Tecnicatura en Tecnologías de la Imagen

Fotográfica

ANTEPROYECTO

TRINIDAD DE IDENTIDADES

SILVIA TORRI

Mayo, 2018

Paysandú, Uruguay

INDICE:

1. Reflexiones personales.

2. Objetivos.

3. Objeto de estudio: La fotografía.

3.1 Lo técnico.

3.2 Lo estético

3.3 Vinculo personal con la disciplina fotográfica.

4. Fundamentos del trabajo.

4.1 El arte y su vinculación con la fotografía.

4.2 La fotografía a través de los siglos.

4.3 Géneros fotográficos.

4.4 Referentes personales.

5. Marco teórico.

5.1 La biografía en la historiografía artística.

5.2 Géneros biográficos dentro de las artes visuales.

5.3 La biografía y la autobiografía.

6. Propuesta investigativa: del autorretrato a la autobiografía visual.

6.1 ¿En qué medida se puede reconstruir una historia desde

el género fotográfico?

6.2 ¿Hay una categoría estética de la autobiografía en el arte

fotográfico actual?

6.3 ¿Qué género puede organizar y definir la teoría

memorialista, que aporta la imagen a las escrituras?

6.4 ¿Cuál es el tipo de autorretrato que se quiere lograr a

través de la autobiografía visual?

7. Marco metodológico.

7.1 Fase proyectiva.

7.2 Planificación de las actividades.

7.3 Aspectos técnicos.

7.4 Diseño de la presentación de las fotografías.

8. Conclusiones.

9. Bibliografía.

PROYECTO:

ENTRE LA AUTOBIOGRAFIA VISUAL Y EL

AUTORRETRATO

1. Reflexiones personales acerca del tema a abordar

Elegir el tema a tratar significó una reflexión personal referida al tipo de fotografía

que quería realizar. Me propuse hacer autorretratos ya que los consideraba una

tarea pendiente. Cuando trabajé el retrato durante la Tecnicatura, no abordé el

tema del autorretrato. Consideraba que me faltaban elementos técnicos y

teóricos para poder realizarlos.

En el momento en que decidí formular mi Trabajo Final de Egreso, comencé a

investigar el tema, elegí una corriente estética y pude formarme un concepto

propio de la disciplina fotográfica.

Mi propuesta fue hacer pasar el texto autobiográfico por la experiencia visual.

¿Por qué un abordaje autobiográfico? No se trataba de una narrativa de vida,

sino de imágenes fotográficas que comunicaran una conciencia visual, que

fueran portadora de información y que fueran además generadoras de ideas

asociadas a otras experiencias o lugares. ¿Por qué el autorretrato? Porque

permite encauzar las memorias de vida a través de situaciones espaciales, que

se puedan interpretar más allá de lo que yo veo, que tengan sentido en un

espacio y en un tiempo y que de esa manera se puedan convertir en un relato

fotográfico.

Fotografiar es colocar la cabeza, el ojo y el corazón, en un mismo eje

CARTIER-BRESSON

2. OBJETIVOS:

2.1 OBJETIVO GENERAL:

Lograr imágenes fotográficas que sean expresión de una situación espacial-

temporal-emocional de mi universo personal.

2.2 OBJETIVOS ESPECIFICOS:

1- Reconstruir este universo personal en un relato fotográfico retrospectivo.

2- Mostrar dominio técnico en la creación de la imagen fotográfica.

3. OBJETO DE ESTUDIO: La fotografía.

3.1 Lo técnico: la fotografía es un proceso técnico que consiste en captar en

una imagen, un momento, una persona, un lugar o un objeto en el que hay un

mensaje para comunicar.

Las técnicas fotográficas han cambiado a través de los siglos, hasta llegar a la

fotografía digital de nuestros días. Por ello al realizar una fotografía es muy

importante recordar ciertos parámetros: programar la cámara, realizar la toma en

archivo RAW, observar la calidad y dirección de la luz, evaluar el histograma en

cámara, recordar el sistema de zonas relacionado, ajustar el diafragma a partir

de la calculadora y tener muy en cuenta la velocidad ya que al trabajar con

personas se debe evitar los movimientos de trepidación que hacen perder nitidez

a la imagen. La sensibilidad ISO es otro punto importante para evitar el ruido en

la imagen. Pero lo más importante es observar: luces, sombras, objetos, en

distintas horas del día.

3.2 Lo estético: La imagen que capta la cámara nunca es ingenua. Es una

presencia que vive con nosotros.

No existe si no hay alguien que la interprete. Es simbólica, quiere decir algo para

el que la produce. Implica un lenguaje que es nuestra manera de pensar.

Utiliza recursos narrativos, memorialistas y retrospectivos: repetición,

secuencialidad, multiplicidad, lo instantáneo, la superposición, la pose, la puesta

en escena.

