VI CICLO DE CONCIERTOS FUNDACIÓN BBVA DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA ����-����PLURALENSEMBLE

Retrato VAnton Webern/

Alexander von Zemlinsky y el siglo xxı

Fundación BBVA

La Fundación BBVA es expresión del compromiso del Grupo BBVA con la mejora y el bienestar de las socieda-des en las que está presente. Fomen-ta y apoya la investigación científica y la creación artística de excelencia, así como su proyección a la sociedad. Dentro del programa de Cultura, de-dica especial atención a la música clásica, con énfasis en la composi-ción del siglo xx y comienzos del presente. La tipología de actividades incluye las siguientes:• Concursos y premios, como son el

Premio Fundación BBVA Fronteras del Conocimiento y la Cultura, en la categoría de Música, y el Premio de Composición Asociación Españo-la de Orquestas Sinfónicas (AEOS)-Fundación BBVA.

• Ciclos de interpretación de música de los siglos xx y xxi, entre los que destacan el Ciclo Retratos, a cargo de PluralEnsemble, en el Auditorio Nacional de Música de Madrid; el Ciclo de Solistas y el de Conciertos de Música Contemporánea, en las sedes de la Fundación BBVA en Madrid (Palacio del Marqués de Salamanca) y Bilbao (Edificio de San Nicolás), respectivamente.

• Formación académica de excelen-cia, a través de un programa de be-cas destinadas a la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), com-plementado con la creación de la Academia Orquesta Nacional de España-Fundación BBVA, un nuevo programa pedagógico en colabora-ción con la Orquesta y Coro Nacio-nales de España (OCNE), que hará posible la participación de músicos de la JONDE en conciertos de la OCNE, y el apoyo a la Cátedra de Viola Fundación BBVA Escuela Su-perior de Música Reina Sofía y a la Sinfonietta de Música Contemporá-nea de la misma escuela.

• Ciclos de Jóvenes Intérpretes, de-sarrollados en las sedes de la Fun-dación en Madrid y Bilbao.

• Grabaciones en audio y vídeo y di-fusión de música de nuestro tiem-po, señaladamente la serie NEOS-Fundación BBVA y la Colección de Compositores Españoles y Latinoa-mericanos de Música Actual, im-pulsada por la Fundación BBVA en colaboración con el sello Verso. Se desarrollan también proyectos sin-gulares dedicados a la grabación en audio o en vídeo de la interpre-

tación de artistas particularmente destacados, entre ellos los dos dedicados al maestro Achúcarro (con Opus Arte y con Euroarts), a obras o figuras emblemáticas, como Tomás Luis de Victoria (con la BBC), la Carta Blanca Ecos y sombras dedicada a Cristóbal Halffter (con Koala Productions) y la grabación del estreno mundial de su ópera Lázaro (con NEOS), el Panambí de Ginastera (con Deutsche Grammophon), las ópe-ras Eugene Onegin de Chaikovski y Rigoletto de Verdi (con la Asocia-ción Bilbaína de Amigos de la Ópe-ra [ABAO]), Spanish Landscapes de Leticia Moreno (con Deutsche Grammophon), y Aura de Judith Jáuregui (con BerliMusic).

• Colaboración recurrente con or-questas e instituciones dedicadas a la música clásica y la ópera, destacando el programa con la ABAO, el Teatro de la Maestran-za de Sevilla, la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM), la Orquesta Sinfóni-ca de Madrid, el Teatro Real de Madrid, y el Gran Teatro del Liceo de Barcelona.

• Encargos de composición a crea-dores españoles e internacio-nales, en especial con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), la ORCAM, y la Orquesta Sinfónica de Euskadi, además de otros encargos directos.

• Ciclos de conferencias y actividades orientadas a difundir y desvelar al público interesado el significado de la creación musical. Apoya también publicaciones de referencia en el ámbito de la música como la revista Scherzo.

