Segunda Mitad del s. XX: Las vanguardias, el Pop-Rock y la música cinematográfica.

1. Contexto histórico-cultural de la segunda mitad del s. XX.

La segunda mitad del siglo XX se encuentra marcada por el final de la Segunda Guerra Mundial (1945) y la división del mundo a nivel político y económico en dos grandes bloques:

El occidental, capitalista y democrático encabezado por uno de los nuevos dueños del mundo, los Estados Unidos de América.

El oriental, socialista y no democráticos bajo el predominio del otro grande, la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS).

Las dos potencias mundiales mantuvieron durante este largo periodo de tiempo (1947-1989) un pulso duro y constante, salpicado de conflictos armados que se conoce como la "Guerra Fría".

El fin de la Segunda Guerra Mundial supondrá también la pérdida progresiva de protagonismo de Europa frente al resto del mundo, debido al interés que las dos grandes potencias mundiales tendrán en África, Sudamérica y Asia.

Esto se debe a que cuando Europa quedó destrozada al final de la Segunda Guerra Mundial, las colonias Europeas de África, Sudamérica y Asia comenzaron a pedir la independencia, es decir, el control sobre su propio destino.

EEUU y la URSS (las dos potencias mundiales) intentarán ampliar su zona de influencia en estos territorios que no estaban posicionados y que intentaban mantenerse al margen “ayudándolos” para conseguir su independencia y libertad.

La Guerra Fría se caracterizará, por tanto, en que las dos superpotencias enfrentadas (EEUU y URSS) nunca se llegaron a enfrentar directamente utilizando sus fuerzas armadas una contra la otra, sino que aprovecharon, e incluso provocaron, conflictos regionales entre sus aliados o terceros países no alineados. Intervenían en estos conflictos ayudando a uno de los bandos mediante apoyo económico, militar o apoyo político, dependiendo del país y la situación estratégica o política de la región.

También cabe destacar el avance que se produjo en la tecnología, los medios de transporte y las telecomunicaciones, que hicieron de nuestro planeta una aldea global y uniforme, con la posibilidad de conocer casi con total inmediatez lo que sucedía en el mundo entero. Es lo que llamamos el fenómeno de globalización.

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Por otra parte, las nuevas tecnologías y los avances de las ciencias en todos sus campos seguirán su curso imparable. Basta citar, a modo de ejemplo, el primer hombre en el espacio enviado por la Unión Soviética en 1961 (Yuri Gagarin) o el primer hombre en pisar la luna en 1969 obra de los norteamericanos (Neil Armstrong).

La segunda mitad del siglo XX también se caracteriza por el surgimiento de la sociedad del bienestar y del ocio, todo esto dentro de la cultura occidental y capitalista.

Todos estos aspectos que hemos mencionado anteriormente tendrán su repercusión en la música de la segunda mitad del siglo XX. El final de la segunda guerra mundial, con todas sus terribles consecuencias, impulsó un deseo de ruptura y de construcción de nuevo mundo más seguro. En el campo de las artes y de la música en particular, ese deseo de ruptura se plasmó en una segunda oleada de movimientos de vanguardia a partir de los años 50.

Muchas de estas nuevas vanguardias se volcaron con las posibilidades que entonces ofrecían las nuevas tecnologías. Así, los avances de la ciencia y la técnica se aplicaron directamente en el terreno musical. Los sintetizadores primero y los ordenadores después, son un claro ejemplo de lo que estamos diciendo.

La música de vanguardia utilizó ampliamente estos nuevos recursos en la denominada música concreta y música electroacústica. También se utilizaron en el pop y el rock, géneros que no se entenderían sin nuevos instrumentos como la guitarra, el bajo eléctrico, sintetizadores o las cajas de ritmo.

El sistema capitalista, con la búsqueda del individualismo, la libertad de conciencia y el libre mercado, fue un elemento fundamental en el nacimiento y posterior desarrollo de la música pop-rock (1955). No resulta extraño que el rock naciera en los Estados Unidos en un momento en el que surgían las primeras discográficas y los jóvenes norteamericanos disponían de dinero para comprar los discos de sus cantantes y grupos favoritos. Además, esa idea de libertad propició la enorme variedad de propuestas que encontramos en la historia del pop-rock.

