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Dirección:Recrea Asturias

Equipo Laboral Escena:Dirección de programación:Mateo FeijóoCoordinación:María José ManzanequeMamen Adeva

Equipo del Teatro de la Laboral:Coordinación general:Jesús SoberónDirección técnica:Rafael Javier Mojas Coordinación técnica:José Miguel Díaz Sonido:Eduardo Espina Javier GarcíaRoberto LorenzoIluminación:José Félix GarmaMariano EstebanVíctor VivarMaquinaria:María Jesús CañasLuís Andrés Eladia Montserrat AriasRodolfo Gustavo GonzálezFrancisco Javier AndrésPrensa:Cristina CabezaJefa de sala:Susana QuirósTaquilla:María Teresa Miravalles

Fotografía de portada:Rafael Gavalle

Diseño y maquetación:Bitácora Grupo

Impresión y filmación:Gráficas Covadonga

Depósito Legal:AS-5242-07 R

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Gelabert-Azzopardi Cia. de Dansa 08Glimpse

Compañía Toujours après minuit 10Récitatifs Toxiques. Concierto Teatral Bailado

Pockemon Crew Cie 12C’est ça la vie!

Membros Companhia de Dança 14Febre

Festival Complicidades 16Una iniciativa de La Mekanica (Barcelona) con la colaboración de Laboral Escena

Cláudia Müller 18Danza contemporánea a domicilio

Meg Stuart / Damage Goods & EIRA 20BLESSED

La Zaranda 22Los que ríen los últimos

Centro Coreográfico Galego 24Kiosko das Almas Perdidas

Olga Mesa 26Solo a Ciegas (título provisional)

Theo Hakola & The Wobbly Ashes 28Concierto “Sung Words and Feed-Back”

PALABRA Y MÚSICA 30IV FESTIVAL INTERNACIONAL DE SPOKEN WORD

Tom Zé e Banda 34Danç-Êh-Sá - Dança dos Herdeiros do Sacrifício

Meredith Monk 36Meredith Monk & Vocal Ensemble

L.E.V. FESTIVAL 38

Ray Lee 40Siren

Gisèle Vienne 42Kindertotenlieder

La Carnicería Teatro 44Arrojad mis cenizas sobre Mickey

Grupo Acrobático de Tánger 46Taoub

Ballet de la Ópera de Lyon 48Limb’s Theorem

TALLERES

Taller de Creación, Composición y 52Experimentación MusicalDirigido e impartido por Tom Zé

INFORMACIÓN PRÁCTICA

Índice

06 07

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Gelabert-Azzopardi Cia. de Dansa

Glimpse

PAÍS España DURACIÓN 45 min AFORO limitado

Cesc Gelabert presenta un solo de danza en el que susmovimientos entran en diálogo con las imágenes y la músi-ca. Una pantalla determinada por el espacio escénicorefleja la unión entre el cuerpo, los sentidos, las emocio-nes, el espacio, el tiempo y los pensamientos del bailarín,y rompe la frontera entre sus reflexiones internas y aquelloque el espectador ve como resultado.Glimpse nace como un proyecto insólito en la trayectoriade Gelabert, pensado para ser representado no sólo enteatros sino también en museos, galerías u otros espaciosescénicos. El bailarín cuenta con la colaboración del pres-tigioso videoartista neoyorquino Charles Atlas, creador delos primeros vídeos de danza durante la década de lossetenta, y de Carlos Miranda, quien compone la partiturapara Glimpse.Gelabert-Azzopardi es una de las compañías de danza másnotables de España y una de las más reconocidas interna-cionalmente debido a su estilo personal y emblemático enel ámbito de las artes escénicas. Fundada en Barcelona enel año 1985 por Cesc Gelabert y Lydia Azzopardi, ha sidocompañía co-residente del Hebbel-Theater de Berlín y com-pañía residente del Teatre Lliure de Barcelona. La compañía, además de crear sus propias producciones,ha coreografiado obras para el Balletto di Toscana,Tanztheater Komische Oper, Ballet Gulbenkian, MikhailBaryshnikov y David Hughes.De los numerosos premios que han recibido destaca laMedalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes del GobiernoEspañol (1994), el Premio Nacional de Danza delMinisterio de Educación y Cultura (1996), y el Premio Maxde las Artes Escénicas concedido durante dos años con-secutivos (2005 y 2006) a Cesc Gelabert como mejorintérprete del año.

24 . 25enero

20.30 h

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Coreografía, concepto, espacio e interpretación Cesc Gelabert; En colaboración con el videoar-tista Charles Atlas; Música Carlos Miranda; Vestuario Lydia Azzopardi; Imagen 3D Juan CarlosOlmos; Captura del movimiento N. Font, J.C. Olmos, D. Fornaguera; Asesoramiento técnicoaudiovisual Toni Rueda; Asistente del coreógrafo Toni Jodar, Sarah Taylor; Fotos Ros Ribas;Dirección técnica y sonido Quim Isern; Luces Miguel Muñoz, Conxa Pons; Asistente vestuario ymantenimiento Georgina Mister; Confección vestuario Teatre Lliure; Transporte Xoriguer;Comunicación y coordinación Montse G. Otzet; Contable Núria Feliu; Producción y distribuciónMaria Rosas; Coproductores Forum Grec 2004 Gelabert AzzopardiCon la colaboración de BENECÉ PRODUCCIONS.

Compañía Toujours après minuit

Récitatifs Toxiques.Concierto Teatral BailadoPAÍS Francia DURACIÓN 1 h 20 min

La multiplicidad de culturas y experiencias de RoserMontlló-Guberna y de Brigitte Seth, coreógrafas y direc-toras de la compañía, les conduce, cuando seencuentran, a crear espectáculos en los que el teatro, ladanza y la música se enlazan. De esta unión naceRécitatifs Toxiques, un concierto teatral bailado en elque los diferentes lenguajes artísticos se complemen-tan, están en armonía y requieren la participación delpúblico.

