ÍNDICE:

Presentación……………………………………………………………………………3

Introducción………………………………………………………………………….....4

1) Cine ¿Qué es?.................................................................................................5

2) ¿Cuándo y dónde surgió?...............................................................................6

3) Géneros Cinematográficos………………………………………………………..8

3.1) Documental………………………………………………………………..8

3.2) Western……………………………………………………………………8

3.3) Aventura…………………………………………………………………...9

3.4) Guerra……………………………………………………………………..9

3.5) Terror………………………………………………………………………9

3.6) Ciencia-Ficción…………………………………………………….……10

3.7) Musical…………………………………………………………..……….10

3.8)Comedia………….………………………………………………….…...10

3.9) Político……………………………………………………………………11

3.10) Social……………………………………………………………………11

3.11) Policíaco………………………………………………………………..11

3.12) Melodrama……………………………………………………………..12

3.13) Propaganda…………………………………………………………….12

3.14) Animado………………………………………………………………...12

4) Datos curiosos sobre el cine……………………………………………………..13

5) El Expresionismo………………………………………………………………….15

5.1) El Expresionismo como corriente artística…………………………...16

6) Tim Burton…………………………………………………………………………19

6.1) Características de sus obras…………………………………………..22

6.2) Incorporación de personajes siniestros………………...…………….23

7) Análisis “El Joven Manos de Tijera”…………………………………………….25

7.1) Ficha técnica……………………………………………………………25

7.2) Sinopsis………………………………………………………………….25

1

7.3) Argumento……………………………………………………………….25

7.4) Contexto histórico………………………………………………………28

7.5) Producción………………………………………………………………28

7.6) Características de fotografía……………………………….………….30

7.7) Características artísticas ……………………………………….……..30

7.8) Características sonoras ……………………………………………….32

7.9) Montaje……………………………………………………………...…...32

7.10) Actuación………………………………………………………………33

7.11)Crítica personal………………………………………………………...33

8) Análisis “El Extraño Mundo de Jack”…………………………………………...34

8.1) Ficha técnica……………………………………………………………34

8.2) Sinopsis………………………………………………………………….34

8.3) Argumento…………………………………………………………….…34

8.4) Contexto histórico………………………………………………………37

8.5) Producción………………………………………………………………37

8.6) Características de fotografía…………………………………………..39

8.7) Características artísticas……………………………………………….40

8.8) Características sonoras………………………………………………..40

8.9) Montaje…………………………………………………………………..41

8.10) Actuación………………………………………………………………41

8.11) Crítica personal……………………………………………………….41

9) Filmografía………………………………………………………………..………..43

10) Entrevista a Tim Burton………………………………………………....………45

11) Entrevista a Federico Naguil……………………………………………………50

Conclusión…………………………………………………………………………….58

Bibliografía…………………………………………………………………….………59

2

Presentación:

Yo elegí el tema “Corrientes Cinematográficas del siglo XX”, centré mi

trabajo en “El Cine y Tim Burton” porque siempre me pareció muy interesante y

quería saber más acerca de este artista, el más joven de los directores

exitosos: su estética, su estilo, su forma de dirigir, sus influencias y sus

películas.

También quería informarme sobre su vida y sus películas, Tim tiene un

estilo tan singular que casi siempre que vemos una película suya, nos damos

cuenta que es una de sus obras.

3

Introducción:

En mi trabajo, voy a desarrollar los conceptos generales del cine, los

distintos géneros de forma muy sintética y como influyó el Expresionismo

Alemán en Tim Burton. Voy a analizar dos películas de este director donde me

concentraré en los detalles de cada una para intentar entender mejor lo que

trata de expresar.

Cuando se estrene una nueva película:

¿Seremos capaces de entenderla en su totalidad?

¿La veremos con los mismos ojos con los que veíamos antes?

¿Descifraremos su significado a través de las formas, de la estética, de los

colores, de la música y de la luz?

Para ello utilicé información de internet, relevamiento bibliográfico,

entrevista al director y una entrevista a Federico Naguil, licenciado en

comunicación visual.

No abordaré: corrientes cinematográficas, géneros, influencias,

directores o películas, que no estén relacionadas con el expresionismo alemán

y Tim Burton.

Para hacer mi trabajo me encontré con varias dificultades como la

escasez de materiales escritos sobre el tema, es un tema difícil porque

generalmente se sabe muy poco acerca las filmaciones. Otra dificultad que

tuve fue la organización de tiempo.

4

Cine ¿qué es?

Técnicamente lo podemos definir como la proyección continuada de

fotografías en una cinta plástica que simulan movimiento. Pero ¿por qué

nosotros no percibimos el cine como una serie de imágenes?

Porque nuestros ojos tienen una condición llamada “persistencia

retiniana” por lo cual las imágenes no desaparecen inmediatamente después

de ser registradas. Está cualidad permite que al percibir imágenes, las

retengamos, de manera que se crea la percepción de movimiento.

El cine es un arte que las generaciones pasadas vieron nacer, este arte

toma elementos de otras artes: de la fotografía, toma las nociones de

composición de imagen e iluminación, de la pintura, los conceptos de color y

textura, de la escultura, las nociones de volumen aparente y relieve, del teatro,

elementos como los parlamentos, escenografía, actuación y vestuario, de la

danza toma los aspectos coreográficos y la planeación de las escenas basadas

en coordinación de movimientos y de la música, las mismas partituras.

5

¿Cuándo y dónde surgió?

El cine comenzó en París en Francia el 28 de

diciembre de 1895, cuando los hermanos Louis y

Auguste Lumière realizaron la primera proyección

pública de imágenes en movimiento. Estos hermanos

inventaron lo que muchos calificaron como “fábrica de

los sueños” y para otros también fue una fábrica, pero

de dinero.

El cinematógrafo, invento de los Lumière, tenía como

antecedente el kinetoscopio de Thomas Edison. Ellos

lograron construir una cámara más portátil y funcional,

que registraba imágenes en movimiento, pero no podía

reproducirlas. Poco a poco estas proyecciones van

atrayendo cada vez a más personas. Las primeras

películas combinaban el cine documental y el cine de

ficción, por un lado se exhibían escenas de la vida

cotidiana, filmadas en exteriores: trabajadores saliendo

de las fábricas, trenes, etc. y por el otro,

representaciones escenificadas grabadas en interiores. Algunas de estas cintas

a las que nos referimos son las famosas “Salida de la fábrica” (1895) o “La

llegada del tren a la estación” (1895).

Pronto este invento fue distribuido en todo

el mundo, inventores alemanes, ingleses y

norteamericanos copiaron el cinematógrafo y lo

mejoraron. El cine se convirtió en un espectáculo

de feria muy barato y popular, desprestigiado por

intelectuales y estaba muy lejos de entrar en la

categoría arte como hoy se lo considera.

Los hermanos Lumière crearon más de 500

producciones cinematográficas, pero con el

tiempo los espectadores comenzaron a aburrirse de las simples filmaciones,

por eso directores como George Méliès comenzaron a desarrollar nuevas

6

Kinetoscopio

Cinematógrafo

técnicas cinematográficas, narrando historias ficticias, incluyendo la técnica

teatral y creando los primeros efectos especiales.

La industria del cine comenzaría una intensa e imparable evolución en la

creación de películas; desde la primera película con sonido, pasando por

la inclusión del color   en las proyecciones y, más tarde, las películas en tres

dimensiones. 

Géneros cinematográficos:

7

Desde las primeras escenas cotidianas de los hermanos Lumière, el cine se

acercó a todo tipo de temas, diversos lugares y distintas etapas históricas.

Según su tema principal, las películas se han clasificado en una serie de

"géneros", con sus normas, personajes y temas característicos, que se han

mantenido dentro de ciertas constantes a lo largo de muchos años. Algunos de

estos géneros son:

Documental:

El objetivo del cine documental es reflejar

lo mejor posible la vida real. Sus pioneros

fueron los Hermanos Lumière y los

noticieros de Charles Pathé. Durante la

segunda Guerra mundial, el género se

puso al servicio de las diferentes

naciones en conflicto. En el Reino Unido,

John Grierson creó una importante

escuela documentalista.

Western:

Trata el Western del mundo del oeste

Norteamericano (cowboys, indios,

diligencias, trenes). Se inició con Edwin S.

Porter con “The Great Train Robbery”

(1903), y en el cine mudo lo cultivaron

Thomas H. Ince y D. W. Griffith. La

Consagración del género llegó con

Stagecoach (1939), de John Ford,

exaltación de la

dura vida del oeste, como ocurrió también en las

obras de Howard Hawks y Anthony Mann.

Aventuras:

8

“Salida de la Fábrica” de los hermanos Lumiere

“The Great Train Robbery” de Edwin S. Porter

Refleja un mundo heroico de combates y aventuras, predominando la acción y

lo narrativo. Sus protagonistas abarcan todas las épocas Históricas. Los

primeros fueron los filmes italianos que exaltaban el pasado de su país. Los

soviéticos le dieron un impulso épico, con sus temas revolucionarios. En el cine

mudo destacó Napoléon (1926), de Abel Gance. Las series sobre Tarzán,

Cleopatra (1963) y películas dirigidas por Steven Spielberg dieron una nueva

energía y cierto humor al género en la década de 1980 con “Raiders Of The

Lost Ark” entre otras.

Guerra:

Estás películas muestran a las guerras como

espectáculo cinematográfico, con tono patriótico o

crítico. Se inició el género con “The Birth of a

Nation” (1915), de Griffith. Las dos guerras

mundiales inspiraron muchísimas películas y la

guerra del Vietnam también daría pie a numerosas

películas en los Estados Unidos.

Terror:

Recurre el cine de terror, a la fantasía y

al miedo a través de personajes

monstruosos o sobrenaturales. Empezó

con el expresionismo alemán. A partir

de La década de 1970, este género se

hizo más realista y violento, según una

tendencia iniciada por “The Night of the Living

Dead” (1969), de George Romero.

Ciencia-ficción:

Comprende el género de la Ciencia-ficción,

9

viajes interplanetarios, seres extraterrestres, experimentos atómicos y mundos

futuros. Han destacado “Space Odyssey” (1968), del estadounidense Stanley

Kubrick, y “Star Wars” (1977), de su compatriota George Lucas. Otro

estadounidense, Steven Spielberg, dio nuevas perspectivas al género y

consiguió enorme popularidad con “E. T.” (1982).

Musical:

Se denomina cine musical al género en que las

escenas cantadas o bailadas son las predominantes.

Se estableció sobre todo en Estados Unidos, en

Broadway. Entre los grandes creadores estuvieron los

directores Busby Berkeley y Stanley Donen.

