VII CICLO DE CONCIERTOS FUNDACIÓN BBVA DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA ���5-���6

Retrato IV Luciano Berio

Franco Donatoni Salvatore Sciarrino

PLURALENSEMBLE

Fundación BBVA

El programa de Cultura de la Funda-ción BBVA dedica especial atención a la música clásica, con énfasis en la composición del siglo xx y comienzos del presente. Pocas áreas de la cultu-ra expresan de manera tan acabada como la música el equilibrio entre el mantenimiento de una rica tradición reactualizada y enriquecida perma-nentemente y de innovación radical, aportando ambas una componente esencial de la sensibilidad de nuestro tiempo. Y por ello forma parte central del programa de la Fundación BBVA.

La tipología de actividades incluye las siguientes:

• Concursos y premios, como son el Premio Fundación BBVA Fronteras del Conocimiento y la Cultura, en la categoría de Música, y el Premio de Composición Asociación Españo-la de Orquestas Sinfónicas (AEOS)-Fundación BBVA.

• Ciclos de interpretación de música de los siglos xx y xxi, entre los que destacan el Ciclo Retratos, a cargo de PluralEnsemble, en el Auditorio Nacional de Música de Madrid; el Ciclo de Solistas, en la sede de la Fundación BBVA en Madrid (Palacio del Marqués de Salamanca); y el de Conciertos de Música Contemporá-nea, en la sede de la Fundación

BBVA en Bilbao (Edificio de San Nicolás), bajo la dirección artística del compositor Gabriel Erkoreka.

• Ciclo de conciertos teatralizados El Mundo de Ayer, que combina música, trabajo actoral y creación audiovisual, dirigido por el maestro José Ramón Encinar.

• Formación académica de excelencia, a través de un programa de becas destinadas a la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), com-plementado con la creación de la Academia Orquesta Nacional de España-Fundación BBVA, un nuevo programa pedagógico en colabora-ción con la Orquesta y Coro Nacio-nales de España (OCNE), que hace posible la participación de músicos de la JONDE en conciertos de la OCNE, además del apoyo a la Cáte-dra de Viola Fundación BBVA Escuela Superior de Música Reina Sofía y a la Sinfonietta de Música Contempo-ránea de la misma escuela.

• Ciclos de Jóvenes Intérpretes, desarrollados en las sedes de la Fundación en Madrid y Bilbao.

• Grabaciones en audio y vídeo y difusión de la música de nuestro tiempo, señaladamente la serie NEOS-Fundación BBVA y la Colección

de Compositores Españoles y Lati-noamericanos de Música Actual, impulsada por la Fundación BBVA en colaboración con el sello Verso. Se desarrollan también proyectos singulares dedicados a la grabación en audio o en vídeo de la interpre-tación de artistas particularmente destacados, entre ellos los dos dedi-cados al maestro Joaquín Achúcarro (con Opus Arte y Euroarts), a obras o figuras emblemáticas, como Tomás Luis de Victoria (con la BBC), la Carta Blanca Ecos y sombras dedicada al maestro Cristóbal Halffter (con Koala Productions) y la grabación del es-treno mundial de su ópera Lázaro (con NEOS), Panambí de Ginastera (con Deutsche Grammophon), las óperas Eugene Onegin de Chaikovski y Rigoletto de Verdi (con la Asocia-ción Bilbaína de Amigos de la Ópe-ra [ABAO]), Spanish Landscapes de Leticia Moreno (con Deutsche Grammophon), y Aura de Judith Jáuregui (con BerliMusic).

• Entre las colaboraciones que la Fundación BBVA ha venido desarrollando en los últimos años, se encuentran las estable-cidas con la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera (ABAO), el Teatro de la Maestranza de Sevilla, la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM),

la Orquesta Sinfónica de Madrid, el Teatro Real de Madrid, y el Gran Teatro del Liceo de Barcelona.

• Encargos de composición a creado-res españoles e internacionales en colaboración con el Centro Nacio-nal de Difusión Musical (CNDM), la ORCAM y la Orquesta Sinfónica de Euskadi, además de otros encargos directos.

