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Catedrática: Arq. Alejandra Vaquero

Asignatura: Historia de la Arquitectura 3

Tema: Pintura Flamenca

Estudiantes: Jorge Sagastume

Dayri Ayala

Fecha: 30 mayo de 2012

San Pedro Sula, Cortes

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Índice___________________________________________________________________________

Introducción pag 3 Características Pag 4 El Realismo En La Pintura Flamenca Pag 5 Técnicas Usadas Pag 5 Temas Pag 6 Reivindicación Del Paisaje Pag 6 El Retrato Pag 6 Políptico De Gante Pag 7 Paneles Superiores Pag 8-10 Paneles Inferiores Pag 11 Paneles Inferiores Laterales Pag 12 Jan Van Eyck Pag 13 Retrato De Giovanni Arnolfini Y Su Esposa Pag 13 El Estilo Pag 14 Los Protagonistas Pag 14 El Realismo Pag 15 El Simbolismo Pag 15 - 17 Identificación De La Obrab Pag 18 Retrato De Hombre Con Turbante Pag 18- 19 Roger Van Der Weyden Pag 20 Descendimiento De La Cruz Pag 21 Historia Pag 21 - 22 Obra en Exposición Pag 23- 27 Conclusiones pag 28 Bibliografía Pag 28 Glosario

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INTRODUCCIÓN___________________________________________________________________

Pintura flamenca o escuela flamenca de pintura son los nombres que la historiografía del arte da al conjunto de pintores flamencos, los maestros que se formaron y mantuvieron sus talleres en las ciudades flamencas en los siglos XV, XVI y XVII, lo que cubre los estilos artísticos del Gótico final, el Renacimiento, el Manierismo y el Barroco. Escuela flamenca es un nombre genérico, al estilo de las escuelas italianas (escuela florentina, escuela sienes a, etc.) o dela más reciente Escuela de Barbizon francesa. Flandes es un ambiguo término territorial cuyo uso historiográfico no coincide con la actual Región Flamenca ni con el antiguo Condado de Flandes, sino con la zona septentrional del Estado Borgoñón que a partir de finales del siglo XV puede denominarse Países Bajos de los Habsburgo, y que forma en la actualidad la práctica totalidad de los tres estados de Bélgica, Luxemburgo y Países Bajos. Era una región europea especialmente urbanizada desarrollada social y económicamente. Sus ciudades (Amberes, Brujas, Gante, Bruselas, Ámsterdam, Delft, Haarlem, Leiden, etc.) fueron la cuna del comercio de arte a partir de los siglos XV y XVI. Los talleres flamencos formaron a los pintores más destacados del Norte de Europa, atrayendo a muchas jóvenes promesas de la pintura de países vecinos, especialmente de las ciudades del Rin. Los maestros flamencos y sus obras eran altamente Valorados, comprándose y demandándose su presencia como pintores de corte en toda Europa, lo que extendió su influencia. El predominio de los vanos en las catedrales góticas hizo que se desplazara la pintura mural por las vidrieras, lo que impulso hacia un nuevo estilo en el que predomina la línea que marca espacios cromáticos planos. Vidriera y códices miniados son las mejores muestras de la época. La decoración de ábside se solucionaría con el cuadro sobre la tabla, cuyo desarrollo dio lugar al retablo formado por varias tablas soportadas por un entramado arquitectónico, que organiza los temas iconográficos de forma secuencial.

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CARACTERÍSTICAS_________________________________________________________________ • La región de Flandes, donde, entre otras ciudades, destacan Brujas y Gante, dependiente políticamente del duque de Borgoña, alcanza una riqueza considerable durante el siglo XV, como resultado de la artesanía y del comercio. • Ese esplendor económico coincide con la consolidación de una escuela pictórica con una extraordinaria personalidad, que tendrá gran influencia en toda Europa, pero especialmente en la península Ibérica, al mismo tiempo que, desde Italia, se empieza a difundir el Renacimiento. El sistema de producción artística es heredero de latradición medieval, con un sistema gremial donde prima la concepción artesanal frente a la conciencia individual, fuertemente intelectualizada, del mundo italiano coetáneo. Técnicamente, los pintores flamencos alcanzan una perfección tal en el trabajo del óleo que constituyen una referencia histórica indiscutible: veladuras (tintas transparentes que suavizan el tono de lo pintado), una mayor riqueza e intensidad de colorido y, sobre todo, un virtuosismo sin precedentes en la ejecución. • Y, en la percepción concreta, tienen una voluntad de representar las cosas tal y como las ve el ojo humano, entendido el término en su precisión detallista: de ahí la importancia que adquiere el retrato, así como de los distintos pormenores que intervienen en una composición pictórica, pero ello favorece, el simbolismo de los elementos representados.

Wikipedia El rasgo más característico de la producción artística de los siglos XIV-XV es la búsqueda de la creciente del realismo. Si en el periodo bizantino predominaba la belleza abstracta, de afán decorativo y ejecución pianista, por el contrario, ahora se busca una pintura naturalista, síntesis de color de dibujo, y una valoración de volumen. Dichas diferencias hacen pensar que la nueva época representa una ruptura con la maniera greca, rechazada en este momento, pues, en su última etapa se observa una evolución hacia el naturalismo y la perspectiva, como lo muestra la decoración de la Basílica de San Marcos en Venecia. No obstante el gótico diferirá del bizantino en lo ornamental y los valores naturalista y plástico. El retorno a la naturaleza y a la realidad lleva implícita la dignificación del hombre, quien se siente angustiado ante los enigmas que el mundo y la vida le presenta y sobre los que no siempre encuentra respuesta, lo cual le provoca cierta preocupación por su destino. El interés por representar al hombre y el espacio traerá no solo la nueva forma de pintar, sino nuevos temas. La evolución hacia las nuevas formas no se realizo de manera general, sino que destacan dos zonas: Italia y los Países Bajos, que partiendo de tradiciones distintas, llegaron a un acercamiento de la naturaleza y el hombre.

