Programa mensual diciembre

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Diciembre 2009 trajo un ciclo muy especial para el público de la Cineteca Nacional: "Todo Resnais", una completísima retrospectiva de este gran cineasta francés, realizado en colaboración con la Embajada de Francia en México, con dieciséis largometrajes, nueve cortometrajes y dos documentales alusivos a su vida y obra. Asimismo, se presentaron un par de filmes del director uruguayo José Pedro Charlo, mismos que contaron con la presencia del realizador, una muestra del trabajo reciente de Arturo Ripstein, ganador del premio El Pochote al cine digital que entregan el pintor Francisco Toledo y la Galería Arvil, y la 6ª Muestra Internacional de Mujeres en el Cine y la Televisión.

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ÍNDICEProgramación diciembre 2009

Historia del cine mudoLas extraordinarias aventuras de Mr. West

en el país de los bolcheviques 49

Cine-Ojo 49

Ben-Hur 50

ProGramas doBlesReviviendo Camboya 44

In memoriam José Luis López Vázquez 45

King Kong en la isla de los tormentos 46

Cuando cae la oscuridad 47

estrenosParque Vía 6

Déjame entrar 8

Fados 10

El limonero 12

Film noir 14

Cinco días sin Nora 16

ciclosJosé Pedro Charlo 18

Todo Resnais 22

Premio El Pochote al cine digital

para Arturo Ripstein 34

6ª Muestra Internacional de Mujeres

en el Cine y la Televisión 38

matinÉ inFantil31 minutos, la película 42

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Abreviaturas

D: DirecciónP: País, añoG: GuiónF en C: Fotografía en colorF en B/N: Fotografía en blanco y negroM: MúsicaE: EdiciónProd: ProducciónDur: DuraciónDist: DistribuciónPC: Procedencia de copia

Los días y horarios de exhibición de cada película se publican también en la cartelera diaria de los periódicos La Jornada y El Universal, y en el día viernes en Reforma y Milenio.

Las copias de las películas que se exhiben son las de mejor calidad disponibles. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su proce-dencia y a su antigüedad.

El Programa Mensual es una publicación de la Cineteca Nacional para informar sobre las películas que se exhiben en sus instalaciones. Los textos firmados son responsabilidad de su autores. Registro en trámite.

impresión:Gráfica, Creatividad y Diseño, S.A. de C.V.Av. Plutarco Elías Calles # 1321Col. Miravalle, México, D.F.

Portada: Cartel del ciclo Todo Resnais. Diseño Haydeé Pichardo. y cartel interior Karen Barrera

Programación sujeta a cambios. Para mayor información, consulte la página Internetwww.cinetecanacional.neto llame al teléfono 4155 1190.

CONSEJO NACIONAL PARA LA CULTURA Y LAS ARTES

lic. consuelo sáizarPresidente

CINETECA NACIONAL

leonardo García tsaoDirector General

susana lópez arandaDirectora de Difusión y Programación

Ángeles sánchez GutiérrezDirectora de Acervos

nelson carroSubdirector de Programación

ricardo cázaresSubdirector de Acervos

catherine Bloch GerschelSubdirectora de Investigación

abel muñoz HénoninSubdirector de Documentación

ernesto Favela escalanteSubdirector de Salas y Apoyo Técnico

melina diazmercado delfínJefa de Programación y Enlace Internacional

Programa Mensual de la Cineteca

roberto Garza iturbideSubdirector de Publicaciones y Medios

agustín Gendron ZárateJefe de Redacción

mauricio matamoros duránJefe de Información

Jorge martínez micherJefe de Publicaciones

Érika magaña eurozaDiseño editorial

Haydeé Pichardo monroyDiseño de anuncios

mariana ruvalcaba rougerioDiseño de encarte

Jesús de leónJulio césar duránmiriam Jiménez HernándezJorge magaña molinaJose luis ortega torresorianna Paz esmorisJosé antonio Valdés PeñaInvestigación

Patricia talancón solorioInvestigación iconográfica

Javier rodríguez almarazExposiciones y montajes

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l último mes del año siempre trae celebraciones y regalos, y en esta ocasión tenemos

uno muy especial para el público de la Cineteca Nacional: El ciclo Todo Resnais, una

completísima retrospectiva de este gran cineasta francés, realizado en colaboración

con la Embajada de Francia en México, con dieciséis largometrajes, nueve cortome-

trajes y dos documentales alusivos a su vida y obra. Asimismo, se presentarán un

par de filmes del director uruguayo José Pedro Charlo, mismos que contarán con la

presencia del realizador, una muestra del trabajo reciente de Arturo Ripstein, gana-

dor del premio El Pochote al cine digital que entregan el pintor Francisco Toledo y la

Galería Arvil, y la 6ª Muestra Internacional de Mujeres en el Cine y la Televisión.

En cuanto a los estrenos, se exhibirán dos óperas primas mexicanas que han

recibido una buena cantidad de premios y reconocimientos en festivales internacio-

nales: Parque Vía, del director Enrique Rivero, mismo que formó parte de la pasada

51 Muestra Internacional de Cine, y Cinco días sin Nora, de Mariana Chenillo,

inteligente comedia de humor negro con buenas actuaciones. Además, Fados, nueva

exploración cinematográfica-musical de Carlos Saura, y El limonero, irónico filme del

realizador israelí Eran Riklis, presentadas en el pasado 29 Foro Internacional; y Film

noir, insólita y estilizada película de animación para adultos procedente de Serbia, y

el regreso de la pelicula de mayor éxito de taquilla en el 2009 en la Cineteca: Dé-

jame entrar, la historia de amor vampírica del sueco Tomas Alfredson. Finalmente,

tenemos un regalo más para los cinéfilos: Una función especial de cortos silentes de

Keaton, Chaplin, Méliès, Griffith y otros, musicalizados en vivo por Déborah Silberer,

y para seguir con la música y el cine, BandaSonoras presenta la versión de El chico

(Charles Chaplin, 1921) también musicalizada en vivo por Alonso y Chema Arreola.

La matiné infantil presenta 31 minutos, versión cinematográfica de la popular serie

televisiva chilena con personajes de trapo y estambre.

Los Programas Dobles de diciembre están dedicados a documentar el horror

perpetrado por el Khmer Rouge en Camboya, al recientemente fallecido actor es-

pañol José Luis López Vázquez, King Kong y la isla de los tormentos, y dos cintas

más de nuestra gustada sección de vampirismo heterodoxo. Por último, el progra-

ma Historia del Cine Mudo presenta dos clásicos soviéticos: Las extraordinarias

aventuras de Mr. West en el país de los bolcheviques (Lev Kuleshov, 1924) y

Cine-Ojo (Dziga Vertov, 1924) así como la primera versión de Ben-Hur (Fred Niblo,

1925).

E

Film

noi

r

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Parque Vía

Parque Vía

d y G: Enrique Rivero. P: México-España, 2008. F en

c: Arnau Valls Colomer. e: Javier Ruiz Caldera y Enri-

que Rivero. con: Nolberto Coria (Beto), Nancy Orozco

(Lupe), Tesalia Huerta (señora), Federico Flores (chofer).

Prod: Una Comunión, Estudios Churubusco Azteca,

Paola Herrera, Enrique Rivero. dur: 85 mins. dist: In-

terior 13 Cine.

En su ópera prima, Enrique Rivero parte de una estética minimalista para retratar una soledad que,

para muchos, podría considerarse asfixiante, y para otros, como el protagonista Nolberto Coria,

un refugio que no se encuentra en el exterior. A conti-

nuación presentamos un extracto de la entrevista que el

director mexicano concedió a la Cineteca Nacional.

Después de haber trabajado en un ámbito totalmen-

te diferente, ¿por qué decides ser cineasta?

Todo empezó cuando trabajaba en Estados Unidos,

donde toqué fondo completamente porque vivía en

un sistema que no me gustaba nada: estar hipoteca-

do de por vida. Entonces decidí dar un giro radical a mi vida profesional, aunque originalmente

no tenía la idea de ser cineasta. Al tener un pasado como ingeniero industrial, pensé que tal vez

en la producción podría funcionar, y viajé a España para estudiar cine. En realidad fue tratar de

darme cuenta si lo único que me gustaba en ese momento de la vida era suficiente como para

convertirlo en vocación.

¿Por qué hacer una película con estética minimalista y una narración no tradicional?

Cuando estudias cine te enseñan las pautas de cómo tiene que ser una película. Al escribir Par-

que Vía me di cuenta de que, voluntariamente, me estaba saltando todas las reglas, y aunque

no era lo óptimo, pensé que sería interesante contar la historia de esta otra manera, porque creía

que era la mejor para involucrarte con el personaje. Básicamente, lo que quería era buscar sen-

saciones; eso fue lo que me movió todo el tiempo. Cuando escribí el guión, lo hice a mi manera,

sin que nadie me lo corrigiera, porque tuve la libertad de saltarme normas y después ver si al

saltármelas seguía siendo interesante.

¿Cómo fue dirigir a no-actores, y en especial a Nolberto Coria?

La verdad, es la primera vez que trabajo de esa forma, y fue muy gratificante, porque ellos

depositan su confianza absoluta en ti. A Nolberto lo conozco desde hace muchos años, y fue

maravilloso y sorprendente trabajar con él. Cada vez que volvía a México (durante mi estancia en

España) descubría realidades que al vivir fuera te das cuenta de lo extraordinarias que son. Una

de esas realidades era Beto: comencé a pensar en él como una posibilidad de historia porque su

vida me parece muy interesante. Parque Vía es más una historia de personaje que de situación.

Entonces, el hecho de vivir fuera de México, y más particularmente en España, te ayudó en la

creación de la película…

Pues lo que hizo fue revelarme realidades que antes no veía. También por eso elegí a un director

de fotografía español, porque quería que la persona no pasara por alto todo lo que yo podría

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obviar: las cosas que son realmente interesantes en México. Lo que me interesaba contar

ya lo sabía; pero siempre hay matices interesantes, y si alguien puede echarte la mano

para verlos, mejor.

Si querías contar la historia de Beto, ¿por qué hacer ficción y no documental?

Pienso que al hacer ficción puedes involucrar más elementos e ideas que se parezcan a

la imagen del México que quieres mostrar y explorar; incluso puedes utilizar distintos

tipos de narrativas. El documental me parece un poco limitado, mientras que la ficción te

permite mostrar la realidad.

¿Crees que el hecho de vivir en una ciudad como México orilla a la gente a tener este

aislamiento voluntario y a la vez satisfactorio?

Tiene que ver más con una idea que me planteé: ¿qué pasaría si a mí me diera miedo vivir

en la Ciudad de México —que me encanta— y qué pasaría si alguien se viera obligado a

vivir en una ciudad tan grande con estas particularidades? Creo que puede ser algo muy

duro, porque normalmente la gente tiene la idea de que todo el mundo quiere vivir en

ciudades muy grandes; pero, ¿qué tal si estás obligado a vivir aquí? ¿Qué pasaría con to-

das tus costumbres y con todos tus hábitos? ¿Qué tanto te acostumbras y qué tanto no?

Jorge Martínez Micher (extracto)

Cineteca Nacional

Octubre de 2009

a partir del viernes 4

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8

låt den rätte komma in

d y e: Tomas Alfredson. P: Suecia, 2008. G: John Ajvide

Lindqvist, basado en su novela. F en c: Hoyte Van Hoy-

tema. m: Johan Söderqvist. con: Kåre Hedebrant (Os-

kar), Lina Leandersson (Eli), Per Ragmar (Håkan), Henrik

Dahl (Erik), Karin Bergquist (Yvonne), Peter Carlberg

(Lacke), Ika Nord (Virginia). Prod: EFTI, Carl Molinder,

John Nordling. dur: 114 mins. dist: Canana Films.