Comedia:

Se basa la comedia en el humor y el enredo y busca

ante todo la risa y la sonrisa. Sus primeros maestros

fueron Charles Chaplin y Buster Keaton, que dirigieron

y protagonizaron sus películas. Posteriormente

sobresalió el estadounidense Woody Allen, que

consolidó su gran prestigio gracias a la comedia

romántica “The Purple Rose of Cairo” (1985).

Político:

La temática política es tratada frecuentemente en el cine. Ya en sus primeras

décadas de desarrollo el "Séptimo Arte" contó con notables muestras de su

motivación política, posteriormente, otros célebres directores dedicaron buena

parte de su obra a creaciones en las que predominaban los aspectos políticos.

10

“The Cotton Club” 1983 de Francis Ford Coppola

Social:

Los argumentos sociales, que se acercan a géneros

específicos como el melodrama y a estilos como el

neorrealismo, presentan muchas manifestaciones a

lo largo de la evolución del arte Cinematográfico. Se

destacan, títulos Como “The Grapes Of Wrath”

(1940), de John Ford, “Ladri Di Biciclette” (1948), de

Vittorio De Sica.

Policíaco:

Los temas clásicos del cine negro tratan sobre

crímenes y criminales, policías, detectives y

gángsters. El Reino Unido ofreció una visión icónica

del mundo del espionaje con la serie sobre James

Bond, cercana al cine de aventuras. Después, el

género se situó desde la recreación de los modelos

clásicos “Chinatown” (1974), producción

estadounidense del polaco Roman Polansky a la

adaptación a las nuevas circunstancias sociales.

Melodrama:

El género del melodrama se centra en las pasiones humanas, destacando lo

trágico y lo dramático y desarrollando conflictos individuales.

11

Propaganda :

Los filmes de propaganda divulgan ideas sociales

y políticas en favor de una ideología determinada.

Los primeros en impulsar este cine fueron los

rusos. En Alemania, con el Nazismo, se

desarrolló toda una propaganda política dirigida

por Goebbels. Después de la guerra, en los

Estados Unidos se produjo una corriente

anticomunista, defendida por el comité de

actividades Antiestadounidenses. La renovación

del género vino con el neorrealismo Italiano.

Animado:

Por cine animado se entiende la filmación de

dibujos o muñecos fotograma a fotograma. Sus

pioneros fueron los franceses Émile Reynaud y

Émile Cohl. El gran impulso lo dio Walt Disney

en los Estados Unidos.

Datos curiosos sobre el cine:

1) Scarface, la versión rodada en 1982

protagonizada por Al Pacino, tiene "el honor"

de ser el filme con más groserías de toda la

12

Un Pueblo, un Imperio, un Líder!

“Fantasmagorie” 1908 de Émile Cohl

historia. En toda la película se sueltan 303 insultos, lo que equivale a un

promedio de una grosería cada 29 segundos.

2) La película con mayor número de extras esclavos

ha sido Gandhi. Nada menos que 300.000 extras

aparecieron en una sola escena de la película, la del

funeral.

3) El filme más largo de todos los tiempos tiene un

título que combina con la película: “Tratamiento contra

el insomnio”. Dura 87 horas, es decir, más de tres días

y medio. La cinta consiste en una única secuencia en

la que puede verse al poeta Lee Groban leyendo una

composición de 3.400 páginas. 

4) Fidel Castro trató de triunfar en Hollywood, trece años antes de convertirse

en el líder de Cuba, Castro inició una breve carrera cinematográfica como

galán latino en la que tuvo tiempo de interpretar pequeños papeles en tres

musicales: "Escuela de sirenas", "Bathing beauty" y "Holiday in Mexico".

5) Bruce Lee ha sido el único actor con clones, la

estrella de las artes marciales sólo pudo protagonizar

4 películas antes de su prematura muerte. Para

exprimir la leyenda al máximo las dos grandes

productoras de Hong Kong rodaron varias decenas

de películas protagonizadas por los dobles del actor

a los que bautizaron con nombres como Bruce Le,

Bruce Li, Bruce Liu, alguno era parecido pero otros no se parecían en nada,

hubo otro que ni siquiera su origen era de nacionalidad China.

6) En la primera película de Tarzán los gorilas eran en realidad un equipo

estatal de futbol americano disfrazado para la ocasión. El Santa Monica

Football Club, para ser exactos.

13

7) La película con más extras calvos, "Metrópolis", donde Fritz Lang recluta a

15.000 alopécicos para la escena del sacrificio

al dios Moloch, el dios sin escrúpulos del

capitalismo.

8) Ya no se hacen películas para enanos pero

hubo un tiempo en que era un género más. La

más famosa de ellas es “The Terror of Tiny

Town”,  un western protagonizado

exclusivamente por actores pequeños que se

disparan, embriagan, pelean y cabalgan por la

pradera (montados en ponis).

9) La actriz más asesinada, fue la francesa Paula Maxa, especializada en

papeles de víctima en el cine mudo fue asesinada en toda su carrera un total

de 358 ocasiones, muchas de ellas de forma espantosa. En algunas películas

quizá hiciera más de un papel con el fin de poder ser asesinada varias veces.

10) El verdadero beneficio del cine ya no está en las entradas, sino en todo lo

que consume: pop, refrescos, golosinas, producen el 45% de sus ingresos.

El Expresionismo:

El cine como arte en sí, siempre ha

sido tocado por otras influencias artísticas

14

o ha nacido a partir de ellas. Los grandes directores se basaron en los iconos

representativos para expresar emociones y sensaciones en la pantalla, o

simplemente para crear una ambientación acorde con el argumento de la

película. En todo caso, la pintura siempre ha estado muy presente en el cine.

Tanto que las grandes corrientes artísticas que comenzaron siendo pictóricas,

rápidamente fueron acompañadas por su correspondiente cine afín.

El movimiento expresionista surgió

en Alemania a principios del siglo XX,

precisamente en 1905 y durante la

República de Weimar y se manifestó en

todas las artes. El cine fue esencial para la

estética de esta corriente artística.

Surgieron grandes maestros del cine como

Robert Wiene con “El Gabinete del Doctor

Caligari”, Fritz Lang con “Metrópolis” o

Friedrich Murnau con “Nosferatu”.

El Expresionismo como corriente artística:

Definir el expresionismo es muy difícil, una de las definiciones que logra

expresar mejor ese espíritu fue la del escritor alemán Kasimir Edschmid:

“El expresionismo no mira: ve, el expresionismo no cuenta: vive, no

reproduce: recrea, no encuentra: busca”.

15

“El Gabinete del Doctor Caligari” 1920 de Robert Wiene

El expresionismo surge

gracias a un grupo de estudiantes

de arquitectura aficionados a la

pintura, se hicieron conocer como

“Die Brücke” (El Puente) cuando

realizaron una exposición de sus

cuadros. El puente era un símbolo

de su deseo de construir un pasaje

entre el viejo mundo y el nuevo.

Esta sociedad estaba formada

originalmente por Ernst Ludwig

Kirchner, Erich Heckel, Fritz Bleyl y

Karl Schmidt-Rottluff, los cuales querían crear un arte diferente al que se había

hecho hasta la fecha. Este grupo de artistas creó una fundación del

movimiento, en el que compartían sus pensamientos y los hacían públicos, este

grupo recogía las ideas principales del

movimiento expresionista.

Otro grupo artístico del expresionismo era

“Der Blaue Reiter” (El Jinete Azul). Se creó en

Munich en 1911, este conjunto no tenía miembros

fijos. Se caracterizaban por el rechazo a los

valores de la vieja civilización occidental. Lo que

buscaba este grupo con sus pinturas eran nuevos

mundos y para ello se valían del simbolismo. El

arte de Der Blaue Reiter es más exquisito,

subjetivo y espiritual que el de Die Brücke. Les

importa más el cómo de la representación que el qué. Algunos alumnos de este

movimiento fueron Kandinsky, Klee y Campedonk.

La Primera Guerra Mundial destruye los grupos, pero el Expresionismo

no se extingue, al contrario, las pérdidas y la brutalidad de la guerra estimula a

otros artistas a traducir el dolor provocado.

16

El expresionismo comienza

con la pintura. Una pintura que

toma como influencias al Greco, a

Goya o a Munch ya que sus

pinturas recuerdan al

impresionismo con un poco de

vanguardia. El uso de los colores

y las formas distorsionadas

sirvieron a los expresionistas para

crear después sus pinturas.

Esta era una época nueva

con cambios que no afectaban a

todos por igual y que no eran del

todo aceptados por la mayoría y

solo los jóvenes artistas que querían cambios recibieron esta transformación

con optimismo ya que deseaban romper con lo establecido lo que dio inicio a

un nuevo pensamiento y en consecuencia, a una nueva manera de hacer arte.

Un arte que evadiría lo figurativo para centrarse en las emociones.

La estética expresionista y lo que pretendían los que la defendían era la

búsqueda interior del artista, expresar sus pensamientos sin limitaciones. Los

temas expresionistas más comunes eran los estados del alma, los miedos, las

fantasías y los sueños.

Lo que más caracterizaba a la pintura expresionista es el uso del color y

la forma pero sin haber uniformidad en el estilo, la ruptura del clásico ideal de

belleza y de las perspectivas. Pero además, en los cuadros expresionistas se

destaca la unión entre dinamismo y sentimientos

que en ellos se reflejan y que son un espejo al

alma del autor.

En la actualidad existen directores

contemporáneos que se basaron en esta corriente

17

“El Coloso” 1812 Francisco de Goya

artística. Uno de ellos es Tim Burton. El cine de Burton tiene notoriamente unas

bases expresionistas con un toque gótico.

Este director norteamericano supo trasladar hábilmente y con éxito a

nuestros tiempos, la estética expresionista de inicios de siglo. En sus primeros

cortometrajes se pueden observar claras similitudes con el movimiento

cinematográfico expresionista. Los temas, los escenarios, la estética, los

personajes, todos estos elementos hacen referencia a este estilo. Pero la

carrera cinematográfica de Tim Burton ha evolucionado como director y con

ello su cine.

La estética gótica de Burton tiene mucho que ver

con los representantes del estilo gótico moderno. Figuras

como Robert Smith (The Cure), Tilo Wolff (Lacrimosa),

Evanescence, Therion entre otros, reflejan un estilo gótico

actual más parecido a la estética de Burton que el estilo

medieval original.

Tim Burton es un director, productor y diseñador que

en todas sus películas muestra personajes solitarios,

personas con siniestras historias, considerados

insignificantes por la sociedad, como su propia crítica al

mundo en el que vive y personas que lo habitan. Para conseguirlo usa los

mismos elementos que utilizaron los expresionistas alemanes en su momento,

como las líneas oscuras y violentas, las sombras y contornos distorsionados,

los colores chocantes, oscuros y contrastantes.

