Universidad de los Andes.Facultad de Humanidades y Educación.

Escuela de Educación.Cátedra: Educación Estética

Formación estética

audiovisual

Profesora: Betty Osorio

Bachiller: Parra D. Paola C.

C.I. 22.986.885

Grupo Nº 4

Mérida, octubre del 2014

Formación estética audiovisual

La expresión "arte audiovisual" empieza a usarse en Estados Unidos en los años 1930 con la aparición del cine sonoro. Sin embargo, empieza a teorizarse en Francia durante la década de los años 1950 para referirse a las técnicas de difusión simultánea. Es a partir de entonces cuando el concepto se amplía y el término se sustantiva. En el terreno de los medios de comunicación de masas, se habla de lenguaje audiovisual y comunicación audiovisual.

El concepto audiovisual significa la integración e interrelación plena entre lo auditivo y lo visual para producir una nueva realidad o lenguaje. La percepción es simultánea. Se crean así nuevas realidades sensoriales mediante mecanismos como la armonía (a cada sonido le corresponde una imagen), complementariedad (lo que no aporta lo visual lo aporta lo auditivo), refuerzo (se refuerzan los significados entre sí) y contraste (el significado nace del contraste entre ambos).

En un audiovisual se percibe la realidad con los cinco sentidos acotando la vista y el oído por ser los protagonistas en la comunicación e interpretación de la realidad. Tanto la vista como el oído perciben en un tiempo y un espacio.

Arte en el tiempo

Arte en edad del renacimiento moderno

El Renacimiento fue fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo. El nombre «renacimiento» se utilizó porque este movimiento retomaba ciertos elementos de la cultura clásica, griega y romana. El término se aplicó originariamente como una vuelta a los valores de la cultura grecolatina y a la contemplación libre de la naturaleza tras siglos de predominio de un tipo de mentalidad más rígida y dogmática establecida en la Europa de la Edad Media, principalmente por el clero. Esta nueva etapa planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, con nuevos enfoques en los campos de las artes, la política, la filosofía y las ciencias, sustituyendo el teocentrismo medieval por cierto antropocentrismo.

El artista tomó conciencia de individuo con valor y personalidad propios, se vio atraído por el saber y comenzó a estudiar los modelos de la antigüedad clásica a la vez que investigaba nuevas técnicas (claroscuro en pintura, por ejemplo). Se desarrollan enormemente las formas de representar la perspectiva y el mundo natural con fidelidad; interesan especialmente en la anatomía humana y las técnicas de construcción arquitectónica. El paradigma de esta nueva actitud es Leonardo da Vinci, personalidad eminentemente renacentista, quien dominó distintas ramas del saber, pero del mismo modo Miguel Ángel Buonarroti, Rafael Sanzio, Sandro Botticelli y Bramante fueron artistas conmovidos por la imagen de

la Antigüedad y preocupados por desarrollar nuevas técnicas escultóricas, pictóricas y arquitectónicas, así como por la música, la poesía y la nueva sensibilidad humanística.

En este momento aparecen grandes maestros, cuyo trabajo servirá de modelo a los artistas durante siglos.

El primero de ellos fue Leonardo da Vinci (1452-1519), uno de los grandes genios de todos los tiempos. Fue el ejemplo más acabado de artista multidisciplinar, intelectual y obsesionado con la perfección, que le llevó a dejar muchas obras inconclusas o en proyecto. Poco prolífico en su faceta pictórica, aportó sin embargo muchas innovaciones que condujeron a la historia de la pintura hacia nuevos rumbos. Quizá su principal aportación fue el sfumato o claroscuro, delicada gradación de la luz que otorga a sus pinturas una gran naturalidad, a la vez que ayuda a crear espacio. Estudiaba cuidadosamente la composición de sus obras, como en la muy difundida Última Cena, donde las figuras se ajustan a un esquema geométrico. Supo unir en sus trabajos la perfección formal a ciertas dosis de misterio, presente, por ejemplo, en la celebérrima Gioconda, La Virgen de las Rocas o el San Juan Bautista.

La Pintura

El Nacimiento de Venus, obra de Botticelli, conservada en la Galleria degli Uffizi, Florencia. El paganismo se introduce en el arte renacentista como contrapunto al mundo hermético y cerrado del medieval en el que Dios era el fin de todo. El ser humano en su individualidad y diversidad será a partir de ahora el objeto máximo del interés de los artistas.

