Programa mensual diciembre
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ÍNDICEProgramación diciembre 2009
Historia del cine mudoLas extraordinarias aventuras de Mr. West
en el país de los bolcheviques 49
Cine-Ojo 49
Ben-Hur 50
ProGramas doBlesReviviendo Camboya 44
In memoriam José Luis López Vázquez 45
King Kong en la isla de los tormentos 46
Cuando cae la oscuridad 47
estrenosParque Vía 6
Déjame entrar 8
Fados 10
El limonero 12
Film noir 14
Cinco días sin Nora 16
ciclosJosé Pedro Charlo 18
Todo Resnais 22
Premio El Pochote al cine digital
para Arturo Ripstein 34
6ª Muestra Internacional de Mujeres
en el Cine y la Televisión 38
matinÉ inFantil31 minutos, la película 42
2
Abreviaturas
D: DirecciónP: País, añoG: GuiónF en C: Fotografía en colorF en B/N: Fotografía en blanco y negroM: MúsicaE: EdiciónProd: ProducciónDur: DuraciónDist: DistribuciónPC: Procedencia de copia
Los días y horarios de exhibición de cada película se publican también en la cartelera diaria de los periódicos La Jornada y El Universal, y en el día viernes en Reforma y Milenio.
Las copias de las películas que se exhiben son las de mejor calidad disponibles. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su proce-dencia y a su antigüedad.
El Programa Mensual es una publicación de la Cineteca Nacional para informar sobre las películas que se exhiben en sus instalaciones. Los textos firmados son responsabilidad de su autores. Registro en trámite.
impresión:Gráfica, Creatividad y Diseño, S.A. de C.V.Av. Plutarco Elías Calles # 1321Col. Miravalle, México, D.F.
Portada: Cartel del ciclo Todo Resnais. Diseño Haydeé Pichardo. y cartel interior Karen Barrera
Programación sujeta a cambios. Para mayor información, consulte la página Internetwww.cinetecanacional.neto llame al teléfono 4155 1190.
CONSEJO NACIONAL PARA LA CULTURA Y LAS ARTES
lic. consuelo sáizarPresidente
CINETECA NACIONAL
leonardo García tsaoDirector General
susana lópez arandaDirectora de Difusión y Programación
Ángeles sánchez GutiérrezDirectora de Acervos
nelson carroSubdirector de Programación
ricardo cázaresSubdirector de Acervos
catherine Bloch GerschelSubdirectora de Investigación
abel muñoz HénoninSubdirector de Documentación
ernesto Favela escalanteSubdirector de Salas y Apoyo Técnico
melina diazmercado delfínJefa de Programación y Enlace Internacional
Programa Mensual de la Cineteca
roberto Garza iturbideSubdirector de Publicaciones y Medios
agustín Gendron ZárateJefe de Redacción
mauricio matamoros duránJefe de Información
Jorge martínez micherJefe de Publicaciones
Érika magaña eurozaDiseño editorial
Haydeé Pichardo monroyDiseño de anuncios
mariana ruvalcaba rougerioDiseño de encarte
Jesús de leónJulio césar duránmiriam Jiménez HernándezJorge magaña molinaJose luis ortega torresorianna Paz esmorisJosé antonio Valdés PeñaInvestigación
Patricia talancón solorioInvestigación iconográfica
Javier rodríguez almarazExposiciones y montajes
4
5
l último mes del año siempre trae celebraciones y regalos, y en esta ocasión tenemos
uno muy especial para el público de la Cineteca Nacional: El ciclo Todo Resnais, una
completísima retrospectiva de este gran cineasta francés, realizado en colaboración
con la Embajada de Francia en México, con dieciséis largometrajes, nueve cortome-
trajes y dos documentales alusivos a su vida y obra. Asimismo, se presentarán un
par de filmes del director uruguayo José Pedro Charlo, mismos que contarán con la
presencia del realizador, una muestra del trabajo reciente de Arturo Ripstein, gana-
dor del premio El Pochote al cine digital que entregan el pintor Francisco Toledo y la
Galería Arvil, y la 6ª Muestra Internacional de Mujeres en el Cine y la Televisión.
En cuanto a los estrenos, se exhibirán dos óperas primas mexicanas que han
recibido una buena cantidad de premios y reconocimientos en festivales internacio-
nales: Parque Vía, del director Enrique Rivero, mismo que formó parte de la pasada
51 Muestra Internacional de Cine, y Cinco días sin Nora, de Mariana Chenillo,
inteligente comedia de humor negro con buenas actuaciones. Además, Fados, nueva
exploración cinematográfica-musical de Carlos Saura, y El limonero, irónico filme del
realizador israelí Eran Riklis, presentadas en el pasado 29 Foro Internacional; y Film
noir, insólita y estilizada película de animación para adultos procedente de Serbia, y
el regreso de la pelicula de mayor éxito de taquilla en el 2009 en la Cineteca: Dé-
jame entrar, la historia de amor vampírica del sueco Tomas Alfredson. Finalmente,
tenemos un regalo más para los cinéfilos: Una función especial de cortos silentes de
Keaton, Chaplin, Méliès, Griffith y otros, musicalizados en vivo por Déborah Silberer,
y para seguir con la música y el cine, BandaSonoras presenta la versión de El chico
(Charles Chaplin, 1921) también musicalizada en vivo por Alonso y Chema Arreola.
La matiné infantil presenta 31 minutos, versión cinematográfica de la popular serie
televisiva chilena con personajes de trapo y estambre.
Los Programas Dobles de diciembre están dedicados a documentar el horror
perpetrado por el Khmer Rouge en Camboya, al recientemente fallecido actor es-
pañol José Luis López Vázquez, King Kong y la isla de los tormentos, y dos cintas
más de nuestra gustada sección de vampirismo heterodoxo. Por último, el progra-
ma Historia del Cine Mudo presenta dos clásicos soviéticos: Las extraordinarias
aventuras de Mr. West en el país de los bolcheviques (Lev Kuleshov, 1924) y
Cine-Ojo (Dziga Vertov, 1924) así como la primera versión de Ben-Hur (Fred Niblo,
1925).
E
Film
noi
r
6
Parque Vía
Parque Vía
d y G: Enrique Rivero. P: México-España, 2008. F en
c: Arnau Valls Colomer. e: Javier Ruiz Caldera y Enri-
que Rivero. con: Nolberto Coria (Beto), Nancy Orozco
(Lupe), Tesalia Huerta (señora), Federico Flores (chofer).
Prod: Una Comunión, Estudios Churubusco Azteca,
Paola Herrera, Enrique Rivero. dur: 85 mins. dist: In-
terior 13 Cine.
En su ópera prima, Enrique Rivero parte de una estética minimalista para retratar una soledad que,
para muchos, podría considerarse asfixiante, y para otros, como el protagonista Nolberto Coria,
un refugio que no se encuentra en el exterior. A conti-
nuación presentamos un extracto de la entrevista que el
director mexicano concedió a la Cineteca Nacional.
Después de haber trabajado en un ámbito totalmen-
te diferente, ¿por qué decides ser cineasta?
Todo empezó cuando trabajaba en Estados Unidos,
donde toqué fondo completamente porque vivía en
un sistema que no me gustaba nada: estar hipoteca-
do de por vida. Entonces decidí dar un giro radical a mi vida profesional, aunque originalmente
no tenía la idea de ser cineasta. Al tener un pasado como ingeniero industrial, pensé que tal vez
en la producción podría funcionar, y viajé a España para estudiar cine. En realidad fue tratar de
darme cuenta si lo único que me gustaba en ese momento de la vida era suficiente como para
convertirlo en vocación.
¿Por qué hacer una película con estética minimalista y una narración no tradicional?
Cuando estudias cine te enseñan las pautas de cómo tiene que ser una película. Al escribir Par-
que Vía me di cuenta de que, voluntariamente, me estaba saltando todas las reglas, y aunque
no era lo óptimo, pensé que sería interesante contar la historia de esta otra manera, porque creía
que era la mejor para involucrarte con el personaje. Básicamente, lo que quería era buscar sen-
saciones; eso fue lo que me movió todo el tiempo. Cuando escribí el guión, lo hice a mi manera,
sin que nadie me lo corrigiera, porque tuve la libertad de saltarme normas y después ver si al
saltármelas seguía siendo interesante.
¿Cómo fue dirigir a no-actores, y en especial a Nolberto Coria?
La verdad, es la primera vez que trabajo de esa forma, y fue muy gratificante, porque ellos
depositan su confianza absoluta en ti. A Nolberto lo conozco desde hace muchos años, y fue
maravilloso y sorprendente trabajar con él. Cada vez que volvía a México (durante mi estancia en
España) descubría realidades que al vivir fuera te das cuenta de lo extraordinarias que son. Una
de esas realidades era Beto: comencé a pensar en él como una posibilidad de historia porque su
vida me parece muy interesante. Parque Vía es más una historia de personaje que de situación.
Entonces, el hecho de vivir fuera de México, y más particularmente en España, te ayudó en la
creación de la película…
Pues lo que hizo fue revelarme realidades que antes no veía. También por eso elegí a un director
de fotografía español, porque quería que la persona no pasara por alto todo lo que yo podría
7
obviar: las cosas que son realmente interesantes en México. Lo que me interesaba contar
ya lo sabía; pero siempre hay matices interesantes, y si alguien puede echarte la mano
para verlos, mejor.
Si querías contar la historia de Beto, ¿por qué hacer ficción y no documental?
Pienso que al hacer ficción puedes involucrar más elementos e ideas que se parezcan a
la imagen del México que quieres mostrar y explorar; incluso puedes utilizar distintos
tipos de narrativas. El documental me parece un poco limitado, mientras que la ficción te
permite mostrar la realidad.
¿Crees que el hecho de vivir en una ciudad como México orilla a la gente a tener este
aislamiento voluntario y a la vez satisfactorio?
Tiene que ver más con una idea que me planteé: ¿qué pasaría si a mí me diera miedo vivir
en la Ciudad de México —que me encanta— y qué pasaría si alguien se viera obligado a
vivir en una ciudad tan grande con estas particularidades? Creo que puede ser algo muy
duro, porque normalmente la gente tiene la idea de que todo el mundo quiere vivir en
ciudades muy grandes; pero, ¿qué tal si estás obligado a vivir aquí? ¿Qué pasaría con to-
das tus costumbres y con todos tus hábitos? ¿Qué tanto te acostumbras y qué tanto no?
