PROGRAMACIÓN DE MÚSICA DE CÁMARA 16-17 · en práctica una serie de aspectos técnicos y...
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CONSERVATORIO PROFESIONAL DE MÚSICA DE MAJADAHONDA PROGRAMACIÓN DE MÚSICA DE CÁMARA 2017-2018
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CONSERVATORIO PROFESIONAL DE
MÚSICA DE MAJADAHONDA
PROGRAMACIÓN
DE
MÚSICA DE CÁMARA
2017-2018
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PROGRAMACIÓN DE MÚSICA DE CÁMARA
INTRODUCCIÓN
La práctica de la Música de cámara durante el período de estudios
correspondiente a las Enseñanzas profesionales de música responde a un
conjunto de necesidades del alumnado de música que difícilmente pueden ser
atendidas si no es a través de esta actividad.
La actividad camerística supone el vehículo fundamental para integrar y poner
en práctica una serie de aspectos técnicos y musicales cuyo aprendizaje no
puede llevarse a cabo con las mismas garantías de éxito a través de otras
actividades musicales, ya sean estas teóricas o instrumentales.
La práctica de la música de cámara cumple una función decisiva en el
desarrollo del oído musical en todos sus aspectos. El repertorio camerístico
constituye el medio idóneo para que los alumnos desarrollen el sentido de la
afinación, desarrollo que no puede dejar de ser intuitivo y mimético, que se
resiste a ser enseñado o transmitido por métodos racionales y que requiere una
larga praxis musical, preferentemente en conjunto.
La formación camerística le ofrece al alumno de piano la oportunidad de
sacarlo del trabajo en solitario y ponerle en contacto con otros alumnos; a los
instrumentos melódicos les ofrece la oportunidad de experimentar cuanto antes
la polifonía, ya que por sí mismos no pueden hacerlo.
Una de las características fundamentales de la práctica camerística es la
ausencia de director o directora. Ello obliga a desarrollar las competencias
necesarias de comunicación visual y gestual entre los miembros del grupo,
aprender a valorar la importancia de la respiración conjunta, establecer criterios
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comunes de interpretación y, en definitiva, favorecer el desarrollo de una nueva
dimensión de la interpretación basada en la codirección.
Asimismo, el ejercicio de la música de cámara estimula la capacidad -
imprescindible para todo músico- para escuchar a los otros instrumentos
mientras se toca el propio y para desarrollar el sentido de «sonoridad del
conjunto».
La interacción entre diversos instrumentistas colabora igualmente al desarrollo
de la sensibilidad en materia de dinámica, fraseo, ritmo y vibrato: en cuanto a la
«dinámica», por exigir una sensibilización con respecto a la audición de planos
sonoros y a la percepción de la función desempeñada en cada momento por
cada uno de los instrumentos (solística, acompañante, contrapuntística,
armónica, etc.); en cuanto al «fraseo», porque colabora a desarrollar el sentido
del diálogo y la mimesis musical; en cuanto «ritmo», porque la música de
conjunto exige por sí misma una precisión y compenetración rítmica que haga
posible la simultaneidad y el ajuste entre los diversos instrumentos, al tiempo
que propicia el desarrollo de la comunicación a través del gesto, y de cualquier
otra forma no verbal, entre los instrumentistas(entradas, definición del 'tempo',
rubato y otras modificaciones del «tempo», cortes finales, respiraciones, etc.);
en cuanto al «vibrato», en el sentido de que la práctica camerística obliga a
homogeneizar y simultanear el período, velocidad y amplitud de los diversos
vibratos.
La música de cámara obliga a los músicos que la practican a desarrollar
determinados hábitos de autodisciplina y método extremadamente
beneficiosos, tales como la homogeneización de la articulación, la planificación
de los golpes de arco en los instrumentos de cuerda o de las respiraciones en
los de viento, etc., al tiempo que permite el contraste del instrumento propio
con otros de diferente naturaleza.
Desde un punto de vista musical, la práctica camerística es imprescindible para
la maduración de un músico en el terreno de la expresividad y la emotividad,
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puesto que supone un campo idóneo para que la capacidad afectiva del futuro
músico aflore en su interpretación, hecho que debe ser propiciado lo antes
posible.
A su vez, el intercambio de ideas y la confrontación entre diversos puntos de
vista interpretativos resulta sumamente formativa y estimulante para un
instrumentista en período de formación, colabora al desarrollo de la capacidad
analítica y fomenta el que la interpretación responda a una idea musical y
trascienda el nivel de mera lectura.
Asimismo, la práctica y conocimiento del repertorio de cámara supone un paso
decisivo en el conocimiento del repertorio del instrumento y de la evolución
estilística de los diferentes períodos de la historia de la música.
En suma, el cultivo de la música de cámara resulta absolutamente
complementaria de la formación instrumental, permitiendo la aplicación práctica
de los conocimientos adquiridos en la clase de instrumento, dentro de una
actividad que, a causa de su carácter lúdico, permite la práctica musical en
condiciones ideales de espontaneidad y distensión.
OBJETIVOS GENERALES
Las enseñanzas de Música de cámara de las Enseñanzas profesionales de
música tendrán como objetivos contribuir a desarrollar en el alumnado las
capacidades siguientes:
a) Valorar la música de cámara como un aspecto fundamental de la formación
musical e instrumental y así mismo, valorar la práctica en grupo como un
proceso de aprendizaje imprescindible para el futuro ejercicio profesional.
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b) Aplicar en todo momento la audición polifónica para escuchar
simultáneamente las diferentes partes al mismo tiempo que se ejecuta la
propia.
c) Utilizar una amplia y variada gama sonora de manera que el ajuste de sonido
se realice en función de los demás instrumentos del conjunto y de las
necesidades estilísticas e interpretativas de la obra.
d) Conocer y realizar los gestos básicos que permitan la interpretación
coordinada sin director o directora.
e) Desarrollar la sensibilidad en materia de afinación, agógica, dinámica,
fraseo, articulación, rítmica, vibrato. La interacción de los diversos instrumentos
favorece este desarrollo.
f) Profundizar en el conocimiento de los diferentes estilos y de los recursos
interpretativos de cada uno de ellos.
g) Elaborar criterios personales y razonados sobre cuestiones estéticas a
través del trabajo del director o de la directora y de la experiencia del grupo que
le permitan cumplir con su responsabilidad como intérprete dentro del mismo.
h) Leer a primera vista con una soltura que permita el montaje fluido de las
obras.
