EASD. MURCIA.

2012

*Te invito a pensar… “Lo que mi lenguaje oculta, lo dice mi cuerpo”.

Roland Barthes.

Nazaret Barceló Hernández-Gil

F O T O G R A F Í A A R T Í S T I C A . 1 º A .

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ÍNDICE:

1. INTRODUCCIÓN……………………………………….…..Pag. 4

2. ANÁLISIS HISTÓRICO-ARTÍSTICO……………..………Pag. 5-11

3. INFORMACIÓN…………………………………………..…Pag. 12-29

4. ANÁLISIS COMPARATIVO…………………………..…..Pag. 30-31

5. DESCRIPCIÓN DEL PROYECTO…………………..……Pag. 32-36

6. DOCUMENTACIÓN GRÁFICA…………………………...Pag. 37-39

7. BIBLIOGRAFÍA…………………………………………….Pag. 40

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1. Introducción.

Vivimos en un país donde, en comparación con el resto de Europa, la

pobreza está bastante agudizada. Desde que salimos de casa hasta que

volvemos nos cruzamos con miles de miradas desconocidas que luchan

por conseguir lo fundamental, bebida y comida. Podríamos perder la

cuenta de los vagabundos que encontramos en cada esquina de la

ciudad. De todas las nacionalidades (incluso ahora con la crisis

españoles).

Exactamente, en España contamos con once millones y medio de

personas en riesgo de pobreza o exclusión social, y desde el comienzo

de la crisis ha cogido fuerza.

He decidido mostrar en mi proyecto personal, la otra cara de la vida.

Personas con nombre y apellido de todas las nacionalidades, que viven

en la calle. Muchos de ellos piden, otros en cambio tocan algún

instrumento o realizan algún tipo de acrobacia para conseguir algo de

dinero para comer y sobrevivir. Mostrare la otra cara de la sociedad, otro

modo de vivir, donde cubrir las necesidades básicas y la supervivencia

es el primer objetivo.

1.1 Abstract.

We live in a country where, comparing to the rest of Europe; poverty is

something sorrounding and critical. Since we go out from home until we return

we found thousand of unknow looks that are fighting for finding cruzial and vital

things such as drink and food. In many cases, there are such a lot of poor

people around us that we are not able to count them. These people are from all

around the wordl, including spanish people that have been beaten by this crisis

that is throwing it all away.

That`s the point, nowadays in Spain there are one million and a half of people at

risk of social exclusion or near to the poverty; situation that is going worse

because crisis is increasing each day.

Considering this as a starting point, I have decided to go deeply in this fact, the

other way round of the life I am used to live. Persons with names and

surnames, of many different countries that now find themselves homelessness.

Some of them ask for money, other try to get money doing streets funnier; at

the end waiting for some money for eating and living at the end.

My purpose in this work is to show the other face of the nowadays society, the

other way of living where basic needs and survive are first objetives.

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2. Análisis Histórico-Artístico.

El concepto de pobreza, tal como el fenómeno que describe, posee una

antigüedad respetable. Su etimología nos lleva a la palabra

latina paupertas, que remite originalmente a la condición de pauperos

que significa, literalmente, parir o engendrar poco y se aplicaba al

ganado y, por derivación, a la tierra pobre, es decir, infértil o de poco

rendimiento. De esta acepción de pobreza como falta de potencialidad o

capacidad de producir deriva un concepto distinto que apunta a la

carencia misma de una serie de bienes y servicios básicos. Este es el

origen del concepto de pobreza absoluta. También surgió

tempranamente el concepto de pobreza como contraposición al de

riqueza, donde el sentido de cada uno de estos términos se define por la

relación misma entre ellos. De allí proviene el concepto de pobreza

relativa.

La pobreza no es algo nuevo en la historia de la humanidad. Su causa

fundamental radica en la baja productividad del trabajo en las

sociedades preindustriales, a lo cual hay que sumar la desigual

distribución de la riqueza y el ingreso. Vivir en una condición de premura

material fue la situación normal del género humano hasta que los

progresos tecnológicos de la era moderna hicieron posible, para las

amplias mayorías, tener acceso a niveles de consumo, salud, educación

y bienestar en general impensables en épocas anteriores.

Como podemos ver, la pobreza es algo que existe desde hace mucho

tiempo, por lo que es fácil encontrar la pobreza como temática en las

obras de arte.

A continuación mostraré las obras que tratan la pobreza y los artistas

que han trabajado con esta temática más relevantes.

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Diego Velázquez. Vieja friendo huevos. 1618.

Diego Velázquez (1599-1660) fue uno de los pintores que trató el tema

de la pobreza. Pues en sus obras, le gustaba plasmar el realismo de la

época, Sobre todo en su primera etapa como artista se dedicó a realizar

cuadros donde los vagabundos eran el tema fundamental. Destaco éste

por ser de relativa importancia. Pero tambien podriamos encontrar otros

como “La mulata”, “El aguador de Sevilla” o “Los borrachos”.

En todos los óleos realizados con esta temática prima la técnica del

tenebrismo, donde el sujeto principal de la imagen recibe la luz y se

aprecian de manera fabulosa las texturas de la piel estropeada, una piel

estropeada de “vivir en la calle”.

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Bartolomé Esteban Murillo. El niño mendigo. 1650.

El niño mendigo, también conocido como Niño espulgándose, es un óleo sobre lienzo realizado por el pintor español Esteban Murillo en 1650. Fue adquirido en 1782 para las colecciones reales de Luis XVI. Murillo ha sido mundialmente conocido por ser el pintor barroco de las Inmaculadas, pero en su extensa obra, también realizó un tipo de pintura realista y de carácter social. Dentro de este género, desarrolló retratos de mendigos, pilluelos y gente de la calle, en general. Sin embargo, el carácter de drama social de sus retratados no le influyó para captarlos siempre con amabilidad y ternura, sin expresar dolor o miseria.