La globalización, especialmente en las últimas décadas, trajo consigo la idea de fusión, de mezcla entre todo tipo de corrientes musicales como nunca antes se había producido en la historia de la música. Finalmente, la cultura del ocio impulsará el consumo de todo tipo de músicas, en muchas ocasiones con un marcado carácter comercial, así como el impulso del séptimo arte y la música cinematográfica.

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2. Las nuevas vanguardias

Herederos de las novedades aportadas en las primeras décadas, durante la segunda mitad de siglo (1950) el arte en general y en particular la música, siguen las pautas de ruptura marcadas por los autores de las generaciones anteriores (Schoemberg, Debussy, Satie, Prokofiev…)

Ya había desaparecido de forma definitiva el lenguaje universal tonal, y llegamos por tanto, en este periodo, a la concreción de estilos artísticos mucho más radicales e individualistas, en los que todo es válido para crear una obra de arte, que, muy a menudo, va a sorprender a un público que no está preparado para este tipo de música.

En un primer momento, las nuevas vanguardias se vieron especialmente atraídas por las nuevas tecnologías. Resultó inevitable que los grandes progresos científicos de la primera mitad del siglo XX, específicamente en el campo de la electrónica y la acústica, tuvieran una profunda influencia en la música, como por ejemplo con el surgimiento de nuevos instrumentos. De esta forma se desarrolla en Europa la Música Concreta, la Música Electrónica y la fusión de ambas, la Música Electroacústica.

También surgieron otros estilos, como el Serialismo Integral, la Música Aleatoria, la Micropolifonía y el Minimalismo.

2.1 Música Concreta

En la música concreta el material de base está formado por sonidos preexistentes: sonidos y ruidos de la vida cotidiana, de la naturaleza y también voces e instrumentos musicales que se graban y posteriormente se manipulan mediante diferentes técnicas de montaje y manipulación del sonido.

Sus máximos representantes son los franceses Pierre Schaeffer y Pierre Henry, quienes partiendo de la influencia del futurismo italiano, utilizarán cualquier sonido o ruidos extraídos de la realidad que, después de ser grabados, se elaboren en un laboratorio.

Esta música no necesita intérprete, pues es el mismo compositor quien deja preparada la cinta magnetofónica tal y como se debe escuchar.

2.2 Música Electrónica

La Música Electrónica surgió en Francia (1948) influenciada por la música concreta, pero, a diferencia de ésta, la música electrónica se vale sólo de sonidos provenientes

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de los nuevos aparatos electrónicos, es decir, los sintetizadores, capaces de crear sonidos nuevos, artificiales, de laboratorio.

En la Música Electrónica el sonido es creado en un laboratorio, son sonidos que no existen en la realidad, que se crean, se procesan y se graban electrónicamente. Este tipo de música suprime totalmente los intérpretes y las partituras. El laboratorio musical es el centro de creación del artista.

Entre los compositores más destacados de este movimiento podemos nombrar:

Karl Stockhausen, que desde 1953 dirige el Estudio de Música Electrónica de Colonia (Alemania). Su obra más conocida es "El canto de los adolescentes".

Esta posibilidad tomó muchas formas diferentes, ya que algunos compositores simplemente incorporaron instrumentos electrónicos dentro de piezas relativamente convencionales. Olivier Messiaen, por ejemplo, usó las Ondas Martenot en cierto número de trabajos. Oskar Sala creó la pista no musical para la película “Los pájaros” (de Alfred Hitchcock) usando el trautonium, un instrumento electrónico que él mismo ayudó a desarrollar.

Otros autores que seguirán los pasos de Stockhausen son Luciano Berio y Bruno Maderna.

2.3 Música Electroacústica

La música electrónica se unirá a la música concreta, dando lugar a obras cuyo contenido es en parte grabaciones de sonido real y otros creados por medios electrónicos. A esta música se le conoce como Electroacústica, y se convertirá en uno de los procedimientos más empleados por casi todos los compositores del siglo XX y que surgió en 1956.