OBJETIVOS ESPECÍFICOS DE LA MATERIA
a) Desarrollar la capacidad de atención. El alumno aprende con esta materia a
diversificar la atención siendo capaz de estar atento tanto a su propia
interpretación como a la interpretación del resto del grupo al mismo tiempo.
b) Desarrollar el oído musical en todos sus aspectos, educarlo de manera que
pueda percibir todo lo que acontece en la interpretación. Desarrollar así mismo
el oído interno (audición interior), es decir, la capacidad para crearnos una
imagen sonora previa a la interpretación.
c) Desarrollar al máximo la capacidad de percepción y respuesta. Aprender a
reaccionar ante los impulsos externos, responder en base a lo que el otro hace
y escuchar la reacción que tiene el otro hacia lo nuestro.
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d) Ser consciente de la importancia que tienen las normas y reglas que rigen la
actividad musical de conjunto, y aceptar la responsabilidad que, como miembro
de un grupo, se contrae con la música y con los compañeros.
e) Valorar el silencio como medio indispensable para tener una concentración,
como medio para escuchar las otras partes, y como disciplina de grupo y de
trabajo.
f) Adquirir un hábito de estudio que permita un aprovechamiento efectivo del
trabajo realizado.
OBJETIVOS POR CURSOS
La asignatura de música de cámara en este conservatorio se imparte en los
cuatro últimos cursos de grado profesional. De los cuales los dos primeros
tienen un tiempo lectivo semanal de una hora y los dos últimos de hora y
media. Cuando el alumno comienza esta asignatura, en el tercer año del grado
profesional, todavía no están plenamente desarrolladas sus habilidades
instrumentales, de modo que ciertas cuestiones se da por hecho que no van a
poder ser alcanzadas hasta el último curso.
Otra cuestión a tener en cuenta es que el nivel técnico y la madurez musical de
los alumnos no son homogéneos, de modo que lo que objetivamente se le
puede pedir a cada uno no puede ir en función del curso en el que esté
matriculado si no en función de lo que él sea capaz de asimilar en ese
momento de su carrera como músico. Según esto el repertorio varía en
dificultad también de unos grupos a otros aún siendo todos del mismo curso.
TERCER CURSO DE GRADO PROFESIONAL
a) Toma de contacto con la práctica camelística.
b) Comenzar a desarrollar la habilidad de poner la atención en los otros
además de en uno mismo.
c) Comenzar a ser capaz de escuchar a los otros y a uno mismo dentro del
conjunto.
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d) Comenzar a hacer uso de la gama sonora del propio instrumento en
función de la idea sonora que persigamos con el conjunto.
e) Comenzar a familiarizarse con los gestos básicos que permitan una
interpretación coordinada.
f) Comenzar a desarrollar la sensibilidad en materia de afinación, agógica,
dinámica, fraseo, articulación, rítmica, vibrato.
g) Afinar correctamente todas las obras propias del curso tanto de forma
individual como colectiva.
h) Medir correctamente todas las obras propias del curso tanto de forma
individual como colectiva.
i) Mantener el pulso de forma homogénea tanto de forma individual como
formando parte de un grupo
j) Leer a primera vista con una soltura que permita el montaje fluido de las
obras.
CUARTO CURSO DE GRADO PROFESIONAL
a) Profundizar en el desarrollo de la habilidad de ser capaz de diversificar
la atención para que se haga posible percibir lo que acontece alrededor
a la vez que se toca el propio instrumento.
b) Profundizar en el desarrollo de la capacidad de escucha, tanto propia
como del conjunto.
c) Empezar a tomar decisiones propias en lo relativo a la presencia sonora
que se requiere en cada momento según el papel que desempeñe cada
instrumento.
d) Conocer y practicar en todo momento los gestos básicos necesarios
para la coordinación de todos los instrumentistas.
e) Seguir profundizando en el desarrollo de la sensibilidad en materia de
afinación, agógica, dinámica, fraseo, articulación, rítmica, vibrato.
g) Afinar correctamente todas las obras propias del curso tanto de forma
individual como colectiva.
h) Medir correctamente todas las obras propias del curso tanto de forma
individual como colectiva.
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i) Mantener el pulso de forma homogénea tanto de forma individual como
formando parte de un grupo.
j) Leer a primera vista con una soltura que permita el montaje fluido de las
obras.
QUINTO CURSO DE GRADO PROFESIONAL
a) Ser capaz de estar atento a la interpretación del conjunto en grupos
más numerosos. Saber cambiar el foco de atención de unos
instrumentos a otros según lo requiera el momento.
b) Seguir desarrollando la capacidad de escucha en agrupaciones más
numerosas donde estar al detalle requiere mayor habilidad.
c) Tener una idea bastante clara de la gama de sonoridades distintas a
emplear según la ocasión. Tomar decisiones en conjunto en todo lo
relacionado con sonoridad y planos.
d) Tomar decisiones en conjunto sobre articulación y fraseo. Aprender a
distinguir cuando estas cuestiones no son homogéneas en todo el
grupo y cuando si lo son.
e) Adquirir mayor sensibilidad en materia de afinación, vibrato y agógica.
f) Afinar correctamente todas las obras propias del curso tanto de forma
individual como colectiva.
g) Medir correctamente todas las obras propias del curso tanto de forma
individual como colectiva.
h) Mantener el pulso de forma homogénea tanto de forma individual como
formando parte de un grupo.
i) Leer a primera vista con una soltura que permita el montaje fluído de
las obras.