Jorge Martínez Micher (extracto)
Cineteca Nacional
Octubre de 2009
a partir del viernes 4
8
låt den rätte komma in
d y e: Tomas Alfredson. P: Suecia, 2008. G: John Ajvide
Lindqvist, basado en su novela. F en c: Hoyte Van Hoy-
tema. m: Johan Söderqvist. con: Kåre Hedebrant (Os-
kar), Lina Leandersson (Eli), Per Ragmar (Håkan), Henrik
Dahl (Erik), Karin Bergquist (Yvonne), Peter Carlberg
(Lacke), Ika Nord (Virginia). Prod: EFTI, Carl Molinder,
John Nordling. dur: 114 mins. dist: Canana Films.
Déjame entrar Después de casi 22 mil espectadores, 123 días en cartelera y 194 funciones, Déjame
entrar se ha convertido en la película más taquillera del año 2009 en Cineteca Na-
cional. Para aquellos que se quedaron sin verla, y también para esos otros fans incondi-
cionales de los niños Oskar y Eli, volvemos a exhibir esta tierna y terrorífica historia de
amor del director sueco Tomas Alfredson.
Oskar es un niño de doce años, introvertido y solita-
rio, hijo de padres separados y sin amigos. En la escue-
la, otros niños abusan de él y lo humillan. Una noche,
ve llegar nuevos vecinos: un hombre y una chica de su
edad, presumiblemente su hija. La niña, Eli, es una vam-
pira, y el hombre, Hakan, el encargado de conseguirle
su alimento, mediante procedimientos bastante torpes
y generalmente inoperantes. Oskar y Eli se encuentran
frente al edificio donde ambos habitan y rápidamente se hacen amigos; tienen mucho en
común y además se necesitan: Ella encuentra un cómplice de su edad, mientras él encuentra
alguien que le de valor y confianza, y le permita enfrentar a sus compañeros.
El director Tomas Alfredson ha declarado que Déjame entrar no es una película de horror,
un género que no le atrae ni conoce, sino una historia de amor romántico. Y sin embargo, o
quizás por eso mismo, se trata de una de las aportaciones recientes a la mitología del vampiro
de mayor interés, en la que se dejan de lado los efectos especiales y la tecnología digital para
prestar atención a algo que ya preocupó a Murnau en Nosferatu (y posteriormente a muchos
otros): la condición existencial del vampiro, su soledad, su marginación. Más que un ser mal-
vado, es un ser desdichado que carga con su condena a lo largo de los años y difícilmente
consigue liberarse.
Los aficionados a los vampiros podrán encontrar en Déjame entrar nexos con la literatura
reciente sobre el tema, sean las novelas de Anne Rice o, más recientemente, las de Stephenie
Meyer, en los dos casos convertidas en películas exitosas. Pero la historia de John Ajvide
Lindqvist es menos artificiosa y complaciente. Ambientado en 1982, cuando el autor tenía la
9
edad de los protagonistas, el relato de carác-
ter autobiográfico se centra en el crecimiento
y la maduración de Oskar, un niño que tras
su apariencia inocente y desprotegida planea
una gran venganza: colecciona las notas ro-
jas del periódico y guarda un cuchillo bajo
su cama.
Hay un diálogo hacia el final de la pelícu-
la que muestra la identificación entre los dos
niños, cuando Oskar reprocha a Eli su condi-
ción de vampiro. Ella le dice que ambos son
iguales. “Pero tú matas”, contesta él. La res-
puesta de ella remite a su condición trágica:
mata por necesidad, no puede no hacerlo; y
también él, si pudiera, mataría para librarse
de sus enemigos.
Los dos adolescentes se quieren y se ne-
cesitan. Desde luego, ese amor debe superar
no pocas situaciones incómodas: el olor par-
ticular de Eli, el hecho de que un pequeño
dulce le pueda provocar vómitos, las sorpre-
sivas apariciones totalmente ensangrentada,
su temperatura fría y su sorprendente am-
bigüedad sexual. Pero ya superadas, habien-
do aceptado que su novia es una vampira,
Oskar va feliz llevando a su amada en un
ataúd sui generis. Camino a una nueva vida
no exenta de dificultades.
Hay una idea que retoman, desde el tí-
tulo, novela y película: el vampiro sólo pue-
de entrar por invitación. Deben abrírsele las
puertas y convidarlo a entrar. ¿Qué sucede si
no? Eli hace una buena demostración cuan-
do entra a la casa de Oskar sin ser invitada y
comienza a sufrir una serie de convulsiones
y a desangrarse, hasta que el muchacho le
permite el ingreso.
Relato de vampiros, historia de amor ro-
mántico y al mismo tiempo cuento de hadas
(hay por ahí una curiosa interpretación que
remite a Peter Pan), Déjame entrar fue una
de las sorpresas del año pasado. Obtuvo una
enorme cantidad de premios y mereció mu-
chísimos comentarios elogiosos (entre otros,
de Guillermo del Toro). Seguramente, la ima-
gen de Lina Leandersson totalmente despei-
nada, con la sangre escurriéndole de la boca,
se sumará a la iconografía del género.
nelson carro
Revista Tiempo Libre
Febrero de 2009
a partir del sábado 5
10
Fados
Fados
d: Carlos Saura. P: Portugal-España, 2007. G: Ivan Dias
y Carlos Saura. F en c: José Luis López-Linares y Eduar-
do Serra. e: Julia Juaniz. con: Chico Buarque, Carmané,
Carlos do Carmo, Lila Downs, Cesária Évora, Toni Ga-
rrido, Lura, Alfredo Marceneiro. Prod: Duvideo, Fado
Filmes, Zebra Producciones, Ivan Dias, Luís Galvão Teles,
Antonio Saura. dur: 90 mins. dist: Latinofusión.
El peculiar y fascinante cineasta Carlos Saura lleva más de 15 años mostrándonos su íntima
relación con la música. Al estreno de Bodas de sangre en 1981 le siguieron Carmen, El
amor brujo, Sevillanas, Flamenco, Tango (nominada al Oscar a la mejor película extranjera),
Salomé y, hace sólo dos años, Iberia. En Fados, como una
sucesión de cuadros que rozan la escenografía teatral,
nos muestra la evolución cronológica de lo que se ha
llamado la música arrabalera, portuaria, de Portugal.
Tras dos años de investigación, el director aragonés
abre nuevos caminos para el fado mediante una estética
en la que predominan los claroscuros, la explosión de
colores en cada escenario y las coreografías que acom-
pañan a los músicos, algo inaudito para los puristas del género. Un verdadero homenaje a los
grandes fadistas de antaño como Amalia Rodríguez o Lucía do Carmo, que bajo el manto de
la saudade portuguesa y la pasión, nos hablan también de lazos de unión entre pueblos. No
en vano, el propio Saura define el fado como “un estilo musical resumen de influencias afri-
canas y brasileñas”, aunque también perfila la posibilidad de esa “Iberia soñada” que integra
España y Portugal. El resultado es una visión caleidoscópica donde caben Caetano Veloso, Lila
Downs, Carlos Do Carmo y Chico Buarque, el cantaor Miguel Poveda y Mariza, la reina del
fado contemporáneo.
Para Saura han sido tres años de trabajo, viajes, visitas, conciertos, “desgarradas” y re-
corridos por el Portugal más popular. Ahora, pletórico, habla de Fados. Ha aprovechado la
presentación para reproducir el ambiente de una Casa de Fados con Mariza y Lila Downs
como protagonistas.
Hace unos 30 años el fado se bailaba. Usted lo ha traído a escena otra vez, aunando
cante y baile. ¿Por qué un español se interesa por esta música hasta el punto de
documentarla?
Desde pequeño me ha gustado el fado y he amado Portugal. No es cierto lo de que Espa-
ña y Portugal viven de espaldas y ello se refleja en este trabajo. Un ejemplo es cuando la
fadista Mariza interpreta con el cantaor Poveda uno de los fados más emotivos de la cinta.
Mi pasión es tanta que, al rodar, he llegado a hacer que repitieran su trabajo escénico por
el placer de volver a escucharlo.
Hoy el fado se viste de largo y representa la piel mestiza de la nueva Europa, pero al
asociarse a Salazar, fue denostado por los jóvenes. ¿Qué opinión le merece?
Es verdad, pero no me parece correcto. Sucedió lo mismo con Lola Flores y el franquismo,
ya que cantaba para Franco. Pero no por ello era seguidora del régimen, sino simple y
llanamente una artista. Ahora se está recuperando el fado y triunfan Mariza y Camané.
11
En su trabajo podemos escuchar voces de orígenes muy distintos, desde el brasileño
Caetano Veloso a la mexicana Lila Downs o la caboverdiana Lura. ¿Qué criterio ha
seguido para seleccionar a los artistas?
He estado cerca de tres años documentándome. Lo que ocurre con este tipo de trabajos
es que, cuando indagas un poco, empiezan a aparecer ramificaciones y aspectos sor-
prendentes que te emocionan y te hacen seguir adelante. Sé que hay mucha gente con
talento, pero están los que deben estar y que son importantes para contar la historia: los
orígenes africanos y su confluencia con la cultura portuguesa en los puertos y tabernas. Si
mi criterio coincide con lo que le gusta al público, alcanzo mi felicidad máxima.
¿Cree que el auge del fado viene de la mano de intérpretes tan sugerentemente
mediáticas como Mariza?
