda muy sorprendido.
Decide mejorarla, pero lo que él y los habitantes de su ciudad piensan sobre
una festividad es muy distinto al espíritu navideño.
Planean secuestrar a Santa Claus y repartir juguetes algo macabros.
Argumento:
En el inicio de la película se muestra Halloween Town y su celebridad
más famosa, Jack Skellington, El Rey Calabaza. A pesar de que Jack es
amado y respetado por los habitantes de su ciudad, sufre una depresión, ya
que se está cansado de celebrar año tras año la fiesta de Halloween. En medio
de su desgracia, sale a caminar sin rumbo por un cementerio junto a su perro
fantasma, Zero. Más tarde descubre un círculo de árboles que nunca había
visto. Cada árbol tiene una puerta que representa cada festividad y que lleva a
la ciudad correspondiente. Jack se siente inmediatamente atraído por el que
tiene la forma de un árbol lleno de adornos. Cuando abre la puerta del Árbol de
la Navidad, es transportado a un pueblo lleno de nieve, luces y felicidad. Jack
queda abrumado con todos los colores y alegría que llenan el ambiente, y cree
que esa es la solución de su problema.
Después de su regreso a Halloween Town, Jack llama a los aldeanos para
mostrar su nuevo plan. Durante la presentación, él les muestra objetos que
trajo de Ciudad de la Navidad. Desgraciadamente, el sentido de belleza, y
delicadeza de los habitantes de Halloween es diferente de lo que usualmente
se ve en la Navidad. Frustrado por los malentendidos, Jack describe lo que
ocurre en Christmas Town de la única manera que los presentes pueden
entender: como un ser gordo y rojo que posee una profunda y grave voz y que
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en su trineo, cruza el cielo como un buitre, y se llama Santa Atroz.
Decepcionado por la incapacidad de sus amigos de entender la Navidad, Jack
se encierra en su casa y realiza múltiples experimentos para tratar de entender
su significado.
Finalmente, se convence de que creer en la Navidad es lo único que
importa, y les comunica a todos que este año ellos mismos organizaran la
navidad. Jack comienza a asignar a los habitantes tareas a realizar: un traje de
Santa Claus hecho por Sally, varios esqueletos de reno vueltos a la vida por
parte del Dr. Flinklenstein, juguetes hechos por los ciudadanos…
Para terminar Jack solicita la ayuda de tres jóvenes traviesos llamados Lock,
Shock y Barrel; para que rapten a Santa Atroz. Después de secuestrar al
conejo de pascua por error (y devolverlo a su casa por orden de Jack), el trío
lleva a Santa ante Jack, quien les dice que no lo lleven con Oogie Boogie, pero
lo terminan haciendo. A pesar de los esfuerzos de Jack por hacer su Navidad
alegre, los demás terminan fusionando las ideas de Navidad y Halloween,
creando y decorando los juguetes, mezclando ambas celebraciones.
Sally, quien está enamorada de Jack, tiene una visión acerca de los
desastres que van a ocurrir y trata de advertirlo. Dice que tomar el control de la
navidad puede ser una mala idea. De cualquier forma, Jack está demasiado
entusiasmado para escucharla, así que cuando va a despegar intenta detener
la partida de Jack creando un banco de neblina, pero Zero alumbra el camino,
con su nariz luminosa.
Es Nochebuena, y Jack se embarca en su trineo-ataúd con los juguetes
hechos en Halloween Town para compartirlos con el mundo entero.
Desgraciadamente, a los ciudadanos del mundo real no les gustan los juguetes
que los amigos de Jack hicieron, y comienzan a llamar a la policía reportando
ataques por parte de estos y de un “esqueleto volador”. Poco después, los
militares son llamados para eliminar al falso Santa Claus, y comienzan a
disparar a Jack, que va cruzando por el cielo y piensa que están celebrando. Al
mismo tiempo, Sally va a rescatar a Santa Claus para que arregle las cosas.
Pero, durante su rescate, termina siendo capturada por Oogie Boogie quien
perversamente apuesta con la vidas de ambos. Los demás habitantes de
Ciudad de Halloween son testigos de cómo Jack es derribado, y temiendo lo
peor, se entristecen mucho.
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Mientras tanto, los habitantes del mundo real son informados que,
debido a que no pueden encontrar al verdadero Santa Claus, la Navidad tiene
que ser cancelada. Una vez que recupera la conciencia en un cementerio y
lamentándose de lo ocurrido, Jack escucha las noticias y se da cuenta de sus
errores. Se da cuenta de que su camino en la vida es ser el Rey Calabaza y
jura hacer el próximo Halloween el mejor de todos. En un esfuerzo por salvar la
Navidad, Jack regresa a Halloween Town para salvar a Santa Claus. Se
escabulle en la guarida de Oogie para rescatar tanto a Sally como a Santa
Claus, y al derrotar a Oogie Boogie, revela que no es más que un saco repleto
de insectos. Santa Claus le dice a Jack que fácilmente puede salvar la
Navidad, después de todo es Santa Claus, y mágicamente sale flotando por la
chimenea y comienza a restaurar las cosas en el mundo real, reemplazando
todos los presentes que Jack había dejado. Jack regresa a Halloween Town
para alegría de los habitantes del lugar, y Santa es visto cruzando el cielo de
Halloween deseándoles a todos Feliz Halloween, mientras que Jack le
responde con un Feliz Navidad. Santa hace nevar y todos los habitantes de
Halloween Town finalmente se llenan de espíritu navideño comprendiéndolo.