La creación de ese lenguaje fotográfico incorpora prácticas estéticas, biográficas

y visuales, que están influidas por las grandes corrientes del pensamiento:

antropología, existencialismo, psicoanálisis, marxismo, posestructuralismo.

Lo estético: implica la disolución de un tiempo estático, implica una apertura, una

tensión, una pro-tensión. Es el presente es la re-tensión.

Desde la mirada estética, es el discurso de cada persona frente a la fotografía.

Implica un tiempo subjetivo ligado a la misma vivencia, que constituye el tiempo

inmanente no extrapolable en sí-mismo. Es la superación de la subjetividad.

Implica también un ambiente geográfico, la psicogeografía que se observa a

través de las emociones que influyen en el comportamiento de las personas.

Crear una escena es la elección personal que lleva al encuentro de la intención

estética. Es traspasar la frontera de lo estrictamente histográfico para centrarse

en lo existencial y ¿por qué no? es elegir como mostrar esa fotografía, es decidir

a quién va dirigida.

3.3 Vinculo personal con la disciplina fotográfica.

Crear una imagen, fue una necesidad que surgió en mi interior. Se formó en mi

mente, pero necesité contar con recursos técnicos para poder darle vida.

Es acá dónde hallé la semilla: en la TECNICATURA DE LA IMAGEN

FOTOGRÁFICA.

Me costó encontrarla, decidirme a hacerla, seguir el ritmo de la gente joven.

Y es ahora cuando percibo que he llegado a ese vínculo tan personal y tan mío.

Me pasó con la primera foto que tomé.

Observar la fotografía despertó en mí el deseo de escribir. Y es desde entonces

que escribo, cuando logro llegar a mi meta, cuando la imagen me trasmite

emociones, es en ese momento, que fluyen todos esos pensamientos que tengo

guardados en mi memoria.

El aporte de algunas corrientes como el surrealismo, el body art, el arte

conceptual y la fotografía escénica han influido para construir la imagen

fotográfica que me propuse lograr.

No sólo es crear una escena. Hay que observar y de acuerdo a lo que yo quiero,

decidir dónde, cómo, cuándo, voy a poder realizar la toma para llegar a los

objetivos propuestos.

4. Fundamentos del trabajo.

La fotografía, como invento científico del SXIX ha transformado el conocimiento

y la experiencia que el hombre tenía del mundo y continúa modificándola hasta

nuestros días. Pero, ¿qué significa la palabra fotografía?

Según la Real Academia Española, es un procedimiento o técnica que permite

obtener imágenes fijas de la realidad mediante la acción de la luz, sobre una

superficie sensible o sobre un sensor.

El descubrimiento de la cámara obscura, la captación de la realidad en el tiempo

a través de un medio inmaterial como la luz, la “congelación’’ de un objeto

tangible y perceptible por medio de la visión, producía en los primeros tiempos,

el efecto de un milagro. Ese reflejo del mundo real y las imágenes resultantes, la

memoria de una situación espacial-temporal determinada, constituía un archivo

visual.

La imagen visual estaba en camino de convertirse en memoria colectiva.

La invención fotográfica significaba finalmente el nacimiento de un nuevo

lenguaje y la aparición de un nuevo tipo de comunicación visual.

4.1 El arte y sus vínculos con la fotografía.

A partir de esta lengua universal prosperó un lenguaje artístico. Ese, se

desarrolló en el seno de las artes plásticas de fines del S XIX.

Los artistas de esa época veían la fotografía como un medio suplementario para

percibir la realidad con la cual experimentaron para enriquecer la pintura. Una de

sus primeras aplicaciones fue en los autorretratos. Uno de los primeros en pintar

autorretratos ya en el siglo dieciséis, fue Alberto Durero, Su obra no solo se

desarrolló pintando sino también fue un excelente grabador, oficio que heredó

de su padre. Sus retratos plenos de expresividad estaban definidos por una

multitud de detalles. Comenzó a pintar autorretratos a los 13 años. También

aparecieron en esta época pintores como Vermeer y Caravagio. Sus pinturas

fueron el reflejo del nuevo interés renacentista por el hombre. El Siglo XVI fue el

comienzo de una era marcada por el Humanismo y el estudio del cuerpo

humano. Esta corriente se reflejó en los retratos pictóricos extendiéndose a

través de la historia.

4.2 Evolución de la fotografía a través de los siglos:

Los primeros autorretratos pretendían ser como pinturas, las poses, los fondos

y las expresiones de los sujetos, eran prácticamente iguales. Se llevaron a cabo

en daguerrotipos y mantuvieron desde el comienzo una fuerte vinculación con el

retrato pictórico tradicional.

La historia de la fotografía comenzó con la cámara obscura, habitación o caja

completamente obscura, (SXVII) y la estenopeica, agregándole un orificio o

estenopo a la caja, que la transformó en un aparato parecido al usado en los

principios de la fotografía.

Durante el SXVIII se hicieron estudios experimentando con productos que

reaccionaban a la luz.