Hay fadistas clásicas muy buenas, como Argentina Santos, que puede cantar una o dos
canciones; pero Mariza puede cantar, bailar, cambiar el ritmo y llevar un espectáculo
fluctuando desde las raíces portuguesas a las africanas, además de renovar el fado. Las
nuevas generaciones pueden sentirse más identificadas, pero el fado es capaz de estar en
el pasado, el presente y el futuro.
inMa Flor (extracto)
Diario El Público, España
Noviembre 22 de 2007
a partir del sábado 5
12
etz limon
d: Eran Riklis. P: Israel-Alemania-Francia, 2008. G: Suha
Arraf y Eran Riklis. F en c: Rainer Klausmann. m: Habib
Shehadeh Hanna. e: Tova Ascher. con: Hiam Abbass
(Salma Zidane), Ali Suliman (Ziad Daud), Rona Lipaz-
Michael (Mira Navon), Doron Tavory (Ministro de De-
fensa Israel Navon), Tarik Copty (Abu Hussam), Amos
Lavie (capitán Jacob), Ammon Wolf (Leibowitz). Prod:
Eran Riklis Productions, Heimatfilm, Bettina Brokemper,
Antoine de Clermont-Tonnerre, Michael Eckelt, Eran
Riklis. dur: 106 mins. dist: Alfhaville.
El limoneroLa extraña habilidad para hacer un cine inteligente y
entretenido, a partir de temas controvertidos de ac-
tualidad, está bellamente ilustrada en El limonero, un dra-
ma multifacético ubicado en la cima del conflicto pales-
tino-israelí, el cual es coloreado con ironía, generosidad,
ira y optimismo. Tal como lo hizo en La novia siria, su
éxito del 2004, el israelí Eran Riklis presenta una historia de sensibilidades fronterizas, aunque
reduce sus componentes políticos a un nivel humano básico, superado por la excepcional
interpretación de la actriz palestina Hiam Abbass.
Co-escrita de nueva cuenta con el ex periodista palestino Suha Arraf y realizada con el
mismo equipo de producción franco-alemán, Riklis regresa con otra historia alegórica que
contiene un mensaje político mucho más directo, con personajes mejor desarrollados y balan-
ceados, y un guión sin necesidad de explicarlo todo.
La historia se ubica en Zur HaSharon, en la frontera entre Israel y Cisjordania, donde la
atractiva viuda de 45 años Salma Zidane, originaria de un pueblo palestino, tiene un huerto de
limones que su padre plantó cincuenta años atrás. Cuando Navon, el nuevo y taciturno Minis-
tro de Defensa israelí, decide construir una lujosa casa justo enfrente de la valla fronteriza, los
árboles de limón de Salma son considerados un riesgo para la seguridad.
Antes de que descubra qué sucede, las fuerzas de seguridad israelíes han levantado una
torre de vigilancia militar que bloquea el limonero, que será talado para que los terroristas no
puedan ocultarse. No obstante, Salma, quien se la pasa pelando sus limones, decide desafiar la
decisión unilateral de los militares en la corte. “He tenido mi parte de dolor en la vida”, dice
Esta es básicamente la historia, pero pronto el guión despliega una pieza multiforme para la
cual el argumento central —una metáfora obvia que para Israel es mucho más substancial que
13
Derek elley
Revista Variety, Estados Unidos
Febrero de 2009
Traducción: Miriam Jiménez
a partir del viernes 18
un muro defensivo— es sólo un gatillo. Salma
encuentra un abogado palestino, Ziad Daud,
quien toma su caso aparentemente sin espe-
ranzas, y la historia de amor que se desarrolla
entre el joven divorciado y la solitaria viuda
proporciona una sólida base emocional.
Atrapada también en el barullo, even-
tualmente protagonista de los titulares in-
ternacionales, se encuentra Mira, la esposa
del ministro. Es una mujer limitada por su
ambicioso y mujeriego marido, que sin em-
bargo decide, como Salma, que es suficiente,
y comparte su frustración con un periodista
liberal amigo suyo. El lento desarrollo de la
complicidad emocional entre Mira y Salma
—cómo sus ojos se cruzan en silencio a través
de la alambrada— añade dimensión al relato.
Lipaz Michael está fantástica en un rol que
crece conforme avanza.
En parte porque el guión elíptico no pier-
de tiempo en las minucias del caso, todos los
actores tienen tiempo de pantalla para mati-
zar sus personajes. Danny Leshman, como
el guardia de la torre de vigilancia, reduce la
locura de la seguridad por completo al esbo-
zo de un personaje débil, mientras Liron Ba-
ranes intenta dar un rostro humano al matón
de los Servicios Secretos, Gilad. El veterinario
palestino Makram J. Khoury, el patriarca en
La novia Siria, contribuye con un persona-
je como un poderoso agente banquero en
Cisjordania.
A final de cuentas, es Abbass, la hermana
mayor en La novia… quien mueve la pelícu-
la a una perfecta falta de glamour. Su breve
pero digno discurso en la corte, casi al final
del filme, está dotado de un golpe emocional.
El filme también sobresale por el trabajo del
estupendo actor alemán Rainer Klaussmann
(Contra la pared, La caída, A la orilla del cielo),
y un momento mágico entre Salma y Ziad,
que es cine en estado puro...
14
Film noir
d: D. Jud Jones y Risto Topaloski. P: Estados Unidos-
Serbia, 2007. G: D. Jud Jones. F en B/n y c: Radan
Popovic. m: Mark Keller. e: Namub Elephantine. con
las voces de: Mark Keller, Bettina Devin, Roger Jackson,
Victoria O’Toole, Jeff Atik, Kristina Negrete y Elaine Clark.
Prod: EasyE Films, Miodrag Certic. dur: 97 mins. dist:
Alfhaville.
Film noirAnimación para adultos. Supongo que para nada es un concepto nuevo, tomando en cuen-
ta que los japoneses han estado creando este tipo de películas desde hace mucho tiempo,
aunque la mayor parte de la animación de los Estados Unidos haya sido largamente dominada
por “caricaturas del sábado por la mañana”. Para muestra: Heavy Metal o las obras de Ralph
Bakshi que llegan muy de vez en cuando. No obstante, por razones desconocidas para mí, la
animación americana es en gran parte estéril.
Ahora llega Film noir procedente de… Serbia. Al me-
nos en su mayor parte, por lo que nos han revelado el
director D. Jud Jones —como se hace llamar a sí mismo
en este filme y quien, hasta donde sé, es de algún lugar
cercano a esa zona— junto con su codirector Risto Topa-
loski, han hecho con Film noir una película animada de
crimen verdadero cien por ciento americanizada.
Esta película en blanco y negro inicia con un hombre
recobrando el conocimiento bajo la legendaria señal de Hollywood, todo esto mientras su
mirada se enfoca en un policía de Los Ángeles, muerto de un disparo en la cabeza, del que
nuestro protagonista se cree responsable. No está muy seguro de por qué no recuerda los
eventos que acaban de ocurrir… es más, es un hecho que este tipo ha olvidado quién diablos
es, ya que la amnesia se ha apoderado de él. Su celular suena y alguien se dirige a él como
Sam Ruben, así que asume dicha identidad.
Resulta que Sam Ruben es un detective privado, por lo que se dirige a su oficina, donde
la secretaria no lo reconoce… Algo que este sujeto sí sabe es que tiene el celular del detective
porque ella le llama para hacerle saber que David Hudson lo esperaba en la oficina… el sujeto
piensa que él en realidad es David Hudson, aunque obviamente no sabe por qué tiene el
aparato telefónico de Ruben.
Film noir tiene estilo hasta para quemar. Mark Keller es quien provee la voz de nuestro
héroe; sin embargo, su mayor aportación a la película es la dirección musical, ya que uno no
podría tener una película del tipo Sam Spade/Mike Hammer sin la música adecuada para
capturar ese humor a la perfección. La animación es excelente, aunque con toda certeza no es
del estilo de Pixar o Dreamworks, pero estoy casi seguro de que los directores trabajaron con
un presupuesto igual al que estos estudios destinan diariamente para alimentos. No obstante,
la película utiliza animación 3D con un toon shading para darle ese look animado, esto combi-
nado con algunos fondos granulosos en acción real que le dan a Film noir un aspecto único en
el maravilloso trabajo que hacen con las manchas y sumamente bosquejado en otras áreas.
La historia también es excelente y engancha inmediatamente, aunque tiende a saltar de
manera desordenada de un punto a otro. Todos los giros de tuerca que nos presentan parecen
dejar más preguntas que respuestas… o quizás tengamos que mirarla de nuevo y prestar
mucha más atención. Pero no puedo permitirme develar ningún aspecto al público, porque
de qué sirve un buen thriller si todo el mundo sabe que “el mayordomo lo hizo”.
15
Film noir es digna de verse por el simple
hecho del alcance del proyecto, así como la
ambición y el esfuerzo que lo hicieron rea-
lidad. Es realmente notable ver lo que este
pequeño estudio fue capaz de lograr con un
presupuesto reducido y mucha dedicación.
A ratos, la narrativa es un poco inestable y
la animación no es exactamente una obra
de arte, pero es suficiente para entretener
fácilmente.
christopher arMsteD
Portal Film Critics United, Estados Unidos
Traducción: Julio César Durán
a partir del viernes 11
16
cinco días sin nora
d y G: Mariana Chenillo. P: México, 2007. F en c: Al-
berto Anaya Adalid. m: Darío González Valderrama.
e: Óscar Figueroa y Mariana Chenillo. con: Fernando
Luján (José), Ari Brickman (Rubén), Verónica Langer (tía
Leah), Enrique Arreola (Moises), Cecilia Suárez (Bárbara),
Angelina Peláez (Fabiana), Max Kerlow (Rabbi Jacowitz).
Prod: Cacerola Films, Foprocine, Ixe Banco, Mariana
Chenillo, Laura Imperiale. dur: 100 mins. dist: Z David
Distribución.
Cinco días sin NoraAntes de morir, una mujer elabora un plan para que José, su agnóstico ex marido, tenga
que hacerse cargo del velorio. Sin embargo, una serie de festejos judíos retrasan la
ceremonia hasta cinco días después. La directora mexicana Mariana Chenillo plantea en su
primera película, una multipremiada comedia de humor negro con tonos biográficos. Los
detalles ella misma los platica.
¿Cómo surge este proyecto?
Es una película que empecé a escribir con la libertad
de pensar que nunca iba atreverme a filmarla; una
historia que a pesar de estar ficcionada, está parcial-
mente basada en la historia de mis abuelos. Retomé
un proceso que yo vi suceder en la familia y que no
sucedió en cinco días como en la película, pero es el
proceso de reconciliarse y el proceso de aceptar sin
entender; el “eso pasó, y no compartimos o no entendemos por qué alguien puede no
querer vivir, pero eso no tiene que ver con el amor”, me pareció que valía una película.
