Teoría Historia del Siglo XX

Tema 1

Cambios tecnológicos: La grabación

1857- Leon Scott crea una máquina capaz de imprimir pero no reproducir las ondas sonoras.

1877- Charles Cros propone pero no construye, la primera máquina capaz de grabar y reproducir

sonido. Ese mismo año Edison la patenta bajo el nombre de fonógrafo. Este canaliza las ondas a

través de una bobina parlante y un diafragma hasta una punta metálica que graba surcos en un

cilindro de hojalata recubierto de cera, que se reproducían invirtiendo el proceso. Sólo se podía

reproducir. Este era capaz de almacenar dos minutos de música y podía registrar obras interpretadas

por pequeños grupos si proyectan directamente a la bocina.

1887- E. Berliner patenta el gramófono que sustituye el cilindro por un disco plano que permite

mayor tiempo de grabación y mayor sencillez en reproducir y copiar.

1920- No más grabación por cilindro. USA gramófono y UK fonógrafo.

Consecuencias sociales

Comercialización de discos entonces, mayor difusión musical

Baja la demanda de representaciones en vivo/conciertos porque la gente puede escuchar

varias veces una obra.

Música como objeto industrial y comercial.

Se utiliza y manipula el gusto del público para generar dinero.

Aparece entonces la música de consumo, que se diferencia de la popular porque tiene

interés económico.

La música culta en el siglo XX muy alejada del público. ¿Educación?

Cambios estéticos

Música del siglo XX muy distinta a la anterior. ¿Será esta la clásica del mañana?

Es distinta porque los compositores quieren demostrar que los marcos tradicionales no

funcionan.

Coexisten diversos sistemas de composición: serialismo, dodecafonismo, tonal

ampliado/politonal, modal, electroacústica, aleatoria...

Se valora la investigación que hace el compositor para desarrollar su propia técnica. (antes

no?)

Nuevas organizaciones de alturas (intervalos): emancipación de la disonancia.

Teoría de la disonancia: 2, 7, 9... frente a la teoría clásica: de la consonancia 3, 5, 6, 8...

El origen de la disonancia según Helmoltz: los armónicos. Cuando los armónicos de dos

sonidos no se corresponden o se corresponden pocos se produce una disonancia.

También depende del timbre, la tesitura y la cultura (en la Edad Media 3=disonancia)

En el siglo XX la disonancia es independiente y no es inestable.

Formas de tratar la disonancia en el siglo XX

Se pierde centro tonal y sus relaciones.

Mahler, Sinfonía 4, nº2

Tonalidad extendida: en una composición se emplean acordes manchados (con tensiones

paleto).

Ravel Pavana para una infanta difunta

Atonalidad: todas las notas de la escala tienen la misma importancia.

Modalidad: todas las notas la misma importancia. La música entendida desde un punto de

vista horizontal. Se retoman los modos griegos o de la cultura china.

Debussy Siete epígrafes antiguos

Ritmo

Heredado de la música popular. Más complejo. Se utiliza para suplir la falta de tensión.

Utilización de compases irregulares: 5, 7... partes. Cambios de compás frecuentes

Acentos a contratiempo

Ritmos irregulares

Stravinsky La consagración de la primavera

Nuevas texturas mediante la combinación de ritmos.

Desarrollo timbres y sonidos

Amplían instrumentos de percusión

Instrumentos no sinfónicos a la orquesta: saxofón, guitarra, acordeón...

Empleo de instrumentos extremos: flautín-contrabajo

Instrumentos electrónicos: ondas Martenot, Theremin, sinte...

Forma

Libertad formal

Forma sonata, rondó... ligadas al periodo clásico y la tonalidad. Todas comparten un sistema

de relaciones jerárquico donde las unidades mas pequeñas se combinan para producir

unidades mayores: frases-periodos-secciones-movimientos. Cuando desaparece tonalidad

también esta sintaxis formal.

El material sonoro genera la forma.

Es más difícil hacer obras largas (sin forma). Webern Drei kleine Stucke

Tema 2 “Música hasta la primera guerra mundial”

Tres grandes periodos

Fin de la guerra franco-prusiana (1871)

I guerra mundial (1914)

II guerra mundial (1939)

Características sociales de una generación a caballo entre dos siglos

La seguridad

Burguesía intelectual

La imposibilidad de una nueva guerra(?)

Doble moral: puritanismo/ expansión de la prostitución y el psicoanálisis freudiano

Compositores

F. Busoni Italiano-alemán

Debussy francés

Gustav Mahler Austríaco

Hans Pfiztner Alemán

Ravel francés

Max Reger Alemán

Satie francés

Strauss alemán

Ferruccio Busoni

Su primera etapa compositiva= último periodo romántico

1907 publicación de Apuntes sobre una nueva estética de la música donde formula bases

técnicas y estéticas de la nueva música del siglo XX. Esto se corresponde con su obra.

En Seis sonatinas para piano y sus operas Arlecchino, Turandot y Doctor Fausto

encontramos signos de modernidad como acordes bitonales, arritmia, escala artificial de

tonos enteros....

Nunca abandona por completo tonalidad, pero si técnica y estética moderna.

Debussy

Música de Debussy= impresionismo musical. Sirve para distinguirlo del estilo alemán,

aunque es anacrónico ya que los pintores comienzan mucho antes su actividad. Mantiene

buenas relaciones con pintores post-impresionistas como Gaugain y con escritores

impresionistas como Verlaine o Mallarmé. *Estos disuelven la sintaxis tradicional (y

Debussy) se pone cachondo lo que permite que las palabras sean apreciadas más por su

valor sonoro y su capacidad evocadora de imágenes que por su significado. Precisamente

esto es lo que hace Debussy con la tonalidad y los acordes. Este escogía la armonía por su

color y timbre sin tener en cuenta su posición funcional en una secuencia armónica. NO NO

NO

La siesta del fauno basada en un poema de Mallarme, es considerada la primera obra de

madurez y comienzo de la música del siglo XX francesa para algunos.

Debussy se preocupa más por lo “superficial”: textura, color, timbre, dinámicas....mientras

que huye de los grandes temas melódicos construyendo a partir de breves partículas

motívicas interconectadas; y de la dirección tonal creando bloques armónicos estáticos.

Utiliza elementos del pasado: modos gregorianos.

Gustav Mahler

Dentro de la cadena de compositores sinfónicos austro-alemanes (Mozart- Haydn-

Beethoven y Schubert, hasta Brahms y Bruckner) es el último eslabón

Utiliza gran orquesta (en sus sinfonías)

Dentro de la gran orquesta introduce pasaje de cámara para crear constraste

Acude a instrumentos populares para crear nuevas atmósferas: mandolina

Al igual que Schubert y Bruckner, introduce lirismo en sus sinfonías que le permite abordar

otro gran género: el Lied

Se mantiene dentro de la tonalidad pero anima a Schoenberg a dar el salto, a quien también

influye en la orquestación

Hans Pfitzner

Su música solo se interpreta en Alemania

Sus obras no sobrepasan los límites tonales del Romanticismo Tardío

Obras más célebres: La ópera Palestrina y el Concierto para violín en Si m (aportación

importante al repertorio de violín)

Pfiztner vs corrientes basadas en cálculo intelectual. Escribe un polémico escrito vs Busoni

(Apuntes sobre una nueva estética para la música)

Abraza nacionalismo alemán, pero repudiado por régimen nazi al negarse a poner música a

El sueño de una noche de verano de Shakespeare. Este no podía asumirlo por su condición

de judío-alemán.

Maurice Ravel

Uno de los grandes compositores incalificables. Actualiza la tradicional técnica compositiva

mediante procedimientos modernos.

Algunas de sus obras como Juegos de agua, Rapsodia española, y Daphne y Chloé...

recuerdan a la música de Debussy. Aunque Ravel siempre más tonal.

Experimenta y muestra interés por el folklore. Ej.: Rapsodia Española, Sonata Nº 2 para

violín y piano en Sol M (influencia del jazz), Valses nobles y sentimentales (danzas

centroeuropeas)

Realiza brillantes orquestaciones. Ej.: el Bolero donde bajo una melodía repetitiva aparece la

orquestación más extensa imaginable.

Max Reger

Se le puede considerar romántico tardío

Recibe mucha influencia de Brahms

Recibe influencia del contrapunto de Bach como observamos en sus obras para órgano.