Entre las obras más destacadas de música electroacústica podemos escuchar “Philomel” de Milton Babbitt (1964), “Thema (Omaggio a Joyce)” de Luciano Berio, “Répons” de Pierre Boulez, “Imaginary Landscape nº1” de John Cage.

Además de toda esta música experimental, desde los años 50 nos encontramos con otras propuestas, destacando el Serialismo Integral, la Música Aleatoria y el Minimalismo.

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2.4 Serialismo Integral

El Serialismo Integral implica la extensión del principio de la serie de alturas que creó Schoenberg (dodecafonismo) a otros elementos fuera de la altura del sonido.

Los compositores serialistas a partir de los años cincuenta criticaron al dodecafonismo por no aplicar el principio serial íntegramente a todos los parámetros musicales de la obra.

En realidad, las nuevas reglas de composición musical establecidas por Schönberg (usar las doce notas de la escala cromática, sin que una se repita hasta tocarse las otras once, etc.) sólo abarcaban la mera altura de las notas. Los otros elementos sonoros seguían tratándose de la forma tradicional, y no había, por lo tanto, una ruptura plena, tajante, con la tradición del canon musical a la que tanto se habían opuesto los dodecafonistas.

Un serialismo auténtico, “integral”, sería entonces aquel que empleara el principio serial a los otros parámetros musicales, como el ritmo, la dinámica, el timbre. Es decir, el principio serial también debía afectar a la duración de las notas, la intensidad o el volumen con que se tocaban y el tipo de sonido que producían los distintos instrumentos que las interpretaban.

La música basada en estos principios es atemática, no tiene un pulso rítmico claro y presenta una ausencia de todo sentido de progresión, de movimiento hacia puntos de culminación definidos y previsibles hacia el final de la obra.

2.5 Música aleatoria

La música aleatoria o de azar es una técnica compositiva musical basada en utilizar elementos no regulados por pautas establecidas y en la que adquiere un papel preponderante la improvisación a partir de las secuencias no estructuradas.

Tales rasgos improvisadores pueden fijarse en la creación del autor o en el desarrollo de la propia interpretación. Es frecuente, en consecuencia, la composición de piezas aleatorias en las que el ejecutante determina la estructura final de la obra, mediante la reordenación de cada una de las secciones de la misma, o incluso mediante la interpretación simultánea de varias de ellas.

El azar es un rasgo definitorio de esta técnica compositiva que alcanzaría una notable difusión a partir de la década de 1950. Las corrientes aleatorias tuvieron algunas de sus más significativas representaciones en las creaciones del estadounidense John Cage con Music of Changes (1951) o 4 33″′ (probablemente la obra más radical del siglo XX, famosa por consistir en la indicación de no tocar por 4 minutos y 33 segundos). También Charles Ives se movió en esta línea de indeterminación, postulando la estética del "anti-arte".

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2.6 Micropolifonía y masas sonoras

La micropolifonía se trata de una simultaneidad de diferentes líneas, ritmos y timbres.

La técnica fue desarrollada por György Ligeti, quien la explicó así:

«La compleja polifonía de las voces individuales está enmarcada en un flujo armónico-musical, en el que las armonías no cambian súbitamente, sino que se van convirtiendo en otras; una combinación interválica discernible es gradualmente haciéndose borrosa, y de esta nubosidad es posible sentir que una nueva combinación interválica está tomando forma». «La micropolifonía se asemeja a los clústers, pero difiere de ellos en el uso que hace de líneas más dinámicas que estáticas».

El primer ejemplo de micropolifonía en la obra de Ligeti se produce en el segundo movimiento de su composición orquestal “Apparitions”. También son pioneras en la aplicación de esta técnica su siguiente trabajo para orquesta “Atmosphères” y el primer movimiento de su “Requiem”.

