SABER PARA SERVIR

UNIVERSIDAD DE LA SALLE

CURSO:

COMPUTACIÓN APLICADA A LOS NEGOCIOS II

PROYECTO:

TÉCNICAS FOTOGRÁFICAS

ELABORADO POR:

RAQUEL MARÍA SOLANO ARAYA

PROFESOR:

JOSÉ ANTONIO CAMACHO TROYO

III CUATRIMESTRE, 2014

La idea de la fotografía surge como síntesis de dos experiencias muy

antiguas. La primera, es el descubrimiento de que algunas sustancias son

sensibles a la luz. La segunda fue el descubrimiento de la cámara oscura.

El descubrimiento de las sustancias fotosensibles se remonta a muchos

años de antigüedad. El hombre observó por ejemplo que al retirar un

objeto dejado durante algún tiempo sobre una hoja verde, ésta

conservaba la silueta del objeto. Los primero experimentos datan del

siglo XVII. Robert Boyle en 1663 describía que el Cloruro de Plata se

vuelve negro al exponerse a la luz, aunque lo achacó al efecto oxidativo

de aire.

En 1757 Giovanni Battista demostró que este efecto era debido a la acción

de la luz. A partir de entonces los estudios sobre la naturaleza de la luz

fueron completándose y se realizaron los primeros esfuerzos para fijar

imágenes y dibujos por medio de la luz, pero éstos acababan por

degradarse.

En el siglo V a.C., el chino Mo Tzu documentó la formación de una imagen

invertida con una cámara oscura; se sabía que al pasar la luz por un

pequeño orificio y entrar en una habitación oscura, se proyectaban las

imágenes invertidas del exterior en la pared opuesta al orificio. Platón

expuso su teoría sobre la formación de las imágenes con el mito de la

caverna y un siglo después Aristóteles escribió que pudo observar un

eclipse parcial de sol proyectado en el suelo mientras estaba sentado

bajo un frondoso árbol, a través de cuyo follaje pasaba un finísimo rayo

de luz, y que la nitidez de la imagen era mayo cuanto menor era el orificio

por el que pasaba la luz. Pero la primera descripción completa e ilustrada

sobre el funcionamiento de la cámara oscura, aparece en los manuscritos

de Leonardo da Vinci.

Frisius, Gemma. ilustración Gemma Frisius 'de una cámara oscura - 1545.

"De Radio Astronomica et Geométrico".

El siglo XVII fue decisivo para la gestación de la fotografía. Johan Zahn

diseñó la cámara óptica de cajón dotada con visor réflex en su obra

“Oculus artificialis teleodioptricus” en el año 1685 y, además, surgió un

modelo para el ocio llamado “Linterna mágica“, que es el antecedente del

cine.

La cámara óptica

de cajón y dispositivo "visor réflex" diseñada y descrita por Johann Zahn

en su obra "Oculus artificialis teledióptricus", 1685.

"Linterna mágica" de Ars magna lucis et umbrae 1671.

En el siglo XVIII George Brander, a partir de la idea de Zahn, creó la

cámara de interiores, con la que se podía modificar la longitud focal

mediante un sistema de encaje de varias cajas que, a modo de fuelle,

permitía incluso realizar primeros planos.

Pero no fue hasta el siglo XIX cuando se experimentó con las propiedades

fotosensibles de la plata y otros productos para hallar el método de

fijación de las imágenes captadas con cámara oscura. Fue Joseph

Nicéphore Niépce quién consiguió las primeras imágenes negativas en

1816, utilizando papel tratado con coluro de plata, pero se obstinó a lograr

directamente imágenes positivas y además no consiguió fijar la imagen

obtenida.

Las primeras imágenes positivas directas las logró utilizando placas de

peltre (aleación de zinc, estaño y plomo) recubiertas de betun de Judea y

fijadas con aceite de lavanda. Con este sistema, utilizando un cámara

oscura modificada, impresionó en 1826 una vista del patio de su casa,

que se considera la primera fotografía permanente de la historia. A este

procedimiento le llamó heligrafía. Aun así, no consiguió un método para

invertir las imágenes, y prefirió comenzar a investigar un sistema con que

obtener positivos directos. También tropezó con el problema de las

larguísimas exposiciones que necesitaba (varias horas) ya que el sol al

moverse dificultaba el modelado de objetos.

"Punto de vista desde la ventana del Gras" por Josep Nicéphore Niépce

1826

Louis Jacques Mandè Daguerre, veinte años más joven que Niepce y

famoso pintor, estaba interesado en la forma de fijar la luz con su cámara

oscura, al enterarse de los trabajos de Niepce le escribió para conocer

sus métodos pero éste se negaba con evasivas; tras visitarle varias veces

e intentar convencerlo para asociarse, dio por inútiles sus intentos y se

lanzó a investigar tenazmente. En 1835 publicó sus primeros resultados

del proceso que llamó daguerrotipo, consistente en láminas de cobre

plateadas y tratadas con vapores de yodo. Redujo además los tiempos de

exposición a 15 o 30 minutos, consiguiendo una imagen apenas visible,

que posteriormente revelaba en vapores calientes de mercurio y fijaba

lavando con agua caliente con sal, aunque el verdadero fijado no lo

consiguió hasta dos años más tarde. Algunos daguerrotipos que produjo

se conservan aún en la actualidad.

