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Allá por 2007 Frank Darabont llevaba al cine La Niebla, la impresionante adaptación de la historia de Stephen King protagonizada por Thomas Jane cuyo final todavía sigue presente en la memoria colectiva de los aficionados al cine de terror. Ahora SPIKE ha decidido adaptar la historia de King a la pequeña pantalla y ha ordenado una miniserie de diez episodios que cuenta la historia de un pequeño pueblo de Maine, en el que, tras una violenta tormenta que estalla tan repentinamente como acaba, aparece una espesa niebla. Esta niebla va atrapando a la gente en sus hogares, bares, supermercados... y mata a todo aquel que se adentra en ella. La idea es que el rodaje de la miniserie comience en verano con la idea de estrenarse el próximo año.

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Mel Gibson ya tiene entre manos

su segundo proyecto en televisión como director con The Barbary Coast,

la serie basada en la novela homónima de Herbert Asbury. Según informa Deadline, el proyecto estará dirigido y co-escrito

por el propio Gibson y protagonizado por Kate Hudson (Casi famosos) y Kurt Russell (Los odiosos ocho), además de ser

productores del mismo junto a Gibson, Bruce Davey (Braveheart), Wyatt Russell (Cowboys & Aliens) y Rick Nicita (Detrás de las

paredes). The Barbary Coast comienza con la fiebre del oro en 1849, donde se

registró la mayor afluencia de buscadores de oro, ladrones, prostitutas y políticos, entre otros. Por lo tanto, la Barbary Coast fue el único distrito pena que durante casi setenta años fue el escenario de la

mayor depravación.

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Un clásico del cine de terror como Nosferatu nunca podrá caer en el olvido, y es por eso que contará con un 'remake' cinematográfico bajo la dirección de David Lee Fisher. Ahora ya hemos conocido quién será el actor que interprete al famoso vampiro: Doug Jones. La nueva versión de la cinta muda de 1922 confía así en este actor que ha destacado por traer personajes exóticos y alejados de la realidad en películas como Los 4 Fantásticos y Silver Surfer, El laberinto del fauno y Hellboy. Nosferatu no tiene por el momento ni fecha de lanzamiento ni de producción. Se sabe que Fisher tiene la intención de dirigir una cinta diferente combinando piezas de la película original con nuevo material. feliz?

Del 3 al 10 de Septiembre del 2016 se llevará a cabo en distintos puntos de la ciudad de Córdoba, el II Festival de Cine Social “Invicines” (el cine de los invisibles). Del 1° de marzo al 30 de mayo está abierta la convocatoria para que miembros de talleres audiovisuales de instituciones escolares, establecimientos de educación no formal y/o alternativa (CAJ, hospitales, dispensarios, cárceles, hogares de día, organizaciones sociales etc.) envíen sus cortometrajes. Las bases para participar están en nuestro blog invicines.blogspot.com.ar y en nuestra fan page Invicines. Durante el festival, además de la proyección de los cortometrajes enviados a convocatoria, realizaremos experiencias de producciones colectivas express, talleres de capacitación, charlas con referentes del audiovisual, la cultura y /o de la sociedad civil y actividades en contexto de encierro. Todas las actividades son libres, gratuitas, no competitivas y con entrega de certificados. feliz?

Sigue a Steve Rogers liderando al nuevo equipo de Vengadores en sus continuos esfuerzos para mantener a salvo a la humanidad. Pero después de los daños colaterales de otro incidente en el que el grupo de superhéroes está involucrado, la presión política instala un sistema de responsabilidad encabezado por el Gobierno para supervisar y dirigir al equipo con el famoso tratado de Sokovia. El nuevo ‘status quo’ provoca la ruptura de los Vengadores y da como resultado dos bandos -uno liderado por Steve Rogers y su deseo de que los superhéroes sigan siendo libres para defender a la humanidad sin la intromisión del Gobierno y otro liderado por Tony Stark que decide apoyar la decisión de la clase dirigente.

Una leyenda china cuenta que un hilo rojo invisible conecta a aquellos que están destinados a encontrarse, sin importar tiempo, lugar o circunstancias. El hilo se puede estirar o contraer, pero nunca romper. Manuel (30) y Abril (22) parecen estar ligados por ese destino infalible. Luego de conocerse en un avión quedan flechados instantáneamente, sienten que son el uno para el otro. Pero el destino hace que se separen y no vuelvan a encontrarse hasta varios años después. Ahora el tiempo ha pasado y ambos han formado sus familias y están felizmente casados con Laura (Guillermina Valdés) y con Bruno (Hugo Silva). Pero el deseo, el amor y el destino los vuelve a atrapar en sus redes para que vivan otro encuentro inolvidable, poniendo en crisis sus valores y creencias sobre el amor y donde surgen preguntas de respuestas difíciles. ¿Se puede amar a más de una persona a la vez? ¿Estar destinado con alguien es siempre algo bueno? ¿Cuándo hay amor entre dos personas el final siempre es feliz?

Los Angry Birds vuelan a la pantalla grande para una divertidísima comedia en 3D. Con las voces de Jason Sudeikis como Red, el pájaro con serios problemas de temperamento. Josh Gad, en su primer rol dentro de la animación, le dará la voz a veloz Chuck; y Peter Dinklage será el legendario Mighty Eagle.

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Nia Vardalos quien regresa junto con todo el elenco original en esta divertida secuela en donde se revelará un gran secreto de la familia Portokalos. Ellos están listos para organizar, nuevamente ¡una gran boda griega!

Desde la oscuridad del mundo, fue adorado como un dios. Apocalipsis, el primer y más poderoso mutante del universo X- Men de Marvel, acumulando muchos poderes de otros mutantes, se convirtió en inmortal e invencible. Al despertar luego de miles de años, se desilusiona con el mundo que encuentra y recluta a un grupo de mutantes poderosos entre ellos un Magneto descorazonado (Michael Fassbender), con el fin de limpiar la humanidad y establecer un nuevo orden mundial, sobre el cual reinará. A medida que el destino de la tierra está en juego, Raven (Jennifer Lawrence) con la ayuda del Profesor X (James McAvoy) tienen que llevar a un equipo de jóvenes X- Men para detener a su peor enemigo y salvar la humanidad de su destrucción total.