Pocas áreas de la cultura expresan de manera tan acabada como la música el equilibrio entre el man-tenimiento de una rica tradición –reactualizada y enriquecida perma-nentemente– y de innovación radical, aportando ambas una componente esencial de la sensibilidad de nuestro tiempo. Y por ello forma parte central del programa de la Fundación BBVA, con una dedicación que le ha hecho merecedora de la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, y la Meda-lla de Honor de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Miércoles, 25 de marzo de 2015 · 19:30 horas Auditorio Nacional de Música, Sala de Cámara

IntérpretesPluralEnsemble

Director invitadoPeter Rundel

Músico invitadoJohannes Schwarz, fagot y contraforte

ProgramaPrimera parteSymphonie op. 21 · Ruhig schreitend · Variationen I-VIIAnton Webern

Vértigo · Visión · Canto · Acto · CalmaLuis de Pablo

Segunda parteSolsticeFabián Panisello

Sinfonietta op. 23 · Sehr lebhaft · Ballade · Sehr lebhaftAlexander von Zemlinsky

IntervienenFlauta: Pepe SotorresOboe: Juan Manuel García-CanoClarinete: Antonio LapazClarinete bajo y clarinete contrabajo: Eduardo Raimundo Saxofón: Beatriz Tirado Trompa: Elies MoncholíTrompa: Carlos MalondaTrompa: Victor PayáTrompeta: Adam Delgado Trombón: J. Enrique Cotoli Tuba: Manuel DávilaPiano: Carlos ApellánizPercusión: César PerisPercusión: Jaime FernándezArpa: Mickaèle Granados Violín: Ema Alexeeva Violín: Erica Ramallo Viola: Ana María AlonsoViola: Silvia VillamorViola: Maryía GrudoViolonchelo: David Apellániz Contrabajo: Ramón Mascarós

Director artístico Fabián Panisello

Coordinación artística y producciónMara Mendialdua

5

El término «sinfonietta» designa una forma sinfónica reducida y conden-sada tanto en sus aspectos formales como en los instrumentales; una suerte de «sinfonía de bolsillo» que nace a finales del siglo XIX –Nikolái Rimski-Kórsakov y Joachim Raff serían los padres fundadores– como vehícu-lo para contrarrestar la hipertrofia a que había llegado la forma sinfónica con las gigantescas construcciones de Bruckner, Mahler o Sibelius. En su acercamiento a la concisión de los modelos clásicos, esta sinfonía en miniatura (que inició su imparable expansión en las primeras décadas del siglo XX, sobre todo en las obras de los autores neoclásicos) suponía además una reflexión sobre la pro-pia lógica del discurso sinfónico, reducido a sus parámetros esencia-les, procurando a los creadores un inestimable banco de pruebas para desarrollar ideas. De ahí su éxito y su pervivencia a lo largo del siglo. Si bien solo una de las obras que inte-gran el programa de este concierto recibe el nombre de Sinfonietta, las cuatro comparten esa condensada expresión de la gran forma sinfónica, a la vez que trazan un arco que co-necta los lenguajes centroeuropeos de las primeras décadas del siglo XX con las nuevas sintaxis surgidas en los albores del XXI.

Escrita en 1928, la Symphonie op. 21 de Anton Webern representa, en pa-labras de Pierre Boulez, «una concep-ción musical en la que características seriales, forma clásica y rigor de la escritura preclásica se encuentran combinados en una mezcla única que sienta los cimientos de un lenguaje totalmente liberado de referencias». Escrita para clarinete, clarinete bajo, dos trompas, dos arpas, violines, viola y violonchelo, el hecho de que Webern le adjudicase el nombre de Sinfonía, en lugar de Sinfonía de cámara o Sinfonietta, como su dis-positivo parecía justificar, se debe al propio material de la obra, que supone una expresión destilada de la lógica sinfónica o, si se prefiere, la idea de la autorreferencialidad sinfónica. Esta obra liminar es, por decirlo así, una sinfonía vista a través del microscopio y con ella Webern alcanza una de las cumbres de su período de madurez. Dividida en dos movimientos (se sabe que Webern proyectó un tercero, que no llegó a componer), el primero es una forma sonata rigurosa, con repetición del primer fragmento, aunque, en pala-bras de Claude Rostand, «el recuer-do queda trascendido en una visión enteramente nueva de la plástica musical». El segundo movimiento consiste en un tema seguido de sie-

Notas al programa

6

te variaciones que representan en su conjunto un deslumbrante ejercicio de polifonía serial. El tema es pro-porcionado por la serie original del primer movimiento y su recurrencia, ambos a la vez. En palabras de René Leibowitz: «La desnudez de esta pre-sentación se acentúa por el hecho de que la segunda parte del tema es ya la repetición de la primera, lo que hace que el tema entero se confunda con su repetición». Dos elementos es-tructuran troncalmente la obra en su conjunto: los grandes intervalos y los silencios, ambos complementarios en su anhelo de escapar de cualquier relación tonal. Los grandes interva-los cumplen además una segunda, y no menos importante, función en la estructura de la obra: la de aislar los sonidos, otorgándoles un valor por sí mismos. El silencio permite al sonido aislado escapar a los condi-cionamientos rítmicos tradicionales, convirtiéndolo en un valor autónomo y fundamental, rasgo esencial para entender la estética weberniana y su importancia en buena parte de la música de la segunda mitad del siglo XX (es la idea de la música espacial lo que está a punto de nacer). La ex-traordinaria y delicada transparencia de la orquestación toma el viejo prin-cipio weberniano (y schönbergiano) de la Klangfarbenmelodie, que en el caso de la Symphonie op. 21 (y a dife-rencia de las Seis Piezas op. 6, donde

