Silencio para 5 + En la pampaEL FESTIVAL LLEGÓ AL BELLAS ARTES

Hesham Issawi, Director de Cairo ExitEL OTRO EGIPTO

Hesham IssawiEL OTRO EGIPTO

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El realizador reflexiona sobre el estado actual de la indus-tria fílmica en su país, en el que la crisis que estalló este año ya está teniendo efectos en la cultura local. Issawi cree en los potenciales del cine independiente, y con su película, que integra la Competencia Internacional de SANFIC, estuvo dispuesto a aprovecharlos al máximo, incluso enfrentando la censura egipcia._

Su película puede ayudar a un público extranjero a entender un poco más la realidad social en su país. Us-ted estudió cine fuera de Egipto, ¿piensa que el tiempo que pasó en Estados Unidos le ayudó a tener una mi-rada más amplia sobre la realidad egipcia, más pro-funda porque puede mirar su país con diferentes ojos, más allá de las fronteras?

La película está muy cerca de mi corazón porque nací en El Cairo, y volver a visitarlo luego de 20 años viviendo en Estados Unidos fue refrescante y desconcertante. Volví con ojos frescos y un entu-siasmo por capturar su realidad. Volver a mi tierra natal me dio la oportunidad de mirar al pasado El Cairo de antes que me fuera y después que volví. Para mí, el lapso de 20 años es de lo que se

Hesham Issawitrata esta película. Es mi ojo personal que observa esta ciudad y todos los cambios de los cuales no fui testigo. Entonces intenté capturar imágenes de lugares que nunca vi cuando dejé Egipto. Los barrios bajos, los nuevos sistemas de transporte, las calles, las mujeres que usan pañuelos y se los sacan cuando lo necesitan y luego vuelven a ponérselos en conformidad con la sociedad. Las contradicciones que llenaron la ciudad de El Cairo y crearon muchas ciudades en su interior. Entonces los años que estudié en Estados Unidos influyeron en moldear una nueva visión sobre mi ciudad natal. Vi una nueva realidad, no la realidad que habitual-mente le gusta filmar a la gente, la de las Pirámides, la Esfinge o el Nilo. Pude mirar a la sociedad de mi país con ojos más objetivos y menos sentimentales, pero de todos modos con algo de nostalgia. ”Cairo Exit” fue filmada antes de los difíciles momen-tos que Egipto vivió en enero pasado. ¿Cree que de cierta manera el descontento social y político que ex-presó el pueblo egipcio puede estar relacionado con las situaciones que sus personajes viven en el film?

Claro que pienso que los problemas que causaron la Revolución el 25 de enero de este año son los mismos que estoy discutiendo en la película, que fue filmada un año antes. Pienso que es increí-ble que terminé esta película en diciembre de 2010, y que la Revo-lución sucediera en enero de 2011 . La Revolución es un testimonio de la verdad que hay en la película y la historia.

Cuando mostré la película en el Festival de Dubai, en diciembre de 2010, algunos críticos egipcios me cuestionaron por mostrar una imagen desalentadora de Egipto y por no encontrar una so-lución a la situación social y económica de los personajes, ya que la única solución en la película era que dejaran Egipto. Bueno, mi respuesta fue: “No pude encontrarles soluciones, porque no ha-bía ninguna bajo un sistema brutal”. La rabia y desesperanza de los personajes son reales. Los vemos en las calles manifestándose contra la dictadura.

Si yo hubiera hecho esta película después de enero de este año, definitivamente habría cambiado el final. No habría tenido un final ambiguo, porque habría tenido alguna suerte de solución para los problemas de los personajes. La Revolución trajo espe-ranza a la gente en Egipto, rompió el muro del miedo que el antiguo sistema había implantado en las mentes de la gente. La gente de Egipto está consciente de que tienen derechos, y de que pueden pelear por sus derechos. Creo que lo que pasó es que la gente fue a las calles sin líderes ni agendas políticas excepto un deseo de libertad y cambio. Si lo que pasó el 25 de enero traerá esperanza y una mejor vida a la gente de Egipto, será respondido por la historia y aún tendrá que verse. Acá en Chile el público sabe muy poco sobre el cine egipcio reciente, ¿puede darnos su opinión sobre la si-tuación de la industria fílmica reciente en su país? Ade-más usted tuvo problemas con la censura, ¿es siempre tan difícil la situación allá?

