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EditorJD Santibañez

Director de ArteRoberto León

DiseñoRoberto León

RedacciónHeidi BehrAndrea EndericaKarla CevallosRoberto LeónValeria Diaz-GranadosCristina AlarcónMa. José MenaStefania AndradeDaniel Peña

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C O N T E N I D O

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Australia al ser una isla en el otro lado del mundo, esta en potencia de desarrollar tenden-cias para ellos mismos y sus cercanos como NUEVA ZELANDA y GRA N BRETAÑA por ser colonia de la corona, a pesar de que tienen influencias europeas y norteamericanas el hecho de pertenecer a ASIA les da un gran giro en sus expresiones del diseño y el arte. Luego de vivir un año en Australia, estudiar e intercambiar culturas, este continente es un muy buen lugar para empezar a proponer tendencias e ideas.

El simple hecho de que haya inversiones y es-pacios tanto libres como privados para el diseño y el arte es buena señal de apoyo.

Australia también se mueve por su gente y su región es decir, tienen la metrópolis, la costa y las áreas montañosas. Por ejemplo en la metrópo-lis se siente que la gente busca que el diseño vaya incursionando desde la publicidad, la música o en el teatro, el es un poco mas pensado porque por lo general se dan galerías o eventos de la ciudad, lo urbano también gana espacio en murales y las esta-ciones del metro, muchas veces la espera se torna entretenida al tener murales coloridos que apreciar, la publicidad es mas abierta en la ciudad y permite que sew usen casi todos los lugares disponibles sean ya transportes, calles, paradas de buses, etc. El

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uso de la misma ciudad como recurso para graficos hace que el diseño se vuelva mas creativo, competi-tivo y desafiante.

Si nos trasladamos hacia la costa, pues simple-mente la cosa su vuelve mas libre y artística, el diseño ya nos pensado en alguien o para alguien sino mas bien que la personas quisiseran entender al artista, por ejemplo la cultura de la playa no es nada com-parado con la de Ecuador, aunque cabe recalcar que aca en la región costa es mucho mas alegre, llena de ruido y color, en Australia no ves tanto movimiento ni colores ni sabores en la playa, simplemente es mar y arena y el dato adicional seria el surf como deporte.

El surf como deporte forma parte del diseño porque mueve al target juvenil, entonces las gra-ficas se tornan coloridas, la saturación del color y las composiciones irregulares tienen mucho mas lugar, muchas veces se siente que todo gira alre-dedor del mar, asi mismo como es punto turisitco, eventos y conciertos son muy seguidos y el diseño se dispara según el género. La educación supe-rior también juega un papel muy importante en el diseño, puesto que en las instituciones no solo se mezclan el diseño grafico, también se desar-rolla la arquitectura, la ingeniería, y un caso muy particular que experimente el diseño web y hasta

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programción. Las formas en que se enseña el dis-eño empeieza con fuertes bases conceptuales y al mismo tiempo la practica es sumamente cuidadosa para resultados deseados con el estilo de cada posi-ble, diseñador y programador.

Personalmente tuve mucha incursión en el de-sarrollo del diseño de interfaces y su lógica explicación y potencial en países del tercer mundo. Cabe recalcar que Australia ve mucho hacia dentro y confía en sus ideas tanto asi que cada negocio por mas chiquito o grande que sea siempre tenia una pagina web, pues esto tam-bién representa un altibajo del mal y el buen diseño.

Trasladarme también a NUEVA ZELANDA me

di cuenta que había similitudes en sus influencias, y NUEVA ZELANDA es aun mas arraigado a sus raíc-es y a sus ideas, mucha de la imagen corporativa turística del país, era basada en la cultura MOAI, las formas y la arquitectura de esta cultura se notaba en cada espacio de la ciudades, el color verde pre-dominada y las formas curvas, provenientes de las imágenes o representaciones demoniacas le daban el toque personal de Nueva Zelanda.

La influencia asiática proviene de INDIA,

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CHINA, JAPON entre otros, artistas y exhibiciones sobre el arte asiático tiene su espacio y hasta es muy bien adaptado porque la población esta invadida y mezclada, tanto asi que asisti al cumpleaños del BUDHA fue celebrado por toda la ciudad de Brisbane, una de las ciudades mas concurridas y mata del arte, la música y el teatro. Sabiendo eso las formas del diseño se ve afectado y surgen nuevas propuestas.

No se debe olvidar que la influencia cultural directa proviene de Gran Bretaña, muchos estudiantes comentaban que estudiar por un tiempo en GRAN BRETAÑA era una muy buena base de tal manera que muchas universidades tenían convenios directos con universidad y escuelas de arte en Londres, esto impulsa a los estudiantes que el diseño se base en el constante movimiento de las tendencias y el cono-cimiento de las mismas para ser lo suficientemente capaz para sustentar nuevas propuestas.

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Tripeando a lo TRIMARCHI

Nunca se me cruzó por la mente ser testigo de uno de los eventos más grandes y esperados del año. Uno de los momentos donde cualquier diseñador grá-fico daría su laptop, un órgano o incluso su propia vida, para poder ser parte, aunque sea una vez, de TRImarchi. Todo comenzó cuando le había comentado a mi madre acerca de este evento hace dos años. Tenía el deseo de ver cómo son los demás diseña-dores, mis demás compañeros fuera del país y tener otro punto de vista del estereotipo de los artistas gráficos en general. Tenía ganas de ir no solo por el simple hecho de experimentar otras co-sas, sino porque también iba a estar mi ídolo del diseño, el leg-endario David Carson, el Dios del Diseño.

Para mi mala suerte, no pude ir por la falta de dinero. Me quitaron la ilusión de ver a Carson

por primera y única vez en esta clase de evento. Lo más irónico fue que él tampoco asistió a TRImarchi.

El año siguiente decidí no ir, para poder concentrarme solamente en mis es-tudios y cumplir la mayoría de mis requisi-tos para graduarme.