Récitatifs Toxiques es la última parte de una trilogíadedicada al autor Max Aub y al compositor HeinrichIgnaz Franz von Biber, en la que Crímenes ejemplares yLas sonatas representativas están presentes cuando laspalabras, la música y la danza son reflejo de los esta-dos físicos y psicológicos de los personajes. El cuerpo,entre las palabras y la música, expresa lo indecible, semueve como las cuerdas del violín y se tuerce en unadanza impulsiva que recurre a un registro tanto burles-co como onírico.

Desde su creación en 1997, la compañía Toujours aprèsminuit ha creado nueve espectáculos: El cómo quieres(1997), Personne ne dort (1998), Suite pour quatre(2000), L'Entrevue (2001), Rosaura (2002), Revue et corri-gée, es menschelt (2004), Epilogos, confessions sansimportance (2004), Je te tue, tu me tues, le premier denous tous qui rira… (2006) y Récitatifs toxiques (2007).

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Coreografía y puesta en escena Roser Montlló Guberna y Brigitte Seth; Texto extractos deCrímenes ejemplares de Max Aub; Música Heinrich Ignaz Franz von Biber; Escenografía ClaudineBrahem; Diseño de luces Dominique Mabileau; Asistente Dominique Brunet; Vestuario ThierryGuénin; Interpretación – Conjunto musical dirección artística Joseph Rassam; Christophe Robert(violín), Marie Rouquié (violín), Hélène Platone (alto), Nils De Dinechin (violoncelo), Jean-luc Ho(clave), Joseph Rassam (órgano); Actor-músico Jean-Pierre Drouet (percusiones); Actores-bailari-nes Roser Montlló Guberna, Brigitte Seth, Jean-Baptiste Veyret-Logerias, Dominique Brunet; Controlgeneral Eric Proust; Asistente control Yves Empio; Construcción escenografía Proscénium(Rennes); Producción y difusión Françoise Empio.

Coproducción Théâtre de la Ville/Paris, Théâtre Pôle Sud/Estrasburgo, Comunidad de comunes delPaís de Briey, Teatro Paul Eluard/Bezons, Conjunto Quam Dilecta /Tours, Compañía Toujours aprèsminuit/Paris. Subvencionada por la Dirección Regional de los Asuntos Culturales deIle- de- France /Ministerio de Cultura y de Comunicación. En el marco de la ayuda a las compañías coreográficas.Compañía en residencia larga en Micadanses.

Pockemon Crew Cie

C’est ça la vie!

PAÍS Francia DURACIÓN 1 h

La creación de un idioma que puede ser bailado es elpunto de partida de la compañía Pockemon Crew.Ocho bailarines, cuyo único elemento de transmisión esla danza, traen al Teatro de la Laboral C’est ça la vie!, unespectáculo que refleja la pasión por el movimiento, lacreación, la originalidad y la idea de que cada individuoes fuente de inspiración para el resto del grupo.

Pockemon Crew comenzó en la calle, tomando comopunto de encuentro los soportales de la Ópera de Lyon,lugar en el que ensayaban, hasta que dos años des-pués, en 1999, se creó la compañía. En el año 2003 seconvierte en una de las compañías residentes de esteespacio escénico francés.

Referencia de la nueva generación del movimiento hiphop en Estados Unidos, su forma de bailar se conside-ra un movimiento artístico capaz de transformar lasociedad, las artes y las generaciones.

El espectáculo C’est ça la vie! fue presentado en laapertura de la Biennal de la Danza de Lyon.

7 . 8febrero20.30 h

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adCoreografiado e interpretado por Riyad Fghani, Ali Ramdani–Liloo, Brahim Zaibat, Yann Abidi,Georges Fagbohoun, Douniel Fghani, Rodolphe Gasnier y Moncef Zebiri; Creación musicalChristophe Rudel; Creación luz Yves Caizergues; Vestuario Chantal Cloupet; Vídeo JacintoCarvalho y Yoan Chiarramonte; Producción y difusión Kheira Mehalli.

Coproducido por Association Qui fait ça? Kiffer ça! y la Biennale de la Danse de Lyon.Pockemon Crew es una compañía residente en la Ópera Nacional de Lyon, con el apoyo de la ciu-dad de Lyon, DRAC Rhône Alpes y la región de Rhône Alpes.Agradecimientos Ópera Nacional de Lyon, Maison de la Danse, MJC de Montluçon, Rillieux laPape’s National Choreographical Centre, GL Event.

Membros Companhia de Dança

Febre

PAÍS Brasil DURACIÓN 55 min

Un escenario completamente blanco, en efervescencia,es el espacio en el que los cuerpos, el movimiento, laluz, la interacción audiovisual, se entremezclan y llevana los espectadores al centro de la problemática conflic-tiva contemporánea.

El hip hop es el hilo conductor de este espectáculo enel que seis bailarines utilizan la danza como instrumen-to político, al ritmo de una música formada por lamezcla de rap, rock, música clásica y funky carioca, lamúsica popular de las favelas de Río de Janeiro.

Febre es la segunda parte de una trilogía llevada a cabopor la compañía sobre el tema de la violencia, tanto físi-ca como simbólica.

La compañía Membros nace en Macaé, una ciudadsituada a 180 km de Río de Janiero, en Brasil. Diezpersonas, de casi 200.000 que tiene la ciudad, deci-dieron apostar por otra perspectiva de vida que noestuviera basada en las desigualdades y la violencia,y formar una compañía de danza profesional con jóve-nes de la ciudad, sabiendo que un noventa por cientode estos alumnos no habían tenido ningún contactocon la danza.

En el año 1999, Paulo Azevedo, educador y Doctor enciencia política, y la coreógrafa Taís Vieira crean la com-pañía y fundan un proyecto más extenso, de formacióne información, el CiemH2-Centro de EstudiosIntegrados del Movimiento hip hop en Macaé.