 Intrínsecamente relacionada con la micropolifonía está la masa sonora, que es una textura musical cuya composición, en contraste con otras texturas más tradicionales, minimiza la importancia de las alturas musicales individuales para preferir la textura, el timbre y la dinámica como principales formadores del gesto y el impacto.

Uno de los compositores más importantes fue el polaco Krzysztof Penderecki con su obra “Treno a las víctimas de Hiroshima” y el griego Iannis Xenakis con su obra “Metástasis”.

2.7 Minimalismo

Varios compositores de la década de los sesenta comenzaron a explorar lo que ahora llamamos Minimalismo. La más específica definición de minimalismo refiere al dominio de los procesos en música donde los fragmentos se superponen en capas unos a otros, a menudo se repiten, para producir la totalidad de la trama sonora.

Ejemplos tempranos incluyen “In C” de Terry Riley y “Drumming” de Steve Reich. La primera de estas obras hizo que Riley fuera considerado por muchos el padre del minimalismo.

El objetivo fundamental de los compositores era hacer la música accesible para los oyentes comunes, expresando cuestiones específicas y concretas de la forma dramática y musical, sin ocultarlas bajo la técnica, sino más bien haciéndolas explícitas, volviendo a las triadas mayores y menores de la música tonal, pero sin utilizar la funcionalidad armónica tradicional.

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También cabe destacar a Philip Glass o Michael Nyman como representantes de esta corriente compositiva.   

3. El Pop-Rock

Pop rock es un género musical que combina melodías y letras típicas de la música Pop con elementos propios del Rock, como son una mayor presencia de guitarras eléctricas o un ritmo más fuerte.

Existen diversas definiciones para el Pop-Rock, ya que es un término muy amplio y, a veces, contradictorio. Algunos lo definen como un género musical más lento y suave dentro del rock, y otros dicen que es un subgénero dentro del pop.

En un sentido más amplio, se utiliza también pop-rock como término genérico que engloba a aquellos estilos que se encuadran tanto dentro del pop como del rock, en particular los de carácter mainstream, es decir, aquellos que gozan de mayor popularidad entre el gran público y que son por ello objeto de mayor atención en los medios de comunicación. Los temas más comerciales dentro del pop y del rock.

Como ocurre con muchos géneros musicales, es subjetivo determinar qué constituye "pop rock" y qué no. Así, los periodistas y críticos musicales difieren muchas veces sobre la categoría en que se debería encuadrar a una banda.

Para ver a los máximos representantes de este gran género musical haremos un recorrido histórico desde los años 50, cuando nació el Rock, hasta la década de los 90.

3.1 Década de los 50.

A pesar de que "oficialmente" se marca el nacimiento del rock and roll con la grabación “That's all right”, de Elvis Presley, históricamente tanto la música como el nombre surgieron poco tiempo antes. Para muchos historiadores, el amanecer del género se dio con la canción “Rock Around The Clock”, de Bill Haley and His Comets, que fue grabada el 12 de abril de 1954 -tres meses antes que el Rey hiciera historia.

En tanto, el término "rock and roll" (expresión del slang de los negros para referirse al acto sexual) lo empezó a utilizar el locutor de radio Alan Freed en 1952 para definir algunas canciones que tocaba en su programa, como “Rock The Joint”, precisamente de Bill Haley.

Sin embargo, el hecho de considerar a Elvis como el creador, principal promotor y Rey del rock, tiene mucho que ver con su personalidad, con su voz, con su carisma y con lo que desde un inicio representó, no sólo para la música sino para la cultura popular de entonces, rompiendo esquemas y trasgrediendo tradiciones morales y de conducta.

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Cabe destacar otros grupos importantes, como Chuck Berry, Little Richard, Bo Didley, Buddy Holly…etc.

El auge de esta primera generación del rock and roll se dio hacia 1956-57, y sería el mismo Elvis el que marcaría su decadencia cuando en 1958 se inscribió en el ejército de los Estados Unidos, donde permanecería hasta 1960.

Su música dejó de tener esa carga de rebeldía y frescura con la que se identificaron años antes los jóvenes. El rock estaba listo para sufrir su primera metamorfosis.