Déjame entrar Después de casi 22 mil espectadores, 123 días en cartelera y 194 funciones, Déjame

entrar se ha convertido en la película más taquillera del año 2009 en Cineteca Na-

cional. Para aquellos que se quedaron sin verla, y también para esos otros fans incondi-

cionales de los niños Oskar y Eli, volvemos a exhibir esta tierna y terrorífica historia de

amor del director sueco Tomas Alfredson.

Oskar es un niño de doce años, introvertido y solita-

rio, hijo de padres separados y sin amigos. En la escue-

la, otros niños abusan de él y lo humillan. Una noche,

ve llegar nuevos vecinos: un hombre y una chica de su

edad, presumiblemente su hija. La niña, Eli, es una vam-

pira, y el hombre, Hakan, el encargado de conseguirle

su alimento, mediante procedimientos bastante torpes

y generalmente inoperantes. Oskar y Eli se encuentran

frente al edificio donde ambos habitan y rápidamente se hacen amigos; tienen mucho en

común y además se necesitan: Ella encuentra un cómplice de su edad, mientras él encuentra

alguien que le de valor y confianza, y le permita enfrentar a sus compañeros.

El director Tomas Alfredson ha declarado que Déjame entrar no es una película de horror,

un género que no le atrae ni conoce, sino una historia de amor romántico. Y sin embargo, o

quizás por eso mismo, se trata de una de las aportaciones recientes a la mitología del vampiro

de mayor interés, en la que se dejan de lado los efectos especiales y la tecnología digital para

prestar atención a algo que ya preocupó a Murnau en Nosferatu (y posteriormente a muchos

otros): la condición existencial del vampiro, su soledad, su marginación. Más que un ser mal-

vado, es un ser desdichado que carga con su condena a lo largo de los años y difícilmente

consigue liberarse.

Los aficionados a los vampiros podrán encontrar en Déjame entrar nexos con la literatura

reciente sobre el tema, sean las novelas de Anne Rice o, más recientemente, las de Stephenie

Meyer, en los dos casos convertidas en películas exitosas. Pero la historia de John Ajvide

Lindqvist es menos artificiosa y complaciente. Ambientado en 1982, cuando el autor tenía la

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edad de los protagonistas, el relato de carác-

ter autobiográfico se centra en el crecimiento

y la maduración de Oskar, un niño que tras

su apariencia inocente y desprotegida planea

una gran venganza: colecciona las notas ro-

jas del periódico y guarda un cuchillo bajo

su cama.

Hay un diálogo hacia el final de la pelícu-

la que muestra la identificación entre los dos

niños, cuando Oskar reprocha a Eli su condi-

ción de vampiro. Ella le dice que ambos son

iguales. “Pero tú matas”, contesta él. La res-

puesta de ella remite a su condición trágica:

mata por necesidad, no puede no hacerlo; y

también él, si pudiera, mataría para librarse

de sus enemigos.

Los dos adolescentes se quieren y se ne-

cesitan. Desde luego, ese amor debe superar

no pocas situaciones incómodas: el olor par-

ticular de Eli, el hecho de que un pequeño

dulce le pueda provocar vómitos, las sorpre-

sivas apariciones totalmente ensangrentada,

su temperatura fría y su sorprendente am-

bigüedad sexual. Pero ya superadas, habien-

do aceptado que su novia es una vampira,

Oskar va feliz llevando a su amada en un

ataúd sui generis. Camino a una nueva vida

no exenta de dificultades.

Hay una idea que retoman, desde el tí-

tulo, novela y película: el vampiro sólo pue-

de entrar por invitación. Deben abrírsele las

puertas y convidarlo a entrar. ¿Qué sucede si

no? Eli hace una buena demostración cuan-

do entra a la casa de Oskar sin ser invitada y

comienza a sufrir una serie de convulsiones

y a desangrarse, hasta que el muchacho le

permite el ingreso.

Relato de vampiros, historia de amor ro-

mántico y al mismo tiempo cuento de hadas

(hay por ahí una curiosa interpretación que

remite a Peter Pan), Déjame entrar fue una

de las sorpresas del año pasado. Obtuvo una

enorme cantidad de premios y mereció mu-

chísimos comentarios elogiosos (entre otros,

de Guillermo del Toro). Seguramente, la ima-

gen de Lina Leandersson totalmente despei-

nada, con la sangre escurriéndole de la boca,

se sumará a la iconografía del género.

nelson carro

Revista Tiempo Libre

Febrero de 2009

a partir del sábado 5

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Fados

Fados

d: Carlos Saura. P: Portugal-España, 2007. G: Ivan Dias

y Carlos Saura. F en c: José Luis López-Linares y Eduar-

do Serra. e: Julia Juaniz. con: Chico Buarque, Carmané,

Carlos do Carmo, Lila Downs, Cesária Évora, Toni Ga-

rrido, Lura, Alfredo Marceneiro. Prod: Duvideo, Fado

Filmes, Zebra Producciones, Ivan Dias, Luís Galvão Teles,

Antonio Saura. dur: 90 mins. dist: Latinofusión.

El peculiar y fascinante cineasta Carlos Saura lleva más de 15 años mostrándonos su íntima

relación con la música. Al estreno de Bodas de sangre en 1981 le siguieron Carmen, El

amor brujo, Sevillanas, Flamenco, Tango (nominada al Oscar a la mejor película extranjera),

Salomé y, hace sólo dos años, Iberia. En Fados, como una

sucesión de cuadros que rozan la escenografía teatral,

nos muestra la evolución cronológica de lo que se ha

llamado la música arrabalera, portuaria, de Portugal.

Tras dos años de investigación, el director aragonés

abre nuevos caminos para el fado mediante una estética

en la que predominan los claroscuros, la explosión de

colores en cada escenario y las coreografías que acom-

pañan a los músicos, algo inaudito para los puristas del género. Un verdadero homenaje a los

grandes fadistas de antaño como Amalia Rodríguez o Lucía do Carmo, que bajo el manto de

la saudade portuguesa y la pasión, nos hablan también de lazos de unión entre pueblos. No

en vano, el propio Saura define el fado como “un estilo musical resumen de influencias afri-

canas y brasileñas”, aunque también perfila la posibilidad de esa “Iberia soñada” que integra

España y Portugal. El resultado es una visión caleidoscópica donde caben Caetano Veloso, Lila

Downs, Carlos Do Carmo y Chico Buarque, el cantaor Miguel Poveda y Mariza, la reina del

fado contemporáneo.

Para Saura han sido tres años de trabajo, viajes, visitas, conciertos, “desgarradas” y re-

corridos por el Portugal más popular. Ahora, pletórico, habla de Fados. Ha aprovechado la

presentación para reproducir el ambiente de una Casa de Fados con Mariza y Lila Downs

como protagonistas.

Hace unos 30 años el fado se bailaba. Usted lo ha traído a escena otra vez, aunando

cante y baile. ¿Por qué un español se interesa por esta música hasta el punto de

documentarla?

Desde pequeño me ha gustado el fado y he amado Portugal. No es cierto lo de que Espa-

ña y Portugal viven de espaldas y ello se refleja en este trabajo. Un ejemplo es cuando la

fadista Mariza interpreta con el cantaor Poveda uno de los fados más emotivos de la cinta.

Mi pasión es tanta que, al rodar, he llegado a hacer que repitieran su trabajo escénico por

el placer de volver a escucharlo.

Hoy el fado se viste de largo y representa la piel mestiza de la nueva Europa, pero al

asociarse a Salazar, fue denostado por los jóvenes. ¿Qué opinión le merece?

Es verdad, pero no me parece correcto. Sucedió lo mismo con Lola Flores y el franquismo,

ya que cantaba para Franco. Pero no por ello era seguidora del régimen, sino simple y

llanamente una artista. Ahora se está recuperando el fado y triunfan Mariza y Camané.

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En su trabajo podemos escuchar voces de orígenes muy distintos, desde el brasileño

Caetano Veloso a la mexicana Lila Downs o la caboverdiana Lura. ¿Qué criterio ha

seguido para seleccionar a los artistas?

He estado cerca de tres años documentándome. Lo que ocurre con este tipo de trabajos

es que, cuando indagas un poco, empiezan a aparecer ramificaciones y aspectos sor-

prendentes que te emocionan y te hacen seguir adelante. Sé que hay mucha gente con

talento, pero están los que deben estar y que son importantes para contar la historia: los

orígenes africanos y su confluencia con la cultura portuguesa en los puertos y tabernas. Si

mi criterio coincide con lo que le gusta al público, alcanzo mi felicidad máxima.

¿Cree que el auge del fado viene de la mano de intérpretes tan sugerentemente

mediáticas como Mariza?

Hay fadistas clásicas muy buenas, como Argentina Santos, que puede cantar una o dos

canciones; pero Mariza puede cantar, bailar, cambiar el ritmo y llevar un espectáculo

fluctuando desde las raíces portuguesas a las africanas, además de renovar el fado. Las

nuevas generaciones pueden sentirse más identificadas, pero el fado es capaz de estar en

el pasado, el presente y el futuro.

inMa Flor (extracto)

Diario El Público, España

Noviembre 22 de 2007

a partir del sábado 5

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etz limon

d: Eran Riklis. P: Israel-Alemania-Francia, 2008. G: Suha

Arraf y Eran Riklis. F en c: Rainer Klausmann. m: Habib

Shehadeh Hanna. e: Tova Ascher. con: Hiam Abbass

(Salma Zidane), Ali Suliman (Ziad Daud), Rona Lipaz-

Michael (Mira Navon), Doron Tavory (Ministro de De-

fensa Israel Navon), Tarik Copty (Abu Hussam), Amos

Lavie (capitán Jacob), Ammon Wolf (Leibowitz). Prod:

Eran Riklis Productions, Heimatfilm, Bettina Brokemper,

Antoine de Clermont-Tonnerre, Michael Eckelt, Eran

Riklis. dur: 106 mins. dist: Alfhaville.

El limoneroLa extraña habilidad para hacer un cine inteligente y

entretenido, a partir de temas controvertidos de ac-

tualidad, está bellamente ilustrada en El limonero, un dra-

ma multifacético ubicado en la cima del conflicto pales-

tino-israelí, el cual es coloreado con ironía, generosidad,

ira y optimismo. Tal como lo hizo en La novia siria, su

éxito del 2004, el israelí Eran Riklis presenta una historia de sensibilidades fronterizas, aunque

reduce sus componentes políticos a un nivel humano básico, superado por la excepcional

interpretación de la actriz palestina Hiam Abbass.

Co-escrita de nueva cuenta con el ex periodista palestino Suha Arraf y realizada con el

mismo equipo de producción franco-alemán, Riklis regresa con otra historia alegórica que

contiene un mensaje político mucho más directo, con personajes mejor desarrollados y balan-

ceados, y un guión sin necesidad de explicarlo todo.

La historia se ubica en Zur HaSharon, en la frontera entre Israel y Cisjordania, donde la

atractiva viuda de 45 años Salma Zidane, originaria de un pueblo palestino, tiene un huerto de

limones que su padre plantó cincuenta años atrás. Cuando Navon, el nuevo y taciturno Minis-

tro de Defensa israelí, decide construir una lujosa casa justo enfrente de la valla fronteriza, los

árboles de limón de Salma son considerados un riesgo para la seguridad.

Antes de que descubra qué sucede, las fuerzas de seguridad israelíes han levantado una

torre de vigilancia militar que bloquea el limonero, que será talado para que los terroristas no

puedan ocultarse. No obstante, Salma, quien se la pasa pelando sus limones, decide desafiar la

decisión unilateral de los militares en la corte. “He tenido mi parte de dolor en la vida”, dice

Esta es básicamente la historia, pero pronto el guión despliega una pieza multiforme para la

cual el argumento central —una metáfora obvia que para Israel es mucho más substancial que

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Derek elley

Revista Variety, Estados Unidos

Febrero de 2009

Traducción: Miriam Jiménez

a partir del viernes 18

un muro defensivo— es sólo un gatillo. Salma

encuentra un abogado palestino, Ziad Daud,

quien toma su caso aparentemente sin espe-

ranzas, y la historia de amor que se desarrolla

entre el joven divorciado y la solitaria viuda

proporciona una sólida base emocional.