• Ciclos de conferencias y actividades orientadas a difundir y desvelar al público interesado el significado de la creación musical. La Fundación BBVA apoya también publicaciones de referencia en el ámbito de la música como la revista Scherzo.

La actividad de la Fundación BBVA en otras áreas de la cultura incluye la se-rie El Quijote del siglo xxi: versión ra-diofónica y el programa sobre pintura contemporánea Punto de fuga, ambos en colaboración con Radio Nacional de España (RNE).

La dedicación de la Fundación BBVA a la música y a la cultura le ha hecho merecedora de la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes así como la Medalla de Honor de la Real Acade-mia de Bellas Artes de San Fernando.

Miércoles, 17 de febrero de 2016 · 19:30 horas Auditorio Nacional de Música, Sala de Cámara

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IntérpretesPluralEnsemble

DirectorFabián Panisello

Director artístico Fabián Panisello

Coordinación técnicaBeatriz Amorós

Programa

Primera parte

Salvatore Sciarrino (1947)* Centauro marino

Luciano Berio (1925-2003) Sequenza I

Franco Donatoni (1927-2000) Ronda

Salvatore Sciarrino Trio

Segunda parte

Salvatore Sciarrino Lo spazio inverso

Luciano Berio Sequenza IXc

Franco Donatoni Spice (Ronda n. 2)

* Premio Fundación BBVA Fronteras del Conocimiento en Música Contemporánea

IntervienenFlauta: Rui BorgesClarinete: Joan TormoPiano: Alberto RosadoViolín: Javier AznárezViola: Ana María AlonsoViolonchelo: David Apellániz

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Retrato IVLuciano Berio Franco Donatoni Salvatore Sciarrino

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Salvatore SciarrinoCentauro marino

Una nueva forma de escucha: esta es la propuesta con la que Salvatore Sciarrino sacude al oyente de hoy, al que coloca en el centro del sonido mismo. Sciarrino ha conseguido dis-tinguir su música de cualquier otra del panorama compositivo al replan-tear los umbrales de la percepción, situándolos en el límite del silencio, y de esta forma establecer nuevas perspectivas de espacio y de tiempo.

Centauro marino es el tercero de los seis quintetos compuestos por el palermitano entre 1984 y 1989. Fue un encargo de I Solisti Dauni, quienes lo estrenaron en 1984 en la Terza Rassegna di Compositori Contemporanei de Foggia, y está dedicado al dramaturgo y director artístico Peter Kehr.

Es Centauro marino una obra para-digmática del lenguaje del autor, no basado en las alturas, «en las relaciones interválicas o en la lógica armónico-contrapuntística, sino en bloques complejos de articulaciones –que Sciarrino llama figuras– en los cuales el material tímbrico, los mo-dos de ataque, dinámicas, valores rít-micos y gestos instrumentales están interrelacionados inseparablemente» (Pietro Misuraca). En el «camino de la

escucha», Sciarrino propone una su-cesión de «ambientes acústicos inter-mitentes» que adquieren significado en el imaginario descrito por Laurent Feneyrou: el de «los vastos espacios inhabitados y, singularmente, […] el desierto marino, en los confines del sueño, allí donde el ser es, pero duda aún de ofrecerse a la existencia». Aquí cobra sentido la «ecología de la escucha» atribuida a su poética, una alternativa a la sobresaturación sensorial que encuentra sus relatos en los estímulos más imperceptibles de la naturaleza.

Luciano BerioSequenza I

Es en el acercamiento a la creación para instrumento a solo donde se pone de manifiesto la relación del compositor con la esencia del sonido, forjada en la indagación en el tim-bre, en el registro y en la idiosincrasia instrumental y, por supuesto, en la presencia física del intérprete. En los años cincuenta, la mayor parte de los creadores de vanguardia concentra-ron sus esfuerzos en la construcción de nuevos sistemas de composición, de forma que los aspectos idiomá-ticos de los instrumentos no se consideraron esenciales. Una de las excepciones fue Luciano Berio, nacido en una familia de Liguria de larga tra-

Notas al programa

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dición musical, que en 1958 comenzó una investigación lúcida y precisa so-bre la relación entre el pensamiento compositivo y el instrumento a solo. La globalidad de toda esta reflexión se concretó en las Sequenze, una se-rie de dieciocho piezas compuestas a lo largo de más de cuarenta años y dirigidas a intérpretes inquietos, que aceptaran el reto de ampliar los lími-tes tradicionales de su instrumento.

