[SUMARI]

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…

“Toda historia es elección. Lo es porque existe el azar que aquí destruyó y allá salvaguardó los vestigios del pasado. Lo es porque

existe el hombre: cuando los documentos abundan, abrevia, simplifica, haz hincapié en esto, relega aquello a segundo plano”

REVISTA GENIUS SAECULI

EDITORS. Brian Ventura Jiménez, Aida Maria Tazón Sánchez i Míriam Oriol García. REDACCIÓ. Brian Ventura Jiménez, Aida Maria Tazón Sánchez i Míriam Oriol García. CORRECCIÓ. Paloma Pérez Gisbert MAQUETACIÓ. Míriam Oriol García CONTACTE Revistageniussaeculi.blogspot.com.es Revista.geniussaeculi@gmail.com

Barcelona, 2014

L’ORIGEN ETIMOLÒGIC DELS DIES DE LA

SETMANA

Us heu preguntat mai d’on provenen els noms dels nostres dies de la

setmana? I per què en idiomes diferents semblen tenir una certa relació?

Lunes en castellà, lunedì en italià, dilluns en català o lundi en francès. També martes, martedì, dimarts omardi. Jueves, giovedì, dijous i jeudi. Fins i tot Domingo, Domenica, diumenge o dimanche.

Amb aquests exemples segur que haureu pensat (i

endevinat!)... I és clar! Com a llengües

romàniques, totes tenen el seu origen en el món

llatí.

Els set dies de la setmana tenen el seu origen en

el descobriment i observació dels cicles lunars per

part de la humanitat (lluna plena, minvant, nova i

creixent), arribant a la conclusió que entre

aquestes fases hi havia aproximadament uns set

dies. Però la influència celestial en la nostra

ordenació setmanal no va acabar aquí, sino que

els nostres avantpassats decidiren anomenar els

dies segons els astres mòbils dels firmament, així

com relacionar-los amb la seva deïtat

corresponent: la Lluna, Mart, Mercuri, Júpiter,

Venus, Saturn i el Sol.

Però per què el dissabte i el diumenge s’allunyen

d’aquesta norma? La raó segurament la trobem en

el fet de les influències religioses cristianes i

jueves, assimilant el dissabte al sabbath i el

diumenge al dia del Senyor. No oblidem que els

cristians intentaren imposar la seva nova filosofia

en detriment del món pagà i que en la majoria de

casos triumfaren, però en el cas del nom dels dies

de la setmana no ho van aconseguir segurament

per la influència de les deïtats en el món agrícola

(a excepció de la zona de la Gallecia romana,

motiu pel qual la nomenclatura portuguesa actual

no té res a veure amb la norma).

I en el cas de llengües com l’alemany, l’holandès o

l’anglès? Aquestes també agafaren el nom de les

deïtats, tot i que es fixaren en les equivalents

nòrdiques, en els déus Norse:

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Sobre la joventut, sobre la força de les idees, sobre el criteri individual, sobre

els límits ètics que es poden traspassar per a una causa, sobre la vida i la mort.

Tot això representa la figura de Yoyes, María Dolores González Katarain,

analitzada en el documental de televisió espanyola Yoyes del 1988.

És evident en el documental el

trencament d’ETA en dues

faccions milis i polis milis materialitzat

l’any 1974 quan es perpetra l’atemptat

a la Cafeteria Rolando freqüentada per

policies de la Direcció Nacional de

Seguretat, motiu pel qual aquest local

va esdevenir l’objectiu dels etarres però

van haver moltes víctimes civils i això

va significar un punt d’inflexió a la

banda ja que fins el moment les

víctimes havien estat figures del règim

com per exemple Carrero Blanco que

va morir en un atemptat organitzat al 20

de desembre del 1973 i així es va

produir un canvi significatiu a la ETA

creada en el seu origen per joves

estudiants a partir de diferents grups.

Les paraules dee Isa González

Catarain expliquen molt bé aquest

procés: ETA ayudó a la aceleración de

la democràcia pero creo que creamos

un monstruo que ahora debora a sus

hijos.

Més enllà de fer una crítica de valor

sobre si la violència és justificada per

aconseguir un fi o les diferències entre

la primera etapa d’ETA abans i després

del 1974 quan segons Yoyes la banda

esdevé un payaso de un militarismo y

de un corte fascista. És important fer

èmfasis en el fet que Yoyes és un

element clau per a comprendre

l’organització que neix en un context de

repressió franquista que s’estén a tots

els nivells de la societat des dels afers

privats com el matrimoni o la sexualitat

fins a la capacitat de decisió dels

territoris amb particularitats que són

interpretades pel franquisme com trets

folklòrics i no pas símbols d’una

identitat nacional amb unes arrels

històriques evidents.

Tal i com s’explicita al documental

Yoyes s’integra jove a la banda i és en

un moment de més maduresa quan

comença a mostrar reticències

respecte les decisions de la banda i la

nova direcció que prenen els

esdeveniments.

De fet, es podria establir un

paral·lelisme entre la joventut i la

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maduresa a l’hora d’interpretar a Yoyes

i a ETA ambdues neixen de l’idealisme

i la voluntat de fer un món diferent però

en arribar a la maduresa tal i com

comenta Elixabete Carmendia apareix

una sensació de decepció molt comú

entre els de la seva generació.

Tal i com explica Maria Dolores

González ella va intervenir a la banda a

partir del 1972, 1973 quan el

progressisme i els aspectes socials

s’entrelligaven amb el nacionalisme

basc i va decidir abandonar-la al 1979

quan es van despendre d’aquest

aspectes per deixar pas a un

militarisme basat en un nacionalismo

obscurantista y mítico per tant la banda

neix abanderada en la reforma i el

canvi però en la seva maduresa esdevé

militarista i deixa enrere aquests

preceptes que en un moment

determinat varen a treure a molts

joves, aquest procés es podria

assimilar a un encarcarament que es

pot veure sovint en persones grans que

amb els anys es fan més intransigents i

perden de vista el ideals de joventut i el

criteri analític que d’altra banda no va

mancar a Maria Dolores i que tal i com

escriu al seu diari va ser el que la va

impulsar a pensar de manera diferent al

que proposava la majoria d’ETA i el

que la moure en darrera instància a

abandonar l’organització en una

expressió màxima de la llibertat

individual i la capacitat d’anàlisi d’una

situació que era evident s’havia

transformat i continuaria en la direcció

de la violència tal i com ella mateixa

preveia.