Atrapada también en el barullo, even-

tualmente protagonista de los titulares in-

ternacionales, se encuentra Mira, la esposa

del ministro. Es una mujer limitada por su

ambicioso y mujeriego marido, que sin em-

bargo decide, como Salma, que es suficiente,

y comparte su frustración con un periodista

liberal amigo suyo. El lento desarrollo de la

complicidad emocional entre Mira y Salma

—cómo sus ojos se cruzan en silencio a través

de la alambrada— añade dimensión al relato.

Lipaz Michael está fantástica en un rol que

crece conforme avanza.

En parte porque el guión elíptico no pier-

de tiempo en las minucias del caso, todos los

actores tienen tiempo de pantalla para mati-

zar sus personajes. Danny Leshman, como

el guardia de la torre de vigilancia, reduce la

locura de la seguridad por completo al esbo-

zo de un personaje débil, mientras Liron Ba-

ranes intenta dar un rostro humano al matón

de los Servicios Secretos, Gilad. El veterinario

palestino Makram J. Khoury, el patriarca en

La novia Siria, contribuye con un persona-

je como un poderoso agente banquero en

Cisjordania.

A final de cuentas, es Abbass, la hermana

mayor en La novia… quien mueve la pelícu-

la a una perfecta falta de glamour. Su breve

pero digno discurso en la corte, casi al final

del filme, está dotado de un golpe emocional.

El filme también sobresale por el trabajo del

estupendo actor alemán Rainer Klaussmann

(Contra la pared, La caída, A la orilla del cielo),

y un momento mágico entre Salma y Ziad,

que es cine en estado puro...

Page 15: Programa mensual diciembre

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Film noir

d: D. Jud Jones y Risto Topaloski. P: Estados Unidos-

Serbia, 2007. G: D. Jud Jones. F en B/n y c: Radan

Popovic. m: Mark Keller. e: Namub Elephantine. con

las voces de: Mark Keller, Bettina Devin, Roger Jackson,

Victoria O’Toole, Jeff Atik, Kristina Negrete y Elaine Clark.

Prod: EasyE Films, Miodrag Certic. dur: 97 mins. dist:

Alfhaville.

Film noirAnimación para adultos. Supongo que para nada es un concepto nuevo, tomando en cuen-

ta que los japoneses han estado creando este tipo de películas desde hace mucho tiempo,

aunque la mayor parte de la animación de los Estados Unidos haya sido largamente dominada

por “caricaturas del sábado por la mañana”. Para muestra: Heavy Metal o las obras de Ralph

Bakshi que llegan muy de vez en cuando. No obstante, por razones desconocidas para mí, la

animación americana es en gran parte estéril.

Ahora llega Film noir procedente de… Serbia. Al me-

nos en su mayor parte, por lo que nos han revelado el

director D. Jud Jones —como se hace llamar a sí mismo

en este filme y quien, hasta donde sé, es de algún lugar

cercano a esa zona— junto con su codirector Risto Topa-

loski, han hecho con Film noir una película animada de

crimen verdadero cien por ciento americanizada.

Esta película en blanco y negro inicia con un hombre

recobrando el conocimiento bajo la legendaria señal de Hollywood, todo esto mientras su

mirada se enfoca en un policía de Los Ángeles, muerto de un disparo en la cabeza, del que

nuestro protagonista se cree responsable. No está muy seguro de por qué no recuerda los

eventos que acaban de ocurrir… es más, es un hecho que este tipo ha olvidado quién diablos

es, ya que la amnesia se ha apoderado de él. Su celular suena y alguien se dirige a él como

Sam Ruben, así que asume dicha identidad.

Resulta que Sam Ruben es un detective privado, por lo que se dirige a su oficina, donde

la secretaria no lo reconoce… Algo que este sujeto sí sabe es que tiene el celular del detective

porque ella le llama para hacerle saber que David Hudson lo esperaba en la oficina… el sujeto

piensa que él en realidad es David Hudson, aunque obviamente no sabe por qué tiene el

aparato telefónico de Ruben.

Film noir tiene estilo hasta para quemar. Mark Keller es quien provee la voz de nuestro

héroe; sin embargo, su mayor aportación a la película es la dirección musical, ya que uno no

podría tener una película del tipo Sam Spade/Mike Hammer sin la música adecuada para

capturar ese humor a la perfección. La animación es excelente, aunque con toda certeza no es

del estilo de Pixar o Dreamworks, pero estoy casi seguro de que los directores trabajaron con

un presupuesto igual al que estos estudios destinan diariamente para alimentos. No obstante,

la película utiliza animación 3D con un toon shading para darle ese look animado, esto combi-

nado con algunos fondos granulosos en acción real que le dan a Film noir un aspecto único en

el maravilloso trabajo que hacen con las manchas y sumamente bosquejado en otras áreas.

La historia también es excelente y engancha inmediatamente, aunque tiende a saltar de

manera desordenada de un punto a otro. Todos los giros de tuerca que nos presentan parecen

dejar más preguntas que respuestas… o quizás tengamos que mirarla de nuevo y prestar

mucha más atención. Pero no puedo permitirme develar ningún aspecto al público, porque

de qué sirve un buen thriller si todo el mundo sabe que “el mayordomo lo hizo”.

Page 16: Programa mensual diciembre

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Film noir es digna de verse por el simple

hecho del alcance del proyecto, así como la

ambición y el esfuerzo que lo hicieron rea-

lidad. Es realmente notable ver lo que este

pequeño estudio fue capaz de lograr con un

presupuesto reducido y mucha dedicación.

A ratos, la narrativa es un poco inestable y

la animación no es exactamente una obra

de arte, pero es suficiente para entretener

fácilmente.

christopher arMsteD

Portal Film Critics United, Estados Unidos

Traducción: Julio César Durán

a partir del viernes 11

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cinco días sin nora

d y G: Mariana Chenillo. P: México, 2007. F en c: Al-

berto Anaya Adalid. m: Darío González Valderrama.

e: Óscar Figueroa y Mariana Chenillo. con: Fernando

Luján (José), Ari Brickman (Rubén), Verónica Langer (tía

Leah), Enrique Arreola (Moises), Cecilia Suárez (Bárbara),

Angelina Peláez (Fabiana), Max Kerlow (Rabbi Jacowitz).

Prod: Cacerola Films, Foprocine, Ixe Banco, Mariana

Chenillo, Laura Imperiale. dur: 100 mins. dist: Z David

Distribución.

Cinco días sin NoraAntes de morir, una mujer elabora un plan para que José, su agnóstico ex marido, tenga

que hacerse cargo del velorio. Sin embargo, una serie de festejos judíos retrasan la

ceremonia hasta cinco días después. La directora mexicana Mariana Chenillo plantea en su

primera película, una multipremiada comedia de humor negro con tonos biográficos. Los

detalles ella misma los platica.

¿Cómo surge este proyecto?

Es una película que empecé a escribir con la libertad

de pensar que nunca iba atreverme a filmarla; una

historia que a pesar de estar ficcionada, está parcial-

mente basada en la historia de mis abuelos. Retomé

un proceso que yo vi suceder en la familia y que no

sucedió en cinco días como en la película, pero es el

proceso de reconciliarse y el proceso de aceptar sin

entender; el “eso pasó, y no compartimos o no entendemos por qué alguien puede no

querer vivir, pero eso no tiene que ver con el amor”, me pareció que valía una película.

Entonces me di la libertad de construir este personaje, y siendo mi ópera prima, me fue más

fácil hablar de lo que conocía y de donde yo venía. Al tratar todo este tema de la religión

como institución y el duelo, pensé que la única forma de hacer la película era con humor.

¿Cómo fue el trasladar esta historia familiar al equipo de trabajo?

Tuve la experiencia de trabajar con Laura Imperiale como productora de la película, quien

es una mujer con mucha experiencia: era una voz que siempre me cuestionaba y me

compensaba. Con el resto del equipo tuve todo el tiempo para preparar el trabajo; por

ejemplo, Alejandro García —director de arte— me acompañó a las casas de mi familia e

incluso a un par de entierros; y así como él, también tuvimos el tiempo suficiente para que

la gente se involucrara con la historia hasta un nivel más familiar y personal.

Page 18: Programa mensual diciembre

17

Con los actores –o sea, la otra mitad a quienes tenía que transmitir lo que quería– hubo

algunos entusiastas como Enrique Arreola y Angelina Peláez, los dos primeros personajes

que llegaron a la película y me acompañaron en el proceso. Con Fernando Luján, la ex-

periencia fue muy diferente, porque leyó el guión para hacer otro personaje y fue él solo

quien me dijo “pero si yo soy José”, y nos pareció que así era. Con todos hice un casting

muy largo; sentía que la película esperaba a su protagonista, ya que todos los elementos

giran alrededor de él. El rodaje con Fernando Luján fue bien interesante y llegamos a un

acuerdo: a él no le gusta ensayar, sino que encuentra al personaje hasta que lo camina.

¿Qué significa para ti que la película esté en la Cineteca Nacional?

Para todos los que decidimos hacer cine y somos cinéfilos, es muy emocionante compartir

que nosotros éramos este público cariñoso que viene buscando cierto tipo de cine. No

estoy tan enterada de cómo le ha ido en la corrida comercial y con la comunidad judía de

México, aunque por lo que he leído, las críticas han sido bastante buenas. La referencia

que tengo es del año pasado, cuando la película abrió el Festival de Cine Judío con sala

llena. Habrá reacciones de todo tipo; por suerte, yo he recibido sólo comentarios buenos.

¿Proyectos en puerta?

Estoy terminando un cortometraje que será parte de una película. Estoy escribiendo dos guio-

nes, uno que es para mí, se llama Jonás; el otro es un guión por encargo, que ha sido bien

divertido y bien difícil. He estado escribiendo casi todo el año, esperando poder filmar.

Jorge Martínez Micher (extracto)

Cineteca Nacional

Noviembre de 2009

a partir del sábado 12

Page 19: Programa mensual diciembre

18

José Pedro Charlo

Director y productor cinematográfico uruguayo, nacido en Montevideo en 1953.

En el año 2000 realiza Héctor, el tejedor y cuatro años más tarde A las cinco en

punto. Asimismo, ha sido productor de Alma Mater (2005) de Álvaro Buela, y La espera

(2002) de Aldo Garay (Montevideo, 1969), premiada en los festivales de Bogotá, Mar

del Plata, Miami y Trieste.

Hace más de una década que Charlo y Garay trabajan juntos en producciones para

cine y televisión, como Bichuchi, la historia de Alfredo Evangelista (1997). El círculo (2008)

es el primer largometraje que dirigen en conjunto y se centra en Henry Engler, persona-

je que tiene más de una conexión con el propio Charlo, quien en su juventud fue parte

activa en la lucha social durante la dictadura uruguaya, e incluso estuvo clandestino y

posteriormente preso. Con esta película, Charlo buscó mostrar “el proceso interior de

control y de reconstrucción” de una persona como Engler, líder tupamaro que sobrevi-

vió a más de 12 años de prisión en duras condiciones de persecución y aislamiento, para

luego convertirse en un científico destacado en Suecia.

catherine Bloch

Cineteca Nacional

Las funciones de este ciclo contarán con la presencia del realizador en la Cineteca Nacional.

Page 20: Programa mensual diciembre

19

a las cinco en punto

a las cinco en punto

d: José Pedro Charlo. P: Uruguay, 2004. G: Universindo Rodríguez

y María Eugenia Jung. F en c: Álvaro Mechoso. m: Daniel Yafalián.

e: Jorge García. Prod: Austero Producciones. dur: 56 mins.

27 de junio de 1973. El presidente constitucional uruguayo Juan María Bordaberry disolvió el

Parlamento con el apoyo de las Fuerzas Armadas e instauró un Consejo de Estado, golpe que

dio inicio a una dictadura de casi doce años. La sociedad civil canalizó su protesta mediante una

huelga general que duró quince días y la convocatoria a una gran manifestación el día 9 de

julio, evento en el que el distinguido comunicador radial Rubén Castillo recitó más de una vez

el poema de Federico García Lorca que contiene el verso “a las cinco de la tarde”, también hora

exacta de la manifestación.

