Sofía E. Francis Teatro III
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Francis, Sofía Eleonora
0080881 [email protected]
TP N 3
Comedia del Arte y Moliere
Teatro III
Andrea Pontoriero
Vestuario
29/05/14
Sofía E. Francis Teatro III
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Trabajo Práctico N° 3
Molière y la Comedia dell #Arte
Actuación y representación
Consignas:
Leer el texto de De Marinis sobre la actuación en la Comedia dell #Arte y La
improvisación de Versallesy/o una obra de Molière a elección.
Relevar imágenes de:
- Los tipos de la Comedia dell #Arte
- Las representaciones de Molière
Teniendo en cuenta: espacio escénico, vestuario y caracterización
Realizar un informe en donde se especifiquen similitudes y diferencias de dichos
períodos en base a:
- Estructura dramática
- Espacio escénico
- Arquitectura escénica
- Vestuario
- Caracterización de los personajes
- Tipo de actuación
Tomar una producción actual latinoamericana, realizar un relevamiento de
imágenes y explicar las proyecciones que encuentran de dicho teatro en esa
representación.
Forma de presentación:
Realizar una presentación en clase (en .ppt) y entregar un informe
escrito(máximo 5 hojas)
Carátula
Consignas
Desarrollo (Imágenes, descripciones y comentarios teóricos)
Conclusiones
Bibliografía
Fecha de Entrega final: Clase N° 9
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Similitudes y Diferencias Entre La comedia del Arte y las representaciones de
Moliere.
De más está decir que ambas representaciones, la comedia del arte y Moliere,
son de género cómico. Ambos buscan la risa por parte del espectador, pero cada cual a
su manera. Por un lado, las representaciones de la comedia del arte, pertenecientes a su
primer período, del siglo XVI al XVII, estaban construidas en base al contraste.
Contraste entre los personajes, sus movimientos, posiciones, gestos, etc. Se tiene la
actuación enérgica de los zanni, un estilo exuberante y muchas veces acrobático y por el
contrario, están los enamorados con su actuación elegante y su gran presencia escénica
compuesta por un gran nivel pre expresivo. Este contraste es lo que genera risa, al
mostrar dos polos opuestos, el elegante y el ridículo, se hace más grande la distancia
entre uno y otro, entonces el ridículo termina quedando aún más ridículo estando l lado
de un personaje elegante. Del siglo XVII al XVIII se producirá un cambio en el cual la
actuación enérgica irá desapareciendo y solo quedará la elegante. Por otro lado las
comedias de Moliere generan risa porque en ellas se representa la una realidad conocida
por el espectador, llevada al extremo de lo ridículo. Las obras de Moliere tenían una
función social, tomaba personajes de existentes en su entorno y los caricaturizaba,
logrando la risa de la gente y el odio de quienes se identificaban con el personaje.
Las comedias del arte estaban compuestas por lazzi, número de acciones
burlescas y en su mayoría acrobáticas. Estos lazzi no eran improvisados sino que, muy
por el contrario, estaban fijadas y hasta llegaron a formar un gran repertorio. Cada
comedia contenía un cierta cantidad de lazzi armadas que formaban una integra
representación. No obstante, la improvisación se encontraba en la superficie verbal,
palabra y los diálogos. Las representaciones de Moliere no había lugar para la
improvisación, antes que nada, sus obras estaban sujetas a las normas neoclásicas, que
reglamentaban que todo escrito que se denominase obra teatral debía respetar las reglas
de acción, tiempo y lugar, definidas por Aristóteles en la Poética y además, las reglas de
decoro y verosimilitud. A diferencia de la comedia del arte, cada personaje tenía sus
líneas y solo se representaban acciones elegantes, debido a que las reglas impedían las
acciones burlescas poco decorosas e inverosímiles.
En cuanto a los personajes, estos eran tipificados, en primera etapa la comedia
del arte se pueden distinguir, muy ampliamente, dos tipos de personajes, como acciones
que componen que la representación, los zanni o arlequines, personaje cómico, siempre
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en desequilibrio, en poses poco cotidianas y con máscaras con los rasgos expresiones
muy marcadas, que se distinguían según el personaje que representaba. Estas máscaras
cubrían el rostro del actor hasta sus mejillas dejando su boca destapada para mayor
comodidad a la hora de dialogar. Su poses para nada naturales eran acompañadas con
vestuarios simples pero igual de deformes, en los cuales se exageraban grotescamente
sus barrigas. Algunas sus prendas estaban muy ajustadas al cuerpo y otras
extremadamente sueltas y, también, las telas podrían ser estampadas con rombos de
distintos colores muy llamativos. Sus contrarios, los enamorados, eran personajes
serios, con mucha presencia escénica y en poses derechas y rectas que marcan no solo
un contraste sino un también un equilibrio y, al mismo tiempo, tensión con los cuerpos
personajes enérgicos. Su prendas, al contrario del anterior, son más voluminosas y
exuberantes, parecidas a las que se usaban cotudamente en la época.