Este año, supe que iban a celebrarlo al máximo por cumplirse una década de TRImarchi en Argentina, lo cual me pare-ció un buen motivo para ir. Además, dis-eñadores de renombre iban ser partícipes de esta fiesta.

No lo pensé dos veces y me reg-istré para viajar a Mar del Plata del 30 de septiembre hasta el 2 de octubre. Las pri-meras imágenes que se me formaron en la cabeza fueron miles de personas, en fachas, colores y círculos, mochileros y campistas, trenzas, música en vivo, escul-turas y creatividad hasta decir basta. Gente conversando, carcajadas hasta por el baño, comida y full entretenimiento. Además de los conciertos y charlas, esperaba el gran momento de las fiestas nocturnas llama-das “Buenas noches, TRImarchi”, que eran

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en las mejores discotecas de la zona. Bueno este

año fue una ocasión especial. Fue la gran fiesta por parte de los organizadores, donde se celebraron los 10 años de este encuentro creativo, y que mejor manera de hacerlo con la presentación de su úl-timo libro, una recopilación de imágenes e información de los grandes genios del mundo gráfico del día de hoy. Es el festival más conocido de diseño gráfico del plan-eta Tierra, según Jugala.com una revista

digital, donde se lo celebra en la ciudad de Mar del Plata en Argen-tina. Durante tres días, alrededor de 5.000 estudiantes, profesion-ales, o simplemente amantes del diseño, se juntan en un solo lugar, en el Estadio Polideportivo Islas Malvinas. Aquí, se exponen algunos de los mejores trabajos, esculturas y otras creaciones de artistas, tanto nacionales como internacionales. Además, es el

lugar perfecto para que los gurús del diseño ha-blen de su desempeño, sus vidas, y dar consejos sobre la vida de un dis-eñador en el siglo XXI. A parte de los talleres que ofrecieron alguno que otro líder gráfico, también se encontra-ban stands de librerías y estudios de diseño, ofreciendo sus produc-tos dentro de todo el polideportivo. Una mez-cla de colores, música y cultura es lo que más se vivió en el ambiente. Hubo personas que via-jaron miles de kilómet-ros para ser uno más del montón. Ver pasar a tantos brasileños, peru-anos, estadounidenses, europeos y hasta asiáti-cos, me hizo sentir como si estuviera en otro plan-eta; algo que jamás lo había vivido en Ecuador.

No solo hubo in-creíbles exposiciones artísticas, lo que llamó la atención de todos fueron los conferencis-

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tas. Uno que otro sacado de algún rincón nunca imaginado, hasta el hombre más valioso de nuestra burbuja. Estoy hablan-do del ingenioso Jeremyville; Filete; los in-trépidos Double You; los músicos/gráficos británicos de las agencias The Designers Republic y Big Active; el conservador Mas-simo Vignelli; el creativo Dr. Alderete; el grafitero Elliot Tupac; el cohetero Hojun; por mencionar algunos.

La idea de todo este mega-evento es poder demostrar al mundo, que el dis-eño gráfico es una carrera de gran impor-tancia; buscando rescatar ese sentimiento reprimido contra todos los que somos una semillita más de la familia gráfica digital.

La aventura de todos los días fue acelerada. Primero, levantarse temprano para no quedarse sin buffet. Pasando eso, uno podía arreglar algunos asuntos en la mañana, como cambio de divisas, ir de shopping, darse una vuelta por la fría playa (aclaro que Mar del Plata es una combinación de Salinas con Guayaquil, pero helada), o solo acostarte en el césped de cualquiera de los miles de parques que habían. Como las conferencias comenza-ban alrededor de las 2:00pm, los organi-zadores consiguieron una línea de buses que recogían a los asistentes en el Parque Colón a cierta hora para que se reunieran en el lugar indicado y dirigirse al estadio.

Al momento de tratar de embar-carse en cualquiera de los buses disponi-

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bles (y si es que uno alcanzaba a conseguir un asiento o ya por último ir parado, o to-caba ir en un “remis”, que es una especie de taxi amigo), nos dirigían al estadio polide-portivo a unos 10 minutos de la ciudad. Al bajarse del bus, uno ya puede sentir el

ambiente: la mayoría hablando, riéndose a carcajadas, es-cuchando música, tomándose fotos con la “X”, comprando artículos, o simplemente disfrutando el momento. Para en-trar, uno necesitaba una pulsera. En mi caso, era de color azul para identificarme que estaba en la sección “campo”, que era adelante o cerca de la pantalla gigante. Después de chequearse, uno podía pasear por todos los stands, comprar libros o pines, comer un pancho o saborear un rico cappuc-

cino con una media luna. Tenía una hora y media para que comenzaran las charlas.

Cuando se acercaba la hora, era momento de correr a coger el mejor puesto para las fotos y apreciar bien las presentaciones. Según yo, mien-tras más lejos mucho mejor. Una vez sentado, solo tocaba esperar. La espera era uno de los momen-tos más divertidos. Había una música de fondo que

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jamás había escuchado, típico de Argen-tina: una mezcla entre House con Reggae.

Además, en la pantalla pasaban los tweets de la gente que comentaba en ese rato. Antes de que comenzara la present-ación del primer conferencista, sonaban algunas sirenas para anunciar el evento. Una masa de colores y seres concentrados en un solo lugar, que comparten casi los mismos sueños e ilusiones, pero al mismo tiempo son tus peores enemigos, tu futura competencia.

Cada vez que iba a entrar un nuevo conferencista, todo era silencio. En la pan-talla gigante (creo que la más grande que haya visto hasta ahora, ni las del cine se comparan con ésta) proyectaban un video de una chica o un chico vestidos de forma muy provocativa leyendo una revista cerca de una piscina. Encima de ellos salía una boca con labios bien rojos dando una pequeña introducción del siguiente con-ferencista. Así iban apareciendo uno por uno, llenos de aplausos y gritos, dependi-endo del grado de entusiasmo e impacien-cia. La charla de cada uno de ellos duraba alrededor de una hora y media, además de la ronda de preguntas que a muchos no les importaba. Si era un conferencista extran-jero que no hablaba mucho español, había un traductor que escribía lo más rápido que podía los subtítulos (aunque si hubo casos de que se equivocaba tanto que ter-minó siendo parte de algunas burlas en

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Twitter, pobre).