3.2 Década de los 60.

Después de la decadencia de los primeros ídolos del rock and roll a finales de los años 50, el relevo lo tomaron los artistas de color, quienes a principios de los 60 pusieron a bailar a todo mundo con su sonido Motown, una celebración de R&B (rhythm and blues), soul y funk. De esa oleada de artistas se recuerdan, entre muchos otros, a The Supremes, The Marvelletes, The Shirelles, Marvin Gaye, Stevie Wonder y el padrino del funk, James Brown, que le dieron un nuevo sentido a la música pop con su frescura y alegría. Pero bastaría con que la década dejara pasar cuatro años para que un nuevo movimiento, con dimensiones y repercusiones tan grandes como las del nacimiento del género, se presentara. Con la llamada "invasión inglesa" la música británica se hacía presente y, como ocurriría de ahí en adelante, Gran Bretaña demostraría que a partir de ahí irían siempre un paso adelante a lo que se creara en Estados Unidos.

Entonces el mundo entero vibró a ritmo de The Kinks, The Animals, The Who, The Zombies, The Shadows, The Hollies y, por supuesto, con The Beatles y The Rolling Stones, las dos bandas más importantes e influyentes en la historia del rock.

En tanto, en Estados Unidos la respuesta llegaría unos años después, cuando pasada la mitad de la década el rock ácido y la psicodelia se apoderaría de la escena y traería un nuevo movimiento al rock, quizá el más trascendente y de gran repercusión social y cultural. Después de que Bob Dylan decidiera dejar un poco el folk y electrificar su música, una gran generación de bandas estadounidenses empezaron a crear un movimiento que años más tarde, desembocaría en el expansivo movimiento denominado Psicodelia.

De esa generación destacan Jimi Hendrix (considerado como el mejor guitarrista de rock de todos los tiempos), Janis Joplin, The Doors, The Jefferson Airplane, The Greateful Dead, The Byrds, Country Joe & The Fish, y una serie de grupos provenientes principalmente de la Costa Oeste de los Estados Unidos.

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Al otro lado del charco las anteriormente citadas bandas inglesas, The Beatles, The Who o The Rolling Stones se dejarían influenciar por este movimiento que tomaría como máximos representantes a Pink Floyd, Cream o Soft Machine en las islas británicas.

3.3 Década de los 70.

Después de la maravillosa década de los sesenta, la nueva no pintaba nada bien desde el comienzo:Jimi Hendrix y Janis Joplin, dos símbolos de la generación de los 60, mueren en 1970 a causa de una sobredosis. En ese mismo año, Paul McCartney anuncia oficialmente la separación de The Beatles y, un año más tarde, en 1971, Jim Morrison, cantante de The Doors y uno de los principales iconos visuales y sex symbols de la historia del rock, muere también de sobredosis.

Con esos malos augurios, la primera mitad de la década el rock experimenta su masificación y el establecimiento de la parafernalia visual en grandes escalas en los conciertos. Led Zeppelin reinará a lo largo de la década, y de tras de ellos vendrán The Rolling Stones y Pink Floyd, con espectáculos realmente impresionantes.

El heavy metal, el hard rock y el glam rock se apoderan del gusto de las masas a lo largo de la primera mitad de la década, por lo que grupos como Deep Purple, Black Sabbath, T. Rex, Alice Cooper o Queen viven sus momentos de gloria.

Sin embargo, toda esa masificación, glamour, parafernalia visual y, en el caso del rock progresivo, virtuosismo, aleja al rock de sus raíces callejeras y de rebeldía, por lo que los jóvenes ya no encuentran una identificación y una bandera en él.

Es entonces que en los suburbios neoyorquinos surge el punk, derivado del rock que retoma esa rebeldía, acompañada con una dosis de anarquismo, hedonismo y politización, que lo convierten en otro de los momentos trascendentales en la historia del género. El punk nace en Nueva York engendrado por los ahora míticos The Ramones, pero los ingleses The Sex Pistols lo llevan al extremo.