El director James Bobin aporta su visión única al espectacular mundo que Tim Burton creó en 2010 con ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS, en donde Alice (Wasikowska) regresa al extravagante mundo de Infratierra y viaja atrás en el tiempo para salvar al Sombrerero Loco. El film es una vez más protagonizado por Johnny Depp, Anne Hathaway, Helena Bonham Carter, e introduce nuevos personajes, tales como: Zanik Hightopp (Rhys Ifans), el padre del Sombrerero Loco, y Tiempo (Sacha Baron Cohen), una peculiar criatura, mitad humana y mitad reloj.

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Ahora que Mac (Rogen) y Kelly Radner (Byrne) esperan un nuevo bebé, están listos para hacer cambiar y así llegar a la madurez y a su meta: los suburbios. Pero justo cuando pensaban que habían reclamado su territorio y era seguro para poner en venta, se enteran de que los nuevos ocupantes de al lado son una hermandad de mujeres aún más fuera de control que Teddy (Efron) y sus hermanos. Cansadas del sexismo escolar, del sistema restrictivo, las chicas no ortodoxas de Kappa Un han decidido abrir una casa en donde ellas podrás hacer lo que se les antoje. Cuando Shelby (Moretz) y sus hermanas, Beth (Kiersey Clemons) y Nora (Beanie Feldstein), encuentra el lugar perfecto justo fuera de la escuela, no van a dejar que el hecho de que está situado en una calle tranquila, las deje sin hacer fiestas épicas como las organizadas por los hombres.

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El primero que cabe resaltar es

su papel en

(1993) Dirigida

por Lasse Hallstrom y protagonizada por Johnny Deep; aquí encarna a Arnie Grape un adolescente con retraso mental a quien no le daban ni 10 años de vida, sin dudas ofrece una interpretación absolutamente conmovedora que le valió la primera nominación al Oscar como actor secundario. (2004) De Martin Scorsese. En ésta oportunidad

lo vemos en la piel del excéntrico magnate del Hollywood dorado y pionero de la aviación Howard Hughes, captando su compleja personalidad con un abanico de matices, su trastorno obsesivo compulsivo, su constante frustración, su capacidad autodestructiva hacen de éste un personaje difícil de estimar pero que pese a las opiniones de muchos críticos le valiera a DiCaprio su segunda nominación al Oscar y el primer Globo de Oro.

(1997) De James

Cameron. Éste hundimiento le permitió emerger como estrella y alcanzar la popularidad encarnando al inolvidable Jack Dawson, aquí no ocultó su histrionismo detrás de su rostro perfecto y perfil de héroe, cautivó a fuerza de carisma y sin discriminar edad o sexo todos nos aferramos a un personaje que pasó a la historia.

(2008) De Sam

Mendes en la que repite protagónico con una potente Kate Winslet, aunque en el caso de “Solo un sueño” como se la conoció en Hispanoamérica lejos está el idílico romance, aquí Leonardo es Frank un hombre común inmerso en un matrimonio en el que ninguno es feliz, y ambos se enfrentan a un difícil dilema: o luchar por los sueños e ideales que siempre han perseguido o conformarse con su gris y mediocre vida cotidiana. En éste rol de hombre derrotado DiCaprio pareciera dejar al actor a un lado y convertirse en una persona con la que cualquiera puede identificarse.

(2011) De Clint

Eastwood. Pese a que la película pudo haber sido mejor, y el maquillaje más cuidado, la interpretación de J. Edgar Hoover, quien fue nombrado director general del FBI para que reorganizara la institución en 1924, es explosiva y veraz al punto de traspasar los kilos de látex que pusieron sobre su rostro para denotar el paso del tiempo y un guión que se mantiene respetuoso ante temas escandalosos.

(2006) También

conocida como “Los Infiltrados” otra cinta de Martin Scorsese en la que demuestra su genialidad y DiCaprio se pone al nivel de su director llevando al límite su potencial al interpretar a Billy un personaje complejo con en el que se mimetiza y captura el espíritu de éste ser angustiado, rabioso y profundo en el marco de un nuevo clásico del cine criminal americano. (2012)

Un film de Quentin Tarantino. En ésta desmedida, grosera, escandalosa y exagerada película de un Tarantino inspirado, Leonardo nos muestra, desde un personaje secundario, una faceta diferente: Puede ser vil, desagradable, retorcido y darle nuevos aires a un estereotipo de los villanos del género spaghetti-western brillando en cada plano y logrando, junto a Jamie Foxx y Christoph Waltz, que te deleites con culpa frente a un discurso incómodo.

(2015) De Alejandro González Iñárritu. Simple y literalmente

Leonardo DiCaprio con ésta película debía levantar su brazo muy en alto con todos los premios de la industria cinematográfica. Su entrega es fascinante,

deja cuerpo y alma al servicio de una película fuerte, desgarradora, dolorosa pero con una espiritualidad que se abre paso en la mirada y los gestos de éste

actor de método, que expresa sin palabras, que te abduce al punto que sientas su sufrimiento. Magnífico trabajo que logra finalmente el

reconocimiento negado durante mucho tiempo. Algunos títulos seguramente han quedado fuera y otros llegarán subrayando el talento de ésta estrella de Hollywood que supo elegir su camino y construyó una sólida carrera que solo él será capaz de ponerle un techo. Leonardo DiCaprio ha conseguido posicionarse como un grande por ocuparse de ser mejor en cada desafío.

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La idea de la película es una combinación de intereses y temas, porque nosotros habíamos hecho Abzurdah con Ale Montiel, que es uno de los guionistas y seguimos trabajando. Cuando terminamos Abzurdah, decíamos que pasaba si uno hacia una película drama/romántica, hacer un género clásico y siempre citábamos películas al estilo de “Los puentes de Madison”, “Martes, después de navidad”. Hablábamos de los dilemas de pareja después de los 30, trabajarlo adentro de un marco de género en el conflicto del drama. Veníamos por un lado, y en la productora apareció un guion que trabajaba la leyenda china. La leyenda china parece como una sentencia amorosa de almas predestinadas a encontrarse, y eso que parece puede ser algo mágico y positivo acá se transforma en una maldición. Estar ligado a alguien, mas allá de que tu vida y los acontecimientos cambien puede tener un lado negativo. Con todos esos intereses y lo que veníamos escribiendo lo llevamos a la leyenda china y lo recondujimos para una película de género clásica.

Escribirlo nos llevó 9 meses, casi un año pero fue la síntesis de dos proyectos conjuntos. Por un lado, la idea de la leyenda china venia de otro guion y fueron las fusiones de dos ideas narrativas.

