QUATTROCENTO Y

CINQUECENTO

LA PINTURA DEL QUATTROCENTO

Es uno de los períodos más importantes del panorama artístico europeo. Se sitúa a lo

largo de todo el siglo XV, y es la primera fase del movimiento conocido como

Renacimiento. Así se llama también Primer Renacimiento, o Renacimiento temprano o

Bajo Renacimiento, y se ubica en Italia.

Este periodo se caracteriza por la recuperación de la Antigüedad clásica y la superación

de los esquemas medievales que supeditaban el arte a la religión y a una finalidad

didáctica. También se supera el teocentrismo y se impone una cultura basada en el

humanismo.

Por otro lado, abandona su carácter artesanal para convertirse en una actividad

intelectual. Los artistas serán personas instruidas en temas como geometría, historia,

cultura clásica, ciencias y naturaleza; empiezan a firmar sus obras y serán elevados a

la categoría de genios.

Este arte humanista captará la atención de príncipes, nobles y ricos burgueses que

descubrirán el placer del arte y la cultura y que se convertirán en los mecenas de los

nuevos artistas.

La república de Florencia se convertirá en la principal impulsora de este nuevo arte

gracias al mecenazgo de grandes familias como los Medici.

CARACTERÍSTICAS

Los pintores representan el cuerpo humano y los rostros de forma cada vez más realista,

intentando reflejar fielmente los rasgos del retratado. Muestran también un gran interés

por la naturaleza y el paisaje, pero sin el detallismo de la escuela flamenca. También se

interesan por los volúmenes y por la perspectiva, así como por los vestidos, que

interpretan con mayor elegancia.

Todo esto cabe enmarcarlo en un contexto clásico, por lo cual las composiciones

empiezan a preocuparse por la armonía y a menudo se disponen organizadas de

manera geométrica, especialmente en forma triangular.

Se utilizan composiciones complicadas con varias figuras principales e incluso varias

escenas en el mismo cuadro, manteniendo el sentido narrativo de épocas anteriores. El

tema principal siempre ocupa el centro rodeado de numerosos elementos secundarios.

Se mantiene una disposición simétrica de las diferentes figuras.

Este nuevo estilo pictórico se aparta completamente de los principios del estilo gótico.

Temáticamente, aunque se practica la pintura religiosa, se tratan con gran profusión los

temas paganos: Pinturas religiosas (en iglesias y capillas) y cada vez más, los pintores

reciben encargos de la temática mitológica, los retratos y las representaciones

de temática histórica encargadas por nobles y burgueses para sus villas y palacios.

Estéticamente se da mucha importancia al dibujo, y el pintor de esta centuria está

obsesionado por la profundidad y el encuadre de las figuras.

Las técnicas más utilizadas son, en primer momento, el fresco y el temple, pero a finales

del siglo XV se añade el óleo, lo que lleva a la desaparición del retablo a favor a la tela.

PRIMERA MITAD DEL SIGLO

En la primera parte del siglo conviven dos tendencias: una arcaizante de influencia

gótica, representada por Fra Angélico y otra de carácter científico, iniciada por Masaccio,

que explora los nuevos campos de la perspectiva.

FRA ANGÉLICO (1387 - 1455)

Realiza obras religiosas de un gran idealismo, plenas de espiritualidad que huyen de lo

trágico, vinculadas con la tradición medieval por el uso de fondos dorados o la

estilización de las figuras, así como cierta tendencia al decorativismo. Un buen ejemplo

de su estilo sería la Anunciación del Museo del Prado, pintada al temple sobre tabla.

Aunque sus obras más importantes serían los frescos del Convento de San Marcos en

Florencia (1438 – 1445) y los frescos de la Capilla de San Nicolás V en el Vaticano (1447

- 1449), en los que renuncia al decorativismo y pone énfasis en el sentido narrativo de

las escenas.

