El surrealismo de Frida Kahlo y el

cubismo de Picasso.

Por Lucía Martín Marín

SurrealismoFrida KahloLa columna rota.El venado herido.Las dos Fridas.Autorretrato con un mono.

El surrealismo o superrealismo es un concepto que proviene del francés surréalisme. Se trata de un movimiento literario y artístico que busca trascender lo real a partir del impulso psíquico de lo imaginario y lo irracional.

El dadaísmo (que se opuso a la razón positivista y se rebeló contra las convenciones literarias burguesas) es el antecedente inmediato del surrealismo, cuyo primer manifiesto fue firmado por el poeta y crítico literario francés André Breton en 1924.

Los surrealistas persiguen la verdad mediante escrituras automáticas donde se omiten las correcciones racionales. Los escritos surrealistas se basan en la utilización de imágenes para la expresión de emociones.

En cuanto al aspecto artístico, una de las principales innovaciones del surrealismo fue la técnica del cadáver exquisito, que consiste en la creación colectiva de un conjunto de imágenes o textos. Un artista comienza una obra y se la pasa a otro artista, quien la continúa sin mirar lo que hizo el creador precedente.

Frida Khalo

Frida Kahlo nació Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón en Coyoacán, México, el 6 de Julio de 1907. Frida era una de las cuatro hijas de un padre judío-húngaro y una madre de ascendencia indígena-mexicana. Originalmente no planeaba el convertirse en una artista.

Una superviviente de polio, empezó un programa de pre-medicina en la ciudad de México. A la edad de 18, sufrió graves heridas en un accidente de autobús. Paso alrededor de un año en la cama, recuperándose de roturas en su columna vertebral, hombros y costillas, una pelvis astillada y danos en el pie. Sufrió más de 30 operaciones a lo largo de su vida y durante su convalecencia empezó a pintar.

Sus pinturas, principalmente autorretratos y naturalezas muertas, eran deliberadamente ingenuas y llenas de colores y formas inspiradas en arte folklórico mexicano. Cuando tenía 22 años, se casó con el muralista mexicano Diego Rivera, 20 años mayor que ella.

Esta relación tormentosa y apasionada sobrevivió infidelidades, la presión de sus carreras, el divorcio, una segunda boda, los asuntos amorosos lésbicos de Frida, su mala salud y su incapacidad de tener niños.

Frida una vez dijo: "Sufrí dos graves accidentes en mi vida….Uno en el cual un tranvía me arrolló y el segundo fue Diego". El accidente de tranvía la dejó invalida físicamente y Rivera la dejó invalida emocionalmente

Durante su vida, Frida creó unas 200 pinturas, dibujos y esbozos relacionados con las experiencias de su vida, dolor físico y emocional y su turbulenta relación con Diego.

A causa de la gangrena sufrió la amputación de media pierna enferma, en 1953. Eso le sumió en la desesperación; de esa época se conservan poemas desgarradores. Sobrevivió a varios intentos de suicidio. Murió en 1954 y su casa natal es hoy museo que lleva su nombre.

Autor: Frida Kahlo Fecha: 1944Estilo: Neo-Impresionismo

Material: Oleo sobre lienzo

La columna rota.

En La Columna Rota Frida Kahlo se otorga los atributos de los mártires cristianos y sobrepone su propia imagen a la de los cuerpos de patriarcas masculinos.

Con sus caderas envolviendo una tela que sugiere el paño de Cristo, en esta obra muestra sus heridas como una mártir cristiana. Cuando empeoró su estado de salud y se vio obligada a llevar corsé de acero, Frida Kahlo pintó este autorretrato en 1944.

Una columna jónica con diversas fracturas simboliza su columna vertebral herida. La rasgadura de su cuerpo y los surcos del yermo paisaje agrietado, se convierten en metáfora del dolor y soledad de la artista.

Autor: Frida Kahlo.

Fecha:1946

El venado herido

En esta pintura de un joven venado herido a muerte por flechas, Frida expresa su decepción luego de una operación de su columna vertebral en Nueva York en 1946, la cual ella había esperado con optimismo que la curaría de sus dolores de espalda.

Este es un cuadro muy complejo y su significado está abierto a muchas interpretaciones. Algunos dicen que este cuadro significa la incapacidad de Frida de cambiar su propio destino o, la frustración de Frida debido a la cirugía que falló, o una pintura surrealista de Frida, furiosa en la batalla de los sexos.

Las dos Fridas.

Poco después de su divorcio de Diego Rivera, Frida completó este autorretrato de dos diferentes personalidades. A la derecha, la parte de su persona que era respetada y amada por Diego es la Frida mexicana vestida de tehuana. En su mano sostiene un amuleto con el retrato de Diego cuando era un niño. A la izquierda, una Frida bastante más europea con un vestido victoriano de boda de encaje blanco, la Frida que Diego abandonó. Los corazones de las dos mujeres están a la vista, un símbolo que Frida usaba a menudo para expresar su dolor. El corazón de la Frida desdeñada está roto, mientras que el de la otra Frida está entero. Del amuleto que Frida sostiene sale una vena que viaja a través del corazón de las dos mujeres y es finalmente cortado por las tijeras quirúrgicas que están en el regazo de la Frida desdeñada. El cielo tormentoso, lleno de nubes agitadas podría reflejar el caos interno de Frida. Sujetando su propia mano, ella es su única compañera.