La película de José Pedro Charlo, definida como “un documental contra el olvido”, reúne

en casi 60 minutos material de archivo que registra la represión policial de la manifestación

callejera, junto con los testimonios en tiempo presente de algunos sobrevivientes de esa lucha,

que rememoran los acontecimientos y valoran lo ocurrido entonces con la perspectiva que da

el paso del tiempo.

miércoles 9

Page 21: Programa mensual diciembre

20

el círculo el círculo

d y G: José Pedro Charlo y Aldo Garay. P: Uruguay, 2008. F en

c: Diego Varela. m: Daniel Yafalián. e: Fernando Larrosa. testimo-

nios: Henry Engler, Mauricio Rosencof, José Serrano Piedecasas,

Raúl Sendic, Eleuterio Huidobro, Jorge Zabalza, José Mujica. Prod:

Memoria y Sociedad, Sur Films, José Pedro Charlo, Yvonne Ruocco.

dur: 92 mins.

Henry Engler, joven estudiante de medicina y miembro del Movimiento de Liberación

Nacional Tupamaros, fue detenido en 1973 y obligado a vivir en total aislamiento durante más

de una década. Rehén del gobierno de la dictadura militar en Uruguay, fue liberado en 1985

para posteriormente instalarse en Suecia y convertirse en un destacado científico. En 2002,

junto a un equipo de la Universidad de Uppsala, obtuvo las primeras fotos de un cerebro

humano vivo con Alzheimer.

El círculo inicia con el viaje que emprende Engler a Uruguay para contarnos su vida,

reconstruyendo con humor y dramatismo los hechos. El documental no muestra el horror,

sino los lugares en los cuales éste se padeció; y si bien hay testimonios de otros rehenes de

la dictadura, se profundiza más en la experiencia del protagonista y la locura que vivió como

rehén, oyendo voces torturantes provenientes de una celda inmediata inexistente. Filmado en

Uppsala, España y ciudades del interior del Uruguay, El círculo fue premiado en los festivales

de Bahía y Trieste.

a partir del martes 8

Page 22: Programa mensual diciembre

21

Page 23: Programa mensual diciembre

22

Generalmente suele citarse a Alain Resnais como uno de los nombres claves de la nueva

ola francesa, junto a Jean-Luc Godard, Francois Truffaut, Claude Chabrol y otros. Sin

embargo, existen notables diferencias entre el grupo de Cahiers du Cinéma, que integran los

segundos, y el grupo de la Rive Gauche, encabezado por Resnais. Las diferencias tienen que

ver tanto con la importancia que este grupo le da a la base literaria, al guión y al montaje,

como con los temas tratados, ligados a la guerra, la memoria, el olvido y la tenue frontera

entre el mundo real y el onírico.

Estas preocupaciones ya aparecían en los cortometrajes documentales del joven Resnais

(nacido en Vannes, en la Bretaña francesa, en 1922), dedicados a la pintura y el arte (Van

Gogh, 1948; Guernica, 1950; Gauguin, 1950; Las estatuas también mueren, 1953), a la guerra

(Noche y niebla, 1955), a la Biblioteca Nacional (Toda la memoria del mundo, 1956) o a la

fabricación del plástico (El canto del estireno, 1958). Desde esa época el trabajo de Resnais

se apoyaba en profesionales como el profesor de historia del arte Gaston Diehl, los poetas

Paul Éluard o Jean Cayrol, el dramaturgo Rémo Forlani, el novelista Raymond Queneau o el

fotógrafo y cineasta Chris Marker.

En un principio, Hiroshima, mi amor (1959) iba a ser otro corto de Resnais sobre la guerra,

pero evolucionó hasta convertirse en el primer largometraje de ficción del director y en una

de las películas más influyentes de la época, por su narración novedosa y al mismo tiempo

desconcertante (sobre todo en el momento de su estreno), por la calidad de los textos de

Marguerite Duras, y por un estilo que rompía con lo establecido.

Otro autor de la nueva novela, Alain Robbe-Grillet, escribió su siguiente película, El año

pasado en Marienbad (1961), que lleva aún más lejos el juego con el tiempo y la complejidad

de la estructura. Citando de memoria a Robbe-Grillet, puede decirse que no hay otro tiempo

ni otra realidad que los de la película, y que los personajes no existen antes, ni después.

Los buenos resultados de la colaboración con estos destacados escritores —que posterior-

mente se convertirían ellos mismos en cineastas—, llevaron a Resnais a repetir la experiencia

con Jean Cayrol en Muriel (1963) y Jorge Semprún en La guerra ha terminado (1966). Esta

última, una de sus películas más apreciadas, en parte por la presencia de Yves Montand e

Ingrid Thulin, la actriz de Ingmar Bergman en El silencio y Luz de invierno.

Posteriormente, Resnais, que se había manifestado contra el nazismo, la bomba atómica,

el colonialismo y el franquismo, se involucró en un filme colectivo, Lejos de Vietnam (1967).

Asimismo, colaboró en el primer largometraje de Jacques Doillon, L’an 01 (1973), utopía fan-

tástica marcada por el espíritu del 68. De este periodo son también sus películas menos apre-

ciadas en su estreno: Te amo, te amo (1968), fantasía futurista escrita por Jacques Sternberg,

Todo Resnais

Page 24: Programa mensual diciembre

23

y Staviski (1974), basada en un guión de Sem-

prún sobre el estafador de origen ruso cuya

misteriosa muerte hizo tambalear a la Tercera

República Francesa. En cambio, su siguiente

película, Providence (1977), filmada en inglés,

escrita por el dramaturgo David Mercer y pro-

tagonizada por Dirk Bogarde y John Gielgud,

fue otro de sus grandes éxitos.

Resnais volvió a demostrar que podía con-

vertir temas aparentemente áridos en atrac-

tivas películas con Mi tío de América (1980),

en la que con la colaboración de Jean Gruault

(guionista de Godard, Truffaut y Rivette) vuelve

accesibles las teorías de Henri Laborit sobre el

comportamiento. A partir de entonces, juega

con la narración, los géneros, la teatralidad, la

música e incluso la historieta, en películas como El amor hasta la muerte (1984), Melo (1986),

Quiero ir a casa (1989), Smoking/No Smoking (1993), Siempre la misma canción (1997) y Pa-

siones privadas en lugares públicos (2006). Con 87 años de edad y más de 60 de carrera, Alain

Resnais sigue activo: este año presentó en el Festival de Cannes Les herbes folles, comedia de

enredos que lo muestra fiel a sus preocupaciones más características.

nelson carro

Cineteca Nacional

El ciclo Todo Resnais se realizó mediante la colaboración entre

la Embajada de Francia en México y la Cineteca Nacional.

Page 25: Programa mensual diciembre

24

El acercamiento entre una francesa, castigada

por amar a un soldado alemán durante la

guerra, y un sobreviviente de Hiroshima,

invita a reflexionar sobre los desastres del

mundo y las tragedias personales. Ambos se

acercan y se funden con el otro, reabriendo

las heridas de la memoria. Resnais debutó

en el largometraje con esta obra compleja y

novedosa, realizada a partir de un inquietante

texto de Marguerite Duras, especialmente

escrito para la película. Un clásico de la

Nouvelle Vague y uno de los filmes más

influyentes de la historia del cine.

martes 1º, miércoles 2 y jueves 3

Hiroshima, mi amor

Hiroshima mon amour

d: Alain Resnais. P: Francia-Japón, 1959. G: Marguerite Duras. F en

B/n: Sacha Vierny y Michio Takahashi. m: Georges Delerue y Gio-

vanni Fusco. e: Jasmine Chasney y Henri Colpi. con: Emmanuelle

Riva (ella), Eiji Okada (él), Pierre Barbaud (padre), Stella Dassas (ma-

dre), Bernard Fresson (amante alemán). Prod: Argos Films, Como

Films, Pathé, Daiei Studios, Anatole Dauman, Samy Halfon, Sacha

Kamenka, Takeo Shirakawa. dur: 91 mins.

Un hombre intenta convencer a una mujer

de que ambos acordaron encontrarse en

Marienbad. Ante el escepticismo de ella, él

arma una historia alrededor de ese encuentro,

que podría ser o no cierta, y da inicio a un

juego seductor que se torna en una laberíntica

reflexión sobre la memoria, la subjetividad del

recuerdo y la imposibilidad amorosa. Lo real y

lo imaginado se unen en esta fascinante obra

maestra escrita por Alain Robbe-Grillet, por la

cual Alain Resnais obtuvo el León de Oro en la

Muestra de Venecia de 1961.

Viernes 4, sábado 5 y domingo 6

el año pasado en marienbad

l’année dernière à marienbad

d: Alain Resnais. P: Francia-Italia, 1961. G: Alain Robbe-Grillet. F en

B/n: Sacha Vierny. m: Francis Seyrig. e: Jasmine Chasney y Henri

Colpi. con: Delphine Seyrig (A), Giorgio Albertazzi (X), Sacha Pitoëff

(M), Francoise Bertin, Luce Garcia-Ville, Héléna Kornel, Francoise Spi-

ra. Prod: Terra Films, Societe Nouvelle des Films Cormoran, Precei-

tel, Como Films, Argos Films, Les Films Tamara, Cinetel, Silver Films,

Cineriz Rome, Pierre Courau, Raymond Froment. dur: 94 mins.

LARGOMETRAJES

Page 26: Programa mensual diciembre

25

Varios personajes (una anticuaria viuda, su

antiguo amante, el hijastro de ella) sufren los

efectos posteriores de sus vivencias durante

distintas guerras, desde la ocupación nazi hasta

la de Argelia, incapaces de reconciliar el pasa-

do con un presente gris y sin ilusiones. Resnais

parte de un entorno íntimo para retratar la

memoria colectiva de toda una nación emo-

cionalmente trastornada. Por su interpretación

en este filme, Delphine Seyrig obtuvo la Copa

Volpi a la mejor actriz en la Muestra de Vene-

cia de 1963.

martes 8, miércoles 9 y jueves 10

muriel ou le temps d’un retour

d: Alain Resnais. P: Francia, 1963. G: Jean Cayrol. F en c: Sacha

Vierny. m: Hans Werner Henze. e: Claudine Merlin, Eric Pluet y

Kenout Peltier. con: Delphine Seyrig (Hélène Aughain), Jean-Pierre

Kérien (Alphonse Noyard), Nita Klein (Françoise), Jean-Baptiste Thié-

rrée (Bernard Aughain), Claude Sainval (Roland de Smoke), Lau-

rence Badie (Claudie), Jean Champion (Ernest). Prod: Argos Films,

Les Filmes de la Pléiade, Alpha Productions, Anatole Dauman. dur:

115 mins.

la guerre est finie

d: Alain Resnais. P: Francia-Suecia, 1966. G: Jorge Semprún. F en

B/n: Sacha Vierny. m: Giovanni Fusco. e: Eric Pluet y Ziva Postec.

con: Yves Montand (Diego Mora), Ingrid Thulin (Marianne), Ge-

neviève Bujold (Nadine Sallanches), Jean Dasté (jefe de la red clan-

destina), Dominique Rozan (Jude), Jean-François Rémi (Juan). Prod:

Europa Film, Sofracima, Anatole Dauman, Gisèle Rebillon, Catherine

Winter. dur: 121 mins.