“La Anunciación” – Fra Angélico (1426)

Podemos apreciar como tema principal la “Anunciación” del arcángel Gabriel a la Virgen

María, tema que se completa con las escenitas del banco o predela, otra tabla más

estrecha situada debajo del tema principal. Estas escenas son, por orden de lectura, el

Nacimiento de María, sus desposorios con José, la Visitación a Santa Ana, la Epifanía

de Jesús, la Purificación y el Tránsito del alma de María tras su muerte. En esta última

escena es de destacar cómo su hijo, Jesucristo, recoge desde el cielo el alma de la

madre, que asciende. En la tabla principal se puede contemplar junto a la “Anunciación”

una escena secundaria, que muestra el momento de la expulsión de Adán y Eva del

paraíso. Las dos escenas se conjugan fingiendo que Adán y Eva se encuentran en el

exterior del mismo ámbito, en el jardín al que se abre el pórtico donde la Virgen recibe

al arcángel. Esto es un recurso que utiliza el fraile para simbolizar el pecado original

cometido por Adán y Eva, y su redención en la tierra, que es la encarnación de Cristo

en María. Así nos cuenta simultáneamente el principio y el final del Antiguo Testamento,

al tiempo que anuncia el Tiempo Nuevo, tras la venida de Dios a la tierra.

Fra Angelico establece una jerarquía de tamaños para establecer un orden temporal:

las figuras más pequeñas -Adán y Eva- son las más remotas en el tiempo; las mayores

son las más cercanas al cristiano, así como las más importantes en la acción. Las

columnas son funcionalmente imposibles, porque sus fustes son demasiado delgados

para sostener el techo. Los colores, la elegancia de la habitación es una alusión a un

marco refinado, principesco y tocado por la divinidad, el único posible para el misterio

de la concepción de María. También los riquísimos ropajes que llevan el arcángel y la

Virgen remiten a una imagen noble de los personajes. El empleo de los colores azul y

dorado indica un cliente rico, ya que ambos colores se fabrican con minerales

semipreciosos y son muy caros de elaborar. Otra alusión al cliente poderoso es el

tratamiento del jardín, sin profundidad ni perspectiva, que imita el fondo de un tapiz,

como los que en esa época se importaban de Bruselas.

La iconografía es la característica de la época: el arcángel que desciende a la presencia

de María, quien le recibe temerosa pero con sumisión al mandato divino (de ahí la pose)

entre la Virgen y el arcángel hay un jarroncito con nardos blancos, símbolo de su

virginidad. La mano de Dios asoma desde el cielo para enviar en un rayo dorado a la

paloma del Espíritu Santo, hasta el oído de María, siendo éste el momento de la

concepción de Jesús.

MASACCIO (1401-1428):

Renuncia al gótico, convirtiéndose en el gran innovador de la pintura. Concentra su

atención en dotar de volumen a las figuras siguiendo los pasos del Giotto, pero

fundiéndolas mejor en los escenarios y valiéndose del uso de la luz y de los

descubrimientos de Brunelleschi sobre la perspectiva lineal para crear obras de carácter

realista y escultórico.

Sus pinturas más importantes son los frescos de la Capilla Brancacci de la iglesia de

Santa María del Carmen de Florencia.

En el fresco de “La Trinidad “de la iglesia de Santa María Novella de Florencia introduce

una nueva forma de representación espacial, situando la escena en una arquitectura

pintada.

“La Trinidad” – Masaccio (1445):

Además de iniciar la arquitectura del Renacimiento, Brunelleschi es el “descubridor” de

la perspectiva. Hasta ahora no se habían formulado las leyes matemáticas por las que

los objetos disminuyen de tamaño a medida que retroceden hacia el fondo. Fue

Brunelleschi quien proporcionó a los artistas los medios matemáticos de resolver este

problema. “La Trinidad” de Masaccio es una de las primeras pinturas hechas de acuerdo

con estas matemáticas.

En cuanto a la iconografía, la obra representa “La Trinidad” (Dios Padre, Jesús en la

cruz y el Espíritu Santo con forma de paloma blanca) con la Virgen y san Juan bajo la

cruz, y los donantes -un mercader y su esposa- arrodillados. Esta pintura mural se

representa como si fuese un agujero en la pared a través del que se pudiera ver una

nueva capilla en el moderno estilo de Brunelleschi. En lugar de la delicadeza del gótico

internacional, vemos pesadas y macizas figuras, más sinceras y emotivas; en lugar de

curvas suaves, sólidas formas angulares; y, en lugar de pequeños detalles como flores

y piedras preciosas, arquitectura majestuosamente austera.