És clau la idea de la conversió dels

preceptes etarres, ideologia inicialment,

en una doctrina a partir del 1979 quan

es desenvolupa la seva vessant més

militar. Tant ideologia com doctrina són

idees sobre la realitat i sobre canvis

que es podien realitzar per a arribar a

un punt que es consideraria millor que

el que s’analitza, la diferència rau, en

poques paraules, en el seu nivell

d’obertura, la ideologia no fixa uns

cànons estrictes però la doctrina si ho

fa i sovint és la primera l’origen de la

segona com per exemple el marxisme

(ideologia) o el comunisme aplicat per

Stalin (doctrina).

El documental és un clar exemple de la

importància de la contextualització i de

la disciplina històrica desenvolupada

amb criteri i rigor. Ja que a l’hora

d’analitzar ETA és imprescindible tenir

en compte les seves arrels, etapes i

evolució i és important recórrer als

protagonistes dels processos analitzats

tant a l’etapa contemporània i del món

actual a través de testimonis que són

vius encara com a l’època medieval en

que els testimonis es recullen en

textos. És l’única manera de crear

hipòtesis vàlides a partir de fets i amb

criteri propi.

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LA BELLEZA EN CONTEXTO

El verano se ha instalado de forma definitiva

y las elevadas temperaturas nos obligan a

desprendernos de capas de ropa. Las faldas

y los vestidos toman las calles. Las

bermudas, las camisetas de tirantes y los

escotes lo inundan todo. La playa queda

colonizada por los trajes de baño que cada

vez dejan más piel al descubierto.

Ante tanta exposición de nuestro cuerpo, las

marcas de cosméticos, los gimnasios, las

clínicas de estética y los solariums entre

otros, lanzan múltiples campañas

publicitarias para incitarnos a consumir sus

servicios. Nos ofrecen la posibilidad de estar

perfectos. Y, por tan solo unos euros,

tenemos al alcance de nuestras manos la

forma de responder al ideal de belleza, una

belleza que actualmente es sinónimo de

aceptación social y, en consecuencia, de

felicidad según muchos preceptos de la

sociedad contemporánea.

Esta idealización no contribuye solamente a

aumentar el círculo del consumismo en el

que se ancla la sociedad capitalista, sino

que muchas veces es el origen de presiones

sociales que afectan de forma muy diversa a

los individuos. Muchas personas son

inmunes a este fenómeno, pero otras sufren

graves problemas porque no se sienten

incluidos en esta concepción de belleza, lo

que tiene consecuencias mucho más

amplias en otros aspectos vitales dada la

centralidad de la belleza a nivel social.

“[…] La historia de la belleza es una invención, se inventa la

belleza al cabo de los tiempos […]”

VIGARELLO, Georges. Historia de la belleza. El cuerpo y el arte de embellecer desde el Renacimiento a nuestros días. Buenos Aires: Nueva Visión, cop. 2005

“[…] La naturaleza induce a las

mujeres y a los hombres a descubrir

sus partes superiores y a ocultar las

partes inferiores, porque las

primeras, en tanto natural sede de la

belleza deben verse, mientras que no

ocurre lo mismo con las otras, ya que

son solamente el cimiento, la base y

el apoyo de las superiores[…]”

VIGARELLO, Georges. Historia de la

belleza. El cuerpo y el arte de embellecer

des del Renacimiento a nuestros días.

Buenos Aires: Nueva Visión, cop. 2005 pp.

25 de A.FIRENZUOLE, Discours de la

beauté des dames, París, 1578 pag.27

Los cánones actuales han sido motivo de polémicas

en los últimos años. Muchas marcas han visto

dañada su imagen pública debido a determinadas

actitudes respecto al sistema de tallas. Otras en

cambio, han promovido un tipo de mujer saludable y

real, lo que las ha beneficiado a nivel de imagen.

Pero más allá del debate de lo real y de lo insano,

existen las siguientes cuestiones: ¿qué es la belleza?

¿hasta qué punto es algo objetivable?. Para resolver

estas preguntas la historia de la belleza es clave.

A través de esta frase de Vigarello se resuelve de

forma clara la cuestión inicial. La belleza es una

creación cultural y por lo tanto variable según el

contexto. Para demostrar la veracidad de esta

afirmación es imprescindible hacer una selección de

algunos cánones de belleza en función de la época.

En este caso concreto se realizará un breve recorrido

por el ideal de belleza femenino debido a la especial

presión sobre la figura de la mujer. Los límites

cronológicos quedan establecidos en el presente

espacio de reflexión entre el Renacimiento y el

Barroco.

Este fragmento resume de forma concisa la

concepción de la belleza durante el siglo XVI. El ideal

de belleza renacentista se ve claramente reflejado en

la obra de Tiziano. El Renacimiento supuso un

cambio en los esquemas mentales de los individuos

y también en el ideal de belleza. En el contexto del

XVI se establece una jerarquización del cuerpo de

una forma cotidiana. La zona superior del cuerpo

recibe especial atención. Esta focalización se traduce

en una gran presión sobre el rostro. La presión a la

que se ven sometidas las mujeres se ve reflejada en

un significativo aumento de los cuidados y afeites

para el rostro. (Vigarello. 2005:17)

6

El aumento de retratos de mujeres

como el de Tiziano, en los cuales la

protagonista no es seleccionada por su

estatus social, sino por su belleza, es

una clara muestra de la centralidad que

logra este concepto en el

Renacimiento. (Vigarello. 2005:18)

Tal y como se ha comentado, en el

contexto del Renacimiento se produce

el triunfo de la parte superior del cuerpo

lo que tiene una clara vinculación con

las ideas moralizantes aún imperantes

en la época. La moralización y su

fuerza es evidente en la vestimenta que

marca qué partes del cuerpo son

visibles y cuáles quedan tapadas por

las prendas.

La parte inferior del cuerpo queda

absolutamente invisible a los ojos entre

telas vaporosas que tapan hasta los

pies. Este desprecio por la zona inferior

a la cintura está marcado por la idea de

que esa zona es origen del deseo

sexual y, por lo tanto, de actitudes que

no son acordes con la moralidad. Así,

durante esta etapa, las piernas son

tratadas como meros sostenes, pilares

del tronco, la parte honorable del

cuerpo. De esta parte reciben especial

atención las manos, los brazos y los

ojos. Es importante destacar en

palabras de Vigarello el singular poder

de los ojos durante el Renacimiento.

(Vigarello. 2005: 20) La nobleza que

adquiere la mirada en el XVI tiene una

clara relación con la asimilación que se

hace entre éstos y el cielo. La luz que

desprende y su conexión con el cielo

otorgan a los ojos una cierta sacralidad.

(Vigarello. 2005:26)

La bella. 1536. Palazzo Pitti, Florencia

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La admiración alrededor de los ojos y la focalización de la

belleza en ellos dominarán gran parte del siglo XVI pero, con el

paso del tiempo, esta fascinación se volverá más compleja

permitiendo que la atención abarque otras partes del cuerpo

ignoradas en los inicios del Renacimiento. (Vigarello.2005:26)

Los pies, las piernas y la gracilidad del movimiento irán tomando

más significación a finales del XVI y a lo largo del XVII en los

tratados de belleza a causa del creciente interés por el ballet y

otros bailes.