28 . 29febrero20.30 h

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Creación y dirección Paulo Azevedo y Taís Vieira; Coreografía Taís Vieira; Intérpretes AmiltonVilarindo, João Carlos Silva, Mirila Greicy, Luiz Henrique, Jean Gomes y Zanzibar Vicentino; Bandasonora Paulo Azevedo; Música Bach, Chico Buarque, Faccai Central, Jorge Aragao, extractos deFunky Carioca; Iluminación José Martins; Escenografía Delphine Lancelle; Producción y difusiónEl Climamola; Coproducción Les Recontres de la Villette/ Parc de la Villete y el Festival de BarcelonaGrec / Mercat de les Flors; Residencias de creación Centre de creació Ca l’Estruch- Ajuntament deSabadell, Teatro Alegria de Terrassa y el Café-Danses Bobby-Sands-Savigny-le-Temple; Con elapoyo de MINC (Ministerio de Cultura do Brasil)-Fondo Nacional de Cultura- IDEE, programmeCulture 2000 et Union Européenne.

Festival Complicidades

Una iniciativa de La Mekanica (Barcelona)con la colaboración de Laboral Escena

PAÍS España

La segunda edición del Festival Complicidades llega aGijón el 5 de marzo gracias a la colaboración de LaboralEscena, tras su paso por Barcelona desde el 21 de febre-ro. Se trata de un festival internacional de danza y artesvivas contemporáneas, movilidad artística y diálogo inter-cultural, organizado por la asociación La Mekanica deBarcelona.

Un evento internacional que quiere tejer complicidadesentre artistas, públicos, disciplinas y culturas, abogandopor la creación de un contexto propicio y más atento alcompromiso del artista y del espectador con el presenteen todos los sentidos.

Complicidades 2008 incluye una selección de obrasescénicas, instalaciones, acciones de creadores actualesde Europa, Norte de África, Oriente Próximo ySudamérica. Artistas independientes nos proponen mira-das y reflexiones sobre los espacios fronterizos denuestra sociedad tomando como referencia el cuerpo yel movimiento.

Cláudia Müller presenta el día 5 de marzo Danza contem-poránea a domicilio, una experiencia de llevar la danza alugares cotidianos de la vida diaria pero que no son habi-tuales como espacios escénicos.

Como clausura del Festival Complicidades llega al Teatrode la Laboral BLESSED, de la coreógrafa norteamericanaMeg Stuart y su compañía Damaged Goods; una piezaque ha sido presentada en los festivales de danza másimportantes de Europa, logrando conquistar a nivel inter-nacional grandes elogios de los más prestigiosos críticosde danza de la actualidad.

Del 5 al 8de marzo

20.30 h

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Cláudia Müller

Danza contemporánea a domicilio

PAÍS Brasil DURACIÓN 5-10 minutos

Cláudia Müller presenta Danza contemporánea a domi-cilio, una experiencia de llevar la danza a lugarescotidianos de la vida diaria pero que no son habitualescomo espacios escénicos.

La coreógrafa y bailarina brasileña va al domicilio solici-tado para presentar su espectáculo. La sorpresa y elcomportamiento de quien recibe la danza se convierteen parte del contexto de esta pieza. Cualquier personapuede solicitar la Danza contemporánea a domiciliopara un amigo, un familiar o un compañero de trabajo através del teléfono 985 18 55 94.

Esta performance es una de las producciones másrecientes de la coreógrafa brasileña presentada en dis-tintos festivales de danza y en escuelas de Río deJaneiro.

La danza llega a lugares donde no se la espera, bus-cando espacios que pasan desapercibidos en la vidadel día a día.

5marzo

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Coreografía e interpretación Cláudia Müller; Coproducción ITAU – Rumos Dança (Brasil).

PAÍS Bélgica / Portugal DURACIÓN 1 h 20 min AFORO limitado

Los coreógrafos y bailarines Meg Stuart y FranciscoCamacho se conocieron en Nueva York. Este encuentrollevó al coreógrafo y bailarin portugués a participar enDesfigure Study, primer trabajo de Meg Stuart enBélgica. Después de varios años sin colaborar, vuelvena coincidir en esta pieza.

BLESSED es el reflejo de la confrontación entre lo natu-ral y lo artificial. Elementos básicos como la lluvia y elcuerpo humano forman la base para la defensa contrala ruina total y el destino final. Nuestro mundo de arte-factos artificiales, modelos a imitar y aparicionesexternas es violado por los fundamentos más básicos.

7 . 8marzo

20.30 h

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Meg Stuart / Damaged Goods

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BLESSED

La Zaranda

Los que ríen los últimos

PAÍS España DURACIÓN 1 h 20 min AFORO limitado

El espacio escénico pone de manifiesto el largo viaje detres actores que dan vida a una troupe de payasos, loshermanos Zarandini, cuya única posesión es la risa delos que mantienen la esperanza y aún sienten la nostal-gia del paraíso frente a la carcajada desdentada deltiempo.

Su extravagante y penoso peregrinaje será un regresohacia un pasado remoto, desconocido y misteriosopara el que sólo cuentan con las indicaciones de unpadre difunto. La necesidad y el abatimiento viajan enel equipaje de estos artistas de ropajes estrambóticos,llenos de parches y remiendos.

Han transcurrido más de veinticinco años desde que LaZaranda emprendiera su andadura teatral, realizandouna intensa labor de investigación que le ha valido ungran prestigio internacional. Su trayectoria tiene comoconstantes teatrales: el compromiso existencial y lafidelidad a sus raíces tradicionales; como recursos dra-máticos: el uso simbólico de los objetos, el expresionismovisual, la depuración de textos y la creación de persona-jes y situaciones límites; y como método de trabajo, unriguroso proceso de creación colectiva.

La Zaranda desarrolla una poética teatral que, lejos defórmulas estereotipadas y efímeras, se ha convertido enun lenguaje propio, que siempre intenta evocar a lamemoria e invita a la reflexión.

13 . 14marzo

20.30 h

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Dirección y espacio escénico Paco de la Zaranda; Interpretación Gaspar Campuzano, EnriqueBustos y Francisco Sánchez; Textos e iluminación Eusebio Calonge.