Al final, Jack le revela a Sally sus verdaderos sentimientos y la película
termina con un beso y Zero se eleva al cielo y desaparece en la noche.
Contexto histórico:
En el año 1993, se estrenó la película “El Extraño Mundo de Jack” ese
mismo año Bill Clinton del partido demócrata asume la presidencia de Estados
Unidos. Clinton respaldó negociaciones en medio oriente y llevó el conflicto
árabe-israelí muy cerca de resolverse. En 1994 muere el ex presidente
republicano Richard Nixon.
Tim Burton comenzó a imaginarse esta película en los 80´s cuando
todavía trabajaba en Disney, Tim había firmado un contrato que decía que
cualquier idea que se le ocurriera sería de Disney por lo que en 1990 empezó
el proyecto de esta película. Tim cedió la el puesto de director a Henry Selick
mientras que él fue productor.
Producción:
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“The Nightmare Before Christmas” se rodó con 18 millones de dólares y
recaudó 75 millones. El lugar donde se encuentra el estudio de filmación es en
San Francisco, California.
Esta película utiliza la técnica de animación llamada stop motion y fue la
primera de una serie de películas de Tim Burton con este estilo.
Para la producción de esta película Tim Burton reunió a un grupo de
animadores, artistas y elenco y fundó una compañía de producción
llamada “Skellington Studios” para la realización del guion y la creación de
nuevos personajes (Burton fue bastante específico en el ambiente y apariencia
de la película: incluso limitó a naranja, negro y blanco los colores principales de
Halloween Town).
Burton animó a los artistas a no utilizar su mano dominante para hacer
los dibujos, para así lograr un estilo único. Una vez que los bocetos fueron
aprobados se comenzaron a hacer a media escala las maquetas de cartón, que
fueron utilizadas de guía para la construcción de los escenarios finales.
Las marionetas fueron construidas con un esqueleto de metal, y
ensambladas por partes cuando se les inyectó el látex en espuma; el último
paso en la fabricación fue enviarlas al departamento de pintura. Se hicieron
muchas marionetas de casi todos los personajes; muchos completaron más de
un ciclo entre su fabricación, utilización en el set y regreso al taller para
retoques.
El equipo tuvo que improvisar soluciones a los problemas que iban
apareciendo durante la producción. Uno de estos fue el dar a los personajes las
distintas expresiones que se les ven en la película: hacerlos hablar y cantar.
Esto fue logrado de diversas maneras. Algunas marionetas tenían bocas que
se movían manualmente y las de los personajes principales, como Jack, tenían
cientos de cabezas reemplazables con diferentes expresiones, con lo que
lograron un amplio rango de expresión. La marioneta de Sally tuvo máscaras
intercambiables, ya que su cabello era demasiado largo como para ser puesto
en cada una de las cabezas que se necesitarían. Otro de los problemas a los
que se enfrentaron los animadores dentro del set fue el tamaño tanto de las
marionetas como del set mismo, pues temían no poder controlarlas bien. Este
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problema fue resuelto construyendo los diversos sets en secciones para que
pudieran ser separadas cuando el animador tuviera que trabajar en la parte
necesaria, y después volverlo a unir para la captura del cuadro.
La filmación fue bastante lenta y pesada: tardaron cerca de 3 años en
terminarla. Los animadores trabajaron en varias etapas para ganar tiempo,
pero al unir el trabajo al final de la semana seguían siendo solo unos minutos
del total de la película. El equipo tenía que ser muy cuidadoso en el manejo de
los escenarios y de las marionetas, pues un simple golpe podría arruinar la
toma y habría que comenzar nuevamente de cero.
En una etapa de la producción había 14 animadores trabajando
simultáneamente, lo que rindió como promedio 70 segundos de película por
semana. En total había 230 escenarios y más de 200 figuras.
Características de Fotografía:
En la película hay muchos planos muy difíciles de hacer y más en stop-
motion, picados o contrapicados, siempre en movimiento, con el objetivo de dar
vida y energía a una puesta en escena donde los personajes son marionetas.
La película comienza con un plano en picado (la cámara mirando hacia el
suelo), con un suave movimiento giratorio para mostrarnos las puertas mágicas
o portales en los árboles. La primera imagen va con una voz en off (de cuento
de hadas) que nos avisa que está por venir.
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Jack Skellington tenía 180 cabezas reemplazables para marcar las distintas expresiones
Lo más importante que el director de fotografía, Pete Kozachik, tuvo que
hacer fue iluminar correctamente cada uno de los complicados planos, filmados
completamente en maquetas y con marionetas animadas fotograma a
fotograma. Es mucho más difícil porque con la técnica del stop motion una sola
secuencia de movimientos necesita comúnmente varios días de rodaje.