El uso cromático que hace de la armonía presagia la música de Schoenberg

Su música es una combinación de elementos conservadores y progresistas. Esto supone un

punto de partida para compositores como Stravinsky o Hindemith

Erik Satie

Es expulsado del Conservatorio de París antes de obtener el título. Se ganó la enemistad de

muchos músicos a lo largo de su vida. Era un persona excéntrica y solitaria. Esto por otro

lado, le conduce a hacer una obra muy original.

Sus piezas eran calificadas de "democráticas" (por su aparente sencillez?)

Los títulos de sus obras eran cómicos como Preludios flojos y así mismo anotaba

indicaciones poco corrientes en las partituras como retardar educadamente, silencio muy

serio, abre la cabeza...

Como Debussy utiliza la melodía del Canto Gregoriano.

Compositivamente la originalidad de sus obras se debe a líneas melódicas poco

desarrolladas que se mueven por armonías disonantes.

Al final fue un adelanto para su época. En algunas de sus obras hay rasgos dadaístas y del

surrealismo posterior.

Richard Strauss

Post-wagneriano que asume la expresión del orgullo alemán tras la victoria de la guerra

franco-prusiana.

Cultiva el estilo de Mendelssohn y Schumann en sus obras de música de cámara.

A finales del S. XIX compone todos sus poemas sinfónicos, que presentan unas texturas

polifónicas complejas, una armonía intensamente cromática y nuevos efectos de color

instrumental surgidos a partir de consideraciones programáticas. Ej.: Don Juan, Así habló

Zaratustra

A principios del XX compone sus 2 primeras óperas: Salomé y Elektra que influyen en la

orquestación posterior y en la armonía, que rompe prácticamente con lo anterior

El resto de su obra operística supone un retroceso donde Strauss utiliza tonalidades más

firmes.

París y los ballets rusos

Los Ballets Rusos fue una célebre compañía de ballet creada por el empresario ruso afincado

en París, Diaghilev, quien reunió a los mejores artistas de la época: escritores como

Mallarmé, poetas como Apollinaire, pintores como Picasso o Matisse y bailarines como la

pareja escénica Nijinsky-Karsavina.

Cuando este muere la compañía desaparece.

Principales estrenos de los ballets rusos en París, con música de los grandes compositores del

momento

Auric: La Pastorale

Debussy: L’aprés-midi d’un faune

Falla: El sombrero de tres picos

Milhaud: Le train bleu

Poulenc: Les Biches

Prokoviev: Chout

Ravel: Daphnis et Chloé

Satie: Parade

Stravinski: El pájaro de fuego (1910), Petrushka (1911), La consagración de la primavera

(1913)

Expresionismo en Viena y Centroeuropa

Paralelamente a lo que está sucediendo en París, en el área germánica se produce una

revolución de la armonía

Schoenberg: se pone al frente de esta corriente frente al wagnerismo que ya se encontraba

en decandencia.

Todo esto impulsa a la creación de una nueva estética y técnica. La técnica va a ser el

atonalismo (evita centro tonal y jerarquías anteriores). La estética aglutina diversas

corrientes del expresionismo y defiende la importancia de los sentimientos y su expresión.

La visión interior del artista cobra mucha importancia.

En sus primeras obras todavía se observan rasgos propiamente wagnerianos. También recibe

influencia de Mahler en la orquestación.

Con su Sinfonía de cámara Nº 1 para 15 solistas (1906), estrena la armonía atonal e

inaugura un tipo de conjunto; y con Pierrot Lunaire (1912), la técnica del Sprächgesang: se

canta con la entonación hablada sin colocar la voz.

La I Guerra Mundial marca el final del expresionismo y Schönberg aprovecha para

sistematizar el atonalismo, cuyos frutos se verían después de la guerra.

Discípulos de Schoenberg

Alban Berg: al atonalismo le incorpora el concepto de "densidad sonora". Esto le permite el

enriquecimiento de texturas mediante variaciones tímbricas y grandes orquestaciones. Su

obra más representativa: la ópera Wozzeck.

Anton Webern: en su primer periodo compositivo explora el atonalismo. Seis Bagatelas

para cuarteto de cuerda. Aunque luego más conocido por el serialismo y dodecafonismo.

Dos casos aislados: Scriabin

Desarrolla corriente compositiva rusa (Mussorgsky, Rimsky-Korsakov); que se caracteriza

por el uso de la escala de tonos enteros.

Su huida de la tonalidad culmina con su obra Prometeo para piano, orquesta, órgano, coro

sin texto, y teclado de luces, instrumento que mandó construir para que emitiera una luz de

color distinto para cada nota. En esta obra está presente la herencia wagneriana, además

introduce un acorde místico que luego se llama "el acorde de Prometeo": acorde por cuartas

Do Fa♯ Si bemol Mi La Re Sol, que surge de la escala de tonos enteros, o podemos

entenderlo desde ahí.

El misticismo ataca a Scriabin y el resultado es la obra Mysterium No llego a ser

interpretada en el tempo Hilamaya, donde el compositor quería, debido a su fallecimiento.

Se aprecia un serialiamos que anticipa a Schoenberg.

El otro tio que va aquí y me la pela gorda

Futuristas italianos

La herencia de Verdi: Puccini, Leoncavallo…Puccini experimenta con las escalas de tonos

enteros, las disonancias, los exotismos… sobre todo en Madame Butterfly. Aunque subyace

tonalidad principal.

Marinetti origina la corriente futurista, que nace con un deseo de romper con lo anterior, y se

aglutinan diversas disciplinas. Ej. de ruptura: cambiar instrumentos de la orquesta por

instrumentos de fábrica como aviones…

Lo más importante de esta corriente es su deseo por mezclar la tecnología con la música, lo

que lleva poder incluir todo tipo de ruidos en la música.

Tema 3 “Nueva música con raíces populares”

Nacionalismo y folklore en Francia

Primer nacionalismo del siglo XIX- de carácter político que consiste en esconder lo popular

con ropajes cultos.

Segundo nacionalismo del S XIX- no carácter político que consiste en la utilización de

elementos populares como en la música culta/de conciertos. Ej.: ritmos y melodías

características

Stravinsky llega a un París debussiano con influencias rusas sobre todo de Rimsky-

Korsakov. Debido a esto sus primeras obras presentan elementos de ambas corrientes. La

verdadera innovación de Stravinsky fue el uso del folklore lo que le permite avanzar en su

música a diferencia de lo que ocurría con el conservadurismo nacionalista. Ej.: La

consagración de la primavera y Petruska donde combina este folklore con procedimientos

compositivos modernos como la politonalidad.

Nacionalismo y folklore en Hungría

Bartok y Zoltán Kodály. Estos se preocupan más por el folklore que Stravinsky y lo

investigan en profundidad mediante estudios etnomusicológicos y trabajos de campo que les

sirven para recopilar canciones populares de Hungría, Norte de África…

En algunas de sus obras el uso del folklore se hace de manera explícita, mientras que en

otras se utiliza un folklore imaginario, donde se utilizan elementos populares para

enriquecer la música como una escala pentatónica, o ritmos complicados. Ej.: Stravinsky El

castillo de barba azul

Otras obras posteriores importantes: Música para cuerda, percusión y celesta y Sonata para

dos pianos y percusión de Bartok

Influencia de esta vertiente folklórica en otros países del este: Checoslovaquia Janacek y

Martinu, y en Rumanía George Enesco.

Nacionalismo y folklore en España

El uso del folklore en nuestro país fue una combinación de elementos populares españoles y

del impresionismo francés.

Felipe Pedrell importante compositor e investigador del folklore español, que influye

posteriormente en Albeniz, Granados, Falla y Turina

Albeniz hace sobre todo obra para piano. La más famosa Suite Iberia en la que mezcla

folklore español con una brillante y estilizada técnica pianística, que influye posteriormente.

Granados sigue la línea del refinamiento de Albéniz. Su obra más conocida es Goyescas

(1911), basada en los cuadros de Goya, que serviría de base para la ópera del mismo nombre

que se estrenaría en 1916.