No sólo se valorizan otras partes del cuerpo como elementos

bellos y dignos de atención, sino que la percepción de los ojos y

la mirada es diferente. A partir del XVII no es la luz que se

proyecta ni la asimilación con el cielo de la mirada lo que la hace

bella, sino lo que desprende del interior. Este cambio de actitud

está estrechamente ligado con la importancia que se concede en

este contexto al espíritu del individuo y a su personalidad como

cualidades susceptibles de ser consideradas bellas. Este nuevo

enfoque, más interior, más personal, responde a una nueva

visión sobre el individuo. (Vigarello. 2005:70)

Se puede afirmar que la religión y la moralidad jugaban un papel

clave en la valorización de las distintas partes del cuerpo y, en

consecuencia, del ideal de belleza. Pero también es importante

apuntar que las costumbres de la sociedad y el ocio también

GEORGES VIGARELLO

Para el estudio de este tema es

imprescindible hacer referencia a los

estudios de George Vigarello quien

constituye la base teórica del presente

artículo. Este historiador y sociólogo ha

enmarcado su estudio en la historia cultural

y especialmente en la historia de la belleza

y del cuerpo.

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"Una dinámica muy particular enriquece los criterios de la belleza en el

mundo clásico con el crecimiento de las referencias de la etiqueta y de la

compostura, la nueva civilidad insensiblemente impuesta por la

sociabilidad urbana y las normas de la corte. El orden de la apariencia se

hace más complejo, imponiendo nuevos personajes como modelos

estéticos […]que reflejan en qué medida la sociedad del XVII se ha

teatralizado y también en qué medida la belleza, lejos de simples

geometrías físicas, es también gesto y comportamiento[…]"

VIGARELLO, Georges. Historia de la belleza. El cuerpo y el arte de embellecer des de el Renacimiento a nuestros días.

Buenos Aires: Nueva Visión, cop. 2005 pp.55

[…] contribuyen a la composición de la idea

de belleza. Tal y como se ha comentado,

tanto los bailes como el ballet se tradujeron

en la valorización de partes del cuerpo, como

las piernas, que anteriormente habían sido

completamente ignoradas. De modo que son

múltiples agentes los que convergen en la

conceptualización de la belleza. Otro agente

clave en la creación del ideal de lo bello es el

contexto histórico concreto. En el siglo XVII

fueron las ciudades, la vida urbana y

cortesana, las que marcaron cambios

significativos.

Se podría resumir la evolución del concepto

de belleza entre el XVI y el XVII como un

proceso de ampliación. Es decir, tal y como se

ha comentado, se van valorizando todas las

partes del cuerpo, incluso los gestos, de

forma progresiva. En cambio, durante el XVI

por cuestiones puramente morales la atención

se centraba en la zona superior y,

concretamente, en la mirada como un reflejo

de divinidad y luz. Pero a partir del XVII, en un

proceso de creciente urbanización y, en

consecuencia, de un cambio en las formas de

ocio y relaciones sociales, surgieron nuevos

criterios a la hora de valorar la belleza.

Este breve y sintético repaso sobre la belleza

en los siglos XVI y XVII es útil para dar

respuesta a las dos preguntas iniciales. Por

una parte, sobre qué es la belleza, el análisis,

aunque sencillo, de los diferentes criterios

para definir la belleza en dos siglos diferentes,

demuestra la variabilidad del concepto belleza

que actualmente se nos presenta como un

dolmen inamovible e indestructible. No sólo es

inventada sino que responde a muchos

estímulos que muchas veces están

condicionados por intereses muy diversos.

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Por otra parte, sobre si la belleza es algo objetivable o no, es algo

evidente debido a los intentos, tanto en el Renacimiento a través de

tratados de belleza y corsés, como en la actualidad mediante agresivas

campañas de marketing, por establecer un único ideal de belleza, es

decir, un monopolio de lo bello. De modo que se puede afirmar que la

belleza, a pesar de haber sido objeto de deseo del poder que la ha

querido monopolizar, es una idea etérea y de naturaleza subjetiva.

En ningún caso tras estas páginas se esconde un alegato contra lo bello

o contra la felicidad que puede reportar estar rodeado de cosas bellas. La

voluntad de este análisis es romper con el monopolio sobre la belleza,

con la idea de que “esa belleza” es la forma de alcanzar la felicidad

completa. De hecho, la belleza puede reportar grandes dosis de felicidad,

pero tanto belleza como felicidad son ideas subjetivas y cada sujeto las

percibe de una forma particular. Es esta idea de particularidad la que

debe prevalecer siempre. Estamos sumidos en un mundo que gira muy

rápido, se consume rápido, no sólo ropa o comida sino cultura e ideas

que nos llegan a través de muchos medios. Por ese motivo, es importante

repasar la historia y en este caso concreto, ser conscientes de que la

belleza es algo variable y subjetivo y que tenemos el criterio, el poder y la

capacidad para imponer nuestras normas.

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Moshe Dayan, center, with Ariel Sharon, on the western side of the Suez Canal; October 1973. Photo by Reuters, IDF

Biografía!Shmuel y Dvorah tenían una cosa bien clara: su hijo varón se llamaría Mosh. El nombre tiene su razón de ser en el hecho de que fue ese mismo nombre el que había sido grabado un año antes de su nacimiento en una lápida solitaria que se encontraba junto un olivar de Deganiah. Esa lápida constituía un elemento simbólico, ya que se trataba de la primera tumba abierta en aquella incipiente colonia que formaba parte de la aventura inicial en el terreno de la colectivización agrícola sionista. De este modo Deganiah se había convertido en la cuna del movimiento kibbutz. Así fue como Moshe Dayan se convirtió en el primer bebé nacido en Deganiah. Se decía que Moshe era un niño difícil. En muchas ocasiones sus berridos no cesaban y ,por ello, Dvorah se lo llevaba por la noche a la orilla del río Jordán con el propósito de que sus lloros no despertaran a los fatigados colonos. Después de trasladarse junto a su madre a Jerusalem debido una infección de tracoma, Moshe y Dvorah volverán a

MOSHE DAYAN Degania Álef, Imperio otomano, 20 de mayo de 1915 — Tel Aviv, Israel, 16 de octubre de 1981

Sionismo Movimiento cuyo nombre hace referencia a Sión, uno de los nombres bíblicos de Jerusalén. En muchos versículos de la B i b l i a l o s i s r a e l i t a s s o n denominados "hijos de Sión". A partir de abril de 1896, cuando se publicó la traducción en inglés de la obra El Estado judío; Ensayo de una solución moderna a la cuestión judía su autor Theodor Herzl, se convirtió en el principal portavoz del s i o n i s m o . L o s s i o n i s t a s propugnaban el restablecimiento de una patria para el pueblo judío en la Tierra de Israel. De ésta manera se entendía que si todos los judíos eran un mismo pueblo, podrían considerar una nación sin territorio, y por consiguiente necesitaban uno para fundar su propio país.!