Algunos de los conferencistas como Jeremy-ville decidió hacer algunas de sus creaciones o dibu-jos en vivo y en directo. Puso un escritorio, tomó un papel y pluma, y se dejó llevar. Otro fue el Dr. Alderete que promocionaba su nuevo invento gráfico que era una máquina que dibujaba en movimiento.

En las charlas, cada uno de ellos tenía difer-entes opiniones sobre el diseño, pero concluyendo con la misma idea. En un caso, el australiano Jerem-yville cree que debemos usar como base nuestras raíces, de dónde venimos y a dónde vamos. Debe-

mos ser personas auténticas, explorar el mundo con el fin de comunicar un mensaje memorable y claro. Él decía que debemos ser nosotros mismos todo el tiempo, la audiencia y nuestros clientes buscan la verdad.

Otro de los exponentes como el peruano El-liot Tupac, es un fiel creyente de lo contemporáneo. Decía que como diseñadores necesitamos encon-trar la esencia de nuestras composiciones, que en sus trabajos es la tipografía graffitera, proyectando algo icónico en su movimiento socio-musical para unir las masas con colores llamativos y formas ex-travagantes.

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Gerard Saint, de la empresa londinense Big Active, nos reflejaba que la música y el diseño grá-fico van de la mano. Entre estas dos ciencias, se puede llegar a un común acuerdo y ser exitosos. Solo hay que ponerle un poco de humor, diversión y ganas a lo que a uno le gusta.

Por medio de Skype, estuvo en “vivo” el Padre del Diseño, el grande Massimo Vignelli. Aunque no estuvo presente físicamente, fue aclamado por mu-chos. En su opinión, el diseñador grafico tiene que ser claro y conciso con sus creaciones. Por lo gen-eral deben ser piezas graficas limpias y fáciles de en-tender. También mostraba la responsabilidad como diseñadores de seguir los estándares de la sociedad, aunque si puede haber algún caso de romper las reglas. Para él, la fuente o tipo de letra que un dis-eñador escoge al momento de crear un diseño, dice mucho de él. En lo que respecta a la publicidad, es-tuvo presente la agencia española Double You. Ellos prefieren darle mayor importancia a la postpublici-dad, con el objetivo de establecer una cultura pub-

licitaria que vaya más allá de lo digital. Uno de los representantes exhibió varios videos de campañas que han realizado a lo largo del año y que han sido algo fuera de lo común, basándose en la lógica. Un ejemplo de ello fue que una aerolínea le entregó re-galos navideños a cada uno de sus pasajeros en el vuelo de Noche Buena del 2010.

El famosísimo David Carson nos dejó boquia-biertos. Presentó sus antiguos y nuevos proyectos, explicando sus técnicas y sus gustos al momento de componer alguna pieza. Tomar fotos es su pasión, y de ahí es donde se inspira para sus artes algo ilegi-ble. Experimentar es la herramienta más valiosa que nos pudo mostrar en las imágenes. Hay que perd-erle el miedo de hacer algo mal, ya que a las finales puede dar un resultado positivo.

Las conferencias terminaban cerca de las ocho de la noche para que uno pudiera tomar el último bus al centro. Hubo también talleres dis-ponibles por parte de algunos de los conferencistas

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como packaging, pero no muchos se inscribieron ya que se cruzaban con los horarios de otras confer-encias y otros por ser en las mañanas.

Ya en las noches, me dirigía al hotel para ce-nar y dormir por unas horas. Recuperaba energía para cambiarme e ir a las fiestas “Buenas Noches, TRImarchi”, que fueron en las mejores discotecas/bares de la zona. Yo fui el día sábado junto a mis ami-gos de la delegación de Ecuador a Sobremonte, una dis-coteca que quedaba como a 30 minutos en un “remis”.

Cuando llegamos, se veía mucha gente ha-ciendo fila para entrar. Yo estaba más concentrada en ver a las argentinas en mini faldas y vestidos tan cortos, mientras yo literalmente me moría de frio. La discoteca era abierta y tenía varios ambi-entes o casas pequeñas donde ponían cierto tipo de canciones o un estilo de música como House, Techno, Reggaeton, entre otros. Pequeños bares, tipo cabaña, estaban localizados en ciertos puntos estratégicos de la discoteca, donde las “minas” se sentaban a gustar de un buen coctel o los chicos a fumar con su cerveza en mano. Algunos de los ecu-atorianos nos quedamos juntos para bailar y beber un buen shot de Zhumir, gozando de buena música y gente hasta el amanecer. Fue un día matador.

A parte de las fiestas nocturnas, una de las ra-zones por las cuales la gente decidió ir al evento al último minuto fue por la sorpresa del segundo día. Un invitado muy especial iba a estar en TRImarchi, alguien que no se le puede decir “no”. El incompa-

rable y genial David Carson, el revolucionario del diseño iba a dar una charla y firmar autógrafos por primera vez en Argentina. Todos estaban tan impa-cientes dentro del estadio que en el momento que apareció, nadie dijo nada más que reírse de la forma en que se expresaba y las fotos raras que pasaba en su presentación.