Entonces me di la libertad de construir este personaje, y siendo mi ópera prima, me fue más
fácil hablar de lo que conocía y de donde yo venía. Al tratar todo este tema de la religión
como institución y el duelo, pensé que la única forma de hacer la película era con humor.
¿Cómo fue el trasladar esta historia familiar al equipo de trabajo?
Tuve la experiencia de trabajar con Laura Imperiale como productora de la película, quien
es una mujer con mucha experiencia: era una voz que siempre me cuestionaba y me
compensaba. Con el resto del equipo tuve todo el tiempo para preparar el trabajo; por
ejemplo, Alejandro García —director de arte— me acompañó a las casas de mi familia e
incluso a un par de entierros; y así como él, también tuvimos el tiempo suficiente para que
la gente se involucrara con la historia hasta un nivel más familiar y personal.
17
Con los actores –o sea, la otra mitad a quienes tenía que transmitir lo que quería– hubo
algunos entusiastas como Enrique Arreola y Angelina Peláez, los dos primeros personajes
que llegaron a la película y me acompañaron en el proceso. Con Fernando Luján, la ex-
periencia fue muy diferente, porque leyó el guión para hacer otro personaje y fue él solo
quien me dijo “pero si yo soy José”, y nos pareció que así era. Con todos hice un casting
muy largo; sentía que la película esperaba a su protagonista, ya que todos los elementos
giran alrededor de él. El rodaje con Fernando Luján fue bien interesante y llegamos a un
acuerdo: a él no le gusta ensayar, sino que encuentra al personaje hasta que lo camina.
¿Qué significa para ti que la película esté en la Cineteca Nacional?
Para todos los que decidimos hacer cine y somos cinéfilos, es muy emocionante compartir
que nosotros éramos este público cariñoso que viene buscando cierto tipo de cine. No
estoy tan enterada de cómo le ha ido en la corrida comercial y con la comunidad judía de
México, aunque por lo que he leído, las críticas han sido bastante buenas. La referencia
que tengo es del año pasado, cuando la película abrió el Festival de Cine Judío con sala
llena. Habrá reacciones de todo tipo; por suerte, yo he recibido sólo comentarios buenos.
¿Proyectos en puerta?
Estoy terminando un cortometraje que será parte de una película. Estoy escribiendo dos guio-
nes, uno que es para mí, se llama Jonás; el otro es un guión por encargo, que ha sido bien
divertido y bien difícil. He estado escribiendo casi todo el año, esperando poder filmar.
Jorge Martínez Micher (extracto)
Cineteca Nacional
Noviembre de 2009
a partir del sábado 12
18
José Pedro Charlo
Director y productor cinematográfico uruguayo, nacido en Montevideo en 1953.
En el año 2000 realiza Héctor, el tejedor y cuatro años más tarde A las cinco en
punto. Asimismo, ha sido productor de Alma Mater (2005) de Álvaro Buela, y La espera
(2002) de Aldo Garay (Montevideo, 1969), premiada en los festivales de Bogotá, Mar
del Plata, Miami y Trieste.
Hace más de una década que Charlo y Garay trabajan juntos en producciones para
cine y televisión, como Bichuchi, la historia de Alfredo Evangelista (1997). El círculo (2008)
es el primer largometraje que dirigen en conjunto y se centra en Henry Engler, persona-
je que tiene más de una conexión con el propio Charlo, quien en su juventud fue parte
activa en la lucha social durante la dictadura uruguaya, e incluso estuvo clandestino y
posteriormente preso. Con esta película, Charlo buscó mostrar “el proceso interior de
control y de reconstrucción” de una persona como Engler, líder tupamaro que sobrevi-
vió a más de 12 años de prisión en duras condiciones de persecución y aislamiento, para
luego convertirse en un científico destacado en Suecia.
catherine Bloch
Cineteca Nacional
Las funciones de este ciclo contarán con la presencia del realizador en la Cineteca Nacional.
19
a las cinco en punto
a las cinco en punto
d: José Pedro Charlo. P: Uruguay, 2004. G: Universindo Rodríguez
y María Eugenia Jung. F en c: Álvaro Mechoso. m: Daniel Yafalián.
e: Jorge García. Prod: Austero Producciones. dur: 56 mins.
27 de junio de 1973. El presidente constitucional uruguayo Juan María Bordaberry disolvió el
Parlamento con el apoyo de las Fuerzas Armadas e instauró un Consejo de Estado, golpe que
dio inicio a una dictadura de casi doce años. La sociedad civil canalizó su protesta mediante una
huelga general que duró quince días y la convocatoria a una gran manifestación el día 9 de
julio, evento en el que el distinguido comunicador radial Rubén Castillo recitó más de una vez
el poema de Federico García Lorca que contiene el verso “a las cinco de la tarde”, también hora
exacta de la manifestación.
La película de José Pedro Charlo, definida como “un documental contra el olvido”, reúne
en casi 60 minutos material de archivo que registra la represión policial de la manifestación
callejera, junto con los testimonios en tiempo presente de algunos sobrevivientes de esa lucha,
que rememoran los acontecimientos y valoran lo ocurrido entonces con la perspectiva que da
el paso del tiempo.
miércoles 9
20
el círculo el círculo
d y G: José Pedro Charlo y Aldo Garay. P: Uruguay, 2008. F en
c: Diego Varela. m: Daniel Yafalián. e: Fernando Larrosa. testimo-
nios: Henry Engler, Mauricio Rosencof, José Serrano Piedecasas,
Raúl Sendic, Eleuterio Huidobro, Jorge Zabalza, José Mujica. Prod:
Memoria y Sociedad, Sur Films, José Pedro Charlo, Yvonne Ruocco.
dur: 92 mins.
Henry Engler, joven estudiante de medicina y miembro del Movimiento de Liberación
Nacional Tupamaros, fue detenido en 1973 y obligado a vivir en total aislamiento durante más
de una década. Rehén del gobierno de la dictadura militar en Uruguay, fue liberado en 1985
para posteriormente instalarse en Suecia y convertirse en un destacado científico. En 2002,
junto a un equipo de la Universidad de Uppsala, obtuvo las primeras fotos de un cerebro
humano vivo con Alzheimer.
El círculo inicia con el viaje que emprende Engler a Uruguay para contarnos su vida,
reconstruyendo con humor y dramatismo los hechos. El documental no muestra el horror,
sino los lugares en los cuales éste se padeció; y si bien hay testimonios de otros rehenes de
la dictadura, se profundiza más en la experiencia del protagonista y la locura que vivió como
rehén, oyendo voces torturantes provenientes de una celda inmediata inexistente. Filmado en
Uppsala, España y ciudades del interior del Uruguay, El círculo fue premiado en los festivales
de Bahía y Trieste.
a partir del martes 8
21
22
Generalmente suele citarse a Alain Resnais como uno de los nombres claves de la nueva
ola francesa, junto a Jean-Luc Godard, Francois Truffaut, Claude Chabrol y otros. Sin
embargo, existen notables diferencias entre el grupo de Cahiers du Cinéma, que integran los
segundos, y el grupo de la Rive Gauche, encabezado por Resnais. Las diferencias tienen que
ver tanto con la importancia que este grupo le da a la base literaria, al guión y al montaje,
como con los temas tratados, ligados a la guerra, la memoria, el olvido y la tenue frontera
entre el mundo real y el onírico.
Estas preocupaciones ya aparecían en los cortometrajes documentales del joven Resnais
(nacido en Vannes, en la Bretaña francesa, en 1922), dedicados a la pintura y el arte (Van
Gogh, 1948; Guernica, 1950; Gauguin, 1950; Las estatuas también mueren, 1953), a la guerra
(Noche y niebla, 1955), a la Biblioteca Nacional (Toda la memoria del mundo, 1956) o a la
fabricación del plástico (El canto del estireno, 1958). Desde esa época el trabajo de Resnais
se apoyaba en profesionales como el profesor de historia del arte Gaston Diehl, los poetas
Paul Éluard o Jean Cayrol, el dramaturgo Rémo Forlani, el novelista Raymond Queneau o el
fotógrafo y cineasta Chris Marker.
En un principio, Hiroshima, mi amor (1959) iba a ser otro corto de Resnais sobre la guerra,
pero evolucionó hasta convertirse en el primer largometraje de ficción del director y en una
de las películas más influyentes de la época, por su narración novedosa y al mismo tiempo
desconcertante (sobre todo en el momento de su estreno), por la calidad de los textos de
Marguerite Duras, y por un estilo que rompía con lo establecido.
Otro autor de la nueva novela, Alain Robbe-Grillet, escribió su siguiente película, El año
pasado en Marienbad (1961), que lleva aún más lejos el juego con el tiempo y la complejidad
de la estructura. Citando de memoria a Robbe-Grillet, puede decirse que no hay otro tiempo
ni otra realidad que los de la película, y que los personajes no existen antes, ni después.
Los buenos resultados de la colaboración con estos destacados escritores —que posterior-
mente se convertirían ellos mismos en cineastas—, llevaron a Resnais a repetir la experiencia
con Jean Cayrol en Muriel (1963) y Jorge Semprún en La guerra ha terminado (1966). Esta
última, una de sus películas más apreciadas, en parte por la presencia de Yves Montand e
Ingrid Thulin, la actriz de Ingmar Bergman en El silencio y Luz de invierno.
Posteriormente, Resnais, que se había manifestado contra el nazismo, la bomba atómica,
el colonialismo y el franquismo, se involucró en un filme colectivo, Lejos de Vietnam (1967).
Asimismo, colaboró en el primer largometraje de Jacques Doillon, L’an 01 (1973), utopía fan-
tástica marcada por el espíritu del 68. De este periodo son también sus películas menos apre-
ciadas en su estreno: Te amo, te amo (1968), fantasía futurista escrita por Jacques Sternberg,
Todo Resnais
23
y Staviski (1974), basada en un guión de Sem-
prún sobre el estafador de origen ruso cuya
misteriosa muerte hizo tambalear a la Tercera
República Francesa. En cambio, su siguiente
película, Providence (1977), filmada en inglés,
escrita por el dramaturgo David Mercer y pro-
tagonizada por Dirk Bogarde y John Gielgud,
fue otro de sus grandes éxitos.