Tim Burton:

Timothy William

Burton nació en California

el 25 de agosto de 1958,

su madre era comerciante,

se llamaba Jean Burton y

su padre se llamaba Bill

Burton era jugador de

18

Arte Gótico en la Edad Media

Robert Smith, tiene una estética gótica pero moderna.

Burton tiene un estilo que se acerca más a este que al medieval.

beisbol y trabajaba en el parque de la localidad de Burbank. Es director,

dibujante, escritor y productor de cine. Él se obsesiona con los temas que

conoce. Tiene síndrome de Asperger y eso lo hace ser muy detallista con sus

creaciones.

La mayor parte de su infancia vivió con su hermano representado

parodias relacionadas con delitos sangrientos como  homicidios, asesinatos,

etc. Una de las anécdotas es la de haber simulado un asesinato con una

hacha, recibió el alias de "Axe Wound". Otros de sus pasatiempos favoritos era

asustar a los hijos de los vecinos diciendo que habían llegado los

extraterrestres.

Muy destacado en sus animaciones y

en sus películas con actores reales, lo que

más caracteriza a su tipo de filmografía es

que tiene una excelente ambientación visual y

espacial de historias góticas y fantásticas,

también destacamos las de humor ácido y

protagonizadas muchas veces por seres

marginados o incomprendidos.

Una de las inspiraciones que tiene Tim, es que es un fanático del

admirable escritor de terror Edgar Allan Poe y del actor de terror Vincent Price.

Del escritor Edgar Allan Poe se obsesiono con él por sus poemas, ya

que en ese tiempo causaban mucho miedo y pesadillas en la gente. Del actor

Vincent Price le gusto la forma en que expresaba el terror a las personas.

Vincent trabajo en el primer trabajo de Tim, el cortometraje "Vincent" y también

apareció en "El joven manos de tijeras", siendo el padre del Edward.

Unos de los mil pasatiempos de Tim Burton fue el diseño, aspecto que

demostró tras concursar y ganar una competencia de trazos que serían usados

en algunos camiones de su ciudad natal. En la escuela nunca sintió nada por la

lectura ni los estudios. Su pasión más grande era la pintura, el dibujo y el cine,

sus películas favoritas eran las de monstruos sobre todo aquellas vinculadas

con Godzilla. Tim consideraba a Vincent Price como su héroe.

19

Vincent Price

Es tan bueno en lo que hace que a los 13 años ya realizó su primer corto

animado junto con algunos de sus amigos, se llamó “The Island of Doctor

Agor”, también Tim interpretó al escapista Harry Houdini.

Después de terminar sus estudios en el bachillerato en 1976, ingresó a

al Instituto de Artes de California, fundado por Walt Disney, era como una

forma alternativa de aprendizaje, creada para jóvenes que estaban interesados

en la animación. Durante su estancia en la escuela creó una serie animada

llamada “Stalk of the Celery Monster”, corto que le dio oportunidad de ser

contratado por los estudios Disney.

Su estilo fue lo que motivó a Disney a contratarlo, pero no funcionó

porque sus dibujos eran tétricos, daban miedo y eran poco recomendables para

la audiencia infantil. Al no renunciar al estilo que más le gusta, decidió crear su

propio estudio e inicia así una carrera hacia el estrellato.

Crea dos cortometrajes “Vincent” 1982 y “Frankenweenie” 1992, gracias

a estas obras consiguió varios premios y obtuvo un gran reconocimiento. Esto

le permite realizar su primer largometraje “Pee Wee´s Big Adventure” 1985 y su

gran éxito inesperado, la comedia de fantasmas “Beetlejuice” 1988. Gracias a

este film Warner le permite filmar la adaptación al cine del cómic de “Batman”

1989, esta película sorprenderá por su cuidada estética gótica y la atmósfera

oscura que lo caracterizará.

En su vida amorosa Burton se casó

en 1989 con la artista alemana Lena

Gieseke, de la cual

se divorció un tiempo después de

filmar “Batman Returns”. Estuvo

casado con Lena desde 1992-1995.

Tiempo después conoció a la

inglesa Helena Bonham Carter,

relación de la cual tiene dos hijos:

uno varón llamado Billy Ray Burton,

cuyo padrino es su amigo Johnny

20

Helena Bonhan Carter y Tim Burton

Depp, nació en octubre del 2003 y la niña llamada Nell, nacida el 15 de

diciembre de 2007.

Tim dijo que Bonham Carter ha aparecido en todas sus películas desde

el 2001. Helena Bonham Carter indicó que la razón para el estilo y visión de su

prometido es que sufre del Síndrome de Asperger una forma muy poco

habitual de autismo, ha dicho que esto es lo que lo ha ayudado a inspirar

su creatividad y que "no es un defecto sino una gran virtud".

Burton dijo que la mayoría de

sus actores son sus amigos como es

el caso de Johnny Depp, del cual es

amigo desde muy temprana edad.

Regresa como productor en

“Tim Burton´s Nighmare Before

Christmas” 1993, realiza con la

técnica de animación stop-motion y

como resultado da un film de

animación y se convierte en una película de culto para sus seguidores.

Los principales temas que Tim abarca son la figura del hombre contra el

mundo (Ed Wood, El Joven manos de tijeras), los mundos fantásticos (El

extraño mundo de Jack), las dobles personalidades (Batman), las diferentes

realidades e imaginaciones (El Gran Pez, Charlie y la casa de chocolate), el

lado oscuro y la lucha del bien contra el mal (Sweeney Todd) y la muerte

(Beetlejuice).

Características de sus obras:

El cine surrealista y oscuro es el que ha inspirado a Tim Burton.

Las características físicas de los

protagonistas son muy exageradas:

21

Tim y Johnny cuando eran muy jóvenes

muy altos, muy bajos, muy esbeltos o muy gordos son algunas de las más

notorias.

Casi todos sus personajes se

caracterizan por tener enormes

ojeras como si no hubieran

dormido en varios días (por

ejemplo, Edward Scissorhands,

el Pingüino, Sweeney Todd,

Katrina Van Tassel, etc.). A esto

el director le suele llamar "estilo

de cine mudo".

Incorporación de personajes siniestros:

Frecuentemente recurre a los nombres Edward, Vincent y Víctor para

sus personajes principales.

El color en sus películas son de dos tipos: siniestros,

usando colores negros, índigos, verdes, rojos y grises (Edward

Scissorhands, Batman) y fantástica, usando tonos pasteles y blancos

contrastados con colores primarios (Charlie y la fábrica de chocolate, Mars

Attacks).

Su estilo y temas visuales están influenciados por las películas de horror

de la década de 1920 a 1930, especialmente aquellas de James Whale y F.W.

Murnau, junto con las películas del expresionismo alemán. Las ilustraciones

de Edward Gorey son otras influencias, mientras que la razón de cadáveres,

Burton parece mostrar influencias del artista Edward Burra . A su vez, en sus

22

Jack Skellington

obras se ve la influencia del Dr. Seuss y de las películas de Víctor Moll en

especial "Las aventuras del Baron Munchaussen".

Hay muchas partes elegantes trabajadas en

los diseños de muchas cosas vistas en pantalla.

Los extremos de las líneas muchas veces se

vuelven espirales. La más famosa de ellas es la

colina en “El extraño mundo de Jack”.

Usualmente utiliza el tema de la paternidad,

aunque él no se considere un padre modelo y

tampoco un hijo modelo al no haber tenido una

buena relación con sus padres.

Mayoritariamente trabaja con el actor Johnny Depp. Lo vemos en las

películas Edward Scissorhands, Ed Wood, Sleepy Hollow, Charlie y la fábrica

de chocolate, Sweeney Todd,  Alicia en el País de las Maravillas entre otras.

Burton quería integrar a Depp en la película Mars Attacks, personaje que

finalmente interpretó Michael J. Fox.

Varias películas, como Batman Returns, The Nightmare Before

Christmas (El extraño mundo de Jack), Charlie y la fábrica de

chocolate, Corpse Bride y Edward Scissorhands son ubicadas en navidad,

durante la temporada de invierno o el intercambio de regalos.

En sus películas casi siempre existen escenas en las que los personajes

aparecen sentados a la mesa.

A muchos de sus personajes se les da una relación con sus padres, a

veces como medios de explicar su comportamiento errático. Algunos ejemplos

son: Sleepy Hollow, Charlie y la fábrica de chocolate, Big Fish y Edward

Scissorhands .

En la mayoría de sus películas incluye perros muertos; pues son sus

animales favoritos y para él la amistad entre hombre y perro obtiene

un carácter simbólico, payasos, mosaicos a cuadros blancos y

negros, árboles torcidos, faroles de calabaza, espantapájaros, serpientes a

23

rayas, edificios típicos de películas de terror y mariposas y muchas cosas más

alucinantes.

Danny Elfman fue el director de música y musicalizó muchas películas

de Tim Burton, desde “La Gran Aventura de Pee-Wee” hasta las más recientes

como “Alicia en el País de las Maravillas” y “El Cadáver de la Novia”. La

película “Sweneey Todd” fue musicalizada por Stephen Sondheim.

Sus personajes principales tienden a no ser muy sociales, y son

usualmente tímidos, con complexiones

pálida y alocado cabello negro, parecido al

suyo. También suelen ser altos y

caracterizados, de extremidades finas y

alargadas. Los ojos de sus personajes

suelen ser muy expresivos y otro rasgo es

el de tener la boca pequeña.

Los personajes principales

generalmente aparecen sorpresivamente

dentro de algún tipo de efecto visual,

como los colores, el humo, las sombras.

Análisis de “El Joven Manos de Tijeras”

Ficha Técnica:

Título original: “Edward Scissorhands”

Género: Fantasía, drama, romance

Dirección: Tim Burton

Producción: Tim Burton y Denise di Novi

Guión: Caroline Thompson

Reparto: Johnny Depp, Winona Ryder,

Dianne Wiest, Alan Arkin, Anthony Michael

Hall, Vincent Price.

24

Victor de “El Cadaver de la Novia”

Director de fotografía: Stefan Czapsky

Director de música: Danny Elfman

Montaje: Colleen y Richard Hasley

Fecha de estreno: 7 de diciembre de 1990 (en Estados Unidos)

Duración: 105 minutos

Presupuesto: US$ 20.000.000

Sinopsis:

En lo alto de una colina, en un castillo muy aislado vive Edward la gran

creación de un científico. Este creador muere inesperadamente antes de

terminar las manos de Edward por lo que quedo con tijeras en su lugar. Desde

ese momento él vivió solo hasta que una señora vendedora de cosméticos lo

encuentra y lo recibe en su casa, al principio lo tratan con ternura pero después

lo ven como una amenaza.