Farga y Fernández (2008)

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EL REALISMO EN LA PINTURA FLAMENCA___________________________________________ La pintura flamenca parte del naturalismo gótico, el cual queda un tanto enmascarado por l fuerte dosis de simbolismo y la falta de movimiento. L a idea de que el espíritu divino está presente en el más insignificante fragmento de la naturaleza, anima a los pintores a representarlo fielmente: plantas, ropa, objetos, rostros, entre otros aspectos. Esa captación de la realidad se logro mediante lo siguiente:

El gusto por el detalle: el intento de ofrecer un apariencia de las cosas, es decir, lo más cerca a la imagen óptica que poseemos de ella, los llevo a representarlos con todos sus detalles (arrugas, pelos, calidad del vestido, etc.) en un ambiente de luz natural. Detalles y luz crean un realismo exacerbado.

religiosos, acabo teniendo autonomía total. Interés de los donantes por aparecer en las obras. El hombre se convierte en el centro del universo.

o La naturaleza muerta, como consecuencia de la importancia que se concede a los

objetos. o El paisaje representa el abandono definitivo de los fondos lisos. o Cuadros religiosos, continúan siendo la mayoría, los donantes aparecen formando

parte de la escena. Temas de origen cortesano, sufren modificaciones, introducen escenas populares, etcétera, en general se trata de escenas tranquilas. c) Creación de un espacio pictórico: mientras en Italia se logra mediante los estudios de la perspectiva, aquí se prefiere la difusión gradual de la luz sobre los objetos, lo que crea una sensación de profundidad al resaltar los contrastes luminosos. El algunos cases se recurre al uso de espejos para introducir al espectador en la obra.

Farga y Fernández

TECNICAS USADAS_______________________________________________________________

Cuadros sobre tablas: con la reducción del espacio mural gótico se desarrollo el retablo pintado sobre tabla. Su progresiva reducción del tamaño hizo que de estos pintores los creadores del caballete.

El uso del oleo: consiste en mezclar el color con aceite de linaza y aplicarlo a la madera. Conocida la técnica desde antes, fue utilizada y perfeccionada, en exclusiva, por Van Eyck y la Escuela Flamenca. Su importancia reside en que permitió realizar una superficie muy lisa, casi esmaltad, con gran riqueza cromática y captar el aire y la luz. Con esta técnica el artista podía captar un trabajo lento necesario para representar fielmente los detalles.

Farga y Fernández

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TEMAS_______________________________________________________________________

El tema religioso predomina en esta etapa, desde la recreación de pasajes bíblicos, hasta los referentes a la vida de santos o anacoretas. Algunos, como el Bosco o Brueghel el viejo, pintan cuadros ejemplarizantes donde se describen los pecados y sus consecuencias o concepciones más bien filosóficas del mundo basadas en creencias o dichos populares. Para ello se ayudan de una desbordante fantasía de elementos y composición que logra comunicar a través de un lenguaje muy simbólico y sofisticado.

Wikipedia REIVINDICACIÓN DEL PAISAJE________________________________________________________ En un cuadro flamenco encontraremos una escena que siempre remite al paisaje, bien sea a través de una ventana, bien porque se desarrolle efectivamente al aire libre. Estos paisajes se realizaban sin apuntes del natural, con lo cual sus elementos estaban completamente estereotipados: la forma de las rocas, aristadas y sin vegetación, las ciudades en la lejanía, torreadas y de colores, los árboles en forma de pluma, con troncos delgados y largos, etc. Los personajes se distribuían equilibradamente, bien en el centro si era uno sólo, bien simétricamente si eran varios. Las acciones eran muy comedidas y apenas se dejaban lugar al movimiento. Los personajes podían compartir pero jamás robar protagonismo al paisaje.

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EL RETRATO______________________________________________________________________ Flandes es, además, una de las primeras regiones en llevar a cabo retratos con penetración psicológica del modelo. El retrato típico flamenco, que será adoptado con éxito en España durante siglos, es el que capta al personaje de menos de medio cuerpo, no frontalmente, sino ligeramente girado sobre sí mismo, sobre fondo neutro de color oscuro, e incluyendo el rostro y las manos con algún símbolo. El hecho de que el personaje aparezca levemente girado permite involucrarle en el espacio, el cual no se representa mediante trucos de mobiliario o fondo arquitectónico. Tan sólo la presencia de la figura, sobre un fondo perdido, insinúa la existencia del volumen y el espacio que ocupa. Posteriormente, ya en el siglo XVII, en la escuela de Amberes el retrato flamenco evolucionaría hasta su máximo esplendor en un estilo más naturalista y colorista.

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POLÍPTICO DE GANTE_______________________________________________________________ El Políptico de la Adoración del Cordero Místico, también conocido como Políptico de Gante o el Altar de Gante es un retablo o conjunto de cuadros o tablas pintadas al óleo por los hermanos Hubert y Jan van Eyck, para el altar mayor de la Catedral de San Bavón de la ciudad de Gante. En el marco inferior interno está escrita una cuarteta rimada que dice que fue comenzado por Hubert van Eyck "del cual no existe mejor" y que Jan, "segundo en el arte", lo acabó en 1432. Se supone que Jan siguió el trabajo a la muerte de Hubert. También en la inscripción se dice la identidad de los comitentes: Joos Vyd y su esposa. Sus 24 paneles forman la obra de mayores dimensiones de la pintura flamenca. La tabla central que representa la escena de la Adoración es una obra fundamental en la historia de la pintura ya que presentaba un nuevo campo de visión naturalista, resultado de ampliar sobre una tabla, escenas y representaciones que hasta entonces solo fueron accesibles a los conocedores de las miniaturas. El panel central interior del políptico, junto con los paneles interiores de las puertas representa una composición basada en un pasaje del Apocalipsis de San Juan (7.9) que dice : "Después de esto, vi que había una multitud tan grande que nadie no la habría podido contar. Eran gentes de todas las naciones, tribus, pueblos y lenguas. Permanecían de pie delante del trono y delante del Cordero, vestidos de blanco y con palmas en las manos, proclamaban en voz alta: La salvación viene de nuestro Dios, que se sienta en el trono, y del Cordero." El políptico normalmente se mostraba cerrado, con las escenas menores de la parte exterior de las puertas visibles, pero en las festividades se mostraba abierto, con los paneles interiores visibles, entonces se revelaban sus mejores figuras, escenas y colores.