La Sequenza I para flauta fue com-puesta en 1958 para Severino Gazzelloni, reputado flautista prin-cipal de la Orquesta Sinfónica de la RAI, especialista tanto en el reper-torio barroco como en la literatura de vanguardia, y responsable de su estreno en Darmstadt. Según expresa el propio Berio, el término Sequenza tiene que ver con el hecho de que la pieza está construida «a partir de una secuencia de campos armónicos de los cuales derivan las otras funciones musicales». Uno de los desafíos de la obra es conseguir su esencia lírica a pesar de los frecuentes cambios de dinámica y registro y la tendencia al uso del staccato. El reto que se pro-puso el propio Berio –interpelando directamente al oyente– fue estable-cer, a partir de un instrumento esen-cialmente monódico, «un modo de escucha fuertemente condicionada para poder sugerir constantemente un contrapunto latente e implícito».

Berio, que años más tarde asom-braría al mundo de la composición revisitando sus referentes musicales –Mahler, en especial– en su posmo-derna Sinfonía, se propone trasladar el ideal de las melodías polifónicas de Bach a los contextos del siglo xx a través de diversos procedimientos, como el uso de sonidos largos y li-gados frente a otros puntuales en el registro agudo.

Existe también otro tipo de polifonía, un doble discurso que viene dado por la incorporación de elementos que atañen a la dimensión morfológica del instrumento –ruidos de llaves, cambios rápidos de articulación y di-námica, multifónicos…– y a la corpo-reidad del intérprete, con ruidos del aliento o frullati que acaban convir-tiéndose en un elemento sustancial en los momentos de máxima tensión.

Franco DonatoniRonda

Desde la época en que, siendo mu-chacho, se ganaba unas liras tocando el violín en la Arena de Verona, su ciudad natal, hasta el período de las piezas que escucharemos esta tarde, la trayectoria de Franco Donatoni está definida por cambios de rumbo y hondas experiencias vitales: sus estu-dios con Ildebrando Pizzetti, aunque

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bajo la tutela de Goffredo Petrassi, y la constatación de que, mientras gran parte de sus compañeros de genera-ción militaban en las filas de la van-guardia, él continuaba escribiendo la música de sus abuelos. Luego vino el encuentro con Bruno Maderna y su familiarización con la dodecafonía y el serialismo, momento en el que escribe, en su opinión, las obras «más feas» de su vida. Después, el rechazo de la filosofía de John Cage, que para él ponía en peligro toda la música, pero que acabaría por desencadenar una intensa reconsideración de sus procedimientos compositivos.

Ronda es un cuarteto con piano estre-nado por el Cuarteto Ivaldi en 1984 en el Festival de La Rochelle. Fue un encargo del Ministerio de Cultura francés y está dedicado al crítico galo Patrick Szersnovicz. Su título alude a la estructura de la pieza, en la cual, según Donatoni, «los fragmentos se desarrollan, reaparecen cíclicamente, en una lectura circular que no puede ser interrumpida porque no obedece a un diseño sino, por el contrario, a la naturaleza continuamente fluctuante de lo efímero». La estructura alterna así secciones en staccato de rítmica muy marcada e irregular con otras en las que desaparece la sensación de pulso, un efecto creado mediante la repetición de patrones asincrónicos dejados aparentemente al arbitrio

de un cierto automatismo cuyo ori-gen no es excesivamente aventurado relacionar con la pasión del autor por la numerología (el trece, por ejemplo, era su número «vital»). Donatoni revi-ve su experiencia veinteañera como pianista en los night clubs para infil-trar en la obra la vitalidad jazzística que resulta evidente en otras obras de la época, como Hot.