Argumento:

En una noche muy fría de invierno, en un pueblo donde no se supone que

nieve, una anciana le cuenta a su nieta una historia para que se duerma. Le

cuenta porque nieva en ese pueblo:

En las afueras del pueblo había un castillo embrujado según los niños,

donde vivía desde hace ya un tiempo un joven llamado Edward. Este joven fue

creado a partir de un robot para hacer galletas por un viejo científico. El

inventor le enseñaba modales, poesía y sobre como sonreír.

Desgraciadamente antes de terminar su obra su corazón le falló y murió por lo

que dejó a Edward incompleto, con tijeras en vez de manos.

Cierto día, después de una mala jornada de trabajo, Peg, una vendedora

de cosméticos, va al castillo y descubre a Edward, al principio se asustó pero

después lo llevo a su casa a vivir con su familia. Aunque el castillo y el pueblo

quedaban relativamente cerca, el joven nunca había salido ni entrado nadie en

el predio del castillo.

El pueblo se llamaba Suburbia, parecía perfecto, con las casas muy

coloridas, los vecinos regando el pasto en el patio, muchos niños y flores. Todo

este aspecto ilusiona a Edward y más tarde traslada su imaginación y el hogar

25

donde vivía, a la vida de sus nuevos vecinos, podando sus arbustos. Su

bondad, su inocencia y su ingenuidad conquistan el corazón de todos a su

alrededor y todos empiezan sacarle provecho a sus tijeras: para cortar la carne,

las verduras, etc. Kevin, el hijo de Peg, lo lleva a la escuela para mostrarlo

frente a sus compañeros y obtiene un gran éxito.

Edward se enfrenta con los obstáculos cotidianos, como vestirse y usar

los cubiertos. Una noche inesperadamente llega Kim de un viaje a las

montañas, Kim es la hija adolescente de Peg y cuando entra a su habitación

encuentra a Edward y los dos se asustan mucho. Él se enamora

inmediatamente de la chica pero ella no lo valora mucho, Kim tiene un novio

llamado Jim, el cual es deportista y engreído.

Peggy tiene miedo de mostrar a Edward por temor a que le hagan daño

pero su extraño aspecto llama la atención de las chismosas vecinas, amas de

casa. Edward se hace conocido en poco tiempo y utiliza sus habilidades

artísticas, primero para darle extrañas formas a los arbustos, después a los

perros y finalmente corta el cabello de las mujeres.

A la gente del pueblo le gustó tanto lo que Edward hacía, que se

presentó en un programa de televisión. Una de las vecinas, Joyce, le propone

tener su propio salón de belleza y Edward se pone muy feliz ya que trabajando

podría retribuirle a los Boggs todo lo que habían hecho por él pero resulta que

esta mujer sentía una atracción por él e intenta seducirlo, pero no lo logra

porque Edward sale corriendo.

Jim, manipula a Edward utilizando su amor por Kim y lograr que abra las

puertas de su propia casa para robarle a su padre, pero algo no sale como lo

planeado y Edward queda encerrado dentro de la casa mientras todos huyen.

La policía llega y lo apresa pero como no delata a nadie, creen que estaba solo

y carga con la culpa. Más tarde lo liberan porque consideran que no sabía lo

que estaba haciendo y su familia cree que es el responsable. Todas las

personas del pueblo se enteraron de lo que pasó y empezaron a mirarlo como

a un monstruo, todos tienen alguna queja.

Cuando todos se ponen en su contra, se encuentra con el amor

incondicional de Kim, que descubre que Edward es capaz de renunciar a todo

por ella. Desde ese momento, solamente ella estará a su lado sin importar lo

que pase.

26

Él también comprenderá que lo que le permitió crear belleza es también

lo que le provoca dolor. Puede amar pero no tocar, y para encajar en esa

sociedad, tendría que ocultar su individualidad porque su mundo y el de las

demás personas era muy diferente, su bondad, su pureza se alejaban mucho

de los principios de esas personas.

Obligado a abandonar lo que ama, Edward retorna hacía su castillo pero

lo siguen. Kim entra al castillo y habla con Edward pero aparece Jim y empieza

a pegarle, él no se defiende hasta que golpea a Kim, entonces él lo mata por

haberle hecho daño a lo que más amaba. Para salvarlo Kim debe renunciar a

su amor y lo abandona después de decirle que lo ama. Sale del castillo y le

dice al pueblo que se mataron el uno al otro, mostrando unas tijeras parecidas

a las de Edward. Para protegerlo el único modo era nunca volver al castillo

para que nadie supiera que él seguía vivo y lo quisieran matar.

Así termina la historia que cuenta Kim, ya anciana a su nieta. Cuando

mira la nieve caer sabe que Edward está vivo. La niña le pregunta porque

nunca pensó en volver a verlo y Kim le responde que prefiere que él la

recuerde como era: danzando joven bajo la nieve.

Contexto histórico:

La película “El joven manos de tijera” se estrenó en el año 1990 en

Estado Unidos.

La década de 1990 empezó con grandes cambios en la política

norteamericana e internacional, en la música y también hubo grandes

desarrollos tecnológicos.

Tras la caída del muro de Berlín se unificó Alemania y se desintegró la

URSS y se crearon nuevos países.

Producción:

La película se filmó en la calle, en casas que son reales en Florida, solo

se hicieron arreglos llamativos en las mismas.

27

El presupuesto de la película fue US$ 20 millones y recaudó US$

86.024.005 sumando ganancias de US$ 66.024.005.

Hubo muchos candidatos para el personaje “Edward” como Jim Carrey,

Robert Downey Jr. y Tom Cruise, el actor, Johnny Depp no dijo más que 169

palabras en toda su actuación.

Vincent Price tiene el papel de padre de Edward, cuando muere en la

película fue la última vez que se lo vio en pantalla, ya que estaba muy enfermo

y fallece un poco después.

Durante la película en un momento podemos ver que un chico está

jugando en la calle con su ropa interior. El niño que se ve es el

futuro Backstreet Boy llamado Nick.

Las cicatrices que tiene Edward en la cara nunca están en el mismo

lugar, además de que tienen diferentes profundidades, ya que no se grabó todo

con el mismo maquillaje.

Las esculturas de arbustos que se pueden ver durante todo el film que

Edward hace, en realidad son esqueletos de metal cubiertos con alambre y

pequeñas hojas por encima, todo un trabajo por parte de la producción, pero el

resultado es muy realista.

Cada vez que el Johnny Depp tenía que meterse nuevamente dentro del

papel, entre maquillaje y vestuario pasaban en total 1 hora y 45 minutos. Una

de las anécdotas es que en el momento donde Johnny tiene que correr hacia el

castillo porque el pueblo lo está persiguiendo, el actor tuvo una caída y se

desmayó debido a que el traje estaba realizado en látex, en el estudio hacía

demasiado calor y el maquillaje denso le faltaba el aire.

Antes de Edward, Tim había logrado un gran éxito con Batman, la buena

aceptación comercial de ese filme le permitió a Tim abocarse a un proyecto

mucho más personal, basado en una idea que rondaba su cabeza desde que

era un niño: la imagen de un hombre que tenía tijeras en vez de manos, que

había volcado muchas veces en sus dibujos.

28

"...la idea estaba ligada a un personaje que quiere tocar y no puede, que es

creativo y destructivo a la vez: esa clase de contradicciones puede crear una

clase de ambivalencia..."

Depp expresaría luego que había estado esperando mucho por una

historia como ésa, apenas leyó el guión se identificó inmediatamente con

Edward.

Por obtener el papel fue capaz de bajar once kilos de su peso habitual y

perder musculatura para obtener un aspecto más frágil.

Ya filmando, debía someterse cada día a larguísimas horas de maquillaje.

Finalmente, en Diciembre de 1990 la película se estrenó en Estados

Unidos logrando un asombroso éxito en las taquillas y críticas favorables

alrededor del mundo. Se elogió mucho el trabajo de Johnny Depp, a quien

señalaron como la clave del éxito de Edward Scissorhands.

Características de fotografía:

La iluminación de la película es muy buena y se adapta a los lugares y

escenografías, en que se mueven los personajes. También le da vida a la

personalidad de los personajes principales, aunque siempre hay un poco de

oscuridad en todas las tomas.

Burton se caracteriza por los contrastes del bien y el mal y lo sombrío y

lo agradable, algo que logra con la fotografía en esta película, particularmente

al mostrar la colina con la mansión donde vivía Edward como una montaña

negra y lúgubre en medio de casitas de colores y jardines.

Los movimientos de cámara son de izquierda a derecha, de picada y van

haciendo acercamiento dependiendo de la importancia de los diálogos de los

29

personajes.  Los planos van desde general hasta primer plano, utiliza mucho

los planos de detalles y los primeros planos.

Características artísticas:

En este film, la estética no es puramente expresionista, ya que tiene dos

claramente diferenciables, una del mundo de Edward (el castillo donde vive), y

otra, el mundo exterior.

Tim recrea para el castillo una estética gótico-expresionista y también

para el mismo Edward. Y como contraste recrea el mundo exterior con

decorados casi pop.

Otro ícono expresionista que podemos ver, es la escalera en el castillo

de Edward, que es lo que une y a la vez separa los mundos, este símbolo es

muy utilizado en el expresionismo al igual que el puente.

El aspecto de Edwrad Scissorhands venía básicamente del dibujo

original de Burton, su principal directiva al especialista en efectos de maquillaje

Stan Winston fue que quería que Edward se viera hermoso y peligroso al

mismo tiempo.

30Johnny Depp caracterizado como Edward

Dibujo original de Tim Burton

Solamente Johnny Depp podía darle vida a alguien tan inusual como

Edward, terriblemente pálido, con su rostro cubierto de cicatrices, el cabello

muy oscuro y erizado, además de un vestuario ajustado de cuero negro,

correas y metal. Sus movimientos, semejantes a los de un robot o un muñeco,

su extraña forma de caminar y las enormes tijeras que Johnny mueve como si

fueran dedos.

Pero su principal logro es traspasar la apariencia y hacer que el

espectador se olvide de él y se quede con la dulzura, la ternura y la enorme

sensibilidad que reposan en Edward. 

Johnny logra todo esto con mínimos gestos faciales y luminosas

sonrisas en los momentos justos, ya que su personaje habla muy poco.

Además, sus expresivas cejas están ocultas bajo el maquillaje, los

instrumentos usuales de un actor como son: las manos, los movimientos del

cuerpo y la voz, no son precisamente de los que él se vale para crear a

Edward.

El mismo Depp solicitó quitar la mitad de los diálogos del guión original,

consideraba que:" porque Edward no es humano y tampoco un robot. Por eso

consideraba que no debía hablar demasiado". Mucha de su inspiración partía

del trabajo de Charles Chaplin.

En la película se distinguen dos gamas de colores: en el mundo de

Edward, colores oscuros, apagados y verdes de los arbustos y en la ciudad,

todo era muy colorido, las casas, los autos, los jardines, etc. Ambos mundos

tienen colores muy exagerados para que cuando se comparen se note un claro

contraste. Edward notoriamente es un personaje con tendencia al color negro,

este color está en el extremo de la gama de grises, simboliza el silencio, el

misterio y la nobleza.