Cuando finalizó su charla, todos se lanzaron contra las rejas del escenario para conseguir por lo menos un garabato de él. Claro que yo estuve en primera fila, no iba a desperdiciar esta oportunidad única en la historia; y claro que lo conseguí, lucha-ndo contra cabellos, cuadernos, plumas y empujo-nes. Esta clase de festivales o conferencias deberían realizarse también en Ecuador. Se debería impulsar o incentivar un poco más a los jóvenes, utilizando un poco más de creatividad, hacer algo así un tipo de convivencia entre nosotros los diseñadores para que salgamos de nuestras mentes y exploremos otros terrenos, conocer a otros como somos y así darnos cuenta que no somos tan diferentes como creíamos. Sería algo increíble y dejarnos ser libres y graficar lo que estamos pensando, sin restricciones.

Una completa fusión de todas las artes haber y por haber. Algo que pensé ver en mis sueños más locos. Solo puedo decir que me esperaba más, falta-ba de explotarlo, pero aun así fue increíble haberlo vivido y regresar a Ecuador con una sonrisa de oreja a oreja diciendo: “Tengo un autógrafo de David Car-son, que para variar se me llevó mi pluma”.

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Los temas de la Bienal se enfocaron en el “Diseño para todos” y “Diseño para el desarrollo,” con la idea de que estos proyectos le hagan la vida mas fácil a las personas de sexo indistinto, sin importar su edad o capacidades especiales. Las muestras eran expuestas en gran formato ya que los costos de traer las piezas originales hubieran sido muy altos. Cada afiche mostraba fotos del proceso de diseño y resultado final, al igual que un texto explicativo de cómo había surgido la idea del proyecto y su justificación.

Se mostraron proyectos innovadores de países como Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Costa Rica, Cuba, Ecuador, El Salvador, España, Guatemala, Honduras, México, Nicaragua, Panamá, Paraguay, Puerto Rico, Perú, Portugal, República Dominicana, Uruguay y Venezuela. La única dificultad que encontré fue entender el portugués de ciertos afiches.

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DISEñO VERDE

Me gustó el hecho de que los materiales en algunos de los proyectos como bolsas de tela, lámparas, mesas, revestimientos, ropa, sillas ,joyas_ –brazaletes, collares, anillos– sean elaborados con materiales reciclados y biodegradables. Creo que el diseño basado en lo ecológico, aparte de verlo como una “moda” actual y ser bien visto lo “verde”, justamente éste tipo de diseño es el que puede ayudar un poco a que la sociedad sea más limpia y no dañar más al planeta.

Bolsa de compras. Pertenece a una linea de productos para transportar efectivamente las compras, como dos botellas de refresco en ambos compartimientos

Revestimientos ecológicos Ekobe mostró una linea de productos fabricados con la cascara del coco.

El Polvy fascino es una indumentaria creada por el dis-eñador, hecha con la misma técnica, pero con tejido desecho (polar, lucra, algodón, poliéster)

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Mesa de vidrio con soporte hecho a base de cartón reciclado

Joyas inspiradas en la Cheita Originaria de Bolivia.

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Me parecieron llamativas las propuestas de Identidad Corporativa que mostraban algunos afiches. Los diseñadores gráficos, a los que les apasiona la papelería de las empresas, se habrán sentido muy emocionados, al igual que yo.

corporativo

Vive la Paz, fue realizada como imagen para la ciudad de La Paz, acogiendo las siluetas de la mujer boliviana con su sombrero típico y colorido

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seminario taller de la subregion andina fol-leteria.

Identidad corporativa para la XVI BAQ. La Bienal de Arquitectura de Quito tuvo una prop-uesta donde recupera la textura gráfica andina, con el juego tipográfico XVI.

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Se lucieron muchas portadas de libros y revistas, especialmente en las que predomina el diseño, ya sea de moda o libros sobre historia del diseño. Afiches de eventos realizados con retóricas de la imagen tales como Sinécdoque como en el afiche de “LIFE” cuya tipografía era armada con contornos de armas, o la que decía “FREEDOM” donde los contornos internos tenían gráficas de soldados. Otro de los afiches que me llamó la atención fue el que cuya temática era la migración, realizado en Metonimia, donde los árboles contenían nidos vacíos, unos con polluelos, otros con huevos, que simbolizaban perfectamente el sentimiento de abandono.

LIBROSafichesREVISTAS

CCEC - Imagenes y Palabras. Publicación en dos tomos para el X aniversario del Centro Cultural de España en Cordoba (Argentina). .

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Porque lloran los arboles? El tema del cartel es la migración, representada en este caso por el bosque, donde los nidos muestran el abandono de los padres hacia sus hogares y hacia sus hijos.

carteles que evocan significado contrario al mensaje textual.

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DISEñODEMODAS

El diseño de moda se basó en el concepto de Diseño de Desarrollo. Las propuestas se enfocaron en lo ambiental y en el reciclaje de material.

Diseño de vestuario para la ópera “Les Contes d’Hoffman”, de Jacques Offenbach (2009).

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Chaqueta con Modulo Fotovoltaico para hombro. Esta compuesto de un panel solar que rec-ogía energía para poder cargar dispositivos como baterías o celulares.

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Chaqueta para discapacitados. Desarrollada para las personas con discapacidad en las extremidades superiores, con la intención de ofrecer un producto adaptado a sus condiciones físicas particulares, ayudando a su autoestima y dandoles un valor social.

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Zapatos que vienen dentro de un sobre, armables y combinables. Dan la posibilidad de elección para transformar, personalizar y desarmar. Es un calzado completamente “light”.

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El diseño industrial o diseño de productos, tuvo buenas propuestas. Unas que realmente revolucionan el modo como vivimos y nos facilitan nuestras actividades, o nos ayudan a organizarnos mejor. Por ejemplo, una silla para personas minusválidas que se convertía en camilla para facilitar su traslado cuando haya alguna emergencia. Otras que parecían inverosímiles de las que no escuche muy buenos comentarios por lo ficticio que podría ser su uso, como por ejemplo, una máquina que reproducía olores, sabores y texturas de los productos para que los posibles consumidores probaran los productos antes de comprarlos.