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Reinaldo Giudici. La sopa de los pobres. 1884.

Reinaldo Giudici (1853-1921) realizo este oleo en su etapa de aprendizaje.

Aquí nos presenta una serie de personajes humildes de la ciudad, algunos de

los cuales toman un plato de sopa en la puerta de una fonda donde se la

cocinaba en grandes cacerolas. Los detalles nos muestran la pobreza,

profundizada por el pintor en detalles de la ropa, las paredes descascaradas,

los muebles corroídos por el tiempo, los pies descalzos de los niños.

La temática social, que ingresa a la pintura porteña con los artistas de la

generación del 80, marcó la obra de cada uno de ellos que previamente se

habían dedicado al retrato, el paisaje y la naturaleza muerta.

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Diego Rivera. La noche de los Pobres. 1927.

Diego Rivera (1886-1957). desarrolló un estilo en sus pinturas de

temática social e indigenista. Trataba el tema de la pobreza en sus obras

como un toque de atención hacia la sociedad en la que vivía. En este

cuadro retrata el rostro de los niños de manera conmovedora.

A pesar de desarrollar en el siguiente punto de manera más extensa los

diferentes fotógrafos, corrientes y fotos que han tratado la temática de la

pobreza, creo conveniente explicar en este apartado, cuando la

fotografía se apartó de su fin meramente experimental y artístico para

comenzar a realizar denuncias sociales o mostrarnos la realidad tal y

como se exhibía.

Pues como ya hemos estudiado durante todo el curso, los comienzos de

la fotografía son difíciles y abstractos, evolucionando a pasos

agigantados hasta como la concebimos hoy día.

La Historia de la fotografía empieza "oficialmente en el año 1839, con la divulgación mundial del primer procedimiento fotográfico: el daguerrotipo. Como antecedentes de la fotografía, se encuentran la cámara oscura y las

investigaciones sobre las sustancias fotosensibles, especialmente el ennegrecimiento de las sales de plata. Ibn al-Haytham (Alhazen) (965 a 1040)

llevó varios experimentos sobre la cámara oscura y la cámara estenopeica.

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La primera iniciativa de fotografía artística surge en 1890 en Europa. Un grupo de fotógrafos crea técnicas de manipulación en la toma y en el positivado, y

propone que el resultante de su uso es una obra de arte fotográfico, en cuanto requieren de manipulación por parte del autor y generan obras únicas: dos de los puntos discutidos por parte de los pintores para negar la artisticidad de la fotografía. Algunos autores pictorialistas son: Peter Henry Emerson, Robert

Demachy, Henry Peach Robinson, Comandante Puyo. Los pictorialistas reconocen influencias y antecedentes en la fotografía academicista de Oscar

Gustav Rejlander y en la obra de Julia Margaret Cameron, ambas de la década del 60 del siglo XIX. La fotografía pictorialista también se conoce como

fotografía impresionista por la similitud formal y temática con esta corriente de la pintura. Durante el desarrollo de esta iniciativa, el fin principal de estos

autores, era la lucha constante por separar fotografía de pintura y ser reconocida ésta primera como un arte propio y no como una evolución de la

pintura.

La aproximación a este período histórico de la fotografía nos lleva ineludiblemente al análisis del periodismo fotográfico, la relación de las

vanguardias históricas y la fotografía y a una exposición de los diferentes realismos fotográficos que se desarrollan en estos años.

El periodismo fotográfico es el que nos da a conocer por medio de una foto todo lo que pasa en un lugar, estas visualizaciones nos cuentan mucho y por

esto ya tenemos idea visual de lo que pasa en un lugar.

Todos los géneros fotográficos surgidos en momentos históricos anteriores tienen su continuación tras la finalización de la Segunda Guerra Mundial. Especial relevancia presenta la evolución en estos años del periodismo

fotográfico, en el ámbito de la fotografía documental y los nuevos diálogos que se establecen entre la fotografía y las artes plásticas, que comienzan a fundirse

en la denominación genérica de artes visuales.

Por lo tanto, es durante esta época, cuando la fotografía comienza a tratar temas sociales haciendo especial mención como iniciadores de esta corriente a Diane Arbus, Rober Doisneau o Robert Frank. Este tipo de fotógrafos, cogen su

cámara, se lanzan a la calle intentando captar el momento de sus días, la sociedad de entonces, muchas veces como un tipo de denuncia social para

acabar con problemas mundiales como el tratado en mi proyecto personal, la pobreza.

A este tipo de denuncias sociales, ayuda también la aparición de agencias como Magnum Photos, una agencia internacional de fotografía, con oficinas en

Nueva York, París, Londres y Tokio.

Magnum fue fundada en 1947 por los reporteros de guerra Robert Capa, David Seymour "Chim", Henri Cartier-Bresson, George Rodger y Bill Vandivert,

además de Maria Eisner y Rita Vandivert, a la postre, primera presidenta. Cada uno de los fundadores puso un capital de 400 dólares, siendo dicha agencia

una de las primeras cooperativas en el mundo de la fotografía. Por primera vez eran los propios fotógrafos los que tenían sus derechos, pues hasta entonces

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la empresa que compraba las fotografías las podía usar siempre que deseara sin pagar más a los fotógrafos.

Por otro lado Magnum fue una iniciativa que permitía a los fotógrafos una relativa independencia en la elección de los temas a documentar, su edición y su publicación, procesos que en la Agencia Magnum estaban en control de los

autores y no de los medios de prensa, como sucedía con los fotógrafos contratados por diarios y revistas de la época.

La cooperativa Magnum posibilitó que los fotoperiodistas documentaran muchos de los hechos más importantes de la historia del siglo XX. Los

fotógrafos tienen más libertad a la hora de mostrar la realidad tal como surge y no vetada por los periódicos de la época, donde fotógrafos tenían que ceñirse a

lo que este quisiese mostrar.

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3. Información.

