ESCUELA PROFESIONAL DE EDUCACIÓN INICIAL
GUIA DE DANZA Y FOLKLORE
Ninfa Genoveva RAMOS CUBA
Carla Madeleyni CHAUCA APAZA
1º Edición – Enero 2012
Impreso en:
GRAFIC’S IMPRESION E.I.R.L.
Jr. Deustua Nº 243 – Puno
RUC: 20406061656
HECHO EL DEPÓSITO LEGAL EN LA BIBLIOTECA NACIONAL DEL PERÚ: 2012-07398
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DANZA
Se dice popularmente que no hay nada más difícil que
explicar lo fácil. En el caso de la danza, el dicho
resulta más que cierto ¿Por qué? Porque la danza es
considerada como una de las actividades más
complejas, una de las que presenta mayores
dificultades para que el teórico, el crítico, el
especialista y hasta el mismo danzarín o coreógrafo
ofrezca explicaciones e indicaciones fáciles y
comprensibles.
El ser humano siente la necesidad del desarrollo corporal y espiritual son
quienes practican habilidades y cualidades capaces de explorar toda clase de
movimientos y emociones, otorgándole una versatilidad verdaderamente única.
Las distintas formas en que es capaz de moverse el cuerpo constituyen la base
para la danza, junto con lo que siente el danzante y lo que transmite a quien le
contempla.
La danza se encuentra incluida en nuestro medio social, cultural y educativo; los
programas educativos toman a la danza como una asignatura más en los
diferentes niveles de educación, en los centros de enseñanza a nivel nacional y
mundial. Para ello es necesaria una definición funcional y aplicable para el
mayor número de casos.
CONCEPTO
La danza son manifestaciones y actividades artísticas más antiguas del mundo la
más humana de las artes (porque todos los sentidos se encuentran en plena
actividad). Y consiste en poner en movimiento el cuerpo humano, guardando
una relación consistente con el espacio, impregnado de significado al acto ó
acción de los movimientos efectuados, individualmente en pareja ó
colectivamente puestos al servicio de la belleza estética, en un determinado
tiempo y espacio.
IMPORTANCIA DE LA DANZA
Es muy importante porque requiere mejorar y desarrollar el cuerpo, sus sentidos,
la inteligencia, la sensibilidad, su humanidad, para el mejor desarrollo y
desenvolvimiento del ser humano llegando ser así un ente contribuyente para la
sociedad y nos ayuda a:
El desarrollo de la persona como ente social y racional,
El desarrollo Psicomotor del ser humano
La capacidad creativa, motivación, salud y belleza corporal
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ELEMENTOS DE LA DANZA
Dentro de los elementos de la danza mencionaremos ocho de ellos como los
clasifica Alberto Della quien lo detalla y explica claramente cada uno de ellos
estando muy de acuerdo con el arte de fa danza, y es como sigue:
1.- Cuerpo humano.
2.- Espacio.
3.- Movimiento.
4.- Impulso del movimiento.
5.- Tiempo.
6.- Relación luz y oscuridad.
7.- Forma ó apariencia.
8.- Espectador ó participante.
EL CUERPO HUMANO
A lo largo de la historia del hombre ha realizado diferentes movimientos a
quienes les ha calificado y registrado, copiado y ampliado. Pues el cuerpo
humano constituye la materia prima de la danza; los miembros órganos,
sistemas, sentidos, las partes y habilidades que la conforman resultan los
principales protagonistas para esta actividad pueda mostrarse. Puesto que el
cuerpo es el elemento fundamental e indispensable para la danza, como el color
a la pintura, el sonido a la música, etc.
EL ESPACIO
Cuando el cuerpo humano se encuentra en movimiento se prolonga al danzar
ocupando sucesivamente distintos puntos en un determinado espacio durante su
trayectoria para ello se requiere un escenario, espacio, ó lugar para la
representación de la danza. El escenario, el tablado de la plaza, el salón de baile,
las calles, el patio de la vecindad, la discoteca, el salón de fiestas, se manifiesta
este espacio real que el ser humano “llena” al danzar o bailar.
EL MOVIMIENTO
En este elemento nos referimos a la capacidad que surge a partir del no
movimiento o la inamovilidad (estatuas), da inicio al movimiento cuyo
fenómeno es la base de la realidad misma porque en el universo todo se halla en
movimiento, en la danza el cuerpo humano desarrolla diferentes movimientos
más comunes ya sea de desplazamientos, de giros, saltos, como también
diferentes movimientos propios de cada una de las extremidades, tronco, dedos,
cabeza, el rostro facial mostrando las gesticulaciones adecuadas para cada una
de las danzas, e incluso llegando a ejecutar contorciones y acrobacias difíciles
de desarrollarlos por una persona común.
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EL IMPULSO DEL MOVIMIENTO
(Sentido ó significado) Son movimientos propios de la danza y de los danzantes,
movimientos impregnados las expresiones y significado impulsados y motivados
por diferentes actividades cotidianas ya sea de vivencias, experiencias,
sentimientos o situaciones para mostrar estos mensajes expresados en el
lenguaje dancístico de acuerdo a los movimientos de la naturaleza de la danza
según al genero, lugar y época en que se desarrollen.
EL TIEMPO
Los movimientos del cuerpo humano poseen un ritmo ó tiempo interior, al
ejecutar una danza el período o tiempo que dura una interpretación se da en
partes iguales según la secuencia coreográfica del danzante ó danzantes. El ser
humano ha aprendido a especificar y a medir este tiempo total, al grado de haber
inventado, los segundos los minutos, las horas, los días, etc.
RELACION LUZ Y OSCURIDAD
La relación luz y oscuridad en la danza resulta primordial puesto que la danza al
ser apreciada por el espectador requiere de visibilidad, en algunos casos la
oscuridad, para así mostrar el mensaje que desee dar a conocer la danza, como
ocurre en la pantomima, porque toda pieza recibe los efectos de la combinación
de la luz y la oscuridad, en nuestros tiempos esta combinación es indispensable
para cualquier interpretación de danza.
LA FORMA O APARIENCIA
La danza es un arte visual antes que por cualquier otro sentido, la danza llega
hasta el espectador gracias a lo “aparente” por esta razón suele escucharse ante
una pieza de danza exclamaciones por ejemplo, “como baila parece que
estuviera en el aire” “parece un ave en pleno vuelo” ¿se sostiene en el aire?
“como quiebra su cuerpo” “son de goma” “cuentan con indumentaria original”,
“emplean mascaras y maquillajes”. Estas impresiones del espectador están
producidas por el sentido de la vista, Es por la forma lo que los ojos a simple
vista son capaces de captar.
EL ESPECTADOR O PARTICIPANTE
Todos los seres humanos se hallan vinculados al arte de la danza, no importando
su raza, religión, edad, procedencia, estatus social; esta vinculación del ser
humano con la danza, no importando que tipo de género practique. El danzarín
expresa sus movimientos para que así sea apreciado por los demás ¿Cómo
imaginarse una danza aislada del espectador? “La danza con el espectador se
hace completa y lo hace participe” pero a demás este espectador es testigo del
acto de la danza, es un ser humano susceptible de convertirse en participante que
llega a contagiarlo con el fenómeno que la danza produce; a su vez el espectador
ya participante da su juicio de apreciación estética en una obra de danza.
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PREPARACIÓN FÍSICA
La preparación física en la danza es muy importante puesto que es una actividad
física que requiere una debida preparación física antes de ejecutar una
interpretación de danza, tan igual como los deportes y quizá en algunos casos
mucho más exigido debido a la complejidad que la danza exige de acuerdo a su
forma, estilo, Genero, para ello mostraremos las diferentes acciones corporales.