INDUSTRIAL

La Bienal Iberoamericana de Diseño cumplió en lo que quería mostrar al público. Introdujo ideas nuevas, frescas, dentro de las cabezas de diseñadores profesionales, júniors y personas a las que simplemente les gusta este tipo de eventos; mejor aún si son trabajos de personas fuera de nuestro país donde muestran su perspectiva, pensamientos, ideales, proyecciones de cómo ver el mundo en el futuro. Es una lástima que el evento en sí no haya tenido la acogida que se merecía. Fue un evento bien organizado, el espacio me pareció correcto y la distribución de las obras, también. La fecha del mismo no fue la adecuada.

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Ambientación con luces para simular arboles en época de navidad.

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Sense. Dispositivo inalámbrico capaz de hacer que el consumidor huela, sienta texturas y pruebe productos antes de

comprarlos.

Escuela de Artes para Niños en el espacio público. Realizado con cajas de madera, se transforma para que los niños puedan realizar actividades artísticas como

dibujar y pintar

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Silla de ruedas transformable en camilla. Este diseño surge de la necesidad de me-jorar el traslado de personas con algún

tipo de discapacidad física.

Muchas personas prefirieron no asistir a un evento donde su intelecto iba a ser nutrido y decidieron irse a otros lugares por el feriado. Para los que asistimos, fue muy grato admirar las obras de extranjeros y nacionales y así aprender a que no debemos limitarnos y que las ideas más locas pueden ser las más admiradas en una próxima exposición.

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¿QUé DIABLOS HACE UN ESTUDIANTE DE DISEñO gRAfICO?

Esa es la pregunta más común que se me hace al saber que estudio diseño. Muchos no conocen el mundo del diseñador en clases y peor a que se dedica. Hay varios estereotipos que las personas se forman en su cabeza y sin pensarlo dos veces ya te etiquetan sin antes conocerte. Lamentablemente los diseñadores caen en esta rama de perjuicios. Y esta es una excelente oportunidad para contestar esa pregunta.

Antes de ir a mis clases en la UEES guardo en mi maleta el único objeto que no se me puede olvidar y del que jamás puede perderse: es mi pendrive, donde guardo todo. Ahí están todos los trabajos que me hicieron sudar la gota gorda con harta concentración y creatividad. Y es aquel que te puede salvar

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si no alcanzaste a imprimir el trabajo. Al fin y al cabo en clases de diseño siempre vas a terminar respondiendo esta famosa pregunta que cada estudiante debe de responder al profe: ¿Por qué? Esto va hacer el punto clave para obtener una buena calificación. Y lo que se necesita es mostrar bastante confianza en uno mismo para explicar lo que realizaste y defender tu diseño. Porque todo lo que un diseñador crea debe tener una razón.

Inicio de la ideaPor lo general, mis tareas empiezan con una

hoja de papel en blanco y un lápiz en la mano. Pensar, leer e investigar es lo que se necesita para conseguir una idea. Y no hablo de algo ligero, uno tiene que llenarse de bastante información, viendo lo que otros hacen para ver cuáles son las tendencias y no caer en lo obvio. Una vez que he conseguido el tema de mi proyecto, me pongo analizar qué mismo es lo que quiero hacer. Esto puede tomar horas, e incluso una que otra trasnochada, pero es necesario si uno quiere terminarlo a tiempo para la clase.

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Muchos imaginarían que diseñadores son como hippies que piensan que todo es amor y paz. Que necesitan de una fumadita o polvo mágico para tener una idea y realizar sus trabajos. Cosa que no lo consideraría tan efectivo ya que un diseñador necesita tener su mente lúcida para crear un mensaje visual. Al menos hasta ahora en mis 4 años en la UEES no he visto semejante cosa de crear una idea de esa forma. En cuanto a este estereotipo de imagen que se cree, es totalmente falso. Te sorprenderías saber que muchos de nosotros nos podemos vestir tan “fashion” como cualquier otro.

Bases para diseñarLa creación de algún diseño no es

tan fácil como algunos piensan. Resulta difícil hacerlo y es mucho más complicado si es un trabajo que inició en el mismo salón de clases bajo la supervisión de los profes y con tiempo limitado. Como estudiante de Diseño Gráfico, aprendo cada día las técnicas para comunicar de manera visual.

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Tengo que tener en cuenta que los tres elementos importantes que se usan como base para mis trabajos son la creatividad, la estética y el mensaje en sí que se desea trasmitir. Muchas veces en el diseño gráfico lo bonito sale caro, porque un diseñador no puede darse el lujo de crear algo solo porque luce bien; si se parte desde ese punto, uno empieza mal y el trabajo no será aprobado por el profesor. Habrá que repetirlo todo y eso es lo último que uno quisiera.

Algunos imaginaran que el hecho de utilizar la computadora para realizar nuestros trabajos es algo que lo puedes hacer en menos de una hora. Pues no es cierto, una idea necesita horas y horas de desarrollo y de mucho análisis antes de ponerla en marcha. Y cuando estas creándola se necesita poner atención en los detalles del proyecto.

Cuando tengo mi idea bocetada en mi cuaderno o en cualquier pedazo de papel que encuentro a la mano, la analizo para que vaya acorde con lo que pidió el profe. Y ahí viene la parte más complicada, realizarla.

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Creación y elementos a usarse en el diseño

Tengo que decidir qué técnica voy a utilizar; y al hablar de técnica, me refiero si lo voy a ilustrar, voy a usar fotos o tipografía. Hay bastantes técnicas que cada persona desarrolla y se siente más a gusto en usarla una y otra vez; eso ya depende de cada diseñador. Yo escojo casi siempre fotografías, textos y colores. Busco qué elementos fotográficos voy a utilizar. Tienen que ser de buena resolución y obviamente que vayan relacionados con lo que dice el texto. En mi opinión, lo más complicado es tomar buenas fotos y encontrar las que necesitas en el internet. En algunas clases te encuentras con profesores que exigen al estudiante a tomar sus propias fotos mientras que otros solo se conforman con fotos de donde sea, con tal de que sean de buena calidad. La verdad es que las fotos son lo que más tiempo le toma a uno.