Centro Coreográfico Galego

Kiosko das Almas Perdidas

PAÍS España DURACIÓN 1 h 30 min

En coproducción con Laboral Escena, el CentroCoreográfico Galego (CCG) presenta este espectáculodirigido por Roberto Oliván; un híbrido entre danza, tea-tro, música en directo, ilusionismo, vídeo y animación.El escenario se convierte en reflejo de la situación meta-fórica de personas expulsadas, desconectadas yabandonadas de la armonía universal. Esta situaciónles obliga a reorganizarse y adoptar una nueva fórmulade supervivencia.

El nombre “Kiosko das Almas Perdidas” está inspiradoen un barrio existente en la ciudad de Vigo en el que secongregaban personas de toda clase social e intelec-tual lo que provocaba situaciones de indudablecarácter anecdótico.

Roberto Oliván presenta este trabajo después de unalarga estancia en Bruselas donde desarrolla su activi-dad artística como intérprete y creador al lado degrandes profesionales de la danza contemporáneacomo Anne Teresa de Keersmaeker, Josse de Pauw,Trisha Brown y Robert Wilson. Desde 1996 crea suspropias coreografías e imparte clases en varios centroseuropeos. En 2001 funda su compañía Enclave DanceCompany con la que llevó al Mercat de les Flors suespectáculo De Farra, hace dos temporadas, y la copro-ducción Homeland en el año 2007.

20 . 21marzo

20.30 h

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Dirección Roberto Oliván; Dramaturgia Roberto Magro “Tober”; Espacio sonoro Mercedes Peón;Vestuario Ruth D. Pereira; Espacio escénico Roberto Oliván; Asesoría mágica Mago Antón;Creación audiovisual Fiumfoto; Iluminación Baltasar Patiño; Bailarines Alexis Fernández Ferrera,Hannah Shakti Buhler, Gabriela Mathé, Kirenia Martínez Acosta, Nuria Sotelo Rodríguez, Ana BeatrizPérez Enríquez, Lenka Bartunkova, Álvaro Esteban López, Jordi Vilaseca Lorite, Anna CalsinaForrellad, Natxo Montero Matia y Henrique Peón.

Olga Mesa

Solo a Ciegas (título provisional)PAÍS España DURACIÓN sin determinar AFORO limitado

Solo a Ciegas, ¿por qué este título? Quizás porque mimirada quiere situarse de nuevo en el cuerpo a través deuna práctica sutil, comprometida, (no) visible y arriesga-da en el espacio, simplemente. Sé que esto es sólo unprincipio posible en donde comenzar a esbozar un paisa-je de memorias escondidas, en donde buscar la historiade una presencia que se desprende de su propia imageny su propia formulación. (Olga Mesa. Dedicado a Antóny Angelina).

Para Olga Mesa un solo es la oportunidad de retomar elpulso íntimo de la investigación, entrar en contacto conla esencia del trabajo, cuestionar las necesidades, lasreflexiones y los posicionamientos de la creación actual.Su trabajo trata de buscar espacios donde el intérpretehace visible un estado íntimo y personal, sin estar nece-sariamente en un estado de representación.

Coreógrafa y artista visual asturiana, Olga Mesa estudiadanza, música y teatro en España y Francia. La obtencióndel segundo premio en el Concurso Coreográfico deMadrid le permite acceder a una beca de un año de estu-dios en el Merce Cunningham Studio de Nueva York. En1992 fundó su propia compañía en Madrid. Desde enton-ces ha creado trece piezas coreográficas, a menudounidas bajo grupos temáticos como la trilogía Res, nonverba / Las cosas, no las palabras (1996-1999) o el proyec-to Más público, más privado iniciado en 2001. La mayorparte de las veces, Olga Mesa ha desarrollado su trabajodurante residencias artísticas y en coproducción connumerosos festivales e instituciones europeos e internacio-nales. Paralelamente a sus creaciones escénicas lleva acabo talleres y laboratorios de creación a través del cuer-po como soporte narrativo de experimentación, realizandouna práctica multidisciplinar de reflexión y pensamiento.

28marzo

20.30 h

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Theo Hakola & The Wobbly Ashes

Concierto “Sung Words andFeed-Back”PAÍS Francia-Estados Unidos DURACIÓN 1 h 30 min

Theo Hakola & The Wobbly Ashes, estrenan en el Teatrode la Laboral el concierto Sung Words and Feed-Back.Sus temas, mezcla del country, del punk y del rock,ofrecen una energía eléctrica elegante, aportando unavisión anticonformista de Estados Unidos y de la GuerraCivil española, lugares y acontecimientos que marcaronsu obra.

Músico, escritor y actor, Theo Hakola se dio a conoceren la escena rock francesa con dos grupos calificadosde “culto”, Orchestre Rouge y Passion Fodder, y élmismo se declara afín al estilo de Bob Dylan y de NickCave, con quien hizo amistad y compartió una girainternacional a finales de los años 90.

En la actualidad, Theo vive en París y reparte su tiempoentre la música, la literatura y el teatro. Su country-punk-rock al igual que su obra literaria siguen conmoviendola opinión de la crítica.

Debido al vínculo tan estrecho de este músico con laliteratura, su concierto está programado como antesaladel Festival Internacional de Spoken Word Palabra yMúsica, que tendrá lugar los días 4, 5 y 6 de abril.

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20.30 h

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Guitarra y voz Theo Hakola; Guitarra Marc Texier; Violín Bénédicte Villain; Bajo LaurelineProdhomme; Batería Cyril Bilbeaud; Coordinación Diane Lara.

PALABRA Y MÚSICA

IV FESTIVAL INTERNACIONAL DESPOKEN WORDPAÍS España

4 . 5 . 6abril

20.30 h

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Concepto y dirección Colis&Jalbas Entertainment; Producción Primeros Pasitos; Dirección artís-tica Silvia Grijalba y Javier Colis; Comunicación Palabra & Música Joan Vich y Jorge Obón;Webmaster La Piel Suave.