Podría dividir mis influencias en dos aspectos fundamentales, por un lado artísticas, nombrare y comentare la obra destacada de los

fotógrafos sociales por los que me he sentido muy influenciada a la hora de realizar este proyecto, y por otro lado la técnica, aquellos que han

trabajado y de los que también me he influenciado haciendo trípticos u hojas de contacto, como estética fundamental de su composición.

3.1. Influencias Sociales.

Mineros Sudafricanos. Abbas. 1970.

Debe ser por la tarde, después de la jornada de trabajo, porque el sol está cerca del horizonte y los mineros conversan tranquilamente. A la izquierda, dos hombres acaban de lavarse y cambiarse, mientras sus tres camaradas de la derecha han interrumpido sus ocupaciones para leer una carta. Los otros parecen contentos, aunque sea simplemente

por el hecho de charlar. Esta composición, que concede el mismo interés a toda una serie de elementos dispuestos alrededor de una

estufa muy discreta, pretende ser una reflexión sobre la vida cotidiana y constituye una de las fotografías más idílicas de Abbas. La vena utópica que anima esta imagen ha permitido a Abbas reconocer y producir, a su

pesar, las injusticias y miserias del mundo. La reputación como fotoperiodista que se ha labrado. Abbas arranca de los reportajes de

impacto que realizo durante la época de los 70 en las peligrosas zonas de Biafra y Vietnan del Sur. Desde la década de 1980, explora sobre

todo el mundo del islam y la civilización cristiana.

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Niño con granada. Diane Arbus. 1972.

La granada, la mueca y la mano a modo de garra parecen señalar un futuro sin esperanza, histérico y militarizado. La imagen funciona porque

la rareza del niño se pone en escena en un decorado amablemente natural: hay incluso una relación de consonancia entre esos troncos de árboles emparejados y las largas y flacas piernas del niño. El motivo de

Arbus, en esta y otras obras, es la discrepancia entre los mundos imaginados e idealizados, representados aquí por los arboles y la luz del sol en el parque, y la violencia aparentemente prometida por el niño. La

artista imaginaba la distopia, pero siempre la consideraba desde el punto de vista del Jardín del Edén. El ejemplo de Arbus, que es conocida

sobre todo por las ocho fotografías publicadas en Diane Arbus en 1972 marco una gran diferencia en la fotografía documental, aun cuando

nadie pudiera repetir su logro. Alumna de la influyente Lisette Model en Nueva York a finales de los 50, trabajo sobre todo como fotógrafa por

cuenta propia para revistas en la década de los 60.

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Una escena callejera en Nápoles. Bruno Barbey. 1963.

En Nápoles, cerca del callejón Scassacocchi, en el barrio de San Lorenzo, un enano pide limosna en medio de un grupo de niños que se

ríen del mendigo, del fotógrafo y unos de otros. Los protagonistas lo dan todo en su papel, y esto ha sido siempre uno de los sellos distintivos de

la fotografía de Barbey. Aunque ha fotografiado en todo el mundo, incluidas zonas de guerra como Vietnan del Sur en 1972, Italia ha sido

sin duda, uno de sus mejores escenarios, pues es en ese país donde los mendigos mendigan y los deudos se plañen con la más excesiva

efusión. La crisis social puede estar en el horizonte, pero mientras todos los modelos de Barbey se entregan gustosos a lo que están haciendo en ese momento. Barbey heredo esta valoración del género humano de la década de los 50, de Cartier-Bresson y Robert Frank por ejemplo, pero

mientras que los humanistas anteriores pensaban a menudo en términos representativos y heroicos, su tendencia en cambio ha sido siempre

valorar lo privado y lo concreto.

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Niño andino, Cuzco. Werner Bischof. 1954.

En un escenario idílico, un niño toca su flauta mientras anda por un camino de montaña que conduce a Cuzco, Perú. Bischof, que fue

periodista fotográfico internacional, tomo muchas fotografías conmovedoras de los niños como símbolo de un futuro mejor. Era un

visionario que deseaba vivir en un mundo civilizado y creía que la fotografía podía demostrar cómo se podía alcanzar ese objetivo. Aunque

cubrió la guerra de Corea y la de Indochina, la vida social fue su tema preferido porque hablaban de continuidad, en vez de renovación

absoluta que propugnaban los totalitarismos. Muchas de sus imágenes tienen como protagonistas a músicos de la calle. Werner murió poco después de tomar esta fotografía en un accidente de automóvil en los

Andes.

Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 16

Pobreza y Exclusión social. Henri Cartier-Bresson. 1933.

Henri Cartier-Bresson fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus "images à la sauvette", que vienen a significar con más precisión "imágenes a

hurtadillas". Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción. En esta imagen, Bresson sin duda capta la dureza del momento. La lucha

por la supervivencia y junto a la figura de la niña hace una reflexión acerca del mundo en que vivimos. La mirada del habla por sí sola, dolor,

sufrimiento y preocupación por la que probablemente es su hija. En la composición también llama la atención la mano de la niña que engancha

la chaqueta de su papa buscando la seguridad. Esta es una de las imágenes que más me ha inspirado.

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Madre e hijo. Bruce Davidson. 1967.

Sentados sobre el cubrecama blanco, madre e hijo permanecen

abrazados entre las paredes desnudas de una habitación mal iluminada

de un exiguo apartamento en una casa de vecindad. Esta pareja

aparece en las primeras páginas del libro de Davidson “East 100th

Street (1970)”, que es una de las grandes obras de la fotografía.

Davidson trabajo en esta calle de East Harlem durante dos años a

mediados de la década de los 60, documentando y entregando copias a

las personas fotografiadas. En una relación directa con la gente, expresó

con compasión la dignidad y la desesperación. Estas imágenes íntimas

realizadas en el interior de las viviendas, en las azoteas y en la calle dan

testimonio de la energía de la comunidad. Davidson comenzó su carrera

en la fotografía documental a finales de la década de los 50, con una

serie sobre una pandilla juvenil de Brooklyn. Se interesa, en general, por

las personas marginadas y contempla el mundo desde su interior, dando

muestra de una fuerza de expresión asombrosa.