Características sonoras:

31

El director de sonido de “Edward Scissorhands” es Danny Elfman, quien

compuso también la banda sonora.

Los diálogos son claros, no están distorsionados. Los sonidos son

realistas y llama la atención en la película el sonido de las tijeras de Edward.

Montaje:

En esta película hay muchos saltos de tiempo, por ejemplo, la historia es

una narración de una abuela a su nieta y dentro de la historia, se va al pasado

para ver como el científico construye a Edward y le enseña. Al final de la

película se vuelve al tiempo real y la abuela termina de contar su historia.

Los distintos lugares y puestas en escena cambian mucho pero

igualmente pasan desapercibidos.

Actuación:

La actuación de todos los actores es natural, menos la de Edward que

es muy diferente; Johnny Depp lo representa muy bien y aunque el papel es

muy raro, él hace que parezca todo totalmente fluido y natural.

Crítica Personal:

La película “Edward Scissorhand” me gustó mucho, para mí es una de

las mejores películas de Tim Burton, donde podemos ver claramente sus

características más notables como director: mundos paralelos que conviven,

personajes con sus grandezas y mezquindades, lo humano y lo sobrenatural,

todo coexistiendo en un mismo lugar.

Un inventor está por cumplir su máximo descubrimiento, pero de repente

fallece y deja su creación sin terminar, solo, aturdido y con miedo. Su nombre

es Edward y tiene tijeras en lugar de manos con las que puede embellecer la

vida de las personas que lo rodean pero también puede sin tener las

intenciones herir y lastimar.

32

Edward estaba incompleto, además de las manos le faltaba amor y

cariño, cuando aparece Kim ambos se complementan.

Esta película desarrolla escenas muy artísticas, como cuando Kim danza

bajo la nieve, la música empieza a cobrar un protagonismo muy importante,

gracias al trabajo de Danny Elfman, la banda sonora de esta película, pasó a

ser una de las mejores creadas para el cine.

Análisis “El Extraño Mundo de Jack”

Ficha técnica:

Título original: “The Nightmare Before

Christmas”

Género: Fantasía, animación, musical

Dirección: Henry Selick

Producción: Tim Burton y Denise di

Novi

Guión: Caroline Thompson y Michael

McDowell

Reparto (voces): Catherine O’Hara,

Chris Sarandon, Glen Shadix y William

Hickey

Director de fotografía: Pete Kozachik

33

Director de música: Danny Elfman

Montaje: Stan Webb

Fecha de estreno: 29 de octubre de 1993 en Estados Unidos

Duración: 75 minutos

Presupuesto: US$ 18.000.000

Sinopsis:

El señor de Halloween Town, Jack Skellington cansado que de año tras

año siempre sea lo mismo, descubre la navidad y queda muy sorprendido.

Decide mejorarla, pero lo que él y los habitantes de su ciudad piensan sobre

una festividad es muy distinto al espíritu navideño.

Planean secuestrar a Santa Claus y repartir juguetes algo macabros.

Argumento:

En el inicio de la película se muestra Halloween Town y su celebridad

más famosa, Jack Skellington, El Rey Calabaza. A pesar de que Jack es

amado y respetado por los habitantes de su ciudad, sufre una depresión, ya

que se está cansado de celebrar año tras año la fiesta de Halloween. En medio

de su desgracia, sale a caminar sin rumbo por un cementerio junto a su perro

fantasma, Zero. Más tarde descubre un círculo de árboles que nunca había

visto. Cada árbol tiene una puerta que representa cada festividad y que lleva a

la ciudad correspondiente. Jack se siente inmediatamente atraído por el que

tiene la forma de un árbol lleno de adornos. Cuando abre la puerta del Árbol de

la Navidad, es transportado a un pueblo lleno de nieve, luces y felicidad. Jack

queda abrumado con todos los colores y alegría que llenan el ambiente, y cree

que esa es la solución de su problema.

Después de su regreso a Halloween Town, Jack llama a los aldeanos para

mostrar su nuevo plan. Durante la presentación, él les muestra objetos que

trajo de Ciudad de la Navidad. Desgraciadamente, el sentido de belleza, y

delicadeza de los habitantes de Halloween es diferente de lo que usualmente

se ve en la Navidad. Frustrado por los malentendidos, Jack describe lo que

ocurre en Christmas Town de la única manera que los presentes pueden

entender: como un ser gordo y rojo que posee una profunda y grave voz y que

34

en su trineo, cruza el cielo como un buitre, y se llama Santa Atroz.

Decepcionado por la incapacidad de sus amigos de entender la Navidad, Jack

se encierra en su casa y realiza múltiples experimentos para tratar de entender

su significado.

Finalmente, se convence de que creer en la Navidad es lo único que

importa, y les comunica a todos que este año ellos mismos organizaran la

navidad. Jack comienza a asignar a los habitantes tareas a realizar: un traje de

Santa Claus hecho por Sally, varios esqueletos de reno vueltos a la vida por

parte del Dr. Flinklenstein, juguetes hechos por los ciudadanos…

Para terminar Jack solicita la ayuda de tres jóvenes traviesos llamados Lock,

Shock y Barrel; para que rapten a Santa Atroz. Después de secuestrar al

conejo de pascua por error (y devolverlo a su casa por orden de Jack), el trío

lleva a Santa ante Jack, quien les dice que no lo lleven con Oogie Boogie, pero

lo terminan haciendo. A pesar de los esfuerzos de Jack por hacer su Navidad

alegre, los demás terminan fusionando las ideas de Navidad y Halloween,

creando y decorando los juguetes, mezclando ambas celebraciones.

Sally, quien está enamorada de Jack, tiene una visión acerca de los

desastres que van a ocurrir y trata de advertirlo. Dice que tomar el control de la

navidad puede ser una mala idea. De cualquier forma, Jack está demasiado

entusiasmado para escucharla, así que cuando va a despegar intenta detener

la partida de Jack creando un banco de neblina, pero Zero alumbra el camino,

con su nariz luminosa.

Es Nochebuena, y Jack se embarca en su trineo-ataúd con los juguetes

hechos en Halloween Town para compartirlos con el mundo entero.

Desgraciadamente, a los ciudadanos del mundo real no les gustan los juguetes

que los amigos de Jack hicieron, y comienzan a llamar a la policía reportando

ataques por parte de estos y de un “esqueleto volador”. Poco después, los

militares son llamados para eliminar al falso Santa Claus, y comienzan a

disparar a Jack, que va cruzando por el cielo y piensa que están celebrando. Al

mismo tiempo, Sally va a rescatar a Santa Claus para que arregle las cosas.

Pero, durante su rescate, termina siendo capturada por Oogie Boogie quien

perversamente apuesta con la vidas de ambos. Los demás habitantes de

Ciudad de Halloween son testigos de cómo Jack es derribado, y temiendo lo

peor, se entristecen mucho.

35

Mientras tanto, los habitantes del mundo real son informados que,

debido a que no pueden encontrar al verdadero Santa Claus, la Navidad tiene

que ser cancelada. Una vez que recupera la conciencia en un cementerio y

lamentándose de lo ocurrido, Jack escucha las noticias y se da cuenta de sus

errores. Se da cuenta de que su camino en la vida es ser el Rey Calabaza y

jura hacer el próximo Halloween el mejor de todos. En un esfuerzo por salvar la

Navidad, Jack regresa a Halloween Town para salvar a Santa Claus. Se

escabulle en la guarida de Oogie para rescatar tanto a Sally como a Santa

Claus, y al derrotar a Oogie Boogie, revela que no es más que un saco repleto

de insectos. Santa Claus le dice a Jack que fácilmente puede salvar la

Navidad, después de todo es Santa Claus, y mágicamente sale flotando por la

chimenea y comienza a restaurar las cosas en el mundo real, reemplazando

todos los presentes que Jack había dejado. Jack regresa a Halloween Town

para alegría de los habitantes del lugar, y Santa es visto cruzando el cielo de

Halloween deseándoles a todos Feliz Halloween, mientras que Jack le

responde con un Feliz Navidad. Santa hace nevar y todos los habitantes de

Halloween Town finalmente se llenan de espíritu navideño comprendiéndolo.

Al final, Jack le revela a Sally sus verdaderos sentimientos y la película

termina con un beso y Zero se eleva al cielo y desaparece en la noche.

Contexto histórico:

En el año 1993, se estrenó la película “El Extraño Mundo de Jack” ese

mismo año Bill Clinton del partido demócrata asume la presidencia de Estados

Unidos. Clinton respaldó negociaciones en medio oriente y llevó el conflicto

árabe-israelí muy cerca de resolverse. En 1994 muere el ex presidente

republicano Richard Nixon.

Tim Burton comenzó a imaginarse esta película en los 80´s cuando

todavía trabajaba en Disney, Tim había firmado un contrato que decía que

cualquier idea que se le ocurriera sería de Disney por lo que en 1990 empezó

el proyecto de esta película. Tim cedió la el puesto de director a Henry Selick

mientras que él fue productor.

Producción:

36

“The Nightmare Before Christmas” se rodó con 18 millones de dólares y

recaudó 75 millones. El lugar donde se encuentra el estudio de filmación es en

San Francisco, California.

Esta película utiliza la técnica de animación llamada stop motion y fue la

primera de una serie de películas de Tim Burton con este estilo.

Para la producción de esta película Tim Burton reunió a un grupo de

animadores, artistas y elenco y fundó una compañía de producción

llamada “Skellington Studios” para la realización del guion y la creación de

nuevos personajes (Burton fue bastante específico en el ambiente y apariencia

de la película: incluso limitó a naranja, negro y blanco los colores principales de

Halloween Town).

Burton animó a los artistas a no utilizar su mano dominante para hacer

los dibujos, para así lograr un estilo único. Una vez que los bocetos fueron

aprobados se comenzaron a hacer a media escala las maquetas de cartón, que

fueron utilizadas de guía para la construcción de los escenarios finales.

Las marionetas fueron construidas con un esqueleto de metal, y

ensambladas por partes cuando se les inyectó el látex en espuma; el último

paso en la fabricación fue enviarlas al departamento de pintura. Se hicieron

muchas marionetas de casi todos los personajes; muchos completaron más de

un ciclo entre su fabricación, utilización en el set y regreso al taller para

retoques.

El equipo tuvo que improvisar soluciones a los problemas que iban

apareciendo durante la producción. Uno de estos fue el dar a los personajes las

distintas expresiones que se les ven en la película: hacerlos hablar y cantar.

