TRABAJO PRÁCTICO FINAL CUERPO A -...

Vanguardias artísticas del siglo XX en la actualidad

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TRABAJO PRÁCTICO FINAL

CUERPO A

Eslava, Laura

72912

Taller de reflexión artística

Dirección teatral

Tarde

05-12-2013


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CUERPO A

Índice de contenidos:

Síntesis del trabajo 3

Aportes significativos 3

Declaración Jurada 4


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-Síntesis del trabajo:

Con este trabajo se pretende demostrar que las vanguardias artísticas del siglo XX

se mantienen vivas en la actualidad, es muy probable que varios de los materiales

artísticos que encontramos hoy en día tengan huellas de uno o varios de estos

movimientos.

Para evidenciar esta hipótesis se realizó un trabajo de análisis de una pieza de

danza, en la cual se involucra la pintura, la música y el movimiento y en cada una

de estas expresiones artísticas se identifica la intensión de rompimiento con las

técnicas clásicas.

Los grandes momentos históricos no se evidencia en una sola cosa o forma de

representación, en este caso la pintura y las plásticas, sino que quedan plasmados

en cada expresión del ser humano.

-Aportes significativos:

Este trabajo me ayudo a poder ver de una manera distinta las expresiones artísticas,

si hoy damos una mirada a nuestro pasado nos encontraremos con infinitas formas,

estilos, técnicas y visiones de ver y comprender el mundo. Cada autor por medio de

su lenguaje nos permite entrar en su cabeza e inevitablemente ver lo que sucede o

sucedía a su alrededor. Cada vez me convenzo más de que a estamos rodeados

de nuestra historia, convivimos con ella en nuestro diario vivir y solo hace falta

detenernos un instante para poder verla y conocer un poco más sobre nosotros

mismos.


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Declaración jurada de autoría

A: Facultad de Diseño y Comunicación. Universidad de Palermo.

Por la presente dejo constancia de ser el autor del Trabajo Práctico Final titulado

que presento para la asignatura

dictada por el profesor

Dejo constancia que el uso de marcos, inclusión de opiniones, citas e imágenes

es de mi absoluta responsabilidad, quedando la UP exenta de toda obligación al respecto.

Autorizo, en forma gratuita, a la UP a utilizar este material para concursos,

publicaciones y aplicaciones didácticas dado que constituyen ejercicios académicos de uso

interno sin fines comerciales.

___ / ___ / ___

Fecha Firma y aclaración

Laura Eslava Luque

Vanguardias artísticas del siglo XIX en la actualidad


Leandro Allochis

05 12 13


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CUERPO B

Vanguardias artísticas del siglo XX

en la actualidad

Eslava, Laura

72912


Dirección teatral

Tarde

05-12-2013

Allochis, Leandro


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Índice:

Introducción 7

Capítulo I : análisis sintáctico 8

Capitulo II: análisis semántico 11

Capitulo III: Información contextual 13

Capitulo IV: Comparación de obras 17

Referencias bibliográficas 20

Bibliografía 21

Índice de figuras 22


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Introducción

Con la realización de este trabajo se busca poner en evidencia que en el siglo XXI

siguen vivas las vanguardias artísticas, y como estas se ven reflejadas no solo a

nivel pictórico sino en toda representación artística. Para ello se va a analizar un

pieza de danza de la Opera de Paris, la cual involucra danza, música y pintura.

Signes es una pieza coreográfica que surge de la unión de la bailarina y coreógrafa

Carolyn Carlson, el pintor Oliver Debré (encargado del diseño de escenografía y

vestuario) y el músico Rene Aubry. La obra fue estrenada por primera vez el 27 de

mayo de 1997 en la Opera de Bastille de Paris.

La pieza está dividida en 7 pinturas que giran alrededor del tema común: el signo

de la sonrisa.

1. Signe du sourire

2. Loire du matin

3. Monts de Guilin

4. Les Moines de la Baltique

5. L'Esprit du bleu

6. Les Couleurs de Maduraï

7. Victoire des Signes

En su totalidad la obra tiene una duración estimada de 1 hora y 25 minutos. Desde

la fecha de su estreno ha sido restrenada hasta hoy en dia, varias veces como

mucho éxito.