Falla. La vida breve, zarzuela que luego convertiría en ópera, fue su última composición

antes de marchar a París donde permaneció 7 años. Luego regresa a España al estallar la I

Guerra. En París se deja influir por Debussy y Ravel y compone, sin perder el lenguaje

folklórico, con una brillante escritura instrumental sobre una sonoridad impresionista. Ej.:

Siete canciones populares españolas (1915), El amor brujo (1915) y El sombrero de tres

picos (1919). Estrenadas en España.

En su último periodo compositivo, Falla se impregnaría del neoclasicismo de Stravinski

como se aprecia en El retablo de Maese Pedro o en el Concierto para clave y cinco

instrumentos.

Turina también en París con los impresionistas y regresó a España al estallar la I Guerra

Mundial donde desarrolló su carrera. Hace uso del folklore andalucista que también se hace

evidente en los títulos de sus obras. Para piano: Sevilla (1908), Sonata romántica sobre un

tema español (1909), Tres danzas andaluzas (1912), Para orquesta: La procesión del Rocío

(1913). Música de cámara: Las musas de Andalucía (1942) para canto, piano y cuarteto de

cuerda.

Nacionalismo y folklore en América Latina

Durante el siglo XIX la música latinoamericana estuvo dominada por los modelos europeos,

principalmente por la ópera italiana. Esta situación cambia con la llegada de un

nacionalismo político y el cambio de siglo.

Hay que destacar tres figuras principales:

Villa-Lobos (brasileño) une la música rural de Brasil con los ritmos sincopados de las

bandas urbanas brasileñas dentro de un lenguaje moderno, que presenta influencias de

Bach. Ej.: Bachianas.

Chávez (mejicano) fusiona el neoclasicismo con elementos de la cultura india

precolombina. Ej.: Sinfonía India o Canto a la tierra.

Ginastera (argentino) pertenece a la generación de compositores posterior a la II Guerra

Mundial. Su producción se puede dividir en dos etapas: una primera en la que emplea el

material folklórico de manera abierta. Ej.: ballet Estancia en el que se describen escenas de

la vida rural argentina; y una segunda en la que utiliza material folklórico sutilmente sobre

una base dodecafónica.

Jazz

El jazz surge en Nueva Orleans como resultado de la combinación de tres tradiciones:

africana (ritmos, acentos sincopados y sonoridad vocal de los espirituales); europea

(técnicas instrumentales y las canciones religiosas de los ingleses e irlandeses); y

estadounidense (bandas americanas de viento metal).

El jazz se basa en la improvisación. Es más importante el intérprete que el compositor

(perdón!!!)

Louis Armstrong ( trompetista y cantante) y Duke Ellington (pianista).

Theolonius Monk (pianista) y Charlie Parker (saxofonista).

Las cantantes: Billie Holiday, Ella Fitzgerald y Sara Vaughan.

Miles Davis (trompetista) y John Coltrane (saxofonista).

Tema 3.1 “El neoclasicismo y el dodecafonísmo”

Corriente que toma elementos del clasicismo para hacer un eso libre de ellos. Nunca con

intenciones conservadoras o puristas. Pretende romper con la tendencia de los grandes conjuntos

instrumentales y las complicadas texturas.

Stravinsky y Ravel

Se le suele considerar el padre del neoclasicismo.

• Durante los años de la guerra Stravinsky se exilia a Suiza y empieza a sentirse atraído por

recursos compositivos más sobrios y menos monumentales y complicados. Por otro lado,

continua haciendo uso del folklore como se aprecia en la ópera de cámara Reynard (1916) o

La historia de un soldado (1918).

• Regresa a París iniciando el periodo neoclasico. Al igual que había usado el folclore utiliza

ahora material, no sólo del clasicismo sino de todos los periodos de la música occidental,

desde un punto de vista moderno sin perder de vista la ensencia de esta música, lo que puede

observarse en las siguientes composiciones:

• Su primera gran obra neoclásica es el ballet que compuso por encargo de Diaghilev en 1920,

Pulcinella, a partir de temas de Pergolesi (1700) y con diseños de Picasso. Stravinsky

decidió no solamente orquestar el material de Pergolesi sino rehacer completamente la obra

respetando el sabor de la música del s. XVIII. Stravinsky reutilizaría sus temas para la Suite

Italiana para violoncello y piano.

• Obra relevante del neoclasicismo de Stravinsky: Octeto para viento que presenta elementos

propios del clasicismo. Ej.: primer movimiento con forma; el segundo es un tema con

variaciones y el tercero, tiene forma rondó

• Otras obras neoclásicas destacables son: Concierto para piano, viento, timbales y

contrabajo (1924); Concierto grosso para orquesta de cámara “Dumbarton Oaks” (Los

robles de Dumbarton) (1938); Sinfonía Clásica (1940) y la ópera The Rake’s Progress

(1951). Las dos primeras toman como referente de su neoclasicismo la música del barroco

mientras que las otras dos del clasicismo.

• Ravel, el gran inclasificable, también coquetea con el neoclasicismo aunque no de una

manera extendida. Un caso concreto es el Adagio assai de su Concierto para piano en Sol M

que recuerda al Larghetto del Quinteto para clarinete de Mozart.

Los seis

Entre los grandes admiradores de Satie, seis de ellos se hicieron amigos y comenzaron a dar

conciertos juntos en 1917. Fue Satie quien por primera vez los llamo “Los seis”, que por

analogía podemos comparar con “los cinco” del movimiento nacionalista ruso. Cocteau era

el portavoz, quien por otro lado manifiestó su rechazo del Romanticismo y sus excesos

mediante un escrito llamado Gallo y Arlequín. Satie era como una especie de padre

espiritual de los seis y simbolizó la Francia de la posguerra.

La propuesta de “Les six” era una música directa, libre de pretensiones (como “la música de

cada día” que proponía Satie), alejada del elitismo de las salas de conciertos y que tomaba

como modelos la música de los circos, del music-hall, de los cafés de conciertos y del jazz.

El grupo de “Les six” se disolvió a los dos o tres años de su formación y cada uno de ellos

Durante los años que duró la guerra, Satie se convirtió en oráculo de los jóvenes

compositores franceses. Seis de estos admiradores se hicieron grandes amigos y comenzaron

a dar conciertos juntos en 1917 bajo el nombre “Les Nouveaux Jeunes”, pero cuando un

articulista se refirió a ellos como “Les six”, por analogía con “los cinco” del movimiento

nacionalista ruso, cambiaron su nombre original. “Les six”, con Cocteau como portavoz al

haber expuesto sus ideas contra el Romanticismo y sus excesos en su manifiesto Le coq et

l’arlequín (Gallo y arlequín); y Satie como una especie de padre espiritual, simbolizó la

Francia de la posguerra.

La propuesta de “Les six” era una música directa, libre de pretensiones (como “la música de

cada día” que proponía Satie), ligera de toque, alejada del elitismo de las salas de conciertos

y que tomaba como modelos la música de los circos, del music-hall, de los cafés de

conciertos y del jazz.

El grupo de “Les six” se disolvió a los dos o tres años de su formación y cada uno de ellos

tomo su propio camino. El grupo lo conformaban: Francis Poulenc (1899-1963), Darius

Milhaud (1892-1974), Arthur Honegger (1892-1955), Georges Auric (1899-1963),

Germaine Tailleferre (1892-1983) y Louis Durey (1888-1979).

Arthur Honegger

De los miembros de “Les six” Honegger es el que más se aleja de las ideas originales del

grupo.

Honegger desarrolla su propia línea. Su neoclasicismo se basa en un estilo de oratorio

moderno tomado del barroco, algo demasiado serio y estilizado como para encajar en la

sencillez de los seis. Dentro de este género algunas de sus obras más reconocidas son El rey

David (1921) o Juana de Arco en la pira (1935).

Asimismo, se sentía fuertemente atraído por la tecnología. Ej.: Pacific 231 (1923), inspirada

en el sonido de una locomotora. Esto permite establecer un estrecho vínculo con los

futuristas italianos.

Al final, la idea del colectivo de compositores fue más atractiva y exitosa. Ninguno de los

seis por separado alcanzó tal reconocimiento ya que nos encontramos en una época que

rechaza cualquier vestigio de individualismo romántico.

Milhaud

Este combina el estilo barroco del neoclasicismo con folclore brasileño, con el objetivo de

enriquecer a este último. Ej.: “Suite para piano” Saudades do brasil. En esta obra también

politonalidad.