La china era la actriz perfecta para el papel de Abril, y hubo una idea desde la productora de seguir trabajando en equipo. Cuando venís de un proyecto dondeel equipo funciona es mucho más fácil consolidar y hacerlo, de hecho por ejemplo la directora de fotografía es la misma, el montajista también. Además ganas mucho tiempo de dialogo, y de cómo funciona cada uno. En parte fue seguir trabajando con el mismo equipo. En el caso de Benjamín, el había visto Abzurdah y le encanto, fue super elogiosa su devolución de la película. Nos encontramos para hablar de la película ya hecha y pensamos porque no, estaba la idea de hacer algo en conjunto. Por otro lado, era difícil elegir a alguien que sea el contrapunto de personalidad, de fuerza en la pantalla para la mujer de Benjamín, que lo hace Guillermina Valdez. La fuimos a ver al teatro y nos parecía una apuesta de alguien que no tenes identificado al cine. La idea era no solo esperar su calidad de actriz, sino también renovar y ver una cara nueva. Es un personaje que le hace de contrapunto a la china. Por último, Hugo Silva es un actor español genial y que a mí me gustaba mucho; trabaja con Alex de la iglesia y Almodóvar. Yo quería que fuera el, además el personaje tiene que ser extranjero porque es la historia de una azafata que conoce a su marido viajando. Se armó un elenco muy sólido y muy atractivo.

El rodaje es siempre intenso trabajes 3 o 13 semanas, nosotros filmamos durante 7 semanas. Pero fue intenso porque tuvimos mucho traslado. La película tiene una parte en Buenos Aires, una parte en Colombia, otra entre Chile y Mendoza, y otra parte es un aeropuerto reconstruido en set que es el aeropuerto de Barajas. Tuvimos mucho traslado de equipo técnico y equipo humano, de actores; a la intensidad de un rodaje de 14 horas. Creo que todas las películas son intensas, el plus en este caso es tener que viajar para filmar.

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Es una película atractiva para pensar que pasa cuando tuviste una historia de amor en el pasado, pensás que la superaste, rearmaste tu vida y años después te encontrás con esa persona que creíste no te importaba mas ahora en una situación totalmente atractiva; pensás que no es más que ese encuentro amigable y resulta que podes poner en crisis tu vida familiar, tu vida cotidiana por ese reencuentro. La película quiere mover esa sensación de ¿Es posible cambiar de vida cuando te encontrás con algo que te movilizo mucho o no? Ese hilo rojo, esa historia de amor pendiente ¿va a modificar tu vida y todo lo bueno que tenes por esa irrupción? ¿Pones en práctica tu fantasía o dejas que tu vida siga como siempre? Me gustaría que la película haga todas a esas preguntas.

Estoy muy contenta con la película, me parece que narrativamente es atractiva y funciona. El relato funciona, después es lo que le pase al espectador y el grado de afinidad. Los actores están increíbles, vuelven todo muy cercano. Asique espero que la película guste.

Si, son todos actores muy buenos. Incluso Guillermina, que venía haciendo teatro tiene algo que es muy distintivo y diferente a la hora de actuar. Encontré química, también lo interesante son los vínculos y relaciones que hay entre ellos. Es importante en la película que ellos tengan química, que eso se vea en la pantalla y funciona muy bien. Esta es una película donde tenes que creerte que ellos se miran y se están enamorando, o cuando se dicen chau tenes que sentir el dolor milímetro a milímetro.

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Jonathan Pine es un ex soldado que combatió en Irak y ahora vive apartado de todo —incluso de sí mismo— como gerente nocturno de un hotel. Autoexiliado, Pine es una criatura de la noche, que evade sistemáticamente todo contacto emocional. Sin embargo, la conciencia de Pine lo regresa al mundo real cuando, al dar a conocer cierta información confidencial que le es entregada por una huésped del hotel, se desencadena una serie de eventos que desembocan en una tragedia. Así, lo que inicia como un acto de expiación se convierte en un intento de recuperar su propia alma, cuando Pine penetra el círculo íntimo de Richard Roper, sorteando las oscuras amenazas de un mundo aterrador.

Desde una anquilosada oficina en la calle Victoria de Londres, Burr encabeza una pequeña oficina dentro de la agencia gubernamental británica, su misión principal será la de emprender una cruzada para destruir a Richard Roper y su organización criminal, quienes representan para Burr toda la maldad inherente al tráfico de armas. Cuando conoce a Pine, ella encuentra una conciencia afín, aunque al enviarlo a librar una mortífera batalla su integridad se verá amenazada, ya que descubrirá que, más cerca de lo que se imagina, existen enemigos decididos a impedir su objetivo.

El mayor Lance Corkoran, “Corky”, es el secuaz más cercano de Roper, su mano derecha en todo tipo de turbios asuntos. La locuacidad y sarcástico ingenio de Corky le ha acarreado no pocos problemas, pero es ferozmente leal a su jefe, y por extensión a Jed. Su acendrado cinismo le proporciona una desconfianza a toda prueba; no cree ni una palabra de la historia contada por Pine, y por esto mismo no cejará en sus intentos por desenmascararlo, ya sea mediante siniestros interrogatorios… o cualquier otro medio a su alcance.

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Richard Roper nació en “cuna de plata”, recibió la mejor educación privada, y posee encanto y carisma. Pero detrás de la máscara pública de un multimillonario empresario, destacado inversionista, filántropo y hombre de mundo se esconde un verdadero Mefistófeles. Este despiadado criminal ha erigido un poderoso imperio traficando con miles de vidas humanas, vendiendo arsenales de armamento ilegal al mejor postor y corrompiendo a quien se cruce en su camino. Cuando Pine salva a su hijo –su única debilidad es el amor que siente por ese niño– Roper le abre las puertas de su familia, y esta acción probablemente traerá su propia perdición.

Jed Marshall es una perpetua fugitiva de la vida, y por el momento su refugio más seguro es dentro de la corte de Richard Roper. Su afecto por el corrupto magnate resulta ser un poderoso anestésico ante la sordidez que la rodea, pero cuando Pine entra en su mundo de cristal, éste empieza a diluirse, y la joven empieza a percatarse de los horrores cotidianos y sabe que no podrá evadirlo por mucho más tiempo.