Casi al mismo tiempo que los franceses Niepce y Daguerre, el inglés

William Henry Fox Talbot, de familia aristocrática y amplia formación

científica, reclamó para sí la paternidad del invento al mostrar negativos

obtenidos exponiendo objetos como encajes y objetos sobre papel con

cloruro de plata; posteriormente este negativo lo exponía por contacto

sobre otro hasta obtener el positivo. A este proceso lo denominó calotipo.

Talbot aportó el uso del tiosulfato de sodio como fijador y acortó los

tiempos de exposición al darse cuenta de la importancia del revelado.

Desafortunadamente, protegió muchos de sus avances con patentes,

incluso varios de los métodos que Daguerre difundía públicamente, lo

que supuso un freno al progreso y a la divulgación de la fotografía entre

el público y le llevó a enzarzarse en pleitos y procedimientos legales en

Francia e Inglaterra. Finalmente en 1854 tras perder varios pleitos,

abandonó sus patentes.

Negativo y positivo en calotipo por William Henry Fox Talbot

Desde entonces el progreso fotográfico fue imparable y pocas semanas

después de la cesión del invento en París, se produjeron daguerrotipos

en Inglaterra, Alemania, Suiza, España, Polonia y Estados Unidos.

El primero que habló del producto que iba a revolucionar la técnica

fotográfica fue Gustave Le Gray quien, en 1849, es su “Traité pratique de

photographie“, menciona el colodión para la receta de un papel negativo.

Al año siguiente lo aplica ya a un procedimiento sobre cristal.

En marzo de 1851, la revista inglesa “The Chemist” publica una nota

referente a los trabajos de Sir Frederick Scott Archer, escultor y fotógrafo,

que proponía un método al colodión perfectamente experimentado. Al

siguiente año, otros dos investigadores pretendieron la prioridad en el

empleo del producto. Y Fox Talbot también sugirió que se trataba de un

plagio del calotipo por basarse el método en el paso de un negativo a un

positivo. Este invento, más que un mero progreso, representaba un paso

decisivo en el desarrollo de la fotografía, al permitir acercarse a la imagen

instantánea, con una exposición quince veces superior a la del

daguerrotipo más perfeccionado. Introducido en Francia el empleo del

colodión húmedo se propagó rápidamente sin que Le Gray pudiera

obtener reconocimiento de su aportación en la materia.

Este producto revolucionario se conocía también con el nombre de

algodón pólvora o piroxilina. Es un explosivo cuya base es la celulosa

nítrica, que disuelto en éter alcoholizado se empleaba como cicatrizante.

El colodión se trasformaba en producto fotográfico al añadírsele yoduro

de plata. Todo esto en 1855.

La posibilidad de instantánea que suponía el nuevo procedimiento, su

coste muy inferior al del daguerrotipo, y la posibilidad de la imagen

multiplicable gracias al negativo, abre un paso definitivo al retrato

fotográfico en la vida del siglo XIX. La foto alcanza todas las capas de la

sociedad y empieza a aparecer el fotógrafo callejero. De esta época

quedan grandes retratistas como por ejemplo Nadar, hijo de burgueses

monárquicos, el joven bohemio era republicano convencido. Su estudio

era un lugar de reunión y tertulia de la intelectualidad. Además de

retratista, su pasión por la aerostática le permitió realizar fotos aéreas.

Otra forma de retratar tuvo la inglesa J.M. Cameron, que se inició en la

fotografia a la edad de 48 años. Su estilo es fácilmente reconocible

gracias al aspecto flou de sus imágenes. Son fotografías realizadas con

un material deficiente, con un objetivo que no cubría el formato de las

placas y con los negativos manchados o arañados. Sus composiciones

alegóricas con varios personajes tienen un atractivo un tanto kitsch. Fue

deseosa de codearse con celebridades, pero lo que nunca imaginó que su

sobrina nieta se llamaría Virginia Woolf.

Sin darse cuenta fue la precursora de la fotografía pictorialista, a la que

después se unieron Rejlander y Robinson. El reverendo Lewis Carrol se

inició en la fotografía con Rejlander. Contrariamente a su maestro, sus

fotografías de niñas son preciosas imágenes con grandilocuencia, pero

sin embargo bastante artificiosas, gracias a ellas conocemos la verdadera

cara de Alicia en el país de las maravillas.

Lewis Carroll, Xie Kitchin, 1872; fotografía, impresión de albúmina, 4, 7 /

16 pulg x 6 pulg 11/16 (11,27 cm x 16,99 cm); Colección SFMOMA, Fuente:

http://www.sfmoma.org

Los primero trabajos que analizaron el movimiento se deben a

Muybridege, en 1872 recibió una subvención del gobierno de California.