Haganah Organización paramilitar de autodefensa judía creada el 15 de junio de 1920, durante la época del Mandato Británico de Palestina. Sus miembros eran integrantes de los kibutzim y moshavim.

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Deganiah en el verano de 1919, una vez terminada la guerra y restaurada la normalidad. Ya en Nahalal en 1929, con la edad de catorce años Moshe se inició en la organización secreta llamada Haganah, la fuerza clandestina autodefensiva de los judíos de Palestina. “La Haganah decidió alistarnos poco después de la matanza, por parte de los árabes, de sesenta y siete judios en Hebrón” Así es como Moshe, justifica la entrada en la Haganah en su autobiografía Historia de mi vida, haciendo alusión a lo que en la historia se ha conocido como la Matanza de Hebrón, pogromo que se inició el 23 de agosto de 1929 en el Mandato Británico de Palestina, y que ponía de nuevo en evidencia la incapacidad británica para gestionar el mandato. No obstante, si hacemos referencia al plano estrictamente militar, Moshe tuvo su primera intervención seria durante su estancia en Shimrom y coincidió con lo que los británicos denominaron Revuelta Árabe, hechos que tuvieron lugar desde mayo de 1936 hasta 1939. En 1937 recibió la primera carta de nombramiento oficial del ejército con

membrete de la Fuerza de Policía de Palestina. A lo largo de ese periodo de tiempo prestaría servicio como guía de las unidades del ejército británico estacionados en Alfula, como Ghaffir. Años después, tras su servicio como Ghaffir,

El Zorro del Sinaí En 1948, con la Haganah convertida en ejército regular israelí Dayan dejó de ser el aventurero francotirador del parche negro en un ojo para erigirse como el gran estratega, tal vez superior a Rommel, y como éste último apodado también: zorro. El nuevo zorro bélico, que daba lecciones a los generales del mundo, y que en 1956 y 1957 iba a obtener otras dos victorias fulminantes contra los árabes coligados!

Kibbutz Comunidades agrícolas Israelíes que representan un modo de v i d a r u r a l c u y a s e ñ a d e identidad histórica consiste en compartir. El movimiento kibbutz se inició a principios del siglo XX cuando grupos de jóvenes pioneros del este de Europa decidieron trabajar la tierra en el marco de un credo sionista. Los primeros “kibbutzniks”, como se denomina a sus miembros, fundaron Deganiaf en la orilla sur del Mar de Galilea

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volvería a Shimrom, donde pronto ascendería a sargento y sería nombrado jefe de una guardia móvil, contando con seis ghaffirs bajo su mando y un vehículo ligero. Más tarde, en 1937, sería enviado por la Haganah a seguir un cursillo para mandos de sección, donde conocería a Yitzhak Sadeh, el veterano oficial clandestino. En mayo de 1939, Gran Bretaña publicó el Libro Rojo del Gobierno sobre Palestina, se trataba de una nueva política para el territorio del Mandato. Una de las novedades principales fue la gran limitación a la inmigración judía, algo que suponía el reverso de la Declaración Balfour (1917), de esta manera la Haganah volvía a la clandestinidad. Fue por aquel año cuando la Haganah organizó un cursillo para mandos de sección, un cursillo que se presentaba como un programa de educación física bajo los auspicios de una federación deportiva judía. Tras descubrirse lo que escondía en realidad el cursillo, Moshe fue detenido por las autoridades británicas y posteriormente liberado en 1941, gracias a la presión ejercida por los dirigentes de la Agencia Judía y la Organización Sionista, que habían conseguido convencer a los jefes militares de Londres para que ampliasen las filas de voluntarios judíos palestinos con los que formar unidades suplementarias en el ejército británico. Poco después, formaría parte de una fuerza australiana que sería la punta de lanza de la invasión de Siria (pensemos que en éste momento Siria era un mandato francés, que incluía el Líbano y estaba bajo el control del gobierno de Vichy, colaboracionista de los nazis), una invasión que estaba justificada por el riesgo de ataque contra el norte de Palestina. Es en ese momento, durante el reconocimiento en Siria, cuando Moshe pierde su ojo izquierdo en el asalto de un cuartelillo de policía. Estos hechos son redactados en su autobiografía de la siguiente manera: “Me eché a los ojos los prismáticos de campaña e intenté localizar el origen de aquel nutrido fuego. Apenas lo había enfocado cuando una bala de fusil dio de lleno en los prismáticos y astilló una lente y la montura metálica, hundiendo las esquirlas en la cuenca de mi ojo izquierdo. Perdí instantáneamente el conocimiento, pero sólo durante unos segundos.” (Dayan, 1978 p.77)!

Años después, el papel de Moshe sería trascendental en la historia de lo que sería el futuro estado Israelí. Para ello debemos remontarnos al 29 de noviembre de 1947, cuando la Asamblea General de las Naciones Unidas, aprueba la resolución 181, una resolución que se conoce como la Resolución de Partición, en la medida que aboga a la creación de dos estados en la Palestina histórica, un estado árabe y otro judío. La guerra entre las dos comunidades era inminente. #

El 14 de mayo de 1948, nacería oficialmente el Estado de Israel, con la proclamación oficial por David Ben Gurión. Será en ese mismo año cuando Moshe se encargará de la defensa de Deganiah durante el enfrentamiento entre israelíes y sirios por el control de Deganiah, lugar donde se encontraba su kibutz natal. Poco después Moshe será el encargado de organizar el batallón mecanizado de asalto, al que se le asignó el número 89. Tras ello se llevó a cabo el avance hacía el

Yitzhak Sadeh Comandante de la Haganá. Primer comandante del Palmaj y uno de los fundadores del las Fuerzas de Defensa de Israel e n e l m o m e n t o d e l a independencia del Estado de Israel. !