SEXTO CURSO DE GRADO PROFESIONAL
a) Haber desarrollado ampliamente tanto la capacidad de atención como la
de escucha y ser capaz de percibir con claridad todo lo que acontece en
la práctica camerística.
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b) Haber desarrollado la sensibilidad en materia de agógica y dinámica de
forma que se tenga cierta autonomía como grupo a la hora de tomar
decisiones.
c) Dominar la géstica y comunicación entre los miembros del grupo.
d) Tener cierta autonomía como grupo en la toma de decisiones en lo
referente a fraseo, articulación y respiración.
e) Adquirir cierto dominio en lo relativo a afinación y a la homogeneización
del vibrato.
f) Conocer las diferencias básicas en cuanto a dinámica, agógica, vibrato,
fraseo y articulación que se dan entre los distintos estilos y épocas.
Tomar decisiones teniendo estas diferencias como referencia.
g) Afinar correctamente todas las obras propias del curso tanto de forma
individual como colectiva.
h) Medir correctamente todas las obras propias del curso tanto de forma
individual como colectiva.
i) Mantener el pulso de forma homogénea tanto de forma individual como
formando parte de un grupo.
j) Leer a primera vista con una soltura que permita el montaje fluido de las
obras.
CONTENIDOS GENERALES
a) Desarrollar el sentido de la afinación, el cual requiere de una intensa
práctica preferentemente en conjunto. Aprender a obtener la representación
mental del sonido que queremos conseguir. Las diferencias tímbricas crean
una percepción de altura con la que la afinación se complica de solo a
conjuntos mixtos, pasando por instrumentos de la misma familia.
Trabajar la afinación natural (no temperada) en las agrupaciones sin piano.
b) Estimular la capacidad de escuchar a otros instrumentos mientras se toca el
propio; de este modo se desarrolla el sentido de sonoridad de conjunto, de
autoaudición y autoaudición dentro de un grupo.
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c) Desarrollar la sensibilización con respecto a la audición de planos sonoros,
dinámicas y percepción de la función desempeñada por cada instrumento en
cada momento (solista, acompañante, concertante, contrapuntística, armónica)
a fin de conseguir el equilibrio idóneo. Según esta función, aprender a dirigir el
grupo, adaptarse a él, compartir el protagonismo.
d) Desarrollar el sentido del diálogo y la mímesis musical. Para facilitar la
mímesis debemos analizar las semejanzas y diferencias entre instrumentos.
La práctica a temprana edad es importante pues en esta etapa el niño utiliza la
imitación como método de aprendizaje.
e) Desarrollar la compenetración y la precisión rítmica que haga posible la
simultaneidad y ajuste entre los distintos instrumentos. Aprender a actuar de
forma coordinada con las variaciones relativas a la agógica.
f) Lograr un sentimiento de pulso y movimiento interno colectivo. Se debe
lograr sentir el fluir de la música de forma colectiva a fin de conseguir un fraseo
y una respiración musical natural.
g) Desarrollar la géstica y comunicación entre los instrumentistas. Estudio y
práctica de los gestos anacrúsicos necesarios para tocar sin director.
h) Homogeneizar el vibrato elegido en función de la época, estilo, carácter de
la obra y naturaleza de los instrumentos que forman agrupación.
i) Homogeneizar y planificar articulaciones, ataques, golpes de arco, fraseo,
respiraciones, etc…
j) Conocer las características morfológicas de los instrumentos que forman
agrupación; por ejemplo, conocer los límites de intensidad sonora de cada
instrumento para no forzarlo a tocar fuera de estos.
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Buscar los puntos en común entre los instrumentos y respetar las diferencias
específicas.
k) Desarrollar la capacidad analítica consiguiendo que la interpretación
responda a una idea musical trascendiendo a la mera lectura.
l) Interpretar obras básicas del repertorio que incluyan diferentes estilos.
m) Practicar la actividad camerística a lo largo de los cuatro cursos en distintas
agrupaciones instrumentales como:
- Cuarteto de cuerda: Igualdad de sonido en los distintos ataques del
arco, vibrato, afinación, etc., distribución del arco para el fraseo.
-Quinteto de viento: Igualdad en los ataques, articulación, fraseo,
etcétera. Respiración, afinación y vibrato.
-Conjunto de metales.
-Cámara con piano: Igualdad en los ataques. Equilibrio de cuerdas,
viento y piano.
-Formaciones diversas.
n) Practicar la lectura a primera vista en clase.
o) Realizar audiciones comparadas de grandes intérpretes para analizar de
manera crítica las características de sus diferentes versiones.
p) Conocimiento y valoración de las normas de comportamiento dentro de una
agrupación camerística (afinación previa, atención continua, respeto mutuo,
etc).
CONTENIDOS POR CURSOS
TERCER CURSO DE GRADO PROFESIONAL
a) Comenzar a desarrollar el sentido de la afinación polifónica del conjunto.
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b) Comenzar a desarrollar el sentido de sonoridad de conjunto a través de
la capacidad de escucha.
c) Comenzar a desarrollar la sensibilización con respecto a la audición de
planos sonoros, dinámicas y percepción de la función desempeñada por
cada instrumento en cada momento (solista, acompañante, concertante,
contrapuntística, armónica) a fin de conseguir el equilibrio idóneo.
d) Comenzar a desarrollar el sentido del diálogo y la mímesis musical.
e) Comenzar a desarrollar la compenetración y la precisión rítmica que
haga posible la simultaneidad y ajuste entre los distintos instrumentos.
f) Tomar contacto con la idea de obtener un sentimiento de pulso y
movimiento interno colectivo.
g) Comenzar a desarrollar la géstica y comunicación entre los
instrumentistas. Estudiar y practicar los gestos anacrúsicos necesarios
para tocar sin director.
h) Comenzar a desarrollar la sensibilidad en materia articulaciones,
ataques, golpes de arco.
i) Conocer las características morfológicas de los instrumentos que forman
agrupación en cada caso; por ejemplo, conocer los límites de intensidad
sonora de cada instrumento para no forzarlo a tocar fuera de estos.
j) El repertorio a trabajar incluirá al menos dos estilos diferentes.
k) Realizar en clase audiciones comparadas de grandes intérpretes para
analizar de manera crítica las características de sus diferentes versiones
y que el alumno se vaya familiarizando con los objetivos y contenidos de
la asignatura de forma lúdica.
