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Trabajo Práctico Final

Fonticelli, Gina

Cho, Stephanie Jazmin

Taller de reflexión artística l

Diego Berger

Dise. Textil y de Indumentaria

Segundo

Trabajo Práctico Final:

cuerpo A

Fonticelli, Gina

Cho, Stephanie Jazmin

Taller de reflexión artística l

Diego Berger

Dise. Textil y de Indumentaria

Segundo

Guía del trabajo practico final:

Elaboración de un ensayo critico

Desde las primeras clases iniciar la búsqueda del tema de interés vinculado al recorte temático propuesto por

la Facultad. El docente acompañará y orientará en esta búsqueda, promoviendo una actitud reflexiva y

critica.

Los avances del trabajo práctico final se desarrollaran en el transcurso de la cursada mediante la

presentación de informes, que el docente articulará con los contenidos de los módulos.

Proyecto pedagógico: Ensayos sobre la Imagen.

Recorte temático:

El tema general planteado por la Facultad para este proyecto pedagógico es la exploración de nuevas

tendencias en el campo del arte y la creatividad. Se promueve el acercamiento y reflexión académica sobre

artistas, obras, y creativos contemporáneos latinoamericanos. Es fundamental que el estudiante analice y se

acerque a aquello que es próximo a su profesión futura, logrando superar la mirada ingenua a la realidad

circundante para suplantarla por una reflexión personal que se sostenga con su documentación.

La tendencia es un mecanismo social que regula las elecciones de los sujetos. De esta manera se fomenta un

estudiante activo, que pueda plantear un enfoque audaz y detectar nuevas tendencias artísticas y creativas.

En el ensayo puede enfocarse en dos líneas, por un lado el análisis de creadores contemporáneos que

planteen nuevas tendencias, o también se puede buscar la vinculación de artistas contemporáneos con el

periodo histórico tratado en la cursada.

Declaración jurada de autoría

A: Facultad de Diseño y Comunicación. Universidad de Palermo.

Por la presente dejo constancia de ser el autor del Trabajo Práctico Final titulado

que presento para la asignatura

dictada por el profesor

Dejo constancia que el uso de marcos, inclusión de opiniones, citas e imágenes es de mi absoluta

responsabilidad, quedando la UP exenta de toda obligación al respecto.

Autorizo, en forma gratuita, a la UP a utilizar este material para concursos, publicaciones y aplicaciones

didácticas dado que constituyen ejercicios académicos de uso interno sin fines comerciales.

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Fecha Firma y aclaración

Índice

Introducción................................................................................... Pág. 2

Desarrollo

Capítulo uno: Laura Ohman………………….…………………………………… Pág.3

Capítulo dos: Movimientos………………………………………………………… Pág. 5

Capitulo tres: Análisis…………………………………………………………………. Pág. 7

Conclusión personal.

Bibliografía.

Anexo.

Introducción

Como punto de partida se ha decidido analizar a un artista latinoamericano, por lo que se ha

elegido a la artista Argentina contemporánea llamada Laura Ohman, egresada de la Escuela

Nacional de Bellas Artes, actualmente se desempeña en el área de Producción de Moda y

vestuario, trabaja para revistas del grupo La Nación, como OHLALA y Susana, y paralelamente

realiza vestuario para obras teatrales y cine.

Sin embargo, nunca dejó de involucrarse en las artes plásticas. Participa en distintos eventos y

anuarios de ilustración independiente.

A modo de recorte para la investigación se ha decidido tomar cuatro de sus pinturas que forman

parte de la sección de autorretratos, que es un tema recurrente en su obra y realiza hace ya

varios años; para analizarlos y determinar en clave comparativa cual o cuales son los

movimientos artísticos o influencias que se representan en ellos.

Desarrollo

Capítulo uno: Laura Ohman

El mundo de los autorretratos

Egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes, Laura Ohman actualmente se desempeña en el área de

Producción de Moda y vestuario, trabaja para revistas del grupo La Nación, como OHLALA y Susana, y

paralelamente realiza vestuario para obras teatrales y cine.

Sin embargo, nunca dejó de involucrarse en las artes plásticas, participa en distintos eventos y anuarios de

ilustración independiente.

Selección de Autorretratos

Hábito Osadia 2012

Tupida Todo menos el final

Capítulo dos: Movimientos

Expresionismo y Surrealismo.

Expresionismo:Arte de oposición.

Surgido como reacción al impresionismo, frente al naturalismo y el carácter positivista de este movimiento

de finales del siglo XIX. Los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominala

visión interior del artista la “expresión” frente a la plasmación de la realidad la “impresión”.

Nace originalmente en Alemania, a principios del siglo XX, sobre una base de protesta y critica, o pretende

ser lo opuesto al positivismo. Se trata de un amplio movimiento que difícilmente se puede cerrar en una

definición o delimitar según la forma en que se manifiesta, como se podría hacer en otros casos.