1. FORMACIÓN FÍSICA Y BÁSICA
a).- Formación corporal: Desarrollo y perfeccionamiento del sistema óseo-
muscular. Formación del sostén, con especial referencia al logro de la
elasticidad y fuerza muscular por un lado y la
movilidad articular.
b).- Formación orgánica: Acrecentamiento de las
funciones respiratorias y de la nutrición del sistema
neuro-endocrino y del sistema nervioso.
c).- Alineación corporal: Relacionada con los tonos
musculares y la amplitud de las articulaciones para
asegurar una correcta alineación postural estática y
dinámica.
d).- Cualidades físicas: Con la fuerza, la velocidad, la destreza y la resistencia.
e).- Acrecentamiento de la salud: Que derriba de hábitos de la vida higiénica
(reposo, vida al aire libre, etc.).
2. EDUCACIÓN DEL MOVIMIENTO
a).- Se relacionan con el problema de la coordinación neuro-muscular.
b).- El juego de coordinación de diferentes grupos musculares, que integran la
denominada „sinergia‟ músculos protagonistas, que realizan el movimiento en
forma activa; músculos antagonistas, que regulan el movimiento; músculos de
acción intermedia, que aseguran la estabilidad y el equilibrio.
c).- Capacidad de percepción de espacio y tiempo.
d).- Perfeccionamiento de los movimientos que el danzarín conoce y la
búsqueda de nuevas experiencias motrices dentro del infinito mundo de
posibilidades que existe una relación espacio y tiempo.
e).- Educación del ritmo: Todo movimiento tiene ritmo y el movimiento se
consigue cuando el músculo esta educado.
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RENDIMIENTO
a).- Descubrimiento de las mecánicas corporales básicas y sus combinaciones.
b).- Desarrollo de las formas básicas del movimiento: caminar, correr, saltar, etc.
c).- Desarrollo de la capacidad para desarrollar estructuras más complejas.
d).- Concreción de resultados positivos.
e).- La satisfacción de ver el esfuerzo gratificado por logros de resultados.
f).-Autoafirmación a partir de la propia realización.
CREACIÓN
a).- Elaboración y búsqueda de la forma propia del movimiento.
b).- Capacidad de encontrar soluciones a la tarea que el maestro propone.
c).- Capacidad de crear combinando formas que el maestro ya ha enseñado.
d).- Participación individual y en grupos.
POSIBILIDADES DE MOVIMIENTOS
Las posibilidades de movimientos son infinitas debido que el cuerpo humano es
la maquina más perfecta del mundo, como un todo. Estimular a los danzarines a
utilizar el cuerpo como una unidad completa Puede constituir una apasionante
experiencia. Cuando se piensa en como introducir al danzante a este campo se le
ocurre a uno un montón de ideas. Existen dos métodos sencillos:
Primero, intentar estirar todo el cuerpo desde la punta de los dedos de las
manos y de los pies hasta la nuca.
Segundo la columna vertebral: Arquear adelante y atrás: doblar hacia un
lado y al otro ondulaciones y circunferencias.
Tercero, una relajación total. Poco a poco se podrán introducir otros
movimientos sencillos tales como estirarse, encogerse, saltar, dar botes,
elevarse, descender etc.
Estas distintas actividades pueden clasificarse en acciones básicas del cuerpo.
Para que el maestro (a) comprenda las posibilidades y muestre a sus alumnos
como pueden moverse y utilizar ese movimiento para expresará transmitir ideas,
mensajes a través de sus movimientos.
ACCIONES CORPORALES
Las acciones corporales que es capaz de realizar el cuerpo entero se descubre a
edades muy tempranas. Cuando la danza es el objetivo que se persigue, las
acciones tendrán que volver a determinarse con mayor claridad, y se podrá
añadir una mayor variedad
El cuerpo puede desplazarse, saltar, caerse, darse la vuelta y moverse sin
ninguna acción específica (normalmente llamada gesto)
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DESPLAZARSE
Existen numerosas formas de desplazarse, en las que diferentes partes del cuerpo
cargan con el peso del mismo y la transportan a uno de un lugar a otro.
Los pies se puede utilizar para dar pasos, produciendo la acción de
caminar, correrá distintas combinac3nes de ambas.
El andar a saltos ó brincos constituyen otras modalidades de
desplazamientos sobre los pies.
También se puede realizarla acción de dar pasos con las manos y los pies
produciendo e efecto de rueda de un carro ó hace que las distintas partes
del cuerpo soporten el peso unas detrás de otras.
Todas las partes del cuerpo pueden desplazarse sobre el suelo el cual
constituye el aumento de la variedad de los desplazamientos.
Las acciones de levantar y transportar cosas es posible realizarlas con éxito
cuando el danzarín trabaja en parejas ó en grupos dependiendo de las
dimensiones que sean. Se debe enseñar a utilizar correctamente las piernas y a
espalda para evitar lesiones cuando se cargue con el peso de otra persona.
La acción de desplazarse es por sí misma expresiva de muchas cosas. Puede
mostrar miedo al retirarse, alegría al salir al encuentro de alguien; pero entre
ambos extremos, existe una amplísima gama de posibilidades.
SALTOS Y CAIDAS
Para los danzarines son tan naturales os saltos y las caídas denotando una gran
expresividad dentro de su ejecución, estos pueden realizarse de mil maneras
distintas. Cabe utilizar los pies para “despegar” y “aterrizar” pudiendo hacerlo
juntos ó separados. La elección dependerá de la calidad del salto requerido, sí
debe ser simétrico ó asimétrico, fuertes ó suaves, pequeños ó grandes realizados
con una contracción ó con una extensión.
Así mismo en los saltos son posibles combinaciones de desplazamientos, giros y
gestos, así como saltos asistidos en el que es ayudado por otro a alcanzar una
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mayor altura bien elevada, convirtiéndose en una plataforma de donde el
danzante pueda saltar.
Los saltos pueden expresar alegría y felicidad ó temor, simboliza fuerza y
dominio ó la liberación de las ataduras de la gravedad cuando se emplea en la
danza.
El caerse puede indicar debilidad derrota ó depresión, por otro lado fuerza y
confianza en la proximidad del suelo.
GIROS
Los giros son rotaciones sobre su propio eje. Se puede realizar imitándose a
girar sobre los pies ó moviendo diferentes panes del cuerpo para que cargue con
el peso del mismo; por ejemplo, dando vuelta o rodando. Un giro puede ser una
revolución completa, una fracción de revolución o varias revoluciones. El
cuerpo puede abrirse o cerrarse sobre sí mismo y también cambiar de nivel Es
posible efectuar giros rápidos y lentos, simétricos y asimétricos, combinados con
los desplazamientos y saltos en donde forman la base de todos movimientos de
la danza.
Un giro puede expresar un cambio mental o un rechazo, pero también un
movimiento de búsqueda, inquietud. Sí se realiza en relación con otra persona u
objeto, significa un fuerte rechazo.
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EL GESTO
El cuerpo entero es capaz de “gesticular” utilizando extensiones y contracciones,
abriéndose o cerrándose. Las distintas partes del cuerpo pueden gesticular
independientemente de la misma manera, elevándose o descendiendo,
retorciéndose y girando, moviéndose, quebrándose o quietos. Así la danza puede
ejecutarse solo con las manos o con las distintas combinaciones de las partes del
cuerpo. Generalmente se hace en conjunción con otras actividades o intercaladas
con otras acciones.
Buena parte de los gestos utilizados en a danza son expresivos, puede extraerse
de las acciones de la vida cotidiana aunque transfiriéndolos a otras partes del
cuerpo aumentando o disminuyendo su amplitud o intensidad, a fin de ampliar la
variedad de expresión.