Realizó la serie de fotografía del galope de una yegua con 24 cámaras

colocadas en hilera, cuyos obturadores eran accionados por cables que

rompía el animal al pasar. Después desarrolló el estudio de secuencias de

los movimientos humanos. Más tarde el doctor Marey prosiguió las

investigaciones pero, en vez de obtener varios fotogramas consecutivos,

procuró obtener en un solo negativo el desarrollo del movimiento. Para

ello, ideó la manera de sacar varias imágenes de un solo modelo en

diversas posturas, situando al modelo sobre un fondo completamente

negro y disparando la cámara a intervalos regulares.

1878 Eadward Muybridge investigación para determinar el trote de los

caballos.

Para llegar al público en general George Eatsman decidió fabricar un

nuevo tipo de cámara, ésta fue introducida al mercado en junio de 1888 y

fue la primera cámara Kodak. Era una cámara de tipo cajón, ligera y de

tamaño pequeño, cargada con un rollo de la película con suficiente

longitud como para poder tomar cien imágenes. El precio de la cámara ya

cargada era de 25$ e incluía su estuche y una correa de hombro. Después

de haber expuesto el rollo, la cámara se enviaba a Rochester, donde se

sacaba la película, se revelaba, se positivaban las copias y se cargaban

con un nuevo rollo por 10$. Este fue un cambio radical en fotografía. El

porta rollos de ajustaba al sistema existente en fotografía. La cámara

Kodak vino a crear un mercado enteramente nuevo y convirtió en

fotógrafos a personas que no tenían conocimientos especiales del asunto

y cuyo único móvil era el deseo de tomar fotografías. Cualquiera podía

disparar el botón y la compañía del Sr. Eastam hacía el resto.

Eastman continuó sus esfuerzos para desechar la base del papel.

Contrató a un joven químico quien llegó a producir una hoja de película

que tenía la necesaria fuerza y flexibilidad. En agosto de 1889 se lanzaron

al mercado los primeros rollos de película transparente Eastman. Esta

película flexible y trasparente unida al aparato construido

simultáneamente por Thomas Edison, hizo posible el cinematógrafo.

En 1891 se logró una mejoría más para la película transparente para

aficionados al colocarla en carretes, de modo tal que la cámara se pudiera

cargar a plena luz del día. Así la cámara ya no tenía que enviarse a

Rochester para ser cargada nuevamente. Los rollos de película podían

comprarse en casi cualquier parte. Las cámaras para la nueva película se

fueron simplificando más hasta que en 1895 se puso en el mercado una

cámara de bolsillo. Estaba dotada de un fuelle que la hacía plegable. En

1900 se lanzó al mercado la primera cámara Brownie, diseñada para niños

y se vendía por 1$.

El desarrollo de la película fotográfica produjo una situación muy

diferente a la que existía antes. Hasta el advenimiento de las cámaras

Kodak y Brownie, el fotógrafo tenía que ser un artífice más o menos hábil;

tenía que revelar sus propios negativos y hacer sus propias copias y, por

necesidad tenía que ser una persona interesada en los aspectos técnicos

del tema. Los nuevos fotógrafos que usaban las sencillas cámaras de

rollo, ya no tenían el menor problema sobre la técnica fotográfica, ni les

interesaban los detalles de su artesanía; solamente tenían que

preocuparse en el momento de la toma. La fabricación de película se

convirtió en una operación industrial y el acabado fotográfico se

encargaron miles de pequeños establecimientos por todo el mundo que

contaban con las instalaciones necesarias para revelar y posítivar las

fotografías a sus fotógrafos.

En 1913 sale la primera Leica, y en 1936 se pone a la venta la primera SRL

de 35mm la Kine-Exacta, similar a las actuales. Desde entonces el

perfeccionamiento de las lentes y la mecánica de las cámaras ha sido

vertiginoso. Pero cuando la mecánica y la película no nos podían llevar

más allá, llego el momento de pegar el salto a la fotografía digital.

La primera cámara digital se creó en 1975, aunque los sensores digitales

habían estado siendo probados desde años antes. Su desarrollador fue

un técnico de Kodak, Steve Sasson. La cámara tenía unas dimensiones

considerables y una resolución de 100 X 100 Píxeles (0.01 megapixels);

guardaba fotos en blanco y negro sobre cinta magnética, para lo cual

necesitaba 23 segundos.

Prototipo de cámara digital de Kodak

1. El lente es el componente de la cámara fotográfica que sirve para

enfocar y regular el foco (las cámaras que tienen zoom son capaces de

acercar y alejar la imagen), captar la luz; el lente capta los haces de luz y

los ordena del otro lado de forma convergente. La imagen puede estar en

foco o fuera de foco. Si está en foco, está formada por puntos uno al lado

del otro, lo que permite que la imagen se vea más nítida que cuando está

fuera de foco, o sea cuando la imagen está formada por círculos, ya que

los haces de luz llegaron al material sensible más separados. El sistema

de lentes en una cámara reflex está compuesto por muchos

componentes. Al girar el objetivo se enfoca la imagen en el ocular de tal

forma que en la película se forme una imagen nítida. El diafragma entre

las lentes anteriores y posteriores controla la cantidad de luz que penetra

en la cámara.