Creo que Egipto es uno de los países de Medio Oriente y el mun-do cuya producción de cine es más importante. La industria fílmi-ca en Egipto existe desde la época del cine mudo, la primera pelí-cula se filmó en los años 20 y ya entre los 30 y 40 se establecieron los estudios de cine y se puso en marcha toda la maquinaria. La edad de oro del cine egipcio fue en los años 60 y 70, cuando había mucha libertad artística. En los 80 y 90, el cine comercial comenzó a dominarlo todo y el gobierno controló el negocio más que nunca.

Después del 25 de enero, se ha producido un gran cambio en el negocio del cine en Egipto. Creo que se está levantando el cine independiente, mientras el viejo sistema está desmoronándose y está surgiendo una “nueva ola” de nuevos cineastas con una nue-va visión, más osados y valientes. Este año por la revolución se hicieron pocas películas de ficción, pero en cambio se hicieron muchos documentales. Y pienso que se harán muchas más en los próximos dos años, con más bajo presupuesto que antes pero de mayor calidad. En el antiguo sistema, los actores se quedaban con gran parte del presupuesto, por lo que no quedaba suficiente dinero que pudiera apreciarse en la pantalla, tanto para buena fotografía, dirección de arte, etc.

El antiguo sistema estaba conectado al viejo régimen. Antes ha-cían películas sólo para satisfacer a cierto mercado, vale decir el público local y el mercado del Golfo. Por eso la mayoría de las películas eran comedias o dramas ligeros. Pocos intentaban

“...El cine independiente es Egipto es una nueva ola; mi película es una de las pocas producidas en los últimos años...“

hacer películas que se atrevieran a hablar de algunos temas y situaciones. El gobierno interfería en el cine haciendo negocios, tenían mano dura en cuanto a lo que podía hacerse y lo que no. Es interesante que el cine independiente ya había intentado abrir-se un espacio algunas veces bajo el antiguo régimen, trataron de enfrentarlos pero nunca tomaron suficientemente en serio a esos cineastas, porque pensaban que sólo eran un grupo de amateurs haciendo películas de bajo presupuesto. Esas pocas películas in-dependientes tuvieron éxito en festivales internacionales.

Yo filmé Cairo Exit como una película independiente, e insistí en hacerla de esa manera para estar libre de las manos del gobier-no. El cine independiente es Egipto es una nueva ola; mi película es una de las pocas producidas en los últimos años. Hay muchos problemas con los censores del gobierno, por eso es que esto se ha convertido en “rodajes de guerrilla”. Con las nuevas tecnolo-gías, las cámaras más pequeñas, nosotros hemos podido ir direc-tamente a los barrios, sin hacer demasiado ruido ni que se notara demasiado. La oficina de censura me negó el permiso de filmar en la ciudad y mi guión fue prohibido. Yo fui a filmar de todas maneras, pero no pude mostrar la película en Egipto. En Egipto funciona de la siguiente manera: tienes que enviar tu guión a la oficina de censura, ellos lo aprueban y dan luz verde al proyecto, lo que permite al realizador tener todos los permisos para filmar en la calle y cualquier ayuda que pueda requerir del gobierno. Si la censura no aprueba el guión, no puedes hacer nada y es ilegal filmar sin permiso en Egipto, esto puede hacer incluso que te persigan.

En mi caso, la censura desaprobó la relación amorosa entre un musulmán y una joven cristiana copta. Ellos querían sacar esa relación del guión, que la película no tuviera ninguna referen-cia a la religión o símbolos religiosos. También querían cambiar el personaje de la hermana, que también era cristiana copta y además prostituta. Ellos pensaban que esto era ofensivo para la comunidad cristiana, por eso básicamente pedían cambios fun-damentales en la historia, lo que significaba un nuevo guión. Me negué a hacerlo, simplemente porque no creo en la censura. Filmé la película, y ellos se enteraron cuando aún estábamos filmando, lo que dio inicio a un juego del gato y el ratón entre el equipo de filmación y la policía. Fue un film difícil de hacer pero creo que valió totalmente la pena. Al menos, tuvimos el valor de hacerlo y creer en la importancia de la libertad artística de cada uno.