El gesto sencillo de la Virgen señalando al Hijo en la cruz es muy elocuente e

impresionante porque es el único movimiento en el conjunto solemne de la pintura.

En cuanto a la composición, ¿Por qué Masaccio inscribe este tema religioso en una

arquitectura brunelleschiana? Por coherencia con el significado conceptual del fresco.

Este representa a la “Trinidad”, cuyo símbolo es el triángulo, y la composición queda

rigurosamente inscrita en un triángulo. Pero si el pintor hubiese querido expresarse por

símbolos no se habría limitado a implicar el triángulo en la disposición de las figuras. El

símbolo, al que con tanta frecuencia recurría la pintura del Trecento, no interesa ya a

Masaccio: le interesa la idea, y ésta no se comunica mediante símbolos sino a través de

formas clarísimas. “La Trinidad” es una idea-dogma, y no hay dogma sin revelación, ni

revelación sin forma. En su eternidad, el dogma es también historia, y por ello las figuras,

incluso la del Padre, son figuras reales e históricas que “ocupan un espacio”.

En el primer término situó el clásico altar, donde se abre un nicho, con un sepulcro donde

la figura de un esqueleto se rodea de una inscripción que reza: “Fui lo que tú eres y

serás lo que yo soy”. Sobre este espacio aparecen los donantes, el gonfaloniero, el más

alto cargo cívico, con traje rojo, y su esposa. Esto supone una ruptura total con el arte

precedente, que adjudica a los donantes un tamaño menor al de las figuras divinas en

atención a su menor jerarquía en la concepción teocrática del mundo. Aquí, sin

embargo, se respetan las recién aplicadas leyes de la perspectiva y la proporción para

plantear dos figuras de tamaño natural, similar al de los personajes divinos. Sin

embargo, sí existe una diferencia en el nivel de la jerarquía de los donantes y los santos,

pero se expresa en un lenguaje diferente: tras los donantes se abre una supuesta capilla

real, donde la Virgen y San Juan lloran a los pies de la cruz, donde Cristo aparece en

eje con la paloma del Espíritu Santo y la figura de Dios Padre. Los puntos de vista para

unos y otros son diferentes: punto de vista desde abajo para los donantes, que fingen

pertenecer al espacio real del espectador. Punto de vista frontal para el misterio

cristiano, que adquiere así un espacio sobrenatural.

Dentro de esta tendencia iniciada por Masaccio de utilizar la geometría para poder

representar la perspectiva estarían pintores como Paolo Ucello, quien se esforzó por

representar la figura humana desde todas las perspectivas posibles. Sus Cuadros de

Batalla contienen escorzos forzados demuestran su maestría a la hora de reflejar

posturas diversas, especialmente en “La Batalla de San Romano” (1456 - 1460).

La batalla de San Romano

Otro artista destacable, Andrea del Castagno, que aplica la perspectiva en los frescos

de la “Última cena“, del convento de Santa Apolonia (1447), acompañado por otras

escenas que representaban “El Descendimiento”, “La Resurrección” y “La Crucifixión”,

que actualmente se encuentran dañados.

La última Cena

SEGUNDA MITAD DEL SIGLO

Se produce en este momento una mayor complejidad en el estilo. Frente a la perspectiva

y la monumentalidad anteriores, se tiende más a la búsqueda del dinamismo.

Igualmente, se introducen numerosos detalles cotidianos que dan más vivacidad a las

escenas, aproximándolas a la pintura flamenca de la época. En la segunda mitad de la

centuria se opta por una pintura un tanto más alegre y anecdótica así como se empieza

a notar el empleo del óleo por influencia flamenca, en alternancia con el hasta entonces

casi exclusivo uso del temple.

Entre los artistas de esta época podríamos citar a Fra Filippo Lippi (1457 –1504),

Dominico Ghirlandaio (1449 - 1494) Benozzo Gozzoli, alumno de Fra Angélico (h. 1421

- 1497), entre otros, pero el más original de los artistas florentinos de este periodo sería

Sandro Botticelli (1445 - 1510), su figura cumbre. Protegido de los Médicis, crea escenas

mitológicas refinadas, de contornos precisos, líneas sinuosas y gran atención al detalle.