Para este trabajo decidí trabajar con la primera pintura de la pieza, Signe du sourire.

Me basare en la escenografía que está compuesta por el telón de fondo, el cual es

una maximización de uno de los cuadros de Debré, 3 estructuras que están sobre

el escenario y las formas restantes creadas por el telón negro. La escenografía

completa se puede calificar como abstracta, ya que no hay formas que se puedan

asociar con la realidad, el espacio creado ahora necesita de un espectador para

tener sentido.

http://fr.wikipedia.org/wiki/Guilin


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Capítulo I: análisis sintáctico

El pintor francés Olivier Debré (1920 - 1999), es el encargado del diseño de la

escenografía y el vestuario. Su trabajo es reconocido por la exaltación del color y el

manejo de telas de enorme tamaño. Los mayores influyentes en su trabajo fueron

los artistas del expresionismo abstracto, como Kline y Rothko.

Para realizar el análisis sintáctico de la obra tomé como base la figura 1, imagen

capturada del video de la obra.

La escenografía se compone por el telón de fondo, el cual es una maximización de

un cuadro, donde se maneja pinceladas suaves, con movimiento, en este no hay

líneas que separen una forma de otra y los colores se mezclan entre sí.

Por otro lado están las 3 estructuras sobre el escenario, (repetición de figuras) que

si bien son diferentes, conservan una misma cualidad, mantienen una altura, forma

y color similar, lo cual genera una idea de repetición y movimiento, estas están

delimitadas por líneas rectas y curvas con terminaciones en pico, conformando

figuras más duras.

Por ultimo están las formas creadas en el telón negro por las estructuras del

escenario y la pintura maximizada.

Al ver la escenografía en su totalidad, se ve que no hay simetría en la forma en la

que se estructura, tanto el telón de fondo como las estructuras que están en el

escenario tienen una configuración propia e individual, distinta a todas las demás.

Figura 1 Signes - cuadro capturado

http://es.wikipedia.org/wiki/1920

http://es.wikipedia.org/wiki/1999


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Los pesos están distribuidos a los costados, como se puede ver en la Figura 4, tanto

en el telón (arriba y abajo) como con las estructuras que están en el escenario

(derecha e izquierda). Se deja el centro libre para que allí se desarrolle la pieza.

Se manejan dos formas, en el telón no hay formas definidas, todo se genera a partir de pinceladas, por otro lado en las estructuras se manejan formas más duras y geométricas con terminaciones en picos y líneas rectas. Gracias a la pintura y las tres estructuras se generan varios planos, se genera

profundidad, hay superposición de figuras y al no estar en el mismo nivel construyen

varios planos de representación.

Figura 4 Manipulación sobre cuadro capturado

Figura 3 Estructuras en el escenario Figura 2 Telón


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Hay dos fuerzas en tensión, la primera son las grandes estructuras que están a los

costados con un color más oscuro y la segunda es el centro del escenario, en el que

se encuentra la bailarina con un vestuario con más luz, ella estar en movimiento y

ser mucho más pequeña que las estructuras genera dos puntos de tensión, la

grandeza y dureza de las estructuras y la ligereza y luz de la bailarina en el centro.

Se trabaja con varias texturas, en el telón se maneja la pincelada suave, infinita

que parece no terminar, donde no se sabe en qué punto comienza y termina un

color con exactitud. En contraposición a esto, las estructuras del escenario están

trabajadas con picos y formas más lineales y geométricas, que rompen con esta

suavidad.

No hay contraste, ya que los colores usados son armónicos, (están juntos en el

círculo cromático, amarillo-naranja-rojo). Lo único que genera contraste son unas

de las pinceladas azules y verdes que se divisan en el telón y el vestuario de los

bailarines. Pero los colores que predominan en la pieza no son contrastantes

La paleta de color usada es cálida (amarillo, naranja, rojo). Como se mencionó

anteriormente estos colores son armónicos.


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Capitulo II: análisis semántico

La pieza de danza al ser contemporánea no narra una historia determinada, en este

caso se sabe por parte de los creadores que el tema desarrollado es el signo de la

sonrisa. Ya que el nombre de la obra completa es Signes, se tiene por sentado que

el tema a tratarse son los signos.