El mayor Lance Corkoran, “Corky”, es el secuaz más cercano de Roper, su mano derecha en todo tipo de turbios asuntos. La locuacidad y sarcástico ingenio de Corky le ha acarreado no pocos problemas, pero es ferozmente leal a su jefe, y por extensión a Jed. Su acendrado cinismo le proporciona una desconfianza a toda prueba; no cree ni una palabra de la historia contada por Pine, y por esto mismo no cejará en sus intentos por desenmascararlo, ya sea mediante siniestros interrogatorios… o cualquier otro medio a su alcance.

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Un poco apresurado, pero muy fluido. He tenido que realizar todo el trabajo en apenas 2 meses y medio. Ink Factory y BBC tenían ya un corte cerrado de los episodios, y he trabajado episodio a episodio, bajo la supervisión de Susanne Bier, la directora. Pensa que mi estudio está en Madrid, y he tenido que realizar grabaciones de cada episodio en Londres. Fue muy duro, pero muy divertido.

The Night Manager es una serie muy especial. No todos los días se encuentra uno con un guión supervisado por el mismísimo John Le Carré, autor de la novela original, que incorpora un casting tan potente, y que está dirigida por una directora ganadora del Oscar de la Academia. Mi visión era ofrecer una banda sonora que estuviese a la altura del resto de los departamentos de la serie. Mucha pasión, mucha música, con orquestaciones potentes y texturas arriesgadas.

Es una mezcla de neo-classical y electrónica. Una gran sección de cuerda/metal con percusiones sinfónicas aderezada de texturas y ambientes electrónicos. Un gran tema central muy clásico y romántico que suena en multitud de versiones distintas, adecuadas a las situaciones que el argumento presenta en los distintos episodios. Todo ello grabado con los mejores medios y los mejores profesionales.

Por una parte es el mundo del lujo, los yates, grandes hoteles y villas, gente guapa con personalidad, y por otro lado, gente muy sencilla que tiene que hacer frente a situaciones poco convencionales. Riesgo, misterio, acción y romanticismo. Una trama en la que nada es lo que parece ¿Qué más se puede pedir?

Lo hace de distintas formas. Más que definir a los personajes, define o apoya determinados aspectos de su personalidad, o describiendo su estado emocional, sea el que sea. Un mismo personaje puede sentirse de una determinada manera en diferentes situaciones, y ahí es donde entro yo. Realzando sus diferentes estados emocionales. Con mucha prudencia, usando las notas justas.

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Como te mencione, trabaje directamente con la versión cerrada de los episodios, con el corte final. Lo prefiero así. Me resulta muy dificultoso leer guiones, no me hago a la idea. Prefiero las imágenes, el movimiento, las caras, los ojos.

Básicamente, me acordaba de la oración de Alan Sheppard (astronauta del proyecto Apollo) el día del lanzamiento de su cápsula: “oh, Señor, no dejes que la cague”. Con eso te lo digo todo. He corrido un gran riesgo, pero creo que he salido airoso. Me gusta cómo suena.

Muy positivo, y muy didáctico. He aprendido muchas cosas realizando el trabajo: cómo ser conciso, prudente -musicalmente hablando-, y no dar demasiadas pistas acerca de los personajes. Gracias a la ayuda de Susanne, he aprendido cómo ocultar determinadas cosas que no deben aflorar antes de tiempo. Muy interesante.

Absolutamente mágico. Susanne es una directora dotada de una sensibilidad excepcional. Los personajes -a mi modo de ver- son “reales”, de carne y hueso, con sus virtudes y con sus defectos. Además, la directora ha tenido la amabilidad de “guiarme” por los vericuetos y rincones

de la trama, que es, como todo lo de John Le Carré, bastante complicado.

“Buried” es una grandísima obra de arte. Punto. El trabajo que realizó Rodrigo Cortés me parece de un tamaño intelectual absolutamente fuera de lo común, y es una banda sonora de la que me siento especialmente orgulloso. Tuve la oportunidad de trabajar con Rodrigo la banda sonora de una manera muy directa y especial: la matización de cada pieza, cada compás, cada beat. Todo está muy, pero que muy trabajado y tiene una función determinada. “Buried” es una película que habla por sí sola.

Bueno, visto “desde aquí” me parece que todo tiene su sentido. Uno empieza por no tener ni idea de nada y, poco a poco, vas aprendiendo. Creo que escribir música para cine y TV es un proceso de ensayo y error. Haces algo, y cuando ves que te has equivocado y no funciona, haces otra. Así, ad infinitum, hasta que -de repente- pasa algo que hace que funcione. Pura transpiración, la inspiración no existe. Antes de cerrar la nota déjame enviar un saludo muy cordial para todos los lectores de Revista 16:9.

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ENTREVISTA

INFORME ESPECIAL

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El guión era un secreto muy bien guardado y tuve que viajar desde Nueva Zelanda, que es en donde vivo, hasta los estudios de Hollywood para poder leerlo. Esta fue mi primera incursión en el universo X-Men así que había mucho que aprender acerca de los personajes, sus poderes mutantes, historias y contextos. Es un mundo rico de imágenes y de imaginación con un montón de fans en todo el mundo así que había una gran responsabilidad para conseguir el mejor resultado del proyecto.

'X-Men Apocalipsis' es una parte de la serie de historias de los X Men, que lleva de una a otra por lo que la anterior película 'Días del futuro pasado' tenía una relación directa con lo que tuvimos que hacer nosotros. Fui muy afortunado de seguir el trabajo del diseñador de producción John Myhre, que había establecido el mundo de los X-Men e hice mi mejor esfuerzo para hacer de esto una transición sin problemas.

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Conocí a Bryan Singer, cuando comenzó la preparación, me dio su esbozo de la historia y el enfoque que quería que yo tomara, fue muy importante pasar tiempo con él para ver cómo pensaba y trabajaba. Del mismo modo cumplieron con su trabajo los Productores de enorme experiencia y John Dykstra nuestro productor de efectos visuales, una leyenda en su propio derecho, todos tenían ideas para hacer que esto suceda como una gigantesca producción. Hicimos la película en Montreal, Canadá y pasamos alrededor de 6 meses produciendo todo el arte de la película, la búsqueda de localizaciones y en general tratando de pensar en buenas ideas para la nueva entrega. Esta parte del mundo tiene graves problemas meteorológicos de 33 grados bajo cero algunos días- por lo que gran parte de la búsqueda de localizaciones no podía suceder hasta que se derrita el hielo en primavera. Es un hermoso e histórico lugar, el espacio que elegimos es una pintoresca casa de campo, construida en 1721.