S a d e h v i s i t s t h e Po l i c e fortress at Iraq Suwaydan, November 8, 1948

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Negev, en este momento los egipcios se encargaban de mantener un línea basada en la carretera Maj-dal-Faluja, que partía de la costa oriental y cortaba la región en dos partes, por un lado el Negev al sur y el resto de población al norte. La primera guerra árabe-israelí, que dio comienzo en 1948, se finalizaría con el armisticio entre Israel y las demás partes beligerantes en la isla griega de Rodas entre febrero y julio de 1949, dónde Moshe actuaría como segundo en el equipo de negociación, siendo Reuven Shiloah el primero y el encargado de presidirlo. Ya en octubre de ese mismo año, Moshe sería ascendido a general de división y nombrado jefe de la Comandancia del Sur (Comandancia que estaría formada por todo el desierto del Negev). #

En 1956, tuvo lugar lo que ha sido denominada la Guerra del Sinaí, o la Crisis de Suez, una acción militar que se llevó a cabo en territorio egipcio y que implicó una alianza militar formada por Reino Unido, Francia e Israel contra Egipto. Motivado especialmente por la llegada al poder de Gamal Abdel Nasser y la nacionalización del Canal por Egipto el 26 de julio de 1956. Tras finalizar la llamada Crisis de Suez, en 1958, Dayan el que había sido un héroe militar, dejaba el ejercito para dedicarse a la carrera política. No obstante, debemos apuntar que ya desde 1946 militaba en el partido sionista socialista Mapei de Ben-Gurión. En 1959 ocuparía el cargo de ministro de Agricultura, hasta 1964 en un estado

israelí cuyo primer ministro era Ben-Gurión. Más tarde, abandonaría el Partido Mapei y formaría el Partido Rafi, y de esta manera pasaría a la oposición. Durante el verano de 1967 se volvería a configurar el mapa de Oriente Medio, con lo que se denominaría La Guerra de los Seis Días, un conflicto que enfrentaría a Israel con una coalición árabe formada por la República Árabe Unida. En ese momento se convertirá en ministro de Defensa en un Gobierno de Unidad Nacional cuyo primer ministro era Levi Eshkol . Y precisamente desde ese puesto dirigiría la Guerra de los Seis Días (ver documental), afianzándose aún más como héroe nacional. #

En 1973, tuvo lugar lo que la historia ha denominado la Guerra del Yom Kippur. Fue llamada así debido a que se produjo el 6 de octubre a las 14.00 cuando el pueblo israelí celebraba el Yom Kippur, la conmemoración1 judía del Día de la Expiación y, en consecuencia, el día más sagrado y tranquilo del calendario judío. A pesar de que siempre se ha dicho que fue un ataque por sorpresa, Moshe Dayan en sus propias memorias 495. nos dice lo siguiente: "El ataque egipcio y sirio del Yom Kippur llegó por sorpresa, aunque no fue inesperado. El día del Yom Kippur no pilló a las Fuerzas de Defensa de Israel totalmente movilizadas y desplegadas en su máxima potencia, pero ello tampoco significa que no estuviesen preparadas para un asalto árabe. Yo, por ejemplo, ni por asomo imaginé nunca que los egipcios se resignaran a que nuestras tropas permanecieran atrincheradas a lo largo del Canal de Suez ni que los sirios se tragaran nuestra ocupación de los Altos de Golán". (Dayan, 1978 p.495)!

Finalmente, Moshe saldría malparado de la guerra del Yom Kippur en la medida en que se le consideró

Declaración Balfour Se trata de una carta firmada el 2 de noviembre de 1917, por sir Arthur James Balfour (secretario del Foreign Office), con dirección al barón de Rothschild, líder de la comunidad judía del Reino Unido, p a r a q u e s e r e m i t i e r a a l a Federación Sionista de Gran Bretaña e Irlanda. En contenido de ésta se veía con buenos ojos la creación de un hogar nacional judío en Palestina

14

el responsable de la casi derrota israelí a manos de las fuerzas sirias y egipcias. Entre las razones destaca el hecho de la negativa de Dayan a realizar una ataque preventivo. En consecuencia, tanto Dayan como la primera ministra Golda Meir quedaban excluidos del nuevo gobierno presidido por Isaac Rabin en 1974. Sin embargo, en 1977 volvería a ocupar una cartera ministerial, como ministro de Asuntos Exteriores en un Gobierno presidido por Menájem Beguin, actuando activamente desde este cargo en lo que sería el futuro Tratado de Camp David de 1979 que estableció la paz con Egipto. Años después, en 1981, fundaría el partido Telem. El 16 de octubre de ese mismo año, moriría a los 66 años de edad en Tel Aviv a causa de una angina de pecho. Ya desde el 24 de junio de 1979 su salud corría peligro después de que se le extrajera un tumor cancerígeno del intestino. De hecho durante la semana de octubre en la que finalmente fallecería, Dayan se encontraba hospitalizado tras sufrir un primer ataque cardíaco en la unidad de cuidados intensivos para enfermos del corazón del hospital militar Tel Hashomer de Tel-Aviv.#

!BIBLIOGRAFÍA#

• DAYAN, Moshe. Historia de mi vida. Ediciones Grijalbo. Barcelona, 1978.#

• TEVETH, Sabtai. Moshe Dayan: el soldado, el hombre, la leyenda. Ediciones Grijalbo. Barcelona, 1975.#

• DEL REY, Miguel, CANALES, Carlos. David y Goliat: El conflicto árabe-israelí. Edaf. Madrid-México, Buenos Aires, San Juan, Santiago, 2013.

15

EL CINE COMO HERRAMIENTA PROPAGANDÍSTICA Para autores como John Fiske, la cultura popular

siempre es política debido a que se produce bajo

condiciones de cierta subordinación social y está

implicada centralmente en el juego de poder dentro

de la

sociedad. Y es que las imágenes que muestran los

mass media son enormemente convincentes, ya

sean para la publicidad, o para la información. En el

caso del cine propagandístico éste cumple su

función influenciando sobre el espectador e

imbuyéndole en conocimientos, teorías o ideales.

Probablemente, el cine americano sea el mayor

experto en producir este tipo de filmes, con una

fuerte carga patriótica e idealista de su sociedad.

Así pues, producciones como El nacimiento de una

nación (1915) del director D. W. Griffith son el claro

ejemplo. En este caso, el film no es solo patriótico,

narrando los hechos más importantes de la

creación de los Estados Unidos tales como la

Guerra Civil o el asesinato de Lincoln, sino que se

trata también de un panfleto ideológico, con

propaganda racista, dado que en él se glorificó al

Ku kux Klan.

En 1918 aparecen también otros títulos del género como How Charlie captured the Kaiser, producida por Universal y protagonizada por Charlie Chaplin.

16

Su objetivo no era otro que el de crear un sentimiento patriota

en los estadounidenses contra el enemigo, colaborando con la

política del gobierno americano durante la duración de la

guerra. Del mismo año y productora es The Kaiser, beast of

Berlin, en el cual el Kaiser Guillermo aparece como un ser

despreciabl e y violento que sucum be al ejército americano. En

cuanto a dibujos animados, uno de los primeros en contener

carga propagandística fue el film The sinking of the Lusitania,

en el que se contaba el hundimiento del Lusitania, un barco

estadounidense que sufrió el ataque de un submarino alemán,

el cual lo hundió tras el lanzamiento de varios torpedos.