CUARTO CURSO DE GRADO PROFESIONAL
a) Profundizar en el desarrollo en materia de afinación. Aprender a
distinguir entre afinación temperada y natural.
b) Profundizar en el desarrollo del sentido de sonoridad de conjunto a
través de la capacidad de escucha.
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c) Profundizar en el desarrollo de la sensibilización con respecto a la
audición de planos sonoros, dinámicos y percepción de la función
desempeñada por cada instrumento en cada momento (solista,
acompañante, concertante, contrapuntística, armónica) a fin de
conseguir el equilibrio idóneo.
d) Profundizar en el desarrollo del sentido del diálogo y la mímesis musical.
e) Profundizar en el desarrollo de la compenetración y la precisión rítmica
que haga posible la simultaneidad y ajuste entre los distintos
instrumentos.
f) Tratar de llevar un sentimiento de pulso y movimiento interno colectivo.
Se debe lograr sentir el fluir de la música de forma colectiva a fin de
conseguir un fraseo y una respiración musical natural.
g) Continuar desarrollando la géstica y comunicación entre los
instrumentistas. Estudiar y practicar los gestos anacrúsicos necesarios
para tocar sin director.
h) Aprender a homogeneizar articulaciones, golpes de arco, ataques y
respiraciones.
i) Conocer las características morfológicas de los instrumentos que forman
agrupación en cada caso; por ejemplo, conocer los límites de intensidad
sonora de cada instrumento para no forzarlo a tocar fuera de estos.
j) El repertorio a trabajar incluirá al menos dos estilos diferentes.
k) Realizar en clase audiciones comparadas de grandes intérpretes para
analizar de manera crítica las características de sus diferentes versiones
y que el alumno se vaya familiarizando con los objetivos y contenidos de
la asignatura de forma lúdica.
QUINTO CURSO DE GRADO PROFESIONAL
a) En materia de afinación ser capaces de distinguir el porqué de los
desajustes y saber cómo trabajar para corregirlos. Hacer uso de la
afinación temperada o natural cuando sea conveniente.
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b) Desarrollar el sentido de sonoridad de conjunto de forma que seamos
capaces de percibir con cierta claridad el resultado sonoro de la
ejecución.
c) Desarrollar ampliamente la sensibilización con respecto a la audición
de planos sonoros, dinámicos y percepción de la función desempeñada
por cada instrumento en cada momento (solista, acompañante,
concertante, contrapuntística, armónica) a fin de conseguir el equilibrio
idóneo.
d) Desarrollar en gran medida el sentido del diálogo y la mímesis musical.
e) Desarrollar la compenetración y la precisión rítmica que haga posible la
simultaneidad y ajuste entre los distintos instrumentos. Aprender a
actuar de forma coordinada con las variaciones relativas a la agógica.
f) Lograr un sentimiento de pulso y movimiento interno colectivo. Se debe
lograr sentir el fluir de la música de forma colectiva a fin de conseguir
un fraseo y una respiración musical natural.
g) Estudiar y practicar los gestos anacrúsicos necesarios para tocar sin
director.
h) Conseguir cierto dominio en el empleo de la géstica y en la
comunicación entre los integrantes del grupo.
i) Comenzar a desarrollar la percepción en cuestión de vibrato e ir
aprendiendo a adaptar el vibrato para homogeneizarlo dentro del
grupo.
j) Saber planificar a fin de homogeneizar articulaciones, ataques, golpes
de arco, respiraciones, etc…
k) Conocer las características morfológicas de los instrumentos que
forman agrupación; por ejemplo, conocer los límites de intensidad
sonora de cada instrumento para no forzarlo a tocar fuera de estos.
l) El repertorio a trabajar incluirá al menos dos estilos diferentes.
m) Práctica de lectura a primera vista en clase.
n) Realizar en clase audiciones comparadas de grandes intérpretes para
analizar de manera crítica las características de sus diferentes
versiones.
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SEXTO CURSO DE GRADO PROFESIONAL
a) Conseguir un buen dominio de la afinación tanto de forma individual
como dentro del conjunto y saber acoplarse de modo que el resultado
sonoro sea lo más acertado posible.
b) Ser capaces de percibir a través de la capacidad de escucha el
resultado sonoro de la ejecución del conjunto y aprender a modificar la
sonoridad de nuestra parte si es necesario según lo que estemos
percibiendo.
c) Haber desarrollado la sensibilización con respecto a la audición de
planos sonoros, dinámicos y percepción de la función desempeñada por
cada instrumento en cada momento (solista, acompañante, concertante,
contrapuntística, armónica) en tal grado que se llegue a tener cierta
autonomía en cuanto a toma de decisiones de manera individual y en
conjunto.
d) Ser capaces de adaptar nuestra interpretación si es conveniente a la de
los demás al haber desarrollado el sentido del diálogo y la mímesis
musical.
e) Conseguir un cierto grado de dominio de compenetración y precisión
rítmica que haga posible la simultaneidad y ajuste entre los distintos
instrumentos. Aprender a actuar de forma coordinada con las
variaciones relativas a la agógica de modo que las interpretaciones
fluyan con libertad sin estar sometidas a un tempo rígido y sin vida.
f) Lograr llevar en todo momento un sentimiento de pulso y movimiento
interno colectivo a fin de conseguir un fraseo y una respiración musical
natural que permita que la música fluya libremente.
g) Dominar el empleo de la géstica y e la comunicación entre los
integrantes del grupo.
h) Aprender a homogeneizar el vibrato elegido en función de la época,
estilo, carácter de la obra y naturaleza de los instrumentos que forman
agrupación.