“Signes es una representación de la evocación de sonreír, el primer signo en el ser

humano.”

Para poder dar un análisis objetivo, hay que basarse en los niveles que se pueden

identificar a simple vista y basarse en ellos para dar un significado a la obra.

Para empezar el espacio de representación no es real, al verlo no se puede

identificar formas que remitan a algún elemento, lugar o tiempo específico. Al estar

el espacio compuesto por la pintura de Debré, ya el espectador se enfrenta a un

mundo que cobra vida dependiendo de la persona que lo mire.

Los colores que predominan son cálidos, sobre todo el amarillo, rojo y naranja,

teniendo en cuanta la psicología del color, se puede hacer una lectura frente a la

razón por la cual se trabajaron estos colores en esta escena en particular.

Estos tres colores son los representantes de la emoción, el amarillo es la luz, el sol,

la acción, el poder, simboliza la fuerza, el dinamismo, es un color que se asemeja

con la juventud, lo excitante y con la liberación.

Por otro lado el rojo, es la sangre, el fuego, la pasión, expresa sensualidad, alegría

y energía, mezclado con negro como se ve en la escenografía sugiere dominio,

poder. Por último, el naranja simboliza el entusiasmo, la exaltación, tiene una fuerza

activa, radiante y expresiva. Se relaciona con la energía, el positivismo y la

expresividad.

Una vez mencionado esto se puede pensar en un espacio de representación es

enérgico, jovial, con vida, relacionado con el tema que los creadores querían

representar.

También, al ver la escenografía en su totalidad, por el trabajo de los colores y las

formas que se manejan, se puede relacionar con un desierto, ya que se genera la

sensación de inmensidad y una calidez, que se muestra con los colores y la relación

entre la bailarina y el espacio en el que se maneja.

Como se puede observar en la figura 5, hay una similitud entre los colores cálidos y

la fotografía del desierto, ambas figuras remiten a un ambiente cálido y sin duda a

la luz, el sol.


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La pieza al ser bailada tiene una narración o una intensión, pero no tan clara o

definida como se podría observar en un ballet clásico. Sin embargo, se puede ver

el trabajo de varios movimientos repetitivos que dejan claro un código en la obra.

La bailarina durante la pieza realiza varios movimientos con su cuerpo que se

asimilan con las agujas del reloj y el paso del tiempo. Marca con sus brazos el

tiempo pero de una forma pausada. También, ella y los bailarines que la acompañan

se mueven de forma lenta, cada paso que ejecutan lo hacen a una velocidad casi

retardada, dando la sensación de ralentización.

Sumando a esto, en escena se configura una idea de inmensidad. La bailarina

queda sola en el escenario y se ve mínima en comparación con las enormes y altas

estructuras que la acompañan. Se crea una especie de hipérbole, en donde se

maximizan tamaños para crear una tensión más fuerte entre los cuerpos que se

encuentran en el espacio.

Fig 5 Fotografía de un desierto y recorte de los colores cálidos.


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Capitulo III: información contextual

-Vanguardias artísticas: Pintura abstracta y surrealista

A finales del siglo XIX y principios del XX, hubo varios acontecimientos a nivel

político, cultural, tecnológico e histórico, como la Primera Guerra Mundial, la

revolución industrial, la teoría de la relatividad de Einstein, la interpretación de los

sueños de Freud, la popularización de la fotografía, el nacimiento del cine, entre

otros, que provocaron una reacción en contra de la sociedad de la época, los

artistas ahora buscaban rechazar todos los cánones de belleza establecidos para

encontrar nuevas formas de representación de la realidad. Es así como surge el

impresionismo, el primer movimiento que se rebeló a lo establecido en la época.

En este momento surgieron las vanguardias, que proponían una ruptura tan radial

que se mantuvieron casi medio siglo después, las cuales venían a implantar una

nueva forma de hacer y ver las artes plásticas. Varias de ellas se desarrollaron al

mismo tiempo en diferentes partes del mundo, dentro de ellas se encuentran el

fauvismo, el cubismo, el expresionismo, el surrealismo, el futurismo, el dadaísmo,

el constructivismo y el abstracto en el cual se centra este trabajo.