El festival Palabra y Música está dedicado al spoken word, un géne-ro prácticamente desconocido en nuestro país hasta hace unosaños. En esta cuarta edición de 2008 amplía su campo de acción ya la sede que ha acogido el Festival durante tres años se suma elTeatro de la Laboral de Gijón, dentro de la programación de LaboralEscena. El cartel de esta edición habla por sí solo y continúa sunivel ascendente con el espléndido listado que se presenta esteaño que contará, entre otros artistas, con Henry Rollins, absolutopionero venido del mundo del rock con más de una docena deálbumes de spoken word, quien para esta ocasión se presenta ensolitario; el grupo holandés Veenfabriek, que actuará junto a lospoetas asturianos Pablo Texón y Sofía F. Castañón; Willie Vlautin,cantante del grupo de country alternativo Richmond Fontaine; Mr.Master y Sr. Mansilla, resultado de la unión del poeta y dramaturgobarcelonés Fernando Mansilla con el colectivo de composiciónmusical sevillano Master y Mister (M+Mr); y Miriam Reyes, una delas máximas representantes del spoken word en España.

Palabra y Música no es un festival de poesía con música de fondo,ni un ciclo de música con contenido poético. Es un festival de spo-ken word, ese género híbrido de espíritu beat en el que se unenrecitados de textos (poesía, prosa o prosa poética) con música con-cebida única y exclusivamente para acompañar a esas palabras. Oviceversa. En el spoken word el texto es el protagonista, pero lamúsica se convierte en un elemento indisoluble, sin el que la pala-bra no tiene el mismo sentido.

El festival Palabra y Música pretende difundir y profundizar en elconocimiento de este género, y llega a su cuarta edición con unaselección rigurosa que reúne a clásicos de altísimo nivel con artis-tas emergentes que comienzan a cultivar este estilo en nuestropaís.

Por primera vez, la ciudad de Gijón, y en concreto el Teatro de laLaboral acoge el festival Palabra y Música dentro de la programa-ción de Laboral Escena.

Las actuaciones de los artistas internacionales serán subtituladaspara facilitar la comprensión de los textos por parte del públicoasistente.

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Henry RollinsEl artista se presenta en solitario en el Teatro de la Laboral para dar continui-dad a su serie de trabajos titulados Talk is Cheap. Absoluto pionero delspoken word, Henry Rollins es cantante, compositor, editor, artista de spokenword, escritor y actor norteamericano. Director de numerosos programas deradio y televisión y componente primero del grupo Black Flag y posterior-mente de The Rollins Band, en 1995 centra su carrera como artista despoken word.

John Cooper ClarkeMito de la escena post-punk de Manchester (fue telonero de Joy Division y TheFall y hace un cameo en la película Control de Anton Corbijn, sobre la vida deIan Curtis), el poeta punk por antonomasia, genio loco y eslabón del costum-brismo británico entre Oscar Wilde y Jarvis Cocker ofrecerá en el Teatro de laLaboral un espectáculo de spoken word con acompañamiento musical. Suinfluencia ha llegado incluso hasta recién llegados a la escena musical comolos Arctic Monkeys, que incluyeron poemas suyos en el libreto interior de su sin-gle de 2007 Fluorescent adolescent e incluso basaron el guión del video de lacitada canción en uno de esos poemas.

Mr. Master y Sr. MansillaEl poeta y dramaturgo Fernando Mansilla y el grupo musical Mister Master(M+Mr) se unen para presentar el espectáculo El Espía de los Grillos, conMister Mora al contrabajo, Master Navarro al saxo y Señor Mansilla al micrófo-no. Una producción del Teatro Lope de Vega de Sevilla que nos haráadentrarnos en las profundidades inexploradas de la literatura de baile.

Miriam ReyesEs una de las máximas representantes del spoken word en España, herederade artistas como Laurie Anderson. Entiende la lectura oral como una represen-tación en la que se unen la imagen, el sonido y la voz como potenciadores dela palabra y multiplicadores de significados.

VeenfabriekSe presenta como resultado de la colaboración entre Laboral Escena y el pro-pio Festival con una producción exclusiva, Track Poetry, que el grupo holandésrealiza junto a los poetas asturianos Pablo Texón y Sofía F. Castañón. TrackPoetry es un concierto poético y accesible en el que no se rechaza la confron-tación entre palabra y música. Para esta ocasión Veenfabriek unirá su música alrecital de Pablo Texón, en asturiano, y de Sofía F. Castañón, en castellano.Pablo Texón, profesor de lengua castellana y literatura, ha publicado varios librosde poemas que han sido musicados por cantantes de la región. Desde el comien-zo de su vida literaria se ha caracterizado por la defensa del asturiano. Sofía F.Castañón ha dirigido varios videoclips y forma parte del grupo literario Versativa.Ganadora del Premio Asturias Joven de Poesía, colabora con distintas publicacio-nes asturianas.

Willie VlautinEl cantante del grupo Richmond Fontaine se presenta en el Festival, acompa-ñado de steel guitar para ofrecer un espectáculo basado en su novela Vida deMotel, reflejo de un mundo lleno de referencias a la vida marginal americana ya la escuela del realismo sucio que va de Charles Bukowski a Raymond Carver.Su música se basa en el country alternativo influenciado tanto por el rock conraíces de The Blasters, como por la explosión de ruido de Hüsker Dü.

PALABRA Y MÚSICA IV FESTIVAL INTERNACIONAL DE SPOKEN WORDcontará, entre otros, con la presencia de los siguientes artistas:

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2008

Tom Zé e Banda

Danç-Êh-Sá - Dança dosHerdeiros do SacrifícioPAÍS Brasil DURACIÓN 1 h 10 min

La búsqueda de nuevas formas en el ritmo brasileño es unaconstante en el trabajo de Tom Zé, quien actúa por primera vezen Asturias.

Sus conciertos se podrían clasificar como mezcla entre teatroy música, y siempre con la intención de trasladar el mensajede sus letras con un toque de humor. Para Tom Zé somosherederos del sacrificio de los esclavos africanos a los que sedebe la creación de una cultura nueva que conlleva la apari-ción de un arte, una música y una tradición.