Esto fue logrado de diversas maneras. Algunas marionetas tenían bocas que

se movían manualmente y las de los personajes principales, como Jack, tenían

cientos de cabezas reemplazables con diferentes expresiones, con lo que

lograron un amplio rango de expresión. La marioneta de Sally tuvo máscaras

intercambiables, ya que su cabello era demasiado largo como para ser puesto

en cada una de las cabezas que se necesitarían. Otro de los problemas a los

que se enfrentaron los animadores dentro del set fue el tamaño tanto de las

marionetas como del set mismo, pues temían no poder controlarlas bien. Este

37

problema fue resuelto construyendo los diversos sets en secciones para que

pudieran ser separadas cuando el animador tuviera que trabajar en la parte

necesaria, y después volverlo a unir para la captura del cuadro.

La filmación fue bastante lenta y pesada: tardaron cerca de 3 años en

terminarla. Los animadores trabajaron en varias etapas para ganar tiempo,

pero al unir el trabajo al final de la semana seguían siendo solo unos minutos

del total de la película. El equipo tenía que ser muy cuidadoso en el manejo de

los escenarios y de las marionetas, pues un simple golpe podría arruinar la

toma y habría que comenzar nuevamente de cero.

En una etapa de la producción había 14 animadores trabajando

simultáneamente, lo que rindió como promedio 70 segundos de película por

semana. En total había 230 escenarios y más de 200 figuras.

Características de Fotografía:

En la película hay muchos planos muy difíciles de hacer y más en stop-

motion, picados o contrapicados, siempre en movimiento, con el objetivo de dar

vida y energía a una puesta en escena donde los personajes son marionetas.

La película comienza con un plano en picado (la cámara mirando hacia el

suelo), con un suave movimiento giratorio para mostrarnos las puertas mágicas

o portales en los árboles. La primera imagen va con una voz en off (de cuento

de hadas) que nos avisa que está por venir.

38

Jack Skellington tenía 180 cabezas reemplazables para marcar las distintas expresiones

Lo más importante que el director de fotografía, Pete Kozachik, tuvo que

hacer fue iluminar correctamente cada uno de los complicados planos, filmados

completamente en maquetas y con marionetas animadas fotograma a

fotograma. Es mucho más difícil porque con la técnica del stop motion una sola

secuencia de movimientos necesita comúnmente varios días de rodaje.

Kozachik cumplió correctamente con su deber, logrando una película

muy impactante y con unos amplios rangos de colorido, oscuros en Halloween

Town y brillantes y luminosos en Christmas Town.

Características del Arte:

Se destaca la arquitectura y los elementos decorativos ya que tienen una

estética expresionista que se ve en la asimetría de los edificios y los elementos

angulosos.

La puesta en escena es predominantemente musical, ya que las

canciones son importantes y ayudan a narrar la película. La escenografía es

muy diferenciada, para poder distinguir cada mundo y darle a cada uno su

estética, su iluminación y colores característicos. Burton lo extrae del

expresionismo pictórico, donde los colores son esenciales y ayudan a trasmitir

sensaciones.

Los colores dentro de cada mundo fueron muy cuidadosamente

seleccionados para mostrar un gran contraste, En Halloween Town predominan

los colores opacos y apagados también escalas de blancos y negros con

detalles naranjas con una iluminación muy tenue. En Christmas Town los

colores son alegres, vivos, claros y con luces parpadeantes.

Jack Skellington está caracterizado por el color negro y blanco, el negro

representa lo misterioso, la nobleza y la elegancia, el blanco la paz, la pureza y

la inocencia.

Oogie Boogie tiene un color especial que resalta en toda la película, él

es verde brilloso al igual que su guarida donde todo parece ser fosforescente.

39

Características sonoras:

El director de sonido de esta película es Danny Elfman. Burton

aprovechó para mostrarle el poema original y los bocetos para “El Extraño

Mundo de Jack” A partir de entonces, ambos compartieron el mismo

entusiasmo por el proyecto.

 

Antes de que existiera incluso un guión, Burton y Elfman se pusieron a

trabajar con la música: Tim describía cada parte de la historia y Danny

inmediatamente escribía la letra de las canciones. Las grababa en su estudio,

dando voz en las pruebas de audio a todos los personajes, salvo al de Sally.

Las canciones, sirvieron para definir los personajes e ir avanzando en el

argumento de la película. La guionista Caroline Thompson, tuvo que escribir el

guión a partir de las letras de las canciones y caracterizar a los personajes que

todavía no estaban creados; sin embargo, disfrutó diseñando un lugar donde la

gente ya vivía.

Los diálogos no se escuchan distorsionados, sí con cierta espacialidad

pero básicamente se escuchan nítidos. La banda sonora de Danny Elfman, se

compone mayormente por canciones, logra los momentos más destacados en

las partes musicales, los efectos sonoros son buenos pero no tienen tanta

importancia.

Montaje:

En esta película no se ven saltos de tiempo ni cortes extraños o

llamativos. Dentro de la película se cambian rápidamente las escenografías y

los planos.

Actuación:

En esta película, la actuación es teatral porque es muy exagerada, con

las voces, las expresiones, los gestos. Más que nada cuando cantan.

40

Crítica Personal:

El Extraño mundo de Jack es para mí y para muchos una película de

culto, ya que es considerada como las mejores animaciones de Tim Burton.

A pesar de ser una típica obra Burtoniana tiene grandes rasgos de

Ópera que ayuda a narrar la historia y no perder el hilo ya que tiene pocos

diálogos.

Esta película también tiene grandes bases expresionistas ya que tiene

mundos paralelos, hay personajes comunes y otros sobrenaturales,

arquitectura angulosa, etc.

Los personajes representan en mayor y en menor medida los defectos

de los seres humanos y la sociedad.

Como personajes secundarios aparecen muchos personajes de cuentos

de terror, como, los vampiros, el hombre lobo, el doctor Finklestein y las brujas.

41

Filmografía:

Cortometrajes como aficionado:

1971: “The Island of Doctor Agor”

1979: “Stalk of the Celery Monster”

“Doctor of Doom”

1982: “Luau”

Cortometrajes:

1882: “Vincent”

1884: “Frankenweenie”

2000: “The World of Stainboy”

Películas (TV):

1982: “Hansel and Gretel”

1985: “The Jar”

1986: “Aladdin and his Wonderful Lamp”

Películas (Largometrajes):

1985: “Pee Wee´s Big Adventures”

42

1988: “Beetle Juice”

1989: “Batman”

1990: “Edward Scissorhands”

1992: “Batman Returns”

1993: “The Nightmare Before Christmas” (Productor)

1994: “Ed Wood”

1994: “Cabin Boy” (Productor)

1995: “Batman Forever” (Productor)

1996: “Mars Attack”

1996: “James and the Giant Peach” (Productor)

1999: “Sleepy Hollow”

2001: “Planet of the Apes”

2003: “Big Fish”

2005: “Charlie and the Chocolate Factory”

2005: “Corpse Bride”

2007: “Sweeney Tood”

2009: “9” (Productor)

2010: “Alice in Wonderland”

2012: “Frankenweenie”

2012: “Dark Shadows”

2012: “Abraham Lincoln: Vampire Hunter”

43

Entrevista a Tim Burton:

El estilo de Burton toma más fuerza con los años. Hoy en día con 54

años, habiendo realizado producciones como “Batman”, “El Planeta de los

Simios”, El Joven Manos de Tijera” y “Alicia en el País de las Maravillas”

forman parte de su trabajo como creador audiovisual. Aunque parezca

sorprendente, los comienzos de este artista fueron en el mágico mundo de

Disney, donde dirigió la versión original de “Frankenweenie” (1984), un

cortometraje sobre un niño que le devuelve la vida a su perro, pero los

directivos declararon que era “Demasiado inapropiada para el público infantil”,

señaló Burton.

Mundos fantásticos creados en maquetas, vestuarios y personajes

insólitos y la evolución de la estética del claroscuro son algunos de los

elementos visuales que sobresalen en el trabajo de este ilustrador, quien según

el periódico The Guardian: “Es un director con una imaginación inquietante”.

¿No te parece una contrariedad que tu película original de

Frankeweenie (1984) dure 27 minutos y que tuviste que esperar 27 años

para estrenarla?

Me da miedo solo con pensar que tuve que esperar tanto tiempo. Igual,

ya estoy acostumbrado, realizando Pesadilla antes de Navidad tardé 10 años.

No me preguntes por qué, no lo sé. Hacer películas con marionetas es extraño,

todo se duplica, el tiempo, el equipo, los costos, en fin.

44

Volviendo al pasado, ¿cómo reaccionaste cuando te informaron

que la película original no sería estrenada?

No me extrañó, estaba habituado. En ese momento sentía que vivía en

una curiosa burbuja y simplemente estaba agradecido por poder hacer esta

clase de películas que eran raras para la época. A muy pocos les habían dado

la oportunidad de ejecutar un proyecto similar. Y aunque nunca se estrenó ni

nadie la vio, fue una cinta que me permitió incursionar en el puesto como

director en esta gran aventura que es el cine.

¿Por qué crees que Disney en aquella época no quiso estrenar la

cinta y ahora, 27 años después, sí? ¿Acaso no sigue siendo la misma

película que ellos consideraban no apta para un público infantil?

Fueron y siguen siendo decisiones de Disney. Esa premisa la he

escuchado en muchas ocasiones, también con Pesadilla antes de Navidad.

Aun así son los niños los mejores críticos, hoy en día se me acercan chicos de

cinco años diciéndome: “Yo era así”. En mi caso, cuando yo tenía esa edad,

veía innumerables películas de terror. Por eso no creo que exista un estilo de

cine solo para los niños. Nunca dejaré de pensarlo y seguiré defendiendo este

principio hasta el final de mis días. Supongamos, cuando hice Batman

expresaban que el resultado sería muy ‘oscuro’. Y ahora, mi versión del cómic

es una roca con forma de corazón en comparación con los últimos filmes que

se han estrenado. Solo sé que me gusta experimentar, ese es mi estilo.

¿Es verdad que Disney te despidió por la película original de

Frankeweenie?

Bueno, habría que preguntarles a ellos. (Risas). La verdad es que

Disney me despidió por varias razones. Ante todo porque era un pésimo

animador digital. A ellos les gustaba la idea de tenerme pero en realidad no

sabían qué hacer conmigo. Trataron de dilatar el tiempo de mi estadía y por

eso me siento agradecido y nunca surgieron malos sentimientos. Fue Disney el

primero que me otorgó las oportunidades laborales.

45

¿Frankenweenie es la primera película que se estrena en Hollywood

en 3D en blanco y negro?

No creo. La criatura de la Laguna Negra en blanco y negro la estrenaron

en 3D. Además han adaptado varias películas de los años 50 a este nuevo

formato.

Pero… ¿es la primera película de este estilo de animación que se

estrena en 3D?