3.4 Década de los 80.

Al igual que su antecesora, la década de los 80 inicia con muertes y separaciones: John Lennon, líder y fundador de los Beatles, activista político y social es asesinado fuera de su apartamento en Nueva York el 8 de diciembre de 1980. Bob Marley, máxima figura de la música reggae, muere el 11 de mayo de 1981 víctima del cáncer. La década de los 80 se caracterizó por la amplia diversidad de música en estilos, propuestas, formas y estética, gracias al nacimiento de varios subgéneros del rock (new wave, post-punk, techno, dark, electrónica, hip-hop, hard rock, metal...),

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que se fueron incorporando a la escena a lo largo del decenio, algunos con características masivas, en cuanto a su exposición, otros más bien subterráneos o alternativos.

Dentro de la primera mitad de la década destacaría un trío británico nacido del punk pero que había evolucionado y transformado su sonido: The Police, que con su mezcla de rock, reggae y jazz se convirtió en la mejor banda del mundo, hasta que se separaron en 1985, justo cuando experimentaban su punto más alto, artística y comercialmente hablando.

Ante la desintegración de The Police quienes tomaron el relevo fueron los irlandeses de U2, que para finales de los 80 ya se habían convertido en el grupo más importante de rock del mundo, a niveles de los grandes como The Beatles o The Rolling Stones.

Talking Heads, Simple Minds, The Pretenders, Public Enemy, Run DMC, Madness, The Cars, The Cure, The Smiths. Depeche Mode, OMD, Pet Shop Boys, Sonic Youth, Pixies, Guns 'n' Roses, Metallica... son tan sólo algunos de los muchos protagonistas de la década.

En el Pop debemos destacar a solistas como Madonna, Michael Jackshon y Bruce Springsteen.

Asimismo, nuestro país, aglutina en la década de los ochenta a través del movimiento sociocultural conocido como La Movida, muy cercano estéticamente y en intenciones aperturistas al punk, artistas de diversa índole (fotógrafos, cineastas, periodistas, pintores, músicos) realzan y ayudan a consolidar la música pop en nuestro país; Los Secretos, Radio Futura, Alaska y Pegamoides (más tarde Alaska & Dinarama), Nacha Pop, Parálisis Permanente o Gabinete Caligari ejercen de máximos representantes a nivel musical de La Movida.    

3.5 Década de los 90.

Si en la década de los 80 se experimentó la diversificación, los 90 fueron el decenio de la tecnología en la música en general. La implementación de nuevas técnicas de grabación y el uso de ordenadores fueron elementos que se hicieron básicos en la producción musical.

Sin embargo, los 90 empezaron con lo que puede considerarse como el último gran movimiento en el rock: el grunge, que a su vez arrojaría al último mártir del género: Kurt Cobain.

En una situación un tanto similar al nacimiento del punk a finales de los 70, a finales de los 80 se empezó a gestar en Seattle un movimiento que musicalmente conjuntaba la potencia y fiereza del punk y el heavy metal, e ideológicamente

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transmitía un mensaje de indiferencia, introspección y aislamiento, ante lo que ocurría en la sociedad estadounidense y en el mundo en general.

De ese movimiento destacaron principalmente dos bandas: Nirvana, y Pearl Jam, pero sería la primera la que marcaría a toda una generación con su tema “Smells Like Teen Spirit” y su disco “Nevermind”, pero también por su cantante, Kurt Cobain, que se convertiría, al igual que lo hicieran en su momento Morrison o Hendrix, en el héroe y mártir de ese momento al quitarse la vida el 5 de abril de 1994.

Como respuesta, los británicos revivieron aquella oleada de Britpop de los años 60, y en esta ocasión abanderados por grupos como Oasis, Blur, Radiohead, Supergrass, Pulp, The Verve, a mediados de la década le dieron un nuevo sentido y dirección al rock.

De estas bandas, Oasis y Blur fueron las que encabezaron en movimiento, pero sería Radiohead el que a finales de la década dejara uno de los testimonios más celebrados artísticamente en la historia del rock con su disco “O.K. Computer”, en donde consiguieron un admirable equilibrio entre el uso de la tecnología con el rock en su forma básica.