Como buen les six se aleja de la música pretenciosa buscando refugio en la música de

cabaret y el jazz. La creación del mundo, ballet-música bailable.

Muy prolífico. También música incidental para teatro, cine...

Francis Poulenc

Fue el que más permaneció, a lo largo de su vida, comprometido con el espíritu original de

la formación de les six.

Hace uso de formas clásicas a través del neoclasicismo

El uso que hace de la tonalidad es bastante conservador ya que respeta el tradicional uso de

triadas en la conformación de acordes y la tensión-distention. A veces inflexiones modales.

Melodías alegres y sencillas.

Sentía predilección por el viento madera. La obra que completo para ellos fue la de flauta, la

de oboe y la de clarinete. También Sexteto para piano, flauta, oboe, clarinete, fagot y corno

(1932).

A partir de 1936, se hace religioso y empieza a componer música de este género, alejada de

la vitalidad que había caracterizado su trabajo anterior: Stabat Mater (1950) o Gloria.

Se separa de su gran amor y compone la ópera en un acto y cantada por un solo personaje La

Voix humane (1958): una mujer recibe la llamada telefónica de su amante quien le comunica

que tiene la intención de abandonarla.

Influencias fuera de Francia

ALEMANIA. Hindemith (1895-1963): recibe influencia de “Les six” del cabaret, el music-

hall y el jazz. Su neoclasicismo bebe del barroco y del contrapunto de Bach.

ESPAÑA. Falla (1876-1946): neoclasicismo por ejemplo en el Concierto para clave y cinco

instrumentos (1926). Así mismo algunos compositores de la Generación del 27 siguieron

esta corriente: Ernesto Halffter (1905-1989) en su Sinfonietta (1927); su hermano Rodolfo

Halffter (1900-1987) en el ballet Don Lindo de Almería (1926) y en las Sonatas del

Escorial (1928).

HUNGRÍA. Bartók (1881-1945): su ballet El príncipe de madera (1917) influencia de

Stravinsky que también se puede observar en su Concierto para piano Nº 1, cuyo

neoclasicismo está inspirado en el contrapunto de Bach.

USA. Algunos compositores estadounidenses de los años que siguieron a la I Guerra

Mundial estudiaron en París con la profesora Nadia Boulanger, gran admiradora de

Stravinsky, por lo que el enfoque de su enseñanza fue principalmente neoclásico.

RUSIA. Prokovief (1891-1953): ruso exiliado en París y posteriormente en USA tras la

revolución rusa. En su Sinfonía Clásica (1917), su neoclasicismo sigue el esquema de las

sinfonías de Haydn; en su ópera El amor de las tres naranjas hay influencia de “Les six”;

mientras que en el ballet Romeo y Julieta (1938) basa su neoclasicismo en el Romanticismo.

Tema 4 “El dodecafonismo”

Consiste en una serie de 12 sonidos/notas de la escala cromática en u orden determinado sin

que exista ninguna jerarquía entre ellos.

La serie dodecafónica se expone al principio de la obra en su forma original. El orden de la

serie siempre se mantiene ya que ningún sonido puede repetirse más que otro porque

volveríamos a la jerarquía de antes.

Se puede utilizar una serie dodecafónica o más.

Todas las series tienen 4 posiciones básicas:

1. La serie principal P

2. La retrogradación de la misma R: leer de atrás hacia adelante

3. La inversión I: invertir los intervalos haciendo ascendentes los descendentes y a la

inversa

4. La retrogradación de la inversión RI: leer de atrás hacia adelante la serie invertida.

Cualquiera de las series principales puede transportarse a cada uno de los 12 grados de la

escala, con lo que (12x4) habría 48 series básicas.

Schoenberg

Antes de componer su obra se dedica varios años a sistematizar su propia técnica atonal. Lo

que Schoenberg revoluciona es la armonía mientras que el ritmo y la forma continúan siendo

los tradicionales de la época brahmsiana.

Según lo que este dice, con el nuevo procedimiento compositivo: “asegurará la supremacía

de la música alemana para los siguientes 100 años”.

Gran parte de su obra utilizaría su propio sistema que también se puede enmarcar en

diferentes corrientes. Suite für Klavier y el Quinteto de viento, pertenecen a la corriente

neoclásica; mientras que el String Trio a la estética expresionista.

El propio Schönberg reconoció las limitaciones de su sistema frente a la tonalidad. Con

su ópera inacabada Moisés y Aaron (1931-32): Moisés es el visionario que se comunica con

el Dios de los judíos pero no sabe transmitírselo al pueblo. En cambio Aaron tiene facilidad

de palabra pero no entiende la palabra de Dios. El personaje de Moises utiliza

dodecafonismo, mientras que Aaron canta dentro de la tonalidad.

Compositores que aplican el dodecafonismo

Alban Berg (1885-1935): siguió a su maestro en el dodecafonismo pero sin olvidarse de la

tonalidad ,ya que este no le era suficiente para satisfacer sus necesidades expresivas.

Anton Webern (1883-1945): utilizó un dodecafonismo muy limitado, una única serie por

composición, a la que somete a muchas transformaciones (aumentación, disminución,

inversión, retrogradación, espejos, utilizando el silencio como elemento constructor…)

Stravinsky (1882-1971): en la última etapa de su vida (1953-1971) se “convierte” al

dodecafonismo dos años después de la muerte de Schönberg.

Pierre Boulez (1925): estilo serial post-weberiano.

Roberto Gerhard (1896-1970): influencia de Granados y Falla que le llevan a componer

piezas donde se hace uso de ritmos folcloricos y armonía dodecafonía. El dodecafonismo

español, al igual que la Generación de Compositores del 27, desaparecería con la Guerra

Civil.

Tema 4.1 “Microtonalidad e instrumentos electrónicos”

El microtonalismo surge por un interés en la exploración de sonidos más pequeños que el

semitono por medio de la subdivisión. Esto impulsa la creación de nuevos instrumentos, que

puedan emitir dicho sonidos. Ej.: instrumentos de cuerda sin trastes

El compositor checo Alois Hába (1893-1973) fue el principal defensor de la música

microtonal durante el periodo de entreguerras. Escribió Nueva teoría de la armonía donde

propone diferentes sistemas microtonales e instrumentos que pueden ejecutar dichos

sistemas.

El mejicano Julián Carrillo (1875-1965) desarrolló un sistema microtonal llamado Sonido

13. Sus primeras obras microtonales datan de finales del siglo XIX pero no se publicaron

hasta la década de 1920. La más famosa es Preludio a Colón.

Corriente experimental en USA

E. Varèse (1885-1965), francés nacionalizado americano, para él la melodía no es el

elemento más importante. Debido a ello evita los instrumentos de cuerda y cuando los

utiliza siempre de acompañamiento o como instrumentos de percusión. Los instrumentos de

viento metal, madera y percusión son los que se ajustan a su nueva sonoridad: Intégrales

(1925) Ionisation (1931) Y Density 21.5 (1936).

Por otro lado, Varèse busca nuevos instrumentos y nuevos medios técnicos, al principio

imitando a los futuristas italianos para más tarde sofisticarse, y para ello solicitó ayuda a

científicos. Después de la II Guerra Mundial es cuando dispone de verdaderos avances

técnicos. En Déserts (1954) combina secciones electrónicas con puramente instrumentales

de viento y percusión; mientras que en Poème électronique (1958) incluye sonidos

electrónicos junto a sonidos grabados: algunos musicales y otros procedentes de ruidos.

• H. Cowell (1897-1965) estadounidense que incluye en sus obras sonidos no occidentales.

En The Tides of Manaunaum utiliza “clusters”: bloques sonoros formados por la

superposición de segundas mayores, proponiendo un sistema de notación para ellos. En The

Banshee extendió las posibilidades técnicas del piano rasgando, punteando o sacudiendo las

cuerdas.(Así que este es el pionero fiera de esta práctica que en muchos casos es absurda).

• Cowell creó también el “ritmicón”, instrumento de percusión mecánico que relaciona la

armonía con diferentes esquemas rítmicos. Asimismo introdujo por primera vez el término

“indeterminación” al dejar a cargo del intérprete el número de veces que se podía repetir un

pasaje, tal y como se aprecia en Mosaic Quartet (1935).