Farga y Fernández, Wikipedia PANELES SUPERIORES______________________________________________________________ Virgen Maria Jesus Pedro el Bautista

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LA DEESIS________________________________________________________________________

La Deesis es una escena de origen oriental, que representa la intercesión de la María y Juan el Bautista ante Dios. Las tres figuras centrales muestran a la Virgen María y a Juan el Bautista, a la izquierda y derecha respectivamente y una figura central más ambigua y objeto de debate. Contiene elementos tradicionalmente atribuidos a Jesús, pero otros se refieren a Dios. También pudiera ser que los pintores quisieron representar una figura identificable tanto con Jesús como con Dios, lo cual no es muy común en la pintura gótica. En las tres figuras hay inscripciones con significado teológico. Así, en el trono de María aparece el pasaje que la compara con los astros, usado por el pintor en otros cuadros. Por su parte, las de la figura central son contradictorias. Por un lado, en el borde inferior del manto aparece REX REGUM ET DOMINUM DOMINANTIUM, propio de Dios padre, pero en el brocado aparece un pelícano, asociado a las palabras JHESUS REX. Suele considerarse que es Hubert van Eyck el autor de estas figuras entronizadas, más estáticas y monumentales que todas las demás.

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ÁNGELES CANTORES Y MÚSICOS______________________________________________________ A los lados de las tres figuras hay ángeles cantores y músicos. En el facistol de los ángeles cantores se representan figuras talladas de san Miguel venciendo al demonio y dos profetas sentados en las aristas del hueco portalibros. Los ropajes, instrumentos y suelo están reflejados con gran detalle. En el pavimento se represe nta repetida la figura del Cordero y otras alusiones a la divinidad.

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ADÁN Y EVA______________________________________________________________________ Los paneles superiores de los extremos representan a Adán y Eva, a la izquierda y derecha respectivamente. Están desnudos, no idealizados, sino con cuerpos extremadamente reales; el vientre hinchado de Eva hace referencia a su papel como madre de toda la Humanidad.[8] Han sido pintados con su púdica hoja y Eva sostiene la manzana que le hizo salir del Jardín del Edén. Adán parece como si anduviera, dotando a la pintura de mayor perspectiva tridimensional. Los paneles de Adán y Eva están rematados con La ofrenda de Caín y Abel (sobre Adán) y el asesinato de Abel en manos de su hermano Caín (sobre Eva). A diferencia de otras figuras, estas escenas fueron pintadas para dar la apariencia de ser bajorrelieves. En el siglo XIX, las representaciones desnudas de Adán y Eva fueron consideradas inaceptables y los paneles fueron sustituidos por reproducciones vestidas, que aún se conservan en la catedral de Gante.

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Eva La Ofrenda de Caín y Abel

Adam

El asesinato de Abel

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PANELES INFERIORES_______________________________________________________________

El panel inferior central muestra la escena principal, la Adoración del Cordero Místico,

representando al Hijo de Dios y su Eucaristía. La sangre de Jesús es recogida en la copa, lo que se

relaciona con el mito del Santo Grial.[9] En el cielo surge la

paloma, símbolo del Espíritu Santo, que ilumina la escena. El Cordero está rodeado por catorce

ángeles, algunos de ellos con los símbolos de la Pasión (la cruz, la columna, la corona de espinas, la

lanza, la esponja). Delante, la fuente de la vida de la que nace un arroyo, cubierto de joyas.

Los cuatro grupos que adoran al Cordero son:

Un grupo de judíos, sosteniendo el Libro Sagrado. Junto a ellos, los paganos, representado

por sus caras orientalizantes y diversidad de sombreros y tocados. Dentro de este grupo,

destacamos la figura de blanco que pudiera ser probablemente el poeta romano Virgilio.

La iglesia católica, donde vemos a los doce apóstoles en primer término y detrás a santos y

papas. Podemos reconocer entre los santos a San Esteban portando las rocas con que fue

martirizado.

Mártires masculinos, portando palmas.

Mártires femeninos, que también portan palmas.

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PANELES INFERIORES LATERALES___________________________________________________

Junto al panel central, existen paneles laterales que también representan a grupos de personas.

Los paneles de la izquierda muestran a Los "jueces justos" y a los "caballeros de Cristo". A la

derecha, podemos ver a los "ermitaños" y a los "peregrinos", que son acompañados del gigante

San Cristóbal, patrón de los viajeros.

El panel de los "jueces justos" fue robado en 1934 y a pesar de las investigaciones y de las

denuncias sobre su paradero, se cree destruido. Fue reemplazado por una copia en 1945 hecha

por Jef Vanderveken.

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DETALLES________________________________________________________________________

Los Van Eyck se tomaron mucho trabajo en representar exhaustivamente todos los detalles de

dichas escenas: las telas y joyas, el paisaje, las iglesias y la naturaleza. Los paisajes, en particular,

muestran una enorme riqueza de vegetación, en ocasiones con especies no europeas.

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JAN VAN EYCK (1385 – 1441)_________________________________________________________

Jan van Eyck (o Johannes de Eyck, Maaseik cerca de Mastrique, h. 1390 – Brujas, antes del 9 de

julio de 1441) fue un pintor flamenco que trabajó en Brujas. Está considerado uno de los mejores

pintores del Norte de Europa del siglo XV y el más célebre de los Primitivos Flamencos. Es

considerado el fundador de la Escuela Primitiva Flamenca. Sirvió en la corte de Felipe el Bueno,

Duque de Borgoña, y falleció en Brujas.

Se le reconoce como el primero en utilizar la pintura al oleo. Sus obras destacan por el tratamiento

de la luz, su minuciosidad y la veraz representación que hacen de la realidad. Entre sus obras

principales se cuentan, con temas religiosos, La Virgen de canónigo van Der Paule, Santa Barbará.

Entre sus retratos mas destacados están: El matrimonio Arnolfini, Le hombre del turbante rojo y

Margarita Van Eyck.