cumple una función más decorativa) adopta una cualidad de «melodía de timbres», lo que Boulez llamaba «me-lodía abstracta». El lenguaje es de tal concentración y rigor que en apenas dieciséis páginas Webern parece con-gregar todas las potencias que laten en la propia idea de forma sinfónica, abriéndola a un universo enteramen-te nuevo que implica una total reedu-cación de la escucha musical.

Tanto por su amplitud instrumen-tal como por su plantilla relativa-mente insólita (clarinete en La, clarinete bajo, fagot, tres trompas, trompeta en Do, trombón, tuba, saxo tenor, tres violas, violonchelo, contrabajo de cinco cuerdas, tres timbales y percusión, que inclu-ye xilófono, campanas tubulares y glockenspiel), Vértigo puede conside-rarse como una sinfonietta enmas-carada. La pieza es, en palabras del propio Luis de Pablo, «un modelo de desequilibrio y de insistencia en el registro grave». Dividida en cuatro movimientos, Visión, Canto, Acto y Calma –los dos últimos unidos entre sí–, lo más relevante de Vértigo es la riqueza tímbrica que, al nacer de ese desequilibrio, suscita y provoca distintas perspectivas de escucha a partir de un material sonoro en constante mutación. A diferencia de la Symphonie op. 21 de Webern, en Vértigo la interválica está reducida

7

al mínimo, lo que permite, según De Pablo, «que presencia y lejanía sean inmediatamente identificables, porque el oído reconoce al instante cuándo existe una amplitud intervá-lica y cuándo nos movemos en un ámbito de tercera menor». El vértigo del título procede de ese mundo en el que las perspectivas se ven de alguna manera trucadas mediante una nue-va combinatoria, siendo la escucha deliberadamente desproporcionada. Escrita entre 2010 y 2011, y dedicada a Gabriele Bonomo, gran amigo del compositor y responsable de la edi-torial italiana Suvini Zerboni, Vértigo fue estrenada por David Atherton y la London Sinfonietta en Milán y Turín, en el marco del Festival MITO que se celebra en ambas ciudades italianas. El concierto de hoy supone su estreno en España.

Inspirada en una experiencia que Panisello tuvo en la ciudad patagó-nica de Bariloche durante una fies-ta de celebración de la llegada del verano austral, Solstice describe el fenómeno del cambio de estación desde una doble perspectiva: por un lado, incorporando el elemento vibratorio que tiene toda meditación profunda mediante el recurso a un bombo frotado con superball y una especial técnica de frotado con los dedos de la mano (sonido que evo-ca al de los cuencos de cuarzo que

fueron utilizados durante la celebra-ción), y, por otro, el elemento rítmico y festivo de la percusión y los instru-mentos de viento. La obra establece un paralelismo entre estas dos ideas a través de una superestructura ar-mónica o hiperacorde que contiene los distintos momentos de la obra. Este material se desarrolla en ambas facetas de manera polimétrica a tra-vés del empleo de diseños múltiples, estableciendo transiciones entre la vibración, que es el sonido del diseño casi suspendido en el tiempo, hasta la micropulsación, que es la expre-sión más veloz posible de lo mismo y que simbólicamente representan las dos partes de la celebración: la meditación y la danza. Solstice fue estrenada en Madrid por el Ensemble Modern dirigido por el propio autor, a instancias del Goethe-Institut de Madrid y del Centro Nacional de Di-fusión Musical (CNDM). La posibilidad de contar con el prestigioso grupo alemán abrió a Panisello las puer-tas para explorar nuevos ámbitos sonoros, al incorporar el Ensemble Modern en su plantilla instrumentos que casi ningún otro conjunto utiliza, como el contraforte, versión ágil y moderna del contrafagot, que trabaja en su mismo registro, aunque con mayores posibilidades tanto desde el punto de vista técnico como dinámi-co. De esa manera, Solstice desarrolla un universo tímbrico muy peculiar, en

8

especial en el espectro bajo o grave del registro.