• Incorpora nuevos sonidos a partir de música con raíces folclóricas: Ensemble para quinteto

de cuerda y tres “thundersticks”, tipo de baquetas que utilizaban los indios-americanos.

• Harry Partch (1901-1974) estadounidense que empieza a utilizar música no occidental. Ej:

Genesis of a music, donde utiliza microtonalidad, y exige que la música fuera “corpórea”,

tener en cuenta movimientos corporales para una buen interpretación y que música imitación

de fisiología humana. Para esto “adaptar” los instrumentos tradicionales y diseñar nuevos.

• Partch durante seis años vivió como un vagabundo por USA. En 1941 comenzó a producir

piezas para voces “entonadas” utilizando palabras de sus últimas experiencias. Ej.: The letter

uso de fragmentos de una carta de un amigo suyo vagabundo.

• También creación de nuevos instrumentos en cuanto al timbre y afinación. Ej.: “Marimba de

diamante” y “Canon armónico”.

• La composición más importante de Partch fue Delusion of the Fury (1966), una obra

dramática basada en una obra Non japonesa.

Nuevos instrumentos

Sobre todo de percusión procedentes de música no occidental

África: calabash, balafón...

Iberoamérica: marimba, congas, bongos...

Oriente: crótalos, platos chinos, gongs...

Los instrumentos electrónicos

Telearmonium: inventado por el pionero canadiense Taddeus Cahill, era un instrumento

que producía un sonido y lo transmitía por teléfono. No tuvo mucho éxito comercial, se

supone debido a problemas logísticos ya que pesaba 200 toneladas.

Theremin: inventado por el ruso León Theremin en 1920 y cuyo sonido se controla

moviendo las manos entre dos antenas.

Ondas Martenot: inventado por el francés Maurice Martenot en 1928. Consta de un amplio

repertorio de compositores de la talla de Milhaud, Messiaen o Varèse.

Tema 5 “Posiciones conservadoras y por imposición política”

Posiciones conservadoras

Escandinavia

Durante el cambio de siglo Finlandia desarrolla un fuerte orgullo nacional.

Sibelius: utiliza elementos de la literatura finlandesa en sus obras programáticas. Ej.:

Finlandia. A principios del XX, su estilo más abstracto dándole importancia al material

temático. Continua estética brahmsiana y grandes formas del siglo XIX. Ej.: sus sinfonías y

Tapiola poema sinfónico. Su fama se extiende por EEUU e Inglaterra.

Nielsen: compositor, contemporáneo de Sibelius, más importante. Muy conocidas sus 6

sinfonías.

Inglaterra

Desde Purcell, Inglaterra no había dado un compositor igual por lo que este terreno estaba

dominado por Haendel durante la primera mitad del s. XVIII y por Mendelssohn durante el

s. XIX. Será a principios del XX, cuando aparecen Edward Elgar y Frederick Delius

quienes llevarían a cabo el Renacimiento inglés, preparando el terreno para la nueva

generación de compositores ingleses: Williams, Holst, Walton y Britten.

E.Elgar (1857-1934) utilizó un lenguaje musical realmente conservador y muy inglés. La

primera obra reconocida fue Variaciones Enigma. Después tenemos los famosos Conciertos

para violín y violoncello. Sus dos sinfonías con influencia del último Romanticismo alemán,

que sirvieron de precedente a la tradición sinfónica inglesa.

F. Delius (1862-1934) también conservador pero se deja influenciar por el impresionismo

francés sin perder su carácter nacionalista. Menos reconocido que Elgar. Su fama empieza

por sus poemas sinfónicos, su música para orquesta y coro, y por su ópera A Village Romeo

and Juliet.

Inglaterra II

• Britten: utiliza la técnica moderna del contrapunto de masas sonoras, pero siempre dentro

de la tonalidad y con un claro lirismo. Ej.: Sinfonía Simple para Cuerdas op. 4. Con su ópera

Peter Grimes contribuye notablemente a la tradición operística inglesa.

• Vaughan Williams se interesa y hace uso de la música folclórica de Inglaterra y continua

con la tradición compositiva inglesa (desde Dunstable (s. XV) hasta Purcell) La Fantasía on

a Theme by Thomas Tallis (1910), derivada de los modelos barrocos, fue su primera

composición instrumental que puede considerarse un precedente de sus nueves sinfonías

posteriores. Estas son conservadoras.

• Gustav Holst estuvo muy unido a Williams. Compartieron su formación e interés por la

música folclórica y la tradición compositiva inglesa. Pero Holst fue más aperturista

interesándose por la literatura y el pensamiento hindúes, lo influyó sobre su música como en

la ópera de cámara Savitri (1908); y la astrología, que le lleva a componer su obra más

conocida: Los planetas (1916).

• Walton: en su primera se observan influencias de Schoenberg, Les six y Stravinsky. Ej.:

Façade (1922). Posteriormente orienta su música hacia los modelos sinfónicos tradicionales

colocándose como descendiente directo de Elgar: Ej: Oratorio La cena de Baltasar (1931).

Luego, compone música para películas basadas en obras de Shakespeare y realizadas por el

actor y director Laurence Olivier: Enrique V, Hamlet y Ricardo III.

URSS

Rachmaninov (1837-1943) alejado de las corrientes del s. XX y heredero a la tradición de

Tchaikovsky. Obras más conocidas: segundo y tercer concierto para piano y sus tres

sinfonías. Texturas son homofónicas, armonía tradicional, líneas melódicas regulares y

periódicas, y regularidad rítmica. Después de la Revolución Rusa se exilia a EEUU donde

compone considerablemente menos siendo tan sólo destacable la Rapsodia sobre un tema de

Paganini op. 43 (1934).

Por imposición política

Alemania: los repudiados

Con la victoria del partido nacional-socialista y el nombramiento de Adolf Hitler como canciller

alemán, el arte innovador y moderno fue etiquetado por el régimen de “degenerado”.

Paul Hindemith (1895-1963) en la década de los 30 y con el objetivo de reducir la distancia

entre el público y el compositor se dedica a hacer música que pueda ser interpretada por

quien quiera, no solo profesionales. Hindemith problemas desde la llegada de Hitler al

poder. Su ópera Matías el pintor (1935) se prohibió. Debido a esto, se exilia primero a Suiza

y luego a EEUU.

Kurt Weill (1900-1950) sigue una línea parecida a la de Hindemith: tras una etapa

neoclásica empieza a hacer un tipo de música para todos los públicos, con el objetivo de

despertar conciencias políticas (tiene una función social más que elitista). En la década de

los 30, Weill se asocia con el poeta y dramaturgo Bertolt Brecht (1898-1956) con el

objetivo de hacer música escénica alejada del virtuosismo, con diálogos descarados y con la

única intención de entretener al público. Ej.: La ópera de los tres peniques (1928). Cuando

los nazis toman el poder, la obra de Weill es prohibida y emigra a EEUU donde continua su

lucha social.

Alemania: Los aceptados

Los compositores alemanes que eligieron para su obra un estilo conservador no ofendieron a las

autoridades políticas.

• Este fue el caso de Carl Orff, quien desarrolla un estilo suficiente conservador y a la vez

original. Por ejemplo en Carmina burana, el arreglo de una serie de canciones medievales

obscenas, se hace mediante una sencilla disposición silábica. La armonía es tradicional, se

basa en acordes de tríada, que lleva a la sencillez melódica. Este uso tradicional de la

armonía y la tonalidad alcanza sus máximas consecuencias en la obra teatral Die Bernauerin

(1947), donde todas las secciones habladas alternan con los desarrollos del texto, puramente

rítmicos y acompañados de percusión.

• Lo más importante de su carrera fue su labor como educador infantil. Desarrolló un sistema

pedagógico conocido como el Método Orff que permitía interpretar música sin

conocimientos previos. (qué miedo, no?)