En Botticelli se encuentra el modelo de mujer cuatrocentista, en sus representaciones

de Simonetta Vespucci. En sus últimos años se dedicó a la pintura religiosa, una vez

que los Médicis fueron expulsados del gobierno de Florencia y con el puritanismo de

Savonarola dominando la República. Varias de sus obras fueron quemadas en la

hoguera de las vanidades.

SANDRO BOTTICELI (1444-1510)

Aprendió el arte de la pintura de manos de Fra Filippo Lippi. Desarrollo un estilo muy

personal basado en el dinamismo de las líneas que confieren a su pintura un tono

elegante y decorativo muy del gusto de sus principales mecenas: los Medici.

Es un pintor culto, de exquisita sensibilidad, obsesionado por una belleza etérea,

delicada, plagada de mensajes filosóficos. .

Sus obras de temática clásica y mitológica tendrán gran aceptación entre sus

contemporáneos e inaugurarán una tendencia con gran desarrollo en la pintura

posterior.

Gran dibujante, en sus cuadros, predomina la línea sobre el color en un dibujo nervioso

de líneas ondulantes que forman arabescos con las que realiza especialmente figuras

femeninas idealizadas cargadas de melancolía.

Al contrario que los pintores de la etapa anterior, muestra poco interés por la

representación de la perspectiva.

Entre sus obras de temática mitológica destacan el “Nacimiento de Venus” (1485) o “la

Consagración de la Primavera” (1477), ambas pintadas para los Medici y en la

actualidad en la Galería de los Uffizi.

Entre sus obras de temática religiosa podemos citar los frescos de la parte baja de la

Capilla Sixtina del Vaticano o el tondo de “la Virgen del Magnificat”.

El nacimiento de Venus “Sandro Botticelli

Sandro Botticelli es el representante del primer renacimiento. El Neoplatonismo inunda

el pensamiento de la época, donde se contrasta el mundo fenoménico con el mundo de

las ideas. Es una época donde el arte se eleva al nivel de ciencia y el valor de la belleza

está por encima de todo, donde la filosofía clásica y la poesía son un medio más, no un

fin. Es una época donde se confirma el presente a través del pasado.

En este cuadro, Botticelli representa el “Nacimiento de Venus”, considerada una de las

pinturas más famosas en la historia del arte, inspirado en la obra de Angelo Poliziano,

que esté, a su vez se inspirará de los poemas Homéricos.

Esta obra fue la primera pintura hecha a gran escala con un motivo exclusivamente

secular y mitológico. Aquí encontramos representados los tres elementos esenciales de

la materia: aire, tierra y agua.

“El nacimiento de Venus” retrata uno de los más pintorescos mitos clásicos que nos

transporta en un mundo de sueños y poesía. Antiguamente el único cuerpo desnudo

femenino pintado por muchos artistas había sido Eva. En “El nacimiento de Venus”, por

primera vez, se muestra lo opuesto: Venus se encuentra radiante y su imagen está llena

de vitalidad.

El nacimiento de esta Diosa representa el alma en el camino de la encarnación de los

reinos espirituales. Venus en la concha representa el acto mismo de la encarnación y

esperar ser cubierta por una túnica roja simboliza que obtendrá un cuerpo material. En

pocas palabras, “El nacimiento de Venus” alegóricamente ilustra el misterio de nuestro

nacimiento. El renacimiento a la vida por el Bautismo del cristiano.

El movimiento ondeante y elocuente de los cabellos dorados de Venus, de las telas,

gazas y demás ornamentos, responden a la necesidad y afán del pintor por perennizar

el momento (como una fotografía instantánea)

Los caracoles han sido siempre considerandos como símbolos de la fertilidad femenina.

El dorso de la cáscara se asemeja a un vientre de embarazada, y la parte inferior de la

cáscara se asemeja a una vulva. La concha, como símbolo de Venus, significa el

renacer de una persona, su resurrección; es decir, la “muerte” o superación del “ego”

(egoísmo y egocentrismo) para dar paso al “auténtico yo” (sencillo y humilde). Esta gran

concha es conocida como La Concha del peregrino porque en la Edad Media, una de

las peregrinaciones cristianas más importantes era la que se realizó en el santuario del

apóstol Santiago de Compostela, en España. A partir de aquí se desarrollaron una de

las leyendas donde se sostiene que la ruta del Camino de Santiago era una especie de

encuentro con sus orígenes, imprescindible en el ser humano para su propia

supervivencia. La ruta tenía ya un significado devoto y penitencial, en cierta manera un

encuentro cotidiano con Tierra Sagrada.