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i) Ser capaces de tomar decisiones individualmente y en conjunto en lo
relativo a articulaciones, ataques, golpes de arco, respiraciones, etc…
j) Conocer las características morfológicas de los instrumentos que forman
agrupación en cada caso; por ejemplo, conocer los límites de intensidad
sonora de cada instrumento para no forzarlo a tocar fuera de estos.
Buscar los puntos en común entre los instrumentos y respetar las
diferencias específicas.
k) Desarrollar la capacidad analítica consiguiendo que la interpretación
responda a una idea musical trascendiendo a la mera lectura.
l) El repertorio a trabajar incluirá al menos dos estilos diferentes.
m) Práctica de lectura a primera vista en clase.
n) Realizar en clase audiciones comparadas de grandes intérpretes para
analizar de manera crítica las características de sus diferentes
versiones.
METODOLOGÍA Y RECURSOS DIDÁCTICOS
ESTRATEGIAS METODOLÓGICAS
Basándonos siempre en la idea de un aprendizaje constructivo y valorando
como fin del proceso la autosuficiencia de los alumnos, las estrategias
metodológicas propuestas se basarán en los siguientes pilares:
- Fomentar la autonomía de los aprendizajes.- estrategias que permitan a los
alumnos emitir juicios y valores sobre su propio aprendizaje.
- Fomentar la comprensión a través de procesos de reflexión.- estrategias que
permitan al alumno reflexionar sobre las posibles soluciones a las dificultades
encontradas y la bondad de cada una de ellas.
- Fomentar la automatización de técnicas de forma reflexiva.- estrategias que
buscan conseguir el control consciente por parte del alumno de la propia
acción.
- Fomentar una continua autoevaluación.- estrategias que promueven la
reflexión del alumno sobre los aciertos y errores del grupo y su implicación en
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ellos como parte integrante del mismo, favoreciendo la expectativa de éxito en
los alumnos así como el esfuerzo por mejorar y acercarse a él.
Además, nuestra actuación como moderadores u orientadores de la actividad
de los alumnos en el proceso se dirigirá en todo momento al diseño de
actividades regidas por los tres siguientes aspectos esenciales:
- Activación de los conocimientos previos.- adecuando las tareas a las
capacidades y conocimientos de los alumnos.
- Fomento de la motivación.- establecimiento de metas conjuntas definidas en
objetivos claros, concretos y compartidos.
- Planificación de actividades en función de la construcción de conocimientos y
capacidades en los alumnos, de forma que al cambiar de una a otra actividad
los objetivos y la continuidad en el aprendizaje se mantengan.
ACTIVIDADES DIDÁCTICAS
En cada clase se seguirá un criterio de trabajo integrador y progresivo, ya que
en esta asignatura no existen materias eliminables sino acumulables, en
función de un fin único que es la interpretación en grupo de una obra musical.
Según las peculiaridades que pueden aparecer en cada grupo y su proceso
evolutivo, el tiempo de las clases podrá distribuirse entre los siguientes
aspectos:
a) Afinación.
b) Lectura a primera vista de una obra nueva.
c) Puesta en común de ataques, arcos, golpes de arco, articulaciones,
digitación, etc.
d) Trabajo de afinación, métrica y pulso.
e) Trabajo de planos sonoros en función del papel desempeñado por cada
instrumento en cada momento.
f) Trabajo de todas las cuestiones relativas a dinámica y agógica.
g) Trabajo de todos estos aspectos de forma individual, en secciones y en
grupo.
h) Desarrollo de la géstica y la comunicación.
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i) Reflexiones pertinentes en cada obra respecto a la estética, historia y
forma.
j) Preparación de actuaciones públicas en el Conservatorio.
k) Audición de las obras trabajadas, en distintas versiones, si es posible
l) Técnicas de escena.
m) Autovaloración técnica e interpretativa.
Es conveniente trabajar aspectos concretos por separado: sincronización en
contrapuntos, polirritmias, pasajes sincopados, cambios de figuración, todo tipo
de variaciones agógicas y dinámicas como ritardandos y acelerandos, cambios
de tempo, crescendos y diminuendos, calandos, rubato, etc…, afinación de
intervalos y acordes, ejercicios específicos para desarrollar la capacidad de
reacción y la compenetración a todos los niveles, etc…
Todas estas cualidades deben ir desarrollándose hasta llegar a la posibilidad
de expresión de cada uno de los miembros del grupo como personalidades
independientes que dialogan entre sí para lograr la expresión unitaria de la
obra de arte. El conjunto de cámara no debe aparecer como la suma de sus
componentes, sino que alcanzará una dimensión en sí mismo como si se
tratara, al igual que la orquesta, de un grupo con vida y expresión propias.
El trabajo de las obras se abordará desde una perspectiva múltiple:
- Análisis técnico.- digitación, arcos, articulación, velocidad, tensión, etc.
- Análisis textual.- forma, armonía, calidad de emisión, ornamentación,
tempo, dinámica, etc.
- Análisis interpretativo.- estilo, lenguaje de cada compositor,
intencionalidad musical, imágenes estéticas, géstica, capacidad
comunicativa, etc.
El trabajo realizado en clase tendrá como objetivo ser expuesto al público
mediante audiciones al menos una vez al trimestre donde el alumno tendrá
que demostrar la asimilación de los contenidos de la actividad camerística.
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Se abordarán también actividades extraacadémicas como la organización de
recitales públicos, salidas a conciertos, uso de tecnologías de la información y
comunicación (TIC) disponibles en el Centro.
El repertorio se elegirá entre las obras del repertorio camerístico adaptado a su
nivel, teniéndose que recurrir en algunos casos a versiones facilitadas o a
adaptaciones de partes a la plantilla instrumental de que se disponga.
Dicha elección es una de las tareas más complicadas sobre todo para los
primeros cursos pues son muy escasas las obras interesantes a nivel
pedagógico y musical pero de poca dificultad técnica.