Kozachik cumplió correctamente con su deber, logrando una película
muy impactante y con unos amplios rangos de colorido, oscuros en Halloween
Town y brillantes y luminosos en Christmas Town.
Características del Arte:
Se destaca la arquitectura y los elementos decorativos ya que tienen una
estética expresionista que se ve en la asimetría de los edificios y los elementos
angulosos.
La puesta en escena es predominantemente musical, ya que las
canciones son importantes y ayudan a narrar la película. La escenografía es
muy diferenciada, para poder distinguir cada mundo y darle a cada uno su
estética, su iluminación y colores característicos. Burton lo extrae del
expresionismo pictórico, donde los colores son esenciales y ayudan a trasmitir
sensaciones.
Los colores dentro de cada mundo fueron muy cuidadosamente
seleccionados para mostrar un gran contraste, En Halloween Town predominan
los colores opacos y apagados también escalas de blancos y negros con
detalles naranjas con una iluminación muy tenue. En Christmas Town los
colores son alegres, vivos, claros y con luces parpadeantes.
Jack Skellington está caracterizado por el color negro y blanco, el negro
representa lo misterioso, la nobleza y la elegancia, el blanco la paz, la pureza y
la inocencia.
Oogie Boogie tiene un color especial que resalta en toda la película, él
es verde brilloso al igual que su guarida donde todo parece ser fosforescente.
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Características sonoras:
El director de sonido de esta película es Danny Elfman. Burton
aprovechó para mostrarle el poema original y los bocetos para “El Extraño
Mundo de Jack” A partir de entonces, ambos compartieron el mismo
entusiasmo por el proyecto.
Antes de que existiera incluso un guión, Burton y Elfman se pusieron a
trabajar con la música: Tim describía cada parte de la historia y Danny
inmediatamente escribía la letra de las canciones. Las grababa en su estudio,
dando voz en las pruebas de audio a todos los personajes, salvo al de Sally.
Las canciones, sirvieron para definir los personajes e ir avanzando en el
argumento de la película. La guionista Caroline Thompson, tuvo que escribir el
guión a partir de las letras de las canciones y caracterizar a los personajes que
todavía no estaban creados; sin embargo, disfrutó diseñando un lugar donde la
gente ya vivía.
Los diálogos no se escuchan distorsionados, sí con cierta espacialidad
pero básicamente se escuchan nítidos. La banda sonora de Danny Elfman, se
compone mayormente por canciones, logra los momentos más destacados en
las partes musicales, los efectos sonoros son buenos pero no tienen tanta
importancia.
Montaje:
En esta película no se ven saltos de tiempo ni cortes extraños o
llamativos. Dentro de la película se cambian rápidamente las escenografías y
los planos.
Actuación:
En esta película, la actuación es teatral porque es muy exagerada, con
las voces, las expresiones, los gestos. Más que nada cuando cantan.
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Crítica Personal:
El Extraño mundo de Jack es para mí y para muchos una película de
culto, ya que es considerada como las mejores animaciones de Tim Burton.
A pesar de ser una típica obra Burtoniana tiene grandes rasgos de
Ópera que ayuda a narrar la historia y no perder el hilo ya que tiene pocos
diálogos.
Esta película también tiene grandes bases expresionistas ya que tiene
mundos paralelos, hay personajes comunes y otros sobrenaturales,
arquitectura angulosa, etc.
Los personajes representan en mayor y en menor medida los defectos
de los seres humanos y la sociedad.
Como personajes secundarios aparecen muchos personajes de cuentos
de terror, como, los vampiros, el hombre lobo, el doctor Finklestein y las brujas.
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Filmografía:
Cortometrajes como aficionado:
1971: “The Island of Doctor Agor”
1979: “Stalk of the Celery Monster”
“Doctor of Doom”
1982: “Luau”
Cortometrajes:
1882: “Vincent”
1884: “Frankenweenie”
2000: “The World of Stainboy”
Películas (TV):
1982: “Hansel and Gretel”
1985: “The Jar”
1986: “Aladdin and his Wonderful Lamp”
Películas (Largometrajes):
1985: “Pee Wee´s Big Adventures”
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1988: “Beetle Juice”
1989: “Batman”
1990: “Edward Scissorhands”
1992: “Batman Returns”
1993: “The Nightmare Before Christmas” (Productor)
1994: “Ed Wood”
1994: “Cabin Boy” (Productor)
1995: “Batman Forever” (Productor)
1996: “Mars Attack”
1996: “James and the Giant Peach” (Productor)
1999: “Sleepy Hollow”
2001: “Planet of the Apes”
2003: “Big Fish”
2005: “Charlie and the Chocolate Factory”
2005: “Corpse Bride”
2007: “Sweeney Tood”
2009: “9” (Productor)
2010: “Alice in Wonderland”
2012: “Frankenweenie”
2012: “Dark Shadows”
2012: “Abraham Lincoln: Vampire Hunter”
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Entrevista a Tim Burton:
El estilo de Burton toma más fuerza con los años. Hoy en día con 54
años, habiendo realizado producciones como “Batman”, “El Planeta de los
Simios”, El Joven Manos de Tijera” y “Alicia en el País de las Maravillas”
forman parte de su trabajo como creador audiovisual. Aunque parezca
sorprendente, los comienzos de este artista fueron en el mágico mundo de
Disney, donde dirigió la versión original de “Frankenweenie” (1984), un
cortometraje sobre un niño que le devuelve la vida a su perro, pero los
directivos declararon que era “Demasiado inapropiada para el público infantil”,
señaló Burton.