Si la obra de Anton Webern se sitúa en la vanguardia de la revolución emprendida a principios del siglo XX por Arnold Schönberg, Alexander von Zemlinsky podría considerarse como el más conspicuo de los representan-tes de su retaguardia. Profesor, amigo personal y, finalmente, cuñado del padre de la Segunda Escuela de Vie-na, Zemlinsky no siguió a su colega en el camino que condujo a la quie-bra total de la tonalidad, mantenien-do su lenguaje dentro de los límites marcados por el cromatismo neorro-mántico wagneriano, al que aplicó, en su última época, rasgos deriva-dos del neoclasicismo y de la Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad) practicadas por Paul Hindemith o Kurt Weill. Es el caso de la Sinfonietta op. 23, escrita en 1934 en su Viena natal, tras haber abandonado Berlín ante el creciente acoso del nazismo (Zemlinsky era judío por rama mater-na), y una de las obras maestras de este último período compositivo del autor, previo a su final –y muy triste– exilio americano. En ella el músico austríaco adelgaza el dispositivo ins-trumental para crear una especie de réplica en pequeña escala del mundo sinfónico mahleriano, en particular el de su Séptima Sinfonía, obra con la que comparte un aroma finisecular

de lenguaje aristado y descarnado expresionismo. Dividida en tres mo-vimientos, las dos células iniciales de la obra (la primera, de cuatro notas ascendentes, rítmica; la segunda, de tres descendentes, lírica) crean el sus-trato sobre el que se asienta la pieza en su totalidad, y tiene en su impo-nente adagio central –una extensa meditación que desarrolla el segundo de los motivos iniciales para crear un emocionante fresco de arrebatado lirismo– el corazón de la obra. Los movimientos extremos comparten la urgencia rítmica y una orquestación de afilados perfiles que procura una tímbrica áspera y brillante fuerte-mente apoyada en las maderas (flau-tas, clarinetes y oboes), en muchos aspectos próxima a la que por esa misma época exhibía Hindemith en sus obras de cámara. La Sinfonietta fue estrenada en Praga en 1935 bajo la batuta de Heinrich Jalowetz con gran éxito y obtuvo sucesivas eje-cuciones en Viena, París, Lausana e incluso Barcelona. Con posterioridad la obra cayó, como casi toda la pro-ducción del compositor vienés, en un prolongado olvido, recientemente subsanado por la progresiva recupe-ración de algunas de sus óperas (el capítulo sin duda más importante de su catálogo) y de su imponente Sinfonía Lírica (de nuevo una réplica mahleriana, en este caso de Das Lied von der Erde). En España rara vez se

9

programan obras de Zemlinsky, por lo que la escucha en directo de esta fabulosa Sinfonietta supone una mag-nífica oportunidad de conocer a uno de los más importantes músicos que jalonaron el tránsito entre la estética posromántica y las nuevas sintaxis centroeuropeas de comienzos del siglo XX.

Juan Lucas

10

Johannes Schwarz

Nacido en 1970, ha formado parte del Ensemble Modern desde 2003. Además de tocar regularmente como músico invitado en famosas orques-tas sinfónicas y de radio, tocó durante varios años en agrupaciones barrocas con instrumentos originales. Como fagotista, ha tocado con big bands de radio, además de en varios grupos de improvisación. Sus grabaciones discográficas contienen obras para fagot solo estrenadas por él, así como música clásica y barroca, pero también arreglos de tangos, música pop y heavy metal. Su más reciente disco a solo, più, que contiene es-trenos mundiales para fagot y elec-trónica en vivo, fue producido como un Surround-SACD y publicado por Ensemble Modern Medien en 2009.

Como educador musical ha dado cla-ses de Música de cámara y Fagot en las escuelas superiores de música de Essen y Colonia, y en la actualidad forma parte de la Academia Inter-nacional del Ensemble Modern en colaboración con la Escuela Superior de Música de Fráncfort. Ofrece al año diversos talleres en centros musicales y festivales internacionales, centrán-dose en el fagot, la preparación de lengüetas y la música de cámara. Desde 2004 ha formado parte activa-mente de los Proyectos Response en escuelas de Hessen, apoyados por el Estado de Hessen, así como en pro-yectos escolares que lleva a cabo en Fráncfort la Fundación Altana. Desde

2009 ha sido el miembro responsable del Ensemble Modern para la organi-zación del curso anual Klangspuren en Schwaz (Tirol), que ha contado con la presencia de famosos artistas como Heinz Holliger, Johannes Staud, Martin Matalon, Unsuk Chin y George Benjamin.