Fui muy afortunado de tener a Michele Laliberte como director de supervisión artística. Ella y su equipo también habían trabajado en 'Días del Futuro Pasado' por lo que entraron en el proyecto con gran experiencia. Ellos no me conocían, pero fue muy abierta acerca de aceptarme en su equipo. Todos hablaron amablemente Inglés en mi presencia (Montreal es una ciudad de habla francesa) y todos contribuyeron en gran cantidad en el proceso de diseño de forma creativa, con gran energía. Mi Decoradora Anne Kuljian y yo habíamos trabajado juntos en 'The Green Lantern', así que estaba muy emocionado que iba a trabajar conmigo de nuevo en este gran proyecto.

Somos de la misma edad y ambos recordamos los años 1980's- en países diferentes: con sus estilos específicos; alta tecnología, negro y cromo, el punk, etc, así que tuvimos un gran tiempo para reunir las piezas de los distintos conjuntos. Tom Sigel es el director de fotografía, acabábamos de terminar otra película juntos. Él es un tipo muy fresco con un montón de experiencia y un gran aliado para tener en la película. Creo que ha filmado casi todas las películas de X-Men, por lo que tiene un gran conocimiento del paisaje que presenta esta película.

Este es un gran paso hacia adelante desde la película anterior, la escala es enorme, las apuestas son más altas para los personajes, la estructura física del mundo se lleva a cabo en el equilibrio y esta batalla de la fuerza de voluntad y el poder mutante puede ir en cualquier dirección. Los jóvenes mutantes van a llegar a descubrir y expresar sus potenciales en el mundo.

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A medida que el tiempo fue pasando desde Días del futuro pasado y la década de 1980, cuando nuestra película se desarrolla cada uno de los personajes se habían retirado a su propio rincón del mundo, esto tuvo que realizarse así como los nuevos mutantes que aparecen en esta historia. Los ambientes para cada uno necesitan ser conceptualizado y luego se encontraron lugares alrededor de Montreal o se construyeron los sets para que sean los escenarios, la Mansión X es la misma, por supuesto, hay nuevas piezas de esta casa en expansión que hemos hecho para el público. Se realizaron y diseñaron aviones, armas, la silla de ruedas y Cerebro, todo se actualizo a la nueva era de 1980. Los puntos culminantes de la historia de Egipto y esta parte de la producción fue lo más difícil de llevar a cabo. Hicimos un gran trabajo de investigación para construir las escenas de la calle y acumulamos grandes cantidades coches, por suerte, fueron capaces de hacerse cargo de una fábrica abandonada que estaba parcialmente demolida con el fin de crear la apariencia adecuada para la historia.

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Como te mencionaba hay una progresión directa de DDFP, esa entrega establecida a principios de 1970, y Apocalipsis establecida a principios de 1980, la Mansión X se ha convertido en una escuela totalmente funcional y el lugar está en movimiento. He construido una biblioteca escolar y otras habitaciones, así como las áreas subterráneas. Bryan siempre estaba buscando la continuidad de las películas anteriores y quería que yo haga referencias directas en los estilos y lugares establecidos en el léxico X-Men. Otros establecimientos secretos del gobierno tuvieron que conformarse con el mismo pensamiento, pero por suerte había un montón de nuevos escenarios para que vean que esta película no es un refrito de los entornos anteriores.

El mundo de X-Men es tan vívido que no es difícil para componer ambientes caracterizados por los principales héroes y villanos. Por lo general es más fácil de llevar a la vida villanos, por su estilo y las historias son más pronunciadas, pero con los X-Men todas las personas en la historia tienen dones mutantes, historias pasadas extrañas, trajes frescos.

Los cómics nos dan una buena idea sobre estas personas, reflejan su vida y su carácter.

Corrí a comprar los cómics de Apocalipsis antes de iniciar el trabajo, hay muchas historias que se puede ver dentro de esta serie y la película que hicimos es una amalgama de varios de estos relatos. Siempre es bueno poder llegar a la raíz de la historia y el mundo antes de empezar el Diseño de Producción y hacerlo desde la dirección correcta. El guión tuvo una reescritura en curso a través de toda la pre-producción. El tercer acto fue creado en gran medida durante la preparación y es muy importante en la escala, por supuesto, esto añade cierta cantidad de estrés para el caudal de diseño, pero entiendo que lo mismo ocurrió durante DDFP así que sabía qué esperar.

La verdad me gusta Bryan, él es un tipo verdaderamente creativo e inteligente, me da mucho placer trabajar para alguien que tiene valor por el diseño y tiene altas expectativas de su trabajo. Respeto su propiedad de "mundo" de la película, algo que él ha construido a lo largo de muchos años de energía creativa.

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Días del Futuro Pasado fue una fusión moderna de orquesta y electrónica, en el caso de X-Men: Apocalipsis es una puntuación puramente más orquestal, sigue los pasos de X-Men 2. Es más tradicional en el uso de temas de personajes y motivos. Con nuevas historias de personajes que se desarrollan a lo largo de la película, sentí que este enfoque crearía una mejor experiencia, más satisfactoria y emocional.

Es 1983, diez años después de la última película. El mundo se ha vuelto más tolerante de los mutantes. Magneto tiene una nueva vida secreta como un buen ciudadano con una mujer y su hija. Xavier está planeando la ampliación de su escuela para los niños dotados y Raven está salvando a los mutantes de la explotación. En el curso de la historia nos encontramos con las versiones más jóvenes de Storm, Scott, Jean Grey y Nightcrawler - todos tratando de llegar a un acuerdo con lo que son. Todos ellos se enfrentan a un gran reto cuando un poderoso mutante del pasado, Apocalipsis amenaza el mundo. Él quiere "limpiar" la tierra. Las dos principales historias de los personajes son las de Magneto y Jean Grey.