Ya en el S XIX se utilizaba en los retratos.

Para muchos, el retrato, fue la descripción de una persona en sus cualidades

físicas. En una primera etapa se pretendió mostrar en él, la semejanza en el

aspecto exterior, pero con el paso del tiempo se fue poniendo énfasis en la

personalidad e incluso el estado de ánimo de la persona.

Marcó una etapa importante en la historia de la fotografía, ya que fue el nexo que

lo unió a las artes plásticas.

Nadar (Francia 1820-1910), fue uno de los fotógrafos que trató de devolver

naturalidad a los retratados y de esa manera la fotografía fue tanto un medio de

significación como de reproducción.

Sería necesaria la revolución moderna del concepto de memoria, nuevas

técnicas y nuevos cambios sociales para dar el paso, desde la obra del retratista

del siglo XIX al nacimiento de la fotografía instantánea y portátil, de la primera

mitad del siglo XX.

A principios del siglo XX se tomó conciencia de que la imagen fotográfica había

ganado su autonomía y que había desarrollado una estética propia. Pintores y

fotógrafos descubrían las posibilidades casi ilimitadas de crear arte con este

medio. Sin embargo se desarrolló una historia independiente de la fotografía

como arte. Finalmente se llegó al diálogo. Estaba en juego no solo el

reconocimiento de la fotografía como arte sino sobre todo la desaparición de

fronteras entre la fotografía y las artes plásticas.

Mediante su reproducción y difusión estas imágenes crearon una realidad que

pasó a ser parte de nuestra vida moderna.

Ya en 1916 Ansel Adams tomó sus primeras fotografías paisajistas y retratistas

que caracterizaron toda su obra. Fue un grande en la historia de la fotografía

que en 1941 desarrolló su “sistema de zonas”, asociado a la “previsualización”

de las fotografías a tomar. Este método lo usó para calcular el tiempo de

exposición y de revelado lo que le permitía llegar a una gradación óptima para

los valores del gris y obtener los resultados deseados para sus fotografías.

Grandes artistas ganaron reputación gracias a sus imágenes en blanco y negro.

La fotografía terminó por convertirse en un componente esencial de nuestra

cultura.

Artistas de vanguardia como los rusos Alexander Rodtchenko, El lissitzky y el

dadaísta y surrealista norteamericano Man Ray, produjeron una obra fotográfica

importante y revolucionaron la mirada fotográfica.

“El fotógrafo es el ser contemporáneo por excelencia; a través de su mirada el

ahora se vuelve pasado” ( Abbott 1958).

Los fotógrafos se sentían atraídos cada vez más por el mundo de la publicidad,

de la moda, de lo cotidiano, como por ejemplo Horst P.Horst y Richard Avedón,

quienes trabajaron en temas como los medios de comunicación, la moda, el arte,

la política, la pobreza, la violencia y la muerte, temas que han ocupado a muchos

artistas de su generación.

A fines de los años cincuenta con el Pop Art, el mundo urbano, los medios de

comunicación, despertaron el interés de artistas como Andy Warhol y Gerhard

Richter donde la calidad de la fotografía residía tanto en su carácter de filtro de

la realidad como en la independencia de una realidad fotográfica en sí misma.

Aparecía entonces el valor de su cualidad afectiva o perceptiva en relación

consigo mismo o con otro ser viviente. El crítico inglés Laurence Alloway fue el

primero en utilizar este término en referencia al arte popular, que estaba creando

la publicidad, las revistas, el diseño y la cartelería y cuyo objetivo principal fueron

“los intereses colectivos del pueblo”

Las limitaciones ocasionadas por la condición material del medio se disolvieron

progresivamente. Su evolución se realizó acompañada de conocimientos

científicos que cambiaron en forma radical la historia de la fotografía. Del

descubrimiento de la cámara obscura surgieron las primeras cámaras

fotográficas, al descubrirse los materiales fotosensibles a la luz. Las limitaciones

ocasionadas por la condición material del medio se disolvieron progresivamente.

La fotografía analógica, en blanco y negro, el rollo 35 mm., la aparición de la

fotografía color, las diapositivas, el comienzo de la era de la fotografía digital,

donde los cambios se produjeron en forma vertiginosa, hicieron que se abrieran

nuevos caminos que crearon imágenes inolvidables. La fotografía había

alcanzado su madurez que habría de abrirle la puerta en los museos. A los

sectores clásicos, como la pintura, la escultura, el dibujo y el arte gráfico, se

agregaba ahora la fotografía. A finales del SXX aparece un nuevo tipo de

tecnología: la cámara digital.

El SXXI trae consigo la digitalización, liberando a la fotografía del carácter

documental histórico. Las nuevas tecnologías digitales tienen la capacidad de

convertir lo real e intervenir sobre el registro de la imagen, hasta el punto de

manipular y distorsionar las imágenes sin perder el realismo fotográfico con que

fueron captadas.