Tampoco es fácil encontrar repertorio para determinadas agrupaciones menos
comunes que es inevitable que surjan pues el número ideal de alumnos de los
distintos instrumentos que se necesitaría en la lista de matrículas para poder
hacer agrupaciones coherentes es prácticamente imposible que se dé.
La importancia de elegir un repertorio interesante es sobre todo la de mantener
al alumno motivado y el primer requisito para ello es que el repertorio elegido
no solo sea de su agrado si no que le entusiasme de tal modo que le empuje a
estudiar y a mantener una actitud activa en las clases.
Se dará prioridad al trabajo de agrupaciones a partir de trío ya que los alumnos
que estudian instrumentos monódicos llevan desde el comienzo de sus
estudios musicales trabajando dúo con piano con profesores repertoristas. Aun
así no deja de ser interesante que hagan el trabajo de dúo con alumnos de su
nivel pues esto les obliga a estar más atentos, a desarrollar una mayor
interacción y a conocer mejor la parte del piano y las dificultades con las que se
enfrenta el pianista en el montaje de la obra. Esto beneficia el resultado final
pues favorece una mayor profundización en la puesta en común.
La elección de los integrantes de un grupo es esencial para obtener un buen
resultado, debe haber buena comunicación a nivel artístico y personal. Para
ello es importante que no solo el nivel instrumental sea semejante, también
otros factores como interés, grado de implicación, edad, etc.
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ORGANIZACIÓN HORARIA DE LOS GRUPOS
El tiempo de clase que se le asigne a cada grupo, más que del curso que se
esté cursando, irá en función de las dimensiones, tipo de formación y dificultad
del repertorio. Los alumnos de 3º y 4º a los que le corresponda una hora de
clase no tendrán obligación de asistir a clases más prolongadas, será
voluntario; los alumnos a los que les corresponde hora y media como son los
de 5º y 6º y se les asigne una hora práctica de clase, será asistiendo de
oyentes a otras agrupaciones y participando de otro modo como completarán
su horario.
CRITERIOS DE EVALUACIÓN
a) Estudiar e interpretar las obras correspondientes al repertorio programado
de distintas épocas y estilos.
Con este criterio se pretende evaluar la capacidad de unificación del criterio
interpretativo entre todos los componentes del grupo y el equilibrio sonoro entre
las partes. Además este criterio valora la competencia del alumnado para
interpretar las obras adecuándose al carácter y estilo de la música y su
participación como miembro de un grupo y la valoración que tiene de su papel
dentro del mismo Asimismo se evalúa la asimilación de los objetivos
programados, el sentido de la responsabilidad como miembro de un grupo y el
respeto por la interpretación musical.
b) Saber utilizar y seguir los gestos necesarios para la adecuada comunicación
en la interpretación colectiva.
c) Demostrar el grado de desarrollo de la capacidad de escucha polifónica.
Valora la competencia del alumnado para escuchar todas las partes del grupo
y el grado de afinación armónica y del conjunto. Así como el conocimiento
global que el alumnado tiene de la partitura y de su papel dentro del grupo.
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d) Leer a primera vista una obra de pequeña dificultad en la agrupación que
corresponda. Este criterio pretende constatar la capacidad del alumnado para
desenvolverse con autonomía en la lectura de un texto, su destreza para la
integración rítmica y sonora en el conjunto, su grado de fluidez y comprensión
de la obra.
e) Realizar ensayos por parte del grupo sin la presencia del profesor. Con esto
se pretende que el alumno se haga más participativo, se propicia el intercambio
de ideas y contribuye a su evolución para conseguir la autonomía en el futuro.
Al menos se tendrán que hacer dos ensayos al trimestre. Se evalúa de esta
forma el grado de autonomía alcanzado a lo largo del curso.
f) Interpretación pública de obras de estilos y épocas diversas. Este criterio
nos sirve para evaluar en qué grado todo lo trabajado en clase y en los
ensayos se pone de manifiesto en la actuación pública. Constata el nivel de
disciplina y autocontrol necesarios en el escenario. Se realizarán tres
audiciones públicas al año como mínimo.
CRITERIOS DE CALIFICACIÓN
a) Asistencia: 30%
• Asistencia como mínimo al 80% de las clases y la presentación de un
trabajo teórico (a juicio del profesor). 20%
• Participación en las actividades que organice el Departamento y realizar
un mínimo de tres audiciones anuales. Se tendrá en cuenta los
resultados obtenidos en las mismas. 10%
Las enseñanzas de Grado Medio son presenciales y por tanto la no asistencia
a clase se valorará según el Reglamento de Régimen Interno, siendo
susceptible de pérdida del derecho a la evaluación continua.
b) Parte instrumental: Utilización adecuada de la propia técnica instrumental:
20%
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• Dominio del propio instrumento de acuerdo con el nivel del alumno.
• Afinación en el grupo.
• Ejecución según ritmo y tempo dentro del grupo.
• Adaptación musical al grupo.
c) Repertorio: 30%
• Preparación de un mínimo de tres obras durante el curso adecuadas a
su nivel instrumental pero dentro de los mínimos de dificultad requeridos
en cada curso*. Se mostrará en ellas el grado de comprensión y
asimilación de los contenidos de la materia.
- Trabajo del alumno en solitario.
- Trabajo del grupo fuera del horario lectivo sin la presencia del
profesor.
• Lectura a vista en el tiempo de clase.
*Dado que el nivel instrumental de los alumnos no es homogéneo, se da el
caso de que unas agrupaciones trabajan un repertorio de mayor dificultad
que otras dentro de un mismo curso; por este motivo el nivel de dificultad
tanto técnica como musical será tenido en cuenta a la hora de calificar este
criterio.
e) Normas de clase y comportamiento: 20%
• Actitud mantenida por el alumno durante el curso hacia la asignatura, los
compañeros y el profesor: puntualidad, adecuado comportamiento,
anotaciones sobre la partitura (responsabilizarse de llevar un lápiz
siempre a clase), silencio y atención.