¿QUIÉNES SON CADA PERSONAJE Y QUÉ SIMBOLIZAN?

VENUS: Venus es su nombre romano; los griegos la llamaban Aphrodita. Ella es

la diosa del amor, belleza, risa y matrimonio. Venus trae belleza al mundo y por lo tanto

los que aman la belleza persiguen valores que son elevados e incluso celestiales. Una

de las más importantes diosas de la antigüedad.

CEFIRO: También conocido como el hijo de Aurora (el alba) es el Viento del

Oeste.

CLORIS: Ella era la ninfa de la brisa, consorte de Céfiro. Su nombre también

significa pálido. Los romanos la apodaron Flora, pero también la han identificado con

Aura, diosa de la brisa.

PRIMAVERA: una de las diosas de las estaciones. La estación del renacer.

ESCUELA DE UMBRÍA

En la zona central de Italia surge la Escuela de Umbría, fuera del foco de Florencia,

donde destacan las obras de otros pintores importantes como Pietro Perugino, autor de

una pintura blanda, de figuras melancólicas y algo amaneradas, dentro de un orden

simétrico que influirán en la primera época de su discípulo Rafael. Pintó la “Entrega de

las llaves a San Pedro” (1482) en la Capilla Sixtina, obra que logra la tridimensionalidad

y recuerda en su composición a “Los desposorios de la Virgen” de Rafael (1504). Pese

a cultivar casi exclusivamente la pintura religiosa, era conocido su ateísmo, a lo que

algunos atribuyen la monotonía de las imágenes: todos los personajes tienen las

mismas facciones, hasta el punto de parecer de la misma familia, y el paisaje siempre

es el mismo, el propio de Perugia; sin embargo, destaca la composición espacial: dota

a sus cuadros de gran profundidad, permitiendo que la vista alcance hasta planos muy

alejados.

Entrega de las llaves a San Pedro

Un último cuatrocentista de la zona de Umbría es Luca Signorelli (1445 – 1523), con

una obra muy personal que anticipa algunos rasgos que pueden verse después en

Miguel Ángel. Destacan sus representaciones del cuerpo humano en diferentes

posturas, con gran tensión y dramatismo, como puede verse en su “Caída de los

condenados”, fresco en la Catedral de Orvieto (1499 – 1503), admirado por Miguel

Ángel, que le copió algunas de sus composiciones. Estos frescos realizados en la capilla

de San Brizio, de la catedral de Orvieto, son considerados su obra maestra.

Caída de los condenados

AL NORTE, HAY DEL ESCUELAS LOCALES, LAS DE PADUA Y FERRARA

En la primera destaca Andrea Mantegna (1431-1506), quien realizó monumentales

representaciones de los cuerpos humanos casi estatuarias. Su pintura se caracteriza

por la monumentalidad, el sentido escultórico y el dominio de la perspectiva, a la que

contribuyen los violentos escorzos que imprime a sus figuras. Entre sus obras debemos

destacar el “Cristo muerto” (1457-1501), de Milán, y el “Tránsito de la Virgen” (1462),

del Museo del Prado. Aunque reproduce paisajes de la región, como puede verse en el

“Tránsito de la Virgen” también conoce la arquitectura clásica e introduce arcos de

triunfo antiguos y bóvedas clásicas.

Finalmente, en Venecia comienza una

escuela regional propia, que siente las

influencias orientales del mismo modo

que le alcanzan antes los avances

técnicos del Norte de Europa. Esta

escuela se caracterizará por el

Cromatismo y también por la importancia

de la representación realista del paisaje.

Las figuras más emblemáticas de este

momento pertenecen a la familia Bellini

(Jacopo, Gentile y Giovanni), siendo el más destacado de sus miembros Giovanni Bellini

(1433 - 1516), excelente colorista, en cuyo taller se formarían Giorgione y Tiziano.