Farga y Fernández (2008)

RETRATO DE GIOVANNI ARNOLFINI Y SU ESPOSA_________________________________________

El Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa es un cuadro del pintor flamenco Jan van Eyck;

fechado en 1434, representa al rico mercader Giovanni Arnolfini y a su esposa Jeanne Cenami, que

se establecieron y prosperaron en la ciudad de Brujas (hoy Bélgica), entre 1420 y 1472. Al día de

hoy, los historiadores del arte

discuten exactamente la imagen que el cuadro presenta; la tesis durante mucho tiempo

dominante, introducida por Erwin Panofsky en un ensayo de 1934, sostiene que la imagen

corresponde al matrimonio de ambos, celebrado en secreto y atestiguado por el pintor. Sin

embargo, muchas otras interpretaciones se han propuesto acerca del mismo, y el consenso actual

es que la teoría de Panofsky es difícilmente sostenible.

En todo caso, la pintura desde 1842 en la National Gallery de Londres seconsidera una de las

obras más notables de van Eyck. Es uno de los primeros retratos de tema no hagiográfico que se

conservan, y a la vez una informativa escena costumbrista. La pareja aparece de pie, en su alcoba;

el esposo bendice a su mujer, que le ofrece su mano derecha, mientras apoya la izquierda en su

vientre. La pose de los personajes resulta teatral y ceremoniosa, prácticamente hierática; algunos

especialistas ven en estas actitudes flemáticas cierta comicidad, aunque la extendida

interpretación que ve en el retrato la representación de una boda atribuye a ello su aire pomposo.

Farga y Fernández (2008)

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EL ESTILO__________________________________________________________________

La obra es un fiel reflejo de las características estilísticas de los primitivos flamencos y, sobre todo,

es un compendio del estilo de su autor. En su composición sobresalen:

La minuciosidad; al ser una pintura concebida para la exhibición doméstica, lo que permite

verla de cerca, los

detalles se plasman con una escrupulosidad microscópica, sólo posible gracias al empleo

del óleo y de plumillas especiales. Por ejemplo, en el espejo del fondo —en cuyo marco

están representadas diez escenas de la pasión de cristo— se refleja toda la habitación

vista desde atrás, incluyendo todo el mobiliario, el matrimonio, otras dos personas y el

ventanal con una vista de brujas; El deleite en la reproducción de objetos; los flamencos se

enorgullecen del bienestar material que han logrado, de sus pequeñas posesiones, y las

representan en sus obras: la lámpara, los muebles finamente labrados, la ropa, etc. En

esta obra aparecen, además, otros objetos aparentemente injustificados; la tesis de

panofsky se apoya en alto grado en ellos.

El naturalismo; van eyck se preocupaba mucho por representar la realidad con la mayor

exactitud posible, aunque al ojo moderno la imagen parezca escasamente realista por la

actitud hierática de los retratados —incluso el perro. El movimiento es nulo en la imagen;

las formas tienen una solidez escultórica, y la escena, en general, es rígida, teatral y poco

espontánea;

La preocupación por la luz y la perspectiva; propias de van eyck, que en ello se adelantó a

su tiempo: la luz que penetra por la ventana es suave y envuelve las formas

delicadamente, la claridad se disuelve, poco a poco, en una atmósfera tangible; el marco

arquitectónico y el recurso del espejo del fondo dan una sensación de profundidad muy

verosímil. El propio Velázquez se inspiró en esta obra al pintar las meninas.

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LOS PROTAGONISTAS________________________________________________________

Giovanni de Arrigo Arnolfini, rico comerciante italiano (oriundo de Lucca), afincado en

Brujas hacia 1421.Desempeñó cargos de importancia en la corte de Felipe el Bueno, duque

de Borgoña, a cuyo archiducado pertenecían entonces los Países Bajos.

Jeanne o Giovanna Cenami procedía de una acaudalada familia italiana que vivía en

París; su matrimonio se había concertado con sumo cuidado. Por desgracia, no resultó

como se esperaba: no tuvieron hijos y, años después, Arnolfini fue llevado a los tribunales

por una amante despechada que buscaba compensación.

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EL REALISMO_____________________________________________________________________

Llama la atención el realismo óptico basado en la minuciosidad microscópica y en una magistral

captación de la luz y la perspectiva, la quietud y, sobre todo, el orgullo por el bienestar material

que han logrado, y por sus pequeñas posesiones: la lámpara, los muebles finamente tallados, la

ropa… Éste es un aspecto muy llamativo en esta obra; ya que aparecen infinidad de objetos sin

motivo aparente.

EL SIMBOLISMO___________________________________________________________________

Pero, gracias, precisamente, a estos pequeños objetos, propios de una sociedad que vive en la

opulencia, el experto en Historia del Arte, Erwin Panofsky, logró desvelar el significado de este

cuadro: el cual interpreta como una alegoría del matrimonio y de la maternidad. Para ello, nos

desvela el sentido de multitud de detalles que, aparentemente, carecen de importancia, pero que

dan una nueva dimensión al cuadro, algunos de estos pormenores son:

En primer lugar, la representación de los esposos, que es antagónica y revela los diferentes

papeles que cumple cada cual en el matrimonio. No olvidemos que hablamos de una sociedad de

hace más de 500 años, a caballo entre la Edad Media y la Edad Moderna: él es severo, bendice o,

quizá, jura (fides levata) —en cualquier caso, ostenta el poder moral de la casa (potestas)— y

sostiene con autoridad la mano de su esposa (fides manualis), que agacha la cabeza en actitud

sumisa

y posa su mano izquierda en su abultado vientre, señal inequívoca de su embarazo (que no es

real), que sería su culminación como mujer. Las mismas ropas que llevan refuerzan este mensaje,

a pesar de que la ambientación sugiere un tiempo veraniego o, cuando menos primaveral, lleva

pesadas túnicas que revelan su alta posición socioeconómica, el tabardo de él es oscuro y sobrio

(aunque los remates de piel de marta resultaban particularmente caros), y ella luce un ampuloso

vestido, de colores vivos y alegres, con puños de armiño (complementados con un collar, varios

anillos y un cinturón brocado, todo de oro).