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A partir del siglo XVII cuando comienza a desaparecer la actuación enérgica, y
solo queda en pie la elegancia y la fluidez de los movimientos de los enamorados los
personajes payasescos no desaparecen sino que su actuación se adapta a la nueva forma.
Generando así, un personaje serio, hasta nostálgico, ya sin la grotesca máscara que lo
cubría, con prendas sueltas que seguramente acompañaban sus relajados movimientos.
En los personajes de Moliere se pueden encontrar varias similitudes con la
comedias del arte, por un lado estos, también, eran tipificados, de esta manera era más
sencillo ridicularisarlos. A pesar de que todos los personajes tengan algo de cómico y
que su actuación sea decorosa, siempre hay uno que queda ridiculizado más que los
demás ya sea los sus acciones caricaturizadas, sus diálogos o las situaciones que le
suceden. En el caso del Tartufo del Moliere, todos los personajes tienen su situaciones
cómicas pero en su mayoría producidas por el Tartufo cuya caracterización será llevada
al extremo. También las situaciones cómicas son muy parecidas a la de los lazzi, como
por ejemplo, en el Tartufo Orgon quiere casar a su hija con ese falso devoto quien
además es un anciano. En la comedia del arte los sucedía que los ancianos querían
casarse con las chicas jóvenes quienes no estaban para nada interesadas en ellos.
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Los vestuarios son los que se usaban la época, dado que Moliere representaba
personajes contemporáneos al momento en que vivía. Como solía representar sus obras
en la Corte, los vestuarios iban acorde al lugar de representación como resultado la
prendas de los actores tenían mucho detalle y color.
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En lo que se refiere a la arquitectura escénica, la comedia del arte se realizaba al
aire libre sobre un tablado de madera con un telón de fondo. Sin embargo las comedias
de Moliere se representan en un teatro con caja a la italiana en cuyo centro del lado del
espectador se encontraba el rey y su alrededor los demás miembros de la corte. La
arquitectura del escenario se encuentra diseñada según el estilo clásico, Grecia y Roma
antigua. En el escenario se ve el uso de bastidores en diagonal que forman una
perspectiva y en el fondo se ve un telón de fondo. Como es un teatro cubierto son los
candelabros en escena los que iluminan a los actores y debido a la poco luminaria y la
escaso poder que tenía el hombre ella, dado que no la podía mover ni enfocar, el
excesivo, pesado y peligroso maquillare de los actores se hace muy importante de
manera que puedan ser vistos a distancia.
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Produccion Actual:
Titulo: El Avaro
Año de estreno: Abril 2010
Dirección: Jorge Lavelli
Compañía: Entrecajas/Galiardo
Dispositivo escénico: Ricardo SánchezCuerda
Vestuario: Francesco Zito
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En esta producción de “el Avaro” del Moliere dirigida por Jorge Lavelli se
puede ver la utilización de elementos contemporáneos y del siglo XVII, trasladando esta
obra a la actualidad del espectador pero, al mismo tiempo, manteniendo, de alguna
manera, esa producción original de Moliere. Los trajes corresponden al siglo XVII, la
época conocida como Barroco, en la cual los trajes se caracterizaban por ser todo menos
austero. No es el caso de esta familia, la cual a pesar de estar bien económicamente
sufren privaciones por la avaricia de su padre. Por esa razón los vestuarios de los
personajes son simples y hasta parecen de gente pobre. La caracterización recuerda a la
manera en la cual se maquillaban los actores en esa época debido a los escases de luz.
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Solían llevar bases blancas y sus ojos y sus labios solían estar bien marcados para los
notaran a la distancia.
En cuanto a la escenografía se puede decir que no cumple con la forma de
representación de la época de Moliere pero sí que tiene una simbología barroca. La
escenografía consiste en una pared de fondo que parece de metal y unas puestas con
unos espejos del lado de adentro y de afuera por donde entran los personajes. La pared
de metal muestra, de alguna manera, la tacañees del padre, debelando un cuarto
totalmente frio y vacío que no muestra señales de ser un cuarto de una casa. Las puertas
espejadas que se encuentran sobre la pared no solo enseñan el reflejo de las cosas sino
que también esconde otras por detrás. Y el mismo espejo refleja la miseria del padre y la
forma en la hace vivir a sus hijos pero él no lo quiere ver y ve otra cosa.
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