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Este tema es complicado cuando quieres conversar con otras personas de otras carreras. Pues resulta ser que cuando les hablas de imágenes de buena resolución se les viene a la mente imágenes que usan para facebook o cualquiera otra que puedas encontrar en internet con una resolución que la puedes sacar tomándola desde tu celular. Cosa que es lo que uno menos quiere. Aunque carece de importancia para otros para uno es muy importante porque una foto ayuda o destruye un diseño.

Cuando ya tengo todas las imágenes, el texto y una que otra ayudita extra, que son los vectores (imágenes ilustradas ya creadas y listas para usarse), que voy a utilizar en mi diseño. Voy colocando los elementos en mi área de trabajo, recordando siempre los parámetros, reglas (que pueden romperse en caso de que el diseño lo amerite) y otras cosas que he aprendido como estudiante.

Es aquí, en este paso, donde salen a la luz todos los por qué. El primer por qué viene desde el inicio de la idea y los demás nacen cada vez que uno avanza en el proyecto. Y a que me refiero con esta pregunta, pues, muy sencillo cada vez que un diseñador expones tú trabajo a tu profesor y ni pasan tres segundos, y te pregunta, ¿explícame el porqué de esa imagen? En ese momento es donde tiene que estar bien preparada tu mente para el sin fin de preguntas que se viene a continuación y es muy importante dar respuestas satisfactorias que te den el visto bueno de tu profesor.

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Parámetros para diseñarSi se piensa que tenemos algún tipo de

programa en nuestro computador que te pone las cosas mágicamente en el lugar donde deben de ir, esto es muy falso. Uno debe de ingeniárselas para salir de lo ordinario y tratar de emplear de alguna forma algo más vistoso para los demás.

Es ambiguo cuando hablas con un diseñador acerca de reglas, ya que generalmente no las seguimos. Las charlas, los libros y clases de diseño nos enseñan ciertas reglas que existen en nuestro mundo, pero también se nos dice que se las puede romper en cualquier momento si lo amerita el trabajo. Es algo muy subjetivo. El diseñador gráfico no es una persona que las sigue paso por paso, ya que puedes limitar la creatividad. Más bien, veámoslo como una clase de parámetros que sirven como una guía a la hora de diseñar una revista, afiche, empaque, o logo con el objetivo principal de hacer algo nuevo y comunicar algo. Por lo tanto, si uno se pone analizar cómo piensa un diseñador, pues, es bien difícil de tener una sola respuesta, porque solo imaginamos y creamos.

Clases de estudiantes de diseño

Pero volviendo al tema. Las clases también son un gran misterio. Todos los años no se enseña el mismo contenido. Uno se puede dar cuenta que como estudiante de diseño, uno tiene que ser bien pilas y actualizarse todos los días. Hay estudiantes que aprenden a usar nuevos programas mientras que otros exponen, investigan y leen sobre nuevos

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diseñadores profesionales, que sus estilos y trabajos son fuente de inspiración para todos nosotros. Otros aprenden nuevas técnicas no antes enseñadas. También hay algunos que se enfocan en cómo vender sus diseños a clientes. En general, las clases van más orientadas a que el estudiante vaya descubriendo en qué realmente es bueno, lo que le gusta y cómo lo exterioriza para el campo profesional.

Básicamente así son las clases de diseño grafico. No es como muchos piensan que no hacemos nada. O que solo pasamos dibujando, realizando algún diseño cualquiera para luego imprimirlo. Pues, ahora conocen que se necesita de varios pasos para que un diseñador realice su arte final y pueda ser exhibido. Tal vez uno de estos días logres detenerte y observar una de las exhibiciones que se dan en la UEES y busques el mensaje que muchos que estos trabajos muestran. Quizás y alguno pueda llegar a impresionarte.

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Hace dos meses tomé un Taller de Creatividad en la UEES, en el cual la profesora nos dio varios ejercicios para expresarnos y abrir nuestras mentes a pensar más allá de lo ordinario.

Me fue excelente, tanto así que la profesora se asombró y se dio cuenta de mis aptitudes. Varios días después, se dieron las inscripciones para el Cóndor 2011, un concurso de publicidad a nivel nacional en donde participan varias universidades.Aquella misma profesora fue la encargada del

proyecto, así que me convocó en su lista, lo que me hizo sentir muy bien y me motivó a aceptar el desafío. Sinceramente, no sabía en lo que me estaba metiendo. Tenía muchas dudas, ya que estaba a punto de convivir durante casi 30 días con nueve personas más, como El Gran Hermano o Jersey Shore, y era algo que veía bastante difícil porque soy una persona que sabe lo que quiere y me apego a la frase “Si quieres que las cosas se hagan bien, hazlas tú mismo.” Pero también me gusta probar lo que puedo lograr así que acepté el reto.

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No conocía a ningún miembro de mi equipo. Éramos personas de distintas carreras. Había gente de Marketing, Publicidad, Diseño Gráfico, Relaciones Públicas, Comunicación Organizacional, todos con diferentes puntos de vista, pero con el mismo objetivo. Una vez que el grupo se juntó y nos presentamos, nos entregaron el brief y conocimos el tema del proyecto. Se trataba de recaudar fondos para el Hospital León Becerra. Sin más que hacer, comenzamos con la etapa de investigación. Esta es la parte más tediosa de cualquier proyecto, nadie la quiere realizar. Hay que hacer encuestas, entrevistas, focus groups, observar a los consumidores. En esta

etapa, yo, como diseñadora del grupo, no necesitaba estar muy involucrada pero me intereso hacerlo porque sabía que aprendería cosas nuevas, y no me equivoqué. Me di cuenta que esta etapa es sin duda la más importante de todas, porque de aquí nacen los cimientos de cualquier campaña publicitaria.