El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma

más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía la expresión de los sentimientos más que

la descripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a

cualquier época y espacio geográfico.

Como establece Zola en su ensayo Le roman experimental: “… En efecto, si para el artista naturalista e

impresionista la realidad seguía siendo algo que había que mirar desde el exterior, para el impresionista,

en cambio, era algo que había que meterse, algo que había que vivir desde el interior…”

Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que

invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra

Mundial y del período de entreguerras. Esa amargura provocó un deseo de cambiar la vida, de buscar

nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos.

El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el

apasionamiento y los temas prohibidos, lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido. Intentó

reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de

los medios plásticos, que cobraron una significación metafísica, abriendo los sentidos al mundo interior.

Los modos en que el expresionismo se manifiesta son muy diversos y numerosos, tuvo plasmación en las

artes plásticas, literatura, música, cine, fotografía, teatro, danza, entre otros.

Considerados padres de este movimiento son Van Gogh, Ensor, Munch y Gauguin.

Del mismo modo que el Expresionismo tuvo diversos focos de desarrollo y actividad en la propia Alemania,

arraigó notablemente fuera de sus fronteras, siendo Austria uno de los puntos más destacados en el

desarrollo de esta tendencia, un país con importantes similitudes culturales con Alemania.

Dentro de los grandes referentes austriacos encontramos Klimt y Schiele.

Surrealismo

El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton,

quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más

profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad. Siendo conocedor de Freud pensó

en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.

Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que

la mente no ejerza ningún tipo de control, una suerte de dictado mágico, procedente del inconsciente,

gracias al cual surgían poemas y ensayos, entre otros, y que más tarde sería recogido por pintores y

escultores. Por ello utilizan recursos como, animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos

anatómicos, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos. El

pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades

oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica. Aflorarán implicaciones autobiográficas, mitos y miedos.

La primera exposición surrealista se celebró en la Galerie Pierre de París en 1925, y en ella, además

de Jean Arp, Giorgio de Chirico y Max Ernst, participaron artistas como André Masson,Picasso, Man

Ray, Pierre Roy, P. Klee y Joan Miró, que posteriormente se separarían del movimiento o se mantendrían

unidos a él adoptando únicamente algunos de sus principios. A ellos se adhirieron Yves Tanguy, René

Magritte, Salvador Dalí y Alberto Giacometti

Entre los artistas plásticos se manifiesta una dualidad en la interpretación del surrealismo: los surrealistas

abstractos, que se decantan por la aplicación del automatismo puro, como André Masson o Joan Miró, e

inventan universos figurativos propios; y los surrealistas figurativos, interesados por la vía onírica, entre

ellos René Magritte, Paul Delvaux, o Salvador Dalí, que se sirven de un realismo minucioso y de medios

técnicos tradicionales, pero que se apartan de la pintura tradicional por la inusitada asociación de objetos y

las monstruosas deformaciones, así como por la atmósfera onírica y delirante que se desprende de sus

obras. Max Ernst es uno de los pocos surrealistas que se mueve entre las dos vías. La obra de Ernst ha

influido particularmente en un epígono tardío del surrealismo en Alemania que es Stefan von Reiswitz.

Capítulo tres: Análisis.

Análisis de las obras de la artista en relación a los movimientos

Obra: hábitos(70 cm x 55 cm). Técnica mixta

Análisis: En esta pintura podemos observar el predominio de los colores cálidos como el amarillo, los

distintos tonos de naranjas, el rojoy en contraposición el celeste y el violeta.

Recurre a distintas técnicas como el degrade de los tonos anaranjados.Presenta una firma de autor en el

margen derecho inferior. Podemos notar que la artista decide manejar el peso visual del cuadro,

generando tensión y captando la atención en el centro, se puede encontrar un recorrido circular, como si

fuera un ciclo sin fin, en la zona superior, donde se une el pelo y el humo. El rojo intenso a modo acento,

ubicado en los labios, el corazón, el humo degrade. Genera el tono de la piel con distintos colores lo que

genera una ilusión óptica, esto es muy característico del expresionismo, ya que ellos tomaron la idea de

mezclar tres colores para que el ojo vea o perciba uno solo. Por otro lado podríamos decir que hay

influencia del surrealismo si hacemos foco en que la autora realiza una representación de la realidad muy

icónica, que resulta agradable a la vista y con gran cantidad de detalles, esto lo podemos ver en el

cabello, los ojos y las pestañas, a su vez realiza una combinación de la realidad con los sueños ya que se

puede ver cómo sale el amor del cigarrillo y a su vez este se quema.

Obra: Osadia 2012( 30 cm x 20 cm) Distintos tipos de fibras.