LA PINTURA DEL CINQUECENTO

La pintura del Cinquecento supone la cumbre del Renacimiento italiano. Se desarrolló,

como su nombre indica, en la Italia del s. XVI, pero no abarca toda la pintura de ese

siglo, sino solamente la del primer tercio, ya que el clasicismo y el equilibrio propios de

este Alto Renacimiento desaparecen a partir de la década de los veinte (pintura

manierista).

El Alto Renacimiento se caracteriza por ser una arte armónico y reposado, con una

técnica superior en el manejo del color y la perspectiva. Se destaca el naturalismo en

las figuras y la expresividad de los rostros, así como la simplicidad y el orden en la

composición.

En la pintura del Cinquecento se consolidaron algunas técnicas, como la pintura al óleo

de origen flamenco, y nuevos soportes, como la tela. Se utiliza el claroscuro, que define

el contorno de las figuras a través de zonas iluminadas y zonas sombreadas, lo que

provoco que los artistas se cuestionaran el uso de la perspectiva lineal, y Leonardo Da

Vinci introdujo el sfumato (difumina los colores y los perfiles dando a sus pinturas un

aspecto misterioso) y la perspectiva aérea (perfecciona la perspectiva lineal,

representando la atmósfera que envuelve los objetos).

Otro genio del arte, Miguel Ángel, acentuó el concepto de terribilidad en la Capilla

Sixtina, y también Rafael, en las Estancias Vaticanas, donde introdujo soluciones

manieristas que fueron continuadas por su discípulo Giulio Romano en el Palazzo Te de

Mantua. Paralelamente aparece la disputa entre el dibujo y el color, el primero defendido

por los pintores romanos, florentinos y parmesanos, y el segundo, por los venecianos.

Roma sustituye a Florencia como capital artística, pero el saqueo de Roma provoca la

diáspora de muchos artistas, y resurgen Florencia.

Coincidiendo en el tiempo, en Venecia surge una escuela pictórica muy peculiar. Las

características de esta escuela, iniciada por Giorgione y definida por Tiziano, Il Tintoreto

e Il Veronese, son, entre otras:

a) Pérdida de los contornos del dibujo, a favor de una mayor unidad cromática.

b) Exaltación de la riqueza. Las pinturas se enmarcan en ambientes palaciegos, con

personajes vestidos con grandes ropajes, joyas, etc.

c) Valoración del paisaje y utilización de la arquitectura clasicista como marco.

d) Distorsión de las figuras, situadas de manera forzada dentro de la composición.

LOS GRANDES MAESTROS

Leonardo Da Vinci (1452-1519):

Encarna el prototipo de hombre del Renacimiento. Como pintor, es la figura que

ejemplifica el tránsito del Quattrocento al Cinquecento. Sus obras no son realmente

muchas, pero sí de gran trascendencia para la historia de la pintura.

Sus paisajes, envueltos en una atmósfera neblinosa, y en los que se ha logrado la

sensación de profundidad gracias a las gradaciones de color, están dotados así de un

encanto misterioso. Igualmente enigmática es la típica sonrisa que da a sus personajes,

un poco ambigua, sin transmite con precisión cuál es el estado de ánimo. El ejemplo

máximo de este rasgo es “La Gioconda”

Entre sus obras destacan: “La Virgen de las rocas” (1483), su famoso retrato de la

“Gioconda” (1503 – 1517) y el fresco de “La Última Cena” (1495 – 1497), obra

emblemática que realizó para Santa María de las Gracias.

La Última Cena – Leonardo Da Vinci (1495 – 1497)

La pintura representa “La Última Cena” que celebra Jesús en compañía de sus

discípulos. Apartándose de la iconografía, hasta entonces tradicional, no aísla a la figura

de Judas al otro lado de la mesa. Ni siquiera lo señala especialmente ofreciéndole

comida, quedando, su figura, integrada en el resto del grupo, sin la importancia (por lo

menos visual) que suele tener en otras composiciones del tema.