Salvatore SciarrinoTrio

A la vez que clarificaba y concreta-ba el uso de materiales respecto a los procedimientos más abigarrados de sus obras tempranas, Salvatore Sciarrino se volcó durante los años setenta en la exploración de las po-sibilidades de los instrumentos de cuerda, especialmente combinados en grupos de cámara, indagando en ese virtuosismo trascendental con el que aspira, extendiendo los límites del instrumento, a cruzar el umbral de las certezas. La terminología histó-rica utilizada en relación con el orgá-nico de la pieza –violín, violonchelo y piano– está lejos de remitirnos al empleo de recursos estilísticos neo-clásicos, sino que la lógica del len-guaje descansa en la reiteración de sus figuras características, progresi-vamente densificadas. Entre ellas, los ondulados movimientos en inversión

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o los glissandi que el pianista debe efectuar con guantes de lana vuelven a otorgar al piano el papel proactivo.

Además de la dedicatoria al musicó-logo Mario Bortolotto, la partitura aparece encabezada por la siguiente leyenda: «Y después dime si tan-tas maravillas han sido hechas por engaño o bien por arte», una frase escrita bajo el zócalo de uno de los pétreos monstruos de la Villa Orsini de Bomarzo, que aguardan al vi-sitante desde el siglo xvı. Si con la entrada en el misterioso bosque el viajero debe abandonar todo pen-samiento racional para introducirse en un mundo poblado de gigantes, orcos y sirenas, el oyente debe re-nunciar a la escucha convencional y entrar en contacto con otra realidad sonora, donde los eventos surgen de la nada y desembocan en ella. En este terreno, el acontecimiento más imperceptible cobra una dimensión insospechada, tan fascinante que conecta directamente con nuestra imaginación, sin necesidad de análi-sis profundos.

Salvatore SciarrinoLo spazio inverso

Es bien conocida la dedicación de Salvatore Sciarrino a la música escé-nica, de la que son exponentes ópe-

ras como Perseo e Andromeda (1990) o Luci mie traditrici (1998), fantasmal revisión de la historia de Gesualdo. Pero Sciarrino traslada el drama al sonido mismo; tiene la cualidad de «suscitar espacios donde no hay más que una creación mental», una expe-riencia perceptible en la escucha de Lo spazio inverso. La indicación inicial en la partitura –«como sin tiempo, con la respiración»– subraya la para-doja que se propone Sciarrino: «Crear la apariencia de movimiento con el estatismo». El acorde de dos sonidos del clarinete –una figura recurrente en su música– es la respiración de la pieza, la de quien, al introducirse en un espacio opresivo, escucha su pro-pio aliento, su propia inquietud: «En el silencio encontramos los sonidos del cuerpo y los reconocemos como nuestros, los escuchamos, finalmen-te», dice Sciarrino. Como modernos Teseos, recorremos las perspectivas alucinantes de sonidos que se dispa-ran hacia el agudo, permanecemos atentos a gemidos imperceptibles y vibrantes, a multifónicos ultramun-danos, a los rugidos de la flauta y el violonchelo o a las figuraciones des-tellantes de la celesta. La respiración se acelera y la música parece termi-nar arbitrariamente al interrumpirse el episodio onírico.

Dos dimensiones reconoce Sciarrino en esta obra: una «más oscura; la

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otra, más bestial», y están goberna-das por leyes que, como la sustancia de la música, son también hetero-doxas: «Ni continuidad, ni fragmen-tos, ni dialéctica. […] Se evitan los desarrollos y, en realidad, solo se sugieren afinidades o lazos entre un momento y el sucesivo. […] Basta la misma consciencia de que la red de los sentidos organiza también el desorden y el caos es legible».

Luciano BerioSequenza IXc

Durante los años setenta Berio de-sarrolló una serie de investigaciones en el Ircam de París a propósito de la transformación electrónica de la música en vivo, especialmente par-tiendo del tratamiento vocal. A partir de este trabajo, conformó en 1980 la Sequenza IX para clarinete, que tuvo dos versiones más en el mismo año: la de saxofón contralto (IXb) y la de clarinete bajo (IXc), la pieza que escucharemos esta tarde. Estrenada en 1997 en Turín por el clarinetista Rocco Parisi, este realizó un arreglo un año después que es la versión hoy en día vigente.