4.3 Géneros fotográficos:

Hay varios géneros fotográficos que abarcan todos los temas sobre los cuales

puede tratar una fotografía.

La demanda social y la necesidad de expresión determinaron los temas

realizando una sencilla clasificación con rasgos definidos y estandarizados.

Cuando apareció la fotografía como ya vimos esta se destinó a realizar

actividades que se hacían a través de la pintura: retrato, paisaje, naturaleza

muerta (Bodegón). Luego se agregó el fotorreportaje.

El fotoreportaje, fue un registro visual de un hecho o noticia. Surgió a partir de

1920. Los fotógrafos que se dedican a este género, son conocidos como

reporteros gráficos o fotoperiodistas.

En la actualidad, dado al vasto uso de la imagen, se han agregado otros

subgéneros ya que los cuatro anteriores resultaron insuficientes con la

diversidad de aplicaciones de la fotografía.

Surgió así la fotografía social (1874). Está catalogada como un tipo de fotografía

documental, evidenciando un respeto a la realidad humana y su modo de vida.

Sebastián Salgado (1944), fotógrafo contemporáneo considera que la fotografía

es una memoria, una referencia cuyo mayor valor reside en mostrar al mundo

comunidades que están en proceso de extinción, rescatando así su identidad.

Muchas veces este tipo de fotografía se vió influenciada por factores externos

como la política, economía y medios de comunicación que distorsionaron la

realidad.

Fotografía de guerra, captura imágenes de los conflictos armados y de sus

efectos en la vida de las personas, en áreas de guerra. Robert Capa, fue

reconocido por realizar imágenes únicas sobre la guerra civil española, el

desembarco de Normandía y la II Guerra Mundial.

La fotografía de prensa, es aquella que muestra un acontecimiento, apoyada por

los medios de comunicación. Va a depender de varios factores geopolíticos, de

acuerdo al emisor que lo produce: la redacción del diario, el equipo selector de

la imagen y varios técnicos que intervienen en su elección. Este tipo de fotografía

no siempre es objetivo. Varía por los intereses políticos y sociales de la época y

su localización geográfica.

Fotografía artística: es aquella que integra los elementos de una obra de arte.

Tiene dos componentes fundamentales: dominio técnico y cultura visual para

reproducirla en sus fotografías.

Estos son algunos de los géneros y subgéneros que nos ayudarán a comprender

mejor la fotografía contemporánea y con ella el retrato fotográfico. Como

pudimos observar cada género está relacionado con los demás por lazos sutiles

donde se entremezclan las técnicas y la singularidad individual del autor,

firmemente marcadas por la secularización y la temporalización de la experiencia

propia.

4.4 Referentes personales que me ayudaron a crear una estética propia.

Uno de los referentes, quien es de los primeros en incorporar la fotografía

abstracta fue Man Ray. Para él la fotografía representaba ante todo un medio de

revitalizar el arte visual. Ella lograría desdibujar las fronteras entre el arte clásico

y el arte popular, el estilo y la moda, la pintura y la ilustración. En el curso de su

carrera de pintor, fotógrafo, cineasta, diseñador, decorador, usó todos los medios

y materiales disponibles en la realización de sus obras. Para él no había fronteras

en los diversos modos de expresión artística. Sin embargo era la fotografía la

que le ofrecía el campo de acción más vasto. Man Ray al igual que Rodchenko,

utilizaron al sujeto para experimentar, para mostrar su visión en la composición

de los autorretratos. Nos ofrecieron primeros y primerísimos planos.

Perspectivas forzadas. Picados y contrapicados. El rostro que se deformaba por

el ángulo de toma. Las sombras tapaban y ordenaban. Sus imágenes resultaban

atractivas, publicitarias, espectaculares. Fue una nueva visión que abrió caminos

al lenguaje fotográfico, sumamente creativo, novedoso, subjetivo y personal.

Por oposición a su obra abstracta, Man Ray realizó una larga carrera de

retratista. Después de desinteresarse por la pintura, comenzó a fotografiar gente

y sobre todo a artistas. El no buscaba el parecido, ni crear un efecto dramático.

Sus retratos a principio de los años 20, tenían algo de un romanticismo, así como

algo de un poco irreal…

Fotografiaba a cierta distancia del objetivo para luego al ampliarlas, lograr

dulzura e idealización en la toma, sin tener que manipular la foto. Otros retratos

eran más cercanos a su vida personal y a su espíritu, mostrando a poetas y

artistas dadaístas.

Para Man Ray la feminidad era menos una cuestión de esencia que de formas.

Fotografiadas por su atractivo visual, su vestimenta, sus cuerpos, las mujeres

fueron a veces fragmentadas: rostros, manos, bustos aislados, parecían flotar en

el cuadro, logrando una estética especial.

A lo largo de toda su carrera, no dudó jamás del potencial de la fotografía que

podía servir tanto al documento como a la obra de arte, a la ciencia y la metáfora,

a la realidad y la fantasmagoría.