Mundos fantásticos creados en maquetas, vestuarios y personajes
insólitos y la evolución de la estética del claroscuro son algunos de los
elementos visuales que sobresalen en el trabajo de este ilustrador, quien según
el periódico The Guardian: “Es un director con una imaginación inquietante”.
¿No te parece una contrariedad que tu película original de
Frankeweenie (1984) dure 27 minutos y que tuviste que esperar 27 años
para estrenarla?
Me da miedo solo con pensar que tuve que esperar tanto tiempo. Igual,
ya estoy acostumbrado, realizando Pesadilla antes de Navidad tardé 10 años.
No me preguntes por qué, no lo sé. Hacer películas con marionetas es extraño,
todo se duplica, el tiempo, el equipo, los costos, en fin.
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Volviendo al pasado, ¿cómo reaccionaste cuando te informaron
que la película original no sería estrenada?
No me extrañó, estaba habituado. En ese momento sentía que vivía en
una curiosa burbuja y simplemente estaba agradecido por poder hacer esta
clase de películas que eran raras para la época. A muy pocos les habían dado
la oportunidad de ejecutar un proyecto similar. Y aunque nunca se estrenó ni
nadie la vio, fue una cinta que me permitió incursionar en el puesto como
director en esta gran aventura que es el cine.
¿Por qué crees que Disney en aquella época no quiso estrenar la
cinta y ahora, 27 años después, sí? ¿Acaso no sigue siendo la misma
película que ellos consideraban no apta para un público infantil?
Fueron y siguen siendo decisiones de Disney. Esa premisa la he
escuchado en muchas ocasiones, también con Pesadilla antes de Navidad.
Aun así son los niños los mejores críticos, hoy en día se me acercan chicos de
cinco años diciéndome: “Yo era así”. En mi caso, cuando yo tenía esa edad,
veía innumerables películas de terror. Por eso no creo que exista un estilo de
cine solo para los niños. Nunca dejaré de pensarlo y seguiré defendiendo este
principio hasta el final de mis días. Supongamos, cuando hice Batman
expresaban que el resultado sería muy ‘oscuro’. Y ahora, mi versión del cómic
es una roca con forma de corazón en comparación con los últimos filmes que
se han estrenado. Solo sé que me gusta experimentar, ese es mi estilo.
¿Es verdad que Disney te despidió por la película original de
Frankeweenie?
Bueno, habría que preguntarles a ellos. (Risas). La verdad es que
Disney me despidió por varias razones. Ante todo porque era un pésimo
animador digital. A ellos les gustaba la idea de tenerme pero en realidad no
sabían qué hacer conmigo. Trataron de dilatar el tiempo de mi estadía y por
eso me siento agradecido y nunca surgieron malos sentimientos. Fue Disney el
primero que me otorgó las oportunidades laborales.
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¿Frankenweenie es la primera película que se estrena en Hollywood
en 3D en blanco y negro?
No creo. La criatura de la Laguna Negra en blanco y negro la estrenaron
en 3D. Además han adaptado varias películas de los años 50 a este nuevo
formato.
Pero… ¿es la primera película de este estilo de animación que se
estrena en 3D?
Sí, y confieso que me sorprendió la belleza de la imagen en blanco y
negro. Tomé esta decisión porque quiero crear de formas distintas las
emociones y considero que la ausencia de color logró ese objetivo.
¿Por qué te gusta tanto la estética claroscuro en tus proyectos
como en tu forma de vestir?
Me gusta usar el negro porque gastaría todos los días media hora más
pensando qué me combina con qué. “¿El saco azul va con la camisa amarilla y
los pantalones verdes?” Lo que no sabes es que me gusta ponerme ropa
interior de todos los colores. (Risas).
¿Consideras que el Óscar que recibió ‘El artista’ puede ser un plus
cuando se estrene Frankenweenie al tratarse de una película en blanco y
negro?
Probablemente, pero no es la razón. Es pura casualidad.
¿Es otra casualidad que el personaje de Víctor, en la película, se
parezca demasiado a ti?
Supongo que tiene algunos rasgos míos. Yo también solía experimentar
con animales. Pero en esta ocasión ningún animal salió lastimado, solo son
marionetas. (Risas).
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¿Qué partes de la película se parecen a tu vida?