En 2013 inició su trabajo como di-rector artístico de la Academia del Ensemble Modern, encargado de la coordinación de todos los progra-mas educativos y de cursos con el Ensemble Modern. Además de sus actividades con esta formación, de-sarrolla también diversos proyectos propios: soundspaces, un programa a dúo para fagot/saxofón/electrónica con el saxofonista Sascha Armbruster (Basilea), y otro programa a dúo con el fagotista Malte Refarth.

En la actualidad está trabajando en un archivo sonoro de registros de audio para fagot, grabando todos los sonidos de este instrumento para una base de datos digital y su posterior publicación en línea.

11

Peter Rundel

Nacido en Friedrichshafen (Alema-nia), estudió Violín con Igor Ozim y Ramy Shevelov en Colonia, Hannover y Nueva York, donde también recibió clases del compositor Jack Brimberg, y Dirección con Michael Gielen y Peter Eötvös. Desde 1984 a 1996 fue violinista en el Ensemble Modern, al que sigue estrechamente vinculado como director. En el ámbito de la mú-sica contemporánea, ha disfrutado de una larga asociación con el Ensem-ble Recherche, Ensemble Resonanz, Asko | Schönberg y Klangforum Wien. También es un invitado habitual del Ensemble MusikFabrik.

Ha sido galardonado con numero-sos premios por sus grabaciones de música del siglo XX, como el prestigioso Preis der deutschen Schallplattenkritik, que ha recibido en varias ocasiones. Además, ha re-cibido el Grand Prix du Disque por la grabación de las obras completas de Jean Barraqué y ha sido nominado al Premio Grammy por Surrogate Cities, de Heiner Goebbels. El disco Sprechgesänge, con el Ensemble MusikFabrik, ha obtenido reciente-mente un premio Echo Klassik. En marzo de 2013 obtuvo el Premio Carl Orff, junto con Heiner Goebbels y Lemi Ponifasio, por Prometheus.

Es invitado regularmente a dirigir la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, Deutsche Symphonie-Orchester de Berlín, las orquestas

sinfónicas de las Radios de Berlín y de Stuttgart, las Orquestas Sinfónicas de las Radios de Hamburgo, Fráncfort y Saarbrücken y la Orchestra Nazionale della RAI de Turín. Ha sido direc-tor artístico de la Real Orques-ta Filarmónica de Flandes, de la Kammerakademie Potsdam cuando se estableció por primera vez, entre 1999 y 2001, así como de la Wiener Taschenoper desde 1999. En 2005 fue nombrado director artístico del Remix Ensemble de Oporto.

Ha dirigido producciones de ópe-ra en la Ópera Estatal de Baviera, Wiener Festwochen, Deutsche Oper de Berlín y en el Festival de Bregenz, donde ha colaborado con directores escénicos como Peter Konwitschny, Carlus Padrissa (La Fura dels Baus), Philippe Arlaud, Reinhild Hoffmann y Willy Decker. Su trabajo en la ópera abarca desde el repertorio tradicio-nal, como Die Zauberflöte de Mozart en la Deutsche Oper de Berlín o Le nozze di Figaro de Mozart, Hänsel und Gretel de Humperdinck y Der König Kandaules de Zemlimsky en la Volksoper de Viena, hasta innovado-ras producciones teatrales de músi-ca contemporánea como Donnerstag (de Licht) de Karlheinz Stockhausen, Massacre de Wolfgang Mitterer y los estrenos mundiales de Nacht de Georg Friedrich Haas, Ein Atemzug – Die Odyssee de Isabel Mundry y las óperas Das Märchen y La Douce de Emmanuel Nunes.

12

Concluyó la temporada 2012-2013 con una producción de Stockhausen en el Festival del Lincoln Center de Nueva York. Sus últimos estrenos, el pasado año, fueron de Der Universums-Stulp, de Stephan Winkler, en la Ópera de Wuppertal, y una nueva produc-ción de la ópera Bluthaus, de Georg Friedrich Haas, con dirección escénica de Peter Mussbach.

13

PluralEnsemble

PluralEnsemble es un conjunto instru-mental especializado en la música de los siglos XX y XXI, fundado por Fabián Panisello, su director titular. Buscando siempre la más alta calidad interpreta-tiva, desarrolla anualmente una tem-porada estable de conciertos y giras, alternando el repertorio más exigente de solista con obras para conjunto.