Este trabajo, calificado por la crítica como el mejor disco de losúltimos años, confirma a Tom Zé como uno de los mejorescompositores de música brasileña.

Tom Zé comienza en el mundo de la música interesándose porlos sonidos de la guitarra clásica, estudios que completa ingre-sando en la Escola de Música da Universidade Federal da Bahiaque cuenta entre su profesorado de la época con la presenciade Ernst Widmer, Walter Smetak y el dodecafonista HansJoachim Koellreutter. En los años 60 forma parte del movimien-to “tropicalista” (junto a Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa,Os Mutantes y Nara Leao), que culmina con la publicación deldisco colectivo “Tropicalia” en 1967. En los años posteriorescontinuó avanzando en su concepto de pop experimental.

A finales de los años 80 es “descubierto” por el músico britá-nico David Byrne, quien edita un recopilatorio del artista, congran éxito entre el público y la crítica. En 1992 graba The Hipsof Tradition, primer disco con material original tras ocho añossin grabar. A partir de este momento Tom Zé pasa a llenarescenarios en toda Europa, Estados Unidos y Brasil, especial-mente a partir del lanzamiento de su álbum Com Defeito deFabricação, en 1998.

11abril

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Meredith Monk

Meredith Monk & Vocal Ensemble

PAÍS Estados Unidos DURACIÓN 1 h 10 mincon un intermedio de 15 min

De la unión de la música y el movimiento, la imagen yel objeto, y la luz y el sonido nace la música de MeredithMonk, compositora, cantante, coreógrafa y pionera dela “técnica vocal extendida” y de la “performance inter-disciplinaria”. Su exploración de la voz comoinstrumento, como lengua elocuente en sí misma,amplía los límites de la composición musical, creandopaisajes sonoros que descubren sentimientos, energí-as, y memorias para las que no existen palabras.

En esta ocasión Meredith Monk colabora con algunosde los intérpretes más brillantes de la escena musicalactual, unidos bajo el nombre de Vocal Ensemble,cuyas actuaciones unen tradiciones artísticas muydiversas incluyendo desde la ópera china y occidental,hasta los musicales de Broadway, el teatro musical y lasperformances.

Durante una carrera de más de 40 años, los críticos y elpúblico han aclamado a Meredith Monk como una delas fuerzas creativas más importantes de las artes escé-nicas. Desde su graduación en el Sarah LawrenceCollege en 1964, Meredith ha recibido numerososgalardones a lo largo de su carrera, incluyendo la con-cesión del Genio de MacArthur en 1995, dos becas deGuggenheim, un premio de las Artes Brandeis, tresObies, dos premios Villager de Nueva York, dos pre-mios Bessie, y el premio Nacional de Teatro en EstadosUnidos. En 1968 Monk crea The House Foundation, unacompañía dedicada al enfoque interdisciplinario de laperformance. Los proyectos actuales incluyen nuevostrabajos para el Vocal Ensemble y obras de teatro.

24abril

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L.E.V. FESTIVAL

PAÍS España

L.E.V. o Laboratorio de Electrónica Visual es un espacioen el que la música electrónica y la imagen se unencomo nueva forma de expresión artística para acercar alpúblico una selección de los trabajos más interesantesde creadores locales e internacionales, tanto de jóve-nes talentos como de artistas ya consagrados.

El Festival, concebido y desarrollado por el colectivoasturiano Datatrón 0x3F, compuesto por Fiumfoto(Nacho de la Vega y Cristina de Silva) y FranciscoSuárez, vuelve en su segunda edición a la Ciudad de laCultura gracias a la colaboración de Laboral Escena yLABoral Centro de Arte y Creación Industrial.

En esta ocasión, a LABoral Centro de Arte, escenario dela primera edición del Festival, se unen dos nuevosespacios: la antigua iglesia de la Laboral y el reformadoTeatro.

En el año 2007 el Festival contó con el directo audiovi-sual de Plaid & Bob Jaroc, el trabajo “History ofElectricity” de Alexander Hacke & Danielle de Picciotto,los directos de Mouse on Mars o Apparat, y las mues-tras de nuevos talentos como Lego my Ego, .tape. oFuss!. Estos artistas son una pequeña muestra delespecial planteamiento artístico del L.E.V.

El L.E.V. Festival es una producción conjunta de LaboralCentro de Arte y Creación Industrial, Laboral Escena yel colectivo Datatrón 0x3F.

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L.E.V. 2007

Ray Lee

Siren

PAÍS Reino Unido DURACIÓN 40 min LUGAR Iglesia de la LaboralHORARIO día 2 (23.30 h) y día 3 (21.00 h) como programación delL.E.V. Resto de días: horario por determinar AFORO limitado

Siren es un espectáculo formado por giros, movimien-tos mecánicos, sonido electrónico y luz. En un espaciodiáfano, veintinueve trípodes metálicos con brazos rota-tivos giran sobre sí mismos impulsados por motoreseléctricos. El resultado es un espectáculo de luz, músi-ca y movimiento constante a más de tres metros dealtura.

La instalación para Laboral Escena se ubica en laIglesia de la Laboral. El público puede moverse libre-mente por el espacio y experimentar las diferentesperspectivas acústicas y visuales de la obra.

Ray Lee, creador de la instalación, ha estado trabajan-do durante los últimos veinte años en proyectos querequieren instalaciones similares a la que presenta conSiren. Su trabajo se vincula siempre con la fascinaciónpor el mundo de la radiación electromagnética y en par-ticular con la generación del sonido.

Del 2 al 8 mayo

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Gisèle Vienne

Kindertotenlieder

PAÍS Francia DURACIÓN 1 h 15 min AFORO limitado.3 mayo dentro de la programación del L.E.V.