¿Puede nombrar algunos cineastas que lo hayan ins-pirado en su formación como director?

Mi inspiración viene de muchas películas y directores. Mis favori-tos son: John Ford, Martin Scorsese, los hermanos Coen, Miche-langelo Antonioni, Krzysztof Kieslowski. Y de las décadas recien-tes, Paul Thomas Anderson y Wong Kar Wai.

Silencio para 5 + En la PampaSANFIC LLEGÓ ALBELLAS ARTES_

Hasta el 10 de septiembre permanecerá abierta en el hall del emblemático museo chileno la exposición que integra la sección Shoot the Shooter: Cine y Video Arte, en esta ocasión curada por Christian Viveros-Fauné. La muestra presenta el trabajo de seis artistas internacionales incluyendo al chileno Gianfranco Foschino, y marca la primera colaboración entre nuestro festival y el MNBA._

Por primera vez SANFIC ha podido contar entre sus sedes a una de las instituciones culturales más respetadas y emblemáticas de Chile, el Museo Nacional de Bellas Artes. Y tan especial cola-boración se desarrolla en el marco de una sección que desde su creación hace cinco años, se ha convertido en uno de los es-pacios más atractivos y estimulantes del certamen, permitiendo al público apreciar los nexos entre distintos estilos audiovisuales: Shoot the Shooter: Cine y video arte, la misma que ha presentado al público trabajos de creadores como Juan Downey, Jem Cohen, Andy Warhol, Alfredo Jaar y Almagul Menlibayeva, entre otros. Es así como este año la séptima edición del festival y el MNBA presentan en esta sección la muestra Silencio para 5 + En la pampa, en la que convocados por el prestigioso curador chileno radicado en Nueva York, Christian Viveros-Fauné, un grupo de destacados artistas internacionales se tomó el hall del centena-rio edificio durante un mes desde el miércoles 10 de agosto. La exhibición reune obras del ya fallecido David Wojnarowicz, Eve Sussman, Peter Campus, Hadad Hannah, el chileno Gianfranco Foschino y Jordi Colomer, todos reunidos por una particular re-flexión y mirada sobre el silencio en los más diversos contextos, y a través de distintos formatos de registro visual.

Sin palabras:

Silencio para 5 + En la pampaPor Christian Viveros-Faune, curador de Shoot the Shooter * Hay una biblioteca de dichos sobre el silencio. Para el notable dramaturgo griego Menandro de Atenas, nada era más útil: el si-lencio, decía, aclara la mente. Para la poetisa del siglo XIX Chris-tina Rossetti, el silencio era más musical que cualquier canción. Hoy, si le preguntan su opinión al respecto a los miembros de la Misión en Afganistán de Naciones Unidas, puede que respondan algo completamente diferente: para ellos, preocupados como es-tán por el futuro de las mujeres abusadas en ese país, el silencio es violencia. Para los propósitos de esta muestra, me gustaría dejar algo per-fectamente claro: el silencio es también discurso. Este es, cierta-mente, el espíritu con el que los artistas participantes en esta ex-hibición han aceptado el desafío de representar su trabajo en el Museo de Bellas Artes durante SANFIC 7. Cargados con ilustrar uno de los medios más estética y tecnológicamente avanzados del arte contemporáneo actual, los artistas Peter Campus, Gian-franco Foschino, Adad Hannah, Eve Sussman, Jordi Colomer y