En esta animación quise mostrar algunos elementos autobiográficos que
están estampados en la arquitectura de la casa y los amigos de Víctor. Hasta
en el concepto de la noche imprimí ciertas sensaciones personales.
¿Entonces la historia del perro en la animación pasó en la vida
real?
Sí, es una historia que le dio vida a este proyecto. En mi infancia tuve un
perro enfermo que vivió muy poco, menos de lo esperado. Fue una de esas
primeras relaciones que nunca se olvidan.
¿Hay algún aspecto de tu vida que quisieras llevar a la gran
pantalla?
Por ahora, no. Me gusta estar jugando e intentando cosas nuevas. Lo
que sí es cierto es que todos cambiamos y con el tiempo nos vamos viendo de
formas distintas. Probablemente nunca hubiera realizado un largometraje como
El gran pez si me padre no hubiera fallecido. Hay experiencias en la vida que
nunca se repiten o no se pueden proyectar hasta que te suceden en carne
propia. No todos los temas nos afectan por igual y por supuesto esto se ve
reflejado en el celuloide.
¿Qué les dirías a los adolescentes que quieren cumplir el mismo
sueño artístico que tuviste cuando eras pequeño?
Primero que todo, que si les gusta dibujar no se fijen en lo que dice la
gente, no hay que afectarse por lo que dicen los demás. Yo jamás dije: ‘Ah, voy
a ser director de cine’. Si haces lo que te apasiona es porque eres alguien con
mucha suerte, ya ganaste lo que la mayoría de la gente ni siquiera logra y es
hacer lo que te gusta. En el mundo el número de personas que odia su trabajo
es enorme, odia su vida, no hace nada que le llene. Los jóvenes que adoran las
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artes deberían explorar y trabajar en ese aspecto conociendo más de la
música, la escritura o el dibujo. La humanidad debería explotar su lado artístico.
Esta encuesta fue realizada por Fabián W. Waintal.
A través de esta entrevista descubro que Tim Burton al igual que
Federico Naguil (mi entrevistado), creen y defienden la posición, de que las
diferentes películas, no deben estar encasilladas en géneros, que no hay
estilos o géneros solamente para niños, por ejemplo: Las películas de
animación, éstas pueden ser disfrutadas tanto por niños como por adultos, pero
cada uno observará y percibirá distintos aspectos: música, historia, personajes
o escenografía.
Es interesante saber por él mismo, que algunos personajes, hechos o
parte de la escenografía formaron parte de su vida, entonces podemos
comprenderlo mejor, en la historia con el perro (Frankenweenie) vemos la
tristeza que lo marcó cuando su perro murió, o cuando perdió a su padre y
volcó sus sentimientos en su película El gran Pez.
También vemos un lado más divertido en Tim cuando dice que se viste
siempre de negro para no estar pensando cómo combinar la ropa cada vez que
se viste y que le gusta la ropa interior de colores, lo contrario a la mayoría de
las personas.
Un aspecto que me gustó mucho, es lo positivo y agradecido que se
muestra, en muchas ocasiones le recuerdan que Disney lo despidió pero él
resalta la oportunidad que le dieron para trabajar en ese lugar y que en realidad
se daba cuenta que no encajaba.
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Entrevista a Federico Naguil:Federico Naguil es licenciado en Comunicación Social. Estudió en la escuela
de cine de Cuba, una de las escuelas de cine más prestigiosas e importantes
de América Latina. Es profesor de historia del cine en la Universidad Católica
de Uruguay y trabaja en cine y publicidad.
¿Qué significa “cine” para ti?
Cine para mí, es el arte de contar una historia proyectada en movimiento
en una pantalla. Y es por lo tanto la unión de diversas disciplinas artísticas y
técnicas en una. Un espejo donde mirarnos, que contiene casi todas las
emociones. No todas. Es el arte por excelencia del siglo XX; está por verse que
sea también el arte del siglo XXI.
¿Qué te llevo a estudiar y enseñar sobre cine?
Yo nací en plena dictadura y el cine fue un refugio, un escape, una
bocanada de aire y un aprendizaje. La variedad, junto a la música y los libros.
Me crié viendo todo el cine que podía, en la tele, en Cinemateca, en las
matinés escolares y de vez en cuando alguna que otra película de estreno. De
chico sentí muy fuerte la vocación por la expresión artística y se me motivó en
mi casa, para desarrollar varias a la par. Nuestra casa era modesta pero
siempre había algo para leer, mirar o escuchar. Ya en la adolescencia terminé
haciendo música y estudiando cine a la par, y unos años después me decidí
más netamente hacia lo audiovisual, aparte de dejar la música como
ejecutante, irme a vivir solo y comenzar a trabajar en medios masivos de
comunicación.
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¿Cuál es tu opinión acerca de la influencia que puede tener el cine
para las personas?