a) Disparador: Después de la ejecución de este botón se obtiene en la

superficie sensible la imagen que se ha logrado capturar por el ojo visor.

b) Objetivo: Sistema óptico compuesto por varias lentes, que canaliza la

luz que reflejan los objetos situados ante él.

c) Diafragma: Sistema mecánico o electrónico que gradúa la mayor o

menor intensidad de luz que debe pasar durante el tiempo que está

abierto el obturador. El diafragma se encuentra a dentro del lente, está

compuesto por laminillas y tiene distintas aberturas. Sirve para regular la

cantidad de luz que llega a la película, que es distinta a la que llega al

visor, excepto que el diafragma esté totalmente abierto. Si el diafragma

está totalmente abierto va a entrar mayor cantidad de luz y a medida que

el diafragma se cierra (nunca cierra del todo) la luz va dejando de pasar

2. Penta prisma: Es un grupo de espejos que hacen

volver la imagen a su posición real, una vez que está

invertida en ambos ejes. Cuando se dispara el espejo

se levanta y deja llegar la luz a la película, de la otra forma la luz

rebotaría.El pentaprisma es un bloque de vidrio con una forma especial.

Actúa como un conjunto de espejos, que reflejan la luz desde la pantalla

de enfoque hasta el ocular, de esta forma se ve la fotografía que se va a

realizar. El pentaprisma refleja la luz muchas veces, esto permite ver la

imagen del ocular al derecho

3. El espejo: protege la película de la luz que pasa por el lente. Cuando se

dispara la máquina para sacar una foto, el espejo se levanta y deja que la

luz pase para la película permitiendo que se conforme la imagen en ella.

Este hace un juego de proyección con el penta prisma para capturar

exactamente lo que se ve por el visor, y al ser accionado el disparador, se

desplaza hacia arriba para que esa imagen se refleje en la superficie

sensible.

El espejo refleja la luz desde los lentes hasta la pantalla de enfoque. Esto

nos permite ver a través del ocular como será la imagen final. Cuando se

presiona el disparador, el espejo se levanta rápidamente. Entonces la luz

llega a la película y forma la fotografía.

4. Pantalla de enfoque: es el componente de la cámara por el cual se

proyecta la imagen. La inclinación de la cuña partida ayuda a poner en

foco la imagen.

5. Visor: es por donde se ve la imagen. Dependiendo de la cámara puede

verse en el: fotómetro, el círculo de enfoque, el diafragma, la velocidad, si

necesita más luz (flash), etc. Las cámaras de este tipo tienen un visor a

través del cual se ve y encuadra la escena o el objeto. El visor no muestra

la escena a través del lente pero se aproxima bastante a la imagen real. El

punto de mira del lente no coincide con el del, lo que provoca que a

mayores distancias el efecto sea insuficiente, pero a distancias más

cortas se puede apreciar un poco más. Igualmente es más encuadrar la

imagen con acierto.

6. Obturador de plano focal: está ubicado en el cuerpo de la

cámara. Está compuesto de dos cortinas, una que tapa la

abertura e impide el paso de la luz y la otra que está enrollada.

Cuando se dispara una cortina se enrolla y permite que pase la

luz a la película. Cuando termina el tiempo de exposición se

cierra la segunda cortina y da por concluido el tiempo. Cuando se corre la

película las cortinas vuelven a su posición inicial. El tiempo de

exposición o velocidades el período en que tarda en llegar la luz a la

película, por lo tanto es otro de los componentes que va a controlar la luz.

Todas las cámaras tienen un indicador de velocidades.

Hay obturadores verticales y horizontales; se distinguen porque las

cortinas se mueven respectivamente en su eje.

Escala de velocidades: El bulbo es la velocidad (tiempo de exposición)

que van a pertenecer abiertas las cortinas, o sea el tiempo que se

mantenga apretado el disparador. El resto de los números de la escala

son fracciones de segundo. Por lo tanto, 1 será una velocidad más larga y

más lenta que 1000 y dejará pasar mucha más luz. La relación que hay

entre estos números o valores también es de mitades y dobles.

Velocidad de sincronización: Está marcada en la escala de velocidades de

cualquier forma (cruz, color, etc.). Es la velocidad más rápida en que las

cortinas pasan totalmente separadas. A partir de ella va a pasar la primer

cortina y antes de que termine el recorrido va a salir la segunda., Por lo

tanto, va a haber un tiempo en que las dos cortinas estén en movimiento.

Cuanto más grande es el tiempo de exposición menos va a ser la

apertura.

Hasta la velocidad de 60 las cortinas van a dejar la abertura totalmente

descubierta en algún instante y lo que va a suceder es que la segunda

cortina no va a esperar a que la primera descubra totalmente la abertura.

En las velocidades más rápidas la abertura es descubierta por partes.

7. Anillo de enfoque: Permite mover el objetivo hacia

delante o hacia atrás para regular la distancia entre el

objetivo y la película y conseguir una imagen nítida o enfocada. El

enfoque puede ser manual o automático como en las cámaras autofocus.

8. Carrete: Este cilindro enrolla la superficie sensible cada vez que se

corre el deslizador de la película.