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Belgrado, violinista navideño. Lewis Hine. 1918.

«Quise hacer dos cosas: mostrar lo que había que corregir y mostrar lo que había que apreciar». Son palabras del fotógrafo Lewis Hine. Decimos atípico

fotógrafo, porque comenzó tarde en esta profesión. Era maestro de escuela en Nueva York y aprendió fotografía con el fin de defender aquello en lo que creía que merecía la pena luchar. Su máxima, contar el lado humano de la Historia.

Y a ello se dedicó a partir de entonces. Como explica la comisaria de la exposición, Alison Nordström, Hine fue «un gran activista social». Buena parte

de su carrera la dedicó a fotografiar a los trabajadores en plena faena. Su objetivo, mostrar que el trabajo dignifica al hombre. Hay imágenes tan célebres

como «Mecánico en una bomba de vapor de una central eléctrica».

Lewis Hine murió pobre y olvidado, recuerda la comisaria. Pero, tras su muerte, se le reconoce su papel como pionero del documentalismo social. Y es que fue, a partes iguales, un apasionado y comprometido activista social y pionero de la

fotografía documental. Su legado fotográfico fue ofrecido al MoMA, que lo rechazó. Fue a parar a la Photo League hasta que finalmente llegó en 1955 a la

George Eastman House, que lo conserva como un tesoro.

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Manos. Michael Wells. 1980.

La mano del niño ugandés, comparada con la del misionero, parece la garra de

un ave escuálida o algo encontrado en un yacimiento arqueológico. Esta imagen yuxtapone el hambre y el Occidente próspero, aun cuando la mano que sirve de fondo sea la de un misionero bienintencionado que ha contribuido por propia voluntad. Las hambrunas en Uganda y en otros países de África han sido objeto de una considerable atención por parte de la prensa Occidental.

Hay muchas imágenes de cadáveres, que plantean preguntas acerca de cómo ha muerto la gente y con qué rapidez se descomponen los cuerpos, es decir,

sobre los aspectos prácticos del hambre. Los textos sobre la cuestión de África plantean casi siempre cuestiones morales insolubles en relación con los pros y

los contras de la intervención. Una imagen como esta, que es más emblemática que explicativa, compendia los textos, captando sobre todo su

elemento de culpabilidad y autoacusación y el significado de esa mano tendida bien alimentada y cuidada.

Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 20

3.2. Influencias Técnicas.

Lanzamiento de cuatro pelotas para

Formar un cuadrado. John Baldessari. 1974.

Desde este punto de vista, la intención del fotógrafo casi se ha logrado

en la imagen del Angulo inferior derecho, pero cualquiera de las otras

formaciones podría servir si se viera desde ángulos diferentes ¿Por qué

hacer 36 intentos para lograr un cuadrado lanzando pelotas sobre el

fondo del cielo de California? Para buscar la casualidad, o para probar

que las cosas pueden salir tal como queremos que salgan. Son muchas

las series fotográficas de Baldessari en las décadas de los 6º y los 70

que requieren tiempo para su representación y estudio, pero no es más

que el tiempo común, no el momento providencial del reportaje

fotográfico en el que los hechos y las apariencias se fusionan con

firmeza. La propuesta de Baldessari es que el tiempo ordinario es

fácilmente accesible, y que también podría utilizarse para obrar milagros,

sin importar lo pequeños que fuesen. Baldessari estudio pintura y a

mediados de los 60 se inicio en la fotografía. Para celebrar ese cambio

en 1970 hizo que se quemases en el crematorio todos los lienzos que

obraban en su poder.

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Torres en Construcción. Bern y Hilla Becher. 1980.

Cuando las fotografías de instalaciones industriales de los Becher se

exponen clasificadas en grupos, invitan a la composición y al estudio. El

motivo de esta serie parece ser unas fachadas industriales y su

decoración ¿Por qué han de estar decoradas, y si lo están, por qué han

de adoptar estilos concretos, como el de estos ejemplos? El primer libro

importante de los Becher sobre construcción industrial, titulado

Anonymous Sculptures: A tipology of Technical Construction se publico

en 1970. Después han aparecido muchos otros libros, como Water

Towers en 1988 y Blast Furnaces en 1990. A los Becher les gusta llamar

la atención hacia la grandeza de los edificios industriales, pero su

principal objetivo es invitar al espectador a prestar una gran atención a

los procesos que se examinan y a adquirir conciencia de esa atención a

menudo involuntaria. En la década de los 70 Bernd Becher fue un

influyente profesor de fotografía en la Academia de Arte de Düsseldorf,

donde conto con alumnos como Andreas Gursky y Candida Höfer.

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Sin título Cruz A1. Wallace Berman. 1970.

Conocido por los collage y trípticos realizados que comenzó a trabajar

en 1964, y cuya base es una fotografía de una radio en la que coloca

imágenes de verifax tomadas de la cultura popular y del mundo natural;

en este caso, una serpiente y un hongo. El verifax era un primitivo

procedimiento de fotocopiado, y Berman realzaba a veces los resultados

coloreando las imágenes a mano. Su arte, como el de Warhol en Nueva

York, se basaba en la idea de una conciencia nacional que de alguna

manera se mantenía unida gracias a imágenes populares

representativas. Warhol magnifico a Presley, Monroe y todos los demás

iconos, como si pertenecieran a un mundo aparte e inalcanzable. La

propuesta de Berman, en cambio, era que existe un banco de imágenes

de motivos menores que está bajo el control de un público que puede

elegir y recombinar estas imágenes para sí mismo. Berman, que fue el

editor de la revista de arte y poesía Semina entre 1955 y 1964, ejerció

una importante influencia en el arte que se desarrolla en Los Ángeles

durante la década de los 60.

Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 23

El hotel, habitación 44. Sophie Calle. 1983.

Estas fotografías tomadas en un hotel de Venecia en Febrero de 1983,

son imágenes documentales y estaban pensadas para exhibirse

conjuntamente. Muestran camas revueltas, equipaje a medio deshacer y

ropa tendida a secar: el contenido normal de habitaciones anónimas.

Calle había empezado a trabajar como camarera temporal y durante 14

semanas tuvo a su cargo doce habitaciones de la cuarta planta. En ese

tiempo tomo fotografías y notas sobre los hábitos de los huéspedes. Los

resultados, frutos de una vigilancia secreta, fueron publicados y

exhibidos. La autora tuvo especial cuidado de no proseguir sus

indignaciones, por lo que la identidad de los ocupantes permaneció en el

anonimato. La importancia del arte de Calle ha estribado en plantear

cuestiones acerca de qué es lo que nos interesa: la estructura ordinaria

de la vida de los demás, por ejemplo. Sus procedimientos

desapasionados y objetivos han ejercido una gran influencia en la

fotografía de la década de los 80.

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Autorretrato cabeza abajo nº7.

John Coplans. 2003.

Coplans tenía un cuerpo velludo y ese engrosamiento del cuerpo que

parece desarrollarse con la edad. Vista cabeza abajo, esta fotografía nos

recuerda a San Pedro, que fue crucificado así, y a los santos y apóstoles

martirizados que aparecen en las pinturas del artista barroco del S. XVIII

Caravaggio. La obra de Coplans suscita recuerdos de la pintura barroca

que representa el cuerpo como un pesado estorbo. Sus fotografías están

hechas sobre fondos neutros, y no son retratos, aun cuando muestren el

cuerpo del artista. Esto significa que pueden referirse a cualquier cosa, a

la experiencia personal, a las estatuas clásicas y los martirios de los

pintores barrocos. Pero sobre todo desvían la atención de lo social y de

lo personal. Coplans estudio pintura en Londres y fue cofundador de la

influyente revista Artforum en San Francisco en 1962. En 1980 se

traslado a Nueva York, donde empezó a dedicarse a la fotografía, y en

1984 comienza su serie Self Portraits.

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Tríptico nº77. Thomas Florschuetz. 1993.

Los orificios nasales no son simétricos y tampoco los labios. El modelo

parece estar sudando. Se nos invita a examinar la convincente evidencia

forense que se muestra, y mientras lo hacemos a centrarnos en los

labios, los orificios nasales, la piel, la barba y el aliento. Los pies parecen

haber sido separados súbitamente, quizá como reacción al grito emitido

por la voz. Las impresiones en color de Florschuetz de finales de la

década de los 80 y de la siguiente son de grandes dimensiones y

muestran fragmentos aislados del cuerpo y otros misteriosos primeros

planos que suelen ser más difíciles de identificar que los de este

ejemplo. El objetivo es llamar la atención hacia el tipo de cosas que

fácilmente se dan por supuestas: los procesos fisiológicos o la vida

misma. Como muchos de sus coetáneos de la década de los 9,

Florschuetz se ha evitado por evitar significados fáciles a los que puede

accedes la fotografía documental. Sus imágenes están hechas para ser

expuestas en galerías y provocar respuestas en el público.

Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 26

Yo construí una pirámide. Duane Michals. 1978.

Michals escribió que para construir una pirámide propia había que superar dos

dificultades: la primera, madrugar lo suficiente para llegar al lugar escogido

antes de que alguien lo ocupase; la segunda, elegir piedras suficientemente

buenas. La construcción de esta pirámide ha requerido cierta planificación

previa, pues la sexta y última imagen muestra una creación que complementa

los ángulos de las grandes estructuras que se alzan más allá. Michals deja aquí

su impronta ante la intemporalidad representada por las pirámides de la

antigüedad. Sus fotografías, que a menudo se agrupan en series como esta,

son una parábola de la fragilidad humana; las personas parecen desaparecer,

abandonando el lugar sin dejar huella. Michals comenzó a hacer fotografías

durante un viaje turístico en la Unión Soviética en 1958, y a mediados de la

década de los 60, se había consolidado como uno de los más convincentes de

una nueva generación de paisajistas sociales. A finales de esa década

comenzó a hacer secuencias, acompañando algunas de ellas con texto.

Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 27

Sin título Nº180. Cindy Sherman. 1987.

A primera vista parece un cadáver reciente, aunque en realidad no es más que

una máscara coloreada. Pero es preciso examinar los ojos para comprobarlo.

Pero si es mentira ¿por qué es realmente repelente? En casi toda la obra de

Sherman, pide al espectador que la acompañe, para participar en la farsa. Por

lo que hay que ser consciente de sus intenciones, que es provocar nausea o

asco. Por lo que es una artista conceptual que cree que los datos de los

sentidos deberían acompañarse con las palabras. Esto le lleva a presentar la

idea de repulsión con hechos melodramáticos.

Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 28

Autorretrato. Andy Warhol. 1986.

Mientras que un solo retrato puede sustituir a un conjunto de personajes, seis

ponen en entredicho la idea de representación. Warhol siempre sintió interés

por la idea de la mera apariencia, en la confianza de lo que se ve es suficiente

o todo lo que se puede saber. Sin embargo también reflexionaba sobre las

profundidades que hay más allá por lo que esta fotografía es en el fondo una

imagen romántica y trágica, deliberadamente taciturna. Su contenido espiritual

apenas cabe en el formato. El mensaje fundamental de Warhol es que las

penalidades de la vida podían manejarse mejor formalmente, de modo que su

contenido desagradable pudiera ser catalogado o dejado a un lado para su

consideración posterior. En su estudio, al que llamaba “The factory”, produjo un

flujo constante de pinturas, serigrafías y esculturas. También tomaba

fotografías continuamente, su libro de retratos de Nueva York titulado “Andy

Warhol Exposures” causo un gran escándalo cuando fue publicado en los 90.