Resnais volvió a demostrar que podía con-
vertir temas aparentemente áridos en atrac-
tivas películas con Mi tío de América (1980),
en la que con la colaboración de Jean Gruault
(guionista de Godard, Truffaut y Rivette) vuelve
accesibles las teorías de Henri Laborit sobre el
comportamiento. A partir de entonces, juega
con la narración, los géneros, la teatralidad, la
música e incluso la historieta, en películas como El amor hasta la muerte (1984), Melo (1986),
Quiero ir a casa (1989), Smoking/No Smoking (1993), Siempre la misma canción (1997) y Pa-
siones privadas en lugares públicos (2006). Con 87 años de edad y más de 60 de carrera, Alain
Resnais sigue activo: este año presentó en el Festival de Cannes Les herbes folles, comedia de
enredos que lo muestra fiel a sus preocupaciones más características.
nelson carro
Cineteca Nacional
El ciclo Todo Resnais se realizó mediante la colaboración entre
la Embajada de Francia en México y la Cineteca Nacional.
24
El acercamiento entre una francesa, castigada
por amar a un soldado alemán durante la
guerra, y un sobreviviente de Hiroshima,
invita a reflexionar sobre los desastres del
mundo y las tragedias personales. Ambos se
acercan y se funden con el otro, reabriendo
las heridas de la memoria. Resnais debutó
en el largometraje con esta obra compleja y
novedosa, realizada a partir de un inquietante
texto de Marguerite Duras, especialmente
escrito para la película. Un clásico de la
Nouvelle Vague y uno de los filmes más
influyentes de la historia del cine.
martes 1º, miércoles 2 y jueves 3
Hiroshima, mi amor
Hiroshima mon amour
d: Alain Resnais. P: Francia-Japón, 1959. G: Marguerite Duras. F en
B/n: Sacha Vierny y Michio Takahashi. m: Georges Delerue y Gio-
vanni Fusco. e: Jasmine Chasney y Henri Colpi. con: Emmanuelle
Riva (ella), Eiji Okada (él), Pierre Barbaud (padre), Stella Dassas (ma-
dre), Bernard Fresson (amante alemán). Prod: Argos Films, Como
Films, Pathé, Daiei Studios, Anatole Dauman, Samy Halfon, Sacha
Kamenka, Takeo Shirakawa. dur: 91 mins.
Un hombre intenta convencer a una mujer
de que ambos acordaron encontrarse en
Marienbad. Ante el escepticismo de ella, él
arma una historia alrededor de ese encuentro,
que podría ser o no cierta, y da inicio a un
juego seductor que se torna en una laberíntica
reflexión sobre la memoria, la subjetividad del
recuerdo y la imposibilidad amorosa. Lo real y
lo imaginado se unen en esta fascinante obra
maestra escrita por Alain Robbe-Grillet, por la
cual Alain Resnais obtuvo el León de Oro en la
Muestra de Venecia de 1961.
Viernes 4, sábado 5 y domingo 6
el año pasado en marienbad
l’année dernière à marienbad
d: Alain Resnais. P: Francia-Italia, 1961. G: Alain Robbe-Grillet. F en
B/n: Sacha Vierny. m: Francis Seyrig. e: Jasmine Chasney y Henri
Colpi. con: Delphine Seyrig (A), Giorgio Albertazzi (X), Sacha Pitoëff
(M), Francoise Bertin, Luce Garcia-Ville, Héléna Kornel, Francoise Spi-
ra. Prod: Terra Films, Societe Nouvelle des Films Cormoran, Precei-
tel, Como Films, Argos Films, Les Films Tamara, Cinetel, Silver Films,
Cineriz Rome, Pierre Courau, Raymond Froment. dur: 94 mins.
LARGOMETRAJES
25
Varios personajes (una anticuaria viuda, su
antiguo amante, el hijastro de ella) sufren los
efectos posteriores de sus vivencias durante
distintas guerras, desde la ocupación nazi hasta
la de Argelia, incapaces de reconciliar el pasa-
do con un presente gris y sin ilusiones. Resnais
parte de un entorno íntimo para retratar la
memoria colectiva de toda una nación emo-
cionalmente trastornada. Por su interpretación
en este filme, Delphine Seyrig obtuvo la Copa
Volpi a la mejor actriz en la Muestra de Vene-
cia de 1963.
martes 8, miércoles 9 y jueves 10
muriel ou le temps d’un retour
d: Alain Resnais. P: Francia, 1963. G: Jean Cayrol. F en c: Sacha
Vierny. m: Hans Werner Henze. e: Claudine Merlin, Eric Pluet y
Kenout Peltier. con: Delphine Seyrig (Hélène Aughain), Jean-Pierre
Kérien (Alphonse Noyard), Nita Klein (Françoise), Jean-Baptiste Thié-
rrée (Bernard Aughain), Claude Sainval (Roland de Smoke), Lau-
rence Badie (Claudie), Jean Champion (Ernest). Prod: Argos Films,
Les Filmes de la Pléiade, Alpha Productions, Anatole Dauman. dur:
115 mins.
la guerre est finie
d: Alain Resnais. P: Francia-Suecia, 1966. G: Jorge Semprún. F en
B/n: Sacha Vierny. m: Giovanni Fusco. e: Eric Pluet y Ziva Postec.
con: Yves Montand (Diego Mora), Ingrid Thulin (Marianne), Ge-
neviève Bujold (Nadine Sallanches), Jean Dasté (jefe de la red clan-
destina), Dominique Rozan (Jude), Jean-François Rémi (Juan). Prod:
Europa Film, Sofracima, Anatole Dauman, Gisèle Rebillon, Catherine
Winter. dur: 121 mins.
Cuando Resnais leyó la primera novela del
español Jorge Semprún, El largo viaje (1963),
quedó tan encantado con su estilo que le pidió
que trabajaran juntos en un proyecto que
titularía La guerra ha terminado. El protagonista
de la historia, Diego, es un miembro del
Partido Comunista Español que vive en Francia,
pero que viaja de manera clandestina a España
para organizar actividades de resistencia contra
la dictadura franquista. Este filme, uno de los
más exitosos de Resnais, ganó una Mención
Especial en el Festival de Locarno de 1966.
miércoles 9
muriel
la guerra ha terminado
26
te amo, te amo
Tras recuperarse de un intento de suicidio,
un hombre es seleccionado para participar
en un experimento que consiste en viajar
en el tiempo, el cual hasta ese momento
sólo había sido probado en ratones. No
obstante, una falla provoca que el hombre
viva acontecimientos de su pasado en un
orden aleatorio. Durante cinco años, Resnais
y Sternberg trabajaron el guión de esta
singular película de ciencia ficción y estructura
compleja, que es una lúcida exposición acerca
de la culpa, el deseo y la nostalgia.
Viernes 11 y sábado 12
Je t’aime, je t’aime
d: Alain Resnais. P: Francia, 1968. G: Jacques Sternberg y Alain
Resnais. F en c: Jean Boffety. m: Krzkyszfof Penderecki. e: Albert
Jurgenson y Colette Leloup. con: Claude Rich (Claude Ridder), Olga
Georges-Picot (Catrine), Anouk Ferjac (Wiana Lust), Alain MacMoy
(técnico que busca a Ridder), Vania Vilers (técnico), Ray Verhaeghe
(técnico). Prod: Les Productions Fox Europa, Parc Film, Mag Bodard.
dur: 91 mins.
stavisky
stavisky
d: Alain Resnais. P: Francia, 1974. G: Jorge Semprún. F en c: Sacha
Vierny. m: Stephen Sondheim. e: Albert Jurgenson. con: Jean-Paul
Belmondo (Serge Alexandre Stavisky), François Périer (Albert Bore-
lli), Anny Duperey (Arlette), Michael Lonsdale (Dr. Mézy), Roberto
Bisacco (Juan Montalvo), Charles Boyer (el barón Jean Raoul). Prod:
Cerito Films, Les Films Ariane, Simar Films, Euro International Film
(EIA). dur: 115 mins.
Segunda colaboración del escritor Jorge
Semprún con Alain Resnais. Ambos, guionista
y director, reconstruyen la enigmática figura de
Serge Alexandre Stavisky (conocido como El
bello Sacha), un jugador de cartas y traficante
internacional de origen ruso, que estuvo a
punto de provocar la quiebra de la Segunda
República Francesa en 1933. El Festival
Internacional de Cine de Cannes le otorgó el
premio al mejor actor a Charles Boyer por su
actuación en esta película.
sábado 12, domingo 13, martes 15 y
miércoles 16
27
mon oncle d’amerique
d: Alain Resnais. P: Francia, 1980. G: Jean Gruault, basado en los
trabajos del profesor Henri Laborit. F en c: Sacha Vierny. m: Arié
Dzierlatka. e: Albert Jurgenson. con: Gèrard Depardieu (René Ra-
gueneau), Nicole García (Janine Garnier), Roger Pierre (Jean Le Gall),
Marie Dubois (Thérése Ragueneau), Nelly Borgeaud (Arlette Le Gall),
Pierre Arditi (Zambeaux). Prod: Andrea Films, TF1, Philippe Dussart.
dur: 125 mins.
Un hombre de negocios, un escritor y una
aspirante a actriz son utilizados por el profesor
Henri Laborit como ejemplos para ilustrar sus
teorías sobre el comportamiento y la forma
en que afrontamos el dolor y los conflictos.
Ingenioso filme ganador del Premio Fipresci
y el Gran Premio del Jurado en Cannes, en
el que Resnais profundiza desde un punto
de vista biológico sobre algunas de sus viejas
preocupaciones, como el equilibrio entre la
ciencia y la ficción y el funcionamiento de la
memoria.
Jueves 17, viernes 18 y sábado 19
Providence
Providence
d: Alain Resnais. P: Francia-Gran Bretaña, 1976. G: David Mercer.