Creo que el cine ha tenido una influencia enorme en todos los ámbitos
de la cultura mundial a través de todo el siglo pasado. Fue y es un generador,
motor de estéticas y nociones del mundo y de la misma realidad. El cine es un
espejo que refleja quienes somos tanto como quienes queremos ser y también
quienes nos negamos a ser. Un escape, una identificación y también un
espacio con nosotros mismos. La identidad se proyecta en la pantalla. Si bien
esta influencia permanece, como vivimos actualmente otra revolución cultural y
tecnológica no está claro, creo, que esa influencia siga siendo principal hoy.
Las nuevas tecnologías han abierto una brecha con un signo de pregunta con
respecto a qué será lo dominante. Lo masificado aumenta, pero se segmenta a
la par y la televisión parece captar más que el cine en algo que terminará
siendo solo Internet o su evolución.
¿Cuál es el género cinematográfico que prefieres?
La división por géneros, si bien etimológicamente deviene primero de los
clásicos griegos, y del teatro occidental, fue concretamente algo funcional al
sistema de cine industrial, como forma de resolver a la par los mecanismos de
censura y publicidad. O sea, para segmentar los públicos de consumo
específicos. Al decir esto quiero, apelo a, tomar posición, minoritaria quizá,
dentro de algo que forma parte de la cultura occidental desde hace muchos
años y por lo tanto forma parte de nuestra manera de ser y pensar. Pensamos
a través de los géneros, y es inevitable, porque a eso nos han obligado durante
generaciones. No obstante esto, y adrede, los aborrezco. Muchas películas se
niegan a ser encorsetadas dentro del género drama por poseer a la par
muchos elementos de comedia y a modo de ejemplo: muchas historias son
fantásticas, realistas, dramáticas, románticas y de ciencia ficción a la par. Lo
inclasificable por lo general tiene mucho más que ver, siempre, con el cine
autoral, por ponerle un mote, digamos netamente diferente que el llamado cine
industrial. Pero hasta ésta clasificación puede no cumplirse: ¿viste Brazil, de
Terry Guilliam? ¿Qué género sería y qué modelo de producción? ¿Y Solaris, o
El espejo, de Andrei Tarcovsky? ¿Y la uruguaya Whisky? Igualmente si fuera
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cuestión de vida o muerte mi respuesta y sólo un género específico salvara mi
vida diría: “drama”.
¿Tienes algún director o película preferida?
Muchas y ninguna. Siento que es algo que está permanentemente en
movimiento, el gusto y la preferencia. No creo en los rankings, aparte. Igual te
voy a dejar tres títulos que me marcaron en diferentes etapas de la vida: “El
árbol de los zuecos” del italiano Ermanno Olmi, que me marcó por verla muy
pequeño, luego “Pink Floyd, The Wall” del inglés Alan Parker, que me cautivó
por su libertad y fuerza más allá de sus enormes fallas narrativas, en mi
adolescencia y finalmente “Blue”, de la trilogía llamada “Trois Couleurs” filmada
en Francia, del polaco Krzysztof Kieslowski, ya entrando en la primera adultez.
¿Qué opinas del cine uruguayo?
Me parece que no existe el cine uruguayo sino una variada serie,
bastante numerosa por suerte ya, de películas uruguayas. Creo que se han
hecho varias y bastante buenas como 25 Watts, El baño del Papa y
últimamente Anina. Quiero ver Rincón de Darwin y Tanta agua, no pude aún..
No me gustan las categorías, más allá de la famosa Teoría de los conjuntos;
según ella se podrían agrupar bajo el mote de Cine Uruguayo a todas las
películas hechas en el territorio de la República Oriental del Uruguay. En
Uruguay hay muchos cineastas para su escasa población y eso es aplicable
también a los artistas en general. Son muchos. La influencia artística
mayoritaria es, desde su tradición, netamente europea y desde los últimos
treinta años a esta parte, netamente norteamericana. Hasta ahí llego con este
análisis. Están, luego y por suerte, los cineastas específicos y las obras
específicas.
¿Qué importancia tiene el expresionismo alemán en el cine? ¿Qué
elementos nuevos introdujo en el cine?
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El expresionismo alemán es una corriente más grande aún que la
puramente cinematográfica y surge principalmente desde la pintura hasta
expandirse a las demás artes como la escritura, la danza, el teatro, la fotografía
y el cine. Formó una parte muy importante en lo que se llamó “las vanguardias”
y en respuesta a otros movimientos, también originalmente de la pintura, como
el impresionismo. Se defendía la expresión interna, o estado del alma del
artista frente a la llamada impresión externa. Con su desarrollo paralelo y el
crecimiento de la literatura, poesía expresionista, se transformó paulatinamente
en un arte que se permitía expresar la oscuridad, la ambivalencia y subjetividad
del alma humana, contrapuesta a una visión positivista y de constante progreso
del hombre que estuvo muy en boga también en esos comienzos del siglo XX.