Cuando Resnais leyó la primera novela del

español Jorge Semprún, El largo viaje (1963),

quedó tan encantado con su estilo que le pidió

que trabajaran juntos en un proyecto que

titularía La guerra ha terminado. El protagonista

de la historia, Diego, es un miembro del

Partido Comunista Español que vive en Francia,

pero que viaja de manera clandestina a España

para organizar actividades de resistencia contra

la dictadura franquista. Este filme, uno de los

más exitosos de Resnais, ganó una Mención

Especial en el Festival de Locarno de 1966.

miércoles 9

muriel

la guerra ha terminado

Page 27: Programa mensual diciembre

26

te amo, te amo

Tras recuperarse de un intento de suicidio,

un hombre es seleccionado para participar

en un experimento que consiste en viajar

en el tiempo, el cual hasta ese momento

sólo había sido probado en ratones. No

obstante, una falla provoca que el hombre

viva acontecimientos de su pasado en un

orden aleatorio. Durante cinco años, Resnais

y Sternberg trabajaron el guión de esta

singular película de ciencia ficción y estructura

compleja, que es una lúcida exposición acerca

de la culpa, el deseo y la nostalgia.

Viernes 11 y sábado 12

Je t’aime, je t’aime

d: Alain Resnais. P: Francia, 1968. G: Jacques Sternberg y Alain

Resnais. F en c: Jean Boffety. m: Krzkyszfof Penderecki. e: Albert

Jurgenson y Colette Leloup. con: Claude Rich (Claude Ridder), Olga

Georges-Picot (Catrine), Anouk Ferjac (Wiana Lust), Alain MacMoy

(técnico que busca a Ridder), Vania Vilers (técnico), Ray Verhaeghe

(técnico). Prod: Les Productions Fox Europa, Parc Film, Mag Bodard.

dur: 91 mins.

stavisky

stavisky

d: Alain Resnais. P: Francia, 1974. G: Jorge Semprún. F en c: Sacha

Vierny. m: Stephen Sondheim. e: Albert Jurgenson. con: Jean-Paul

Belmondo (Serge Alexandre Stavisky), François Périer (Albert Bore-

lli), Anny Duperey (Arlette), Michael Lonsdale (Dr. Mézy), Roberto

Bisacco (Juan Montalvo), Charles Boyer (el barón Jean Raoul). Prod:

Cerito Films, Les Films Ariane, Simar Films, Euro International Film

(EIA). dur: 115 mins.

Segunda colaboración del escritor Jorge

Semprún con Alain Resnais. Ambos, guionista

y director, reconstruyen la enigmática figura de

Serge Alexandre Stavisky (conocido como El

bello Sacha), un jugador de cartas y traficante

internacional de origen ruso, que estuvo a

punto de provocar la quiebra de la Segunda

República Francesa en 1933. El Festival

Internacional de Cine de Cannes le otorgó el

premio al mejor actor a Charles Boyer por su

actuación en esta película.

sábado 12, domingo 13, martes 15 y

miércoles 16

Page 28: Programa mensual diciembre

27

mon oncle d’amerique

d: Alain Resnais. P: Francia, 1980. G: Jean Gruault, basado en los

trabajos del profesor Henri Laborit. F en c: Sacha Vierny. m: Arié

Dzierlatka. e: Albert Jurgenson. con: Gèrard Depardieu (René Ra-

gueneau), Nicole García (Janine Garnier), Roger Pierre (Jean Le Gall),

Marie Dubois (Thérése Ragueneau), Nelly Borgeaud (Arlette Le Gall),

Pierre Arditi (Zambeaux). Prod: Andrea Films, TF1, Philippe Dussart.

dur: 125 mins.

Un hombre de negocios, un escritor y una

aspirante a actriz son utilizados por el profesor

Henri Laborit como ejemplos para ilustrar sus

teorías sobre el comportamiento y la forma

en que afrontamos el dolor y los conflictos.

Ingenioso filme ganador del Premio Fipresci

y el Gran Premio del Jurado en Cannes, en

el que Resnais profundiza desde un punto

de vista biológico sobre algunas de sus viejas

preocupaciones, como el equilibrio entre la

ciencia y la ficción y el funcionamiento de la

memoria.

Jueves 17, viernes 18 y sábado 19

Providence

Providence

d: Alain Resnais. P: Francia-Gran Bretaña, 1976. G: David Mercer.

F en c: Ricardo Aronovich. m: Miklós Rózsa. e: Albert Jurgen-

son. con: Dirk Bogarde (Claude Langham), Ellen Burstyn (Sonia

Langham), John Gielgud (Clive Langham), David Warner (Kevin

Langham / Kevin Woodford), Elaine Stritch (Helen-Molly), Cyril

Luckham (Dr. Edington). Prod: Action Films, Société Française de

Production (SFP), France 3 (FR 3), Citel Films Genève. Yves Gasser,

Klows Hellwing. dur: 110 mins.

Clive, escritor enfermo y malhumorado, bebe

una botella de vino durante toda la noche

mientras escribe una conmovedora historia

de ficción de resonancias autobiográficas. Los

personajes: Claude, fiscal de la alta burguesía;

Sonia, incapaz de abandonar a su marido;

Kevin, soldado que lucha por el derecho a la

eutanasia; Elena, amante que sabe que pronto

morirá, y un futbolista. El primer largometraje

hablado en inglés de Resnais contó con la

colaboración del dramaturgo David Mercer y

las excepcionales actuaciones de Dirk Bogarde

y John Gielgud.

domingo 13 y martes 15

mi tío de américa

Page 29: Programa mensual diciembre

28

la vie est un roman

d: Alain Resnais. P: Italia, 1983. G: Jean Grualt. F en c: Bruno

Nuytten. m: Philippe-Gérard. e: Albert Jurgenson. con: Vittorio

Gassman (Walter Guarini), Ruggero Raimondi (Michel Forbek),

Géraldine Chaplin (Nora Winkle), Fanny Ardant (Livia Cerasquier),

Pierre Arditi (Robert Dufresne), Sabine Azima (Elizabeth Rousseau).

Prod: Philippe Dussart. dur: 110 mins.

Después del éxito que obtuvo con Mi tío

de América, el productor Philippe Dussart

depositó toda la confianza en Resnais, quien,

con completa libertad, pudo dirigir La vida es

una novela, su noveno largometraje. Cineasta

de gran inventiva, capaz de volver atractivos

los asuntos más arduos, realiza aquí un estudio

cinematográfico acerca de la evolución de

ciertos conceptos como la lucha de clases, el

mal, la felicidad y la armonía, por medio de

tres historias paralelas, con distintos personajes

y en diferentes épocas: la Edad Media, la

Primera Guerra Mundial y los años ochenta.

Jueves 17, viernes 18 y sábado 19

el amor a muerte

l’amour à mort

d: Alain Resnais. P: Francia, 1984. G: Jean Gruault. F en c: Sacha

Vierny. m: Hans Werner Henze. e: Albert Jurgenson y Jean-Pierre

Besnard. con: Sabine Azéma (Elisabeth Sutler), Fanny Ardant (Judith

Martignac), Pierre Arditi (Simon Roche), André Dussollier (Jérôme

Martignac), Jean Dasté (Dr. Rozier), Geneviève Mnich (Anne Jour-

det). Prod: Les Films Ariane, Films A2, Philippe Dussart. dur: 92

mins.

“Simón ha muerto”, declara el médico. No

obstante, su muerte fisiológica no dura más

que algunos instantes, para revivir después

de unos minutos (un fenómeno llamado

catalepsia). A partir de este acontecimiento

médico, Resnais cavila sobre el amor, la

vida y la muerte —temas constantes en su

filmografía— al tiempo que utiliza sonidos

(latidos de corazón, aguas que fluyen) y la

música del compositor alemán, Hans Werner

Henze, como otros personajes al servicio de

su trama.

domingo 20 y martes 22

la vida es una novela

Page 30: Programa mensual diciembre

29

i Want to Go Home

d: Alain Resnais. P: Francia, 1989. G: Jules Feiffer. F en c: Charles

Van Damme. m: John Kander. e: Albert Jurgenson. con: Adolph

Green (Joey Wellman), Laura Benson (Elsie Wellman), Linda Lavin

(Lena Apthrop), Gérard Depardieu (Christian Gauthier), Micheline

Presle (Isabelle Gauthier), John Ashton (Harry Dempsey), Geraldine

Chaplin (Terry Armstrong). Prod: Films A2, Investimage, La Sept

Cinéma, MK2 Productions, Marin Karmitz. dur: 100 mins.

En esta comedia, basada en un guión del

humorista estadounidense Jules Feiffer

y ganadora del premio al mejor filme y

mejor guión en Venecia, Resnais confronta

irónicamente tanto la visión norteamericana

de la cultura francesa como la concepción

francesa acerca de Estados Unidos. Joey

Wellman, un caricaturista americano, viaja a

París para exhibir su trabajo y visitar a su hija,

quien se avergüenza de él. La opinión de ella

cambiará cuando Wellman conozca a Christian

Gautier, un académico al que ella admira.

domingo 27 y martes 29

melo

mélo

d y G: Alain Resnais, basado en la pieza teatral de Henri Bernstein.

P: Francia, 1986. F en c: Charles Van Damme. m: M. Philippe-Gé-

rard. e: Albert Jurgenson. con: Sabine Azéma (Romaine Belcroix),

Fanny Ardant (Christiane Levesque), Pierre Arditi (Pierre Belcroix),

André Dussolier (Marcel Blanc), Jacques Dacqmine (Dr. Remy), Ca-

therine Arditi (Yvonne). Prod: Centre National de la Cinématogra-

phie, Films A2, MK2 Productions, Marin Karmitz. dur: 112 mins.

A pesar de que alguna vez declaró que

no estaba interesado en realizar adaptaciones

literarias, Resnais se dejó seducir por la

historia de Bernstein, centrada en un triángulo

amoroso entre un par de músicos y la

mujer de uno de ellos. Filmada en cuatro

ocasiones, esta versión de Resnais destaca

por su fidelidad y por su puntillosa recreación

de la atmósfera teatral, donde escenarios e

iluminación —artificiales— están al servicio de

un drama que se desarrolla en actos separados

por un telón.

domingo 20, martes 22 y miércoles 23

Quiero ir a casa

Page 31: Programa mensual diciembre

30

smoking / no smoking

d: Alain Resnais. P: Francia-Italia-Suiza, 1993. G: Jean-Pierre Bacri,

Agnès Jaoui, Anne Dutter y Georges Dutter, basados en la pieza

teatral de Alan Ayckbourn Intimate Exchanges. F en c: Renato Berta.

m: John Pattison. e: Albert Jurgenson. con: Sabine Azéma (Celia

Teasdale / Sylvie Bell / Irene Pridworthy / Rowena Coombes / Jose-

phine Hamilton), Pierre Arditi (Toby Teasdale / Miles Coombes / Lio-

nel Hepplewick / Joe Hepplewick), Peter Hudson (narrador). Prod:

Arena Films, Caméra One, France 2 Cinéma, Alia Film, Bruno Pésery,

Michel Seydoux. dur: 298 mins. (las dos partes).

Cine y teatro se fusionan en este par de filmes

basados en la obra de Ayckbourn, dividida en

ocho partes con 16 desenlaces (que finalmente

quedaron reducidos a 12). La dupla Azéma-

Arditi, colaboradora habitual de Resnais,

hace gala de su talento al interpretar a nueve

personajes que se desenvuelven en exteriores

artificiales diseñados por Jacques Saunier,

presente en los filmes del cineasta desde

Stavisky (1974). La premisa parte de la decisión

de fumar o no, lo que desata una infinidad de

posibilidades.

Viernes 25 y sábado 26

siempre la misma canción

on connaît la chanson

d: Alain Resnais. P: Francia-Suiza-Reino Unido, 1997. G: Jean-Pierre

Bacri y Agnès Jaoui. F en c: Renato Berta. m: Bruno Fontaine. e:

Hervé de Luze. con: Pierre Arditi (Claude), Sabine Azéma (Odile

Lalande), Jean-Pierre Bacri (Nicolas), André Dussollier (Simon), Agnès

Jaoui (Camille Lalande), Lambert Wilson (Marc Duveyrier), Jane Bir-

kin (Jane). Prod: Arena Films, Caméra One, France 2 Cinéma, Vega

Film, Bruno Pésery. dur: 120 mins.