Tras la I Guerra Mundial, los dibujos de animación americanos

se alejaron de los acontecimientos mundiales, aunque con el

auge de los totalitarismos en la década de los 30 el cine no se

mostró ajeno a la realidad. Muestra de ello es por ejemplo

Disarmament Conference de 1931, protagonizada por Krazy

Kat, en el que Krazy intenta traer la paz entre los animales de

la jungla hasta la llegada de un violento grupo de avispas, que

estropean su plan. En Betty Boop for President se caricaturizó

la elección de Roosvelt, y en Scrappy’s party (1933), producida

por los estudios Columbia, en el que el objeto de mofa era ni

más ni menos que Mussolini, que compartía pantalla (aunque

animada) con otros célebres personajes como Ghandi, el rey

Jorge V, John D. Rockefeller e incluso Al Capone (a pesar de

que éste se encontraba en prisión).

Los totalitarismos también usaron la animación a su favor. El

nazismo contó con títulos como Kreise (1933) o Muratti Greift

Ein (1934). Entre 1933 y 1935 se dieron movimientos dentro

del país germano que intentaron luchar contra el creciente

nazismo, algunos de ellos utilizando la gran pantalla como

marco para reivindicar sus acciones. Es el caso, por ejemplo de

Lotte Reininger y Carl Koch y su obra Corazón robado, una

fábula a favor de la resistencia en la que un avaro malvado

roba la alegría de un pueblo, que era la música.

10

17

WALT DISNEY Y LA PROPAGANDA

La primera película propagandística que realizó

Walt Disney fue Four Methods of flush riveting,

un encargo que el mismo Walt propuso a unos

vecinos suyos propietarios de la fábrica de

aviones Lockheed Aircraft Corporation. Se

trataba de una cinta corta que tenía como

objetivo la instrucción de los empleados. Fue el

antecedente de todas esas películas del mismo

tipo que Disney produciría posteriormente.

Canadá fue el segundo gran cliente del

cineasta, cuando en 1939 le encargó la

producción de una película sobre el Rifle Anti-

Tanque Boys y de cuatro trailers cortos que

invitaran a comprar bonos de ahorro en

Canadá durante la guerra. Walt consideró que

la mejor manera de incentivar a la población

canadiense sería mediante el humor, y para

ello empleó algunos de sus personajes más

conocidos. Se trataba de presentaciones de

dos minutos y medio sobre la compra que los

canadienses debían hacer de bonos de ahorro

de manera despreocupada y humorística,

seguida de un minuto de propaganda más seria

con símbolos y eslóganes que mostraban como

el gobierno canadiense utilitzaría el dinero

recaudado para financiar los costes de la

guerra. Uno de esos cortometrajes era The

thrifty Pig, basada en la historia de los Tres

cerditos y con la inestimable aparición de la

canción Who’s afraid of the Big Bad Wolf?.

MICKEY MOUSE, ¿REVOLUCIONARIO

PROHIBIDO?

Es curioso el hecho de que las películas de Disney fueron también

vistas como propagandísticas, aunque esta visión dependía de la

zona. Por ejemplo, mientras que en Rusia Mickey Mouse nunca fue

prohibido, en Alemania fue un personaje juzgado y denigrado ya

desde 1931, siendo visto como un símbolo de decadencia. En 1937

Hitler intentó prohibirlo, aunque su alta popularidad impidió que se

llevara a cabo tal orden. En Yugoslavia se le consideró una figura

revolucionaria demasiado atractiva, por lo que sus filmes también

fueron prohibidos.

18

El Lobo surgía como metáfora de la Depresión, aunque en un

metraje dirigido a un Canadá en guerra el lobo se rediseñó con un

sombrero y un brazalete nazi. Siguiendo la historia, el lobo destruye

las dos primeras casas, pero es incapaz de terminar con la tercera

dado que ésta ha sido construida con bonos de ahorro de la guerra

canadienses representados como ladrillos. Una bandera

canadiense remata el cuadro patriótico de la casita del cerdito

ahorrador.

Otro de los trabajos que realizó Disney para Canadá estaba dedicado al Rifle Anti-Tanque Boys con

un cortometraje titulado Stop that Tank. Este cortometraje no sólo destaca por ser una de las pocas

películas propagandísticas en las que Disney finalmente decidió incluir toques de humor, sino que

además contiene la primera de varias caricaturas de Hitler que se hicieron en el estudio. Stop that

Tank fue proyectada únicamente para audiencias militares en la primavera de 1942.

Visto el éxito obtenido con estas campañas

propagandísticas, el gobierno

estadounidense no tardaría

demasiado en acudir a la

productora de animación, al que Disney recibió

con una calurosa bienvenida ya que los contratos

firmados le permitieron mantener en sus instalaciones a muchos

artistas y gente creativa en una época de verdaderas

dificultades económicas además de poder seguir trabajando

a todo ritmo para descubrir nuevas posibilidades […]

19

[…] en la animación más allá del entretenimiento que

auguraban un buen futuro para Walt Disney Productions, a

pesar de que más de una vez acontecimientos acaecidos

durante la Guerra hicieron temblar su empresa y su propio

prestigio.

Si se observa la producción comercial global de Disney

durante el periodo de la II Guerra Mundial y sus tiempos

inmediatamente anteriores y posteriores, el investigador se da

cuenta de que solo se produjeron cuatro películas íntegramente

propagandísticas en la guerra por voluntad propia del cineasta,

lo que demuestra su filosofía comercial: no realizar películas

para las salas de cine que caducaran después de proyectarse.

Actualmente este número de films propagandísticos se ha

reducido a cero, seguramente a causa de la globalización y de

un espíritu mucho más capitalista económicamente hablando

que no político como en épocas anteriores.

Por tanto, la mayor parte de los films que justifican este trabajo

eran fruto de encargos casi en su totalidad de forma íntegra:

hay pocas colaboraciones, sólo breves secciones animadas

que Disney produjo para la serie de Frank Capra Why we fight.

De estos encargos se deducen tres tipos de film: aquellos

destinados al entrenamiento, los dirigidos a promover cambios

de actitud y comportamiento vinculados a la moral social y

aquellos de contenido sanitario.

Los del primer grupo surgen en 1939, siendo los años en los

que Estados Unidos entró en la guerra, los de mayor auge para

este tipo de producción, sobretodo entre 1942-1943. La

producción destinada a persuadir el comportamiento tanto de la

población civil como de la militar, así como a incentivar las

políticas de buena vecindad con América del Sur es menor. Por

último, las películas referidas a la sanidad se dirigían al

continente latino, si bien había alguna para las tropas.