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EN LA PAMPA_

David Wojnarowicz han reunido un set de lenguajes visuales com-plementarios en una exposición que presenta tanto el rigor con-ceptual como también un alto grado de placer visual. Hermosas imágenes en movimiento que avanzan tanto en la tra-ma de la historia del arte como en la historia del cine, cada uno de estos artistas representa un particular punto de partida para el video-arte y su público en expansión. Desde comienzos de los años 70 Peter Campus, pionero en el campo del video, ha explorado temáticas en torno a la identi-dad/realidad y la subversión de la relación entre espectador y obra de arte. El cortometraje mudo de David Wojnarowicz, A Fire In My Belly, ha sido controvertido desde su realización en 1987 (enfrentado a un genuino sentimiento religioso y la política so-bre el SIDA, este mismo video fue recientemente retirado de ex-hibición en la National Portrait Gallery de Washington). Los sun-tuosamente coreografiados trabajos de Eve Sussman han hecho importantes contribuciones al video-arte, seleccionando para sus múltiples fuentes desde la historia capitalizada y la historia del cine. Adad Hannah ha minado el terreno de la performance y el canon histórico del arte, para moldear las intrincadas capas de su tableaux vivant. El video-artista chileno Gianfranco Foschino ha actualizado su elegante naturalismo para incluir una presencia escultural que resulta ser al mismo tiempo física y metafóricamente

espectacular. Y, finalmente, el artista español Jordi Colomer -con larga trayectoria explorando avanzadas ideas sobre arquitectura y tropas teatrales a través de la imagen en movimiento- contribu-ye con una road movie filmada en el desierto de Atacama, que podría haber sido escrita por Samuel Beckett. Su video es el único trabajo con sonido en toda la muestra; su enigmático discurso resulta ser una forma de silencio en sí mismo. Un testamento sobre el poder del video-arte y su invitación a la contemplación activa, esta exhibición representa algunos de los más altos logros con imágenes en movimiento del arte contempo-ráneo. Historias visualmente irresistibles que en gran parte rehú-san lo narrativo, los trabajos de este grupo de artistas internacio-nales subrayan las fortalezas de las artes visuales, así como dicen mucho sus posibilidades para hacer silencio. _

*Curador y escritor radicado en Nueva York, el chileno Chris-tian Viveros-Faune ha escrito para prestigiosas publicaciones incluyendo Art in America, Art Review y The New Yorker, y en 2010 fue premiado con una beca para escritores de arte de Creative Capital / Warhol Foundation. Fue nombrado crítico en residencia inaugural en el Bronx Museum durante 2010-2011 y es conferencista invitado en la Universidad de Yale. Es el ex director de las prestigiosas ferias de arte US y NEXT en Chicago, así como VOLTA NY en Nueva York. Junto al franco-peruano Jota Castro, son los curadores principales de Dublin Contemporary 2011, que se desarrollará entre sep-tiembre y octubre en Irlanda._

“...cada uno de estos artistas representa un particular punto de partida para el video-arte y su público en expansión....“

A Fire in my Belly David Wojnarowicz (Estados Unidos, 1954-1992)1986-1987, 13’, Film in Progress

... decidió retirar imágenes usadas en el cortometraje, de la mues-tra Hide/Seek: Difference and Desire in American Portraiture, que se presentaba en la National Portrait Gallery. Aparentemente lo que provocó la controversia fueron las imágenes en que se ve a unas hormigas sobre un crucifijo. Esta medida no sólo fue rechazada por instituciones como la Andy Warhol Foundation y la Tate Modern, sino además fue cues-tionada por los herederos del artista y P.P.O.W., la galería que ha representado sus obras desde 1988 y mantuvo una cercana relación con éste hasta su muerte en 1992. En un comunicado que han difundido en todos los lugares donde se ha exhibido este trabajo en los últimos meses, P.P.O.W. ofreció las palabras del propio Wojnarowicz para iluminar sus intenciones originales, extraídas de una entrevista de 1989 en la que hablaba sobre el rol de los animales como imaginario simbólico en su trabajo: “Nos permiten ver ciertas cosas que no nos permitiríamos ver en rela-ción a las actividades humanas (…) Usé las hormigas como una metáfora de la sociedad, porque la estructura social del mundo de las hormigas es paralela al nuestro”. P.P.O.W. y los herederos del artista lamentan que lo sucedido en el Smithsonian parezca un eco de los prejuicios y rechazos del pasado, y que la lucha de Wojnarowicz por la libertad de expresión artística, vuelva a ser desafiada en estos días. Pero confían en que en su ausencia, to-dos los que creen en su obra seguirán apoyando sus convicciones en el futuro.