Escultura

Como en las demás manifestaciones artísticas, los ideales de vuelta a la Antigüedad, inspiración en la naturaleza, humanismo antropocéntrico e idealismo fueron los que caracterizaron la escultura de este período. Ya el Gótico había preludiado en cierta manera algunos de estos aspectos, pero algunos hallazgos arqueológicos (el Laocoonte, hallado en 1506, o el Torso Belvedere) que se dieron

en la época supusieron una auténtica conmoción para los escultores y sirvieron de modelo e inspiración para las nuevas realizaciones.

El condotiero Gattamelata, en Padua, por Donatello. El monumento ecuestre conmemorativo apenas sobrevivió a la Antigüedad. La plástica renacentista recupera esta tipología típicamente romana y la aplica, en este caso, al héroe característico de la época: el condotiero o capitán mercenario.

Música renacentista

Al no conocerse la música griega o romana con tanta precisión como la arquitectura y la escultura, la música renacentista no se produce como una restauración de lo antiguo. La música de esta época fue una culminación de los estilos anteriores (Ars nova), buscando naturalidad, proporción y armonía entre texto y melodía.

Características principales:

Unión entre música profana y religiosa. Equilibrio entre las voces. Mayor sentido imitativo en el contrapunto. Progresiva sustitución de voces por instrumentos (se favorece así a la

música instrumental, que también acompaña a la danza). Se amplía el campo de acción de la interpretación musical (templos,

universidades pero también salones, cortes, etc). El músico adquiere mayor importancia social.

El Barroco (Joya falsa): es una nueva forma de concebir las artes visuales esto se inclina en los campos artísticos como la

escultura, la literatura, la arquitectura, la pintura, la música, la danza, la obra y el teatro (1600-1750); además tuvo mucha influencia la iglesia católica Europea, ya que la opinión omitida por la misma tenía mucho peso, importancia en esos tiempos.

El arte barroco en sus más amplias manifestaciones artísticas es un fenómeno complejo de índole social, político y religioso.

El barroco es la continuación al manierismo italiano que prevalece durante la primera mitad del siglo XVI. Si el manierismo comienza a usar los cánones clásicos con artificiosidad, el barroco que le sucede abandona la serenidad clásica para expresar un mundo en movimiento y agitación de los sentidos. Por tanto, la tendencia del barroco es a la exageración y la ostentación.

El “arte clásico” es un concepto de la Historia del Arte que nos remite a la antigüedad, época en la que se forjaron las bases formales y estéticas del arte occidental. Unos ideales a los que se volverán, de forma recurrente, en diferentes momentos de la historia, como comprobaremos a lo largo del curso. El arte clásico hace referencia al arte desarrollado en la cultura antigua de Grecia y Roma. El movimiento artístico que se desarrolló en estos pueblos estuvo basado en la naturaleza y el ser humano, teniendo un valor importante la armonía, el equilibrio, la racionalidad de firma y volumen, y un sentido de imitación de la naturaleza, lo cual se constituyó en la base del arte occidental

El naturalismo

El naturalismo fue un estilo artístico, sobre todo literario, basado en reproducir la realidad con una objetividad perfecta en todos sus aspectos, tanto en los más sublimes como los más vulgares, y cuyo máximo representante e impulsor fue Emile Zola. El Naturalismo tenía como objetivo explicar los comportamientos del ser humano. El novelista del Naturalismo pretende interpretar la vida mediante la descripción del entorno social y descubrir las leyes que rigen la conducta humana. El Naturalismo surge en París; Zola fue el iniciador del movimiento Naturalista, al decidir romper con el romanticismo, crea este movimiento literario; siendo considerado el maestro de este movimiento junto con Gustave Flaubert. En sus obras más importantes describirían de manera cruda y realista el contexto social de París, el lugar de inicio del movimiento

Emile Zola

El romanticismo: tiene una trayectoria en cuanto a la definición de su palabra, porque muchos autores le han dado significados diferentes en el transcurrir del tiempo al inicio era considerado como algo irreal, imaginario formaba parte de una ilusión; posteriormente recibe otra definición por parte de otros autores y es considerado como algo más pasional, sentimental y actualmente se le conoce como la demostración espiritual, sentimental, la sensibilidad y la pasión.

es un movimiento cultural y político originado en Alemania y en el Reino Unido (Gran Bretaña e Irlanda del Norte) a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el clasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas

El impresionismo: El Impresionismo es un movimiento pictórico francés, que surge a finales del siglo XIX. Apareció como reacción contra el arte académico y es considerado el punto de partida del arte contemporáneo.