Tenía melodías de Magneto en mi cabeza incluso mientras estábamos rodando. Al igual que Xavier en DOFP (Días del futuro pasado), Magneto finalmente consigue un tema más desarrollado, ya que en esta ocasión, la historia gira en torno a su difícil situación. Esta melodía descendente triste es realmente la realización de un motivo establecido en X-Men 2 y más excesivamente en DOFP. Esta nueva e importante versión humanizada a menudo se caracteriza por texturas vidriosas y piano. Realmente estoy feliz de finalmente revelar su lado vulnerable. Luego está Apocalipsis, quien se imagina ser el Dios del Antiguo Testamento... y la verdad es un “dulce” hablador. Así que quería que su música encarnara la seducción, el uso de tintes religiosos delicados (a veces tejiendo dentro del órgano y el coro); y la de un conquistador caracterizado por su tema noble revelando su lado narcisista. Quería que su música sea desde su punto de vista, pero lo suficientemente matizado con el mal sugerido por su megalomanía. Es una especie de villano reflexivo, así que quería un tema más profundo para sugerir esto.

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Antes de la fotografía principal, necesitábamos una canción de cuna que Magneto cantaba a su hija - cantada a él por su madre. La idea original en el guión para la canción de cuna fue un lugar destacado a lo largo de la historia. Pero en la versión final de la película, la idea quedo en el camino, y es sólo brevemente como Erik canta a su hija. Sin embargo, he grabado la pieza con voz y orquesta para el álbum. A veces escucho temas en mi cabeza cuando leo el guión, como lo hice con el tema de Magneto, pero por lo general estas ideas se desarrollan en la cabeza después de haber visto una película varias veces. La película acabada es siempre una experiencia muy diferente de cómo se lee en el guión.

Esta película tiene la carga de presentar muchos personajes, además de mostrar a Apocalypse y todos sus jinetes. El desafío era mantenerlo entretenido y emocionalmente interesante durante toda la historia. Se convierte a la vez en una película de origen y el cierre de una trilogía. Esta es la razón porque fue crucial la creación de temas para los principales actores, para darle a la película algunos hilos antes de que la verdadera trama entre en vigor.

Oscar Issac realmente le dio profundidad a Apocalipsis. Este villano es multifacético, y toca un buen equilibrio del mal y de la filosofía. Obviamente, el increíble talento de los pesos pesados Michael Fassbender y James McCavoy ayuda a añadir credibilidad a este mundo hiper-real y ayuda de alguna manera a hacer todo más profundo.

Esa es una respuesta muy complicada. Al ser el editor, co-productor y compositor es un paseo muy, muy duro para mí. Superviso todos los aspectos de la película desde antes de disparar cada toma hasta el final. Así, en el momento en que estoy escribiendo la partitura (más de 122 minutos de ella) y el manejo simultáneo de la película, estoy muy quemado. Afortunadamente Bryan confía en mis instintos musicales y se remite a mi gran diseño de la partitura. Él reacciona a mis ideas, y así es como terminamos teniendo un diálogo sobre los matices que quiere cambiar, etc. Le gusta mantener la objetividad y reaccionar a las cosas como lo haría un miembro del público. Se oye todo por primera vez cuando estamos en el doblaje final de la película, cuando he tenido la oportunidad de mezclar la puntuación con todos los efectos de sonido y de diálogo. Aquí llego a tejer la partitura como me imaginaba. Cómo una puntuación se mezcla en la película es crucial, puede hacer la diferencia en lo bien que la música está apoyando a la película y lo bien que la película funciona.

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Todo comienza cuando Alicia (Mia Wasikowska) regresa al extravagante mundo de Infratierra emprendiendo así un viaje atrás en el tiempo, a través de éste mundo mágico y misterioso donde nada es lo que parece, para recuperar un cetro mágico. Solo así podrá detener al malvado Tiempo (a quien da vida Sacha Baron Cohen) antes de que se cumpla el plazo marcado por el reloj y el País de las Maravillas se convierta en un mundo estéril y sin vida. Además su objetivo será rescatar a su amigo El Sombrerero Loco (interpretado nuevamente por Johnny Depp) y detener los malvados planes de la Reina Roja (personificada por Helena Bonham Carter) con la que se volverá a encontrar cara a cara en su intento de ocupar el trono. En ésta fantástica travesía, Alicia con la ayuda de sus amigos (regresa también Anne Hathaway como la Reina Blanca) y algunos nuevos, tendrá que enfrentarse a distintos obstáculos para lograr su objetivo en esa realidad en la que todo es mágicamente posible o imposible.

Basada en la novela de Charles Lutwidge Dogson más conocido por su seudónimo Lewis Carrol, lógico, diácono, matemático, escritor y fotógrafo británico, que en 1871, seis año después de su icónica novela “Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas”, publicó “A través del espejo y lo que Alicia encontró allí” (Through the Looking-Glass, and What Alice Found There?) sus obras son la muestra de una literatura muy poderosa, en donde se manifiestan no solo el inconsciente de quien lo lee sino también de quien lo creo, tal y como muchas cosas de las que acontecen en el libro parecen, metafóricamente, reflejadas en un espejo.

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Ésta nueva película de Walt Disney Pictures contará con el director británico James Bobin, responsable de “Los Muppets” (2011) y “El Tour de los Muppets (2014) quien recientemente declaró que la influencia de Tim Burton no puede estar ausente: “El mundo que Tim creó para Alicia es muy importante para el desarrollo de ésta secuela”, pero también agregó que encontró la oportunidad de ajustar el aspecto para asemejarse más a las ilustraciones originales del libro, realizadas por el ilustrador inglés John Tenniel. “Espero que la película sea una combinación de la gran obra de Tim en la primera, en cuanto a la creación del universo y las características propias de una producción de época pero también de una manera mágica”. El realizador es licenciado en Historia y una de sus obsesiones pasaba por acertar con esa “realidad victoriana tangible” al comienzo del filme, que después acaba convirtiéndose en un “mundo fantástico victoriano”. “La idea de un mundo fantástico victoriano es fascinante porque piensas que está limitado hasta cierto punto porque ellos no saben sobre espacio y tiempo, y los viajes en el tiempo, para ser sincero, no se trataron hasta H.G. Wells”. ¿En qué se ha basado entonces? “En las nanas. Las nanas en Inglaterra son muy antiguas, y Lewis Carroll se inspiró muchísimo en ellas para crear las particularidades de su mundo”.

La invitación a atravesar ese espejo como lo hace la joven protagonista para trasladarnos del mundo normal a ese otro universo que la va sorprendiendo conforme va avanzando en su viaje, está hecha, solo debemos sumergirnos y esperar ser deslumbrados, como ya lo hiciéramos con su predecesora.