Fundamentalmente melódica y hori-zontal, con un predominio del legato, la concepción de la pieza encuentra su origen en otra acepción del término

«secuencia»: la referida a las exten-siones melódicas del jubilus final del Aleluya de la misa medieval y a los procedimientos de desarrollo y pro-liferación basados en la repetición de un modelo, que implican, según Berio, «redundancia, simetría, trans-formación y retorno». En cada sección, esa «melodía» es ampliada a través de diversos tipos de materiales que aportan al discurso una ambigüedad de lectura, desde arpegios y escalas a cantados, multifónicos y frullati conducentes al punto culminante de la sección central. Desde la primera sección se ponen de manifiesto las notas estructuralmente importantes, cuya evolución desemboca en el foco de una llamada perentoria previa al final. Berio recurre a un «virtuosismo del conocimiento» para ampliar las posibilidades de instrumentos que, en su opinión, no pueden ser cambiados o inventados. De hecho, con su mirada eurocéntrica, comparaba la acción del piano preparado de Cage con el hecho de pintar un bigote sobre la Mona Lisa.

Franco DonatoniSpice (Ronda n. 2)

Si la mayor parte de las obras del ca-tálogo de Donatoni están destinadas a instrumentos a solo y a conjuntos de cámara, esto es así, en gran parte, por cuestiones prácticas: el compo-

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sitor recelaba de las orquestas y sus directores, en cambio, depositaba su confianza en las agrupaciones que estudiaban «con inteligencia y pasión el repertorio contemporáneo». Esto le permitió prestar toda la atención a las características tecnológicas de los diversos instrumentos, a sus articula-ciones y su timbre contemplado no como color, sino de forma intrínseca al material compositivo. En las obras de su última etapa, la música parece correr con facilidad bajo los dedos del intérprete; este aspecto fisiológico, junto a la posesión de la naturalidad en el oficio que propició la reflexión inherente a su faceta pedagógica, lo condujo a estructuras más flexibles y a un estilo más diáfano. En este momen-to persevera también en la reconside-ración de materiales de obras prece-dentes, como ocurre en las segundas versiones de Ciglio, Nidi o Algo. Este es también el caso de Spice (Ronda n. 2), dedicada al Cuarteto Quorum y estrenada en Londres en 1991. Consis-te en una sucesión muy maleable de secciones determinadas por modos de ataque, dinámicas, intercambios tím-bricos y de textura, pero que Donatoni –coleccionista de cajas de música y fascinado por los mecanismos– so-mete a una implacable pulsación de reminiscencias barrocas.

Belén Pérez Castillo

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Luciano Berio

Nació en una pequeña población italiana, Oneglia, donde su abuelo y su padre tocaban el órgano en una iglesia de la zona y donde también componían. Luciano Berio estaba con-vencido de que era necesario que los jóvenes compositores reconocieran y aprovecharan los logros de sus prede-cesores estudiando sus partituras y es-cribiendo música de diferentes estilos. Él debía mucho a su maestro, Giorgio Federico Ghedini, bajo cuya influencia aprendió a amar y a respetar la mú-sica de Claudio Monteverdi (en 1966 realizó un arreglo de Il combattimento di Tancredi e Clorinda), así como su amigo Bruno Maderna.

Berio y Maderna crearon de mane-ra conjunta el Studio di Fonologia Musicale (1955), donde fueron com-puestas Mutazioni, Perspectives y Thema (Omaggio a Joyce), así como Différences. Fundaron, asimismo, la publicación Incontri musicali (1956-1960), título que dieron también a un ciclo de conciertos que tuvo entre sus directores a Pierre Boulez, Hermann Scherchen o el propio Maderna.