“Pinto lo que no puede ser fotografiado, aquello que procede de la imaginación,

de los sueños o del inconsciente. Fotografío las cosas que no quiero pintar, las

cosas que tienen una existencia en ese momento”.

Recuperado de https://enigmedemanray.wordpress.com

Otro referente importante para mi trabajo fue Kourtney Roy.

La obra de Kourtney Roy, en sus “autorretratos de una heroína en medio del

desierto californiano”, es una fusión ambigua entre la iconografía

cinematográfica y el surrealismo de lo fantástico, camina entre la realidad y lo

bizarro. Explora los límites espaciales, temporales o psicológicos en narrativas

pictóricas donde ella es la modelo principal de su trabajo.

Cada obra es un retrato lleno de fantasía surrealista.

Cindy Sherman es otra de las grandes figuras del siglo XX. Su obra expresa a

través de autorretratos la imagen de la mujer sin perder la esencia del modelo.

Se ha podido percibir en la evolución del retrato la búsqueda de su propio

lenguaje, el encuentro consigo mismo y su posterior influencia en otras formas

de expresión artística y como en todo ese proceso su capacidad testimonial, su

valor documental, han jugado un papel importante pero cada vez se va

profundizando más una corriente que pone de manifiesto la pérdida de la

autenticidad, la falsificación de la realidad y que tiende a trabajar sobre lo

verosímil y la ficción, más que sobre lo real.

5. Marco teórico.

5.1 La biografía en la historiografía artística:

https://enigmedemanray.wordpress.com/

La biografía, incluyendo la biografía del “yo” o autobiografía surgió como un

género emergente en la historiografía artística, un género que podía ofrecer

nuevas aproximaciones, tanto teóricas como contextuales al método biográfico

implantado por Giorgio Vassari en 1550.

Desde la década de los 80, las grandes corrientes del pensamiento, la

antropología, el existencialismo, el psicoanálisis y el marxismo fueron objeto de

una contraofensiva a partir de un “retorno del yo” y de la subjetividad. Cada ser

mostraba un universo en sí mismo. Producir los autorretratos fotográficos fue un

encuentro significativo y existencial.

La autobiografía y de su mano la autobiografía visual pudo ser entendida como

documento de una “historia personal” o “historia de personalidad” vista desde

las corrientes positivistas hasta las existencialistas vinculadas con una ideología

del individualismo. Presupone la coincidencia de un autor, un modelo y un

fotógrafo, de tres personas que supuestamente son la misma. Y es ésta, la

“Trinidad de identidades” (de El pacto autobiográfico y otros estudio de Philippe

Lejeure), autor, fotógrafo y protagonista, que se observa a sí mismo, como

mirarse a un espejo, pero que se abre también a la observación de los demás,

el medio de construir e identificar el “yo”. La formación del “yo” quedaría

representada por un proceso consecutivo: del sujeto al objeto (primero soy sujeto

y después me convierto en objeto). Esto permitiría que cada uno se viera a sí

mismo como cualquier otra persona.

“Hay un puente que une lo que hago de lo que me gustaría hacer”

(Coelho,2000).

Lo que une a la autobiografía escrita con la autobiografía visual, es la des-

figuración del “yo real” en el “yo autobiográfico”. Este adquiere una misión

especial: despojar las máscaras, deformar los rostros y establecer un constante

y tenso diálogo entre figuración (o mimesis) y desfiguración (o ficción).

Tanto la autobiografía literaria como el autorretrato comparten la misma “eficacia

productora de subjetividad” (José Luis Brea), en unos casos en el acto del habla

y en otros en los actos visuales. No obstante, el relato autobiográfico tiene la

habilidad de producir mayor efecto de verdad más allá de la ficción.

Todo trabajo artístico es hasta cierto punto autobiográfico, ya que presenta

diversas formas de narrar la vida y el “yo”.

Supone, examinar el papel de la memoria visual a partir de imágenes fotográficas

con contenido autobiográfico, así como la construcción de la historia de una vida

a través de estas imágenes. Las fotografías son como “flashes de memoria” o

como sugiere Eduardo Cádava “palabras de luz” o “fotos en prosa”.(Guasch

M.¿año? pag.21) Flashes que harían posible una manera de concebir el tiempo

de forma discontinua y construir la historia a través del uso del lenguaje de la

fotografía. “Escrituras de luz”, como vivencia temporal pasada, ligada con la

impresión presente de la misma vivencia.

“Una biografía no explica la vida sino que corre paralela a ella como los raíles de

un tren”. (Guasch 2009)

5.2 Géneros biográficos dentro de las artes visuales.

En la última mitad del SXX, según apunta el escritor y biógrafo francés Claude

Arnaud hay un “retorno del yo”, volviendo a resurgir géneros biográficos, como

la novela histórica, la biografía y la ficción. Con la genealogía como alternativa al

discurso lineal, apareció el género histográfico en el que cada personalidad

mostraba un “universo en sí mismo”. La biografía y con ella la autobiografía,

formaron parte de la investigación histórica, donde el regreso al individuo y la

vuelta al contexto social la retroalimentaron.