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Trípticos de extraños. Adde Adesokan. 2000.

El fotógrafo alemán Adde Adesokan utiliza el lenguaje del tríptico para realizar

retratos de extraños. Adesokan hizo de la fotografía de calle un trabajo y una

pasión. En esta oportunidad, el fotógrafo creó un proyecto llamado “Triptychs of

Strangers” que consiste en crear trípticos con personas desconocidas de las

calles. Este estilo es común en las pinturas y se construye por la división de la

imagen en tres partes. Así, al abordar las personas en la calle, Adde realiza

tres fotos del cuerpo de cada una de ellas, para después unirlas en un único

cuadro.

Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 30

4. Análisis Comparativo.

Son, como he mostrado, diversas las influencias, pero por supuesto

marcando mis propias diferencias. Pues la denuncia social es una de las

temáticas más reconocidas en la fotografía desde los inicios de esta. Y a

eso hay que añadirle, que como ya hemos oído en muchas conferencias

de fotógrafos sociales y no sociales, todo está inventado, solo cabe

destacar el propio punto de vista de cada uno, que es lo que va

marcando tu camino en la trayectoria como fotógrafo.

He usado el formato tríptico, como miles de fotógrafos a lo largo de la

historia, pero yo sobretodo quería hacerlo, para mostrar las acciones y

sus posteriores consecuencias, y creo que de esta manera tan

secuencial se expresa mucho mejor. A pesar de ello, hemos observado

que la mayoría de fotografías secuenciales, suelen marcar una línea de

tiempo y esa suele ser su finalidad, en mi proyecto, dichos trípticos, no

están realizados para marcar ni describir ninguna línea de tiempo, es

sobre todo la idea de ACCION=CONSECUENCIA.

Observando los trabajos de estos fotógrafos sociales, también caes en

la cuenta, de que si, está todo hecho, pero el contraste es brutal, porque

aunque parece lo mismo, si lo analizas, cada uno ha sabido aportar a la

perfección su propia visión, que sabe y destaca por ser diferente a las

otras, como la mía, en la que profundizare a continuación, en el

siguiente punto.

Otra de las grandes diferencias entre mi trabajo y el de mis influencias

principales, es que la mayoría de las fotografías que he mostrado

anteriormente, están tratadas en blanco y negro, independientemente de

la aparición del color en la película sensible. Yo en cambio, he preferido

aportar el color.

La idea que más se parece a la mía tal vez, es la del fotógrafo alemán

Adde Addesokan. Encuentro miles de similitudes entre su trabajo y el

mío, pero se establece también una gran diferencia, esta es dos puntos

de vista diversos. Mientras que el opto por hacerlo con desconocidos, yo

lo centre mas a una clara denuncia social, usando como personajes

principales a vagabundos, que como ciudadano, te cruzas cada día.

Pero es entonces, llegados a este punto, cuando se plantea una difícil y

delicada cuestión ¿Se les debe tratar como diferentes? Evidentemente,

desde el punto de vista de mi proyecto, este trato “diferente” se lo he

dado. Pero no con mala intención, ni como una exclusión hacia ellos, al

contrario, el mensaje es totalmente positivo, es una manera de decir

“Date cuenta de lo que tienes a tu alrededor”, no lo pases por alto.

Mientras que Adde Adesokan muestra en sus trípticos los complementos

de completos desconocidos incluso dando un toque cómico, pues ha

dado diferentes focales a cada fotografía y al unirlos asemejan a

enanitos y hasta tiene un punto cómico. En cambio, yo me centro en la

Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 31

mirada, vestimentas y sobretodo sus manos, que piden o tocan algún

instrumento para ganar una moneda. La cosa cambia totalmente.

Otra gran diferencia establecida es, la reflexión que mando al final con

mi propio autorretrato pidiendo y sobre la cual reflexionaremos a

continuación, solo adelanto, que siendo el prototipo de “chica normal” del

que estamos hablando, podría ser en realidad una vagabunda mas y

quien no me conozca y viese la tira de doce imágenes podría llegar a

creerlo, de hecho, no le cabria duda de que lo soy.

Se podría decir entonces, que me he nutrido de miles de autores, pero

he querido, como cada uno de ellos con sus obras, darle mi propio trato,

mi esencia y visto, vivido y experimentado desde mi experiencia y mi

perspectiva. Pero por supuesto, de lo que no cabe duda, es que dichas

influencias son más necesarias de lo que creemos para nutrirse,

empaparse y crecer como fotógrafos. Haciéndolo de esta manera, te das

cuenta y aprendes una gran lección, y es que las influencias no están

para ser copiadas, sino, como la palabra dice, para dejarte influenciar,

hacerte tu propio camino y crecer, saber qué es lo que quieres y que es

lo que no quieres, lo que te gusta y lo que no te gusta, a las pruebas nos

remitimos, pues nada tienen que ver los trabajos de unos artistas con

otros ni de estos conmigo, tratando siempre la misma temática. Si, no

cabe duda, es una denuncia, una fotografía social, pero esta está hecha

con mis ojos, con mis manos y con mi corazón, que es, según mi punto

de vista, el esqueleto de toda buena fotografía.

Cuando establezco influencias artísticas e influencias técnicas, no quiero

decir que de las secuencias mostradas en ellas, no me haya nutrido

también artísticamente, pues de algunas como la de Andy Warhol entre

muchas, he visto necesario también, como él en su día y como lo

justifica, hacerlo de manera tríptico.

Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 32

5. Descripción del proyecto.

Mi proyecto personal consiste en doce composiciones trípticos, un total de

treinta y seis fotografías, con una clara clasificación de fotografía social y una

clara intención de denuncia social, mandando también un mensaje de reflexión

a la sociedad, invitándola a meditar acerca de lo que sucede a su alrededor.