ESTILOS DE DANZA
La danza como educación debería ser una experiencia globalizada Algunos
estilos y tipos de danza exigen una habilidad o destreza especifica y no siempre
cabe esperar que el profesor posea unos conocimientos lo suficiente mente
profundos como para dominarlos; pero se le podría pedir a un experto que acuda
a la escuela o centro de enseñanza para dar un seminario o proyectar videos que
permitan a los alumnos observar esos distintos tipos y estilos de danza, damos a
continuación una breve explicación acerca de cada uno de dichos estilos.
DANZA DRAMÁTICA
Se trata con toda probabilidad del estilo más comúnmente utilizado. Por lo
general, implica contar con una historia recurriendo sobre todo al esfuerzo y a
las acciones, en tanto si el argumento se expone literalmente es decir, con
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personajes que se desenvuelven de manera abstracta por ejemplo las danzas
cómicas.
DANZA LÍRICA
Es otro estilo corrientemente utilizado, que pone mayor énfasis en los aspectos y
cualidades espaciales muy normales en la forma, le danza se convierte en la
parte más importante. Muchas veces, los danzantes más experimentados utilizan
una combinación de danza dramática y de la lírica, para contar con un máximo
do oportunidades creativas.
DANZA POPULAR
Muchos profesores están ya familiarizados con
algún tipo de danza popular, existen numerosas
formas de utilizarlas en los centros de enseñanza
para ayudar a conseguir la identidad y espíritu
comunitario en clases.
La nuevas danzas populares parecen difíciles de
aprender en algunos casos lo son: Es sumamente
importante y vital que en lugar de aprender paso a
paso de un libro, el profesor menos experimentado
vea u observe como danzan para luego practicarlo.
Pues es la única manera de darse cuenta del ritmo,
forma y carácter correcto de la danza. Existen numerosas sociedades que
estarían encantados de ayudar, apoyar enviando instrucciones o permitiendo a
quienes deseen conocer aun más la danza popular se integren a los grupos que
practican este estilo.
DANZA DE SOCIEDAD
Trata de un campo bastante menospreciado por algunos. No obstante hoy en día
cuando la presión del medio social que
influye sobre la niñez, juventud es para que
se adapten, sobre todo en público, es
importante enseñarles danzas o bailes
básicos que les sirvan de ayuda en la
sociedad.
Consiste básicamente de una combinación
de pasos y movimientos adaptados al ritmo
de la música mas características de nuestro tiempo, en algunos casos danzas
tradicionales bailes de moda que han sido captados por derecho propio, en las
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discotecas salones de bailes o fiestas sociales en donde se practican y exigen
tanto aprendizaje ya se simple o compleja empleando diferentes estilos de danza.
LA DANZA DEL “JAZZ”
Nació en Estados Unidos como baile de sociedad y ha llegado ha convertirse en
parte de los programas de danza en las escuelas, exactamente igual que la danza
popular o la de sociedad que llego a ser en Inglaterra. Que consiste básicamente
en el uso similar de pasos sincopadamente o no, pero claramente adaptados de la
actual música de “jazz” con sus numerosos cambios de tiempos y ritmos, que no
exigen los enormes conocimientos necesarios de movimientos más avanzados y
complicados que el ser humano pueda ejecutarlos.
DANZA TEATRAL
Este estilo de danza se ha considerado durante mucho tiempo
como el “pariente pobre” de las demás modalidades de danza.
Pero, en los últimos años, el teatro y el cine han producido
algunos de los mejores ejemplos de danza creativa con un gran
avance o ruptura.
Hubo una época cuando se utilizaba con fines puramente
decorativos en el que la danza teatral tenia un valor muy
limitado; pero actualmente la danza en el teatro o el cine se apoya en estilos
sumamente variarlos y con frecuencia recurren a coreógrafos de ballet clásico o
moderno, a fin de lograr mayor sentido e importancia.
El valor de este tipo de danza en las escuelas radica no solo en desarrollo o
avance del niño sino también en el mayor placer en experimentarla,
practicándola desde las obras escolares hasta las producciones teatrales basadas
únicamente en a danza o baile.
EL “CLAQUE” Se trata de una rama de la danza teatral que exige una mayor
habilidad específica: pero en un sentido limitado puede resultar divertida de
practicar, Si existe en la escuela o centro de enseñanza un elenco de danza con el
profesor experto para la enseñanza de este tipo de danza.
DANZA RELIGIOSA O LITURGICA
En el centro de enseñanza se podrá encontrar siempre la
oportunidad de danzar o representar la danza como
forma de adoración o como expresión de una creencia o
sentimiento religioso. La mayoría de las religiones
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poseen una larga tradición danzante y se presentan a ser interpretadas,
expresadas a través del movimiento.
Se podrá recurrir para ello a todos los estilos de danzas anteriormente
enumerados: la danza Lírica para adoración o culto, la Dramática para contar
historias o dramas religiosos, mientras que la Popular, Sociedad del Jazz y la
Teatral pueden desempeñarse también en un determinado papel dentro de este
tipo de danza. No obstante, habrá que estudiar cuidadosamente el tema y
procurar respetar en todo momento los sentimientos de los creyentes.
Normalmente, cuando se hacen las motivaciones adecuadas y se ejecutan
debidamente, llegan incluso los más feroces críticos de la danza religiosa o
litúrgica se sientan profundamente impresionados.
GÉNEROS DE LA DANZA
Para observar, estudiar, investigar y analizar a la danza ya sean antiguas,
recientes o actuales es indispensables localizarlas en cuanto a sus características
“maneras de aparecer” y los cometidos sociales, estéticos que voluntaria o
involuntariamente cumplen los requisitos necesarios para la danza, luego hacer
la división por grupos de danzas a las cuales las llamaremos GENEROS.
Debemos entonces clasificar a las danzas según parámetros distintos pero
específicos, los cuales nos permitirán localizarlas en el pasado o en el presente,
observarlas y examinarlas en la realidad concreta de una manera certera y
determinante. Según los grupos sociales que producen y realizan e arte de la
danza o quienes experimentan cada pieza de danza completa según los
siguientes géneros.
Las danzas que las encontramos con raíces natas propias y muy antiguas se
dividen en:
A. Danzas autóctonas
B. Danzas populares
A su vez, las danzas populares, según provengan, realicen en el campo o en la
ciudad se subdividen en:
a. Danzas folklóricas o regionales
b. Danzas populares urbanas
Al considerar las técnicas elaboradas y asimiladas, aceptadas dominadas
mundialmente para que los bailarines se adiestren y puedan convertirse en
profesores o especialistas surgen los siguientes géneros:
a. Danza clásica
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b. Danza moderna
c. Danza contemporánea
La misma evolución histórica del ene de la danza indica, que el ser humano
busca y encuentra OS lugares adecuados para realizar sus danzas
DANZAS AUTÓCTONAS
Se trata de aquellas danzas que aún se
practican en muchas comunidades del
mundo y se han conservado durante varios
siglos o un periodo de tiempo considerable
sus elementos originales pasos, ritmos,
trazos corógrafos, rutinas de montaje o
interpretación, desplazamientos, actitudes,
vestimenta, música, maquillaje,
implementos auxiliares, escenografía, tratamientos de espacios, etc. por tanto
son danzas que ejecutan los descendientes de las más antiguas culturas y
civilizaciones: Incas, Hindúes, chinos, Japoneses, mexicanos, Árabes, Africanos,
etc. son danzas que han alimentado o servido de base a otros géneros y
modalidades de danza ya sean populares y teatrales pueden denominarse
también danzas tradicionales, porque son parte del acervo cultural de un pueblo
que lo identifican desde hace mucho tiempo y forman parte del que hacer
cotidiano.