El alumno obtendrá la calificación de aprobado (5), cuando alcance el 50% de
cada uno de los porcentajes.
MÍNIMOS EXIGIBLES
a. Asistencia al 80% de las clases y a todas las audiciones.
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b. Buena actitud y disciplina
c. Silencio y atención continua
d. Respeto a las normas que exige toda interpretación en grupo
e. Dominio del propio instrumento para la ejecución de las obras
programadas
f. Memorización de las indicaciones del profesor y anotarlas en sus
partituras.
g. Estudio de las partitura y responsabilidad de su cumplimiento
PROCEDIMIENTO DE EVALUACIÓN
El procedimiento de evaluación es el de “evaluación continua” de forma que a
lo largo del curso se valorará la evolución del alumno en los criterios expuestos
con anterioridad.
Habrá una observación directa a través de recogida diaria de datos sobre
aspectos de los criterios de evaluación y de promoción.
Se mantendrá actualizado el Cuaderno de Clase donde constará el
seguimiento de cada alumno recogiendo su evolución en la adquisición de los
contenidos previstos.
El alumnado será evaluado cada trimestre y al final de curso se hará la media
de las calificaciones obtenidas en los mismos. Dicha nota media podrá ser
matizada por el profesor en los casos en que este lo crea acertado tras valorar
la evolución del alumno durante el curso.
Solo se permitirán tres faltas de asistencia justificadas al trimestre pues de otro
modo el profesor deja de tener elementos de juicio suficientes para calificar al
alumno y más aún en la práctica en grupo donde la falta de uno repercute en
los demás compañeros.
Los alumnos con más de tres faltas de asistencia por trimestre, justificadas o
no, pierden el derecho a la evaluación continua. Si el profesor considera que no
tiene suficientes elementos para poder evaluar a un alumno, este tendrá que
realizar una prueba a lo largo del siguiente trimestre o a final de curso (siempre
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antes de la sesión de evaluación de fin de curso) donde demuestre que ha
obtenido los objetivos mínimos exigidos por el profesor en ese periodo de
tiempo. Dicha prueba será valorada por un tribunal, este podrá hacer todas las
preguntas que estime oportunas en cada fase de la prueba.
Al ser una asignatura grupal, el alumno deberá aportar su propia agrupación.
PRUEBA POR PÉRDIDA DE EVALUACIÓN CONTINUA
a) Lectura a primera vista de un fragmento de una obra propuesta
por el tribunal. Se dejará un tiempo de preparación previa.
b) Interpretación de una obra por cada trimestre donde se haya
perdido el derecho a evaluación continua. En caso de ser varias
obras, al menos una de ellas debe de ser de estilo y/o época
distinta. La obra u obras deberán ser de una dificultad adecuada
al curso; conviene consultar antes con el profesor si las obras
elegidas por el alumno son válidas.
c) Demostrar un conocimiento tanto estético como formal de las
obras a interpretar.
d) Realizar un ensayo ante el tribunal de cualquiera de las obras
presentadas. Se explicará con que dificultades se han encontrado
al montar la obra y como han sido resueltas. El ensayo también
podrá realizarse sobre la obra propuesta para primera vista.
e) Presentación de un trabajo por escrito sobre una de las obras
presentadas a examen que plasme el trabajo que se ha debido
desarrollar para su consecuente interpretación incluyendo:
1) Análisis armónico, formal y de estilo básico.
2) Arcos, golpes de arcos, tipos de ataques, respiraciones,
fraseo.
3) Papel y función de cada instrumento dentro del grupo.
4) Dificultades que han debido ser afrontadas en el montaje
de la obra.
5) Estrategias de trabajo.
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Se valorará tanto el contenido como la adecuada presentación.
CRITERIOS DE CALIFICACIÓN PARA LA PRUEBA POR PÉRDIDA DE
EVALUACIÓN CONTÍNUA
a) Comprensión y asimilación de los contenidos de la materia en base a
la interpretación del repertorio. El nivel de dificultad del repertorio
será tenido en cuenta en este criterio. 35%
b) Ensayo de una de las obras ante el tribunal. 25%
c) Conocimiento estético y formal del repertorio presentado. 10%
d) Lectura a primera vista. 15%
e) Valoración del contenido del trabajo escrito. 15%
Cuando un alumno esté realizando dos cursos en un año por haber
suspendido el anterior o no haber asistido, tendrá que hacer doble repertorio ya
sea formando parte de una sola agrupación o de dos si así lo considerara el
departamento en base a la plantilla instrumental disponible y las distintas
circunstancias de cada curso escolar. De no ser así deberá someterse a la
prueba por pérdida de evaluación continua de uno de los cursos.
En los casos de ampliación de matrícula será la evaluación del alumno por
parte del profesor en cuanto al cumplimiento de los objetivos lo que determine
la calificación en ambos cursos.
Para conseguir la calificación de Matrícula de Honor los alumnos se tendrán
que presentar a un examen con tribunal donde deberán interpretar tres obras o
movimientos siendo al menos una de ellas de estilos y/o épocas distintas. El
tribunal estará integrado por miembros del Departamento de Conjuntos y el
examen tendrá lugar antes de la finalización del periodo lectivo del curso.
El número de matrículas de honor no debe superar el 10% más fracción de los
alumnos matriculados en cada curso según órdenes de la Consejería de
Educación de la Comunidad de Madrid.
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CONSIDERACIONES EN LA ESPECIALIDAD DE GUITARRA
Tanto en objetivos, contenidos, criterios de evaluación y calificación, las
agrupaciones de guitarras que reciban esta asignatura, estarán en el marco
general de la programación de la asignatura.
Las enseñanzas profesionales de música tienen como objetivo general
contribuir a desarrollar en los alumnos la capacidad de habituarse a escuchar
música, adquirir criterios propios, desarrollar sensibilidad y criterio estético,
valorar aspectos de calidad de la música, expresarse y disfrutar en general de
las especificidades de épocas y estilos.