Sí, y confieso que me sorprendió la belleza de la imagen en blanco y

negro. Tomé esta decisión porque quiero crear de formas distintas las

emociones y considero que la ausencia de color logró ese objetivo.

¿Por qué te gusta tanto la estética claroscuro en tus proyectos

como en tu forma de vestir?

Me gusta usar el negro porque gastaría todos los días media hora más

pensando qué me combina con qué. “¿El saco azul va con la camisa amarilla y

los pantalones verdes?” Lo que no sabes es que me gusta ponerme ropa

interior de todos los colores. (Risas).

¿Consideras que el Óscar que recibió ‘El artista’ puede ser un plus

cuando se estrene Frankenweenie al tratarse de una película en blanco y

negro?

Probablemente, pero no es la razón. Es pura casualidad.

¿Es otra casualidad que el personaje de Víctor, en la película, se

parezca demasiado a ti?

Supongo que tiene algunos rasgos míos. Yo también solía experimentar

con animales. Pero en esta ocasión ningún animal salió lastimado, solo son

marionetas. (Risas).

46

¿Qué partes de la película se parecen a tu vida?

En esta animación quise mostrar algunos elementos autobiográficos que

están estampados en la arquitectura de la casa y los amigos de Víctor. Hasta

en el concepto de la noche imprimí ciertas sensaciones personales.

¿Entonces la historia del perro en la animación pasó en la vida

real?

Sí, es una historia que le dio vida a este proyecto. En mi infancia tuve un

perro enfermo que vivió muy poco, menos de lo esperado. Fue una de esas

primeras relaciones que nunca se olvidan.

¿Hay algún aspecto de tu vida que quisieras llevar a la gran

pantalla?

Por ahora, no. Me gusta estar jugando e intentando cosas nuevas. Lo

que sí es cierto es que todos cambiamos y con el tiempo nos vamos viendo de

formas distintas. Probablemente nunca hubiera realizado un largometraje como

El gran pez si me padre no hubiera fallecido. Hay experiencias en la vida que

nunca se repiten o no se pueden proyectar hasta que te suceden en carne

propia. No todos los temas nos afectan por igual y por supuesto esto se ve

reflejado en el celuloide.

¿Qué les dirías a los adolescentes que quieren cumplir el mismo

sueño artístico que tuviste cuando eras pequeño?

Primero que todo, que si les gusta dibujar no se fijen en lo que dice la

gente, no hay que afectarse por lo que dicen los demás. Yo jamás dije: ‘Ah, voy

a ser director de cine’. Si haces lo que te apasiona es porque eres alguien con

mucha suerte, ya ganaste lo que la mayoría de la gente ni siquiera logra y es

hacer lo que te gusta. En el mundo el número de personas que odia su trabajo

es enorme, odia su vida, no hace nada que le llene. Los jóvenes que adoran las

47

artes deberían explorar y trabajar en ese aspecto conociendo más de la

música, la escritura o el dibujo. La humanidad debería explotar su lado artístico.

Esta encuesta fue realizada por Fabián W. Waintal.

A través de esta entrevista descubro que Tim Burton al igual que

Federico Naguil (mi entrevistado), creen y defienden la posición, de que las

diferentes películas, no deben estar encasilladas en géneros, que no hay

estilos o géneros solamente para niños,  por ejemplo: Las películas de

animación, éstas pueden ser disfrutadas tanto por niños como por adultos, pero

cada uno observará y percibirá distintos aspectos: música, historia, personajes

o escenografía.

Es interesante saber por él mismo, que algunos personajes, hechos o

parte de la escenografía formaron parte de su vida, entonces podemos

comprenderlo mejor, en la historia con el perro (Frankenweenie) vemos la

tristeza que lo marcó cuando su perro murió, o cuando perdió a su padre y

volcó sus sentimientos en su película El gran Pez.

También vemos un lado más divertido en Tim cuando dice que se viste

siempre de negro para no estar pensando cómo combinar la ropa cada vez que

se viste y que le gusta la ropa interior de colores, lo contrario a la mayoría de

las personas.

Un aspecto que me gustó mucho, es lo positivo y agradecido que se

muestra, en muchas ocasiones le recuerdan que Disney lo despidió pero él

resalta la oportunidad que le dieron para trabajar en ese lugar y que en realidad

se daba cuenta que no encajaba.

48

Entrevista a Federico Naguil:Federico Naguil es licenciado en Comunicación Social. Estudió en la escuela

de cine de Cuba, una de las escuelas de cine más prestigiosas e importantes

de América Latina. Es profesor de historia del cine en la Universidad Católica

de Uruguay y trabaja en cine y publicidad.

¿Qué significa “cine” para ti?

Cine para mí, es el arte de contar una historia proyectada en movimiento

en una pantalla. Y es por lo tanto la unión de diversas disciplinas artísticas y

técnicas en una. Un espejo donde mirarnos, que contiene casi todas las

emociones. No todas. Es el arte por excelencia del siglo XX; está por verse que

sea también el arte del siglo XXI.

¿Qué te llevo a estudiar y enseñar sobre cine?

Yo nací en plena dictadura y el cine fue un refugio, un escape, una

bocanada de aire y un aprendizaje. La variedad, junto a la música y los libros.

Me crié viendo todo el cine que podía, en la tele, en Cinemateca, en las

matinés escolares y de vez en cuando alguna que otra película de estreno. De

chico sentí muy fuerte la vocación por la expresión artística y se me motivó en

mi casa, para desarrollar varias a la par. Nuestra casa era modesta pero

siempre había algo para leer, mirar o escuchar. Ya en la adolescencia terminé

haciendo música y estudiando cine a la par, y unos años después me decidí

más netamente hacia lo audiovisual, aparte de dejar la música como

ejecutante, irme a vivir solo y comenzar a trabajar en medios masivos de

comunicación.

49

¿Cuál es tu opinión acerca de la influencia que puede tener el cine

para las personas?

Creo que el cine ha tenido una influencia enorme en todos los ámbitos

de la cultura mundial a través de todo el siglo pasado. Fue y es un generador,

motor de estéticas y nociones del mundo y de la misma realidad. El cine es un

espejo que refleja quienes somos tanto como quienes queremos ser y también

quienes nos negamos a ser. Un escape, una identificación y también un

espacio con nosotros mismos. La identidad se proyecta en la pantalla. Si bien

esta influencia permanece, como vivimos actualmente otra revolución cultural y

tecnológica no está claro, creo, que esa influencia siga siendo principal hoy.

Las nuevas tecnologías han abierto una brecha con un signo de pregunta con

respecto a qué será lo dominante. Lo masificado aumenta, pero se segmenta a

la par y la televisión parece captar más que el cine en algo que terminará

siendo solo Internet o su evolución.

¿Cuál es el género cinematográfico que prefieres?

La división por géneros, si bien etimológicamente deviene primero de los

clásicos griegos, y del teatro occidental, fue concretamente algo funcional al

sistema de cine industrial, como forma de resolver a la par los mecanismos de

censura y publicidad. O sea, para segmentar los públicos de consumo

específicos. Al decir esto quiero, apelo a, tomar posición, minoritaria quizá,

dentro de algo que forma parte de la cultura occidental desde hace muchos

años y por lo tanto forma parte de nuestra manera de ser y pensar. Pensamos

a través de los géneros, y es inevitable, porque a eso nos han obligado durante

generaciones. No obstante esto, y adrede, los aborrezco. Muchas películas se

niegan a ser encorsetadas dentro del género drama por poseer a la par

muchos elementos de comedia y a modo de ejemplo: muchas historias son

fantásticas, realistas, dramáticas, románticas y de ciencia ficción a la par. Lo

inclasificable por lo general tiene mucho más que ver, siempre, con el cine

autoral, por ponerle un mote, digamos netamente diferente que el llamado cine

industrial. Pero hasta ésta clasificación puede no cumplirse: ¿viste Brazil, de

Terry Guilliam? ¿Qué género sería y qué modelo de producción? ¿Y Solaris, o

El espejo, de Andrei Tarcovsky? ¿Y la uruguaya Whisky? Igualmente si fuera

50

cuestión de vida o muerte mi respuesta y sólo un género específico salvara mi

vida diría: “drama”.

¿Tienes algún director o película preferida?

Muchas y ninguna. Siento que es algo que está permanentemente en

movimiento, el gusto y la preferencia. No creo en los rankings, aparte. Igual te

voy a dejar tres títulos que me marcaron en diferentes etapas de la vida: “El

árbol de los zuecos” del italiano Ermanno Olmi, que me marcó por verla muy

pequeño, luego “Pink Floyd, The Wall” del inglés Alan Parker, que me cautivó

por su libertad y fuerza más allá de sus enormes fallas narrativas, en mi

adolescencia y finalmente “Blue”, de la trilogía llamada “Trois Couleurs” filmada

en Francia, del polaco Krzysztof Kieslowski, ya entrando en la primera adultez.

¿Qué opinas del cine uruguayo?

Me parece que no existe el cine uruguayo sino una variada serie,

bastante numerosa por suerte ya, de películas uruguayas. Creo que se han

hecho varias y bastante buenas como 25 Watts, El baño del Papa y

últimamente Anina. Quiero ver Rincón de Darwin y Tanta agua, no pude aún..

No me gustan las categorías, más allá de la famosa Teoría de los conjuntos;

según ella se podrían agrupar bajo el mote de Cine Uruguayo a todas las

películas hechas en el territorio de la República Oriental del Uruguay. En

Uruguay hay muchos cineastas para su escasa población y eso es aplicable

también a los artistas en general. Son muchos. La influencia artística

mayoritaria es, desde su tradición, netamente europea y desde los últimos

treinta años a esta parte, netamente norteamericana. Hasta ahí llego con este

análisis. Están, luego y por suerte, los cineastas específicos y las obras

específicas.

¿Qué importancia tiene el expresionismo alemán en el cine? ¿Qué

elementos nuevos introdujo en el cine?

51

El expresionismo alemán es una corriente más grande aún que la

puramente cinematográfica y surge principalmente desde la pintura hasta

expandirse a las demás artes como la escritura, la danza, el teatro, la fotografía

y el cine. Formó una parte muy importante en lo que se llamó “las vanguardias”

y en respuesta a otros movimientos, también originalmente de la pintura, como

el impresionismo. Se defendía la expresión interna, o estado del alma del

artista frente a la llamada impresión externa. Con su desarrollo paralelo y el

crecimiento de la literatura, poesía expresionista, se transformó paulatinamente

en un arte que se permitía expresar la oscuridad, la ambivalencia y subjetividad

del alma humana, contrapuesta a una visión positivista y de constante progreso

del hombre que estuvo muy en boga también en esos comienzos del siglo XX.