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Inmediatamente fui atrapado por él. Fue como “ese muchacho es interesante”. Había algo de las pequeñas cosas que hacia detrás de escena y me sentí comprometido. Lo agarre rápidamente y luego trate de hablar con el showrunner Beau Willmon y me dio la interna del personaje, que hiso que todo se juntara. Estaba muy honrado y entusiasmado de ser parte de un proyecto con gente increíble.

Yo estudie ciencias políticas en la universidad antes de dedicarme a la actuación. Cuando estuve en la universidad obtuve una gran cantidad de conocimiento. Además hable con un prominente jefe de gabinete de Nueva York para poder entender el trabajo del día a día. Por otro lado, aprendí constantemente mientras filmábamos. Aprendí más y más todo el tiempo sobre política, me fui involucrando y disfrutándolo mucho. Fue un proceso largo y tuve una gran cantidad de tiempo antes de empezar.

Creo que son muchas cosas. Están juntos hace mucho tiempo, y Doug se da cuenta a donde va este hombre. Tiene un muy buen futuro por delante. Es muy leal a su trabajo. El ama su trabajo, es una más de sus adicciones y quiere hacerlo lo mejor posible. A veces creo que su lealtad es un producto de lo duro que trabaja por su empleo. Ellos tienen un verdadero lazo, estuvieron juntos por mucho tiempo.

Creo que son adicciones, como todo. Tiene una personalidad increíblemente adictiva: alcohol, Frank, su trabajo, Rachel y ahora Laura. Todo se convierte en otra adicción, obsesión. Es la forma en la que se comporta.

El congresista estadounidense Francis Underwood y su esposa Claire no se detendrán ante nada para lograr sus propósitos. La historia de este drama político se adentra en un mucno repleto de avaricia, sexo y corrupción en la ciudad de Washington.

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Joaquín es un hombre que está en silla de ruedas. Berta, bailarina de striptease y su hija Betty llaman un día a su puerta para alquilar una habitación. Su presencia alegra la casa y anima la vida de Joaquín. Una noche Joaquín escucha un ruido y se da cuenta que un grupo de ladrones está construyendo un túnel que pasa bajo su casa para robar un banco. Joaquín vigila a los ladrones. Así comienza a ejecutar un plan contrareloj que le permitirá frustrar a

la banda.

Básicamente desde la necesidad

de escribir algo en ese momento, a mí me pasa que necesito estar

escribiendo y mi vida se organiza un poco alrededor de eso, de esas

horas diarias que le dedico. Quería empezar a escribir algo nuevo,

fui a un bar y me puse a pensar, hasta que en un momento llego esta idea

de un tipo que está en su casa y se da cuenta que por debajo de piso están

haciendo un túnel para robar el banco de al lado. A partir de esa idea se empezó a tomar

notas y a agregarle cosas.

Mientras armaba el guion la verdad no visualizaba

caras. Cuando empezamos a hablar con Pablo Echarri, productor de la película, quien era el protagonista ideal… apareció Leonardo Sbaraglia como el nombre el nombre que nos gustaba a todos. Con Leo, quería trabajar hace rato y que coincida para hacer este personaje era justo.

Fue un rodaje largo, fueron 10 de semanas. 6 semanas filmamos en Buenos Aires y 6 semanas en Tenerife, España. A Billy Wilder, le preguntaban que pensaba el primer día de rodaje y decía “Dios mío todavía quedan 7 semanas”.

Te pasa eso todos los días porque trabajas 15 horas por día y cuando llegas a tu casa tenes que armar el día siguiente, si podes dormís y es de mucha intensidad todos los días. En un rodaje, esta todo comprimido para gastar el menor dinero posible y aun así es carísimo. Estas corriendo y no tenes tiempo, el tiempo es un factor fundamental; porque si te pasas mucho con una escena tenes menos tiempo para la próxima. Es mucha presión pero también esta acordarse todos los días que uno quiere estar ahí. Estudie cine para vivir estas cosas, debería alegrarme que están pasando. El miedo a que salgan mal las cosas es otro factor, cuando acepto que una escena está bien, cuando dejo de pensar que la puedo mejorar. Tiene que haber un equilibrio de resignación, de decir esto es lo mejor a lo que estamos llegando y si sigo ensayando esto no puedo ensayar la próxima.

Con los actores no, porque cuando tenes estos actores lees el guion en conjunto, hablas de los personajes, no me interesa tanto ensayar salvo que el actor lo pida. Ensaye un poco más con el grupo de los ladrones, porque me sentía más seguro si llegábamos al rodaje con algún ensayo hecho, algunos habían salido de casting y no los conocía tanto.

A Leo, lo escuche decir en un reportaje, que de alguna manera le era más fácil si tenía que hacer acciones físicas. Él decía que a los actores lo peor es estar quieto y si tenes que estar en movimiento tenes más elementos desde donde agarrarte para explorar un montón de cosas interiores.

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Leo es un obsesivo de su trabajo, es muy apasionado de lo que hace. Ni bien termino la película anterior que

estaba haciendo se puso a practicar con la silla de ruedas, nos encontrábamos y el venia en silla de

ruedas. Nos sentábamos afuera en un bar, teníamos que pasar adentro y Leo luchaba contra los escalones

solo para estar metido en el personaje, asumía todos los desafíos de una persona que está

en silla de ruedas. Por ejemplo, en un momento teníamos una

nota donde estaba tirado en el suelo cuando cortábamos, se arrastraba hasta la silla de

ruedas como una persona que no tiene piernas. Eso a muchos los sorprende o piensa que es un capricho del actor, en

realidad está muy bien porque lo va metiendo realmente en el

personaje. Explora lo que vive una persona con discapacidad y eso

se ve en la película, te crees su personaje.

Tiene compromiso con el personaje y con su carrera,

porque busca hacerlo lo mejor posible. No aspira a sacarse un 6 sino un 10

y está buenísimo.

ENTREVISTA

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Creo que en gran parte la culpa y la necesidad de encontrar una excusa para vivir. Las cosas que tiene que hacer el personaje para poder salir del otro lado del túnel, como lo dice el título de la película. Se trata de eso, el atraviesa un túnel no solo el de los ladrones sino un túnel en su vida.