Los expresionistas defendían la subjetividad compleja del hombre y por lo tanto
también su oscuridad. Eran fieles representantes, al unísono, de un gran
malestar que se cernía sobre Europa y sus clases medias y bajas en lo que fue
el preámbulo de las dos guerras mundiales. De alguna manera esa sombra
expresionista era tangible aunque no pudiera o no quisiera ser vista o
fotografiada o filmada. Con la llegada de la fotografía y el cine coinciden
también la maduración de la producción en serie y la revolución tecnológica
generada por la electricidad, el motor a explosión y el manejo masivo de
medios de comunicación. El arte, según los expresionistas no debía dedicarse
ya a imitar la realidad, algo que la foto y el cine ya lograban, sino sumergirse en
otros aspectos más oscuros e inexplorados del ser humano. En este período
tan rico como dramático de la historia no es casualidad que surjan también el
psicoanálisis con sus estudios acerca del inconsciente y también la teoría de la
relatividad de Einstein, cambiando para siempre la visión que el hombre tiene
de sí mismo y permitiendo la posterior energía nuclear y la bomba atómica. El
expresionismo alemán desde el cine trabaja justamente este nuevo paradigma,
la oscuridad del ser humano y hasta su maldad; se plantea por ejemplo desde
la peripecia de un malvado doctor Caligari, sombrío y cruel en una aventura
que nunca nos deja del todo ni en la realidad ni en el sueño o en la pesadilla; o
desde el horror de un Nosferatu macabro; o desde el aparente futuro brillante
de una Metrópolis que luego parece comerse a sí misma, víctima de la cruel
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frialdad de su inventor, cual Frankestein moderno, hasta su terminar en su
propio su fin.
¿Estás de acuerdo de que la película “El Gabinete del Doctor
Caligari” de Wiene en 1919 sea considerada la primera película
expresionista? ¿Por qué? Esta película, ¿introdujo algún aporte técnico
"nuevo"?
Así está considerada y estoy de acuerdo, sí. El guión es absolutamente
innovador. Desde el comienzo se teje un relato que está a la vez dentro de otro
relato y este pacto con el espectador una vez aceptado permite un juego entre
fantasía y realidad inédito hasta el momento. Nos sentimos parte de un extraño
mundo “real”, luego dentro de un sueño y ese sueño por momentos se vuelve
una pesadilla, luego se vuelve a la realidad, pero ésta no deja de ser oscura,
sombría. Más allá de que se dice fue trastocada en su inicio y final por presión
de los productores para bajarle su carácter revulsivo y permitir que la historia
aterrice en cierto aliviante status quo o vuelta a un mundo real, donde las cosas
funcionan y los malos son malos, los buenos son buenos y los locos son locos.
La película propone y juega con fronteras de la psiquis y justamente la realidad,
que inquietan, si es vista con cierto espíritu analítico y compenetración, hasta
hoy. Es perturbadora. Sumado al guión, el manejo de los decorados, no
realistas, “expresivos”, deformados, que le agregan el carácter de ensoñación,
de pesadilla y como toque maestro, los maquillajes que acentúan aún más los
fuertes contrastes de luces y sombras buscados en la fotografía. Eso y una
dirección de actores dramatizada ex profeso, no olvidemos que estamos en
una época con convenciones actorales propias del cine mudo. La hacen
absolutamente innovadora para su época.
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El expresionismo alemán en el cine, ¿formó parte de tu formación?
¿Es parte de la formación que reciben los actuales estudiantes de cine?
En mi caso tuve la suerte de formarme ampliamente viendo cine desde
muy chico, Caligari por ejemplo la vi siendo muy joven, a los 12, 13 años.
Sumado a eso empecé cursos de cine formales ya hacia los 14 años, luego
estudié comunicación en la UCUDAL donde también aprendimos algo de
historia del cine y del arte en general y luego estudié cine en una escuela
internacional, la EICTV de Cuba, donde también tuvimos historia del cine, no
los expresionistas en particular en esos años concretos. Es parte de la
formación en algunas de las instituciones que te menciono, sí, pero creo que
debería profundizarse su estudio en relación con la historia del arte en sí. No
creo que forme parte de los programas de muchas instituciones de Uruguay y
América Latina. Sospecho que la misma carencia puede ser apreciada también
en otros lugares pero no puedo corroborarlo a ciencia cierta. Me consta que es
material obligatorio, sí, en las principales escuelas de cine y comunicación y
arte del mundo, sobretodo en Europa.
En el trabajo que estoy realizando, me centré en Tim Burton porque
me atrajo mucho su estética, su estilo y su forma de dirigir. ¿Cuál es tu
opinión acerca de este director?
Me parece un gran director con estilo propio dentro de un esquema de
cine industrial y comercial. Una marca registrada del cine mundial. Siempre me
divierte ver una película de Burton, pero considero está cada vez más alejado
del cine de autor y cada vez más sumergido en el llamado mainstream.
¿Crees que Tim Burton se inspiró en el expresionismo alemán?
¿Por qué?