20

En cuanto a las empresas contratantes

sobresalen tres entidades: el ejército de los

Estados Unidos, el Coordinador de

Asuntos Interamericanos y un tercer grupo

integrado por diversas empresas privadas.

En cuanto al ejército, las secciones que

más encargos realizaron fueron la U.S

Army y la U.S Navy con gran diferencia.

Sus películas se destinaron al

entrenamiento y a la moral. El Coordinador

de Asuntos Iteramericanos realizó un total

de 17 encargos para responder a la política

de buena vecindad con América del Sur.

Los intereses de las empresas privadas

eran puramente publicitarios, aunque cabe

decir que estas compañías también

colaboraban con los intereses bélicos del

país. La principal contratante de los

estudios Disney fue la Internacional Cellu

Cotton Company, así como empresas

farmacéuticas y compañías de electricidad.

En general hay dos grupos diferentes de

temas en las películas encargadas a

Disney durante la guerra: los militares,

fundamentalmente dedicados al

entrenamiento de tropas y a las fábricas de

producción armamentística (aviación,

defensa, entrenamiento, marina,

metereología…); los relacionados con la

enfermedad, la higiene y la sanidad,

realizados como ya se ha mencionado

fundamentalmente para la oficina del

Coordinador de Asuntos Interamericanos,

aunque algunos también se destinaban a

la higiene y salud de los soldados.

Políticamente hablando, la mayoría de los

films propagandísticos de este tipo

producidos en los estudios Disney se

dedicaron a la denuncia de los fascismos y

del nazismo, con producciones

cinematográficas destinadas al público

americano en general, tanto el del norte

como el del sur. Esta producción para la

población civil se mantuvo firme a pesar

del declive que sufrió Disney durante los

años de la guerra

.

21

En 1940, el Coordinador de Asuntos

Interamericanos Nelson Rockefeller

instó a Disney para que realizara un

viaje por América Latina con la

intención de que éste realizara una

producción cuya tarea fundamental

debería ser la de crear fuertes lazos de

unión entre las naciones del Hemisferio

Oeste.

El punto principal de esta película era

unir a las dos Américas, por lo que

mostrar demasiadas diferencias podía

provocar el efecto contrario al que

pretendía el gobierno norteamericano

con sus políticas de buena vecindad. Si

se mostraba al Pato Donald pasándolo

de maravilla en el sur, como ocurre en

esta película, provocaría que muchos

norteamericanos quisieran visitar a sus

vecinos latinoamericanos.

TÍTULO Saludos amigos

AÑO 1942

DIRECTOR Norman Ferguson

PAÍS Estados Unidos

DURACIÓN 40 min.

GUIÓN H. Brightman, R. Wright, H. Reeves

SINOPSIS Mezcla de animación y realidad, presenta cuatro historias protagonizadas por el Pato Donald, Goofy y José Carioca, todas ellas ambientadas en Sudamérica y que van desde los Andes, hasta la Pampa Argentina o Río de Janeiro.

PREMIOS 1943: 3 nominaciones al Oscar: Mejor canción, BSO (musical), sonido.

22

Con esta frase, Walt Disney quiso resumir sus intenciones al respecto de este

film: hacer una película que gustara a ambas Américas para que al final se

gustaran más una a la otra. Dadas las circunstancias del contexto en el que se

produjeron una serie de cortos que hablaban sobre un país diferente cada uno,

Disney decidió empaquetarlos en un solo largometraje, con lo que se

conseguiría que al espectador no le quedara más remedio que ver la realidad

sobre los demás países del Hemisferio.

El aspecto controvertido de este film vino

de la mano de uno de aquellos artistas

encargados de llevar a cabo tal proyecto,

el dibujante Florencio Campos Molina. Este

se había molestado enormemente por una

secuencia de la película en la que un

cowboy norteamericano se convertí en un

gaucho argentino. Si bien para Disney era

una manera de ver las “grandes

semejanzas” existentes entre ambas

figuras ganaderas, Molina Campos aludió a

la integridad Argentina, respondiendo que

esta se veía dañada en la manera de

mostrar uno de sus aspectos culturales

más importantes que aparecía según el

artista de manera manipulada.

Como ya se ha mencionado, el film es en

realidad el paquete de cuatro

cortometrajes. El primero de ellos lleva por

título Lake Titicaca, aunque

originalmentese iba a llamar Donald Duck

in Bolivia. Como en la mayoría de sus

películas el Pato Donald se veía envuelto

en algún percance: esta vez, su “temible”

adversaria era una llama.

El segundo episodio se titula Pedro. Los

protagonistas son una familia de aviones

carteros que vuelan desde Santiago

pasando sobre los Andes hasta llegar a

Mendoza. Un día, el único que puede

hacer el recorrido es el pequeño Pedro,

que se ve inmerso en una terrible

tormenta.

Finalmente, el último fragmento es

Aquarela do Brasil, en el que vuelve a

aparecer Donald, esta vez acompañado

por un loro llamado José Carioca.

[

]

23

Pese a las intenciones de mostrar buenas

relaciones con América del Sur, el film provocó

celos entre aquellos “buenos vecinos”. Es el caso

de Venezuela, quien hizo llegar al Coordinador de

Asuntos Interamericanos sus quejas porque Disney

no había visitado la zona. Hay que tener en cuenta

la realidad sociopolítica y económica de los países

que Walt quiso retratar, con aspectos quizá

demasiado complicados de explicar por el Pato

Donald a aquellos posibles visitantes

norteamericanos.

24

TÍTULO: Der Fuehrer’s Face

AÑO 1942

DIRECTOR Jack Kinney

PAÍS Estados Unidos

DURACIÓN 8 min.

GUIÓN J. Grant, D. Huemer

PREMIOS 1942: Oscar mejor cortometraje de animación

’

( )

25

Walt Disney cosechó muchos éxitos

con este cortometraje protagonizado

por un Pato Donald reconvertido en

esclavo del régimen de Hitler. Así pues,

con la ironía y el sarcasmo de los que

hace gala toda la película, le han valido

el reconocimiento de ser una de las

piezas propagandísticas más

importantes de la Segunda Guerra

Mundial. El propósito propagandístico

es el de provocar el rechazo del

espectador en contra del régimen nazi,

reforzando el sentimiento patriótico

hacia los Estados Unidos. Es curioso,

por decirlo de algún modo, que en la

actualidad este film sea uno de los más

difíciles de encontrar de la Disney

Company, empresa que parece haber

querido borrar este film de su

filmografía.

La secuencia empieza con un desfile

de los oficiales del Eje cantando la

canción de Der Fuehrer’s Face, cuando

el Pato Donald se despierta en la

Alemania Nazi y se dispone a

desayunar, para después dirigirse a la

fábrica de proyectiles en la que trabaja

como ensamblador de cabezas de

bombas y balas.