Stangos cita al artista August Endell en su libro Conceptos del arte moderno, el cual

dice que en el mundo “está apunto de aparecer una arte totalmente nuevo, un arte

con formas que no significaran nada, pero que producirían el mismo efecto

emocional que la música”. Este es el arte abstracto, y su precursor fue Kandinsky,

un pintor y músico ruso, el cual veía a la pintura como la expresión de un

sentimiento, aunque no hubiera un tema reconocible.

Kandinsky viajo a Múnich en 1896, y allí encontró a varios artistas que tenían ideas

y pensamientos similares a los suyos. Era una época en la cual se anunciaba que

la espiritualidad había muerto y por esto se genera un fuerte interés por las

religiones orientales, la meditación, el ayuno, etc. Cualquier forma que fomentara la

naturaleza espiritual del hombre.

En este ambiente se hablaba también de que lo que había en la imaginación del

artista junto con la posibilidad de expresar esto por medio de formas y colores y de

cómo esto bastaba para que sus ideas quedaran plasmadas por completo, sin la

necesidad de un tema reconocible. (Stangos, 1994)

En el mundo se dio un desarrollo industrial que género en el hombre la búsqueda

de nuevas formas y un deseo de dejar atrás el pasado rompiendo con los estilos

establecidos.


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Otro de los movimientos más representativos y de los que más perduro, fue el

surrealismo, que se creó por el filósofo francés André Breton.

“… un estado que propone expresar mediante palabras escritas o de cualquier otra

manera, el funcionamiento actual del pensamiento, en ausencia de todo control

ejercido por la razón, exento de cualquier exigencia estética o moral” (Breton, 1924)

En este movimiento se pretende buscar la atención del subconsciente del lector sin

tener una preocupación por la moral o la estética. Es así como los artistas usan el

subconsciente como herramienta fundamental en sus creaciones, las

representaciones no tienen una lógica o un significado determinado, pero se busca

fusionar los opuestos.

Los artistas surrealistas veían que el punto de vista racional ya no debía estar en el

primer plano, es por esto que quieren dejar liberar la imaginación y darle la

oportunidad a espectador de tomar conciencia del aspecto poético (Stangos, 1994)

Este movimiento se caracteriza por crear mundos oníricos, un mundo de los sueños.

Se regresa al realismo, se pueden identificar formas y lugares. Hay un choque entre

la realidad técnica y la realidad temática.


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-Danza: de lo clásico al rompimiento

El siglo XX fue un momento en la historia donde se buscaba un cambio de

paradigma, el hombre sentía la necesidad de romper con lo que estaba establecido,

y esto se hizo evidente de muchas formas. Una de las más claras fue la aparición

de las vanguardias artísticas, las cuales pretendían cambiar la forma de

representación de la realidad, los artistas cada vez se iban alejando más y más de

la idea de “arte”.

Lo mismo sucedió con la danza, los bailarines rompieron con las formas clásicas y

tenían la necesidad de expresarse más libremente, es así como nace la danza

contemporánea, la cual busca expresar un sentimiento, una emoción o una idea

pero con movimientos fraccionados y desestructurados en comparación con el ballet

clásico.

El ballet clásico es una forma de danza cuyos movimientos se basan en el control

total y absoluto del cuerpo, en el ballet cada paso está codificado, es decir tiene un

nombre y forma estricta de realizarse.

Esta forma de danza surge en el renacimiento en (1400-1600) en Francia durante

el reinado de Luis XIV, el conocido rey Sol. En 1713 se creó la segunda Academie

Royale, que es hoy en día conocida como la Opera de Paris.

Las características de las piezas de ballet, son bailarinas en zapatillas de puntas,

con tutus, mayas y el cabello debidamente recogido.

Al aparecer la danza contemporánea, empiezan a aparecen en escena bailarines

descalzos, con menos cantidad de ropa, cabellos sueltos y variaciones en la

técnica, se introducen movimientos de nuevos estilos, flamenco, danzas tribales

entre otros.

Fig 6 Comparación de una bailarina clasica con una contemporanea


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Los ballets clásicos son característicos por tener una línea de narración clara de

principio a fin, hay un principio, un momento de clímax y un desenlace, usualmente

representan historias conocidas, el lago de los cisnes, el Quijote, La bella durmiente

etc.