5.3 La biografía y la autobiografía.

Las raíces de la biografía se remontaban a los géneros literarios de la antigua

Grecia. Ella tuvo un trayecto histórico que preservó la vida en su totalidad,

estableciendo un puente, el cual permitió comprender los procesos históricos en

su contexto social, económico y político. La biografía apareció como el

instrumento más adecuado para responder a las crisis de la inteligencia, de la

teoría artística y de los grandes relatos de la humanidad.

Donde había antes un concepto, surgió una biografía. Ante la necesidad de

llevar a cabo un inventario de una época y de los modos de pensar, escribir la

biografía apareció como una respuesta a los fundamentos del orden y de la

razón. Así emergieron los retratos biográficos dentro de la Historia del Arte,

relacionados tanto con el género literario como con el histórico.

Considerando el interés por la autobiografía, que apareció como una biografía

escrita por el propio sujeto de la narración, es importante el estudio realizado en

este campo por Derrida y Barthes.

Con Derrida (filósofo francés de origen argelino que desarrolló un análisis

semiótico conocido como deconstrucción) y Barthes, nació la teoría

autobiográfica de la hipertextualidad, asociada al posestructuralismo y la filosofía

posmoderna.

La autobiografía se cuestionó como el relato de una historia personal.

Desde las corrientes positivistas hasta las existencialistas la vincularon a una

ideología del individualismo y a una gratificación del “yo.”

Para Ronald Barthes (filósofo francés, escritor, ensayista y semiólogo) es un

constante ir y venir. Es menos el individuo que se mira a si mismo que el individuo

auto-bio-gráfico que se mira escribiendo.

Es mirarse en el acto autobiográfico, es la división de uno mismo, la dispersión

de los fragmentos en un plano que los reenvía y reúne en el acto fotográfico.

En conclusión el “yo” no sería tanto el soporte de una vida sino el resultado de

su narración, preservando la mirada personal en su historia de vida.

6. Propuesta investigativa: del autorretrato a la autobiografía visual.

Mi propuesta se centra en la investigación del autorretrato como forma de

autobiografía visual.

6.1 ¿En qué medida se puede reconstruir una historia desde el género

fotográfico?

Dentro del programa “Biography” que se realizó en el Getty Research Institute

se trabajó en el análisis de la obra del pintor Mark Rothko. Fue un pintor

estadounidense de origen ruso, quien tras sus inicios cercanos al surrealismo y

el expresionismo, alcanzó un estilo personal que lo convirtió en una de las figuras

más destacadas del expresionismo abstracto. Al buscar un correlato en lo que

él denominó “pinturas negras” (1969-1970) y el suicidio del artista, se relacionó

los episodios discontinuos de su trabajo con el fin de una vida. Este es un ejemplo

de cómo se puede reconstruir una historia desde el género fotográfico.

El psicoanálisis constituyó una etapa en el retorno del “yo”. Otros enfoques

vinculados con las teorías posestructuralistas situaron al lenguaje y el discurso

tanto antecediendo como excediendo al sujeto. El “yo” quedaba desplazado

como fuente de significación. Y si el psicoanálisis constituyó una etapa en el

retorno del “yo”, la biografía fue el instrumento más adecuado para responder a

la crisis de la teoría artística y los relatos de la modernidad.

Pierre Bourdieu en el texto “La ilusión biográfica” (1994) hablaba de “historias de

vida” tratando de contextualizar los acontecimientos biográficos y autobiográficos

en la sociedad en que se ubicaban. Conceptos implícitos en la creación

autobiográfica: memoria, vida, pasado, veracidad, recuerdos, subjetividad,

autenticidad, identidad, intimidad, confesión, fueron usados para reconstruir una

historia a través de la fotografía.

6.2 ¿Hay una categoría estética de la autobiografía en el arte fotográfico

actual?

Es importante la mirada artística hacia los temas cotidianos y familiares que tiene

su auge hacia la segunda mitad del SXX.

Hay un nexo entre la fotografía y la literatura en la cultura contemporánea,

influenciada por los medios de comunicación.

Hay estrategias que caracterizan el arte contemporáneo y la autobiografía

contemporánea.

Y es ese nexo y esas estrategias que permiten comprender el desarrollo estético

de la autobiografía visual.

6.3 ¿Qué género puede organizar y definir la teoría memorialista, que

aporta la imagen a las escrituras?

Con la obra conformada por una serie de artistas, en su mayoría conceptuales,

como On Kawuara, Hanne Darboven, Mary Kelly, Sol Le Witt, Cindy Sherman y

el cineasta Jean Luc Gordard, que “problematizan” y desafían algunas de las

constantes tradicionales de la autobiografía, surge un nuevo género: la

autobiografía visual, que establece un nuevo nexo entre el autor, la vida y el

trabajo que la describe.