F en c: Ricardo Aronovich. m: Miklós Rózsa. e: Albert Jurgen-
son. con: Dirk Bogarde (Claude Langham), Ellen Burstyn (Sonia
Langham), John Gielgud (Clive Langham), David Warner (Kevin
Langham / Kevin Woodford), Elaine Stritch (Helen-Molly), Cyril
Luckham (Dr. Edington). Prod: Action Films, Société Française de
Production (SFP), France 3 (FR 3), Citel Films Genève. Yves Gasser,
Klows Hellwing. dur: 110 mins.
Clive, escritor enfermo y malhumorado, bebe
una botella de vino durante toda la noche
mientras escribe una conmovedora historia
de ficción de resonancias autobiográficas. Los
personajes: Claude, fiscal de la alta burguesía;
Sonia, incapaz de abandonar a su marido;
Kevin, soldado que lucha por el derecho a la
eutanasia; Elena, amante que sabe que pronto
morirá, y un futbolista. El primer largometraje
hablado en inglés de Resnais contó con la
colaboración del dramaturgo David Mercer y
las excepcionales actuaciones de Dirk Bogarde
y John Gielgud.
domingo 13 y martes 15
mi tío de américa
28
la vie est un roman
d: Alain Resnais. P: Italia, 1983. G: Jean Grualt. F en c: Bruno
Nuytten. m: Philippe-Gérard. e: Albert Jurgenson. con: Vittorio
Gassman (Walter Guarini), Ruggero Raimondi (Michel Forbek),
Géraldine Chaplin (Nora Winkle), Fanny Ardant (Livia Cerasquier),
Pierre Arditi (Robert Dufresne), Sabine Azima (Elizabeth Rousseau).
Prod: Philippe Dussart. dur: 110 mins.
Después del éxito que obtuvo con Mi tío
de América, el productor Philippe Dussart
depositó toda la confianza en Resnais, quien,
con completa libertad, pudo dirigir La vida es
una novela, su noveno largometraje. Cineasta
de gran inventiva, capaz de volver atractivos
los asuntos más arduos, realiza aquí un estudio
cinematográfico acerca de la evolución de
ciertos conceptos como la lucha de clases, el
mal, la felicidad y la armonía, por medio de
tres historias paralelas, con distintos personajes
y en diferentes épocas: la Edad Media, la
Primera Guerra Mundial y los años ochenta.
Jueves 17, viernes 18 y sábado 19
el amor a muerte
l’amour à mort
d: Alain Resnais. P: Francia, 1984. G: Jean Gruault. F en c: Sacha
Vierny. m: Hans Werner Henze. e: Albert Jurgenson y Jean-Pierre
Besnard. con: Sabine Azéma (Elisabeth Sutler), Fanny Ardant (Judith
Martignac), Pierre Arditi (Simon Roche), André Dussollier (Jérôme
Martignac), Jean Dasté (Dr. Rozier), Geneviève Mnich (Anne Jour-
det). Prod: Les Films Ariane, Films A2, Philippe Dussart. dur: 92
mins.
“Simón ha muerto”, declara el médico. No
obstante, su muerte fisiológica no dura más
que algunos instantes, para revivir después
de unos minutos (un fenómeno llamado
catalepsia). A partir de este acontecimiento
médico, Resnais cavila sobre el amor, la
vida y la muerte —temas constantes en su
filmografía— al tiempo que utiliza sonidos
(latidos de corazón, aguas que fluyen) y la
música del compositor alemán, Hans Werner
Henze, como otros personajes al servicio de
su trama.
domingo 20 y martes 22
la vida es una novela
29
i Want to Go Home
d: Alain Resnais. P: Francia, 1989. G: Jules Feiffer. F en c: Charles
Van Damme. m: John Kander. e: Albert Jurgenson. con: Adolph
Green (Joey Wellman), Laura Benson (Elsie Wellman), Linda Lavin
(Lena Apthrop), Gérard Depardieu (Christian Gauthier), Micheline
Presle (Isabelle Gauthier), John Ashton (Harry Dempsey), Geraldine
Chaplin (Terry Armstrong). Prod: Films A2, Investimage, La Sept
Cinéma, MK2 Productions, Marin Karmitz. dur: 100 mins.
En esta comedia, basada en un guión del
humorista estadounidense Jules Feiffer
y ganadora del premio al mejor filme y
mejor guión en Venecia, Resnais confronta
irónicamente tanto la visión norteamericana
de la cultura francesa como la concepción
francesa acerca de Estados Unidos. Joey
Wellman, un caricaturista americano, viaja a
París para exhibir su trabajo y visitar a su hija,
quien se avergüenza de él. La opinión de ella
cambiará cuando Wellman conozca a Christian
Gautier, un académico al que ella admira.
domingo 27 y martes 29
melo
mélo
d y G: Alain Resnais, basado en la pieza teatral de Henri Bernstein.
P: Francia, 1986. F en c: Charles Van Damme. m: M. Philippe-Gé-
rard. e: Albert Jurgenson. con: Sabine Azéma (Romaine Belcroix),
Fanny Ardant (Christiane Levesque), Pierre Arditi (Pierre Belcroix),
André Dussolier (Marcel Blanc), Jacques Dacqmine (Dr. Remy), Ca-
therine Arditi (Yvonne). Prod: Centre National de la Cinématogra-
phie, Films A2, MK2 Productions, Marin Karmitz. dur: 112 mins.
A pesar de que alguna vez declaró que
no estaba interesado en realizar adaptaciones
literarias, Resnais se dejó seducir por la
historia de Bernstein, centrada en un triángulo
amoroso entre un par de músicos y la
mujer de uno de ellos. Filmada en cuatro
ocasiones, esta versión de Resnais destaca
por su fidelidad y por su puntillosa recreación
de la atmósfera teatral, donde escenarios e
iluminación —artificiales— están al servicio de
un drama que se desarrolla en actos separados
por un telón.
domingo 20, martes 22 y miércoles 23
Quiero ir a casa
30
smoking / no smoking
d: Alain Resnais. P: Francia-Italia-Suiza, 1993. G: Jean-Pierre Bacri,
Agnès Jaoui, Anne Dutter y Georges Dutter, basados en la pieza
teatral de Alan Ayckbourn Intimate Exchanges. F en c: Renato Berta.
m: John Pattison. e: Albert Jurgenson. con: Sabine Azéma (Celia
Teasdale / Sylvie Bell / Irene Pridworthy / Rowena Coombes / Jose-
phine Hamilton), Pierre Arditi (Toby Teasdale / Miles Coombes / Lio-
nel Hepplewick / Joe Hepplewick), Peter Hudson (narrador). Prod:
Arena Films, Caméra One, France 2 Cinéma, Alia Film, Bruno Pésery,
Michel Seydoux. dur: 298 mins. (las dos partes).
Cine y teatro se fusionan en este par de filmes
basados en la obra de Ayckbourn, dividida en
ocho partes con 16 desenlaces (que finalmente
quedaron reducidos a 12). La dupla Azéma-
Arditi, colaboradora habitual de Resnais,
hace gala de su talento al interpretar a nueve
personajes que se desenvuelven en exteriores
artificiales diseñados por Jacques Saunier,
presente en los filmes del cineasta desde
Stavisky (1974). La premisa parte de la decisión
de fumar o no, lo que desata una infinidad de
posibilidades.
Viernes 25 y sábado 26
siempre la misma canción
on connaît la chanson
d: Alain Resnais. P: Francia-Suiza-Reino Unido, 1997. G: Jean-Pierre
Bacri y Agnès Jaoui. F en c: Renato Berta. m: Bruno Fontaine. e:
Hervé de Luze. con: Pierre Arditi (Claude), Sabine Azéma (Odile
Lalande), Jean-Pierre Bacri (Nicolas), André Dussollier (Simon), Agnès
Jaoui (Camille Lalande), Lambert Wilson (Marc Duveyrier), Jane Bir-
kin (Jane). Prod: Arena Films, Caméra One, France 2 Cinéma, Vega
Film, Bruno Pésery. dur: 120 mins.
Filme ganador de siete premios César, entre
ellos el de mejor película, donde Resnais,
como lo hiciera Jacques Demy en Los paraguas
de Cherburgo (1964) y Las señoritas de
Rochefort (1967), experimenta con la narración
cinematográfica, transformando la música en el
medio de expresión de sus personajes, cuyos
diálogos se manifiestan a través del canto.
Mediante un gran repertorio de populares
canciones francesas, Resnais retrata los enredos
amorosos entre un par de hermanas y sus
distintas parejas.
domingo 27, martes 29 y miércoles 30
smoking / no smoking
31
coeurs
d: Alain Resnais. P: Francia-Italia, 2006. G: Jean-Michel Ribes, ba-
sado en la pieza teatral homónima de Alan Ayckbourn. F en c: Eric
Gautier. m: Mark Snow. e: Hervé de Luze. con: Sabine Azéma
(Charlotte), Isabelle Carré (Gaëlle), Laura Morante (Nicole), Pierre
Arditi (Lionel), André Dussollier (Thierry), Lambert Wilson (Dan).
Prod: Soudaine Compagnie, Studio Canal, France 2 Cinéma, Societé
Française de Production (SFP), Bruno Pésery. dur: 120 mins.
Como lo hiciera en Smoking / No Smoking
—también adaptado de una obra de
Ayckbourn— y Siempre la misma canción,
Resnais vuelve al cine teatral, recreando
atmósferas irreales al servicio de su
preocupación por el paso del tiempo y la
rutina. Ganador del León de Plata en Venecia,
Pasiones… es una dura crítica a la fría e
individualista sociedad actual, a partir de las
vidas de un agente inmobiliario, un ex militar
y una adicta a los reality shows, cuyo mal
común es la soledad.
Viernes 1º de enero, sábado 2 y domingo 3
en la boca no
Pas sur la bouche
d: Alain Resnais. P: Francia-Suiza, 2003. G: André Barde. F en c:
Renato Berta. e: Hervé de Luze. con: Sabine Azéma (Gilberte Va-
landray), Isabelle Nanty (Arlette Poumaillac), Audrey Tautou (Huguet-
te Verberie), Pierre Arditi (Georges Valandray), Darry Cowl (Madame
Foin), Jalil Lespert (Charley), Daniel Prévost (Faradel). Prod: Arena
Films, France 2 Cinéma, France 3 Cinéma, Arcade, Vega Film, Bruno
Pésery. dur: 115 mins.