Autorretrato con mono.

En esta pintura, aparece con su mascota, un monito que se abraza a ella, como si fuera su bebé adoptado. El monito tiene la pata alrededor de su cuello, y ambos están rodeados de un lazo de color rojo sangre, que se enrolla cuatro veces alrededor de su cuello y desaparece detrás del cuello del mono. No obstante, este cuadro no proyecta un sentimiento maternal, ni siquiera amistoso. La fría expresión en la cara de Frida muestra resentimiento e ira por el divorcio de Diego. El mono tiene la misma expresión.

Cubismo.Picasso. El Guernica.Las señoritas de D’ avignon.La celestina.La llorona.

El cubismo es una escuela y teoría estética de las artes plásticas y el diseño. Se caracteriza por la utilización de las formas geométricas, como los cubos, los triángulos y los rectángulos.

El movimiento nació en Francia y tuvo su apogeo entre 1907 y 1914. El término cubismo proviene del vocablo francés cubisme, que fue propuesto por el crítico Louis Vauxcelles. Este especialista hacía referencia a los cubos que aparecían en las pinturas de artistas comoPablo Picasso, Juan Gris y Georges Braque, entre otros exponentes del cubismo.

A partir de esta escuela estética se desarrollaron otras vanguardias europeas que revolucionaron el panorama artístico del siglo XX. Sin embargo, el cubismo está considerado como una vanguardia pionera ya que se encargó de romper con la perspectiva, el último principio renacentista que seguía vigente a comienzos de siglo.

Los cubistas buscaban descomponer las formas naturales y presentarlas mediante figuras geométricas que fragmentaban las superficies y las líneas. Esta perspectiva múltiple permitió, por ejemplo, reflejar un rostro tanto de frente como de perfil, ambos a la vez.

Otra característica del cubismo es la utilización de colores apagados como el verde y el gris, sobre todo en la primera época del movimiento. Con el tiempo, los cubistas comenzaron a incorporar colores más vivos.

PICASSO.

Pablo Ruiz Picasso (Málaga, España; 25 de octubre de 1881 – Mougins, Francia; 8 de abril de 1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista.

Laborioso y prolífico, pintó más de dos mil obras, presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para funciones reales.

Pintor y escultor español, considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX. Artista polifacético fue único y genial en todas sus facetas, inventor de formas, innovador de técnicas y estilos, artista gráfico y escultor, siendo uno de los creadores más prolíficos de toda la historia, con más de 20.000 trabajos en su haber.

Teniendo Las señoritas de Aviñón como punto de partida, Braque y Picasso acabaron formulando el cubismo en 1908.

El cubismo fue un punto de inflexión radical en la historia del arte que inspiró al resto de vanguardias artísticas el abandono del ilusionismo pictórico, rechazando la descripción naturalista en beneficio de composiciones de formas abstraídas de la percepción convencional, jugando con la tridimensionalidad y la estructura de las superficies. Esta técnica, iniciada por Picasso y Braque, tuvo muchos seguidores,

Murió el 8 de abril de 1973 en Francia a los 91 años de edad.

El Guernica.

A veces se considera El Guernica, la contribución de Picasso al pabellón de la República española en París en 1937. Pintada por encargo del gobierno español, Picasso hace un cuadro monocromo, de impacto directo, como alegato contra la agresión fascista en España y contra la guerra en un sentido más amplio. Pinta unos nuevos desastres de la guerra donde la violencia y el horror son protagonistas, y lo hace con medios muy depurados: pocos elementos, pocos colores, ningún relieve y una carga expresiva muy fuerte.

Las señoritas D’ avignon.

Considerado además como la obra germinal del lenguaje cubista.

Está influida directamente por la estética antiacadémica de la escultura arcaica griega, egipcia, ibérica y negroafricana. Durante 6 meses el pintor estuvo haciendo dibujos previos, cada vez más simplificados, eliminando lo anecdótico para quedarse únicamente con el espacio y las figuras; después lo transformó con violencia, y al fin lo dejó inacabado.

La celestina.

La Celestina es una tela fundamental del periodo azul de Picasso. En el rostro de la Celestina, de Picasso, destacan, como en todas sus obras posteriores, los ojos y la mirada.

Y en este cuadro se nota mucho más, porque la modelo tiene uno de sus ojos muy negro, una mirada profunda, que contrasta con el otro que lo tiene velado por una ceguera o catarata. Ese detalle hace muy llamativo sus ojos, y a la forma cómo y dónde dirige la mirada.

Aún en esta obra la mujer es pintada con técnicas del estilo renacentista, tienen volumen y formas corporales. En este periodo, azul, sus cuadros se diferencian de las demás por las actitudes con las que son representadas: en la miseria, desamparo, amargura o melancolía, que representan su estado de ánimo.

 

La llorona.

La pintura exagera los rasgos de la mujer más significativos con una estructura que pareciera la de un espejo roto. Esta obra elogia el caos y la destrucción pero como un grito que clama por la justicia sobre los hechos más inhumanos de la historia.

Además de por su fortaleza histórica brutal, la pintura también pasó a la historia porque en agosto del año 1986 fue robada del Museo Nacional de Melbourne, en Australia, donde se conservaba desde 1985. Afortunadamente, pudo ser recuperada y los análisis hechos a la obra no reportaron daño alguno en esta