En vez de ella es Cristo el centro de atención. Su figura tranquila en medio de la

crispación general de los apóstoles que acaban de escuchar de sus labios la afirmación

de Jesús "uno de vosotros me traicionará» causa consternación en los doce seguidores

de Jesús, y ese es el momento que Leonardo representa, intentando reflejar "los

movimientos del alma", las distintas reacciones individualizadas de cada uno de los doce

apóstoles: unos se asombran, otros se levantan porque no han oído bien, otros se

espantan y, finalmente, Judas retrocede al sentirse aludido. De esta manera,

Leonardo deja el tema de la traición en un segundo plano, centrándose en las

distintas reacciones psicológicas de los apóstoles, mediante el lenguaje de las manos y

los gestos de la cara.

En cuanto a las anatomías son correctas, aunque menos idealizadas de las que

podemos encontrar en otros pintores del Renacimiento. En ellas, y por lo anteriormente

dicho, la belleza cede a favor de un mayor realismo de la expresión a excepción de la

figura de Cristo, perfecta en su quietud y estudio, más bella aún por el contraste con los

otros gestos y caras de sus discípulos.

RAFAEL SANZINO 1483 – 1520)

Rafael ha sido considerado históricamente, junto con Leonardo y Miguel Ángel, como

uno de los pilares del Cinquecento italiano, además de uno de los grandes genios de la

pintura de todos los tiempos. Durante toda la etapa inicial de formación del artista va a

ser apreciable la influencia del estilo de su maestro Perugino, sobre todo en la obra

“Desposorios de la Virgen” (1504). Posteriormente conocerá la obra de Leonardo, por el

que también se verá influido (sobre todos en sus dulces Madonas), al igual que por

Miguel Ángel, del que tomará el carácter monumental de las figuras, visible en los

frescos de Las Estancias Vaticanas. Será en éstas: “Escuela de Atenas” (1509), “La

Disputa del Sacramento” (1509), “El Incendio del Borgo” (1514), donde podamos ver sus

principales características: su habilidad como dibujante, su pericia como colorista, su

conocimiento de las reglas perspectivas y el uso de las peculiares arquitecturas

bramantescas, su aprecio por el naturalismo, junto con un equilibrio y armonía

completamente renacentistas.

Sus obras representan el paradigma del Renacimiento por su clasicismo equilibrado y

sereno, basado en la perfecta utilización de la luz, la claridad compositiva y el uso de la

perspectiva.También es un retratista personal e innovador de gran penetración

psicológica.

La escuela de Atenas – Rafael Sanzino (1509):

La idea de Rafael fue reunir bajo un mismo techo a los representantes más destacados

de la filosofía, la ciencia y las artes de la Antigüedad. Podemos ver en la parte izquierda

a un grupo de filósofos con Sócrates marcando con los dedos silogismos ante un grupo

de jóvenes, entre los que se distingue acaso a Alejandro Magno con casco y armado.

Abajo otro anciano, Pitágoras, escribiendo números sobre un grueso volumen mientras

un joven sostiene ante él una tabla. El grupo que se encuentra en la esquina inferior

derecha está reunido en torno a un hombre que bien pudiera ser Arquímedes o Euclides,

inclinado hacia el suelo para explicar algún asunto geométrico con la ayuda de un

compás. Diógenes aparece derrengado sobre las escaleras, en clara alusión a su actitud

filosófica, en ocasiones antisocial.

Rafael no desaprovechó la oportunidad de autorretratarse en su obra, apareciendo en el

lateral derecho como uno de los pocos personajes que miran directamente al espectador.

El centro didáctico de la escena se haya ocupado por los máximos exponentes del saber

de la Antigüedad: Platón (izquierda) y Aristóteles (derecha). Analizando la simbología que

esconden, vemos que Platón sostiene un volumen de su obra “El Timeo”, una de las más

influyentes en la historia de la filosofía occidental.

Rafael quiso hacer un homenaje al intelectual más importante de la época, y por ello la

cara de Platón no es otra que la de Leonardo Da Vinci. Por su parte, Aristóteles, apoya

sobre su pierna un ejemplar de su Ética. La posición de las manos por parte de ambos

filósofos hace referencia a una cuestión mucho más profunda y simbólica: Platón dirige su

dedo hacia arriba porque apunta a su fuente suprema de inspiración, el mundo de las ideas.

Por su parte, Aristóteles señala con la palma abierta hacia el suelo, que simboliza la

realidad física, pues toda su filosofía se fundamenta en experiencia como origen necesario

del conocimiento humano.