La Música de cámara constituye un espacio de formación de primer orden para
experimentar y aplicar, además de las habilidades adquiridas en la clase de
instrumento de la especialidad, los conocimientos adquiridos en todas las
asignaturas. Desde este punto de vista, el la asignatura también permite
recorrer el repertorio para diferentes formaciones, de diferentes épocas o
estilos, con lo que se demuestra una vez más que los objetivos de unas y otras
asignaturas deben coordinarse desde una perspectiva común. Los guitarristas
estaremos limitados a las agrupaciones de guitarras que sean compatibles en
cuanto a su capacidad técnica e interpretativa año tras año. La posibilidad de
que una guitarra forme parte de un grupo camerístico tipo cuarteto o quinteto
de cuerdas, hablando de repertorios usuales o históricos, se reduce a muy
pocas partituras, y a dificultades técnicas inabordables incluso por los alumnos
de los últimos cursos de grado profesional, salvo casos excepcionales. En
cuanto a las agrupaciones con instrumentos aislados, como violín, flauta, rara
vez clarinete, ocurre otro tanto en cuanto a la dificultad de las partituras para
nuestros alumnos. Es por ello que sacamos más partido dentro de las
formaciones usuales de dúos, tríos, cuartetos de guitarras, para los que existe
abundante repertorio original, que es en el que nos movemos.
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El proceso de enseñanza y aprendizaje de las diversas especialidades
instrumentales tiene un forzoso carácter individual, por ello, el currículo que
ahora se presenta, alberga desde siempre la asignatura de música de cámara,
que tiene por finalidad, en esencia, la actividad de pequeños grupos o
conjuntos camerísticos.
En el desarrollo normativo que regula nuestra docencia, se ha considerado
conveniente reforzar las actividades de grupo e incrementar su presencia en
los centros. Por otra parte, razones de índole organizativa de los mismos,
indican la conveniencia de ampliar esta asignatura de grupo en aras a la
participación de todos los estudiantes en los grupos camerísticos. Ahi está la
guitarra con su capacidad, siempre que el contexto del centro lo permita.
Aspectos como afinación, empaste, homogeneidad en el fraseo, igualdad en
los ataques, claridad en las texturas, etc., serán trabajados en el aula,
adquiriendo progresivamente, una serie de habilidades y hábitos acordes con
su papel en el grupo que estará condicionado al repertorio para las
agrupaciones guitarrísticas que se trabajen.
La música de cámara supone la posibilidad de adentrarse en las obras más
relevantes que le son propias al instrumento con lo que ello implica de
enriquecimiento en la formación musical del alumno y de la alumna. Por otra
parte, la convivencia con instrumentos de naturaleza y técnicas cercanas, así
como la posibilidad de participación en otras agrupaciones con instrumentos,
proporcionará al alumno y a la alumna una visión más amplia del hecho
musical y enriquecerá su conocimiento de los timbres y de las diversas
peculiaridades organológicas. En suma, el alumno y la alumna se sentirán
partícipes de una interpretación grupal dando paso a un enriquecimiento
personal y musical del instrumentista que difícilmente puede ser abordado
desde la experiencia individual con el instrumento.
En síntesis, al igual que sucede en la orquesta, la banda o el coro, la música de
cámara propiciará la responsabilidad compartida. Por una parte, las relaciones
humanas entre los alumnos y las alumnas, acostumbrados a la práctica
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instrumental individual conllevarán, como miembros de un grupo colectivo, todo
un ejercicio de adaptación al bloque y de aceptación de otros instrumentistas.
Por otra, la práctica en grupo motivará la actitud de escucha, propiciará la
memoria de pasajes instrumentales, fomentará el estudio individual que ha de
revertir en el grupo e incentivará una actitud de disciplina difícilmente abordable
en actividades individuales.
Trabajaremos en el aula recursos instrumentales (técnicos) y conocimientos
musicales para la correcta interpretación y memorización de las obras.
Así será el caso del conocimiento de estilos, de la valoración histórica y cultural
del entorno en que se produce esa música, todo ello teniendo en cuenta los
recursos técnicos propios del instrumento guitarra, muy particulares en cuanto
a la lectura a vista, planos sonoros pulso, tempo, ataque, vibrado, afinación,
articulación, ritmo, fraseo, etc. Agógica y dinámica. Estudio y práctica de los
gestos anacrúsicos necesarios para tocar sin director o directora. Equilibrio
sonoro y de planos. Control permanente de la afinación. Desarrollo de la
igualdad de ataques. Análisis e interpretación de obras del repertorio. Práctica
de conjunto de la agrupación correspondiente. Trabajo gradual del repertorio
básico más significativo de la agrupación correspondiente. Valoración del
silencio como marco de la interpretación. Audiciones comparadas de diferentes
interpretaciones de conjuntos, para analizar de manera crítica las
características de las diferentes versiones.
Las obras tratadas serán función de los grupos formados durante el curso, que
serán interactivos, es decir, que atendiendo al nivel técnico e interpretativo de
los alumnos y de sus posibilidades horarias, se podrán modificar las
agrupaciones. Estas obras pertenecerán en general a periodos históricos
desde el Barroco a nuestros días, preferentemente escritas en origen para
nuestro instrumento, lo que focaliza este paréntesis en el periodo clásico
romántico, y en la musica del siglo XX.
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ACTIVIDADES
El alumnado deberá hacer todo lo posible por participar tanto en las audiciones
trimestrales obligatorias como en otras actividades propuestas por el profesor o
por el centro como pueden ser: conciertos extraordinarios dentro o fuera del
centro, concursos, intercambios con otros centros y cursos.
ACTIVIDADES PARA EL PRESENTE CURSO
• Participacipación en conciertos extraordinarios dentro o fuera del
centro.
• Intercambio con uno o más centros de la comunidad de Madrid o
alrededores. (Por determinar)
• Conciertos divulgativos en los institutos de la zona noroeste. (Por
determinar)