Ahora la danza contemporánea rompe con esta idea, se puede o no seguir esta

estructura, los coreógrafos buscan llevar a escena conceptos, recrear ambientes no

reales, y su fin no es el de contar una historia, sino de plasmar sus ideas.

A nivel plástico, también hay un fuerte rompimiento, en los ballets la escenografía

que se utiliza, se caracteriza por ser bastante realista, se pretende recrear en

escena espacios determinados que ayudan al desarrollo de la pieza. Un ejemplo

claro es la obra Cascanueces, en la que se sitúa todo en un palacio, si se suprime

esta escenografía es mucho más difícil situar al espectador en el espacio y tiempo

que requiere la obra. Por otro lado, en las piezas contemporáneas es muy usual,

ver espacios vacíos, o con muy pocos elementos, ya se pierde el interés por mostrar

o representar lugares que se asimilen a la realidad. Como se ve en Signes, la

escenografía nace de un cuadro abstracto y se acompaña con figuras enormes que

no tienen una clara relación con la realidad.

Fig 7 Escenografía de Cascanueces y Signes


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Capitulo IV: Comparación de obras

A nivel sintáctico la escenografía se va a comparar con una obra del pintor ruso

Kandinsky “Rose with gray” 1924. (Fig 5)

La obra está comprendida desde la

vanguardia artística abstracta, en ella se ve

el trabajo de un plano o fondo de un color

definido y sobre este, el trabajo de diversas

formas, en su mayoría geométricas.

Las figuras tienen varios colores, unos

contrastantes con el fondo y otros

armónicos.

Hay varios planos en la obra, que se van

creando por la superposición de las figuras.

Al ser una obra abstracta no hay una

similitud con la realidad, no hay figuras que remitan a un lugar, un objeto o una

persona. Así mismo no hay un tema reconocible en ella, es una obra abierta a tantas

lecturas como personas que la observen.

A continuación se expondrán las

similitudes encontradas entre las dos

obras (la escenografía y la pintura

abstracta).

Primero se ve que hay un fondo que

predomina, un espacio irreal, que

contiene a las figuras que se encuentran

en cada obra.

En ambos casos la paleta de colores es

similar, hay un trabajo de colores cálidos.

Fig 8 Rose with gray (1924) Kandinsky

Fig 9 Escenografía Signes (1997)

Fig 10 Paleta de colores cálidos en ambas obras


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Sobre este fondo hay formas geométricas definidas. En las dos hay triángulos de

grandes dimensiones.

Una diferencia se da en el trabajo del fondo,

en el telón al ser una maximización de un

cuadro se puede considerar una pintura por

separado, la cual se caracteriza por el manejo

de pinceladas y formas no definidas, no hay

delimitación ni búsqueda de mimesis de la

realidad. Se relaciona más con la abstracción

lírica, en la cual las pinceladas son expresivas

y suaves y la obra es espontánea y subjetiva.

Las estructuras de la escenografía solo se

manejan con líneas rectas y terminaciones en

picos, por otro lado en la pintura de Kandinsky

hay uso de círculos, cuadrados, rectángulos.

Es por esto que las estructuras se relacionan más con la abstracción geométrica,

donde hay uso de figuras y formas geométricas superpuestas sobre espacios

irreales.

Las obras abstractas no buscan representar personas, elementos o lugares

concretos, se utiliza el color, la forma y la proporción para que el autor plasme su

propia visión de mundo.

En la pieza de danza no hay un espacio de

representación definido, hay un lugar abstracto que

cobra vida según el espectador que lo está viendo.

El espacio y la idea de inmensidad se comparan

con el cuadro de los elefantes de Dalí, en ambas

obras se ve el trabajo de dos tensiones, las grandes

estructuras o patas en contraposición con la

bailarina diminuta.

Fig 11 Recorte- formas geométricas sobre fondo

Fig. 12 Los Elefantes (1948) Dalí


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A nivel de movimiento se hace énfasis en el tiempo y la forma en la que éste

transcurre. Al ver a los bailarines, es como si se entrara en un estado de

ralentización y hasta detención del tiempo. Esto se logra a partir de movimientos

con los brazos que simulan las manecillas del reloj, traslados en el espacio de forma

lenta y casi imperceptible. Esta pieza se puede relacionar con “La persistencia de la

memoria”, el cuadro surrealista de Dalí, en el cual se observa un tratamiento distinto

de los relojes, un símbolo tan fuerte. El autor los representa de forma blanda y casi

desvanecida en un mundo onírico, de los sueños. Un enorme desierto en el que el

tiempo tiene un nuevo significado. El reloj que queda destruido y queda todo en la

memoria.