9. Deslizador de la película: Esta palanca se utiliza para hacer avanzar la

película después que se ha hecho una fotografía. Al hacer esto se libera el

disparador y se deja la cámara preparada para la siguiente fotografía.

10. Soporte para el flash: Es donde se inserta el flash en la parte superior

de la cámara, puede tener los contactos para activar el flash o solo servir

de soporte como en las antiguas.

11. Botón de rebobinado: Este sirve para rebobinar la película después de

que el carrete la halla enrollado.

12. Contador de vistas: Muestra la cantidad de fotos que se han sacado.

13. Conexión para el cable de flash: Es la conexión que permite a las

cámaras antiguas que no tienen conexión directa desde la zapata del

flash, conectarse a la cámara. Algunas cámaras tienen además la

inserción para cable, lo que hace posible que la cámara utilice dos

unidades de flash

14. Caja: Estuche hermético a la luz y de color contiene todos los

elementos anteriores y constituye el cuerpo de la cámara.

Composición: es la disposición de los objetos en una fotografía.

Existen distintas guías y usos artísticos que intentan describir qué hace

una buena composición. La más reconocida es la regla de los tercios, la

cual incluye dividir el marco rectangular de la fotografía en nueve

secciones iguales utilizando dos líneas verticales imaginarias y dos

horizontales. Luego, el fotógrafo intenta alinear los objetos principales de

la fotografía a lo largo de las líneas o en los puntos de intersección. Se

cree que esto crea una composición estética y equilibrada.

Textura: es una propiedad de una fotografía que inspira una sensación

de cualidad táctil en el observador: la fotografía hace que quieras llegar a

ella y tocarla. La textura incluirá laspropiedades detalladas de la

superficie del objeto u objetos presentados en la foto. Pueden ser

irregularidades en la superficie de un pedazo de madera o la complejidad

de una tela estampada.

Profundidad: es la creación de una sensación de tridimensionalidad en

una fotografía. Un sentido de profundidad se crea usando focos, marcos y

ángulos. El foco incluye acercar ciertos objetos para que se vean nítidos,

mientras que los otros se ven borrosos. Enmarcar implica identificar un

objeto en primer plano cercano a la cámara, con el sujeto principal de la

fotografía más alejado.

Línea: son los contornos de los objetos en una fotografía. Las líneas de

una fotografía guían los ojos del observador en la misma. Una fotografía

con líneas interesantes captura la atención del observador. Puedes usar

distintas líneas para transmitir diferentes tonos. Las líneas horizontales

pueden utilizarse para transmitir un sentido de descanso o estabilidad,

mientras que las verticales representan muchos tonos diferentes, como

poder, fuerza y crecimiento. Las líneas diagonales representan acción y

dinamismo.

Luz: En su nivel más básico, una cámara es un dispositivo para capturar

y registrar luz; así, los patrones de luz y sombra son los elementos más

básicos de toda fotografía. Un fotógrafo necesita comprender totalmente

cómo la luz influye en el funcionamiento de una cámara y cómo afecta la

fotografía producida por dicha cámara. Los elementos clave a considerar

son el nivel y ángulo de la luz. El nivel de luz en una fotografía influye en

el nivel de detalle visible en las áreas iluminadas u oscuras de la foto: si

la cámara está expuesta a un nivel alto de luz, las sombras parecerán más

oscuras. El ángulo de luz se refiere a la ubicación de la fuente original de

iluminación en la foto y determina la distribución de las sombras en la

fotografía.

Diseños y forma: Nuestras mentes organizan automáticamente los

objetos que vemos en diseños y formas, las cuales pueden ser estéticas y

llamar la atención de una fotografía. Existen tres aspectos importantes de

diseño y forma: ritmo, simetría y triángulos. El ritmo se encuentra donde

una forma es repetida en una fotografía. La simetría implica que el

fotógrafo reconoce dos objetos que son reflejo exacto entre ellos. La

simetría puede socavarse para que ambos objetos sean similares pero no

idénticos, lo cual puede utilizarse para destacar la diferencia y contraste.

Los triángulos se forman dentro de una foto con dos líneas diagonales,

las que atraen al observador a la fotografía y la vuelven más interesante.

Punto de vista: es la posición desde la cual se tomó la fotografía. Es el

punto de vista del observador de la misma. Distintos puntos de vista

pueden representar diferentes relaciones con los objetos incluidos en la

fotografía. Un punto de vista bajo observando un objeto hacia arriba

implica dominación, poder y autoridad. La vista desde el mismo nivel

representa neutralidad y objetividad, mientras que un punto de vista alto y

la mirada hacia abajo del objeto sugiere vulnerabilidad y debilidad.

Dependiendo del objeto o situación a fotografiar encontramos diversas

técnicas que en la mayoría de los casos se ciñen a la demanda comercial.

Encontramos al aficionado que emplea una o diversas técnicas

indistintamente. Desde el punto de vista profesional se siguen unas

pautas a la hora de fotografiar que varían dependiendo del contexto en

que nos encontremos y el fin que se desee alcanzar.