En un momento le ofrecen un descanso

en unas “vacaciones” falsas, cuyo

objetivo es una visita ficticia a las

montañas alemanas. De vuelta al

trabajo, el ritmo de la producción

aumenta, i la presión también, por lo

que Donald termina trastornado hasta

el punto de sufrir alucinaciones.

Donald, de repente, despierta de su

pesadilla. En realidad está en su casa,

en Estados Unidos. En la última escena

del corto, aparece la cara de Hitler y

Donald le propina un tomatazo.

’

26

Así pues, en un solo cortometraje de 8

minutos Disney consiguió reunir muchos

de los temas relacionados con el

nazismo: el régimen, la producción

industrial bélica alemana, el patriotismo

nazi, Alemania (en el film llamada

Nutziland) y el propio Hitler, para

terminar con altas dosis de patriotismo

americano. Donald termina

representando al ciudadano americano,

libre, en un país democrático. El

espectador, pues, debe sentirse también

orgulloso de su condición de americano

(en caso que lo sea, claro). La crítica

satírica hacia el régimen nazi, a su vez,

pretende alejar al espectador de todo

aquello relacionado con el totalitarismo

alemán y de su ideal tirano, esclavista y

con fuertes cargas de pérdida de

individualidad.

Disney juega con el imaginario nazi: los

relojes que despiertan a Donald en

Nutziland no tienen números, sino

esvásticas; el cuco que aparece es en

realidad una caricatura de Hitler que

grita Heil Hitler, al igual que el gallo que

saluda con el brazo levantado. Donald

saluda también a los tres líderes del Eje:

Hitler, Mussolini e Hirohito. Su

vestimenta también es la de soldado

nazi. En una crítica a las políticas de

restricción de Alemania, Donald oculta la

comida en una caja fuerte, donde

almacena un grano de café, un frasco

con aroma de bacon y un trozo de pan

(muy) duro. Tras desayunar, su siguiente

tarea es leer Mein Kampf hasta la hora

del trabajo. Una de las secuencias de la

fábrica es un digno homenaje a Chaplin

en Tiempos Modernos, concretamente

cuando Donald se sitúa en su puesto de

trabajo en la cinta de ensamblaje

teniendo que realizar sus acciones muy

rápido para seguir el ritmo de sus

compañeros. Además, en ocasiones

aparece el retrato de Hitler, al que debe

saludar. Por si la situación no fuera ya

suficientemente estresante, un narrador

omnisciente con acento alemán le irá

dando órdenes durante toda la

secuencia.

En cuanto a la charanga que va

apareciendo durante toda la película,

está conformada por soldados nazis,

Hirohito y Mussolini, que aparecen como

bufones al servicio de Hitler. Por si el

mensaje no hubiera quedado

suficientemente claro, al despertar

Donald de su pesadilla se horroriza al

ver un brazo levantado… hasta que

descubre que se trata de una Estatua de

la Libertad.

’

27

DESMUNTANT LEONARDO El documental se centra en la figura del que fue el mayor genio del Renacimiento, dominando un gran número de disciplinas y convertiendose en uno de los mayores anatomistas, arquitectos artistas, botánicos, científicos, escritores, escultores, filósofos, ingenieros, inventores, músicos, poetas y urbanistas de la época. ¿Pero podemos afirmar que sabemos quién era en realidad? El documental cuestiona la biografía oficial y dada por válida del que fue el gran genio del Renacimiento. En Desmuntant Leonardo se da una nueva reinterpretación de la vida del artista, desde sus orígenes hasta plantear la íntima relación que podría tener el artista con la Corona de Aragón y, por tanto, con Cataluña. Evidencias que son tratadas entre otras cuestiones por el hecho de que un florentino estuviera tan cerca de las princesas de la Corte de Nápoles, o por el hecho de que el escudo de armas de

los Da Vinci guardara una gran similitud con el de la casa real catalana. Incluso se plantea que el genio hubiera estado en Cataluña y en concreto en en las mágicas montañas de Montserrat, dónde podría haber pintado la mayor de sus obras, como la misteriosa Gioconada o Mona Lisa. Desde Genius Saeculi os aconsejamos el documental, para ver como la historia puede ser reinterpretada o no si existen indicios y una investigación adecuada tras estos, así como el poder que puede tener la historia en algunos casos como arma política.

¿La Gioconda catalana?

Es en el cuadro de La Gioconda (1503-1519) donde

según el documental podría observarse no solo el perfil

de las montañas de Montserrat, sino lo que parece ser

el puente de la aledaña población de Monistrol.

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Vikings: l’exposició al mmb

CONÈIXER LA HISTORIA SOVINT AJUDA A TRENCAR TÒPICS I A

COMPRENDRE MILLOR D’ALLÀ ON VENIM. I VIKINGS ÉS UNA MOSTRA CLARA

D’AQUESTA IDEA

A l’espai dedicat a l’exposició temporal sobre

els Víkings al Museu Marítim de Barcelona

que constitueix un espai idoni per a

l’ambientació, el visitant a través de restes

arqueològiques acompanyades de lamines

explicatives pot recrear gran part de la vida

quotidiana trencant amb els tòpics que ens

han arribat sobre la cultura vikinga.

La vida econòmica, l’avituallament, la

navegació tant la pirateria com el comerç, la

cosmovisió vikinga que avarca la mort i

l’origen del món, són alguns dels elements

que el visitant podrà observar en el transcurs

de l’exposició a partir d’explicacions escrites,

audiovisuals i jocs que aporten un caràcter

lúdic a l’espai permetent que sigui obert a tots

els ciutadans i a totes les generacions.

Estem segurs que després de visitar VIKINGS sereu capaços de detectar moltes

imprecisions històriques a moltes imatges sobre els víkings com la idea d’un món

eminentment masculí i bàrbar o les banyes dels cascos víkings. També estem segurs

que podreu observar l’influencia d’aquesta cultura a la cultura occidental actual, molt

evident als dies de la setmana, us donem un exemple extret de l’exposició, el

diumenge (SUNDAY) era el dia del sol.

Però no us desvetllem res més! Esperem que visiteu VIKINGS una mostra de com

cultura i oci poden estar unides des del rigor i com són una forma de conèixer millor tot

allò que ens envolta!

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Tot l’equip de Genius Saeculi et vol agrair que t’hagis descarregat la revista i

li hagis donat un cop d’ull. És el nostre primer número, i estem segurs que

conté molts errors, però pensa que no som professionals i que ho hem fet el

millor que hem pogut. No dubtis en enviar-nos els teus comentaris.

I mentre tanquem aquest número, de fons sona Born to run del Boss, com

una premonició del que volem fer… seguir endavant amb totes les nostres

forces!

T’ESPEREM AL PROPER NÚMERO!