OBRASQUE SE EXHIBIRÁNEN LA MUESTRA

· Wojnarowicz fue uno de los artistas más inquietos, intensos e influyentes de la escena artística neoyorquina de los años 80, y antes de morir a los 37 años por complicaciones derivadas del SIDA, alcanzó a dejar un importante y valioso legado. Uno de sus trabajos más reconocidos y comentados es esta obra que dejó inconclusa (al final de la proyección se lee “Film in Progress”), filmada en Super 8 y luego traspasada a video. A fines del año pasado la obra estuvo en el centro de la polémica cuando luego de recibir quejas de la Liga Católica y autorida-des eclesiásticas, el Smithsonian Museum de Washington ...

AquariumEve Sussman (Inglaterra, 1961) / Rufus Corporation2006, 40’, video

Aquarium fue creado durante el rodaje de El rapto de las sabinas (el famoso film de Sussman que ofreció una reinterpretación del mito romano, actualizado y ubicado en los años 60), y fue filmado en la Casa Valsamakis, una emblemática vivienda de estilo de los años 60 desde la cual se contempla el Mar Egeo en Grecia. Sussman utiliza la mirada “vigilante” presente en gran parte de su trabajo, en situaciones que organiza con sus actores, que impli-can largas tomas y aún más largas improvisaciones. Para crear este trabajo la compañía se mudó a la casa durante una semana, no abandonando nunca el set y sin salir jamás de sus personajes. El resultado, una observación estática sobre una familia extendi-da detrás de una pared de vidrio, es una lección en dinámicas de grupo, con los actores articulando las banalidades de la clase ociosa de los años 60 en toda su intriga y hastío. A tono con el concepto de Shoot the Shooter, por momentos la directora, coreó-grafa y cámara rompen la “cuarta pared” apareciendo reflejados o entrando en la toma para mover la pared de vidrio o incluso ocultar la escena completamente de la vista.

FluxusGianfranco Foschino(Chile, 1983) 2010, 7’, video-escultura

Una pantalla LED de 3 x 1 .6 mts. instalada en el hall central del MNBA, que exhibe sin movimientos de cámara o modificaciones formales el Ventisquero Queulat, ubicado en el extremo austral de Chile. La composición pictórica, sutil movimiento, profundidad y nitidez del cuadro invitan a los espectadores a interpretar el cam-bio constante de la video-escultura como una nueva experiencia contemplativa del paisaje, enfrentados e insertos en esta lejana vegetación solitaria. La obra de Gianfranco Foschino reflexiona a partir del tiempo, la luz y la composición, generando una inédita cercanía con el paisaje extático del Sur, constituyéndose poéticamente como un portal que sólo adquiere sentido en el justo equilibrio entre lo es-tético y lo netamente experiencial.

Passage at Bellport HarborPeter Campus (Estados Unidos, 1937)2010, 26’, video

Con su obra coleccionada por importantes museos -incluyendo el MoMA, el Whitney, el Guggenheim, la Tate Modern, el Reina Sofía y el Pompidou-, desde hace mucho Peter Campus ha sido considerado un artista innovador, uno de los primeros en tomar una cámara de video y realmente crear arte. Passage at Bellport Harbor es una tranquila meditación sobre el paso del tiempo y el lugar que ocupa la humanidad en el mundo natural. Seis minutos de imágenes son retrasados hasta convertirse en 26, permitiendo al espectador concentrarse en la manipulación del color y la for-ma que realiza el artista, y en el suave y rítmico movimiento de los barcos flotando en el puerto. Lento y deliberado en movimiento, sonido y desplazamientos de la luz, este trabajo ejerce un efecto hipnótico en quien lo contempla, oscilando entre la pintura expre-sionista y la animación pixelada.