Retratos El retrato fotográfico es un género donde se reúnen toda una serie de iniciativas artísticas que giran en torno a la idea de mostrar las cualidades físicas o morales de las personas que aparecen en las imágenes fotográficas.

Macrofotografía

Dentro de la serie de objetivos EF, que incluye los objetivos EF-S, hay

varios objetivos macro con distintos valores de longitud focal y

ampliación fotográfica máxima para adaptarse a cualquier motivo o

situación. Siempre hay algo nuevo que descubrir al adentrarse en el

mundo de los objetivos macro. Mucha gente piensa que puede

fotografiar flores y motivos similares con sus objetivos zoom estándar

y que no necesitan adquirir objetivos macro. Es cierto que muchos de

los objetivos zoom estándar corrientes incluyen una función macro y

están diseñados para ofrecer un cierto nivel de fotografía en primer

plano. Sin embargo, los objetivos macro especialmente diseñados

para la fotografía en primer plano ofrecen una serie de objetivos macro

Canon.

Paisaje

La fotografía de paisajes se realiza con una gran cantidad de objetivos, desde ultra gran angular a ultra teleobjetivo. Ir encoche resulta útil para conseguir fotografías de la vida diaria de la ciudad, pero, si busca escenas de la naturaleza, tendrá que escalar montañas o caminar por senderos nevados, con lo que gastará mucha energía y no deseará ir arrastrando mucho equipo pesado. Para estas situaciones, la respuesta más eficaz es elegir objetivos zoom por su movilidad y facilidad de transporte.

Lentes asféricas

La realización de fotografías de escenas que incluyen muchos puntos de luz, como escenas nocturnas, a menudo hace que estos puntos aberración esférica en el objetivo. La aberración esférica también provoca que los objetivos gran angular generen imágenes que parecen distorsionadas. Para eliminar estos efectos, la serie de objetivos EF se ha beneficiado del desarrollo de cuatro tipos de lentes asféricas (de cristal esmerilado, de reproducción, asféricas moldeadas en cristal y asféricas moldeadas en plástico) que corrigen la aberración. La serie L, en particular, ofrece imágenes en las que los efectos borrosos y las distorsiones son muy leves o inexistentes, incluso en grandes ángulos y aperturas.

Inclinación

Capturar la imagen que ven sin modificarla. Ese es el objetivo de todos los fotógrafos, aunque a menudo encuentran la dificultad de las características ópticas del objetivo. Por ejemplo, los edificios altos y los árboles a menudo parecen estrecharse al fotografiarlos con un objetivo gran angular, debido al ángulo inferior desde el que se realizan las fotografías. No sólo eso, sino que también resulta difícil mantener enfocado el motivo completo de arriba abajo. Para resolver este problema, utilizamos lo que se conoce como inclinación y desplazamiento ("Tilt/shift"). Las funciones de inclinación y desplazamiento existen como característica estándar de las cámaras de gran formato en las que el objetivo, la película y el ajuste de enfoque se diseñan de forma independiente.

Movimiento dinámico

Este movimiento se refiere a capturar el movimiento activo y dinámico de un ambiente. Sin duda, uno de los elementos ms atractivos de la fotografía nocturna en entornos urbanos son las estelas de luz. Esas estelas que dejan las luces de los vehículos en movimiento y que en nuestras fotos quedan recogidas como líneas de colores que dibujan formas ms o menos caprichosas.

Técnica de barrido

Una de las técnicas más populares para fotografiar objetos en

movimiento y conseguir que la fotografía realizada siga transmitiendo

toda la velocidad presente en la escena es la denominada técnica de

barrido.

El nombre de barrido no es alzar, esta técnica recibe este nombre porque

consiste en realizar un barrido de la escena en la dirección del

movimiento.

Movimiento conglomerado

Es el nombre dado a una característica de la imagen fotográfica y a la

técnica empleada en su obtención, en la cual la velocidad de

desplazamiento del motivo es ampliamente inferior al de la velocidad

de obturación empleada, de tal manera que el sujeto fotografiado

aparece totalmente quieto en la imagen, como si estuviese congelado.

Se tiene en cuenta este concepto especialmente cuando se habla de la

fotografía de sujetos que se mueven a velocidades en las cuales es

difícil para el ojo humano capturar los detalles, permitiendo el análisis

detallado de sujetos en desplazamiento. Tiene su aplicación en la

fotografía de deportes, el fotoperiodismo, la fotografía científica y en

general en las disciplinas en donde se requiere el estudio del

movimiento. Un congelado se obtiene modificando la velocidad de

obturación de la cámara, de tal manera que sobrepase ampliamente la

velocidad del movimiento del sujeto a fotografiar. Para ello es

necesario que las condiciones de luz de la escena sean apropiadas

para que con la combinación de obturador y diafragma se obtenga

una exposición apropiada.

La profundidad de campo

Es la distancia que existe entre el objeto más cercano y el más

lejano de la escena que aparecen aceptablemente enfocados en la

imagen.

Aquí está cómo funciona la profundidad de campo: la distancia focal

de tu cámara es una distancia fija entre la lente y el objeto principal.

La herramienta de apertura ajusta la anchura del área que está

claramente enfocada, tanto delante como detrás de este punto focal.