DANZAS POPULARES
El enorme campo de la danza a nivel
mundial las danzas populares representan el
sector más amplio vivo y repetitivo de este
arte. Poseedor de un impulso natural, casi
intuitivo para danzar, individualmente o
colectivamente, se ve impedido a unirse a
sus congéneres para celebrar, festejar, representar y narrar los hechos de su
existencia por medio de los movimientos del cuerpo en el espacio. Así podemos
observar a cualquier comunidad o núcleo social crear danzas que la caracterizan,
sino que la organización del “evento” une a sus integrantes reuniéndose.
El primer lugar la actividad de danza puede convertirse en el punto de
convergencia social: los grupos humanos se reúnen expresándose al danzar
porque requieren de organización que apoyen el intercambio de la amistad,
solidaridad en general. Sin embargo los grados y maneras de la creatividad
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colectividad, a lo largo de la historia, expresan características y aspectos
generales que se han visto afectados profundamente por las formas de vida. Por
ello, según las danzas populares decaigan o se efectúen en el campo o en la
ciudad adquirirá los nombres de danzas folklóricas o regionales y danzas
populares urbanas.
DANZAS FOLKLÓRICAS O REGIONALES
A diferencia de las danzas autóctonas las folklóricas
o regionales expresan directamente las actitudes
existentes, las formas de vida y de organización, las
ideas morales y religiosas de unión compacta más
recientes. Se considera que en los espacios del campo
agrícola con nombres propios existen rutinas de
danza que tienden a repetirse.
Así mismo, as formas de danza que surgen son de
índole directa, elemental en cuanto que relatan
literalmente los hechos, figurativas al grado reducido de complicación de sus
figuras sencillas, con respecto a sus anécdotas y mensajes demostrando de
manera directa. Asimismo las danzas folklóricas y regionales tienden a ser bailes
por la comunidad entera,
Las danzas regionales responden directamente a la idiosincrasia de la comunidad
que las hace existir. En ellas se expresan no solo como ya lo hemos explicado, la
cultura del cuerpo propia de cada región sino también otros aspectos de manera
de ser de sus habitantes. Por ejemplo los hábitos de vestir, él comer, su sentido
de ritmo, sus nociones de belleza, incorporando anécdotas propias, historia, en
algunos casos imitando los movimientos de los animales de la zona reproducen
obras literarias, fábulas mitos y supersticiones locales. En todas ellas se
incorporan notablemente los ritmos, los tipos de música, los instrumentos
musicales que se incorporan.
DANZAS POPULARES URBANAS
El proceso de urbanización a lo largo de la historia ha
dejado su huella en todas las manifestaciones del arte:
la danza no podía desligarse del fenómeno. Expresión
directa de formas de vida y de organización, la danza
ha ofrecido una vía de acción que a veces va más allá
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de lo artístico para todos los tipos de ser humano, todas las ciases sociales, todos
los tipos de agrupamiento.
Las danzas populares urbanas son aquellas nacidas en el seno de las ciudades,
han surgido a partir de los impulsos colectivos de sectores sociales oriundos de
la urbe o aclimatado a los sistemas de vida urbana
Tal vez por razones de participación y reproducción de actitudes, ritmos y
rutinas en la esfera citadina se generan con mayor facilidad “ideas de danza”
originales más complicados y más complejos. Por otra parte el ámbito urbano
sobreviene con mayor efectividad y rapidez un fenómeno de combinaciones,
desplazamientos movimientos de rutina de danzas, toda vez que esta actividad
de trabajo lo toman profesionalmente en la sociedad.
Además de “pegajosas” las danzas populares urbanas resultan ingeniosas,
complicadas. No es fácil trazar la línea de origen, de la trayectoria coreográfica
musical de algunas modalidades, francamente son abstractas, simbólicas o
culturalmente “inesperadas”. Los trazos en el espacio constituyen alardes de
eficiencia en la danza y son resultados de una expresividad propia de virtuosos
de valoración a la danza popular urbana.
LA DANZA CLÁSICA
Denominamos danza clásica a la modalidad Europea
surgida y asentada de manera codificada durante el siglo
XVII. Como hemos visto ningún género o tipo de danza
se halla alejado de la cultura del cuerpo, en el caso de la
danza clásica los vínculos entre las danzas populares ya
“exteriores”, “teatrales” y los medios de la nobleza
inclinados a ejercer la actividad de la danza resultan
amplios y notables.
El origen cortesano de la danza clásica radica en el
hecho de que se trataba de divertir a entretener a la
nobleza con prácticas de danza accesibles. La danza era
una diversión programada, atractiva y fina; requería de
disciplina y atención, en la corte francesa se organizaban mascaradas,
pantomimas y bailes que exigían la presencia de “maestros” y coreógrafos.
En la actualidad el género se ha ampliado, los alcances de sus temas, podemos
apreciar las características de su lenguaje, no obstante que los bailarines en el
escenario se hallan vestidos como cualquier mortal del siglo XX describiendo
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situaciones cotidianas. El ballet clásico contemporáneo será aquél que se realiza
dentro de los cánones del lenguaje clásico pero que trae a colación temas de
corte actual.
LA DANZA MODERNA
Al finalizar el siglo XIX como ocurrió con las manifestaciones artísticas,
muchos bailarines coreógrafos comenzaron a cuestionar la vigencia y la
operatividad de la danza clásica. En una busque da de códigos más accesibles,
naturales y lógicos que concordaran con la cultura del cuerpo intencionalmente
observada, surgen a bailarines y corógrafos innovadores tanto en Estados
Unidos como en Europa.
La danza no podía permanecer al margen de las
grandes transformaciones que por aquella época
se llevaban a cabo social y culturalmente en todo
el mundo. Las técnica los es y las escuela de
danzas modernas impulsan un alejamiento total
de la danza clásica tanto en lo formal como en
los sistemas de adiestramiento. Esta razón
influye en la aparición de un nuevo lenguaje de
danza que será aceptado rápidamente por las nuevas generaciones a partir del
primer decenio el siglo XX.
La diseminación de una nueva cultura del cuerpo más libre, más universal, atrae
a jóvenes y niños. La danza moderna abría posibilidades múltiple hasta ese
momento ignoradas Mediante sus propias sensaciones los aspectos de la danza
pueden percibir que muchas de las posibilidades expresivas del cuerpo se
hallaban dormidas o inhibidas, que la danza puede asomarse a todos los rincones
del mundo para nutrirse.
Sin embargo podemos apuntar algunas características: El apoyo del cuerpo se
halla en su interior, la expresividad del rostro y partes del cuerpo es simultanea y
hace completos a los movimientos, el cause de la energía a través del cuerpo es
fluido y libre, se utiliza todo el espacio, se reconoce el suelo como parte del
espacio comienza a romperse el figuratismo mediante la expresividad hombres
y mujeres.
LA DANZA CONTEMPORÁNEA
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Los acontecimientos mundiales, los avances
de la ciencia y la tecnología y el de venir
propio de las manifestaciones artísticas
impidieron que los ofrecimientos de la danza
moderna permanecieran estáticos inmóviles.
La danza contemporánea comienza a
realizarse en azoteas aeropuertos, vestíbulos
de edificios públicos, gimnasios, etc. Pero
sabemos del enorme éxito, desde la
aparición de la danza, de las prácticas
colectivas en el campo abierto, en calles y
plazas.
En cuanto en la preparación profesional de
los artistas ha quedado referida al aprovechamiento de las técnicas asentadas y
reconocidas del mundo de la danza moderna, en la cultura del cuerpo se
estudiaron las formas de alimentación, se universalizaron las practicas de las
artes marciales y el deporte, se descubrió la necesidad ineludible del ejercicio
físico en todas la edades del ser humano. Se amplio el espectro de la
expresividad corporal y sexual, se reconocieron la eficiencia de la seguridad de
los tratamientos didácticos y terapéuticos por medio del ejercicio físico y el arte
dala danza.