URSS

Bajo el mandato de Stalin, en 1932, se crea la Unión de compositores soviéticos. Este organismo

impone el llamado “realismo socialista”, que obliga a los compositores a escribir música en relación

a las virtudes de la revolución social de aquel entonces. Esta debía por tanto, ser de carácter social

incluyendo elementos de la tradición folklórica y popular. Cualquier otro tipo de música era

condenada (formalista-sin contenido)

• Sergey Prokofiev (1891-1953) se exilia, después de la Revolución Rusa, a EEUU y luego a

Francia. Regresa a la URSS donde sus composiciones anteriores fueron consideradas como

“formalistas”. Prokofiev no quiso comprometer su conciencia musical totalmente y caminó

sobre una delgada línea entre la aceptación oficial y sus inclinaciones artísticas. En 1948 el

“zar cultural”, censura toda su por ser “ajena al pueblo ruso”. Por tanto ultimas

composiciones más conservadoras.

• Dimitri Shostakovich (1906-1975) se forma en la época de la Revolución por tanto sus

primeras composiciones llegan a ser representativas del ideal de arte soviético (su 2ª y 3ª

sinfonías incluyen textos marxistas en las partes corales). Pero con su ópera Lady Macbeth

del distrito Mtsensk, el diario oficial del partido Pravda arremete contra la obra por su tono

burgués. En el resto de la Europa Occidental su obra estaba teniendo bastante éxito por eso

las autoridades rusas entran en acción. En 1948 el zar cultural también prohíbe la obra de

Shostakovich. Sus obras pasan a ser más conservadoras hasta que al final de su vida deja de

estar influenciado por las presiones externas y desarrola un lenguaje más arriesgado como se

ve en su en su Cuarteto Nº 15 (1974).

Tema 6 “La música después de la II Guerra Mundial: serialismo y aleatoriedad”

El nuevo panorama geopolítico y cultural

• Mucha emigración a EEUU lo que lleva a este país a ser el centro artístico de Occidente.

• La mitad de Alemania, así como Hungría, Checoslovaquia o Polonia, países del este de

Europa que ligados a occidente, ahora se alían política y económicamente a la URSS.

• Los países de la vieja Europa debido al derrumbamiento de los imperios coloniales, se unen

económicamente en lo que llaman mercado común que simulaba en cierta medida el carácter

perdido de una nación.

• Los países del “Tercer mundo”, localizados principalmente en África, Sudamérica y el

Medio Este, surgen como una cuarta potencia a tener en cuenta.

Dos movimientos musicales contrapuestos:

• Serialismo integral: es una ampliación del serialismo dodecafónico. Por medio de

operaciones seriales se estructuran todos los elementos que integran una partitura:

melódicos, rítmicos, dinámicos, texturales y formales.

• La vía que abre Webern se considera la más sugerente. Al principio el serialismo integral da

origen a obras “puntillistas”, con eventos aislados, que más tarde evolucionó a crear obras

con eventos agrupados, “serialismo de grupos”, que llegaría a denominarse “organización

total” al tener controlados todos los parámetros musicales.

• Aleatoriedad: nació como contraposición al serialismo integral que controlaba todos los

aspectos compositivos mientras que el azar es el factor que rige esta corriente.

Serialismo en Francia

• Olivier Messiaen (1908-1992): antes de la guerra ya era un compositor consagrado, aunque

con Quartet pour la fin du temps compuesta en un campo de concentración, ejerce una

influencia crítica sobre los jóvenes compositores europeos como Boulez o Stockhausen de

quienes fue maestro.

• Sistematiza su técnica compositiva, caracterizada por su rigor y objetividad, en su libro

Technique de mon language musical (1944). Este trata las características del sonido musical

(melodía, ritmo, dinámica y timbre) de manera individual; con el objetivo de lograr una

mayor flexibilidad rítmica eliminando los conceptos de medida y compás. Crea un concepto

rítmico de ampliación y disminución que consiste en sumar o quitar una figura rítmica

escogida, por supuesto, fuera de compás; y la utilización de estructuras rítmicas simétricas o

de “ritmo no-retrógrado” para que no variara al retrogradar la serie.

• Como gran ornitólogo que era transcribió cantos de pájaros, transformándolos en

composiciones como El despertar de los pájaros (1953) o en Pájaros exóticos (1955-56)

para piano solo, 2 clarinetes, xilófono, percusión y orquesta de viento.

• Pierre Boulez (1925): Crítica a Schoenberg, ya que consideraba que este dentro de su

sistema dodecafónico se había limitado a aspectos melódicos y abandonando los rítmicos,

dinámicos, texturales y formales. Por otro lado, defiende a Webern, quien considera que es

el nuevo gran músico. A pesar de todo, en sus primeras obras se encuentran influencias de

ambos: Sonata para piano Nº 1 (1946), Sonata para piano Nº 2 (1948).

• La obra Structures para dos pianos (1952) representa su serialismo integral. Esta es un

homenaje a Messian. En ella hay material de Messian trabajado a la manera de Boulez. Con

el serialismo observa que la rigurosidad del serialismo integral tiene como resultado en el

oyente en vez de un gran orden, una impresión de ser casual, por no mencionar las

dificultades interpretativas.

• En Le Marteau sans maître (El martillo sin dueño) (1955) con texto del poeta surrealista

René Char para contralto, flauta, viola, guitarra y percusión. En esta obra Boulez abandona

el “puntillismo”, preocupándose más por los aspectos tímbricos, y de textura al jugar con las

distintas combinaciones instrumentales y vocales, es decir, aplicando el “serialismo grupal”.

Serialismo en Alemania

Stockhausen (1928-2007): pasa por varias etapas: 1) serialismo integral, 2) aleatoria, 3)

concreta y electrónica. Serialismo integral: Kreuzspiel (1951). Luego en Klavierstucke I-IV

(1953) se aprecia un mayor interés por la forma y la textura en detrimento de las relaciones

interválicas; Con Gruppen (ejemplo de serialismo grupal) (1955-57) para tres grupos

orquestales que tocan a diversos tempos y están situados alrededor de la audiencia, priman la

sonoridad instrumental y la densidad textural. En la música tradicional nunca podría darse

esta situación porque los diferentes niveles están controlados para no anular el contenido

armónico, melódico o rítmico de ninguna sección (para que no suene a bola, vamos). Es

necesario señalar el tratamiento/la importancia que Stockhausen da al espacio como si fuera

otro parámetro musical.

Serialismo en EEUU

Babbitt (1916-2011): su serialismo integral se aprecia en sus Tres composiciones para

piano (1947) donde tanto los elementos melódicos como los no melódicos están

estructurados por medio de operaciones seriales.

Aleatoriedad en EEUU

John Cage (1912-1992): estudia con Cowell de quien hereda el interés por los nuevos

sonidos y por la aleatoriedad que ya se deja ver en Living Room Music (1940) para

percusión y cuarteto vocal, donde las partes de percusión pueden ser tocadas en mesas,

paredes... Su aleatoriedad se hace más evidente en Music of changes (1951) donde todo es

elegido al azar mediante el lanzamiento de una moneda al aire y la utilización de cartas de

navegación de un libro de las revelaciones chinas. La obra más polémica de este periodo fue

4’33” (1952).

Earle Brown (1926-2002): December 1952. Su aleatoriedad también se aprecia en

Available Forms I (1961) donde el director decide qué parte interpretar.

Morton Feldman (1926-1987): el azar no es la base de su composición sino notas

interpretativas. Basa su música en la imitación de los colores de la pintura expresionista

abstracta, con sonidos. Diseña diferentes tipos de notación gráfica: Projection IV (1951).

Aleatoriedad con los serialistas integrales europeos

Estos compositores europeos reconocen la afinidad de la aleatoriedad con el serialismo integral; el

control de todos los parámetros luego suena casual y la idea de que las secciones de una

composición puedan ser reordenadas no se aleja del serialismo. La gira que realizó Cage por Europa

en los años 50, impulsa a Stockhausen y a Boulez a acercarse al serialismo de una forma más

intuitiva.

Karlheinz Stockhausen (1928-2007): en Zyklus (1959) deja a elección del percusionista

solista el punto de inicio. Los demás parámetros están perfectamente delimitados por lo que

resulta una indeterminación calculada.

Pierre Boulez (1925): en su Sonata Nº 3 para piano (1955-63) compone secciones que

pueden ser tocadas en diferente orden, aunque solo una vez.