Con el paso de los años y de las décadas, Luciano Berio creció hasta convertirse en una destacada figura de la vida musical internacional. Al igual que sucedió con unos pocos compositores más, todos ellos nacidos en la década de

1920 (incluyendo al recientemente fallecido Pierre Boulez y a Luigi Nono), cualquiera que fuera la obra producida acababa convirtiéndose en un hito de la historia de la música, tanto si se trataba de composiciones para instrumento solista y voz solista (el ciclo de Sequenze), de piezas para conjunto de cámara (incluyendo Chemins, basadas en algunas de las Sequenze), para orquesta (su Sinfonía –con ocho voces añadidas al conjunto– es hasta el día de hoy una composición representativa de la década de los años sesenta), coro y orquesta (Coro, donde se produce un tratamiento emblemático de la música popular en el marco de una composición contemporánea), voz y orquesta (como, por ejemplo, Epiphanies), voz solista, coro y orquesta (Stanze, para barítono, coro masculino y orquesta, que supuso la despedida de Berio de la composición) y todas sus obras de teatro musical (Passaggio, La vera storia, Un re in ascolto, Laborintus II).

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Franco Donatoni

Nacido en Verona el 9 de junio de 1927, comenzó a estudiar música en su ciudad natal con Piero Bottagisio y, posteriormente, prosiguió sus estudios en la especialidad de Composición en el Conservatorio Giuseppe Verdi de Milán con Ettore Desderi y en el Conservatorio Giovan Battista Martini de Bolonia con Lino Liviabella. Se licenció en Composición y Orquestación para bandas en 1949, en Música Coral en 1950 y obtuvo un tercer diploma en Composición en 1951. En 1953 se diplomó en el curso avanzado de Composición impartido por Ildebrando Pizzetti en la Accademia Nazionale di Santa Cecilia de Roma. Asistió a los Cursos de Verano de Darmstadt en 1954, 1956, 1958 y 1961.

A lo largo de su carrera Donatoni obtu-vo muchos premios: el Premio de Lieja (1951, Cuarteto), Premio Radio Luxem-burgo (1952, Concertino, para cuerda, metal y timbales solistas; y en 1953, Sinfonía, para orquesta de cuerda), Premio SIMC (Sociedad Internacional para la Música Contemporánea) (1961, Puppenspiel, para orquesta), Premio Marzotto (1966, Puppenspiel II, para flauta, flautín y orquesta), el Premio Koussevitzki (1968, Orts, para catorce instrumentos) y Premio Psacaropoulo (1979, Spiri, para diez instrumentos). Sus obras han sido publicadas por Zanibon, Schott Music y Boosey & Hawkes en Londres, Suvini Zerboni

(1958-1977) y Ricordi (a partir de 1977) en Milán.

Donatoni impartió clases en numerosos centros de todo el mundo y en 1972 fue invitado por el Servicio Alemán de Intercambio Académico para trabajar durante un año como compositor residente en Berlín. En 1979 fue invitado a celebrar un seminario sobre su trabajo en la Universidad de California en Berkeley. Fue miembro de la Accademia Nazionale di Santa Cecilia y de la Accademia Filarmonica Romana, y en 1985 le fue otorgado el título de Commandeur dans l’Ordre des Arts et des Lettres por el ministro de Cultura francés.

En 1990, el Festival MITO Settembre Musica de Turín le dedicó un extenso programa monográfico y de junio a octubre de 1992, en el marco de las Jornadas de Conciertos Milano Musica, se celebró una importante serie de conciertos en su honor. De las composiciones escritas en la década de los noventa cabe destacar las obras encargadas por el Ministerio de Cultura y Comunicación Francés, Radio France, Festival de Salzburgo o la Süddeutscher Rundfunk de Stuttgart, entre otros.

Donatoni falleció el 17 de agosto de 2000 y sus últimas composiciones orquestales fueron interpretadas a título póstumo en 2001.

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Salvatore Sciarrino

A Sciarrino le gusta alardear de haber nacido libre y no fruto de una escue-la de música. Autodidacta, comen-zó a componer a los doce años. Su primer concierto público se celebró en 1962. Pero él define como «obras inmaduras propias de un período de aprendizaje» lo que escribió antes de 1966, pues es entonces cuando afloró su estilo personal. Hay algo realmente especial en relación con su música: provocar una nueva forma de escuchar, proyectándose una emocio-nante consciencia de la realidad de uno mismo. Y pasados cuarenta años, su enorme catálogo de composicio-nes se encuentra aún en una fase de asombroso desarrollo creativo.