Se revaloraron las actividades de1 origen ritual y mítico, esta verdadera ola de
descubrimientos y cambios de criterios hizo productiva la divulgación de las
danzas populares urbanas de la cual han surgido, en todos los países del mundo
ritmos, modalidades, estilos, obras y ejecuciones que apuntan a lo que será la
danza. Todo tipo de danza del futuro: Experiencia colectiva en la que se
salvaguarden los valores y expresiones directamente humanos de la especie.
METODOLOGIA Y ESTILOS DE ENSEÑANZA
La elección de estilos, métodos de enseñanza depende del objetivo que uno
tiene, los estilos y métodos no son excluyentes sino acciones complementarias
para hacer mucho más eficaz y práctico para la enseñanza de danza y tenemos
los siguientes:
INSTRUCCIÓN DIRECTA.
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Existe un modelo de referencia que los alumnos intentan imitar y realizar lo más
similar y fiel. El alumno apenas toma decisiones, Es uno de los estilos
apropiados para la enseñanza de técnicas de danza y de bailes. El profesor puede
hacer una descripción de la tarea de manera global si se analiza esta técnica
resulta un tanto compleja y difícil al tratar de imitar. Es recomendable e
importante la demostración en el lugar donde se sitúa el profesor al colocarse
frente a los alumnos facilita la precisión al demostrar y realizar el acto de la
danza. El empleo de espejos facilita información constructiva, especifica,
descriptiva y positiva (a través de correcciones). A continuación propondremos
aspectos metodológicos de la instrucción directa como propuestas de
organización.
ORGANIZACION LINEAL.- El modelo se coloca frente al grupo de clase.
Entre los alumnos existe orden, buena visibilidad, alternancia de los
componentes (cambio de la fila de atrás a adelante que permite observar al
modelo a seguir). Esta propuesta facilita un gran número de repeticiones.
ORGANIZACIÓN POR OLEADAS.- Si lo posibilita a dimensión de la sala
se trabaja con movimientos que implique desplazamientos entre los alumnos se
establece un orden de filas situados frente a un grupo de referencia
(generalmente en el espejo). Esta propuesta facilita la reflexión de la ejecución
entre repeticiones.
ORGANIZACIÓN EN DIAGONALES.- Permite la observación entre
compañeros y facilita información específica a cada alumno. Se recomienda
hacer un número mínimo de dos diagonales por alumno.
ORGANIZACIÓN LIBRE.- Facilita el trabajo en formas y jugadas, puede
existir o no el punto de referencia. Cuanto mayor se a la complejidad del
movimiento, más simple tienen que ser las reglas a manera de jugadas. Las
formas jugadas pueden ser individuales en pareja en grupo (el tren propuesta
libre y con una fase organizada donde se va enganchando el grupo), El objetivo
es el aprendizaje de una propuesta coreográfica priorizando la sociabilización y
la comunicación.
PROPUESTA PARA EL DESARROLLO DE UNA DANZA CREATIVA
Cuando los alumnos toman iniciativas al utilizar movimientos de algún
significado personal. Se emplea la vivencia a través de la experiencia del
aprendizaje, los alumnos efectúan movimientos propios de sus ideas,
sentimientos y expresión para dar sentido ala realidad.
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El método que más se utiliza en la danza creativa es a través de la combinación
compleja de imágenes que responden a un tema planteado de sus cualidades
personales. El profesor debe ser muy receptivo a las propuestas, favorece un
buen clima y la libertad en el aula,
Aspectos metodológicos de la enseñanza mediante la resolución de problemas,
seguidamente haremos una propuesta en dificultad de este método:
1º FASE.
- El profesor: Elige la música.
- Grupos (entre 4 a 6 personas): Se les pide propuestas de movimiento.
Realización de frases en grupos reducidos.
- Profesor: Selección de frases y creación de series.
- Grupo: Escucha la música.
- Profesor: Da recomendaciones de movimientos y espacio.
- Grupo: Realizan las frases sin música y luego con música.
2º FASE.
- Profesor: Propone una coreografía.
- Grupos: Les propone realizar estas dos series.
- Profesor: Propone distintas músicas.
- Grupos: Realizan la coreografía completa tantas veces sean.
- Grupo: Observa el proceso de la realización inicial al final.
3º FASE.
- Profesor: Asigna tareas reflexivas para construir frases.
- Grupos: Elaboran composiciones.
- Profesor: Elaboran composiciones.
- Grupo: Organiza entre sí las composiciones.
- Profesor: Selecciona el orden de las composiciones a a música.
- Grupos: Todos realizan la coreografía.
4º FASE.
- Profesor: Divide a la clase en tres grupos y propone la creación de una serie
por grupos.
- Grupo: Enseña a otros grupos su propia serie.
- Profesor: Une las tres series y establece la organización y evolución espacial.
- Grupo: Realizan la coreografía completa.
5º FASE
- Grupos (reducidos de 3 a 4 componentes): Realizan dos series que se enseñan
entre sí.
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- Profesor: Propone la música.
- Alumno: La organización que debe realizar cada grupo con su serie es decir
debe pasar por el rol del profesor.
6º FASE.
- Profesor: Propone realizar en grupos reducidos una coreografía en su totalidad.
E. profesor se convierte en un orientador del proceso de enseñanza y
construcción, resolviendo dudas y realizando arbitrios.
SESIÓN DE APRENDISAJE
Se define como a la secuencia de actividades organizadas de manera coherente
en función del grupo de clase, del tiempo disponible y demás intenciones
educativas definidas.
ASPECTOS IMPORTANTES PARA CREAR DANZAS CON LOS NIÑOS
Tener paciencia. Los niños no son iguales y a la hora de bailar las
diferencias se van a notar más, sobre todo si se trabaja con niños pequeños.
Hay niños más torpes que otros; unos tienen buenas condiciones físicas pero
no tienen musicalidad o al revés; otros son muy expresivos pero son
incapaces de llevar el ritmo; otros son cohibidos, etc.
Motivar al niño. No a todos los niños les gusta bailar. Muchos piensan que
hacen el ridículo, que no se les da bien, etc. Hay que animarles; decirles que
lo están haciendo mucho mejor y que se den cuenta de la importancia que
tiene cada uno dentro del baile. Los niños se motivan más si su baile
representa un trocito de una historia. Se les debe contar la historia,
explicarles bien lo que ellos van a representar dentro de ella, ponerles la
música que van a utilizar, y que expresen cada uno como quiera cómo
representaría su papel.
Crear un buen ambiente. Es importante que el niño se sienta cómodo y que
se divierta con lo que va a hacer. La danza ayuda a crear compañerismo. Uno
es tan importante como el otro. Se deben hacer cambios de pareja, ya que no
sólo sirve para que se acostumbre a bailar con cualquier compañero, sino que
ayuda a relacionarse con todos los demás. Siempre se deben evitar las
comparaciones y no despreciar a ninguno a la hora de bailar. Todos son
importantes, aunque sólo haya 1 o 2 que hagan el papel principal.
Aprenderse la danza y la música. Deben aprenderse tanto el ritmo de la
música como el baile y expresiones corporales que requieran dicho baile. Es
necesario que presten atención para saber exactamente cuándo tienen que
aparecer en escena, cuándo tienen que desaparecer, cuándo tienen que
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quedarse quietos, etc. Es aconsejable colocar delante a algún niño que se
aprenda bien el baile y que tenga buen ritmo, pero hay que evitar que
siempre sea el mismo niño y procurar que no siempre sean los mismos los
protagonistas. Para el día de la representación, tienen que tener muy claro
que no deben distraerse con el compañero, ni con el vestuario, ni con los
decorados, ni con el público. El montaje de una coreografía que requiere un
gran esfuerzo y trabajo por parte de todos, puede estropearse por la
distracción o falta de atención de cualquiera.