Hay, en segundo lugar, multitud de objetos que aparecen sin justificación aparente, si bien todo lo

que contiene el cuadro

proclama la riqueza de la joven pareja, desde la ropa y los muebles hasta la fruta en el alféizar de

la ventana. Lo cierto es que esta pareja parece haber recopilado objetos de muchos países de

Europa: Rusia, Turquía, Italia, Inglaterra, Francia... Sin duda, Arnolfini, rico mercader, trabó

amistad o negocios con empresarios de toda Europa. Como se sabe, Brujas, donde se instaló

Giovanni, era un hervidero de burgueses de todas partes; y este mercader que protagoniza el

cuadro se jactaría de sus relaciones con todos ellos. En definitiva, lo cierto es que todos tienen un

significado nítido que da una nueva dimensión a la obra:

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Las naranjas, importadas del sur, eran un lujo en el norte de

Europa por lo que simboliza la riqueza de la familia y la

prosperidad económica que les aguarda, o quizás aluden al

origen mediterráneo de los retratados. Conocidas como

"manzanas de Adán", representaban además la fruta prohibida

del edén (quizá sean una evocación del paraíso perdido), en

alusión al pecado mortal de la lujuria, probable motivo de la

pérdida de la gracia.Los instintos pecaminosos de la humanidad

se santifican mediante el ritual del matrimonio cristiano.

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La cama tiene relación, sobre todo en la realeza y la nobleza, con

la continuidad del linaje y del apellido. Representa el lugar donde

se nace y se muere. Los tejidos rojos simbolizan la pasión además

de proporcionar un poderoso contraste cromático con el verde

de la indumentaria femenina. En todo caso, era costumbre de la

época, en las casas acomodadas de Borgoña, colocar una cama

en el salón donde se recibían las visitas. Aunque, generalmente,

se usaba para sentarse, ocasionalmente, era también el lugar

donde las madres recién paridas recibían, con su bebé, los

parabienes de familiares y amigos.

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Los zuecos esparcidos por el suelo —ellos van descalzos—

representan el vínculo con el suelo sagrado del hogar y también

son señal de que se estaba celebrando una ceremonia religiosa.

La posición prominente de los zapatos es también relevante: los

de Giovanna, rojos, están cerca de la cama simbolizando que era

la encargada del hogar; los de su marido, más próximos al

mundo exterior, simbolizan que es él el encargado de trabajar

para llevar la prosperidad económica a la casa. En aquel tiempo

se creía que pisar el suelo descalzo aseguraba la fertilidad.

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El espejo es uno de los mejores ejemplos de

la minuciosidad microscópica conseguida por

van Eyck (mide 5’5 centímetros y cada una de

las escenas de la pasión que le rodean mide

1’5 centímetros), y enlaza con el siguiente

asunto. En torno al espejo se muestran 10 de

las 14 estaciones del Vía Crucis (las paradas

del camino de Cristo hasta su muerte en el

Gólgota). Su presencia sugiere que la

interpretación del cuadro debe ser cristiana y

espiritual en igual medida que legal y

recuerda el sacrificio que tienen que soportar

los esposos.

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La lámpara sólo tiene una vela, que

simboliza la llama del amor era costumbre

flamenca encender una vela el primer día de

la boda .

Pero también recuerda la candela que luce

siempre en el sagrario de la iglesia, la

permanente presencia de Cristo.

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Giovanna lleva un elegante vestido verde (el color de la fertilidad), propio

de un retrato de aparato y un cuadro de boda. No está embarazada, su

postura se limita a delatar el vientre, que entonces se tenía por una de las

partes más bellas del cuerpo. También cabe pensar que su pose y la

exagerada curvatura del vientre sugieran su fertilidad y deseada preñez

que nunca resultó.

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IDENTIFICACIÓN DE LA OBRA______________________________________________________

El Retrato del Matrimonio Arnolfini es, sin duda, una obra maestra del arte de los primitivos

flamencos. Según la propia firma del autor, fue pintada en 1434. Formó parte de la colección real

española, pero fue robada por el ejército francés durante la Guerra de la Independencia Española.

En 1842 la National Gallery de Londres la adquirió por 730 libras.

Van Eyck representa la boda de Arnolfini, un próspero banquero italiano establecido en Brujas

hacia 1421. Pero lo más significativo es que da fe de la revolución que estaba viviendo el arte

flamenco, paralela a las innovaciones italianas.

El cuadro, lleno de simbolismo, actúa en varios planos:

como retrato de dos importantes miembros de la sociedad ejecutado por el más eminente

artista local

como testigo de su boda

como sumario de las obligaciones que entrañaba el matrimonio a mediados del siglo XV.

Como ilusión, como engaño, como promesa, como exorcismo, en resumen, como un

misterio.

Van Eyck hace además gala de su suprema destreza como pintor y maestro de las últimas técnicas

(en especial la pintura al óleo), por la que alcanzó renombre en toda Europa.

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RETRATO DE HOMBRE CON TURBANTE_____________________________________________

El Retrato de un hombre con turbante, Turbante

Rojo, Retrato de un hombre, etc. es una pintura al

óleo realizada en 1443 por el pintor flamenco, Jan

van Eyck. Fue adquirida por la Galería Nacional de

Londres en 1851, después de haber estado en

Inglaterra desde que Thomas Howard conde de

Arundel la compró, probablemente durante su exilio

en Amberes entre 1642-1644.

Se ha preservado junto con su marco original, los

lados verticales son de hecho una sola pieza de

madera con el panel central, y tiene la inscripción

pintada JOHES DE EYCK ME FECIT ANO MCCCC.33.

21. OCTOBRIS «Jan Van Eyck me hizo el 21 de

octubre 1433» en la parte inferior y en la parte

superior el lema AlC IXH XAN, que puede significar

«como puedo», que aparentemente es una frase

modesta «hago lo que puedo», pero en realidad

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puede ser falsa modestia «hago esto porque puedo» que aparece en otras pinturas de van Eyck,

siempre se escrito en letras griegas e incluye un juego de palabras con su nombre, al igual que en

otros marcos van Eyck las letras están pintadas o talladas.