Las influencias mencionadas arriba han sido un claro combustible para mi

realización personal del proyecto. Y a través de todas ellas, he ido creando mi

propia foto semilla para obtener este resultado en el proyecto personal. Ha sido

muy importante también en el proceso de decisión, el nutrirme de las

experiencias de fotógrafos a los que he tenido el placer de conocer en las

distintas conferencias organizadas en la EASD. He de nombrar sin duda a

Óscar Molina y los valiosos consejos que nos brindo durante su visita.

Consejos que por supuesto he tenido que poner en marcha durante este difícil

proceso. Hablo, por ejemplo, de la respiración creativa, pues esta es muy

necesaria en aspectos tan “aparentemente sencillos” como la elección del título

de mi obra. Por lo que la experiencia indirecta es casi tan necesaria como la

directa.

En cuanto a experiencia directa, he de decir, que este proyecto, por fin llevado

a cabo, es algo que ronda mi cabeza desde hace mucho tiempo. Mucho antes

incluso de tener mi cámara o de plantearme y decidirme por la fotografía como

mi futuro. Pues siempre que caminaba y camino por la calle, me han llamado la

atención cruzarme con estos personajes, tan diferentes a mí, los cuales seguro

alguna cara os resulta familiar. Y cuando los miro, me vienen a la cabeza miles

de curiosidades, preguntas que les haría y de qué manera podría yo blindarles

importancia, dándoles protagonismo de algún modo, dejarlos hablar y darse a

conocer. Por supuesto, cuando todo esto asaltaba en mi interior, no se me

pasaba por la cabeza, que desembocaría en mi proyecto personal de primero

de Fotografía Artística.

Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 33

Centrándonos más en mi proyecto en sí, comencemos a analizar las imágenes

para entender su finalidad:

La primera fotografía de cada composición es un retrato en plano detalle del

rostro, donde me centro sobretodo en la mirada. Siento pasión por la gente y

fascinación por sus rostros. El retrato trata de expresar el carácter de una

persona y sobre todo de ubicar al “modelo” en la jerarquía de su mundo, social

y físicamente, al mostrarnos su estatus, autoridad e importancia. Ofrezco con

esta primera foto de la composición, una visión profunda de la persona, más

allá de los detalles de su apariencia, porque creo que con estas fotos estoy

revelando aspectos desconocidos de su personalidad. Necesitaba algo más

que una persona situada delante de la cámara, no por encuadrar y disparar iba

a tener un retrato porque no quería solo revelar sus facciones y vestimentas,

sino que buscaba un estado de ánimo, una expresión, y eso fue lo complicado,

el buscar mas allá, el penetrar en su mirada, introducirme en su alma. Esto fue

muy complicado para mi, fueron muchos días previos a la toma fotográfica,

días en que les llevaba comida y hablaba con ellos, de su situación, y poco a

poco me iba adentrando en su mundo y ganando su confianza. Y así con

paciencia y “buena letra”, llego el día de la toma en la que solo les decía: “solo

quiero que me mires a la cámara”. Sinceramente, estoy contenta con el

resultado de las miradas, porque creo que todas y cada una de ellas hablan por

sí solas.

En la segunda imagen, siempre aparecen unas manos, es por tanto un plano

detalle de estas personas. Y ¿Por qué las manos? Porque para mí, junto a los

ojos, es una de las partes del cuerpo que mas dicen de una personalidad y

también porque son muy necesarias para el ser humano y sus actividades

diarias. Los retratos más reveladores de la historia se han creado examinando

detalles del modelo (p.e. las manos de pintores). Pretendo, representando las

manos, dos cosas. Por un lado revelar el estatus de la persona y por otro,

hacernos meditar sobre su posición social, sobre su “trabajo” que es pedir por

necesidad, porque no tienen las mismas oportunidades que nosotros, en

muchos casos. Por ello, ajuste el objetivo buscando profundidad y con un foco

total hacia sus manos.

La tercera imagen es una alternación entre pan y agua. La comida y la bebida,

ha sido desde siempre lo básico para la supervivencia del ser humano, y dentro

de ello, lo más básico ha sido el agua y el pan. Lo único que verdaderamente

ha necesitado el hombre para vivir y realizar sus tareas cada día. A lo largo de

la historia, sin darnos cuenta, hemos ido evolucionando y creando necesidades

hasta ahora inimaginables, como coche, peluquerías, restaurantes, ocio…etc.

Materialismo en muchos casos. Invito entonces a la reflexión, a desprendernos

por un momento de lo innecesario y a preguntarnos si verdaderamente muchos

de nuestros gastos son una necesidad vital porque la vida ha cambiado y

surgen otras necesidades o simplemente producto de una sociedad cada vez

Nazaret Barceló Hernández-Gil Página 34

más consumista. No creo que a estas personas les preocupe cual es el color

de la temporada o su cita con el peluquero. Tampoco quiero con esto realizar

una autocritica, ni sentirnos culpables por el hecho de vivir con unos medios y

una sociedad más acomodada de la que yo formo parte. Si no al contrario,

sentirnos afortunados por ello y así disfrutarlo más, dejando a un lado las

banalidades y preocupaciones innecesarias. Alegrarnos por vivir la vida que

nos ha tocado vivir y disfrutarla al máximo, incluyendo los pequeños detalles

que casi no apreciamos, como tomar una cerveza al sol. Valorar y apreciar el

tesoro que tenemos.

La ultima fotografía, es mi propio autorretrato. Por un lado, otra invitación a la

reflexión ya comentada. Por otro, una mención acerca de la veracidad de la

fotografía y la manipulación existente desde la llegada de la “era digital”, un

fenómeno a debate que pone en duda la veracidad de la imagen, debate del

que podría escribir paginas. Mi autorretrato es también una paradoja, el

fotógrafo fotografiado. Saber que se siente cuando te fotografían tan cerca, casi

entran en ti. Saber que se siente cuando eres el protagonista, ponerme por una

vez, en el lugar de estos once protagonistas de mi proyecto. Mostrarme como

una extraña ante mí misma, me hizo sentirme atraída hacia esta ultima toma.