Aleatoriedad en otros europeos

Destacaremos:

Lutoslawski (1913-1994): compositor polaco que mezcla la aleatoriedad con el uso del

folklore de Bartok. En vez de aplicar la indeterminación a la forma como hicieron Boulez o

Stockhausen, Lutoslawski la destina a los detalles rítmicos y a la coordinación de los

instrumentistas tal y como se puede ver en su Cuarteto de cuerda (1964)

Implicaciones del serialismo y la indeterminación

El serialismo grupal dio lugar a la MÚSICA TEXTURAL donde priman los atributos sonoros

frente a cualquier parámetro musical.

Penderecki (1933-): este compositor polaco desarrolla la idea de los “cluster” de Cowell

aplicándolos a conjuntos para conseguir complejas texturas: Lamentación por las víctimas de

Hiroshima

Ligeti (1923-2006): compositor húngaro, que recibe influencia del folklore de Bartok, tambien

empieza a trabajar con el cluster: Atmósferas

Con la aleatoriedad es necesario un nuevo sistema de notación. Muchos compositores se animan a

explorar nuevos sistemas llegando a prestar tanto interés por las características visuales de la

música: músicas gráficas. Ej.: De los siete días Stockhausen. A su vez, la falta de indicaciones

precisas en las partituras obligan al intérprete a improvisar pero no de una forma libre como en el

jazz en el que el verdadero compositor es el intérprete sino que es una improvisación canalizada en

el que el músico debe intuir el resultado que quiere el compositor.

Reacción al serialismo integral y la aleatoriedad: la música estocaustica

Xenakis (1922-2001): este compositor rumano y nacionalizado francés, dice “no” a la

música serial porque consideraba que se destruía a sí misma con tanta complejidad; y la

música aleatoria porque anulaba la función del compositor. La solución a esto era incorporar

tanto la determinación como la indeterminación. Basándose en la ley matemática de

Bernoulli (s.XVIII): cuanto más aumente el número de veces en que se produzca un hecho

casual más posibilidades hay de determinarlo; concibió la música estocástica como música

indeterminada en sus detalles pero que se dirige a un final definido.

Gracias a sus estudios de matemáticas e ingeniería que le habían llevado a ser el ayudante

del arquitecto Le Corbusier, comenzó a generar parámetros musicales mediante métodos

matemáticos. Ej.: Metastasis (1955) donde los glissandos están dibujados en gráficas con

sus valores exactos.

Temas 7 y 8 "Música concreta, música electrónica, informática musical, performances, gestualismo

y teatro, minimalismo"

Precursores del siglo XX (Repaso anterior)

• Ferruccio Busoni y su obra Apuntes sobre una nueva estética de la música bases de la

nueva estética.

• El Manifiesto de los músicos futuristas relacionó la tecnología con la música conquistando

la infinita variedad de ruidos.

• Edgard Varèse encabezó la tradición experimental en EEUU buscando nuevos instrumentos

y nuevos medios técnicos.

• Aparición de los primeros instrumentos eléctricos: Telearmonium, Theremin, Trautonium,

Ondas Martenot.

• Evolución de los soportes de grabación: desde los primeros cilindros de cera, el disco

grabable con aguja, el hilo magnético hasta la grabación en magnetófono con cinta

magnética en 1935.

Música concreta o acusmática

• Realizar música con sonidos reales grabados. Primeras composiciones en la década de los 40

en los Estudios de Radiodifusión Francesa y los sonidos se procesaban mediante:

• Técnicas de manipulación de la cinta (manual): reproducir a distintas velocidades, al

revés, cortar trozos del sonido, solapar diferentes partes para crear bucles…

• Técnicas de manipulación electrónicas: filtrado de bandas de frecuencia, reverberación,

espacialización del sonido (estéreo y cuadrafónico) y mezcla de diferentes pistas. Como no

existía el magnetófono multipista las mezclas se realizaban reproduciendo varias cintas

simultáneamente en distintos aparatos y grabando el resultado.

Música concreta: GRM

• En los 50, Pierre Schaeffer y Pierre Henry crean el Grupo de Investigación de Música

Concreta (GRM) al cual se unieron compositores como Varèse, Xenakis, Boulez…

• Pierre Schaeffer (1910-1955): Etudes de bruits (1948) con ruidos de peonzas, trenes,

cacerolas, piano, voces…

• Pierre Henry (1927-): En colaboración con Schaeffer compuso en 1949-50 Symphonie

pour un homme seul (Sinfonía para un hombre solo) que sería, como muchas otras obras de

música concreta, coreografiada por Maurice Bejart.

• Boulez: Dos estudios para cinta magnética (1952). En 1977 fundaría el Instituto de

Investigación Acústica Musical (IRCAM).

• Edgar Varèse . Desert obra maestra de la música concreta (para piano y percusión).

• Xenakis: Orient-Occident (1960) para 2 cintas manipuladas y 4 altavoces.

Música electrónica.

También durante la década de 1950 en el Estudio de la Radio de Colonia (Alemania) comenzaron a

realizar música generando sonidos mediante medios electrónicos, como ondas senoidales,

cuadradas... que una vez grabados, podían a su vez ser manipulados mediante los mismos procesos

utilizados en los Estudios de Radiodifusión Francesa. El objetivo era poder controlar todos los

parámetros del sonido, más allá de los que puede controlar un intérprete humano, aplicando el

serialismo integral.

• Stockhausen es el compositor más importante del Estudio de la Radio de Colonia. En sus

Estudios I y II (1954) intentó sintetizar diferentes timbres mediante la suma de ondas

senoidales pero el resultado no le satisfizo ya que los sonidos eran menos ricos que los

acústicos y optó por abandonar el uso exclusivo de sonidos puros electrónicos. En su

siguiente obra El canto de los adolescentes (1956) al estilo de la música acusmática. Esta

mezcla de sonidos electrónicos y concretos es lo que se denominaría música

electroacústica.

• Poema Electrónico de Varese pieza enteramente electrónica, pensada para ser reproducida

por un sistema de altavoces, que se encuentran en el pabellón Philips diseñado por Le

Corbusier y Xenakis.

• Grisey (1946-1998): compositor francés (alumno de los pioneros en la música electrónica y

electroacústica) basa sus composiciones en el sonograma (evolución de frecuencias en el

tiempo) dando lugar a la música espectral. Ej.: Partiels (parciales) for 16 players (1975).

• Tanto la labor realizada en los Estudios de Radiodifusión Francesa como en el Estudio de la

Radio de Colonia sería imitada en Milán, Londres, Tokio, Nueva York… y daría lugar a la

creación en la Radio Corporation of America (RCA) del sintetizador, aparato capaz de

generar electrónicamente sonidos.

Informática musical

• El pionero en el uso del sintetizador fue el estadounidense Max Mathews (1926-2011). El

uso de la señal digital permitió expresar numéricamente todos los parámetros musicales a la

vez que asegurar su repetitividad. Esto no se puede con la señal analógica ya que depende de

muchos factores.

• Luego el físico y compositor Jean Claude Risset (1938-), mejora el modelo anterior

consiguiendo un sonido más cercano al acústico teniendo en cuenta la evolución individual

de cada uno de los armónicos de un sonido. Ej.: Mutations

• John Chowning descubre la síntesis de FM (frecuencia modulada). Consiste en variar

determinado aspecto de una señal (denominada portadora) con respecto a una segunda

(denominada moduladora), generando finalmente una “onda modulada”. Ej.: Stria

• Xenakis inventa un sistema informático (UPIC), donde el usuario dibuja el sonido y el

programa lo traduce en sonido. Mycenae Alpha.

• Todos estos compositores más informáticos que músicos, ya que su objetivo se centraba en

el tratamiento del sonido, más que el resultado musical.

Informática musical: composición por ordenador

En la composición por ordenador ya no se pretende generar sonidos sino que se quiere que el

ordenador componga según las normas de la armonía y el contrapunto, que han sido programadas

previamente. Ej.: http://www.youtube.com/watch?v=jqcoDECGde8 podemos escuchar una

improvisación de jazz de un ordenador que sigue a un músico.

Performance

En la década de los 60, aparece el concepto de performance que implica interactuar con el

espectador haciéndolo parte de la obra. Encontramos los siguientes movimientos:

• Happening: No existe un guion predeterminado porque no se sabe qué va a pasar. Todo

ocurre en el momento y es imposible de repetir. Dentro de esta corriente se crea el grupo

Fluxus. Este debe ser simple, entretenido, tratar de temas triviales... no requiere una técnica

compleja y no tiene pretensiones comerciales.