Al igual que todos los retratos de Van Eyck, este retrato presenta un análisis preciso y detallado de

las líneas físicas. Sin embargo no da ningún indicio sobre los pensamientos del sujetoo su estado

de ánimo. Con frecuencia se piensa que el modelo es el mismo van Eyck, aunque no hay evidencia

directa de esto. El traje es apropiado para un hombre de la posición social de van Eycky, y el lema

es su lema personal, el cual solo en dos pinturas religiosas que han perdurado hasta nuestra

época, dos solo conocidos a partir de copias, y el retrato de su esposa. En ninguna es tan

prominente como en este caso.

En realidad no está vestido con un turbante, pero con un chaperon cuyos extremos que

normalmente cuelgan anudados sobre su cabeza, lo que sería una precaución sensata si se usaba

mientyras se pintaba. Un chaperon similar es usado por un personaje en el fondo de la obra "Rolin

Madonna" de van Eyck, y también se ha sugerido que este se trata de un autorretrato. En lo que

ya es usual en Van Eyck, la cabeza es un poco grande en relación con el torso. La técnica se

muestra la "habilidad, la economía y la velocidad" de las mejores obras de Van Eyck. Campbell

describe la pintura del ojo izquierdo de la siguiente manera: "El blanco del ojo ha sido pintado en

un tono blanco mezclado con pequeñas cantidades de rojo y azul. Una delgada esfumino de rojo

aparece en la capa inferior, que sin embargo, queda expuesta en cuatro puntos para crear brillos

secundarios. Las venas están pintadas en color bermellón en el esfumino mojado. El iris es ultra-

marino, bastante puro en su circunferencia, pero mezclado con blanco y negro hacia la pupila. Hay

pintas negras cerca de la circunferencia y la pupila está pintada en negro sobre el azul del iris. Los

brillos principales son cuatro puntos de blanco de plomo aplicados como toque final, uno en el iris

y tres en el blanco del ojo, donde se complementan con los cuatro brillos secundarios para crear el

efecto de brillo. "

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ROGER VAN DER WEYDEN Y EL BOSCO_____________________________________________

Roger van der Weyden (Tournai, hoy en la provincia de Henao, Bélgica, 1399/1400 - Bruselas, 18

de junio de 1464), fue el pintor más célebre e influyente de la escuela flamenca en el período

gótico. También se le conoce como Roger de la Pasture o Rogier de le Pasture.

Se distingue tanto por la interpretación de temas religiosos (patéticos y marianos) como por sus

notables retratos. Pinta al óleo sobre madera, en panel único, dípticos o polípticos. En sus

primeras obras, su estilo es marcadamente gótico: hierático, y realiza fondos dorados.

Posteriormente evoluciona hacia líneas sinuosas y fluidas en cuerpos y en drapeados. Sus

personajes presentan un marcado corte realista.

Jeroen Anthoniszoon van Aeken, conocido como El Bosco o Jerónimo Bosch (Bolduque, h. 1450 -

agosto de 1516) fue un pintor neerlandés.

La protagonista de sus cuadros es la humanidad que incurre en el pecado y es condenada al

infierno; la única vía que parece sugerir el artista para redimirse se encuentra en las tablas con

vidas de santos, a través de la imitación de sus vidas dedicadas a la meditación, aunque estén

rodeados por el mal. Ejemplo son las tablas con la Pasión de Cristo a través de la meditación sobre

las penas sufridas por Cristo, para rescatar al género humano del pecado universal.

En los últimos años de su actividad, su estilo cambia pintando cuadros con un menor número de

figuras pero de mayor tamaño que parecen sobresalir del cuadro y acercarse al observador. Llama

la atencio su gran fantasia imaginativa, con la que satiriza a la sociedad de si tiempo, como

muestra su obra El carro de hen.

DESCENDIMIENTO DE LA CRUZ (ROGER VAN DER WEYDEN)________________________________

El descendimiento de la cruz (en neerlandés, De Kruisafneming), es considerada la obra maestra

del pintor flamenco Roger van der Weyden. Es un óleo sobre tabla, pintado con anterioridad al

año 1443, probablemente hacia 1436. Mide 220 cm de alto y 262 cm de ancho. Se exhibe

actualmente en el Museo del Prado de Madrid. Es conocido, generalmente, como El

Descendimiento.

Farga y Fernández (2008)

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HISTORIA________________________________________________________________________

Es la tabla central de un tríptico, cuyas alas laterales han desaparecido. Se trata de una pintura al

óleo sobre madera. Tiene forma rectangular, con un saliente en el centro de la parte superior, en

el que se encuentra la cruz y un joven encaramado en la escalera, que ha ayudado a bajar el

cadáver.

Van der Weyden se enfrenta con el problema de encajar un gran número de personajes y una

escena de gran complejidad en una tabla de dimensiones no muy grandes estipulada por el

comitente. El cuadro mide unos 2,6 metros de ancho por 2,2 de alto.

El tema es religioso, típico de la pintura gótica: Cristo bajado de la cruz. Los Evangelios hablan de

ello: José de Arimatea pidió a Poncio Pilato que le dejara llevarse el cuerpo de Jesucristo para

enterrarlo. A pesar de que el Nuevo Testamento no lo describe con detalle, la pintura, y el arte en

general lo ha representado una y otra vez.

Se pueden encontrar representaciones tempranas del tema en la pintura sobre madera medieval.

Las clavos ya se han quitado y el cuerpo de Cristo es bajado de la cruz, recibido por los brazos de

José de Arimatea. Dio lugar a composiciones de solo tres figuras: Cristo, José de Arimatea y

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Nicodemo. Posteriormente se añadieron personajes auxiliares entre ellas, la Virgen María y el

apóstol Juan.

Roger van der Weyden encaja a las figuras en un espacio apaisado, en forma de urna. El fondo es

liso, de oro, elemento típicamente gótico; de este modo, las figuras parecen esculturas

policromadas. Tradicionalmente, los retablos escultóricos eran más costosos y cotizados que los

pintados; se puede decir que el artista recreó con trucos ópticos un grupo escultórico que hubiese

resultado mucho más caro. El fondo de oro tiene además un sentido simbólico, como ya se le daba

en Egipto: simboliza la eternidad y es propio de lo divino.