Los impresionistas, eligieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana. Uno de sus primeros objetivos fue captar una representación del mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos. La luz tiende a difuminar los contornos y refleja los colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbra.

Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los colores primarios (azul, rojo y amarillo) y los complementarios (naranja, verde y violeta). Consiguieron ofrecer una ilusión de la realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de colores cortos y yuxtapuestos.

Tratamiento curricular

BLOQUE: el arte como medio de expresión y comunicación

Elementos de

expresión comunicación en las artes.

Formas.

Formas libres y pequeñas, formas musicales y escénicas.

Formas volumétricas Escultura Arquitectura

Imágenes.

Manifestaciones artísticas y culturales.

Influencia indígena, africana y europea en expresiones musicales venezolanas.

BLOQUE: ritmo, espacio, tiempo y movimiento en las manifestaciones artísticas.

Rimo. Sonido Timbre

Espacio, tiempo, ritmo y movimiento.

BLOQUE: cultura, ciencia, tecnología y arte.

Ciencia y tecnología como recursos aplicable al patrimonio artístico, cultural, natural e histórico.

Romanticismo musical.

Himno de la Entidad Federal.

Instrumentos melódicos y de percusión.

Ciencia, tecnología y arte.

Fotografía, cine, T.V., videos e informática.

BLOQUE: diseño y producción artística.

Diseños Tipos de diseño

Principios del Diseño Industrial:

Función Forma Materiales

Estética y arte según pensadores filosóficos

René Descartes y la estética

Aunque el gran filósofo francés René Descartes (1596-1650) no escribió específicamente sobre estética como tal, sí hace referencia en su desarrollo filosófico a lo artístico y a aquello que puede considerarse como bello y agraciado, en concordancia con la visión europea del siglo XVII.

Por supuesto que uno de los aportes de Descartes es su método de la duda ante todo, y eso se traslada a la comprensión y representación de la realidad. Ya no hay una idealización, como en el caso de los humanistas, sino una racionalización. Por lo que atañe a las cosas externas, no podemos servirnos de las sensaciones para conocer sus esencias, porque las cualidades sensibles no responden a las cosas en sí mismas sino que son el modo de reaccionar del sujeto que las siente.

“Descartes piensa en lo bello,” -dice Raymond Bayer- “no en lo sublime ni en lo cómico, tampoco en lo feo o en la característica en que se encuentran elementos aberrantes. Un objeto es tanto más bello cuanto menos diferentes sean unos de otros sus elementos y cuanta mayor se la proporción entre ellos”. Esto implica que hay también cuestiones de grado, mayores o mejores relaciones, bien sean matemáticas o proporcionales, que a fin de cuentas pasan del racionalismo puro a la deleitación.

SCHILLER:

“La belleza que es cualidad de la obra de arte que deviene

como principio de libertad o autonomía en la apariencia

sensible y se relaciona íntimamente con la “esencia moral del

ser humano que es ser para la libertad” (Schiller, E 990, Carta

XI p. l18).

La acción lúdica por sí misma también forma parte de la

naturaleza humana. Sin embargo, el concepto de juego varía

de acuerdo con la especificidad de la actividad, o del

momento en la historia, pero tal es

la presencia que el juego tiene en

las actividades creativas, desde las

cotidianas a las artísticas, que se

escinden como algo

aparte/diferente que se destaca del

mundo habitual. Esta actividad

respeta algunas reglas; pero éstas

representan una creación libre.

Ellas no están fijadas ni por la

necesidad natural ni por la ley

moral.

Karl Marx Nació en Prusia en 1818 y murió en Londres en 1883. Se le considera junto a Friedrich Engels el padre del

“socialismo científico” 4 y del comunismo. Dos grandes influencias en la teoría marxista son por un lado, la visión materialista de la historia de Feuerbach, y por otro lado, la

dialéctica hegeliana. Se conoce que para Marx el capitalismo con sus características o preceptos básicos (la propiedad

privada, separación del trabajo y del salario, plusvalía, etc.) produce una alienación del trabajador que se convierte en una mercancía más. De hecho, se produce un extrañamiento del

trabajador hacia el producto de su trabajo, y por extensión se produce también un extrañamiento de su interior:

"Todas estas consecuencias están determinadas por el hecho de que el trabajador se relaciona con el producto de su trabajo como un objeto extraño. Partiendo de este supuesto, es evidente que cuánto mas se vuelca el trabajador en su trabajo, tanto más poderoso es el mundo extraño, objetivo que crea frente a sí y tanto mas pobres son él mismo y su mundo interior, tanto menos dueño de si

mismo es”. Por tanto, el capitalismo enajena al trabajador de sí mismo y de su mundo interior, por lo que la belleza o el placer que no sea la mera satisfacción de una necesidad básica no tienen cabida. De hecho, el trabajo produce belleza para el rico, o lo que él llama “deformidades”

ARTHUR SCHOPENHAUER (1788-1860)

Para Schopenhauer nuestro mundo está hecho del mismo material que el de los sueños, el "Velo de maya" de los hindúes. Sólo existe una fuerza cósmica: la voluntad; que tanto hace nacer estrellas como crecer las plantas o generar y liquidar nuevos seres humanos sin cesar. Éstos se ven atrapados en una dolorosa paradoja: no pueden resistirse al impulso de la voluntad ciega e irracional de su propia naturaleza que muchas veces les acarrea el sufrimiento, y a la vez aspiran a estar libres de él. Sólo hay dos formas al parecer de liberarnos o de al menos reducir este sufrimiento. La primera es con la muerte, pero esto es algo de carácter completamente ilusorio y engañoso. Un trance en el que la naturaleza, una vez acabada su función en nosotros, pondrá otro nuevo individuo en nuestro lugar para continuar su tarea sin fin, y el sufrimiento no terminará, haciendo que actos como el del suicidio sean totalmente inútiles. La segunda es la

tarea que llevan a cabo místicos y ascetas, que mediante la aniquilación de su voluntad y su victoria sobre la naturaleza consiguen rasgar el velo de maya, ver "más allá". Ésta es la única salida y victoria posible.

FRIEDRICH NIETZCHE (1844-1900)Friedrich Nietzsche es uno de los autores más reconocidos y admirados. Sobre todo por aquellos que no le han leído. Autor complejo, enigmático, fragmentario e incendiario. Sus textos son provocadores, sumamente estimulantes para el lector, pero es fácil permanecer bajo el embrujo de la forma sin reparar en el contenido.“(...) sólo como fenómeno estético aparecen justificados la existencia y el mundo”. Con esta contundente frase y todas las consecuencias que de ella se derivan podría resumirse la primera etapa del pensamiento nietzscheano. Su obra central, El nacimiento de la tragedia, está inspirada en la filosofía de Schopenhauer y Nietzsche esperaba que sus tesis sobre el arte fueran aplicadas por Wagner en sus óperas. Esta obra es, entre otras cosas, un profundo estudio filológico, artístico y filosófico centrado en el nacimiento y evolución de la tragedia griega. Dos fuerzas esenciales están presentes en estas obras teatrales: por un lado Apolo, el dios griego del sol y la luz, y, por otro lado, Dionisio, el dios del vino y la embriaguez. Ambos dioses son utilizados por Nietzsche de un modo metafórico y simbólico, relacionándose con estos significados: Dionisio es la voluntad (objeto central de la filosofía de Schopenhauer), lo irracional, la noche, lo instintivo, y en la tragedia se correspondería con los momentos musicales y de danza, y aquellos en los que participa el coro. En cuanto a Apolo, representaría la luz de la razón, la armonía, la alegría, la luminosidad del día, y se corresponde con las palabras (lógos, palabra-razón) y los personajes.

Tratamiento curricular

5to GRADO: Proyectos

Tipos de proyectos educativos:

Proyecto educativo integral comunitario:

Es un plan de acción combinado con principios pedagógicos

que busca mejorar tanto la educación impartida como el

funcionamiento del plantel, elaborado por los actores del

plantel, tomando en cuenta las características del mismo, del

entorno social y de las intenciones de los mismos actores.

También se puede de definir como un proyecto, tanto

educativo como político y se relaciona como un proyecto de

sociedad en el que se pasa democracia participativa y se

establecen espacios para que los actores pasen a ser

constituyentes y no solo instituidos en su práctica profesional

y con respecto a su responsabilidad social especifica.