Más allá del autorretrato, la autobiografía visual va unida al yo romántico como

el sujeto único y trascendente, o la narración continua, secuencial o consecutiva

y el culto al ego.

Parte del recurso al archivo, supone la relación entre registro y recuerdo, el

diálogo entre lugar y memoria (lo privado y lo arcaico) y el concepto de índice y

en todos los casos surge como una desfiguración del yo autobiográfico, tal como

sugiere Paul de Man (importante crítico literario belga que perteneció a la escuela

deconstructivista, 1919-1983).

El proyecto aquí planteado, supone examinar el papel de la memoria a través

de imágenes fotográficas, con contenido autobiográfico. Imágenes que

funcionan como fragmentos, como ruinas, como espacios violados,

sobreviviendo las huellas del pasado. Para ello, la fotografía utiliza recursos

narrativos.

6.4 ¿Cuál es el tipo de autorretrato que se quiere lograr a través de la

autobiografía visual?

Retrospectivamente me he formado una “historia de vida”, hecha de retazos, con

cosas buenas y cosas malas, a las cuales veo subjetivamente (como sujeto) pero

que como objeto imagen, para los demás, es una representación, un tiempo

subjetivo, como una vivencia temporal pasada, ligada a la impresión presente de

la “misma vivencia”, que constituye el tiempo inmanente (no extrapolable, si-

mismo).

Es la división entre el ser y la apariencia, en situaciones donde la línea entre el

interior y el exterior del yo está en conflicto.

Es reflejar en forma adecuada las desconcertantes sensaciones a la que me veo

sometido. Es liberar la fotografía de todas las convenciones, como decía

Alexander Rodchenko, pionero del constructivismo fotográfico:

“Si se desea enseñar al ojo humano a ver de una forma nueva, es necesario

mostrarle los objetos cotidianos y familiares bajo perspectivas y ángulos

totalmente inesperados y en situaciones inesperadas….”

7. Marco metodológico.

Ha llegado el momento de elegir cómo mostrar mi fotografía.

Decidir qué quiero hacer es difícil. Cómo abordar la presentación, también.

Creo que las imágenes, al estar ligadas por el tema elegido tienen que

conectarse en un lenguaje fotográfico que lleve a la reflexión personal.

Resuelvo presentar imágenes que puedan en algunos casos revelar una

conexión entre ellas o simplemente nexos que las acerquen a lo que quiero

comunicar.

7.1 Fase proyectiva:

Han pasado los años dejando su huella en mi vida. Es así que nació en mí la

necesidad de dejar plasmado en imágenes, cómo llegué a esta etapa de la vida.

¿Es vejez? ¿Es la tercera edad? ¿Es el ocaso de mi vida?

Son palabras que no tienen el verdadero alcance de lo que quiero trasmitir.

Reflexiono acerca de la naturaleza del proyecto. El lenguaje fotográfico tiene que

mostrarme tal cual soy. Tengo la sabiduría que me han dado los años, la calma

que me llena el alma. Cada día quiero despertar, mirarme al espejo, verme bien,

porque quererme es también la forma de querer a los demás. Quiero disfrutar

cada día de mi vida con la gente que me rodea.

Ya lo tengo, mi proyecto final de egreso está inspirado en las palabras del escritor

colombiano Santiago Gamboa:

’’Las mujeres de mi generación son las mejores. Y punto. ’’

7.2 Planificación de las actividades:

LOS AÑOS DORADOS.

Las mujeres de mi generación, nacidas en la era de Acuario, bajo el influjo de la

música de los Beatles y de Bob Dylan, heredamos la “revolución sexual “de la

década del 60 y las corrientes feministas. Sin embargo las supimos combinar,

libertad con coquetería, emancipación con pasión, reivindicación con seducción.

Adoramos la libertad, algo que inculcamos a nuestros hijos, amándolos para toda

la vida. Algo que sin dudar hicimos y seguimos haciéndo en nuestra madurez.

Supimos ser bien educadas, serenas, comprensivas, sensatas. Amamos nuestra

familia por sobre todas las cosas. Supimos luchar por una forma de convivencia,

pactando para vivir en pareja.

Disfrutamos de nuestros nietos, jugamos, corrimos, nos embarramos en un día

de lluvia, cocinamos, simplemente los amamos sin compromisos ni barreras.

Hoy tenemos cincuenta, incluso sesenta y más.

Hoy disfrutamos de la vida. Cada día es único. Cada noche un placer.

Es el momento de desarrollar las operaciones y procedimientos para alcanzar

las metas que busco en mis fotografías.

7.3 Aspectos técnicos:

Yo fotógrafo elijo como hacer la fotografía y a quien voy a fotografiar. ¿Cuál sería

mi objeto de estudio? Yo sujeto que tengo historias de vida para mostrar, soy a

la vez el yo objeto que represento, un tiempo subjetivo, que quiero mostrar en mi

fotografía y que va dirigida por lo tanto a otras personas que van a interpretarlas.