Posición del cuerpo. Si queremos que las danzas queden más v atractivas,
debemos procurar que los niños:
- Mantengan el cuerpo erguido con naturalidad; enseñarles a
contraer estómago y los glúteos.
- Las piernas deben estar giradas hacia los lados o rectas, pero nunca
para dentro.
- Las piernas deben estar estiradas y los brazos alargados para hacer
cualquier movimiento.
- No mirar al suelo; la cabeza erguida y ¡cuidado con las muecas!
- La respiración debe ser rítmica y normal.
CLASIFICACION DE DANZA A NIVEL NACIONAL
Las danzas de nuestro país vienen siendo clasificadas por las tres grandes
regiones
- Danzas de la costa
- Danzas de la sierra
- Danzas de la selva
Como también en:
- Danzas del norte
- Danzas del centro
- Danzas del sur
Encontramos diferentes clasificaciones según los diferentes autores que vienen
haciendo algunas notaciones desde su propio punto de vista.
CLASIFICACION DE DANZAS DEL DEPARTAMENTO DE PUNO
Por la gran diversidad de danzas folklóricas existentes en el departamento de
Puno, que siempre ha sido un desafío para los estudiosos de la danza, se ha
tratado de clasificarlas desde diversos puntos de vista:
Según el autor Luis E. Valcarcel
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Danzas nativas de origen pre colombino: Danzas Aymaras,
Aymatha (-ña), Sokhata (-ña ), Apal apaltatha (-ña) etc. estas
danzas ya no existen.
Danzas extranjeras asimiladas durante el virreynato.
Danzas nativas surgidas bajo el dominio español.
Danzas originadas durante la república, todas en variada mezcla de
ritos paganos y católicos.
Según el profesor Félix Paniagua Loza
En su libro “Glosas de Danzas del Altiplano Peruano”
- Danzas Cordilleranas. Son danzas de expresión telúrica del espíritu vivo
del aymara ejemplo la kullawada, k‟ajelo.
- Danzas de Cazadores. Danza que contribuye a las actividades como el
chaco de los animales, la trasquila de los camélidos andinos que son
actividades esenciales del pastoreo ejemplo los Choquelas, Llipi pulis
- Danzas de Pastores. Danza generalmente lenta que vienen de las
actividades de pastoreo ejemplo los Llameritos decanteria, la Llamerada.
- Danzas Agrícolas. Danza que nacieron y se desarrollaron simultáneamente
con el proceso de domesticación de la papa la quinua y de los camélidos,
vinculados estrechamente con el proceso de la producción y la
transformación de la naturaleza ejemplo los Satiris, Llamalluris, Tarpuy
- Danzas Carnavalescas. Que son muy conocidas y muy practicadas por la
mayoría de los pueblos, que se producen en forma tradicional y que también
comprenden los mitos, las leyendas que obedecen a las manifestaciones de
alegría, regocijo en homenaje a la chacra en flor como tributo a la
fecundidad de la generosa madre tierra ejemplo diversos carnavales de cada
una de las zonas o pueblos que a ejecutan como el carnaval de Ichu.
- Danzas Matrimoniales. Son expresiones líricas del entusiasmo que exalta a
todo ayllu o comunidad. El Casarasiri es una danza ejecutada luego de un
casamiento a donde concurren familiares, amistades y vecinos de los
diferentes pobladores con alegría popular ejemplo el Tumpay, Casaracuy,
Casarasiri
- Danzas Satíricas. Tienen su origen y surgimiento a partir del coloniaje y
posteriormente por a clase dominante las que olvidaron las buenas
costumbres inspiradas en el respeto de la sátira, protesta o burla a los de la
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clase opresora explotadora o que cometen abusos ejemplo Achachi cumu. El
Auqul auqui, Machutusuc.
- Danzas Guerreras, Son danzas dinámicas, ágiles en las cuales existen
enfrentamientos sucedidos entre uno y otro grupo social en las cuales se da
el hecho del convencimiento de la existencia de lOS más fuertes y los más
débiles ejemplo los Incas, los Collas.
- Danza de Sicuris. Danzas en donde los integrantes ejecutan la música y
coreografía paralelamente con el famoso instrumento llamado el Siku o
zampoña por ejemplo Sicuris de Amantaní, Taquili y Wayra marka.
- Danzas Mistificadas. Son aquellas danzas que han sido insertadas
combinadas diferentes aditamentos formas de vida costumbres de dos a mas
culturas mezcladas en la danza.
Según Pierre Verger
Las 147 danzas puneñas fotografiadas, las clasifica por su contenido y
significado en la siguiente forma:
- Danzas religiosas: Ayarachi.
- Danzas totémicas: Ukuko, Kusillo.
- Danzas Guerreras: Chunchos de Yahuarmayo, Akorasi.
- Danzas gremiales: Arrieros, Pastores, Llameros.
- Danzas Satíricas: Tucumanos.
- Danzas Regionales: Chunchos, Qollas.
- Danzas importadas de solo diversión: Tika kaswa.
- Danzas agrícolas: Carnavales y sus variedades. Danzas de recorrido:
Pandillas.
Según el Dr. Efraín Morote Best
- Danzas de Recorrido: especie Carnaval
- Danzas burlescas: especie Pantominos
- Danzas Pastoril: especie llameros Danzas Agrícolas: especie Tarpuy
- Danzas Grotescas: especie Diablada
Según el autor José Portugal Catacora
- Por las zonas de habla Quechua y Aymará.
- Según el proceso Histórico: de raíz aborigen y las creadas durante la
colonia.
- En función del proceso cultural: Aborígenes y Mestizas.
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EL ARTE DE LA COREOGRAFÍA
Este arte es muy importante para la danza y que; Consiste en diseñar y montar el
movimiento de los cuerpos de los bailarines en el espacio, el cual habrá el de
realizarse en un lapso especifico que se denomina obra o pieza coreográficas. El
montaje incluye el establecimiento de las relaciones adecuadas entre el
movimiento y los demás ingredientes visuales, rítmicos y auditivos. Resulta un
arte muy difícil si se considera dos circunstancias básicas:
1) Cualquier acción de danza aún improvisada o espontánea, individual o de
grupo “genera” automáticamente una coreografía.
2) El coreógrafo desempeña el papel de organizador de todos los elementos
de una pieza u obra de danza por esta razón manifiesta lo que quiere
expresar, crea su propia obra.
COMPOSICIÓN COREOGRÁFICA.
Al componer coreografías para las danzas o bailes resulta un procedimientos de
elección y combinación de acciones motoras, para elaborar secuencias de
movimientos que poseen una lógica interna y que se denomina frase de
movimiento entre secuencias y figuras coreográficas lo que pueden ser
combinadas entre si. Este es un proceso técnico de construcción de coreografías.
SECUENCIA COREOGRÁFICA
La serie de movimientos que se desarrollan al momento de danzar o bailar
generan automáticamente una secuencia coreográfica siempre en cuando estos
movimientos deberán de estar al ritmo, melodía y armonía musical de un
compás o de todo un tema musical de la danza que se ejecuta, a esto es llamado
también como (pasos o secuencia coreográfica).
FIGURAS COREOGRÁFICAS
Al ejecutar una secuencia coreográfica el danzarín o danzantes deberán mostrar
el mensaje de la danza que ejecuta, transmitido mediante los movimientos
propios o colectivos efectuados de manera sincronizada las secuencias y
desplazamientos al momento de danzar, desarrollando diferentes figuras
empleando sus cuerpos en el espacio, y ser observado de diferentes perspectivas
del escenario en que se danza, ya sea en un medio natural, al aire libre,
explanada, estadio, coliseo, teatro etc. Para así mostrar el mensaje de la danza al
ser apreciados por el público espectador la obra de danza que se disfruta.