En el primer término, abajo, hay un pequeño fragmento de paisaje, con pequeñas plantas, un

hueso alargado y una calavera junto a la mano de María desmayada. Presentar un pequeño

matorral vivo junto a la calavera podría aludir a la vida después de la muerte, tal como sostienen

las creencias cristianas. La ausencia de paisaje en el resto del cuadro centra toda la atención en las

figuras, que se alojan en un espacio reducido. Tal como se describe en los Evangelios, José de

Arimatea envuelve el cuerpo de Cristo en un paño blanco del lino, impregnado de sustancias

aromáticas. Aparece un anciano de barba blanca identificado como Nicodemo. José de Arimatea y

Nicodemo sostienen el cuerpo exánime de Cristo con la expresión de consternación a que obliga el

fenómeno de la muerte.

Wikipedia

Hay dos parejas de figuras que se representan paralelamente: María Magdalena y Juan en los

extremos englobando el grupo en una especie de paréntesis, y la Virgen María y su hijo Jesucristo

en el centro. Al lado derecho, María Magdalena se dobla, consternada por la muerte de Cristo. Es

la figura más lograda de todo el cuadro en cuanto a la expresión del dolor. Su movimiento corporal

se repite en la joven figura de Juan, vestida de rojo, en el borde izquierdo. Por su parte, la Virgen

María es representada sufriendo un desfallecimiento y doblándose. Jesucristo aparece en la

misma posición que su madre, lo que significa que los dos sufren el mismo dolor, ilustrando así en

la Compassio Mariae, esto es, en el paralelismo entre las vidas de Cristo y la Virgen.

Las figuras recrean un grupo escultórico y resaltan sobre el fondo liso. Ayudando al efecto de

profundidad, el artista incluye en trampantojo sendas tracerías góticas en los dos ángulos

principales; estos ornamentos eran comunes en retablos escultóricos y en nichos funerarios. Su

composición axial vertical y horizontal, rigurosamente estructurada y equilibrada, se inscribe en un

óvalo. Las posiciones del brazo de Jesucristo y de la Virgen expresan las direcciones básicas de la

tabla. Puede trazarse una diagonal de la cabeza del joven que ha liberado a Cristo hasta la Virgen y

el pie derecho de San Juan. Los rostros están alineados horizontalmente, alineación que viene

suavizada por la línea ondulada de las expresiones corporales de los personajes.

Van der Weyden ha representado a María Magdalena con un cinturón que simboliza la virginidad y

la pureza. Este cinturón se encuentra alineado con los pies de Cristo y la cabeza de la Virgen, y en

él aparece una inscripción que hace referencia a ambos: IHESVS MARIA. La vestimenta de los

personajes sirve como símbolo de su clase social. Ninguna de ellas permitía representar las

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calidades de los objetos y de las telas como la pintura al óleo. De esa manera, Van der Weyden en

esta pintura se explaya, en la concreción de las calidades y dependiendo de la clase social del

personaje selecciona visón, seda, brocados, raso de azul, lapislázuli para la Virgen...

Otra muestra del preciosismo de la pintura flamenca, gracias a los avances de la técnica del óleo,

se muestra en las calidades de los objetos. Hasta este momento la técnicas utilizadas en la pintura

eran el temple y el fesco o pintura mural.

Los ropajes y el claroscuro proporcionan los efectos lumínicos. Los colores fríos caracterizan a los

personajes más patéticos:

las mujeres y el joven subido a la escalera; los demás personajes visten colores cálidos. Es un

cuadro cargado de simbolismo religioso. El pintor desplegó en esta escena toda una gama de

exquisitos matices y de doloridas expresiones, con una profunda emoción religiosa, provocando la

emoción del espectador ante las expresiones de los personajes.

Wikipedia

MARGARITA VAN EYCK_____________________________________________________________

Autor: Jan Van Eyck

Fecha:1439

Museo: Museo Groeninge de Brujas

Características:32,6 x 25,8 cm.

Material: Oleo sobre tabla

Estilo: Pintura Flamenca

Este es un retrato extraordinario por varias razones. En primer lugar, muestra a la esposa del

pintor, lo cual lo convierte en uno de los primeros retratos de este cariz en la historia del arte

europeo. No era natural que un artista tomara a su esposa para retratarla en estos años, por lo

que el cuadro se convierte en un auténtico acto de amor conyugal. Margarita van Eyck se casó con

Jan en 1434 y ese mismo año nació su primer hijo.

Se desconoce el apellido de soltera de Margarita, aunque se ha considerado que el Hombre con

turbante rojo era el retrato de su padre, y suegro del pintor. Margarita fue pintada cuando

contaba 33 años, una edad bastante madura para la época. Su rostro posee los rasgos de la vejez

ya. No es una mujer hermosa, pero el pintor la retrata con amabilidad y su rostro traduce

inteligencia, voluntad y eficacia.

En su retrato podemos apreciar la última moda femenina para los Países Bajos: frente rapada para

darle mayor amplitud, y una toca en forma de cuernos, que es la misma que llevan otras damas de

los retratos de Van Eyck, como la joven desposada del Matrimonio Arnolfini. El otro dato que

convierte este retrato en una obra excepcional es la manera en que se conservó a lo largo de los

siglos. Por no sabemos qué medios, el cuadro pasó a ser propiedad de la guilda de pintores de

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Brujas. Lo mantenían en un cofre cerrado por cinco llaves que custodiaban cinco miembros

diferentes de la guilda. Sólo podría abrirse con la presencia de todos los guardianes, y se exponía

una sola vez al año, el día de San Lucas, patrón de los pintores.

Y aun así, se exponía atado a una gruesa cadena. Este tratamiento casi de reliquia religiosa

demuestra la temprana apreciación que se sentía por la obra de Van Eyck, que llegó al nivel de

mito de la pintura.

Artehistoria.es

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LA ADORACIÓN DE LOS PASTORES____________________________________________________

La Adoración de los Pastores es la tabla central del Tríptico Portinari (en italiano, Trittico Portinari),

obra del pintor flamenco Hugo van der Goes. Está realizado sobre tabla, y fue pintado en Brujas

entre 1476 y 1478. En cuanto a sus dimensiones, en panel central mide 253 cm de alto por 304 cm

de ancho; por su parte, los postigos miden 253 por 141. Se exhibe actualmente en la Galería Uffizi

de Florencia.