Por sexto año consecutivo desarro-lla el Ciclo de Conciertos Fundación BBVA de Música Contemporánea en el Auditorio Nacional de Música de Madrid y el Ciclo de Solistas Funda-ción BBVA en su sede del Palacio del Marqués de Salamanca, y participa asimismo en el V Ciclo de Conciertos de Música Contemporánea organiza-do por la Fundación BBVA en su sede de Bilbao. Realiza habitualmente giras nacionales e internacionales. Además, dentro de su programa pe-dagógico divulgativo, realiza el pro-yecto Claves de Acceso en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

A lo largo de su trayectoria ha inter-venido con gran éxito de crítica y público en los principales festivales internacionales especializados, como son Musica de Estrasburgo, A Tempo de Caracas, Présences de París, Ars Musica de Bruselas, Manca de Niza, Spaziomusica de Cagliari, Aspekte de Salzburgo, IFCP Mannes de Nueva York, el Festival Internacional de Mú-sica Contemporánea de Alicante, la Quincena Musical Donostiarra de San

Sebastián, el ciclo de la WDR de Colo-nia, Nous Sons del Auditori de Barce-lona, el Festival de Otoño de Varsovia, Ultraschall y la Konzerthaus de Berlín y Klangspuren del Tirol, entre otros.

Colabora con artistas como Peter Eötvös, Salome Kammer, Hilary Summers, Cristóbal Halffter, Marco Blaauw, Jörg Widmann, Dimitri Vassilakis, Nicholas Isherwood, Alda Caiello, Allison Bell, José Manuel López López, Siegfried Mauser, Wolfgang Lischke, Christian Baldini, Nicolas Altstaedt, Zsolt Nagy, César Camarero, Jon Ketilsson, Pablo Márquez, Charlotte Hellekant, Matthias Pintscher, Hansjörg Schellenberger, Tadeusz Wielecki, Lorraine Vaillancourt, Péter Csaba, Johannes Kalitzke, Luis de Pablo o Toshio Hosokawa.

Ha realizado numerosas grabaciones para diversas emisoras de radio euro-peas (WDR, RBB, RNE, RF, ORF, RTBF o la Radio Polaca, entre muchas otras), así como grabaciones discográficas para los sellos col legno, Verso, Cervantes y NEOS.

14

Depósito legal: M-30635-2014

www.fbbva.es www.pluralensemble.com

8octubre201419:30h

15noviembre201419:30h

9diciembre201419:30h

7febrero201519:30h

25marzo201519:30h

22abril201519:30h

Retrato I

La voz noh en los siglos xx y xxı: Oriente y OccidenteDirector: Fabián PaniselloSolista: Ryoko Aoki (voz noh)Músico invitado: Horacio Curti (shakuhachi)Sala de Cámara. Auditorio Nacional de Música de Madrid Tlf.: 91 365 99 82 · entradas@pluralensemble.com

Retrato II

Dmitri Shostakóvich/Alfred Schnittke: la música en Rusia en los siglos xx y xxıDirector: Fabián PaniselloFundación BBVA. Palacio del Marqués de Salamanca Tlf.: 91 374 54 00 · musica@fbbva.es

Retrato III

Igor Stravinsky/György Ligeti: música para instrumentos de viento xx-xxıDirector invitado: Felix RenggliSala de Cámara. Auditorio Nacional de Música de Madrid Tlf.: 91 365 99 82 · entradas@pluralensemble.com

Retrato IV

Olivier Messiaen/Gérard Grisey: la mirada espectral IDirector: Fabián PaniselloFundación BBVA. Palacio del Marqués de Salamanca Tlf.: 91 374 54 00 · musica@fbbva.es

Retrato V

Anton Webern, Alexander von Zemlinsky y el siglo xxıDirector invitado: Peter RundelMúsico invitado: Johannes Schwarz (contraforte)Sala de Cámara. Auditorio Nacional de Música de Madrid Tlf.: 91 365 99 82 · entradas@pluralensemble.com

Retrato VI

Pierre Boulez/Gérard Grisey: la mirada espectral IIDirector invitado: Jean DeroyerSolista: Ema Alexeeva (violín)Sala de Cámara. Auditorio Nacional de Música de Madrid Tlf.: 91 365 99 82 · entradas@pluralensemble.com

© m

alco

lm c

row

ther

s