Filme ganador de siete premios César, entre

ellos el de mejor película, donde Resnais,

como lo hiciera Jacques Demy en Los paraguas

de Cherburgo (1964) y Las señoritas de

Rochefort (1967), experimenta con la narración

cinematográfica, transformando la música en el

medio de expresión de sus personajes, cuyos

diálogos se manifiestan a través del canto.

Mediante un gran repertorio de populares

canciones francesas, Resnais retrata los enredos

amorosos entre un par de hermanas y sus

distintas parejas.

domingo 27, martes 29 y miércoles 30

smoking / no smoking

Page 32: Programa mensual diciembre

31

coeurs

d: Alain Resnais. P: Francia-Italia, 2006. G: Jean-Michel Ribes, ba-

sado en la pieza teatral homónima de Alan Ayckbourn. F en c: Eric

Gautier. m: Mark Snow. e: Hervé de Luze. con: Sabine Azéma

(Charlotte), Isabelle Carré (Gaëlle), Laura Morante (Nicole), Pierre

Arditi (Lionel), André Dussollier (Thierry), Lambert Wilson (Dan).

Prod: Soudaine Compagnie, Studio Canal, France 2 Cinéma, Societé

Française de Production (SFP), Bruno Pésery. dur: 120 mins.

Como lo hiciera en Smoking / No Smoking

—también adaptado de una obra de

Ayckbourn— y Siempre la misma canción,

Resnais vuelve al cine teatral, recreando

atmósferas irreales al servicio de su

preocupación por el paso del tiempo y la

rutina. Ganador del León de Plata en Venecia,

Pasiones… es una dura crítica a la fría e

individualista sociedad actual, a partir de las

vidas de un agente inmobiliario, un ex militar

y una adicta a los reality shows, cuyo mal

común es la soledad.

Viernes 1º de enero, sábado 2 y domingo 3

en la boca no

Pas sur la bouche

d: Alain Resnais. P: Francia-Suiza, 2003. G: André Barde. F en c:

Renato Berta. e: Hervé de Luze. con: Sabine Azéma (Gilberte Va-

landray), Isabelle Nanty (Arlette Poumaillac), Audrey Tautou (Huguet-

te Verberie), Pierre Arditi (Georges Valandray), Darry Cowl (Madame

Foin), Jalil Lespert (Charley), Daniel Prévost (Faradel). Prod: Arena

Films, France 2 Cinéma, France 3 Cinéma, Arcade, Vega Film, Bruno

Pésery. dur: 115 mins.

Tras seis años de ausencia y en la línea de su

musical Siempre la misma canción, Resnais

regresó con esta comedia musical basada en

la opereta francesa de 1925 de André Barde,

con la que obtuvo el Premio Lumière al mejor

director en 2004. A través de escenarios llenos

de colores vibrantes, recupera el contexto

teatral de esta obra en la que la vida de una

mujer se complica, cuando descubre que

el nuevo socio de su esposo resulta ser su

ex marido, secreto que ocasionará las más

enredadas situaciones.

Viernes 1º de enero, sábado 2 y domingo 3

Pasiones privadas en lugares públicos

Page 33: Programa mensual diciembre

32

DOCUMENTALES

aproximación a resnais, revolucionario discreto

une approche d’alain resnais, révolutionnaire discret

d: Michel Leclerc. P: Francia, 1980. testimonios: Alain Res-

nais, Rémo Forlani, Jacques Sternberg, Jorge Semprún, Alain Robbe-

Grillet, Danièle Delorme, Gastón Bounoure, Jean Mitry. dur: 58

mins.

Poco se sabe del Alain Resnais que está detrás de cámaras, cuyos anhelos de juventud iban enca-

minados hacia el periodismo, el teatro y la música. Este filme brinda una nueva perspectiva sobre la

vida del director galo a través de extractos de películas y testimonios de amigos y colegas, al tiempo

que resalta las contribuciones estéticas y narrativas del realizador, quien con la legendaria Hiroshima,

mi amor (1959), marcaría el inicio de la época dorada de la Nouvelle Vague.

Jueves 10, viernes 11, miércoles 16 y miércoles 23

el estudio de alain resnais

l’atelier d’ alain resnais

d: François Thomas. P: Francia, 1997. F en c: Thierry Gautier. m:

Bruno Fontaine. e: Laure Mercier. testimonios: Pierre Arditi, Sa-

bine Azéma, Jean- Pierre Bacri, Sylvette Baudrot, Renato Berta, Jackie

Budin, Hervé de Luze. Prod: Arena Films, Arte, La Sept-Arte, Bruno

Pésery, Gilles-Marie Tiné. dur: 50 mins.

Basado en el libro homónimo publicado en 1989, que reúne varias entrevistas que François

Thomas sostuvo con Alain Resnais y con sus más cercanos colaboradores. Los testimonios de

músicos, guionistas y directores de fotografía, entre otros colaboradores habituales del cineas-

ta, son aunados a los del equipo que participó en Siempre la misma canción, para confeccionar

el retrato de un verdadero artesano cinematográfico.

miércoles 30

Page 34: Programa mensual diciembre

33

CORTOMETRAJES

Van GoghVan Gogh

d y e: Alain Resnais. P: Francia, 1948. dur: 20 mins.

Una muestra pictórica de Van Gogh motivó a Res-nais a hacer esta evocación en blanco y negro del universo artístico del pintor neerlandés.

martes 1º, miércoles 2 y jueves 3

GuernicaGuernicad y G: Alain Resnais y Robert Hessens. P: Francia, 1950. dur: 13 mins.

Por medio de un magistral uso del montaje, manejo de cámara y efectos sonoros, Resnais trasmite al espectador el dramatismo del cuadro de Picasso.

Viernes 4, sábado 5 y domingo 6

GauguinGauguin

d y e: Alain Resnais. P: Francia, 1950. dur: 14 mins.

Tras el éxito de Van Gogh, Resnais continuó su acercamiento fílmico al arte pictórico europeo con este retrato del pintor francés.

martes 1º, miércoles 2 y jueves 3

las estatuas también muerenles statues meurent aussi

d: Alain Resnais y Chris Marker. P: Francia, 1953. dur: 30 mins.

Una exhibición de esculturas africanas inspiró a Resnais y Marker para realizar esta ácida visión del saqueo cultural y el colonialismo.

Viernes 4, sábado 5 y domingo 6

noche y nieblanuit et brouillard

d y e: Alain Resnais. P: Francia, 1955. dur: 32 mins.

Resnais alterna imágenes de archivo y un retrato moderno de Auschwitz en uno de los documenta-les más influyentes de la historia.

Viernes 4, sábado 5 y domingo 6

toda la memoria del mundotoute la mémoire du monde

d: Alain Resnais. P: Francia, 1956. dur: 21 mins.

Los libros resguardados por la Biblioteca Nacional de Francia son los verdaderos protagonistas de este documental.

martes 1º, miércoles 2 y jueves 3

el canto del estirenole chant du styrène

d: Alain Resnais. P: Francia, 1958. dur: 19 mins.

Reflexión sobre la capacidad humana para crear objetos, a través de las caprichosas formas surgidas del plástico fundido.

martes 1º, miércoles 2 y jueves 3

“claude ridder”episodio del filme Lejos de Vietnam

loin du Vietnam

d: Alain Resnais. P: Francia, 1967. dur: 15 mins.

En compañía de otros directores, Resnais denunció la intervención estadounidense en Vietnam en este filme de episodios.

Viernes 11 y sábado 12

“Wall street”episodio del filme El año 01

l’an 01

d: Alain Resnais. P: Francia, 1973. dur: 5 mins.

Segmento inspirado en la historieta publicada por entregas del destacado ilustrador francés Georges Blondeau.

Viernes 11 y sábado 12

Page 35: Programa mensual diciembre

34

Un espinoso árbol inspiró al artista Francisco Toledo para crear una presea que, en una man-

cuerna conformada por el Cine Club El Pochote, fundado por el artista y ubicado en la ciudad

de Oaxaca, y los señores Armando Colina y Víctor Acuña (Galería Arvil), se otorga a un destacado

cineasta internacional cuya obra se apoya en los nuevos formatos digitales. Desde el año 2005,

cineastas de la talla de Agnès Varda y Jaime Humberto Hermosillo han recibido este premio.

En su edición 2009, el Premio Internacional El Pochote al Cine Digital es para Arturo Ripstein,

pionero del cine digital y de formato HD en México, y director de clásicos del cine mexicano con-

temporáneo como El castillo de la pureza (1972) o El lugar sin límites (1977). Ripstein, creador de un

universo fílmico en el cual el destino trágico predomina sobre quienes habitan un mundo sórdido,

de encierros sin salida y sueños que rompen la crueldad que anida en el corazón humano, comenzó

en 1999 su acercamiento al cine digital, mismo que ha dado hasta el momento magistrales resul-

tados. La Cineteca Nacional felicita al cineasta por este reconocimiento, que se suma a los muchos

que ha cosechado por el mundo entero.

José antonio ValDés peña

Premio El Pochote al cine digital para

ARTURO RIPSTEIN

Page 36: Programa mensual diciembre

35

así es la vida...

d: Arturo Ripstein. P: México-España-Francia, 1999. G: Paz Alicia

Garcíadiego, inspirado en Medea de Séneca. F en c: Guillermo

Granillo. m: David Mansfield. e: Carlos Puente. con: Arcelia Ramí-

rez (Julia), Luis Felipe Tovar (Nicolás), Patricia Reyes Spíndola (Adela),

Ernesto Yáñez (La Marrana), Francesca Guillén (Raquel), Alejandra

Montoya (clienta), Constanza Cavalli (presentadora de televisión).

Prod: Filmanía, Gardenia Producciones, Imcine, Foprocine, Wanda

Visión, D.M.V.B. Films, Jorge Sánchez, Laura Imperiale, Álvaro Garni-

ca. dur: 98 mins. Pc: Cineteca Nacional.

Arturo Ripstein se convirtió en pionero del cine

digital en Latinoamérica con esta desgarradora

reinterpretación de Medea al México contem-

poráneo, escrita por su inseparable guionista

Paz Alicia Garcíadiego. Así, Medea es ahora

una curandera de vecindad abandonada por

el padre de sus hijos; víctima del desamor y la

crueldad del mundo, encaminará su destino

hacia la tragedia. El cineasta adopta el formato

digital con gran inventiva y soltura, haciendo

de su cámara un protagonista más.

sábado 12

la perdición de los hombres

la perdición de los hombres

d: Arturo Ripstein. P: México-España, 2000. G: Paz Alicia García-

diego. F en B/n: Esteban de Llaca y Guillermo Granillo. m: Leoncio

Lara (Bon). e: Carlos Puente. con: Patricia Reyes Spíndola (Cara de

Hacha), Rafael Inclán (El Otro), Luis Felipe Tovar (Uno), Carlos Chávez

(El que venía), Alejandra Montoya (Cara de Luna), Marco Zapata (hijo

de la Otra), Leticia Valenzuela (La Otra). Prod: Filmanía, Imcine, Gar-

denia Producciones, Wanda Visión, TVE, Canal +, Laura Imperiale,

Jorge Sánchez. dur: 106 mins. Pc: Cineteca Nacional.

Un aficionado al béisbol es asesinado al

intentar robarle sus preciadas botas. Su

viuda (o al menos la oficial) buscará a los

responsables. En su segundo filme digital,

Ripstein gira hacia la comedia negra sin dejar

atrás sus obsesiones (la imposibilidad amorosa,

la crueldad, las ilusiones rotas), enmarcando

la gris existencia de sus protagonistas en una

plomiza fotografía digital en blanco y negro.