Kindertotenlieder es una pieza de danza con música endirecto que invita a examinar la interpretación de la rea-lidad y la fantasía para cuestionar los miedos y lasobsesiones. Sobre el escenario, dos adolescentes den-tro de un grupo experimentan esta confusión entreficción y realidad mientras asisten a una especie deconcierto para un entierro. La música interpretada porStephen O'Malley y Peter Rehberg, es una sintonía tran-quila, oscura y poderosa, que lleva a los espectadoresa una confusión entre lo que ven y lo que en realidad serepresenta. El escenario se convierte en foco de des-concierto entre realidad y ficción al ofrecer al mismotiempo un concierto y una representación de danza.

El trabajo de Gisèle Vienne se centra en la relaciónentre cuerpos naturales y artificiales. En este trabajo seexplora la utilización del cuerpo en la iconografía tradi-cional austriaca y la confusión que existe entre losacontecimientos reales y aquellos que forman parte delos rituales y las fantasías colectivas.

Gisèle funda en 1999 con Etienne Bideau-Rey la compa-ñía de danza De l'Autre Côté du Miroir (DACM) con elobjetivo de contribuir a la relación entre la danza, el tea-tro y las formas artísticas multimedia.

3 . 4mayo

21.00 h

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Creación Gisèle Vienne; Textos y dramaturgia Dennis Cooper; Música Stephen O’Malley, PeterRehberg / KTL; Interpretado y creado en colaboración con Jonathan Capdevielle, Margrét SaraGudjónsdóttir, Elie Hay, Guillaume Marie, Anja Röttgerkamp / Anne Mousselet; Concepción de losrobots Alexandre Vienne; Creación de las muñecas Raphaël Rubbens, Dorothéa Vienne-Pollak,Gisèle Vienne, asistidos por Manuel Majastre; Creación de las máscaras de madera MaxKössler; Luces Patrick Riou; Maquillaje Rebecca Flores; Peluquería de las muñecas YurySmirnov; Traducción de textos Laurence Viallet; Productor asociado DACM; Coproducción LeQuartz - Scène Nationale de Brest, Centre Chorégraphique National de Franche-Comté à Belfortdans le cadre de l’accueil-studio, Centre National de danse contemporaine d’Angers, LesSubsistances/ 2007/ Lyon. Con el apoyo de Drac Rhône-Alpes / Ministère de la Culture et de laCommunication – of the Région Rhône-Alpes – de Dicream / Ministère de la Culture et de laCommunication - of Etant donnés: The French-American Fund for the Performing Arts, a Programof FACE. Con la colaboración de Centre Chorégraphique National de Montpellier Languedoc-Roussillon and Point Ephémère in Paris. Agradecimientos Les Ateliers de construction du Théâtrede Grenoble, Didier Boucher, Patric Chiha, Etnies, Simone Hoffmann, Antoine Masure, Minijy/ClaraRousseau, Séverine Péan, Sophie Metrich, le Théâtre de l’Odéon – Paris, Jose Enrique Ona Selfapour les costumes Loewe, Troubleyn/ Jan Fabre and Mark Geurden, Enrique Urrutia, Remy Vidal,Alexandre Vienne, Jean-Paul Vienne, y Esther Welger-Barboza.

Textos y dirección Rodrigo García; Asistente de dirección John Romão; Actores Juan Loriente,Núria Lloansi y Jorge Horno; Iluminación Carlos Marquerie; Diseño de proyecciones RamónDiago; Vestuario Jorge Horno; Vídeo de paracaidismo David Nimo y Núria Lloansi; Dirección téc-nica Roberto Cafaggini y J.P. Timouis; Coproducción La Carnicería Teatro, Théâtre National deBretagne/Rennes, Bonlieu-Scène Nationale d’ Annecy.

La Carnicería Teatro

Arrojad mis cenizas sobre Mickey

PAÍS España DURACIÓN 1 h 20 min

Con un lenguaje teatral sorprendente, esta obra es cali-ficada por su autor como íntima e inmediata. Losactores ponen de manifiesto en el escenario los ritualesde la vida cotidiana. El resultado es una obra austera,en contra del mercado que sigue reclamando ruido, vio-lencia y militancia antiglobal.

La interrelación entre ideas inconclusas, mensajes con-tradictorios e imágenes que siempre ocultan algo,pretende conseguir el asombro del público ante unespectáculo corrosivo e inteligente.

Rodrigo García no sólo es "el autor de textos que esta-llan como bombas", es también videasta, performer ydirector de escena. Creador atípico, conjuga en susespectáculos elementos del pasado y de la culturapopular de hoy en día. Desde 1989 es el director artísti-co de la compañía La Carnicería Teatro, pero la granfuerza de este artista está en ser un hombre de a pie yen hacer circular con pasión las ideas y las emocionesque agitan a la nueva generación.

9mayo

20.30 h

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Grupo Acrobático de Tánger

Taoub

PAÍS Marruecos DURACIÓN 55 minutos

Tejido en árabe, ese el significado de Taoub, y esa es laidea que quiere transmitir este espectáculo en el quedoce acróbatas forman un verdadero tejido humano.

El acróbata-actor se convierte en creador de accionescon el objetivo de investigar mediante sus movimientoslas relaciones de solidaridad y competición.

El Grupo Acrobático de Tánger concibe el espectáculocomo un teatro de acción, no de palabras, en el cual loimportante es la psique del actor y su capacidad paraactuar en el espacio. El grupo se convierte en la uniónde los acróbatas y el espectáculo es el resultado de lafusión del trabajo de cada uno.

El director de la compañía, Aurélien Bory, es una figurapionera en la danza contemporánea y el nuevo circo deFrancia. En toda su obra añade un toque del siglo XXIal arte marroquí, uniendo las acrobacias tradicionalesjunto con la performance en una exploración de la cul-tura norteafricana.

3 . 4junio

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Concepto, dirección y textos Aurélien Bory; Intérpretes Jamila Abdellaoui, Mohcine Agni,Abdeslam Brouzi, Adel Chaaban, Abdelaziz El Haddad, Najib El Maimouni Idrissi, Amal Hammich,Mohammed Hammich, Younes Hammich, Samir Lâaroussi, Yassine Srasi, Younes Yemlahi, y JoëlAbriac / Cécile Herault. Asistente de dirección y técnico de vídeo Pierre Rigal; Trampolín JulienCassier; Creación luz Armo Veyrat; Directores de escena Joël Abriac / Cécile Hérault; VestuarioMahmoud Tabit Ben Slimane; Manager Sanae El Kamouni; Administración Florence Meurisse,Delphine Justumus y Audrey Gautron.