Las distancias focales son, esencialmente, fracciones. Están

basadas en la profundidad de campo de la lente, dividido por el

tamaño de la apertura. Una distancia focal grande da lugar a una

apertura pequeña, lo que nos devuelve una profundidad de campo

mayor. Una distancia focal pequeña da lugar a una apertura grande

que reduce la profundidad de campo.

Regla de los tres tercios

Se marca, en el recuadro fotográfico deben trazarse,

imaginariamente, dos líneas equidistantes verticales y dos

horizontales, siendo en torno a alguno de los cuatro puntos donde

se cruzan las cuatro líneas, en donde debe colocarse el motivo que

deseamos resaltar dentro de la composición. Esto ocasiona un

arreglo asimétrico de la imagen, con el polo de máximo interés

visual encontrándose relativamente cerca de alguna de las cuatro

esquinas del recuadro, y el área central de la gráfica ocupada por

elementos secundarios. Es posible y hasta recomendable, cuando

se pueda hacer, cumplir las tres leyes de La Regla de Oro en una

misma fotografía, pues estas no solo son perfectamente

compatibles entre sí, sino también complementarias.

La ley del horizonte

Indica que en el recuadro fotográfico deben trazarse, imaginariamente

y con una afinidad, tres líneas horizontales de igual anchura, tanto si

se esta trabajando en posición horizontal o vertical, y en la gran

mayoría de las ocasiones, darle alrededor de dos bandas a la zona

donde se encuentra el motivo principal, y más o menos una banda a la

zona secundaria. Generalmente, la amplitud de ambos espacios

dependerá de la mayor o menor importancia de cada uno de estos,

pudiendo ser casi iguales si la relación entre el motivo principal y el

secundario no es tan desequilibrado nuestro fotograma, hasta

reducirse la zona secundaria a solo un pequeño borde si el motivo

principal es muy destacado.

Flash relleno

El, pero hay que saber cómo. Un flash utilizado como flash de relleno es

una gran herramienta cuando se utiliza en exterior, si sabe utilizar bien.

Cuando usamos el término “flash de relleno” nos estamos refiriendo a

ajustar el flash para que produzca menos luz que la que hay en el

ambiente.

Ley de la mirada

Es aquella ley en que toda persona, animal o cosa, dentro del recuadro

fotográfico debe de tener más espacio libre hacia su parte frontal que lo

que ocupa su parte trasera, independientemente de la amplitud de lo

abarcado en el encuadre de la toma. Incluso podemos recortar el borde

del recuadro fotográfico, la parte del elemento gráfico en cuestión por su

parte posterior, si este se encuentra en un plano cercano a la cámara o

es de dimensiones muy grandes.

Contra luz

Esta técnica consiste en tomar la foto de cara a la luz, retratar la fuente

de luz directamente, en contra de uno de los principios mas

conservadores de la fotografía: tomar la foto de espaldas a la luz para

que los objetos salgan bien iluminados. Unas veces de forma sutil, casi

imperceptible, otras de una forma evidente y dramática para conseguir

composiciones impactantes, la fotografía a contraluz permite obtener

imágenes más creativas y frescas; nos obliga a mejorar como creativos,

ya que es una técnica donde el control de la luz es difícil, así que nos

planteará complicados problemas fotográficos para resolver.

Silueta

A grandes rasgos, una silueta es la imagen de una persona, un objeto o

escena que solamente se define su contorno, dejando un interior sin

rasgos distintivos, generalmente en negro, sobre un fondo más claro.

Pero hay mucho más que esto, se puede utilizar colores vivos en vez de

blanco para mejorar y dar un aspecto brillante a la imagen.

Perspectiva forzada

Es una técnica que emplea ilusión óptica para hacer

que un objeto aparezca más lejos, más cercano, más

grande o más pequeño de lo que realmente es. Es una

técnica que se emplea principalmente en la fotografía,

el cine y la arquitectura. Se manipula la percepción

visual humana a través del uso de objetos a escala y

la correlación entre éstos y el punto de vista del

espectador o la cámara.

Fotografía submarina

La fotografía submarina engloba todos los tipos de fotografías

tomadas bajo el agua. Esta disciplina combina las técnicas del

buceo y de la toma de imágenes. Dentro de los sujetos típicos

de la fotografía submarina tenemos la fauna acuática, los

peses, los mamíferos. Esta disciplina requiere un buen

dominio del buceo y de la fotografía, pero además también es

importante contar con un material resistente a la presión

submarina.

Vida salvaje

Las técnicas utilizadas en la fotografía del mundo

salvaje difieren a las utilizadas en fotografía de

paisajes. Suelen utilizarse altas velocidades de

obturación para poder capturar el movimiento. Para

conseguir un nivel adecuado de exposición se utilizan

objetivos claros y de elevado angular. Los grandes

fotógrafos de vida salvaje suelen ir equipados con

objetivos de potente zoom para poder trabajar a

distancia y evitar ser vistos.