El filme recibió la Concha de Oro a la mejor

película en el Festival de San Sebastián.

domingo 13

así es la vida…

Page 37: Programa mensual diciembre

36

la virgen de la lujuria

d: Arturo Ripstein. P: México-España-Portugal, 2002. G: Paz Ali-

cia Garcíadiego, inspirado en el relato La verdadera historia de la

muerte de Francisco Franco de Max Aub. F en c: Esteban de Llaca.

m: Leoncio Lara (Bon). e: Fernando Pardo. con: Luis Felipe Tovar

(Nacho), Ariadna Gil (Lola), Patricia Reyes Spíndola (Raquel), Julián

Pastor (don Lázaro), Juan Diego (Gimeno), Alberto Estrella (Garde-

nia). Prod: Imcine, Foprocine, Producciones Amaranta, Mate Produc-

ciones, Fado Filmes, Mate Cantero, Álvaro Garnica, Luisa Matienzo,

Stéphane Sorlat. dur: 140 mins. Pc: Cineteca Nacional.

Un solitario mesero está obsesionado por

una cruel dama española y un grupo de sus

compatriotas que planean asesinar a Franco.

Un relato de Max Aub, sobre la dolorosa

experiencia del exilio se transforma en manos

de Arturo Ripstein en el retrato de una pasión

que vuelve a los amantes malditos del filme

víctimas y victimarios. Ambos existen en una

delirante atmósfera, conseguida a través de la

textura de la imagen digital de alta definición,

que borra la línea entre lo real y lo onírico.

miércoles 16

Juan soriano (fecit dixit)

Juan soriano (fecit dixit)

d: Arturo Ripstein. P: México, 2001. G: Arturo Ripstein y Carlos

Puente. F en c: Juan Arturo Brennan y Ciro Cabello. e: Carlos

Puente. testimonios: Juan Soriano, Marek Keller, Arturo Ripstein

(narrador). Prod: Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, Gar-

denia Producciones, Jorge Sánchez, Álvaro Garnica. dur: 90 mins.

Pc: Cineteca Nacional.

La serie Creadores Eméritos producida por el

INBA documentó la vida y obra de algunos

creadores del panorama artístico nacional

pertenecientes a distintas disciplinas. Ripstein

dirigió para la serie este programa sobre el

pintor y escultor Juan Soriano, poco tiempo

después de que el artista recibiera un Ho-

menaje Nacional en el año 2000. Invaluable

testimonio audiovisual en el que el mismo

Juan Soriano es narrador de los episodios de

su vida y su sentido del arte.

martes 15

la virgen de la lujuria

Page 38: Programa mensual diciembre

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los héroes y el tiempo

d y G: Arturo Ripstein. P: México, 2005. F en c: Esteban de Llaca.

m: Leoncio Lara (Bon). e: Alejandro Ripstein. testimonios: René

Arredondo, Saúl López de la Torre, Alberto Ulloa, Romero Valentín.

Prod: Universidad de Guadalajara, Imcine, Alejandro Ripstein Ro-

sovsky. dur: 108 mins. Pc: Cineteca Nacional.

Treinta años después de haberse conocido en

la crujía de presos políticos de la antigua peni-

tenciaría de Lecumberri, durante la filmación

de un documental sobre dicha prisión a punto

de cerrar, Arturo Ripstein se reencuentra con

algunos de sus entonces entrevistados. Post-

data fílmica de Lecumberri, el Palacio Negro

(1976), este filme permite a todos sus protago-

nistas hacer una reflexión, ante la cámara y

sin algún afán sociopolítico, sobre el paso del

tiempo

Jueves 17

el carnaval de sodoma

el carnaval de sodoma

d: Arturo Ripstein. P: México-España, 2006. G: Paz Alicia García-

diego, inspirado en la novela homónima de Pedro Antonio Valdéz.

F en c: Luis Sansans. m: David Mansfield. e: Alejandro Ripstein.

con: Fernando Luján (padre Cándido), María Barranco (Mónica),

Alejandro Camacho (padre Ponciano), Carlos Cobos (Travolta), Eran-

do González (Edoy), Carlos Chávez (Tora), Isabel Ruiz (Lulú). Prod:

Morena Films, Producciones Amaranta, TVE, Miguel Necoechea.

dur: 119 mins. Pc: Cineteca Nacional.

Los parroquianos de un burdel organizan

un carnaval retando a la moral y las buenas

costumbres. Esta celebración del placer es el

punto de partida de una comedia negra sobre

la miseria humana, en la cual una compleja

estructura narrativa permite a algunos de sus

personajes aportar su propio punto de vista

sobre el suceso. Ripstein hace un uso magistral

del color digital, así como de una cámara que

fluye entre los personajes y la puesta en escena

con la suavidad de un fantasma.

Viernes 18

los héroes y el tiempo

Page 39: Programa mensual diciembre

38

Page 40: Programa mensual diciembre

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Page 41: Programa mensual diciembre

40

Page 42: Programa mensual diciembre

41

Page 43: Programa mensual diciembre

42

La habitual paz del noticiero 31 Minutos se interrumpe por una malvada coleccionista de

animales llamada Cachirula, quien intenta robar lo más valioso que poseen los personajes del

programa. Para ello contrata al inescrupuloso Tío Pelado, con la finalidad de conseguir un rarí-

simo espécimen (y el único que le falta). Ignorante

de esta maquinación, Juanín Juan Harry, el último

ejemplar de los juanines, trabaja como productor

del excéntrico noticiero. El malévolo plan de Ca-

chirula y sus secuaces logra su cometido y Juanín

es raptado. Así, Tulio y el resto del lunático equipo

del programa iniciarán la desenfrenada búsqueda

de su compañero de labores, aventura que pon-

drá a prueba la fuerza de la amistad y el valor de la libertad.

Probablemente Los Muppets sean el máximo referente de títeres, botargas, muñe-

cos o marionetas de los que se han realizado largometrajes a partir de sus participaciones en

televisión. Generalmente este tipo de series, de gran éxito y repercusión en los espectadores,

suelen ser norteamericanas, por lo que es curioso que una serie latinoamericana, y además

dedicada sobre todo al público infantil, logre emigrar a la gran pantalla. El programa de TV

chileno 31 minutos es una muestra de esto. Antes de ser una película, la serie fue reconocida

31 minutos, la película

d: Alvaro Diaz y Pedro Peirano. P: Chile-Brasil, 2009. G: Alvaro

Díaz, Pedro Peirano, Rodrigo Salinas y Daniel Castro. m: Pablo Ila-

baca y Angelo Pierattini. e: Felipe Lacerda y Galut Alarcón. F en c:

Miguel Littin. con las voces de: Alejandra Dueñas, Patricio Díaz,

Daniel Castro, Alvaro Díaz, Pedro Peirano. Prod: Producciones Apla-

plac, Total Filmes, Usert, Juan Manuel Egaña. dur: 97 mins. dist:

Z David Distribución.

31 minutos, la película

Page 44: Programa mensual diciembre

43

MATINÉ INFANTIL

con el Prix Jeunesse Iberoamericano, el Premio de la Asociación de Periodistas de Espectácu-

los, el Premio a Mejor Programa de Televisión del Círculo de Críticos de Arte y cinco Premios

Altazor, todos ellos de Chile, además de recibir una nominación al Emmy Internacional.

La versión cinematográfica fue filmada en Chile y Brasil, y postproducida en España. En

ella se dio vida a 350 personajes y contó con la participación de todos los integrantes de la

serie de televisión original, más un contingente que sumó en total 250 personas. Desde sus

inicios, la serie ha tenido tal éxito que más de 210 mil espectadores han visto la película tan

sólo en Chile.

31 minutos, la película no escatimó en presupuesto: en los entornos selváticos brasileños

donde se filmó se contrataron cazadores de serpientes, quienes tenían que revisar el terreno

antes de poder filmar; se construyeron inmensas escenografías en el hangar más antiguo de

la Fuerza Aérea de Chile, en el ex aeropuerto de Cerrillos, e incluso el yate del personaje Tulio

fue un elemento real traído y reconstruído en el estudio, mientras que la entrada al siniestro

castillo fue realizada en la vegetación salvaje de un sector de Río de Janeiro. También destacan

las escenas de playa, las cuales fueron filmadas en escenarios naturales; al respecto, una de las

secuencias más difíciles de filmar fue una tormenta que el equipo de producción tardó toda

una noche en registrar, con un saldo de decenas de titiriteros y trabajadores empapados.

Jorge Magaña Molina

Cineteca Nacional

a partir del martes 1º

Page 45: Programa mensual diciembre

44

Rithy Panh es uno de los casos más ejemplares del cine militante que busca, por medio de su

obra, exponer al mundo de Occidente una parte de la criminal historia escrita por el ejército

Khmer Rojo en la Camboya de mediados de los años 70. Pero no lo plasma desde la perspectiva

del mero investigador, sino a partir de la experiencia vivida en carne propia: con poco más de diez

años de edad, Rithy Panh fue enviado a los campos de concentración, de los cuales logró escapar

a los 14 años, para más tarde embarcarse a Francia donde estudiaría cine. Debutó en 1989 con su

documental Site II, y continuó explorando este género hasta 1994, cuando dirigió su ópera prima

La gente del arrozal, filme que relata las penurias de una familia camboyana cuyo único medio de

sustento es el cultivo del arroz. Ocho años después, en un intento por exorcizar su pasado, Panh

filma S-21: la máquina de la muerte del Khmer Rojo, documental donde el director enfrenta a victi-

marios y víctimas, los cuales relatan ante la cámara lo ocurrido en el centro de detención y tortura

S-21, entre 1975 y 1979.

MiriaM JiMénez

Cineteca Nacional

martes 1º, miércoles 2 y sábado 5

Permanencia voluntariaPROGRAMA DOBLE IreViViendo camBoya

la gente del arrozal

neak sre

d: Rithy Panh. P: Camboya-Francia-Suiza-Alemania, 1994. G: Ève

Deboise y Rithy Panh, basados en la novela Ranjau Sepanjang Jalan

de Shahnon Ahmad. F en c: Jacques Bouquin. m: Jean-Claude

Brisson y Marc Marder. e: Andrée Davanture y Marie-Christine Rou-

gerie. con: Peng Phan (Yim Om, madre), Mom Soth (Vong Poeur,

padre), Chhim Naline (Sakha, hija mayor), Va Simorn (Sokhoeun),

Sophy Sodany (Sokhon), Muong Danyda (Sophon). Prod: JBA Pro-

ductions, La Sept Cinéma, Thelma Films AG, TSR, ZDF, Canal +,

Channel 4, Jacques Bidou. dur: 125 mins.

s-21: la máquina de la muerte del Khmer rojo

s-21, la machine de mort Khmère rouge

d y G: Rithy Panh. P: Camboya-Francia, 2002. F en c: Prum Mesa

y Rithy Panh. m: Marc Marder. e: Isabelle Roudy y Marie-Christine

Rougerie. testimonios: Khie Poev Ches (guardia), Yeay Cheu

(madre de Houy Him), Nhiem Ein (fotógrafo), Houy Him (adjunto

de seguridad), Ta Him (padre de Houy Him), Nhieb Ho (guardia).

Prod: Institut National de l’Audiovisuel (INA), arte France Cinéma,

Cati Couteau, Dana Hastier. dur: 101 mins.

Page 46: Programa mensual diciembre

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PROGRAMA DOBLE II: in memoriam JosÉ luis lóPeZ VÁZQueZ

la prima angélica

Plácido

José Luis López Vázquez (Madrid, 1922-2009) fue un reconocido actor de teatro español que

debutó en el cine en 1946. Luis García Berlanga le daría el protagónico en dos de sus mejores

filmes, Plácido (1961) y El verdugo (1963). La idea de Plácido surgió de una campaña del gobierno

franquista con el lema “siente un pobre a su mesa” que buscaba impulsar la caridad cristiana en los

españoles. El protagonista es un pobre hombre que en víspera de Nochebuena apoya a Quintanilla,

encargado de los festejos, quien le ha ofrecido ayuda para pagar la letra de su motocarro. Tras par-

ticipar en decenas de películas, casi todas comedias, en 1967 Carlos Saura lo invitó a representar un

rol dramático en Peppermint Frappé, y siete años después en La prima Angélica, en el que daría vida

a un hombre maduro, acosado por la memoria de su infancia en plena Guerra Civil. En un gran tour

de force, el actor interpreta a Luis niño y adulto, logrando así un filme sobre los recuerdos que no

recurre al flashback convencional.

catherine Bloch

Cineteca Nacional

sábado 12, martes 15 y miércoles 16

la prima angélica

d: Carlos Saura. P: España, 1974. G: Rafael Azcona y Carlos Saura.