En esta obra podemos observar la utilización de una paleta acotada de colores fríos, el verde, azul y el

negro predominan y generan una sensación de tristeza, la expresión en el rostro, la flor semi marchita y la

tipografía contribuyen a generar esa sensación de vacío y muerte.

Nuevamente la sensación de un recorrido cíclico que envuelve a la obra. Trabaja figura/ fondo, la flor semi

marchita representando el cuerpo que le corresponde a la cabeza triste, donde el pelo también parece

haber muerto, ya no es totalmente rubio o dorando, sino que comienza a oscurecerse.

La división o supresión anatómica característica del surrealismo se ve plasmada en esta obra, y la carga

sentimental volcada en el papel característica del expresionismo.

Respecto a la técnica y el trazo se podría decir a primera vista que es un dibujo rápido, de trazo ligero y

ágil, sin embargo si se observa un poco más se puede ver nuevamente el trabajo en la zona del cabello y el

rostro, acentuando y delineando las pestañas.

Obra: Tupida (20 cm x 20 cm) Técnica mixta. (Fibras y marcadores de distintos anchos, acuarelas y lápices)

Esta obra podría generar, a primera vista, una sensación de resignación o tristeza, el rostro inmutable,

mirando con un gesto de insatisfacción. Como quien mira a alguien luego de haber sido engañado o

dejado. O bien como el recuerdo de algo que no volverá.

Podría creerse que cuenta el final de una historia de amor, el ojo con un parche, como si la realidad fuera

difícil de dirigir y el corazón tatuado en el brazo en representación de ese que se fue. Nuevamente la

sensación de muerte en el personaje, las figuras del fondo recuerdan a un cementerio, la cruz por encima

de una estructura, como si fuera una lápida llena de espinas. El personaje vestido de luto, genera

sensación de estar enterrando y despidiendo su alma y no al cuerpo propiamente dicho.

Obra: Todo menos el final. ( 25cm x 18 cm) Tecnica mixta. ( Acuarelas y fibras )

Una vez mas, tema muy marcado y recurrente : el amor como algo que no pudo ser. La cara triste del amor, el dolor

que puede producir en una persona.

El personje ya no mira, no tiene ojos, el llanto y los labio caidos simbolizan un corazon partido.

Es bidimensional,trabaja en planos, en comparacion a las anteriores, presenta menor cantidad de detalles e

informacion visual. Sin embargo, en relacion al Surrealismo, la obra tiene un gran contenido autobiografico, la frase

“Te agradezco todo menos el final” , podria dar a entender que el personaje fue dejado o traicionado. Sin duda es

quien se lleva la peor parte de la historia, es quien sufre en consecuencia. Cuenta dos historias o dos partes de una

misma historia en una sola frase, como primer parte o primer historia la etapa feliz, por la cual agradece y en

contraposicion la que completa y cierra la historia.

La tipografia, a diferencia de las obras anteriores, no esta integrada a la pintura.

Bibliografía

Hollmann(1976). Vida y Arte. 3er.ed. México, editorial: Extemporáneos S.A

De Micheli y otros. (1979). El mundo de Van Gogh. 4ta ed. Argentina, editorial: Centro Editor de América

Latina. S.A.

Bibliografía obligatoria; capítulos número 4 y 6.

Enciclopedia Libre; Disponible en:

http://es.wikipedia.org

Anexo

Entrevista.

1- ¿Alguna vez pensaste estudiar otra carrera antes de estudiar Bellas Artes?

A lo largo de mi vida si, fantasías y mandatos familiares, pero en el momento de elegir sabia en que área

me quería formar. Terminada la secundaria lo primero que hice fue el cbc para estudiar historia del arte en

filosofía y letras. Solo quedo en el cbc. Nunca llegue a cursar materias.

2- ¿Cómo fue que decidiste estudiar Bellas Artes?

Cómo fue? Fue fácil sabía que el placer y el interés se conjugaban en pintar. Me prepare para el ingreso

muy intensamente, ahora no se si hay ingreso, pero mi cuerpo lo padeció!!! Pero tenía la firmeza de que

no podía hacer otra cosa que dibujar y pintar.

3- ¿Qué Vanguardias consideras que han influenciado más en tu obra?

Prefiero referirme a artistas, a personas que profundizaron en su oficio y vocación. Lucian Freud durante

mi formación fue un pilar, una guía. Vanghgoh, su forma de entender el color, de romper la pincelada, me

dio otra manera de mirar, de observar paisajes, objetos,espacios, personas. El límite que cruzaBalthus.