Proyecto de aprendizaje (pa)

Comprende un conjunto de acciones, un grupo de colectivo y

al mismo tiempo lograr aprendizajes o saldos formativos,

transformar y aportar soluciones a los problemas de su

contexto.

Elementos del proyecto de aprendizaje

-Identificación y tiempo.

-Diagnostico/ exploración (¿Qué pasa en nuestra escuela ,

aula y comunidad?)

-Propósitos y objetivos.

-Contenidos (saber, hacer y convivir).

-Plan de acción (espacios/ actividades: comunitarias y

pedagógicas.

-Evaluación (competencias, indicadores, actividades, técnicas e instrumentos).

Proyecto de desarrollo endógeno:

es un modelo de desarrollo que busca potenciar las

capacidades internas de una región o comunidad local; de

modo que puedan ser utilizadas para fortalecer la sociedad y

su economía de adentro hacia afuera, para que sea

sustentable y sostenible en el tiempo. Es importante señalar

que en el desarrollo endógeno el aspecto económico es

importante, pero no lo es más que el desarrollo integral del

colectivo y del individuo: en el ámbito moral, cultural, social,

político, y tecnológico. Esto permite convertir los recursos

naturales en productos que se puedan consumir, distribuir al

mundo entero.

En una organización de este tipo existen individuos o recursos humanos idóneos en alguna rama del conocimiento y están dispuestos a poner ese conocimiento al alcance de los otros miembros de la organización, con el propósito de la transferencia tecnológica voluntaria para el crecimiento de todos. Esto redunda en el fortalecimiento, amplitud, integración y desarrollo de las capacidades individuales y en consecuencia la formación natural de equipos multidisciplinarios de trabajo que cooperan para el desarrollo armónico de la organización en un ambiente sistémico, simbiótico y sinérgico.

Interdisciplinaridad y transdisciplinaridad de la estética y el arte

Estética arte y comunicación

El área de Educación Artística como forma de comunicación y expresión del ser

El arte es un conjunto de creaciones humanas que expresan de manera sensible una visión del mundo, de manera real o imaginaria. Los seres humanos apelan a recursos plásticos, sonoros y corporales para expresar sus emociones, sensaciones e ideas. La noción de arte fue cambiando con el correr del tiempo; en sus inicios, su función era ritual y mágica. El área de Educación Artística fue adaptándose a esas modificaciones.

La educación es un proceso que permite que una persona asimile y aprenda conocimientos; el sujeto adquiere habilidades y valores.

Para el área de Educación Artística, su objetivo no debe ser la copia o imitación, sino el desarrollo de la individualidad de cada alumno. La misma cuenta con las herramientas necesarias para que cada ser humano pueda explotar su potencial.

Forman parte de esta área: Artes Plásticas, Música, Teatro, Expresión Corporal y Danza.

A través de esta área se busca sensibilizar, potenciar habilidades y estimular la capacidad creadora del estudiante; de manera que se convierta en un hombre capaz de transformar su medio familiar, laboral o social, así como buscar mejorar la calidad de vida conservando su identidad personal, regional y nacional.

El conocimiento de lo artístico desde el pensamiento, su sistematización y su organización en el proceso de enseñanza-aprendizaje está orientado hacia la expresión y la sensibilidad artística.

Posibilita la enseñanza de la valoración y el juicio crítico del lugar donde vive. Posibilita el querer aprender y disfrutar de las artes.

Sirve como base y soporte del pensamiento tecnológico.

La naturaleza carece de espíritu; nosotros la hacemos bella a través del arte.

Conclusión

El renacimiento moderno esta vinculado a múltiples actividades artísticas, que fueron surgiendo y tomando postura al transcurrir del tiempo, fue una época importante en el ámbito artístico porque permitió que su enfoque fuera nuevo, innovador y tomo una mirada diferente. De igual forma la formación estética audiovisual toma este rumbo, ya que es una manera innovadora y transformadora para poder apreciar el arte, y así mismo poder mostrar arte de una forma diferente, mas avanzada y que permite implementar nuevas técnicas artísticas.

Bibliografía

www.arteguias.com/renacimiento.htm

historiadelarte07.blogspot.com/2008/08/el-renacimiento.htm

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www.enlaescuelademabel.com/etiqueta/proyectos-educativos

www.ruv.itesm.mx/especiales/citela/documentos/.../contenido_i.htm

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www.ub.edu/dikasteia/LIBRO_MURCIA.pdf

-www.artehistoria.com/v2/contextos/833.htm

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