Como fotógrafo preparo la cámara: controlo el ajuste dióptrico, para corroborar

que la pantalla del visor y los puntos de enfoque estén nítidamente enfocados.

Es importante determinar cómo medir la luz. En el caso de los autorretratos, en

los cuales el modelo soy yo misma y es un tipo de fotografía que está acotada

dentro de determinados valores, resuelvo tomar muestras de fotos en distintas

horas del día. La apertura del diafragma la calculo en base a los datos que me

aporta la calculadora, evitando así cualquier tipo de difracción. El trabajar con

seres vivos me limita la velocidad ya que tiene que ser mayor a 1/125. La calidad

de la imagen disminuye en función del ISO. Lo ideal es poder usar un ISO 100.

El rango dinámico de mi cámara es 7. Este dato me indica el máximo nivel de

luminosidad que puedo capturar. Una buena exposición me permitirá mostrar

detalles en las sombras más obscuras y en la luz plena. Es importante controlar

el histograma en cámara, ello me permitirá encontrar el momento oportuno para

realizar la toma fotográfica y saber cuáles son los ajustes que debo realizar.

La clase de yoga.

Habitar en la ciudad nos provoca un alejamiento de la naturaleza. Buscar

espacios verdes donde poder idealizarla y vivirla nos llevó a la Plaza Bella Vista.

Esta plaza le da el nombre al barrio, situado en la zona más alta de la ciudad de

Paysandú.

Allí realizamos nuestra clase de yoga. Las imágenes logradas a cielo abierto

nos muestran como disfrutamos del calor del sol y la frescura de la sombra.

Esta sección de fotos fue tomada el mismo día en horas de la mañana.

A las 10:00 horas, la luz del sol, suave todavía iluminaba la escena. Los árboles

provocaban una sensación agradable y la luz se colaba entre las ramas

produciendo un raro efecto de difusor.

La iluminación natural, provenía del sol de la mañana, la luz iluminaba la escena,

las zona de sombras adquirían un efecto mágico en el momento de la meditación.

La utilización de recursos como sombras-luces, brillo-color, lo cotidiano y lo

extraordinario, lo íntimo y lo normal, son las pautas para llegar a los objetivos

previstos en mi trabajo.

El esquema de luz que realicé a continuación, corresponde a las fotos de las

clases de yoga.

Esquema de luz.

.

7.4 Diseño en la presentación de las fotografías: Imagino mi proyecto. Libreta

en mano comienzo a hacer bocetos. A partir de estos bocetos he armado un

esquema de trabajo que me va a permitir realizar la selección de las fotografías

que me interesan presentar.

Cámara Nikon D3200.

Lente 18-55 f: 5.6 v:

1/125

colocada a 45 grados de

la fuente de luz sobre

trípode con pesas y

control automático

,disparo retardado.

Sujeto

ubicado

a 1,5

metros

de la

cámara.

Zona de

media

sombra

produci

da por

los

árboles.

Luz

natural.

Sol de la

mañana.

Un difusor

natural;

copa de

los árboles

Siguiendo lo planificado en el proyecto final, presentaré fotografías que expresen

mis sentimientos. Que sean el reflejo de estos años de mi vida donde prima la

experiencia y el hoy. Donde cada momento es único y hay que vivirlo

intensamente.

Realizaré la impresión de las imágenes sobre papel fotográfico. El tamaño de la

imagen será de 20 x 30 cm. La guardaré en archivo TIFF para luego poder

imprimir desde photoshop. Cuidaré la resolución: 300pppes lo ideal para

imprimir. Haré una tira de prueba en alta calidad para corroborar que se va a

imprimir como yo lo quiero.

Utilizaré un soporte rígido quizás un PVC 3mm. Pienso presentar un libro que se

pueda además separar las fotografías para que se puedan apreciar

individualmente.

8. Conclusiones:

A través del autorretrato encontré una forma de representarme.

Fue como investigar mi personalidad y los procesos de mi vida.

La creatividad fue clave para gestionar mis emociones y es cuando logré esa

autonomía emocional cuando verdaderamente aprendí a estar conmigo misma

de una forma placentera.

El autorretrato me resultó una forma efectiva de evidenciar esas pequeñas

mutaciones que yo misma realizo, observando transformaciones y cambios que

se llevan a cabo ante determinadas situaciones.

Determinar si realmente logré mi propósito es muy difícil para mí. Son las

personas que vean mis fotos, quienes me van a mostrar los resultados de mi

obra.

Personalmente me enriqueció, porque me obligó a intentar dar forma a la

intangibilidad de las emociones a través de la imagen, cargada de significado e

historia (mi historia personal), donde cada pieza es un tesoro que forma parte de

un todo.

BIBLIOGRAFIA:

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(1967)

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