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Las figuras coreográficas se efectúan según al género y mensaje al cual es
interpretada la danza las más comunes en toda danza son: los círculos su
significado es la reunión, filas su significado son los pasacalles, bloques su
significado es la disciplina y orden.
SINCRONIZACIÓN COREOGRAFICA
La acción de danzar implica una sincronización en los movimientos de los
danzantes, cada una de sus partes del cuerpo de los danzantes tenga que estar tan
iguales con los demás integrantes en cuanto a sus movimientos, pasos y
desplazamientos, siendo de manera igual y al mismo tiempo con todos los
demás interpretes de la danza.
COREOGRAFIA
La palabra coreografía proviene del griego, que quiere decir “El que escribe la
Danza”, este concepto se utilizó en los siglos XV y XVI, en los albores de la
Danza Clásica.
A través del tiempo con el desarrollo de los diferentes estilos de danza, la
palabra coreografía es definida, como la composición artística de la danza, que
engloba tanto.
Al técnico que escribe la danza. Al artista compositor.
El Coreógrafo
Esta denominación designa, al artista compositor de la danza, debemos de
entender que la más grande aspiración en las personas que realizan algún tipo de
arte es llegar a la composición, a la creación individual propia, que refleje las
aspiraciones y concepciones de la persona desde su particular punto de vista.
En su primer paso hacia la creación, el coreógrafo se inspira en una obra
literaria, musical o pictórica, para componer un tema danzante, que estará
vinculado con la obra inspiradora.
Condiciones de un coreógrafo
Ser extrovertido
Ser sensible frente al ser humano
Ser observador en potencia
Capacidad para captar y retener una forma total
Tener sentido dramático
Tener sentido de lo adecuado (discernir)
Tener una visión aguda y el oído sensible
Habilidad, presteza e ingenio.
Tener criterio.
Valerse del lenguaje.
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Conocimientos del coreógrafo
Conocimiento del cuerpo.
Tener conocimientos musicales.
Conocimiento sobre el dibujo.
Conocimiento de práctica escénica.
Conocimiento de la historia del arte.
Conocimiento sobre vestuario.
Conocimientos sobre luminotecnia.
Conocimientos sobre la danza en general.
La Dinámica
Es el ingrediente que da sabor e interés a la danza, en el movimiento lo suave y
lo fuerte, se piensa en la dinámica como una escala que va desde la consistencia
de una gelatina al acero más fuerte, con infinitas variaciones,
Lento, suave, con fuerza.
Rápido, suave, con tensión
Moderado con poca fuerza
Lento suave sin tensión, etc.
La dinámica es el nervio de la danza y no debe de ser ignorada
La motivación
El movimiento sin motivación es inconcebible, la motivación es el impulso
consiente de la persona que da origen al movimiento en una danza.
Es la manera como preparamos psicológicamente a los danzarines para que se
puedan desempeñar de la mejor manera en la ejecución de las coreografías
La música
En coreografía no toda música se presta para la danza y podemos resumidas en
tres.
Melódica (Dulce, suave).
Rítmica (Orden acompasado, armonioso, proporcional).
Dramática (Tensa, apasionada, conflictiva, conmovedora)
Debemos pensar en la danza como un personaje que siempre anda en pareja a la
par y no sentir a la música como un patrón o amo.
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El Tema
El tema constituye una de las partes fundamentales del arte de la danza,
principalmente para el coreógrafo, es a base de inspiración que tiene, y puede
ser originada de diferentes fuentes.
El diseño
Es el arte de crear composiciones corporales individuales y en grupo, con una
persona o un conjunto de bailarines y distribuirlos en un escenario.
Clases de diseño:
Simétrico (Tranquilidad reposo sobriedad – equilibrio).
Asimétrico (pugna estímulo conflicto fuerza)
Estos dos tipos de diseño, pueden ser:
De sucesión.
De oposición
Escritura de la Danza
Escribir la danza es definir en el tiempo y en el espacio, por letras, cifras y
signos apropiados, una sucesión de actitudes del cuerpo que permitirán la
reconstitución de un tema danzante.
Son dos las preocupaciones principales que están vinculadas con la definición de
la danza en el espacio:
Orientación y colocación del cuerpo con respecto al público.
Posición del bailarín en escena.
DOMINIO DE ESCENARIO
Dentro de la danza el dominio de escenario es muy importante puesto que toda
danza debe de mostrarse e interpretarse empleando el espacio escénico
adecuadamente.
Espacio Escénico
Se ha definido al espacio escénico, como un rectángulo que esta dividido en un
cierto número de cuadrados, asignándoles a cada uno de ellos una
denominación, que evitará confusiones, cualquiera que sea el modo de división
adoptado.
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Los desplazamientos que cubren la parte central o medio del escenario en
profundidad serán designados por a letra M, seguida de un número que indicará
el alejamiento del frente de la escena, Mi, M2, M3, M4. M5, M...
Los cuadrados de la derecha y de la izquierda se identificarán con las letras D
(derecha) y I (izquierda) y se complementarán con la sucesión de letras
minúsculas a, b, c, d, e..., que mostrarán el alejamiento o colocación de los
bailarines con respecto al medio del escenario, y los números 1, 2, 3, 4, .5..., que
indicarán las posiciones en profundidad con respecto al público.
Estas indicaciones se escribirán en el interior del círculo, en el costado opuesto
de la flecha.
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El espacio escénico en teatro
Es el lugar especial donde los alumnos de danza realizan sus coreografías, es el
sitio primordial del teatro donde los danzarines o elencos, representan una obra
de danza.
EL ESCENARIO
En este diseño, podernos identificar cuatro partes fundamentales por razones
didácticas:
El foro: que viene a ser el fondo del escenario. El espacio escénico: espacio
donde se desenvuelven las coreografías de danza. El proscenio: Es el sector del
espacio escénico que esta más cerca del público.
Esquinas: o cuatro verticales, dos del foro y dos de la embocadura.
En base a estos elementos, nosotros podemos dar valor al escenario, para que
sirva de una manera eficaz al coreógrafo y sus danzarines
El Centro del Escenario
Es el lugar más fuerte del espacio escénico, esto se define así por la confluencia
de innumerables líneas imaginarias que confluyen al centro ce nuestro espacio,
que son percibidas de una manera inconsciente por los espectadores.
Lugares fuertes y débiles del es escénico
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Proyecciones en el espacio escénico
Viene a ser las direcciones de movimiento que se pueden ejecutar en el espacio
escénico (Las más recomendables, por prioridad).
El movimiento directo, donde avanza el personaje del fondo (foro), hacia
la embocadura o proscenio.
El movimiento en diagonal.
El movimiento de costado, de derecha a izquierda y viceversa.
El movimiento en círculo.
COREOGRAFIA PARA HACER CON LOS NIÑOS
Las coreografías que aquí se exponen son creaciones propias. Algunas están
basadas en coreografías del ballet clásico pero adaptado a las diferentes edades
de los niños, teniendo en cuenta que los que van a participar no son especialistas
en danza.
La mayoría de las coreografías están compuestas de diferentes bailes, y en cada
baile se especifica la edad a la que va dirigido, el argumento de ese baile, el
vestuario, el decorado silo hay, y la música correspondiente.
Además de bailar, los niños tienen que expresar con su cuerpo la historia que
están contando. Es importante que dejéis improvisar los gestos de su rostro o
cuerpo antes de darles un modelo a seguir. Los niños son capaces de crear y
exteriorizar con su cuerpo el papel que tienen asignado. El educador debe
contribuir y fomentar su espontaneidad.