Esperar una intimidad inmediata y decirme a mi misma como tenía que

ponerme ante la cámara, me pareció de lo más atractivo. Encontrar en mi

rostro, la complicidad que buscamos en la persona cuando realizamos un

retrato. A menudo, los fotógrafos se muestran reticentes ante la cámara,

todavía no sabemos bien porque, y es una lástima, porque el autorretrato

ofrece descubrir aspectos de nosotros mismos, que tal vez de otra manera

desconocemos. Es también una motivación por el deseo creativo, una firma, un

proceso de autodefinición, afirmo en el mi identidad creativa y proporciono al

espectador, una vez que este ha descubierto que no soy una vagabunda mas,

una pista para que entienda mi trabajo y mi ambición.

El formato tríptico secuencial, es también toda una declaración de intenciones.

Un acto, equivale a una consecuencia. Además, creo que es desconocido por

muchos el poder que tienes las imágenes planteadas de esta manera, pues

estimula mucho mas la vista, es más intenso y se usa como un boli, narras una

historia invisible “no te cuento nada, saca tus propias conclusiones y

compártelas”. Mi intención es recrear de manera poética, algo que ocurre todos

los días.

No existen en este proyecto esquemas de luz, pues todo ha sido realizado con

luz natural en los retratos, en días soleados y por la tarde, excepto la mía. En

cuanto al pan y al agua, me gustaba la luz nostálgica que entraba por la

ventana de mi cocina al mediodía.

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He buscado durante todo el proceso la naturalidad, tanto en iluminación como

en revelado, que ha sido en lightroom, buscando el realismo en toda su

esencia, por lo que a la imagen en general he variado el contraste, brillo y

claridad de manera homogénea en todas las fotos, ya que es una tira y no

puede haber diferencias entre unas y otras. Y en cuanto a la mirada y las

manos, con el pincel corrector he aplicado de manera precavida algo de brillo,

saturación, exposición, luminancia y contraste, para en la mirada, resaltarla un

poco, y en las manos aplicar más textura a la composición de esas manos

sucias.

Las doce imágenes están sobre un fondo negro, que a mí me transmite

solemnidad, elegancia y al mismo tiempo sencillez y neutralidad. No quería que

el fondo afectase a las imágenes, que pudiese este distraer al espectador de su

análisis.

El enfoque que le daría a este proyecto sería el de una exposición fotográfica,

sacando las fotos en A4 (como las he presentado) y sin marco, para no

distraer, buscando la belleza de lo sencillo y ningún elemento que distraiga.

Poder mostrarle al espectador mi fin principal.

A modo anecdótico, diría que lo más complicado fue la realización de las fotos

en sí, pues encontrar a once vagabundos reales que quisiesen posar para mí,

fue mucho más complicado de lo que había pensado en un momento. Me dio la

sensación de que muchas de las personas que piden, pertenecen a mafias,

porque no consentían ni un acercamiento inicial en cuanto me veían aparecer

con la cámara. Por otro lado, la mayoría no hablaban mi idioma, y

comunicarme con ellos y explicarles él porque me resultaba a veces imposible.

Uno de los motivos por el que me reservare la identidad, nacionalidad y edades

de ellos. Viendo que el asunto iba a ser complicado, decidí ir unas tardes antes

a conocerlos un poco mejor, por lo que preparaba sándwich y bocatas e iba en

su búsqueda. Tuve que hacer muchos sándwich y también arrojar muchas

monedas.

Las imágenes están compuestas por nacionalidades muy diversas y varias,

desde españoles a serbios e incluso chinos, porque la verdad buscaba

diversidad, para hacer la composición en general más dinámica y así también

las fotos ganasen intensidad y el mensaje peso.

Algunos, como el alemán Jan, se mostro amable y educado durante todo el

proceso, pero solo me pidió que no quería que sus manos apareciesen

pidiendo, porque le daba vergüenza. Este hecho me emociono y enterneció

bastante.

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En general, la experiencia ha sido una de las mas contradictorias de mi vida,

dura y gratificante a la vez, intensa pero tierna y sobretodo os invito a la

reflexión, porque a mí me ha hecho reflexionar. Creo que todo este bombardeo

de emociones que he sentido realizando mi proyecto se respira en las

imágenes finales, de las cuales me siento muy orgullosa.

Espero que cada una de las fotografías se disfruten y sientan, tanto como lo he

disfrutado y sentido yo.

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6. Documentación Gráfica.

Adjunto en este apartado, lo que podría denominarse tomas falsas. En realidad,

me gustaban tanto como las otras, pero por ejemplo, me quise centrar en las

manos y no en los carteles en la mayoría de los casos, por lo que aquí están

para que se vean.

No hay disponibles esquemas de composición de luces, ya que he prescindido

de todos ellos para las tomas, buscando luz natural.

Hemos ido solo mi cámara y yo, y he de agradecer la compañía a ratos de un

gran amigo, que lo ha hecho todo más llevadero y sencillo.

Pruebas con Lightroom y Photoshop

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Un descanso y una sonrisa por favor, que hace mucho calor

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7. Bibliografía.

WEBS CONSULTADAS:

- Sdelbiombo.bloggia.com

- Slideshare.com

- Nodulo.org

- Sigojoven.com

- Tiempossalvajes.org

- Lacomunidad.com

- Wikipedia

LIBROS:

- Historia del Arte. John Assel. TASCHEN.

- EL ABC DE LA FOTOGRAFÍA. PHAIDON.

- Fotografía de la A a la Z. Hans-Michael Koetzle. TASCHEN.

- Fotografía. John Ingledew. BLUME.

- Otra manera de contar. John Berger y Jean Mohr. BLUME.

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