Una producción de Institut Français du Nord; Con el apoyo de Service de coopération et d’actionculturelle de l’Ambassade de France au Maroc. Con la ayuda de Compagny 111, OrganisationInternationale de la Francophonie y La Ferme du Buisson - scène nationale de Marne la Vallée.

Ballet de la Ópera de Lyon

Limb’s Theorem

PAÍS Francia DURACIÓN 1 h 22 min con intermedios: Limb’s I (28min), intermedio (20 min), Enemy in the figure (29 min), intermedio(20 min), Limb’s III (25 min)

Limb’s Theorem es un poema sobre la visión y la percepción,un equilibrio entre lo intelectual y lo corporal, el aislamiento yla conexión, lo mecánico y lo humano.

El coreógrafo William Forsythe explora en esta obra el aban-dono total del cuerpo en el espacio. Bajo el dominio de lamúsica, los bailarines intentan afirmarse en un medio gigan-tesco que les amenaza. El movimiento se convierte en unrefugio, en una vía de escape del propio cuerpo mientras la luzse interrelaciona con los bailarines que se mueven dentro yfuera de las sombras realizadas por un inmenso proyector.Esta luz, realmente singular en esta coreografía, hace estallary crea contrastes en el espacio, divide la escena, empequeñe-ce o agranda las figuras y los grupos de bailarines sumergidosen una atmósfera cegadora y oscura. Los movimientos sevuelven casi irreales y los cuerpos se evaporan.

William Forsythe, coreógrafo de esta obra, es uno de los másinfluyentes en el ballet contemporáneo. Sus obras siempre sebasan en la técnica clásica, que suele llevar hasta el límite, yposeen un carácter muy teatral por la utilización que hace delos efectos escénicos.

El Ballet de la Ópera Nacional de Lyon ha desarrollado, duran-te casi veinte años, un repertorio de danza contemporánea deexcepcional calidad con obras de Jiri Kylian, Trisha Brown,Mats Ek, William Forsythe y Ohad Naharin, quienes han dadoa esta compañía un reconocimiento mundial. Cada tempora-da se enriquece también con las creaciones del director de lacompañía desde 1998, Yorgos Loukos.

22 junio

20.30 h

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Director Yorgos Loukos; Coreografía William Forsythe; Manager General Thierry Leonardi; Maîtresde ballet Jocelyne Mocogni y Pierre Advokatoff; Bailarines Coralie Bernard, Eneka Bordato, AlexisBourbeau, Fernando Carrión Caballero, Benoît Caussé, Maïté Cebrián Abad, Bruno Cezario, Louis-Clément Da Costa, Dorothée Delabie, Marie-Laetitia Diederichs, Amandine François, Peggy GrelatDupont, Yang Jiang, Caelyn Knight, Misha Kostrzewski, Franck Laizet, Sora Lee, Hongjun Li, LauraMarín, Francesca Mattavelli, Yu Otagaki, Jérôme Piatka, Marketa Plzakova, Kevin Quinaou, CarolineRocher, Jaime Roque De la Cruz, Corey Scott-Gilbert, Julie Tardy-Dupeyron, Denis Terrasse y PavelTrush; Música Thom Willems; Decorados Michael Simon (Limb’s I , Limb’s III), William Forsythe(Enemy in the figure); Iluminación William Forsythe y Michael Simon; Realización Noah D. Gelber,Jill Johnson y Christopher Roman; Pianista Eric Dartel; Manager Compañía Eleni Loukou;Secretaria Caroline Villedieu; Regidor de escenario Valentina Bressan; Regidor de luces EricChatelon, Christophe Mangilli; Regidor de sonido France Breil; Vestuario Chantal Frick Cloupet.Presidente de la Ópera de Lyon Jacques Vistel; Director General de la Ópera de Lyon SergeDorny.La Opera Nacional de Lyon está subvencionada por el Ministerio de Cultura y Comunicación, laCiudad de Lyon, el Consejo Regional Rhône-Alpes y el Consejo General del Rhône.

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7 . 8 . 9 . 10abril

10.00 a 15.00 h

Taller de Creación, Composicióny Experimentación Musical Dirigido e impartido por Tom Zé

PAÍS Brasil PRECIO 50 €

Crear y ejecutar piezas musicales en uno o más movimien-tos. Este es el objetivo central del taller que parte de larelación entre la música tradicional del nordeste brasileño yla música asturiana.

Además del uso de la voz como instrumento, se utilizaráninstrumentos tradicionales asturianos y brasileños, así comoelementos industriales y naturales que Tom Zé usa habitual-mente (esmeril, hoja de ficus, agua...). A través de estoselementos se propone la investigación de timbres, sonidos,melodías y ambientes, basándose en el proceso de creaciónque utiliza el compositor brasileño, en el que la originalidad,el riesgo y la experimentación son fundamentales.

El taller está dirigido a diez músicos y compositores de cual-quier estilo y formación musical (clásica, folclórica, vocal,jazzística, rockera, electrónica, etc.), elegidos por Tom Zé apartir de un pequeño currículum, una carta de motivación yde una a tres obras grabadas.

Por la singularidad de la propuesta y el eclecticismo de loselementos que serán utilizados, lo fundamental para la par-ticipación en este taller será la predisposición de losmúsicos a abandonar sus fórmulas para abrirse al procesocreativo y experimental de trabajo que Tom Zé planteará.

La estancia de Tom Zé en Gijón también es motivo para elencuentro del artista brasileño con el productor y directorasturiano Ígor Iglesias, quien realiza un largometraje docu-mental bajo el título provisional Tom Zé en Asturias, quecuenta con el apoyo de Laboral Escena.

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LÍNEAS DE AUTOBUSA LABORAL ESCENA