También cabe destacar otras artistas como Britney Spears o Christina Aguilera, nuevas figuras importantes del pop.

4. La música Cinematográfica

Se denomina cinematográfica a la música compuesta para el cine. Este tipo de música desempeña la doble función de reforzar el significado de las ideas que, por sí solas, las imágenes no son capaces de expresar y, a la vez, establecer un vínculo narrativo continuo en el discurso cinematográfico, contribuyendo a dar credibilidad a la acción.

4.1 Recorrido Histórico

A finales de la década de 1920 el cine mudo incorporó la música a las películas. Anteriormente, todas las salas tenían algún tipo de acompañamiento musical, desde un simple piano a una orquesta completa. La música que se interpretaba eran melodías clásicas conocidas por el público. Con la llegada del cine sonoro desapareció este acompañamiento en vivo y ya en 1927 se estrenó la primera película sonora, “El cantante de Jazz”.

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En la década de los 30 la industria musical comenzó a hacerse hueco en el mundo del cine. Surgieron autores que adaptaron obras existentes para las películas de la época, como Max Steiner, que adaptó algunas partituras y formó la música de películas como “King Kong”. También compuso sus propias obras, entre las que destaca “Lo que el viento se llevó”.

Los años 30 marcarán también la edad de oro del cine musical, procedente en la mayoría de los casos del teatro musical. El gran impulsor de la comedia musical será el bailarín Fred Astaire.

Durante las décadas de 1940 y 1950, Hollywood se convirtió en la meca del cine. Los grandes estudios cinematográficos contrataron a compositores, directores y orquestas de prestigio. Entre los compositores más importantes de esta época destacan Alfred Newman (“Cumbres Borrascosas”), Miklos Rozsa (“Ben Hur”) y Bernard Herrmann (“Ciudadano Kane”).

A partir de 1953 las bandas sonoras comienzan a incluir canciones con texto (no sólo melodías instrumentales) para acompañar los títulos de crédito.El cine musical mantendrá su popularidad gracias al trabajo del bailarín y coreógrafo Gene Kelly con películas como “Cantando bajo la lluvia”.

En la década de los 60 y 70 el cine utilizará las posibilidades de manipulación del sonido en los laboratorios de grabación y se verá influido por el ascenso imparable del Pop.

Por otra parte, junto a las superproducciones norteamericanas, el cine europeo comenzará a abrirse camino y sus compositores de bandas sonoras tendrán fama internacional.Henry Mancini es uno de los compositores más influyentes de esta etapa. En su banda sonora para la película “Desayuno con diamantes”, explota de forma obsesiva el recurso de la canción repetida durante toda la cinta a modo de leitmotiv.

Fue entonces cuando las bandas sonoras se llenarán de canciones superpuestas a la imagen, que harán desaparecer la función tradicional de la banda sonora.Mancini también será el responsable del lanzamiento de los primeros discos de bandas sonoras al mercado, no con la música original completa, sino con temas de películas expresamente arreglados para su comercialización.

Los italianos Nino Rota (“El Padrino”) y Ennio Morricone (“La Misión”) serán compositores destacados de esta etapa.

En Francia destaca el compositor Maurice Jarre con películas como “Lawrence de Arabia”, “Doctor Zhivago”, “Ghost”...

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El compositor británico John Barry creará bandas sonoras para “James Bond”, “Memorias de África”, “Bailando con lobos”…

En los últimos años de la década de 1980 nos encontramos con dos tendencias dentro de la creación de bandas sonoras de películas:

1.- Una de estas tendencias supone la vuelta al concepto tradicional de banda sonora con una música sinfónica presente en toda la película.

John Williams está considerado como el representante más importante de esta tendencia. Fue el compositor que marcó la vuelta al gran sonido sinfónico alejado de las modas del Pop y de las influencias electrónicas.

J. Williams ha sido el principal colaborador de Steven Spielberg en casi todas sus películas, como por ejemplo: “Tiburón”, “ET”, “Indiana Jones”, “La lista de Schindler”...