Miguel Diomede, Feliciano Centurión, el arte madi, Liliana Maresca, Tamara de Lempicka, AubreyBeardley,

Sargent, Wilhelm Sasnal, Edward Hopper, David Hockney, Richard Diebenkorn, los dibujantes de las pin up,

Artemisa Gentileschi, GhadaAmer, John Currin, Tracy Emin, Alberto Greco, Otto Dix, Ah los increíbles

dibujos de Van Gogh .Uf son muchos y dispares.

No quiero dejar de nombrar a Guillermina Etkin, Macarena GarciaLenzi, Aníbal Jarkowski,

LudmilaRossiGuareschí, artistas no visuales que desde sus trabajos en otros campos del arte, pienso y

siento.

4- ¿Hay algún motivo por el cual haces autorretratos?

Cuando decidí seguir la orientación en dibujo durante la carrera, Alberto Durero era un artista que no

dejaba de mirar y de estudiar sus obras. Un autorretrato de él me conmovió durante años, como en esa

pintura su mirada, su vestimenta, dicen más de “hola soy yo y esta es mi cara”. Podes comprender una

época, una situación social, un conflicto emocional. Para estudiar y comprender la línea el espacio, los

valores de grises, llegaba de la facultad, ubicaba una luz me ponía frente al espejo, elegía un material, una

hoja, y me lanzaba a la observación. Mi cara y mi cuerpo eran los únicos que podían tolerar tantas horas y

horarios nocturnos. Así que el autorretrato viene de mi época de la facultad, de mi sed de observar.

Después fue una decisión plena.

5- ¿Siempre te autorretrataste o también haces/hiciste retratos de otras personas?

Parte de esta pregunta está contenida en la anterior. Siento placer al hacer retratos, cada persona es tan

única, y lo que sentimos, por lo que luchamos es tan universal. Ver en una mirada o en una forma de poner

la mano el vacío, la incertidumbre, es algo que me conmueve profundamente, no sé si en mi obra pero en

Carlos Alonso por ejemplo, en Hopper, en Spilimbergo. Tienen obras que son impactantes. Una cara, un

cuerpo, es forma, luz, espacio, atraerse de los rasgos, del contorno, es un acto intelectual y sensible. Ya no

importa quién es sino como se lo comprendió.

6- ¿Hay alguna obra que sea tu obra estrella o favorita?

Mmm no lo sé, Elijo cualquiera de la serie vestida para matar. Me han acusado de vincular estrechamente

mi vida con lo que dibujo. Pero yo cuando dibujo hago brujería. El marcador seco toma trasparencia y

textura en el trazo, al igual que el lápiz sobre la madera, el fondo habla sobre cada línea. Voy escuchando la

forma. Mis materiales de trabajo tienen mucho de hallazgo, no por novedosos, sino por el encuentro, suelo

recorrer más librerías escolares que artísticas. Soy bastante ansiosa, así que me es inevitable dibujar con

materiales de tiempo corto, que me den líneas con rapidez, que permitan superponer trazos sin espera.

Durante varios años pinté con óleo sobre madera o cartón, eso quedó atrás.

7- ¿Con cuales 3 palabras definirías tu obra o estilo artístico?

Mujer-brujería-vida. No sé si a esto apunta la pregunta. Me cuesta mucho pensarme dentro de una

tradición o lugar, me reconozco pensando y sintiendo desde el dibujo y el color, sin dejar de jugar con la

fotografía, lo textil, y hasta muchas veces la escritura. Dentro de los artistas que piensan y resinifican el

dibujo en el arte contemporáneo. Creo que ahí me reconozco. La literatura, la música, y el cine tienen una

fuerte unión con mis trabajos y mis momentos de trabajo.

8- ¿Cómo fue que te llego a interesar el mundo de la Moda? Buscas darle una impronta

más“artística“o“plástica“ a tus trabajos en el mundo de la moda?

Siempre cosí, corte, diseñe, sin saberlo mi interés y mi placer no tenían un solo dueño. El diseño de

vestuario fue mi primer paso adulto. Mi amor por el cine encontraba un lugar activo. Estar en un set de

filmación, pensar un guion en color, texturas, pensar en que accesorio puede fortalecer la construcción de

un personaje. La moda no me interesa, si como reflejo de una sociedad. Me interesa el diseño. Llegar a la

decisión de estudiar diseño de indumentaria fue una consecuencia de la búsqueda para mi formación. Mi

pilar es el diseño de vestuario. No busco la importancia artística porque no creo en el arte. Creo en formas

de comunicar, en convicciones políticas que deben estar reflejadas en el modo o en el resultado, creo en la

sinceridad, creo en la sensibilidad, y en la belleza cruel o aliviane de la forma.

Imágenes

Expresionismo:

Willem de Kooning

Mark Rothko

Jackson Pollock

Expresionismo Alemán:

Eduard Munch:

Ernst Ludwig Kirchner / autorretatro como soldado

Expresionismo Austriaco:

Egon Schiele