HISTORIA________________________________________________________________________

El Tríptico Portinari es la obra más famosa del autor, y una de las más hermosas del arte flamenco.

Es la principal representación de la escuela flamenca en los Uffizi. Es un retablo encargado por

Tommaso Portinari, el representante de la familia Médici en Brujas. Es su único cuadro

documentado, lo que permite la atribución y datación del resto de sus cuadros.

Una vez acabado el cuadro, se envió a Florencia, pues tenía como destino la iglesia del hospital de

Santa Maria Nuova. Estuvo expuesto al público en la ciudad toscana, y ejerció una enorme

influencia en los pintores florentinos, quienes se fijaron en el realismo puesto en evidencia en los

pastores y el paisaje. Ghirlandaio copió el grupo de pastores en su cuadro de 1485 para la capilla

Sassetti de la iglesia de Santa Trinità. Filippino Lippi, incluso Botticelli y, sobre todo, Leonardo da

Vinci, y otros estudiaron la obra, una de las primeras obras flamencas llegadas a Italia. Lorenzo di

Credi y Mariotto Albertinelli copian el tipo de paisaje nórdico.

Wikipedia

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Robert de Masmines__________________________________________________________

Considerado uno de los primeros retratos autónomo de la

pintura flamenca, la identidad del personaje representado

ha sido objeto de especulación, pudiendo tratarse de

Robert de Masmines, destacado militar al servicio de

Felipe el Bueno. Llama la atención la presentación en

primerísimo primer plano de la cabeza del personaje,

atendiéndose a los detalles de su fisionomía, como la

pronunciación de sus arrugas, la caída de los párpados o la

barba y cabello. Sin embargo, la austeridad de la

composición queda realmente compensada por la

extraordinaria calidad del cuello de piel del abrigo.

educathyssen.org

MAGDALENA_____________________________________________________________________

La Magdalena leyendo es uno de los tres fragmentos

conservados de un gran retablo de roble al óleo de

mediados del siglo XV, obra del pintor flamenco Roger van

der Weyden. Completado algún momento entre 1435 y

1438, se conserva en la National Gallery de Londres desde

1860.

Muestra a una mujer con la piel pálida, huesos de las

mejillas altos y párpados ovalados típicos de los retratos

idealizados de la mujer noble de la época. La mujer se

identifica María Magdalena por el tarro de ungüento

colocado en primer plano, que es su atributo tradicional en

el arte cristiano. Se la presenta como completamente

absorbida en su lectura, un modelo de vida contemplativa,

arrepentida y absuelta de pasados pecados.

En la tradición católica la Magdalena fue confundida tanto con María de Betania, que ungió los

pies de Jesús de Nazaret con aceite, como con la «pecadora anónima» de Lucas 7:36–50. La

iconografía habitual de la Magdalena le presenta con un libro, en un momento de reflexión, con

lágrimas, o evitando la mirada.

Van der Weyden presta gran atención al detalle en muchas partes de la obra, en particular los

pliegues y tela de vestido de la mujer, los vidrios del rosario que sostiene la figura de pie y la

exuberancia del exterior.

Wikipedia

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LA ANUNCIACIÓN______________________________________________________________

La Anunciación es una obra del pintor flamenco Jan van Eyck. Es una pintura al óleo realizada hacia

1434. Originalmente se hizo sobre tabla pero ha sido transferida a lienzo. Mide 93 cm de alto y 37

cm de ancho. Se exhibe actualmente en la Galería Nacional de Arte de Washington DC.

Se cree que pudo ser el ala interior izquierda de un tríptico. El origen de la pintura, hasta donde

puede saberse, es:

1791 Un visitante en la cartuja de Champmol, monasterio cartujo en Dijon, hoy en Francia, pero

en el siglo XV la capital del Ducado de Borgoña, documentó su presencia en la habitación del Prior,

originariamente en la capilla ducal del monasterio: "... cuadros sobre tabla del tipo de los pintores

flamencos primitivos, que provienen de las capillas de los duques; trienen unos cuatro pies de alto.

El primero, de un pie de ancho, es una Anunciación..."

Se cree que la pintura de Washington, aunque las medidas (en el pie francés del día) no coinciden

con mucha exactitud. Es posible, pues, que Jan van Eyck hiciera esta obra por encargo de Felipe el

Bueno.

Wikipedia

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Conclusiones_________________________________________________________________

Arte descriptivo que parte de la observación directa y sensible del mundo circundante

Anunciación de R. Campin

Acentuado interés por la realidad Descanso en la huída a Egipto de G. David

Dibujo preciso y detalladísimo. Colorido nítido, saturado. o Perfección cromática, gran

luminosidad Matrimonio Arnolfini Van Eyck

Uso de veladuras y barnices. Acabado esmaltado dibujo preciso y detalladísimo

Temas religiosos, a menudo presentados de manera intimista, con aire piadoso y recogido,

en interiores burgueses. O

El rasgo más característico de la producción artística de los siglos XIV-XV fue la búsqueda

periodo Bizantino de afán decorativo, por el contrario, ahora se busca una pintura

naturalista, síntesis de color de dibujo, y una valoración de volumen.

Las técnicas usadas fueron : Cuadros sobre tablas de Roble

Uso del oleo

Bibliografía_______________________________________________________________________

http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/5057.htm

http://www.educathyssen.org/getpictureresources/265/Retrato%20de%20un%20hombre%20rob

usto.%20Robert%20de%20Masmines%20(?)

http://www.nationalgallery.org.uk/paintings/rogier-van-der-weyden-the-magdalen-reading

http://www.artbible.info/art/large/321.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Anunciaci%C3%B3n_(Van_Eyck,_Washington)

http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/5057.htm

http://es.wikipedia.org/wiki/Descendimiento_de_la_cruz_(Roger_van_der_Weyden)

http://es.wikipedia.org/wiki/Retrato_de_Giovanni_Arnolfini_y_su_esposa

http://es.wikipedia.org/wiki/Pol%C3%ADptico_de_Gante

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