• Neodadaísmo: surge como respuesta al arte subjetivo del artista, cada vez más ensimismado

y alejado del público, hacia un arte para la sociedad.

• Música conceptual: La idea y el proceso de creación es más relevante que el resultado. La

Monte Young escribe obras puramente conceptuales que consiste en indicaciones verbales

como: “Haz un fuego en frente del público”...

Gestualismo y teatro

Gracias a las performances los músicos bailan y actúan sobre un escenario, lo que conduce a la idea

de la unión de las artes. La expresión corporal, por tanto, empieza a ser requerida en el arte (música

como arte).

• The Helicopter String Quartet de Stockhausen es la máxima representación del espectáculo

multimedia.

• En la obra de Salvatore Martirano (1927-1995) L’s G. A. (1968) el narrador utiliza una

máscara de gas y a medida que avanza la música y las imágenes proyectadas, la máscara se

va llenando de helio y su voz se vuelve aguda e histérica.

• Luciano Berio en Circles (1960) obliga a la cantante a actuar y casi bailar.

• Algunos compositores aprovecharon la gestualidad para incluir en sus obras una carga

política. Ej.: Luigi Nono en Intoleranza (1960) denuncia la hostilidad de la sociedad hacia

los inmigrantes.

Minimalismo

Otra de las corrientes de la década de los 60 fue el minimalismo cuyas características son:

estructuras tonales estáticas, ritmos aditivos, constante repetición temática y extensiones de tiempo

amplias sin ningún objeto de desarrollo.

• La Monte Young (1935-) The tortoise, his dreams and journeys

• Philip Glass (1937-) Einstein on the beach

Temas 9 y 10 "Música postmoderna: música para teatro, cine, televisión y radio"

Música postmoderna

Comienza en la década de los 70, alcanzando su apogeo en el siglo XXI. Engloba diferentes

corrientes como neorromanticismo, postminimalismo, neotonalidad, poliestilismo... y todas ellas

tienen en común texturas simples y acordes triada en contexto no tonales. Los compositores

postmodernos reciben influencia de todas estas corrientes desde el neoclasicimos el serialismo

integral, aleatoriedad, música electrónica....

Compositores postmodernos

Piazzolla (1921-1992): compositor argentino que es un claro ejemplo del poliestilismo ya

que aborda el tango desde un punto de vista moderno, fusionándolo con el neoclasicismo y

el jazz. Por otro lado, amplia la instrumentación sinfónica y de cámara, e instrumentos

eléctricos. Ej.: “Quinteto Nuevo Tango” conformado por bandoneón, piano, violín,

contrabajo y guitarra eléctrica. Para esta agrupación compone Adiós Nonino. En 1972

compuso para una agrupación en la que une a los músicos de tango con los de formación

clásica Concierto de Nácar, para nueve tanguistas y orquesta sinfónica. Años más tarde crea

su “Conjunto Electrónico”: bandoneón, piano, órgano, guitarra, bajo eléctrico, batería y

violín. En 1982 compone Le grand tango para cello y piano.

Henze (1926-2012): compositor alemán y claro ejemplo de poliestilismo ya que en sus

obras observamos elementos del neoclasicismo, dodecafonismo, serialismo integral, jazz,

rock y música popular. Tambien gran compositor de sinfonías de su tiempo.

Sofia Gubaidulina (1931-): compositora rusa cuyas composiciones son de carácter

religioso y místico. The seven last words (Las últimas siete palabras)

Górecki: conocido por su tercera sinfonía.

Alfred Schnittke (1934-1998): este compositor ruso perteneciente a la Unión de

Compositores de la URSS y su estilo es moderno conservador por la política cultural

soviética. Hace mucha música para cine y televisión. En los 70, empieza a a sufrir ataques

políticos y terminó exiliándose en 1989. En el exilio compone una ópera Life with an idiot

de carácter crítico contra la unión soviética.

Arvo Pärt (1935-): compositor estonio cuya música ha sido utilizada en numerosas

ocasiones para cine, teatro o ballet. Ej.: Spiegel im Spiegel (1978) para cello y piano en

Soldados de Salamina de Trueba. Y para el ballet Bamboo dream de Lin Hwai-Min se utilizó

Fratres (1992) en su versión para violín y piano y en su versión para 12 cellos.

William Bolcom (1938-): compositor estadounidense poliestilista que recibe influencia de

la música popular americana. Ej.: “Poltergeist”, ragtime.

Tan Dum (1957-): compositor chino conocido principalmente por la banda sonora de Tigre

y dragón.

Música para teatro y teatro musical

Música para teatro. Desde la antigua Grecia la música ha ido indisolublemente ligada a la

escena. La música tiene un papel muy activo en la representación ya que potencia el sentido

del texto. Algunas de sus funciones son crear una atmósfera dramática, revelar la naturaleza

interior de un personaje, relajar la tensión escénica, hasta representar o incluso sustituir a un

personaje mediante un leitmotiv.

El musical o teatro musical nace en el s. XX. Incluye partes habladas y partes cantadas

como expresión superior a la palabra, donde la música es el vehículo conductor de la trama.

Suele haber danza. El origen de este son Broadway y The New London Theatre donde los

musicales se representan durante años. El primero de Broadway fue Show Boat (1927) y

entre los más destacados se encuentran: West Side Story (1957) de L. Bernstein,, Cabaret

(1966)... y de muchos se han hecho versiones para el cine. Luego revival del género con

versiones en español de Jesucristo Super Star, Los miserables...

Música para cine

En1895, se proyectan las primeras películas en el Grand Café de París. Llegada del tren y Salida de

los obreros de una fábrica con una duración de 15 minutos. Méliès fue quien convirtió el cine en un

espectáculo popular con Viaje a la luna (1902).

El cine mudo. En seguida se le añade música para disimular ruidos técnicos y hacer la

película más entretenida. Se empieza con un piano y más tarde se amplia a grupos de cámara

y orquesta sinfónica. Se tocan a los grandes románticos: Brahms, Mendelssohn, Beethoven...

porque no se pagan derechos de autor.

El cine sonoro. En 1927, Warner hace la primera película sonora, El cantor de jazz,

mediante un sistema llamado Vitaphone, a veces fallaba la sincronización si había cualquier

error. Entonces Movietone que da lugar a la actual banda sonora, (una banda estrecha en un

lado de la película donde van grabados todos los sonidos de la película). Luego se incorpora

el sonido estéreo.

Podemos clasificar la música en:

Música diegética: la música pertenece a la propia escena. Ej.: Radio. Vemos la fuente del

sonido. En caso contrario es música no diegética.

Según cómo la música se incorpora al montaje encontramos:

1. Bloque genérico : la música de los títulos de crédito del principio y final de la

película.

2. Bloque secuencia: la música pertenece a una secuencia concreta.

3. Bloque de transición : la música sirve de nexo entre dos secuencias.

Luego también hay música en primer plano y de fondo.

Compositores del siglo XX en el cine

Britten, Gerschwin, Milhaud, Shostakovich, Prokófiev, Satie, Walton...

Compositores de cine

Nino Rota La dolce vita, Amarcord, El padrino; Henry Mancini La pantera rosa, Desayuno con

diamantes “Moon river”; John Barry James Bond

En España: Antón García Abril El hombre y la tierra, Anillos de oro; José Nieto El Lute: camina o

revienta

Música preexistente adaptada al cine

Así habló Zaratustra de Strauss, Requiem y Lux aeterna de Ligeti en 2001, Odisea del espacio

Música para cuerdas, percusión y celesta de Bartók y la Symphonie Fantastique de Berlioz para El

resplandor

Música popular utilizada en el cine

“Piensa en mí” de Luz Casal en Tacones Lejanos,

“Who wants to live for ever” de Queen en Los inmortales…

Música en radio y televisión

La música presente tanto en la radio como en la televisión de maneras diferentes:

Programas musicales

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Música de fondo

El videoclip

El primer videoclip fue de Queen, Bohemian Rhapsody en 1973. Luego, a partir de I want to break

free o Thriller de Michael Jackson la imagen del músico se hizo tan o más importante que su

música o su voz.

Recientemente tanto la música para películas de animación como para videojuegos a tomado

mucha relevancia e incluso en algunos trabajos se adaptan obras de compositores de todas las

épocas y estilos.