Fig 13 La persistencia de la memoria (1931) Dalí

Fig. 14 Recorte de la pieza donde se muestra el trabajo del tiempo


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Conclusión:

Al finalizar el análisis de la obra y al haber encontrado similitudes con varias obras,

puedo afirmar que evidentemente las vanguardias artísticas siguen vivas hoy en

día, en este caso se plasman no solo a nivel plástico, sino también a nivel de

movimiento.

En nuestro diario vivir, convivimos con miles de expresiones artísticas, en lo que

vemos en la televisión, en lo que leemos, en la ropa que usamos, en lo que

escuchamos, y en ellas es muy probable que encontremos huellas de las

vanguardias.

Lo único que nos hace falta es observar más y así nos daremos cuenta que estamos

rodeados de nuestra historia, nuestro diario vivir nos está contando lo que se ha

vivido durante los años, no podemos ser ajenos a nuestro pasado.

Luego de terminar este trabajo puedo realizar un ejercicio más concienzudo de

análisis de lo que me rodea, no solo a nivel pictórico o plástico, sino todo tipo de

expresión artística.


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Referencias bibliográficas

-Breton, A (1924) Manifiesto surrealista Recuperado e 2 de diciembre de 2013 de :

http://www.edu.mec.gub.uy/biblioteca_digital/libros/B/Breton,%20Andre%20-

%20Primer%20Manifiesto%20Surrealista.pdf

-Stanglos, N (1994) Conceptos de arte moderno Madrid: Alianza

http://www.edu.mec.gub.uy/biblioteca_digital/libros/B/Breton,%20Andre%20-%20Primer%20Manifiesto%20Surrealista.pdf

http://www.edu.mec.gub.uy/biblioteca_digital/libros/B/Breton,%20Andre%20-%20Primer%20Manifiesto%20Surrealista.pdf


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Bibliografía

-Apuntes de clase

-Heller, E (2008) Psicologia del color – Como actúan los colores sobre los

sentimientos y la razón

-Greskovic,R Ballet 101: A Complete Guide to Learning and Loving Ballet

Recuperado el 1 de diciembre de 2013 de http://www.washingtonballet.org/news-

media/ballet-101/

-News press (2013) Ballet – Opera Basilles Signes Carolyn Carlson. Recuperado el

27 de noviembre de 2013 de: http://www.newspress.fr/Communique_FR_267458_701.aspx

-Wikipedia enciclopedia libre (2013) Danza contemporánea Recuperado el 1 de

docoembre de 2013 de http://es.wikipedia.org/wiki/Danza_contempor%C3%A1nea

http://www.washingtonballet.org/news-media/ballet-101/

http://www.washingtonballet.org/news-media/ballet-101/

http://www.newspress.fr/Communique_FR_267458_701.aspx

http://es.wikipedia.org/wiki/Danza_contempor%C3%A1nea


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Índice de figuras

-Fig.1 Cuadro capturado de Signes Recuperado el 4 de noviembre de 2013 de:

http://www.operadeparis.fr/opera_video/?video_id=2084&video_cat=1

-Fig.2 Recorte y ampliación del telón de la escenografía de Signes

-Fig.3 Recorte y ampliación de las 3 estructuras de la escenografía de Signes

-Fig.4 Manipulación de cuadro capturado de Signes

-Fig.5 Fotografía de un desierto y recorte de los colores cálidos

-Fig.6 Comparación de una bailarina clásica con una contemporánea

Cuadro capturado de la escenografía de Signes

-Fig. 7 Escenografía de Cascanueces y Signes

-Fig.8 Rose with Gray 1924 Kandinsky recuperado el 6 de noviembre de 2013 de:

http://www.wassilykandinsky.net/painting1896-1944.php

-Fig.9 Recorte de cuadros de Signes

-Fig.10 Paleta de colores manejada en Rose with gray y escenografía de Signes

-Fig. 11 Recorte y comparación de formas de Rose with gray y escenografía de

Signes

-Fig. 12 Los Elefantes (1948) Dalí- Recuperado el 29 de noviembre de 2013 de:

http://en.wikipedia.org/wiki/The_Elephants

-Fig. 13 La persistencia de la memoria 1931 Dalí- Recuperado el 5 de noviembre

de 2013 de:

http://www.google.com.co/imgres?imgurl=http://uploads5.wikipaintings.org/images/

salvador-dali/the-persistence-of-memory-

1931.jpg&imgrefurl=http://www.wikipaintings.org/en/salvador-dali/the-persistence-

of-memory-1931&h=196&w=258&sz=1&tbnid=bRy5ix-3V--

dzM:&tbnh=160&tbnw=210&zoom=1&usg=__sBu3EGlLeGumVNJ7TtdclCT1Z80=

&docid=R0JrWDcaWTNDMM&itg=1&sa=X&ei=HIp7UoS-

CIbMsQTI1YG4BQ&ved=0CKABEPwdMAo

-Fig. 14 Recorte de la pieza donde se muestra el trabajo del tiempo

http://www.operadeparis.fr/opera_video/?video_id=2084&video_cat=1

http://www.wassilykandinsky.net/painting1896-1944.php

http://en.wikipedia.org/wiki/The_Elephants

http://www.google.com.co/imgres?imgurl=http://uploads5.wikipaintings.org/images/salvador-dali/the-persistence-of-memory-1931.jpg&imgrefurl=http://www.wikipaintings.org/en/salvador-dali/the-persistence-of-memory-1931&h=196&w=258&sz=1&tbnid=bRy5ix-3V--dzM:&tbnh=160&tbnw=210&zoom=1&usg=__sBu3EGlLeGumVNJ7TtdclCT1Z80=&docid=R0JrWDcaWTNDMM&itg=1&sa=X&ei=HIp7UoS-CIbMsQTI1YG4BQ&ved=0CKABEPwdMAo








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CUERPO C

Eslava, Laura

72912


Dirección teatral

Tarde

05-12-2013

Allochis, Leandro


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Entrevistas:

Ballet /Opéra National de Paris - 20/06/2013 17:10:00

Olivier Debrédu 3 juillet au 15 juillet Signes

Signature du rapprochement entre peinture, musique et danse, Signes est né du désir du peintre Olivier Debré de traduire en une série de tableaux les évocations que lui inspire le sourire.

À partir de ces peintures flamboyantes, Carolyn Carlson met en mouvement les danseurs sur une partition originale de René Aubry.

Cette oeuvre est partie d'une volonté du peintre Olivier Debré de traduire en une série de tableaux les évocations que lui inspire le sourire, premier d'entre les « signes ».

À partir de ces flamboyants paysages peints, représentant différents lieux du monde comme autant de sensibilités et d'humeurs, la chorégraphe Carolyn Carlson met en mouvement les danseurs sur une partition originale de René Aubry, donnant vie à une oeuvre onirique.

Ballet désormais culte du répertoire de l'Opéra, Signes s'impose comme la signature du rapprochement entre peinture, musique et danse qui se répondent et se prolongent mutuellement sur scène.

Traducción:

Firma de la fusión entre la pintura, la música y la danza, muestras nace del deseo del pintor Olivier Debré se traducen en una serie de pinturas inspiradas evocaciones sonreír. A partir de estas pinturas extravagantes, Carolyn Carlson se mueve a los bailarines en una partitura original de René Aubry. Este trabajo es parte de un pintor Olivier Debré se traducirá en una serie de pinturas inspiradas evocaciones sonreír, primero de los "signos". A partir de estos paisajes llamativos pintados, representando diferentes partes del mundo como tantas sensibilidades y humores, coreógrafa Carolyn Carlson mueve los bailarines en una partitura original de René Aubry, dando vida a un trabajo con los sueños. Ahora repertorio de ballet culto de la Opera, los signos se destaca como la firma de la fusión entre la pintura, la música y la danza que se reúnen y se extienden unos a otros en el escenario.

http://www.newspress.fr/Emetteur_FR_701.aspx

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