Pasamos semana y media en la investigación, obtuvimos mucha información valiosa. Teníamos que organizarla, analizarla y obtener de ella las cosas más importantes que servirían para tener conclusiones claves que identificarían el problema principal del hospital y que nuestra campaña iba a resolver.

Todo este proceso lo acabo de resumir en

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cinco líneas, pero en realidad para llegar a este punto, nos demoramos una semana y media más, ya que, debido a los diferentes criterios de los integrantes del grupo, el problema de la campaña se escribía y borraba una y otra vez. Los publicistas del grupo, que tenían más experiencia en este tipo de campañas, decían que eso era normal y hasta muy bueno porque nos obligaba a defender y fundamentar cada opinión y eso era importante para poder sustentar el porqué de nuestro enfoque. Pero, al final, logramos identificar el problema y entramos de lleno en los objetivos de la campaña.

Cabe recalcar que durante estas etapas hubo muchos conflictos entre los miembros del grupo ya que muchos defendían sus ideas a capa y espada. En mi grupo no había un tutor líder que nos bajara de las nubes y nos ponga a trabajar en equipo. Hablamos con muchas personas que nos dieron muy buenos consejos pero todos con enfoques diferentes lo cual perjudicó al grupo porque teníamos muchos caminos pero no sabíamos cuál tomar. Por eso estuvimos en el limbo por varios días. Sumando a esto como los 30 participantes del cóndor fueron divididos en tres grupos, se crearon

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ciertos conflictos internos, ya que se generó una competencia por ser el mejor grupo y esto no ayudo a nadie. Al trabajar independientemente, los grupos se vieron desbalanceados porque unos tenían varias personas de marketing pero ninguno de producción multimedia, o en otros les faltaban diseñadores. Uno ni siquiera tenía Redactor Creativo. Es vez de ayudarnos entre todos a fortalecernos los unos a los otros, los grupos crearon hermetismo y se decidió trabajar con lo que se tenía. De vuelta a mi grupo, pasamos varios días pensando en el concepto de comunicación y el Gran Concepto Creativo que iba a envolver a toda nuestra campaña.

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Teníamos una idea, la desarrollábamos pero, de repente, venía alguien y decía que estaba mal, y teníamos que botar todo y comenzar de nuevo. Esto nos pasó seis veces. Fue un martirio para todo ya que el grupo se desmotivaba un poco por todas las malas noches pensando, sin comer bien, sin dormir, cansados, agotados y encima se botaba a la basura todo eso por el hecho de que a una persona no le gustara el concepto. Un día, volvimos a retomar un concepto que ya se había pensado desde el principio y a pesar que para algunas personas externas del grupo les parecia errado, hubo una persona de apoyo en nuestro grupo que nos habló y nos dijo que muchas personas nos iban a querer tirar la campaña abajo pero está en el equipo defenderla y sustentar el porqué de todo. Esto hizo que el grupo se uniera y empecemos a creer en nosotros y nuestras ideas. Así seguimos con la sexta campaña. Se desarrollaron todas las acciones que iba a tener, fases de expectativa, lanzamiento, maduración y de mantenimiento. Todo cuidando que siga una misma línea y que no se alejara del Concepto Creativo. Una vez pensado esto, se la bajó en piezas. En esta fase, los creativos del grupo tuvieron problemas ya que el concepto era un poco limitado, había problemas en unir lo que se quería decir con lo que se quería lograr que la gente piense, sienta y haga.

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Y así fueron pasando los días. Era una carrera contra el tiempo, cuando quedaban tres días para la presentación de la campaña entramos en la etapa de producción. El grupo se dividió; unos iban a realizar el comercial, la cuña de radio, mientras otros mandaban a producir el merchandising y las acciones de marketing directo. Yo, como diseñadora, empecé a trabajar en las piezas que habían, un trabajo súper cansado y difícil, ya que mientras unos pensaban, conversaban y otros dormían, yo tenía que estar frente a una computadora durante horas tratando que todo quedara bien; y, como soy perfeccionista, y tenía tan poco tiempo y ninguna ayuda ese mismo tiempo me

jugó en contra y pasé dos días sin dormir, solo trabajando entre cuatro paredes, sentada frente a una pantalla. Al final, no quedé cien por ciento convencida de mis piezas pero no hubo tiempo de cambiar porque se tenía que imprimir y armar todo.

Hubo muchas cosas que quedaron inconclusas. Algunas acciones que teníamos pensadas no formaron parte de la presentación final ya sea porque no se pudieron producir o porque no se las podía unir con el concepto de una forma que no puedan ser refutadas.

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Cuando esto llegó a su fin, muchos nos sentimos aliviados, porque habíamos dado todo de nosotros. Esto dejó muchas lecciones para cada uno. Conocí a grandes personas y a otras no tanto, pero, personalmente, aprendí que el trabajo de un diseñador es muy duro, es la persona que más trabaja en estas campañas. Al final la felicidad que da un elogio de un diseño

no se compara con nada porque todo ese esfuerzo, esas malas noches, las libras de más por toda la comida chatarra, las ojeras, todo vale la pena al tener la satisfacción de decir cumplí, lo hice, les gustó. A pesar de que mi grupo no entró a la final, aprendí muchísimo de mis compañeros: a trabajar en equipo, el orden de los pasos que hay que seguir para hacer una campaña publicitaria, el delegar funciones. En fin, fue una experiencia linda y el próximo año volveré a aceptar el desafío del Cóndor, pero esta vez prometo traer el premio a casa, cueste lo que cueste.

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¿Cuántos años de información guardo en mi mente? Hay tantas experiencias, rostros, palabras, olores, flotando en ella, todo mezclado, sin sentido. Sin embargo, esto no quiere decir que no me haya servido de algo tener tanta información ocupando espacios que de forma irreversible se fueron expandiendo a lo largo de mi vida. Algunas veces pensé que iba a explotar. Demasiada información? No. Nunca es demasiada, nunca es suficiente.