Repose (on the Plinth)Adad Hannah(Estados Unidos, 1971)2008, 4’, video

Este video fue producido en el Museo Nacional del Prado. La obra muestra a dos jóvenes tratando de mantenerse quietos mien-tras están sentados en un pedestal sosteniendo un espejo, con sus cuerpos bloqueando la visión de Las Meninas (1656), de Veláz-quez. El espejo que sostienen entre ambos refleja el rostro de uno de ellos, de tal forma que parece que estuviera mirando directa-mente a la cámara, mientras imita también el espejo que se ve en el fondo de la obra maestra de Velázquez, un objeto pintado que ha sido el centro de muchos análisis. Mientras los hombres intentan mantenerse inmóviles, el espejo se mueve hacia adelante

En la PampaJordi Colomer (Barcelona, España, 1962)2008, 4 minutos, video

En la entrevista “Habitar el decorado”, para el catálogo de su muestra Fuegogratis, exhibida en 2008 en el prestigioso museo parisino Jeu de Paume, el artista catalán Jordi Colomer comen-taba algunos aspectos de una de las video-instalaciones que la integraban: este video registrado en Chile, en el desierto de Ata-cama, que parte cuando una joven, María, deja su hogar en la ciudad minera de María Elena, para adentrarse en el desierto. Sobre el diálogo que nace en un inesperado encuentro, Colomer explica: “El texto dialogado surge casi naturalmente de la situa-ción. Estamos en un espacio desértico, al norte de Chile, con casi 50º de temperatura. Imaginemos a un chico y una chica que van andando cada uno por su lado y se cruzan en un paso a nivel, el único en unos 500 kilómetros a la redonda; evidentemente, empe-zarían a hablar entre ellos: “¿En qué colegio estudiaste?”, etc. La pampa se transforma entonces en un gran escenario, en el que el texto se convierte en una especie de materia para experimentar, improvisar, jugar (…)” “Tuve que situar a los actores, que en realidad son unos no-actores, en una especie de lógica narrativa siguiendo un desarrollo lineal. Hay puntos de partida, el lugar donde se encuentran, y una de-riva; todo se enmarca en una geografía concreta, asociada con el viaje. Salvé cinco situaciones, que no conservan forzosamente su carácter narrativo inicial y tienen que funcionar cada una de forma autónoma. Estos fragmentos se presentan simultáneamente en pantallas diferentes. En uno de ellos, la pareja intenta recordar una cita de la teoría de la deriva de Guy Debord, que es a su vez una crítica de cierta poética de los surrealistas. En todo caso, en la pampa, ese esfuerzo por incrustar una cita en el paisaje se carga de comentarios, errores e improvisaciones y su diálogo la dibuja de forma bien diferente”.

y hacia atrás, acentuando su incapacidad para permanecer en una sola posición y también aludiendo al significado cambiante de toda obra de arte, que se mueve a través de los años y es su-jeto al tiempo una y otra vez para una renegociación del sentido con cada uno de los posteriores observadores/observación. Este trabajo fue producido durante un día de una filmación cuidado-

samente planeada, pero fue, de hecho, una toma extra, conce-bida en el momento. El pedestal donde los jóvenes se sientan, habitualmente sostiene una escultura de bronce que representa a un hermafrodita, pero cuando Hannah llegó al museo para filmar, la estatua había desaparecido del pedestal, situación que fue rápidamente aprovechada por el artista.

SHOOT THE SHOOTER EN MNBAFotos de Sebastián Padilla_

Muy buena recepción ha tenido entre el público la muestra Silen-cio para 5 + En la pampa, que SANFIC presenta en el marco de su sección Shoot the Shooter. Curada por un verdadero experto en arte internacional, el chileno Christian Viveros-Fauné, la ex-posición incluye a seis artistas distintos y se exhibe en el hall del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), en lo que representa la primera vez que el festival colabora en conjunto con el centenario edificio, uno de los símbolos de la cultura en Chile. En estas fotos se puede apreciar la noche inaugural de la muestra, que contó con la presencia del curador y dos de los artistas participantes, Eve Sussman (acompañada por su pareja, el reconocido artista visual Simon Lee) y el chileno Gianfranco Foschino, además del director del MNBA Milan Ivelic y representantes de SANFIC, en-cabezados por el director ejecutivo, Marcelo Forni, la presidente del directorio, Catalina Saieh, el director artístico Carlos Núñez, la directora de producción artística Gabriela Sandoval, y el di-rector artístico adjunto y principal impulsor de Shoot the Shooter desde sus inicios como sección, el destacado artista plástico Jor-ge Tacla. _