Tras seis años de ausencia y en la línea de su
musical Siempre la misma canción, Resnais
regresó con esta comedia musical basada en
la opereta francesa de 1925 de André Barde,
con la que obtuvo el Premio Lumière al mejor
director en 2004. A través de escenarios llenos
de colores vibrantes, recupera el contexto
teatral de esta obra en la que la vida de una
mujer se complica, cuando descubre que
el nuevo socio de su esposo resulta ser su
ex marido, secreto que ocasionará las más
enredadas situaciones.
Viernes 1º de enero, sábado 2 y domingo 3
Pasiones privadas en lugares públicos
32
DOCUMENTALES
aproximación a resnais, revolucionario discreto
une approche d’alain resnais, révolutionnaire discret
d: Michel Leclerc. P: Francia, 1980. testimonios: Alain Res-
nais, Rémo Forlani, Jacques Sternberg, Jorge Semprún, Alain Robbe-
Grillet, Danièle Delorme, Gastón Bounoure, Jean Mitry. dur: 58
mins.
Poco se sabe del Alain Resnais que está detrás de cámaras, cuyos anhelos de juventud iban enca-
minados hacia el periodismo, el teatro y la música. Este filme brinda una nueva perspectiva sobre la
vida del director galo a través de extractos de películas y testimonios de amigos y colegas, al tiempo
que resalta las contribuciones estéticas y narrativas del realizador, quien con la legendaria Hiroshima,
mi amor (1959), marcaría el inicio de la época dorada de la Nouvelle Vague.
Jueves 10, viernes 11, miércoles 16 y miércoles 23
el estudio de alain resnais
l’atelier d’ alain resnais
d: François Thomas. P: Francia, 1997. F en c: Thierry Gautier. m:
Bruno Fontaine. e: Laure Mercier. testimonios: Pierre Arditi, Sa-
bine Azéma, Jean- Pierre Bacri, Sylvette Baudrot, Renato Berta, Jackie
Budin, Hervé de Luze. Prod: Arena Films, Arte, La Sept-Arte, Bruno
Pésery, Gilles-Marie Tiné. dur: 50 mins.
Basado en el libro homónimo publicado en 1989, que reúne varias entrevistas que François
Thomas sostuvo con Alain Resnais y con sus más cercanos colaboradores. Los testimonios de
músicos, guionistas y directores de fotografía, entre otros colaboradores habituales del cineas-
ta, son aunados a los del equipo que participó en Siempre la misma canción, para confeccionar
el retrato de un verdadero artesano cinematográfico.
miércoles 30
33
CORTOMETRAJES
Van GoghVan Gogh
d y e: Alain Resnais. P: Francia, 1948. dur: 20 mins.
Una muestra pictórica de Van Gogh motivó a Res-nais a hacer esta evocación en blanco y negro del universo artístico del pintor neerlandés.
martes 1º, miércoles 2 y jueves 3
GuernicaGuernicad y G: Alain Resnais y Robert Hessens. P: Francia, 1950. dur: 13 mins.
Por medio de un magistral uso del montaje, manejo de cámara y efectos sonoros, Resnais trasmite al espectador el dramatismo del cuadro de Picasso.
Viernes 4, sábado 5 y domingo 6
GauguinGauguin
d y e: Alain Resnais. P: Francia, 1950. dur: 14 mins.
Tras el éxito de Van Gogh, Resnais continuó su acercamiento fílmico al arte pictórico europeo con este retrato del pintor francés.
martes 1º, miércoles 2 y jueves 3
las estatuas también muerenles statues meurent aussi
d: Alain Resnais y Chris Marker. P: Francia, 1953. dur: 30 mins.
Una exhibición de esculturas africanas inspiró a Resnais y Marker para realizar esta ácida visión del saqueo cultural y el colonialismo.
Viernes 4, sábado 5 y domingo 6
noche y nieblanuit et brouillard
d y e: Alain Resnais. P: Francia, 1955. dur: 32 mins.
Resnais alterna imágenes de archivo y un retrato moderno de Auschwitz en uno de los documenta-les más influyentes de la historia.
Viernes 4, sábado 5 y domingo 6
toda la memoria del mundotoute la mémoire du monde
d: Alain Resnais. P: Francia, 1956. dur: 21 mins.
Los libros resguardados por la Biblioteca Nacional de Francia son los verdaderos protagonistas de este documental.
martes 1º, miércoles 2 y jueves 3
el canto del estirenole chant du styrène
d: Alain Resnais. P: Francia, 1958. dur: 19 mins.
Reflexión sobre la capacidad humana para crear objetos, a través de las caprichosas formas surgidas del plástico fundido.
martes 1º, miércoles 2 y jueves 3
“claude ridder”episodio del filme Lejos de Vietnam
loin du Vietnam
d: Alain Resnais. P: Francia, 1967. dur: 15 mins.
En compañía de otros directores, Resnais denunció la intervención estadounidense en Vietnam en este filme de episodios.
Viernes 11 y sábado 12
“Wall street”episodio del filme El año 01
l’an 01
d: Alain Resnais. P: Francia, 1973. dur: 5 mins.
Segmento inspirado en la historieta publicada por entregas del destacado ilustrador francés Georges Blondeau.
Viernes 11 y sábado 12
34
Un espinoso árbol inspiró al artista Francisco Toledo para crear una presea que, en una man-
cuerna conformada por el Cine Club El Pochote, fundado por el artista y ubicado en la ciudad
de Oaxaca, y los señores Armando Colina y Víctor Acuña (Galería Arvil), se otorga a un destacado
cineasta internacional cuya obra se apoya en los nuevos formatos digitales. Desde el año 2005,
cineastas de la talla de Agnès Varda y Jaime Humberto Hermosillo han recibido este premio.
En su edición 2009, el Premio Internacional El Pochote al Cine Digital es para Arturo Ripstein,
pionero del cine digital y de formato HD en México, y director de clásicos del cine mexicano con-
temporáneo como El castillo de la pureza (1972) o El lugar sin límites (1977). Ripstein, creador de un
universo fílmico en el cual el destino trágico predomina sobre quienes habitan un mundo sórdido,
de encierros sin salida y sueños que rompen la crueldad que anida en el corazón humano, comenzó
en 1999 su acercamiento al cine digital, mismo que ha dado hasta el momento magistrales resul-
tados. La Cineteca Nacional felicita al cineasta por este reconocimiento, que se suma a los muchos
que ha cosechado por el mundo entero.
José antonio ValDés peña
Premio El Pochote al cine digital para
ARTURO RIPSTEIN
35
así es la vida...
d: Arturo Ripstein. P: México-España-Francia, 1999. G: Paz Alicia
Garcíadiego, inspirado en Medea de Séneca. F en c: Guillermo
Granillo. m: David Mansfield. e: Carlos Puente. con: Arcelia Ramí-
rez (Julia), Luis Felipe Tovar (Nicolás), Patricia Reyes Spíndola (Adela),
Ernesto Yáñez (La Marrana), Francesca Guillén (Raquel), Alejandra
Montoya (clienta), Constanza Cavalli (presentadora de televisión).
Prod: Filmanía, Gardenia Producciones, Imcine, Foprocine, Wanda
Visión, D.M.V.B. Films, Jorge Sánchez, Laura Imperiale, Álvaro Garni-
ca. dur: 98 mins. Pc: Cineteca Nacional.
Arturo Ripstein se convirtió en pionero del cine
digital en Latinoamérica con esta desgarradora
reinterpretación de Medea al México contem-
poráneo, escrita por su inseparable guionista
Paz Alicia Garcíadiego. Así, Medea es ahora
una curandera de vecindad abandonada por
el padre de sus hijos; víctima del desamor y la
crueldad del mundo, encaminará su destino
hacia la tragedia. El cineasta adopta el formato
digital con gran inventiva y soltura, haciendo
de su cámara un protagonista más.
sábado 12
la perdición de los hombres
la perdición de los hombres
d: Arturo Ripstein. P: México-España, 2000. G: Paz Alicia García-
diego. F en B/n: Esteban de Llaca y Guillermo Granillo. m: Leoncio
Lara (Bon). e: Carlos Puente. con: Patricia Reyes Spíndola (Cara de
Hacha), Rafael Inclán (El Otro), Luis Felipe Tovar (Uno), Carlos Chávez
(El que venía), Alejandra Montoya (Cara de Luna), Marco Zapata (hijo
de la Otra), Leticia Valenzuela (La Otra). Prod: Filmanía, Imcine, Gar-
denia Producciones, Wanda Visión, TVE, Canal +, Laura Imperiale,
Jorge Sánchez. dur: 106 mins. Pc: Cineteca Nacional.
Un aficionado al béisbol es asesinado al
intentar robarle sus preciadas botas. Su
viuda (o al menos la oficial) buscará a los
responsables. En su segundo filme digital,
Ripstein gira hacia la comedia negra sin dejar
atrás sus obsesiones (la imposibilidad amorosa,
la crueldad, las ilusiones rotas), enmarcando
la gris existencia de sus protagonistas en una
plomiza fotografía digital en blanco y negro.
El filme recibió la Concha de Oro a la mejor
película en el Festival de San Sebastián.
domingo 13
así es la vida…
36
la virgen de la lujuria
d: Arturo Ripstein. P: México-España-Portugal, 2002. G: Paz Ali-
cia Garcíadiego, inspirado en el relato La verdadera historia de la
muerte de Francisco Franco de Max Aub. F en c: Esteban de Llaca.
m: Leoncio Lara (Bon). e: Fernando Pardo. con: Luis Felipe Tovar
(Nacho), Ariadna Gil (Lola), Patricia Reyes Spíndola (Raquel), Julián
Pastor (don Lázaro), Juan Diego (Gimeno), Alberto Estrella (Garde-
nia). Prod: Imcine, Foprocine, Producciones Amaranta, Mate Produc-
ciones, Fado Filmes, Mate Cantero, Álvaro Garnica, Luisa Matienzo,
Stéphane Sorlat. dur: 140 mins. Pc: Cineteca Nacional.
Un solitario mesero está obsesionado por
una cruel dama española y un grupo de sus
compatriotas que planean asesinar a Franco.