Después de completar sus estudios y pasar varios años en la Universi-dad de Palermo, su ciudad natal, se trasladó primero a Roma en 1969 y, más tarde, a Milán en 1977. Desde 1983 vive en Umbría. Ha publicado sus obras en la editorial Ricordi de 1969 a 2004. El año siguiente sus de-rechos de autor pasaron a manos de RAI Trade. Su discografía es especial-mente amplia: alrededor de ochenta discos compactos, publicados por los principales sellos internaciona-les, han recibido grandes elogios y numerosos premios. Además de los libretos de sus propias obras de tea-tro musical, Sciarrino ha escrito un gran número de artículos, ensayos

y textos de diversa índole. Algunos de ellos han sido seleccionados y re-copilados en Carte da suono (Cidim/Novecento, 2001). Asimismo, hay que destacar su libro de carácter interdis-ciplinario sobre la forma musical: Le figure della musica, da Beethoven a oggi (Ricordi, 1998).

Ha impartido clases en los Conserva-torios de Milán (1974-1983), Perugia (1983-1987) y Florencia (1987-1996). También ha impartido cursos de es-pecialización y clases magistrales, entre los que destacan los de Città di Castello de 1979 a 2000. De 1978 a 1980 fue director artístico del Teatro Comunale de Bolonia. Es miembro de la Accademia Nazionale di Santa Cecilia, la Academia de Bellas Artes de Baviera y la Academia de las Artes de Berlín. Ha sido galardonado con numerosos premios, siendo los más recientes el Prince Pierre de Móna-co (2003), el Premio Internazionale Feltrinelli (2003) y el Premio Fun-dación BBVA Fronteras del Conoci-miento en Música Contemporánea (2011). Además, en 2006 fue el primer premiado en la primera edición del Musikpreis de Salzburgo.

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Fabián Panisello

Compositor y director argentino-espa-ñol afincado en Madrid, es director y fundador de PluralEnsemble y direc-tor de la Escuela Superior de Música Reina Sofia y del Instituto Internacio-nal de Música de Cámara de Madrid.

Se formó como compositor con Fran-cisco Kröpfl en Buenos Aires y con Bogusław Schaeffer en el Mozarteum de Salzburgo (Diploma de Excelen-cia, 1993). Completó su formación con Elliott Carter, Franco Donatoni, Brian Ferneyhough y Luis de Pablo en composición y con Peter Eötvös en dirección.

Han interpretado su obra artistas como Pierre Boulez, Peter Eötvös, el Cuarteto Arditti, Susanna Mälkki, Dimitri Vassilakis, Allison Bell, Laia Falcón, Marco Blaauw, Leigh Melrose o Francesco D’Orazio y agrupaciones como la Orquesta de la Südwestrundfunk (Baden-Baden), Deutsches Symphonie-Orchester de Berlín, Orquesta Nacional de Es-paña, Orquesta del Mozarteum de Salzburgo, Orquesta de la Comunidad de Madrid, Orquesta Sinfónica de la BBC, Orquesta de la Ópera de Lyon, Ensemble Modern, Nouvel Ensemble Modern y Orquesta Sinfónica de Puer-to Rico, entre otras.

Ha obtenido premios como el Mozarts Erbe que concede la ciudad de

Salzburgo o el Premio Iberoamerica-no de Composición Rodolfo Halffter, así como becas de numerosas funda-ciones, incluida la beca del rector del Mozarteum de Salzburgo. Desde 2010 es miembro de la Academia Nacional de Bellas Artes de Argentina.

Como compositor y director ha actuado en los principales festiva-les del mundo dedicados a la mú-sica actual, como Wien Modern, Donaueschingen, Bienal de Múnich, Otoño de Varsovia, Présences, Mu-sica de Estrasburgo, Ars Musica, Ultraschall, Aspekte, Manca, Spazio Musica, el ciclo de música con-temporánea de la Westdeutscher Rundfunk, Klangspuren Schwaz del Tirol, además de, en España, la Quincena Musical de San Sebastián. Ha participado como codirector en dos estrenos absolutos de Karlheinz Stockhausen, Hoch-Zeiten y Mixtur 2003 , con las orquestas de la Westdeutscher Rundfunk de Colonia y la Deutsches Symphonie-Orchester de Berlín.