Los expresionistas defendían la subjetividad compleja del hombre y por lo tanto

también su oscuridad. Eran fieles representantes, al unísono, de un gran

malestar que se cernía sobre Europa y sus clases medias y bajas en lo que fue

el preámbulo de las dos guerras mundiales. De alguna manera esa sombra

expresionista era tangible aunque no pudiera o no quisiera ser vista o

fotografiada o filmada. Con la llegada de la fotografía y el cine coinciden

también la maduración de la producción en serie y la revolución tecnológica

generada por la electricidad, el motor a explosión y el manejo masivo de

medios de comunicación. El arte, según los expresionistas no debía dedicarse

ya a imitar la realidad, algo que la foto y el cine ya lograban, sino sumergirse en

otros aspectos más oscuros e inexplorados del ser humano. En este período

tan rico como dramático de la historia no es casualidad que surjan también el

psicoanálisis con sus estudios acerca del inconsciente y también la teoría de la

relatividad de Einstein, cambiando para siempre la visión que el hombre tiene

de sí mismo y permitiendo la posterior energía nuclear y la bomba atómica. El

expresionismo alemán desde el cine trabaja justamente este nuevo paradigma,

la oscuridad del ser humano y hasta su maldad; se plantea por ejemplo desde

la peripecia de un malvado doctor Caligari, sombrío y cruel en una aventura

que nunca nos deja del todo ni en la realidad ni en el sueño o en la pesadilla; o

desde el horror de un Nosferatu macabro; o desde el aparente futuro brillante

de una Metrópolis que luego parece comerse a sí misma, víctima de la cruel

52

frialdad de su inventor, cual Frankestein moderno, hasta su terminar en su

propio su fin.

¿Estás de acuerdo de que la película “El Gabinete del Doctor

Caligari” de Wiene en 1919 sea considerada la primera película

expresionista? ¿Por qué? Esta película, ¿introdujo algún aporte técnico

"nuevo"?

Así está considerada y estoy de acuerdo, sí. El guión es absolutamente

innovador. Desde el comienzo se teje un relato que está a la vez dentro de otro

relato y este pacto con el espectador una vez aceptado permite un juego entre

fantasía y realidad inédito hasta el momento. Nos sentimos parte de un extraño

mundo “real”, luego dentro de un sueño y ese sueño por momentos se vuelve

una pesadilla, luego se vuelve a la realidad, pero ésta no deja de ser oscura,

sombría. Más allá de que se dice fue trastocada en su inicio y final por presión

de los productores para bajarle su carácter revulsivo y permitir que la historia

aterrice en cierto aliviante status quo o vuelta a un mundo real, donde las cosas

funcionan y los malos son malos, los buenos son buenos y los locos son locos.

La película propone y juega con fronteras de la psiquis y justamente la realidad,

que inquietan, si es vista con cierto espíritu analítico y compenetración, hasta

hoy. Es perturbadora. Sumado al guión, el manejo de los decorados, no

realistas, “expresivos”, deformados, que le agregan el carácter de ensoñación,

de pesadilla y como toque maestro, los maquillajes que acentúan aún más los

fuertes contrastes de luces y sombras buscados en la fotografía. Eso y una

dirección de actores dramatizada ex profeso, no olvidemos que estamos en

una época con convenciones actorales propias del cine mudo. La hacen

absolutamente innovadora para su época.

53

El expresionismo alemán en el cine, ¿formó parte de tu formación?

¿Es parte de la formación que reciben los actuales estudiantes de cine?

En mi caso tuve la suerte de formarme ampliamente viendo cine desde

muy chico, Caligari por ejemplo la vi siendo muy joven, a los 12, 13 años.

Sumado a eso empecé cursos de cine formales ya hacia los 14 años, luego

estudié comunicación en la UCUDAL donde también aprendimos algo de

historia del cine y del arte en general y luego estudié cine en una escuela

internacional, la EICTV de Cuba, donde también tuvimos historia del cine, no

los expresionistas en particular en esos años concretos. Es parte de la

formación en algunas de las instituciones que te menciono, sí, pero creo que

debería profundizarse su estudio en relación con la historia del arte en sí. No

creo que forme parte de los programas de muchas instituciones de Uruguay y

América Latina. Sospecho que la misma carencia puede ser apreciada también

en otros lugares pero no puedo corroborarlo a ciencia cierta. Me consta que es

material obligatorio, sí, en las principales escuelas de cine y comunicación y

arte del mundo, sobretodo en Europa.

En el trabajo que estoy realizando, me centré en Tim Burton porque

me atrajo mucho su estética, su estilo y su forma de dirigir. ¿Cuál es tu

opinión acerca de este director?

Me parece un gran director con estilo propio dentro de un esquema de

cine industrial y comercial. Una marca registrada del cine mundial. Siempre me

divierte ver una película de Burton, pero considero está cada vez más alejado

del cine de autor y cada vez más sumergido en el llamado mainstream.

¿Crees que Tim Burton se inspiró en el expresionismo alemán?

¿Por qué?

Desde el punto de vista narrativo puede verse una cita, homenaje al

expresionismo ya desde su primer y fantástico corto de animación llamado

54

Vincent. Todos los juegos de luces y sombras así como la inestabilidad general

que mueve la trama entre los no del todo netos claros y oscuros, los devaneos

entre el bien y el mal del personaje principal, los cambios gestuales dramáticos

y la voz en off , canción, enloquecida, parecen una guiñada, homenaje casi

constante al género. Ahora, al mismo tiempo Burton ya desde ahí, también,

tiene un acercamiento naíf, infantil, oscuro sí, pero con un tono diferente, a

veces lavado, otras veces humorístico que permiten tanto ver la cita u

homenaje como diferenciarlo netamente de ese origen. El expresionismo de

Caligari, Nosferatu o Metrópolis es de verdad oscuro y poco o nada

humorístico. Esta relación se mantiene en toda su cinematografía posterior.

Oscuridad Light, o “ironía naíf dark” podría decirse, pero oscuridad al fin.

Siempre divierte, no obstante, o casi siempre.

¿Crees que Tim Burton introdujo algún elemento nuevo o alguna

nueva innovación?

“Nueva innovación” suena redundante, no crees? Esta marca a la que

referí en la pregunta anterior, que podría definirse no sin cierto humor también

como “comedia gótica neo expresionista” con toques de humor negro,

sobretodo, no fue inédita en la historia del cine, por ejemplo supo utilizarla muy

bien el gran director Alfred Hitchcock, pero terminó siendo su principal marca

de fábrica. No sé si son innovaciones muy grandes, pero dejan ver un estilo

identificable.

¿Cuál es para ti la mejor película de Tim Burton?

No creo en el mote “el mejor” o “la mejor”. De verdad no me parece que

sirva de mucho excepto para la prensa deportiva y las agencias de publicidad.

Te rescato varias. El corto Vincent, El joven manos de tijera, Nightmare before

Christmas, Ed Wood y, pese a ciertos abusos de azúcar y edulcorante, también

me gustó El gran pez. (Charlie y la fábrica de chocolates: prefiero la original!)

55

Con respecto a la entrevista a Federico Naguil, debo confesar que sus

respuestas si bien son muy válidas e interesantes y me dan otra visión que

complementa mi trabajo, en muchos casos es muy técnica, tiene mucho

conocimiento y me resulta difícil de entender, también me falta información ya

que muchas de las películas que nombra, no las he visto aún.

Lo que toca del tema de Tim Burton y considera que cada vez está más

cerca del “mainstream” (pensamientos, gustos y preferencias aceptados por la

mayoría de la sociedad), lamentablemente me parece que tiene razón ya que

las últimas películas (Abraham Lincoln: cazador de vampiros y Sombras

Tenebrosas), me parecieron más comerciales   y no me gustaron tanto, son

muy diferentes a sus películas más viejas como El joven manos de tijeras y una

de mis preferidas, El Cadaver de la novia.

De todos modos espero que tengamos pronto películas como las que lo

hicieron famoso, aunque sabemos que le llevan su tiempo, El extraño mundo

de Jack: 10 años y Frankenweenie: 27 años.

56

Conclusión:

Después de haber tenido la oportunidad de volver a ver las películas y

leer muchos materiales sobre el expresionismo y sobre Tim Burton concluyo:

El expresionismo alemán tuvo una influencia muy fuerte en las obras de

Tim Burton, él logra extraer los mejores rasgos del expresionismo y los adapta

a sus pensamientos y a su forma particular de hacer cine. A pesar de haber

evolucionado y pasado por diferentes temas, en cada una de sus películas se

nota el toque personal propio de Burton.

Las características más claras del expresionismo alemán que podemos

ver en las películas de Burton, están sobre todo en la escenografía, donde

predominan diferentes gamas de colores, o apagados o alegres, también se

pueden ver castillos muy angulosos, árboles torcidos y los personajes, ya que

los hace muy exagerados (muy altos, muy bajos, muy gordos, etc.) Casi

siempre tienden a ser pálidos, tener grandes ojos y ojeras, boca pequeña y

pelo alborotado y negro. También se ve en la temática, temas como la muerte,

el desdoblamiento de la personalidad, la incomprensión y los monstruos.

El gran símbolo del expresionismo, es muy usado en las películas de

Burton, representado por puentes y escaleras que simbolizan la conexión entre

los mundos tanto como para unirlo como para separarlos. Así como Burton ha

tendido un puente entre la corriente expresionista y el cine actual.

Personalmente creo que aunque los personajes sean tétricos y muy

diferentes a nosotros, uno siente mucha empatía con la mayoría de ellos,

sentimos su felicidad y nos alegra, su tristeza, su pena, sus miedos y por un

momento nos trasladamos a mundos fantásticos bajo su notable dirección.

57

Bibliografía:

FERENCZI, Aurélien. Maestros del cine “Tim Burton”, CAHIERS DU CINEMA,

ESPINÓS ESCUDER, Paloma. Tim Burton y el Expresionismo, Centro de Estudios Ciudad de la Luz.

www.wikipedia.com

Arte Espana:http://www.arteespana.com/expresionismo.htm

Universidad de Palermo: http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/vista/detalle_articulo.php?id_libro=275&id_articulo=6838

Aloha Criticon:http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article1809.html

Escribiendo Cine:http://www.escribiendocine.com/peliculas/el-joven-manos-de-tijera

El Porque:http://elporque.net/como-hicieron-el-joven-manos-de-tijera.html

Portafolio de Irene:http://portafoliodeirene.wikispaces.com/El+arte+contepor%C3%A1neo

Intercambios Virtuales:http://www.intercambiosvirtuales.org/infantiles/el-extrano-mundo-de-jack-1993-dvdr-ntsc

58

Zona Dvd:http://www.zonadvd.com/modules.php?name=Reviews&rop=showcontent&id=861

Blogs:http://prospsicom.blogspot.com/2009/03/la-teoria-del-color-en-el-cine.html

59