Lo que la gente llama creatividad no son más que pequeñas partículas de información, de recuerdos que se combinan para formar ideas, algunas buenas, otras malas. Es como tener un cuarto lleno de opciones que permanecen ahí sin ser utilizadas, hasta que llega la oportunidad de usar una de ellas.La creatividad no está ahí simplemente porque alguien nació con ella, más bien es algo que se cultiva a lo largo del tiempo, o, por el contrario, se limita con él. Creo que las personas más creativas son las que no desechan nada, no subestiman ninguna

Since everything is in our heads, we had better not lose them.

Coco Chanel.

experiencia o información que haya llegado a sus vidas, aunque sea por pura casualidad. Son observadoras y ven en lo más simple algo útil. De esta forma, le dan la importancia necesaria para recordarlas cuando lo requieran.

La intuición profesional que da la experiencia es básicamente toda la información que se guarda sobre un tema al que le prestamos mucho interés, y las experiencias que almacenamos a lo largo del tiempo. Si hiciéramos esto con todos los aspectos y situaciones cotidianas en nuestras vidas, seríamos personas más creativas. Todo sirve. Nada se pierde. Todo se recicla. La capacidad de inventar nuevas formas de ordenar la información una y otra vez, de distintas maneras, para que den como resultado nuevas ideas, se llama creatividad. Mientras más nos preocupemos por expandir nuestra mente, mejor. Actualmente estoy tomando una clase en la Facultad de Artes Liberales, sobre Expresión Creativa, la experiencia ha sido enriquecedora no sólo por el hecho de que se tratan temas que giran entorno a la

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creatividad, además de aprender un poco más sobre el Arte. Me pude dar cuenta que hay cosas tan básicas, que muchas veces pasan desapercibidas.

Cambiar de ambiente, compartir con personas con las que normalmente no lo hacemos, abre la mente. Uno puede ser capaz de entrar en un mundo al que no pertenece, y donde definitivamente va a encontrar cosas que no conocía, nuevas y, sobre todo útiles. Ver diferentes perspectivas del mundo, de lo que para mi es normal o, en el caso de mis compañeros de esta clase, extraño. Al ser una estudiante de Diseño Gráfico, comparto con ellos muchos pensamientos, gustos e intereses. Sin embargo, me di cuenta de que ven el mundo de otro modo. Algunos piensan que los artistas son locos. Yo creo que son muy cuerdos, mucho más que personas que dicen ser “normales”. Creo que su “locura” está en ver cosas que el resto no ve, y por ello no se limitan, su creatividad no se limita. Muchas veces voy a mi clase de Expresión Creativa y no hablo, solo observo. Además de aprender sobre la materia,

observo a mis compañeros. Me gusta cómo me recuerdan que la vida no es tan complicada. Que las cosas simples muchas veces son las más claras. Que no todo esta dicho. Que no importa equivocarse. Que la mente trabaja mejor cuando esta tranquila. Y que nada es lo suficientemente malo; siempre existen las soluciones. Son cosas que a veces se me olvidan cuando caigo en la rutina. Las oficinas, los problemas, lo “normal” muchas veces limitan y olvidamos estas cosas. Hay que salir de lo “normal”, lo “normal” no existe. El desorden usado de la forma correcta resulta en grandes ideas.

Paula Scher, quien creó el logo del Citibank, hizo un boceto de este en una servilleta en dos segundos, muchos cuestionan cómo es posible hacer esto. Al respecto Scher dijo:

“How can it be that you talk to someone and it’s done in a second? But it IS done in a second — it’s done in a second and 34 years. It’s done in a second and every experience, and every movie, and every thing in my life that’s in my head.”

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“…over time I get used to everything and start taking for granted, don’t take creativity for granted… do what you have never done before…”

Stefan Sagmeister. –

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Al leer lo que ella tiene que decirnos sobre la precisión que tuvo para bosquejar acertadamente lo que sería más tarde la imagen de uno de los bancos más prestigiosos alrededor del mundo, podemos darnos cuenta de que esa precisión viene con la experiencia de muchos años, observando, jugando a ordenar las ideas de formas distintas, pero con un propósito serio y comprometido.Sin embargo muchos creen que la creatividad viene de repente, y que es más seguro tener un

plan de acción fijo y seguro. Que una vez conocida la fórmula del éxito en determinada situación es mejor practicarla y adaptarla a los distintos casos que pudiesen presentarse. Un cuadrado seguro ciertamente, un arma de doble filo. Anteriormente mencioné que caer en la rutina es peligroso, y es exactamente eso lo que pasa cuando nos ponemos debajo de un paraguas todo el tiempo, no siempre la esquina más segura es la mejor, debemos tomar riesgos. Acostumbrarnos muchas veces nos deja ciegos. La imaginación es visual.

“…over time I get used to everything and start taking for granted, don’t take creativity for granted… do what you have never done before…” - Stefan Sagmeister. –

Hay algo muy importante que debo mencionar, hay tanto que decir sobre la creatividad, sin embargo no debemos olvidar que los excesos tampoco son buenos. Esta bien ser creativos pero no demasiado, no se deben forzar las cosas. De lo bueno poco. Lo simple siempre es mejor. Saber mostrar una creatividad simple y sin muchos adornos.Muchas ideas no serán tan buenas como una sola idea, estas podrían contaminarse, ellas para ser apreciadas deben tener su espacio. No importa cuan enamorados estemos de nuestras ideas, se debe escoger siempre la mejor.

Para mí en eso se basa la creatividad, en el difícil proceso que debe ser ejercitado a lo largo del tiempo. En ordenar y seleccionar información cuidadosamente guardada en nuestro disco duro, para formar grandes ideas. Pero sobre todo tener la audacia de saber escoger la correcta.

“Jump out the window if you are the ob-ject of passion. Flee it if you feel it.

Passion goes, boredom remains.” Coco Chanel.

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