Primer plano

Se emplea generalmente para destacar la mirada o el gesto de una

persona, y el encuadre va desde la cabeza hasta los hombros. Es el más

indicado para el retrato del rostro, ya que, destaca los detalles. Suelen

usarse encuadres verticales, aunque esto no es una regla estricta.

Segundo plano

En un segundo plano la imagen suele estar compuesta de un primer

plano, un segundo plano y un fondo.

Nocturna

La fotografía nocturna, es una de las técnicas más llamativas y mas

agradecidas (si se me permite la expresión…) para fotógrafos

y aficionados. La gran cantidad de efectos ópticos, el cromatismo

espectacular e imprevisible en muchas ocasiones, las líneas y figuras

que se forman, son el gran atractivo de esta especialidad y todo ello es

debido a los largos tiempos de exposición que se emplean. La fotografía

nocturna es un reto, un desafío, que pone a prueba nuestra visión

fotográfica y nuestros conocimientos sobre esta materia, pero a la vez,

nos brinda a los fotógrafos la oportunidad de explotar nuestra

creatividad y crear imágenes realmente atractivas y en ocasiones muy

impactantes. La noche y sus condiciones lumínicas son tan cambiantes

que no se pueden marcar unas reglas que garanticen el éxito en

nuestras fotografías, ya que lo que vale para un momento seguramente

no nos serviría para unos minutos después.

Hdr

La fotografía HDR se ha convertido en algo muy

popular. En el mundo de la fotografía digital, pues se

pueden crear un efecto entre realidad y la ilusión que

sorprende que en todo momento.

Infrarroja

Es aquella que nos permite fotografiar uno de los espectros

lumínicos comprendidos entre 700 y 1.200 nanómetros, no visibles para

el ojo humano. Sus aplicaciones pueden ser artísticas o científicas. La

fotografía infrarroja requiere de una fuente de radiación infrarroja. Todo

cuerpo caliente emite radiación en la gama del infrarrojo. El equipo

fotográfico que se necesita, puede ser una cámara réflex convencional,

acompañada de filtros y película sensible a esta longitud de onda.

Minimalista

El arte minimalista es un tipo de arte abstracto que se caracteriza por

la extrema simplicidad y una deliberada falta de contenido expresivo. La

fotografía minimalista es de hecho una parte del concepto del arte

minimalista basado en un estilo limpio. Este tipo de fotografía es un reto

porque el espacio en blanco es importante para destacar el sujeto. La

fotografía final de esto es simple y sencilla, pero cuando se internaliza la

foto, es probable que entendamos la frase “la simplicidad es belleza”.

Uso de figuras geométricas

Técnica fotográfica en la cual se pueden observar

figuras geométricas ya sean objetos o cosas.

Grupos de tres

Los grupos de tres den una percepción especial.

Repetición

Fotografías que tienen muchas cosas iguales. Por ejemplo una fotografía

que tenga lápices de colores.

Color

Existen colores cálidos, fríos, psicológicos, claras y oscuras.

Enmarcado

El enmarcado o encuadre es probablemente la técnicas de composición

más fácil en fotografía. Esta técnica se basa simplemente en usar

objetos que sirvan para enmarcar al sujeto principal, como puede ser

marcos, rejas, escaleras, arboles, manos, ventanas, etc, en si

cualquier objeto que te ayude a delimitar el contorno del sujeto o tema

principal.

Enmarcar o encuadrar produce mayor profundidad a la imagen , lo que

le da un mayor enfoque e importancia al tema principal.

Puntos áureos

La regla o sección áurea es una proporción entre medidas. Se trata de la

división armónica de una recta en media y extrema razón. Esto hace

referencia a que el segmento menor es al segmento mayor, como este es

a la totalidad de la recta. O cortar una línea en dos partes desiguales de

manera que el segmento mayor sea a toda la línea, como el menor es al

mayor. De esta forma se establece una relación de tamaños con la

misma proporcionalidad entre el todo dividido en mayor y menor, esto

es un resultado similar a la media y extrema razón. Esta proporción o

forma de seleccionar proporcionalmente una línea se llama proporción

áurea, se adopta como símbolo de la sección áurea (Æ), y la

representación en números de esta relación de tamaños se llama

número de oro = 1,618.

Puntos de fuga

En un sistema de proyección cónica, es el lugar geométrico en el cual

las proyecciones de las rectas paralelas a una dirección dada en el

espacio, no paralelas al plano de proyección, convergen. Es un punto

impropio, situado en el infinito. Existen tantos puntos de fuga como

direcciones en el espacio. Un punto de fuga correspondiente a una

dirección dada en el espacio queda definido mediante la intersección

entre el plano de proyección y un rayo con dicha dirección trazado

desde el origen (o punto de vista).

Espacios negativos

Cuando hacemos fotografía, disponemos de una serie de elementos que

nos ayudan a expresar aquello que queremos contar con nuestras

imágenes: las líneas, las texturas, los colores.

Plano picado o contrapicado Es una angulación oblicua inferior de la cámara, la cual se coloca mirando hacia arriba, esto sirve para transmitir una situación de control, poder, grandeza y seguridad. Los planos contrapicados nos colocan en una posición aparente de inferioridad respecto al sujeto enfocado.