En esta misma línea del "Nuevo sinfonismo", se sitúan otros compositores como James Horner con títulos como “Casper”, “Titanic”... Howard Shore con “El silencio de los corderos”, “El señor de los anillos”... y Jerry Goldsmith con “Alien”, “StarTrek”...

2.- La otra tendencia supone la utilización de sintetizadores y nuevos medios electrónicos unidos a la influencia de nuevas corrientes musicales.

Dentro de esta línea destaca Michael Nyman con “El piano”, “El contrato del dibujante”...

En los años 90 se potenció la fusión de estilos. Se continuó con la música sinfónica a la vez que con los sintetizadores. Se pusieron de moda también las canciones comerciales. En esta década podemos destacar a compositores como James Horner con “Titanic”, Hans Zimmer con “Gladiator”, Nicola Piovani con “La vida es bella”, etc.

4.2 Clasificación y funciones de la música cinematográfica.

La parte sonora de una película se denomina banda sonora. En ella se incluyen tres tipos de sonidos diferentes:

Efectos sonoros: son todos aquellos ruidos que deben escucharse para dar credibilidad a la imagen (una puerta que se cierra, pasos al caminar, un grifo que gotea, una calle con tráfico, la lluvia…). Sirven para ambientar o decorar la escena.

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Cuando la música forma parte de los efectos sonoros (una radio encendida), se denomina diegética; está justificada dentro del argumento de la película.

Sin embargo, la mayor parte de las veces, la música que suena en el cine no está justificada por el argumento ni la pueden escuchar los personajes. Es la música extradiegética, incidental o música de fondo. Se trata de una música irreal, que sólo escucha el espectador y pretende influir en su manera de entender las imágenes. Es la música subjetiva que refuerza el significado poético, expresivo y dramático de la imagen. Pertenece a la ficción cinematográfica.

Diálogos (locución): se pueden grabar en un estudio o mediante la toma de sonido directo.

Las bandas sonoras “sonorizan” las imágenes y con ello se consigue transmitir al espectador el paisaje sonoro que da credibilidad a una escena. Es muy habitual que se utilice el término banda sonora original (BSO) para referirnos únicamente a la música que se utiliza en una película, ya que es la parte sonora con más interés.

También existe la música adaptada o prestada. Es aquella que en un principio no se compuso para una película pero que se utiliza para musicalizarlas. La canción o canciones ya existían antes de que se realizara la película. Esto es en muchas medidas una ventaja, ya que si la película goza de éxito puede servir para lanzar un grupo anónimo hasta la cima musical.

También suelen usarse muchos temas de música culta, que muchas veces, conocemos hoy día gracias al éxito de estas películas. Un ejemplo claro lo vemos en la película “Apocalypse Now” con la cabalgata de las Walkirias (Wagner).

El poder de la música en el resultado final es fácil de comprobar. Por ejemplo, en la escena de la ducha de la película Psicosis (1960), si la visionamos sin volumen, nos damos cuenta de que es la música la que lleva las riendas de la tensión.

Entre las distintas funciones que puede realizar la Música en una película podemos encontrar:

Ambientar una historia en un tiempo y lugar determinado. Las escenas relacionadas con la Antigüedad, por ejemplo, no cuentan con la misma música que las escenas que suceden en un tiempo moderno.

Contribuir al desarrollo del elemento psicológico en los personajes. Además de indicarnos lo que sienten, la música puede ayudarnos a conocer la personalidad de los personajes.

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Servir como fondo para los diálogos y darles un punto de sentimentalismo, dramatización, etc. O bien sustituir aquellos que sean innecesarios.

Unir escenas que sin la música serían difíciles de conectar. Hacer más claras y accesibles algunas escenas. La música ayuda a que el espectador reciba claramente la lectura que el director quiere que haga de una escena o acción.

Implicar emocionalmente al espectador. La música puede influir sobre los sentimientos y las emociones que el espectador experimenta a lo largo de la película, modificando el sentido de la imagen o anticipando una situación determinada, como en la famosa escena de la ducha de la película “Psicosis”.

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