Escribir una danza ya se ha comentado que es bastante complicado. Para que se
entiendan bien estas coreografías, es fundamental primero escuchar la música y
leer el argumento de ese baile. Si no tenéis la música, hay coreografías o danzas
que pueden resultar complicadas como La Cenicienta o el principio de Una clase
de Geografía. Pero en cuanto se escucha la música, todo se entiende mejor y las
representaciones salen casi solas. Después se coge el apartado de danza y con la
música, se acoplan los pasos de danza y la expresión corporal en ellos
incorporada.
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La métrica de la música unas veces se marca con los pasos de baile. Por
ejemplo, si se dice que realizan dos pasos de vals, nos indica que son dos
compasas de 3/4; si hay que hacer 2 pasos de polca, significa que son 2
compases de 2/4, etc. Los pasos de danza explicados en el capítulo 6 o a lo largo
del libro, señalan el compás correspondiente. También se indican los tiempos de
algún paso con I, II, III, IV, etc. Si no se especifica nada, el valor de cada tiempo
es el de la figura negra. Otras veces se indican los tiempos o compases de la
música entre paréntesis para que os sirva de orientación. Hay que tener en
cuenta los niños con los que se va a bailar. A lo mejor un ejercicio marcado en 4
tiempos, necesita el doble para hacerlo con otros niños. Por este motivo, habrá
cosas que tengáis que cambiar o suprimir.
Las danzas que se señalan como «Danza con mimo y expresión corporal”,
significa que están colmadas de mimo y expresión más que de pasos de baile.
Las ideas que se exponen, hay que combinarlas con la creatividad propia de los
alumnos y del educador, y ajustarlas a la música. También hay que adecuar la
longitud de los pasos al espacio del que se disponga y a la velocidad de la
música.
En la danza se especifica el trozo de argumento (Argumento 1, Argumento 2...)
que se va representando con sus diferentes ejercicios. Cada letra marca un
ejercicio.
En algunas coreografías es aconsejable que se haga un pequeño descanso o
intermedio. Se debe aprovechar para hacer un cambio de decorado si hace falta,
o por si algún niño tiene que cambiar de vestuario o maquillaje.
La finalidad de estas coreografías es proporcionar una herramienta para danzar y
crear. No hay porqué reproducir totalmente lo que este libro contiene. Se debe in
ventar, jugar con las danzas y descubrir los propios dones.
LA CENICIENTA
MÚSICA
PROKOFIEV: La Cenicienta.
ALUMNOS
Coreografía para alumnos de Tercer Ciclo de Educación Primaria.
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DURACIÓN
Alrededor de 20 minutos.
ARGUMENTO
Basado en el cuento de La Cenicienta.
BAILE DE CENICIENTA
MÚSICA
Del Acto 1 Pas de Chat.
DECORADOS
Muebles antiguos simulando un salón lujoso. Tiene que haber como mínimo 3
sillas, una o dos mesas, jarrones, libros, etc.
ALUMNOS
Dos alumnas de Tercer Ciclo de Educación Primaria que harán de Cenicienta y
de madrastra.
VESTUARIO
Cenicienta: Un vestido con harapos. También puede ser un maillot o
camisa una falda con harapos. Lleva cogido a la falda o al traje un trapo
de limpiar y en las manos un plumero. El pelo recogido en un moño o en
una coleta.
Madrastra: Bata y camisón largos, elegantes, y un chal. Maquillaje: Para
reflejar un rostro enfadado, con un lápiz de ojos se pinta una raya gruesa
en el párpado con rabillo, y una sombra oscura. Los labios deben estar
pintado altos y estrechos.
ARGUMENTO
La escena se sitúa en la casa, lujosamente amueblada, de la Cenicienta.
1. Cenicienta está limpiando el polvo con un plumero.
2. Se acerca a una mesa y descubre una invitación para asistir al baile que
se celebra esta noche en Palacio. Cenicienta, llena de alegría, empieza a
bailar y se imagina que está bailando con el Príncipe.
3. Llega la madrastra enfurecida y le dice que se marche.
DANZA
Argumento 1
A. Se abre el telón en los compases de introducción, y se ve a Cenicienta de
espaldas al público en una librería limpiando libros con el plumero.
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B. Sigue de espaldas al público y da 4 pasos andando normal, hacia un lado
de la librería, y en 4 tiempos limpia con el plumero. Repite lo mismo
hacia otro lado.
C. Se dirige dando 4 pasos andando hacia uno de los jarrones que está
encima de una mesa, y se coloca de cara al público. Deja el plumero
encima de la mesa, y coge el trapo de limpiar que lleva en la cintura y
limpia el jarrón (12).
D. Deja el jarrón en el suelo y limpia la mesa con el trapo (16).
Argumento 2
E. Coge el jarrón y o coloca en el centro de la mesa. Se queda mirando a la
otra mesa y ve que hay un papel encima de ella. Corre de puntillas para
quitarlo de allí, y descubre que es la invitación al baile (8).
F. Con el papel en la mano, realiza 8 pasos andando hacia atrás y hace come
si estuviera leyendo la invitación. El rostro tiene que expresar alegría. Da
una vuelta sobre sí misma con 8 pasos y abraza la invitación llena de
alegría a la vez que balancea el cuerpo 8 veces.
G. Flexiona el tronco y mira hacia la derecha y luego hacia la izquierda para
ver si hay alguien. Corre hacia la mesa, deja la invitación y da una vuelta
por la sala mirando otra vez por si apareciera la madrastra o
hermanastras. Se coloca en el centro del escenario (16).
H. Cenicienta feliz, se pone a bailar. Ocho galops hacia una esquina del
escenario con el pie derecho delante, y 8 pasos saltados dando una vuelta
sobre sí misma. Repite lo mismo en cada esquina del escenario.
I. Se queda en la última esquina y con las manos en la cintura, salta sobre la
pierna izquierda punteando la derecha hacia delante 4 veces. Cambia de
píe y salta sobre la pierna derecha punteando la izquierda hacia delante 4
veces. Repite lo mismo pero lo hace 2 veces con cada pie y luego 1 vez,
cambiando de pie 4 veces:
4 - 4 - 2 - 2 - 1 - 1 - 1 - 1
pd – pi – pd – pi – pd – pi – pd - pi
Repite todo el ejercicio.
J. Corre de puntillas hacia el plumero en 8 tiempos. Coge el plumero y se
dirige andando al centro del escenario (8).
K. Sujeta el plumero con los dos brazos por encima de la cabeza. cuatro
saltos levantando las piernas hacia delante, y 4 saltos levantando las
piernas hacia atrás.
L. Repite el número K.
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M. Cenicienta se imagina que está bailando con el Príncipe. Deja el plumero
en el suelo y se coge la falda. Saluda como indica la fotografía n° 9; 2
tiempos para bajar y 2 para subir. Realiza un paso de vals hacia delante;
otro hacia atrás; otro hacia el lado derecho y hacia el lado izquierdo. Da
una vuelta so bre sí misma apoyándose en la punta de los pies y vuelve a
saludar.
N. Con una mano se agarra la falda y la otra imagina que la lleva apoyada
en la del Príncipe. Da cuatro pasos de Andar de ballet. Se para y vuelve a
saludar.
O. Se dirige al público expresando su felicidad dando 4 pequeños sautés y
después, balancea el cuerpo 4 veces.
P. Va a recoger el plumero corriendo en 8 tiempos, y se coloca en una
esquina del escenario.
Q. Sujeta el plumero con los dos brazos por encima de la cabeza y en
diagonal, realiza 8 lanzamientos de piernas hacia delante. Aparece la
madrastra y la pi la bailando.
Argumento 3
R. Sale la madrastra con un chal en la mano y se dirige hacia Cenicienta
muy enfadada y andando de prisa. Cenicienta se asusta y, subiendo los
hombros y escondiendo la cabeza, se dirige hacia un lado del escenario.
S. La madrastra se acerca a Cenicienta y a echa del salón.
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