La gente que ve la película se encuentra con un film muy bien hecho, muy entretenido, que te mantiene agarrado. Mi sobrino de 10 años, que nunca te dice nada, me dijo “esta de 10” –entre risas- Se encuentran con una película de acción, suspenso con un personaje que es un héroe atípico en silla de ruedas. Es un tipo que a pesar de estar en esa condición logra superarse a sí mismo en su condición emocional, la cual estaba sumida por una tragedia que le paso en su vida. Perdió a su familia y se quedó en la nada. En la trama, el empieza a descubrir que se meten unas personas haciendo un túnel para robar un banco, se da cuenta que son personas peligrosas y pueden poner en riesgo su vida, pero también una nueva vida que está intentando emprender con una nueva mujer. A partir de proteger esta nueva posibilidad que le da la vida, se termina protegiendo a sí mismo y ayudando a sí mismo como si tuviera la sensación de volver a vivir. Todo contado en una película con un ritmo frenético que no para. El trabajo que hiso Rodrigo es muy sólido.

Mi personaje por primera vez luego de mucho tiempo vuelve a sentir la mirada de una mujer y la mirada de la masculinidad, como si volviese a recuperar algo del hombre. El encuentra una misión de rescate a sí mismo, lo hace con mucha inteligencia y aislado con la tecnología, en el mundo de las computadoras. Esto le sirve para crear una especie de muralla tecnológica del mal que viene desde afuera.

Fue un rodaje muy duro, de mucho esfuerzo y trabajo. Hoy en día las películas argentinas se hacen con menos semanas y en esta película, gracias a las condiciones que se consiguieron de producción, a la co producción con España, más el crédito del instituto argentino se logró una producción importante y se nota en pantalla. Es necesaria esa producción para contar con la cantidad de planos que la película debía tener para establecer mínimamente que compita con el cine de acción que hoy en día la gente ve.

Berta es una madre muy joven con una niña de 6 años que aparece en la vida de Joaquín, un personaje que ha tirado un poco la toalla con la vida. Ella se aparece en su casa para alquilar una habitación y trastocar un poco todos los esquemas, darle un poco de luz pero poco a poco descubrimos que Berta no es toda luz, tiene sus sombras y otras caras. Ella va haciendo una transformación a lo largo de la película. Ella debe encontrar la verdad de su situación y entender el amor de otra manera.

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El personaje en si me parecía super atractivo, por otro lado era la primera vez que debía interpretar a una madre y con un acento argentino, lo cual era un reto muy grande para mí. La historia me pareció que estaba muy bien contada, poder adentrarme en el mercado argentino y hacerlo de la mano de dos grandes como Pablo y Leo era la mejor manera. Era entrar por la puerta grande.

Yo no estuve las 10 semanas, pero fue un rodaje intenso. Por suerte teníamos a Rodrigo Grande como director, que es una bellísima persona y grandísimo director. Me parece que tiene mucho talento para escribir personajes, historias y para contarlas. No todos los directores tienen la facilidad de contar y escribir la historia, pero Rodrigo trabajo mucho el guion, tenía muy en claro la película en su cabeza, era abierto a las cosas que pasan en los rodajes y se seguía sorprendiendo con su propia historia. Él tiene sentido del humor, templanza haciendo que aunque sea un momento de tensión todo se mantuviera con calma y armonía muy difícil de conseguir con cualquier otro director.

Totalmente. El director es una pieza fundamental en un rodaje no solo porque tiene la mayor responsabilidad sino porque genera el ambiente del rodaje. Un director que está gritando todo el día hace que la gente este con tensión permanente y no se pueda trabajar relajado. Este es el caso opuesto. Todo el mundo estaba con mucha tranquilidad, no relajado de no hacer nada sino relajado para hacer el trabajo.

Siendo muy honesta intento ver la película un par de veces, porque la primera no solo estas juzgándote como buen actor egocéntrico –entre risas- sino que además estas juzgando todo. Siempre tiendo a ver lo negativo al principio. De todos modos, la vez que vi la película salí con una sensación muy buena, porque me produjo mucha tensión, me produjo momentos de miedo por parte del personaje de Pablo Echarri y me sabía el guion, pero estaba con tensión en la butaca. También me emocione y me reí. Me produjo todas las sensaciones que creo debe generar la película.

Es un thriller, pero no queda en eso. Toca muchos palos la

Es un thriller, pero no queda en eso. Toca muchos palos la película, el suspenso, el policial se entrelazan muy bien. También es un drama por las cosas que vive el protagonista al haber perdido toda su familia. Es fantástico porque el personaje de Leo Sbaraglia tiró la toalla y se termina transformando en el héroe de la película.

El personaje en si me parecía super atractivo, por otro lado era la primera vez que debía interpretar a una madre y con un acento argentino, lo cual era un reto muy grande para mí. La historia me pareció que estaba muy bien contada, poder adentrarme en el mercado argentino y hacerlo de la mano de dos grandes como Pablo y Leo era la mejor manera. Era entrar por la puerta grande.

Yo no estuve las 10 semanas, pero fue un rodaje intenso. Por suerte teníamos a Rodrigo Grande como director, que es una bellísima persona y grandísimo director. Me parece que tiene mucho talento para escribir personajes, historias y para contarlas. No todos los directores tienen la facilidad de contar y escribir la historia, pero Rodrigo trabajo mucho el guion, tenía muy en claro la película en su cabeza, era abierto a las cosas que pasan en los rodajes y se seguía sorprendiendo con su propia historia. Él tiene sentido del humor, templanza haciendo que aunque sea un momento de tensión todo se mantuviera con calma y armonía muy difícil de conseguir con cualquier otro director.

Totalmente. El director es una pieza fundamental en un rodaje no solo porque tiene la mayor responsabilidad sino porque genera el ambiente del rodaje. Un director que está gritando todo el día hace que la gente este con tensión permanente y no se pueda trabajar relajado. Este es el caso opuesto. Todo el mundo estaba con mucha tranquilidad, no relajado de no hacer nada sino relajado para hacer el trabajo.

Siendo muy honesta intento ver la película un par de veces, porque la primera no solo estas juzgándote como buen actor egocéntrico –entre risas- sino que además estas juzgando todo. Siempre tiendo a ver lo negativo al principio. De todos modos, la vez que vi la película salí con una sensación muy buena, porque me produjo mucha tensión, me produjo momentos de miedo por parte del personaje de Pablo Echarri y me sabía el guion, pero estaba con tensión en la butaca. También me emocione y me reí. Me produjo todas las sensaciones que creo debe generar la película.

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