Desde el punto de vista narrativo puede verse una cita, homenaje al
expresionismo ya desde su primer y fantástico corto de animación llamado
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Vincent. Todos los juegos de luces y sombras así como la inestabilidad general
que mueve la trama entre los no del todo netos claros y oscuros, los devaneos
entre el bien y el mal del personaje principal, los cambios gestuales dramáticos
y la voz en off , canción, enloquecida, parecen una guiñada, homenaje casi
constante al género. Ahora, al mismo tiempo Burton ya desde ahí, también,
tiene un acercamiento naíf, infantil, oscuro sí, pero con un tono diferente, a
veces lavado, otras veces humorístico que permiten tanto ver la cita u
homenaje como diferenciarlo netamente de ese origen. El expresionismo de
Caligari, Nosferatu o Metrópolis es de verdad oscuro y poco o nada
humorístico. Esta relación se mantiene en toda su cinematografía posterior.
Oscuridad Light, o “ironía naíf dark” podría decirse, pero oscuridad al fin.
Siempre divierte, no obstante, o casi siempre.
¿Crees que Tim Burton introdujo algún elemento nuevo o alguna
nueva innovación?
“Nueva innovación” suena redundante, no crees? Esta marca a la que
referí en la pregunta anterior, que podría definirse no sin cierto humor también
como “comedia gótica neo expresionista” con toques de humor negro,
sobretodo, no fue inédita en la historia del cine, por ejemplo supo utilizarla muy
bien el gran director Alfred Hitchcock, pero terminó siendo su principal marca
de fábrica. No sé si son innovaciones muy grandes, pero dejan ver un estilo
identificable.
¿Cuál es para ti la mejor película de Tim Burton?
No creo en el mote “el mejor” o “la mejor”. De verdad no me parece que
sirva de mucho excepto para la prensa deportiva y las agencias de publicidad.
Te rescato varias. El corto Vincent, El joven manos de tijera, Nightmare before
Christmas, Ed Wood y, pese a ciertos abusos de azúcar y edulcorante, también
me gustó El gran pez. (Charlie y la fábrica de chocolates: prefiero la original!)
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Con respecto a la entrevista a Federico Naguil, debo confesar que sus
respuestas si bien son muy válidas e interesantes y me dan otra visión que
complementa mi trabajo, en muchos casos es muy técnica, tiene mucho
conocimiento y me resulta difícil de entender, también me falta información ya
que muchas de las películas que nombra, no las he visto aún.
Lo que toca del tema de Tim Burton y considera que cada vez está más
cerca del “mainstream” (pensamientos, gustos y preferencias aceptados por la
mayoría de la sociedad), lamentablemente me parece que tiene razón ya que
las últimas películas (Abraham Lincoln: cazador de vampiros y Sombras
Tenebrosas), me parecieron más comerciales y no me gustaron tanto, son
muy diferentes a sus películas más viejas como El joven manos de tijeras y una
de mis preferidas, El Cadaver de la novia.
De todos modos espero que tengamos pronto películas como las que lo
hicieron famoso, aunque sabemos que le llevan su tiempo, El extraño mundo
de Jack: 10 años y Frankenweenie: 27 años.
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Conclusión:
Después de haber tenido la oportunidad de volver a ver las películas y
leer muchos materiales sobre el expresionismo y sobre Tim Burton concluyo:
El expresionismo alemán tuvo una influencia muy fuerte en las obras de
Tim Burton, él logra extraer los mejores rasgos del expresionismo y los adapta
a sus pensamientos y a su forma particular de hacer cine. A pesar de haber
evolucionado y pasado por diferentes temas, en cada una de sus películas se
nota el toque personal propio de Burton.
Las características más claras del expresionismo alemán que podemos
ver en las películas de Burton, están sobre todo en la escenografía, donde
predominan diferentes gamas de colores, o apagados o alegres, también se
pueden ver castillos muy angulosos, árboles torcidos y los personajes, ya que
los hace muy exagerados (muy altos, muy bajos, muy gordos, etc.) Casi
siempre tienden a ser pálidos, tener grandes ojos y ojeras, boca pequeña y
pelo alborotado y negro. También se ve en la temática, temas como la muerte,
el desdoblamiento de la personalidad, la incomprensión y los monstruos.
El gran símbolo del expresionismo, es muy usado en las películas de
Burton, representado por puentes y escaleras que simbolizan la conexión entre
los mundos tanto como para unirlo como para separarlos. Así como Burton ha
tendido un puente entre la corriente expresionista y el cine actual.
Personalmente creo que aunque los personajes sean tétricos y muy
diferentes a nosotros, uno siente mucha empatía con la mayoría de ellos,
sentimos su felicidad y nos alegra, su tristeza, su pena, sus miedos y por un
momento nos trasladamos a mundos fantásticos bajo su notable dirección.
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Bibliografía:
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www.wikipedia.com
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Portafolio de Irene:http://portafoliodeirene.wikispaces.com/El+arte+contepor%C3%A1neo
Intercambios Virtuales:http://www.intercambiosvirtuales.org/infantiles/el-extrano-mundo-de-jack-1993-dvdr-ntsc
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Zona Dvd:http://www.zonadvd.com/modules.php?name=Reviews&rop=showcontent&id=861
Blogs:http://prospsicom.blogspot.com/2009/03/la-teoria-del-color-en-el-cine.html
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