F en c: Luis Cuadrado. m: Luis de Pablo. e: Pablo González del

Amo. con: José Luis López Vázquez (Luis), Fernando Delgado (An-

selmo), Lina Canalejas (Angélica), María Clara Fernández de Loaysa

(Angélica, niña), Lola Cardona (tía Pilar), Pedro Sempson (padre de

Luis). Prod: Elías Querejeta Producciones Cinematográficas, Elías

Querejeta. dur: 101 mins.

Plácido

d: Luis García Berlanga. P: España, 1961. G: Rafael Azco-

na, José Luis Colina, José Luis Font y Luis García Berlanga. F

en B/n: Francisco Sempere. m: Miguel Asins Arbó. e: José

Antonio Rojo. con: Casto Sendra Cassen (Plácido Alonso),

José Luis López Vázquez (Gabino Quintanilla), Elvira Quintillá

(Emilia), Manuel Alexandre (Julián Alonso), Carmen Yepes

(Martita), Jesús Puche (Don Arturo). Prod: Jet Films, Alfredo

Matas. dur: 85 mins.

Page 47: Programa mensual diciembre

PROGRAMA DOBLE IIIKinG KonG en la isla de los tormentos

Permanencia voluntaria

the most dangerous Game

d: Irving Pichel y Ernest B. Schoedsack. P: Estados Unidos, 1932. G:

James Ashmore, basado en el cuento de Richard Connell. F en B/n:

Henry W. Gerrard. m: Max Steiner. e: Archie Marshek. con: Joel

McCrea (Bob Rainsford), Fay Wray (Eve Trowbridge), Leslie Banks

(conde Zaroff), Robert Armstrong (Martin Trowbridge), Noble John-

son (Ivan), Steve Clemente (sirviente), William B. Davidson (capitán).

Prod: RKO Radio Pictures, Merian C. Cooper, David O. Selznick.

dur: 78 mins.

King Kong

d: Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack. P: Estados Unidos,

1933. G: James Ashmore Creelman, Ruth Rose, Merian C. Cooper,

Edgar Wallace y Leon Gordon. F en B/n: Edward Linden, J.O. Ta-

ylor, Vernon L. Walker y Kenneth Peach. m: Max Steiner. e: Ted

Cheesman. con: Fay Wray (Ann Darrow), Robert Armstrong (Carl

Denham), Bruce Cabot (John Driscoll), Frank Reicher (capitán En-

glehorn), Sam Hardy (Charles Weston), Noble Johnson (jefe nativo).

Prod: RKO Radio Pictures, Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack.

dur: 100 mins.

Antes de realizar este par de clásicos del cine fantástico hollywoodense, la dupla Cooper-

Schoedsack incursionó en el género documental con los filmes etnográficos Grass (1926)

y Chang (1927), donde combinaban material de archivo con secuencias creadas artificialmen-

te. Esto les dio la experiencia necesaria para cristalizar su proyecto más ambicioso: King Kong.

De la mano de Willis O’Brian, maestro de efectos especiales e inventor del stop-motion —que

aquí se aprecia en su máxima expresión—, Cooper y Schoedsack construyen una fábula fan-

tástica acerca de la maldad del hombre. Simultáneamente a la historia de la bestia capturada

por un inescrupuloso empresario de espectáculos, los cineastas se daban tiempo para filmar

otra historia: La isla de los tormentos, basada en el cuento de Richard Connell, donde un náu-

frago queda atrapado en la isla del extravagante Conde Zaroff, quien, aburrido de dispararle

a los animales, practica otro deporte: la caza de humanos. Las películas compartieron algunos

de los escenarios y actores.

orianna paz

Cineteca Nacional

sábado 19, martes 22 y miércoles 23

King Kong

la isla de los tormentos

46

Page 48: Programa mensual diciembre

Mientras Los muchachos perdidos (1987) se llevaba toda la fama (y todo el público), otro filme

generaba un culto a su derredor, proponiendo una verdadera renovación de este subgénero:

Cuando cae la oscuridad, una suerte de western moderno en el que una banda de vampiros hampo-

nes ha sobrevivido hasta nuestros días gracias al crimen y la violencia, aunque el amor, como siem-

pre, será su perdición. Por otro lado, Transilvania, mi amor, de John Landis, también buscó refrescar

las reglas vampíricas y mezclar sabrosamente los géneros. Anne Parillaud, la famosa Nikita de Luc

Besson, interpreta en esta historia a la sexy vampira que exclusivamente se alimenta de la sangre de

hampones en Pittsburgh. Su idea de sobrevivir en base a la escoria de la ciudad se trastoca cuando

uno de los mafiosos más grandes queda vivo, pero ahora dotado de colmillos y con una gran sed.

Landis entrega, así, un filme a medio camino de su Hombre lobo americano en Londres (1981) y

Buenos muchachos (1990) de Martin Scorsese.

Mauricio MataMoros Durán

Cineteca Nacional

sábado 26, martes 29, miércoles 30 de diciembre y sábado 2 de enero

Permanencia voluntariaPROGRAMA DOBLE IVcuando cae la oscuridad

al caer la oscuridad

near dark

d: Kathryn Bigelow. P: Estados Unidos, 1987. G: Kathryn Bigelow

y Eric Red. F en c: Adam Greenberg. m: Tangerine Dream. e:

Howard E. Smith. con: Adrian Pastor (Caleb Colton), Jenny Wright

(Mae), Lance Henriksen (Jesse Hooker), Bill Paxton (Severen), Jenette

Goldstein (Diamondback), Tim Thomerson (Loy Colton), Joshua Mi-

ller (Homer). Prod: F / M, Neard dark Joint Venture, Steven-Charles

Jaffe. dur: 94 mins. dist:

transilvania, mi amor

innocent Blood

d: John Landis. P: Estados Unidos, 1992. G: Michael Wolk. F en c:

Mac Ahlberg. m: Ira Newborn. e: Dale Beldin. con: Anne Parillaud

(Marie), David Proval (Lenny), Rocco Sisto (Gilly), Chazz Palminteri

(Tony), Anthony LaPaglia (Joe Gennaro), Robert Loggia (Salli Macelli),

Tony Sirico (Jacko). Prod: Warner Bros. Pictures, Leslie Belzberg, Lee

Rich. dur: 112 mins.

Page 49: Programa mensual diciembre

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Page 50: Programa mensual diciembre

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Programa 81

las extraordinarias aventuras de mr. West en el país de los bolcheviques

neobychainye priklyucheniya

mistera Vesta v strane bolshevikov

d: Lev Kuleshov. P: Unión Soviética, 1924. G: Vsevolod Pudovkin y

Nikolai Aseyev. F en B/n y e: Aleksandr Levitsky. con: Porfiri Podo-

bed (Mr. West), Boris Barnet (Jeddy, el vaquero), Aleksandra Khokhlo-

va (la condesa), Vsevolod Pudovkin (Shban), Sergei Komarov (rufián

del ojo parchado), Vera Lopatina (Elly, la americana), G. Kharlampiev

(Senka Svishch). Prod: Goskino, Lev Kulechov. dur: 94 mins.

Un turista estadounidense visita la URSS para comprobar el “salvajismo” de sus habitantes.

Las correrías de este personaje son el pretexto ideal para que el actor, teórico y cineasta

Lev Kuleshov, considerado el “padre del cine soviético”, ponga en práctica sus ideas sobre la

montaje de imágenes, en un exitoso largometraje casi experimental apoyado en planos fijos y

estilizadas actuaciones. El realizador también reflexiona con mucho sentido del humor sobre

la soberbia actitud occidental hacia la Unión Soviética.

Jueves 3

Kinoglaz

d y G: Dziga Vertov. P: Unión Soviética, 1924. F en B/n:

Mikhail Kaufman. e: Yelizaveta Svilova. dur: 78 mins.

Programa 82

cine-ojo

El camarógrafo y documentalista Dziga Vertov presentó en este largometraje algunas de sus

célebres teorías sobre el “Cine-Ojo”, una actitud del cineasta ante el fenómeno cinemato-

gráfico que pretendía liberar a la imagen fílmica de todo artificio para caminar hacia la imagen

pura. Lo anterior no impide que Vertov utilice torcidos ángulos de cámara, un frenético mon-

taje y la manipulación del tiempo cinematográfico para narrar la historia de varios entusiastas

jóvenes que buscan poner muy en alto a la sociedad socialista.

Jueves 10

Page 51: Programa mensual diciembre

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Programa 83

Ben-Hur

Ben-Hur: a tale of the christ

d: Fred Niblo. P: Estados Unidos, 1925. G: June Mathis y Carey

Wilson, basados en la novela homónima de Lewis Wallace. F en

B/n: Karl Struss, Clyde DeVinna, René Guissart y Percy Hilburn. e:

Lloyd Nosler. con: Ramón Novarro (Judah Ben-Hur), Francis Bush-

man (Messala), Mary McAvoy (Esther), Betty Bronson (Mary), Claire

McDowell (princesa de Hur), Kathleen Key (Tirzah), Carmel Myers

(Iras). Prod: MGM, Samuel Goldwyn, Irving Thalberg, Louis B. Ma-

yer. dur: 143 mins.

La vida de un noble judío, quien planea vengarse de quienes causaron su desgracia, se cru-

za con la vida de Jesucristo. Superproducción supervisada por Irving Thalberg, con la cual

la Metro Goldwyn Mayer se colocó en el máximo peldaño de las productoras del Hollywood

silente. Protagonizada por el actor mexicano Ramón Novarro, en el filme se utilizaron 125 mil

extras y el talento de miles de técnicos para hacer posible secuencias tan memorables como

la frenética carrera de cuádrigas que dio fama a la película.

Jueves 17

La Cineteca Nacional lamenta el fallecimiento de

Claudia Becker

destacada directora de casting y productora

México, D.F., diciembre de 2009

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31 minutos, la película 42

A las cinco en punto 19

Al caer la oscuridad 47

Amor a muerte, El 28

Año 01, El (episodio “Wall Street”) 33

Año pasado en Marienbad, El 24

Aproximación a Resnais,

revolucionario discreto 32

Así es la vida... 35

Ben-Hur 50

Canto del estireno, El 33

Carnaval de Sodoma, El 37

Cinco días sin Nora 16

Cine-Ojo 49

Círculo, El 20

Déjame entrar 8

En la boca no 31

Estatuas también mueren, Las 33

Estudio de Alain Resnais, El 32

Extraordinarias aventuras de

Mr. West en el país de los

bolcheviques, Las 49

Fados 10

Film noir 14

Gauguin 33

Gente del arrozal, La 44

Guernica 33

Guerra ha terminado, La 25

Héroes y el tiempo, Los 37

Hiroshima, mi amor 24

Isla de los tormentos, La 46

Juan Soriano (fecit dixit) 36

King Kong 46

Lejos de Vietnam

(episodio “Claude Ridder”) 33

Limonero, El 12

Melo 29

Mi tío de América 27

Muriel 25

Noche y niebla 33

Pasiones privadas

en lugares públicos 31

Parque Vía 6

Perdición de los hombres, La 35

Plácido 45

Prima Angélica, La 45

Providence 27

Quiero ir a casa 29

S21, la máquina de la muerte 44

Siempre la misma canción 30

Smoking / No Smoking 30

Stavisky 26

Te amo, te amo 26

Toda la memoria del mundo 33

Transilvania, mi amor 47

Van Gogh 33

Vida es una novela, La 28

Virgen de la lujuria, La 36

ÍNDICEalfabético diciembre 2009