Ha estrenado numerosas obras y gra-bado discos para sellos como NEOS y col legno (Múnich), Cypres (Bruselas) o Verso (España). Publica sus obras en la editorial Peters de Fráncfort.

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PluralEnsemble

PluralEnsemble es un conjunto instru-mental especializado en la música de los siglos xx y xxı, fundado por Fabián Panisello, su director titular. Buscando siempre la más alta calidad interpreta-tiva, desarrolla anualmente una tem-porada estable de conciertos y giras, alternando el repertorio más exigente de solista con obras para conjunto.

Por séptimo año consecutivo desarro-lla el Ciclo de Conciertos Fundación BBVA de Música Contemporánea en el Auditorio Nacional de Música de Madrid y el Ciclo de Solistas Funda-ción BBVA en su sede del Palacio del Marqués de Salamanca, y participa asimismo en el VI Ciclo de Conciertos de Música Contemporánea organiza-do por la Fundación BBVA en su sede de Bilbao. Realiza habitualmente giras nacionales e internacionales.

A lo largo de su trayectoria ha in-tervenido con gran éxito de crítica y público en los principales festiva-les internacionales especializados, como son Musica de Estrasburgo, Atempo de Caracas, Présences de París, Ars Musica de Bruselas, Manca de Niza, Spaziomusica de Cagliari, Aspekte de Salzburgo, IFCP Mannes de Nueva York, el Festival de Música de Alicante, la Quincena Musical de San Sebastián, el ciclo de la WDR de Colonia, Nous Sons del Auditori de Barcelona, el Festival de Otoño de

Varsovia, Ultraschall y la Konzerthaus de Berlín y Klangspuren Schwaz del Tirol, entre otros.

Colabora con artistas como Peter Eötvös, Salome Kammer, Hilary Summers, Cristóbal Halffter, Mar-co Blaauw, Jörg Widmann, Dimitri Vassilakis, Nicholas Isherwood, Alda Caiello, Allison Bell, José Ma-nuel López López, Siegfried Mauser, Wolfgang Lischke, Christian Baldini, Nicolas Altstaedt, Zsolt Nagy, Cé-sar Camarero, Jon Ketilsson, Pablo Márquez, Charlotte Hellekant, Matthias Pintscher, Hansjörg Schellenberger, Tadeusz Wielecki, Lorraine Vaillancourt, Marco Angius. Natalia Zagorinskaya, Péter Csaba, Johannes Kalitzke, Luis de Pablo o Toshio Hosokawa.

Ha realizado numerosas grabaciones para diversas emisoras de radio euro-peas (WDR, RBB, RNE, RF, ORF, RTBF o la Radio Polaca, entre muchas otras), así como grabaciones discográficas para los sellos col legno, Verso, Cer-vantes y NEOS.

Depósito legal: M-31096-2015

6octubre201519:30h

17noviembre201519:30h

16diciembre201519:30h

17febrero201619:30h

10marzo201619:30h

11mayo201619:30h

Retrato I

Igor Stravinsky / Pierre Boulez

Director: Fabián PaniselloMúsico invitado: Dimitri Vassilakis (piano)

Retrato II

Toru Takemitsu

Solistas de PluralEnsemble

Retrato III

Cristóbal Halffter: 85º aniversario

Clásicos de los siglos xx y xxı

Director invitado: Marco AngiusSolista: Duncan Gifford (piano)

Retrato IV

Luciano Berio / Franco Donatoni / Salvatore Sciarrino

Director: Fabián Panisello

Retrato V

Integración y Contrastes: la música en China y España en el siglo xxı

Directora invitada: Lorraine Vaillancourt

Retrato VI

Gustav Mahler/ György Kurtág

Director: Fabián PaniselloSolista: Natalia Zagorinskaya (soprano)

www.fbbva.es www.pluralensemble.comPluralEnsemble