Un relato de Max Aub, sobre la dolorosa
experiencia del exilio se transforma en manos
de Arturo Ripstein en el retrato de una pasión
que vuelve a los amantes malditos del filme
víctimas y victimarios. Ambos existen en una
delirante atmósfera, conseguida a través de la
textura de la imagen digital de alta definición,
que borra la línea entre lo real y lo onírico.
miércoles 16
Juan soriano (fecit dixit)
Juan soriano (fecit dixit)
d: Arturo Ripstein. P: México, 2001. G: Arturo Ripstein y Carlos
Puente. F en c: Juan Arturo Brennan y Ciro Cabello. e: Carlos
Puente. testimonios: Juan Soriano, Marek Keller, Arturo Ripstein
(narrador). Prod: Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, Gar-
denia Producciones, Jorge Sánchez, Álvaro Garnica. dur: 90 mins.
Pc: Cineteca Nacional.
La serie Creadores Eméritos producida por el
INBA documentó la vida y obra de algunos
creadores del panorama artístico nacional
pertenecientes a distintas disciplinas. Ripstein
dirigió para la serie este programa sobre el
pintor y escultor Juan Soriano, poco tiempo
después de que el artista recibiera un Ho-
menaje Nacional en el año 2000. Invaluable
testimonio audiovisual en el que el mismo
Juan Soriano es narrador de los episodios de
su vida y su sentido del arte.
martes 15
la virgen de la lujuria
37
los héroes y el tiempo
d y G: Arturo Ripstein. P: México, 2005. F en c: Esteban de Llaca.
m: Leoncio Lara (Bon). e: Alejandro Ripstein. testimonios: René
Arredondo, Saúl López de la Torre, Alberto Ulloa, Romero Valentín.
Prod: Universidad de Guadalajara, Imcine, Alejandro Ripstein Ro-
sovsky. dur: 108 mins. Pc: Cineteca Nacional.
Treinta años después de haberse conocido en
la crujía de presos políticos de la antigua peni-
tenciaría de Lecumberri, durante la filmación
de un documental sobre dicha prisión a punto
de cerrar, Arturo Ripstein se reencuentra con
algunos de sus entonces entrevistados. Post-
data fílmica de Lecumberri, el Palacio Negro
(1976), este filme permite a todos sus protago-
nistas hacer una reflexión, ante la cámara y
sin algún afán sociopolítico, sobre el paso del
tiempo
Jueves 17
el carnaval de sodoma
el carnaval de sodoma
d: Arturo Ripstein. P: México-España, 2006. G: Paz Alicia García-
diego, inspirado en la novela homónima de Pedro Antonio Valdéz.
F en c: Luis Sansans. m: David Mansfield. e: Alejandro Ripstein.
con: Fernando Luján (padre Cándido), María Barranco (Mónica),
Alejandro Camacho (padre Ponciano), Carlos Cobos (Travolta), Eran-
do González (Edoy), Carlos Chávez (Tora), Isabel Ruiz (Lulú). Prod:
Morena Films, Producciones Amaranta, TVE, Miguel Necoechea.
dur: 119 mins. Pc: Cineteca Nacional.
Los parroquianos de un burdel organizan
un carnaval retando a la moral y las buenas
costumbres. Esta celebración del placer es el
punto de partida de una comedia negra sobre
la miseria humana, en la cual una compleja
estructura narrativa permite a algunos de sus
personajes aportar su propio punto de vista
sobre el suceso. Ripstein hace un uso magistral
del color digital, así como de una cámara que
fluye entre los personajes y la puesta en escena
con la suavidad de un fantasma.
Viernes 18
los héroes y el tiempo
38
39
40
41
42
La habitual paz del noticiero 31 Minutos se interrumpe por una malvada coleccionista de
animales llamada Cachirula, quien intenta robar lo más valioso que poseen los personajes del
programa. Para ello contrata al inescrupuloso Tío Pelado, con la finalidad de conseguir un rarí-
simo espécimen (y el único que le falta). Ignorante
de esta maquinación, Juanín Juan Harry, el último
ejemplar de los juanines, trabaja como productor
del excéntrico noticiero. El malévolo plan de Ca-
chirula y sus secuaces logra su cometido y Juanín
es raptado. Así, Tulio y el resto del lunático equipo
del programa iniciarán la desenfrenada búsqueda
de su compañero de labores, aventura que pon-
drá a prueba la fuerza de la amistad y el valor de la libertad.
Probablemente Los Muppets sean el máximo referente de títeres, botargas, muñe-
cos o marionetas de los que se han realizado largometrajes a partir de sus participaciones en
televisión. Generalmente este tipo de series, de gran éxito y repercusión en los espectadores,
suelen ser norteamericanas, por lo que es curioso que una serie latinoamericana, y además
dedicada sobre todo al público infantil, logre emigrar a la gran pantalla. El programa de TV
chileno 31 minutos es una muestra de esto. Antes de ser una película, la serie fue reconocida
31 minutos, la película
d: Alvaro Diaz y Pedro Peirano. P: Chile-Brasil, 2009. G: Alvaro
Díaz, Pedro Peirano, Rodrigo Salinas y Daniel Castro. m: Pablo Ila-
baca y Angelo Pierattini. e: Felipe Lacerda y Galut Alarcón. F en c:
Miguel Littin. con las voces de: Alejandra Dueñas, Patricio Díaz,
Daniel Castro, Alvaro Díaz, Pedro Peirano. Prod: Producciones Apla-
plac, Total Filmes, Usert, Juan Manuel Egaña. dur: 97 mins. dist:
Z David Distribución.
31 minutos, la película
43
MATINÉ INFANTIL
con el Prix Jeunesse Iberoamericano, el Premio de la Asociación de Periodistas de Espectácu-
los, el Premio a Mejor Programa de Televisión del Círculo de Críticos de Arte y cinco Premios
Altazor, todos ellos de Chile, además de recibir una nominación al Emmy Internacional.
La versión cinematográfica fue filmada en Chile y Brasil, y postproducida en España. En
ella se dio vida a 350 personajes y contó con la participación de todos los integrantes de la
serie de televisión original, más un contingente que sumó en total 250 personas. Desde sus
inicios, la serie ha tenido tal éxito que más de 210 mil espectadores han visto la película tan
sólo en Chile.
31 minutos, la película no escatimó en presupuesto: en los entornos selváticos brasileños
donde se filmó se contrataron cazadores de serpientes, quienes tenían que revisar el terreno
antes de poder filmar; se construyeron inmensas escenografías en el hangar más antiguo de
la Fuerza Aérea de Chile, en el ex aeropuerto de Cerrillos, e incluso el yate del personaje Tulio
fue un elemento real traído y reconstruído en el estudio, mientras que la entrada al siniestro
castillo fue realizada en la vegetación salvaje de un sector de Río de Janeiro. También destacan
las escenas de playa, las cuales fueron filmadas en escenarios naturales; al respecto, una de las
secuencias más difíciles de filmar fue una tormenta que el equipo de producción tardó toda
una noche en registrar, con un saldo de decenas de titiriteros y trabajadores empapados.
Jorge Magaña Molina
Cineteca Nacional
a partir del martes 1º
44
Rithy Panh es uno de los casos más ejemplares del cine militante que busca, por medio de su
obra, exponer al mundo de Occidente una parte de la criminal historia escrita por el ejército
Khmer Rojo en la Camboya de mediados de los años 70. Pero no lo plasma desde la perspectiva
del mero investigador, sino a partir de la experiencia vivida en carne propia: con poco más de diez
años de edad, Rithy Panh fue enviado a los campos de concentración, de los cuales logró escapar
a los 14 años, para más tarde embarcarse a Francia donde estudiaría cine. Debutó en 1989 con su
documental Site II, y continuó explorando este género hasta 1994, cuando dirigió su ópera prima
La gente del arrozal, filme que relata las penurias de una familia camboyana cuyo único medio de
sustento es el cultivo del arroz. Ocho años después, en un intento por exorcizar su pasado, Panh
filma S-21: la máquina de la muerte del Khmer Rojo, documental donde el director enfrenta a victi-
marios y víctimas, los cuales relatan ante la cámara lo ocurrido en el centro de detención y tortura
S-21, entre 1975 y 1979.
MiriaM JiMénez
Cineteca Nacional
martes 1º, miércoles 2 y sábado 5
Permanencia voluntariaPROGRAMA DOBLE IreViViendo camBoya
la gente del arrozal
neak sre
d: Rithy Panh. P: Camboya-Francia-Suiza-Alemania, 1994. G: Ève
Deboise y Rithy Panh, basados en la novela Ranjau Sepanjang Jalan
de Shahnon Ahmad. F en c: Jacques Bouquin. m: Jean-Claude
Brisson y Marc Marder. e: Andrée Davanture y Marie-Christine Rou-
gerie. con: Peng Phan (Yim Om, madre), Mom Soth (Vong Poeur,
padre), Chhim Naline (Sakha, hija mayor), Va Simorn (Sokhoeun),
Sophy Sodany (Sokhon), Muong Danyda (Sophon). Prod: JBA Pro-
ductions, La Sept Cinéma, Thelma Films AG, TSR, ZDF, Canal +,
Channel 4, Jacques Bidou. dur: 125 mins.
s-21: la máquina de la muerte del Khmer rojo
s-21, la machine de mort Khmère rouge
d y G: Rithy Panh. P: Camboya-Francia, 2002. F en c: Prum Mesa
y Rithy Panh. m: Marc Marder. e: Isabelle Roudy y Marie-Christine
Rougerie. testimonios: Khie Poev Ches (guardia), Yeay Cheu
(madre de Houy Him), Nhiem Ein (fotógrafo), Houy Him (adjunto
de seguridad), Ta Him (padre de Houy Him), Nhieb Ho (guardia).
Prod: Institut National de l’Audiovisuel (INA), arte France Cinéma,
Cati Couteau, Dana Hastier. dur: 101 mins.
45
PROGRAMA DOBLE II: in memoriam JosÉ luis lóPeZ VÁZQueZ
la prima angélica
Plácido
José Luis López Vázquez (Madrid, 1922-2009) fue un reconocido actor de teatro español que
debutó en el cine en 1946. Luis García Berlanga le daría el protagónico en dos de sus mejores
filmes, Plácido (1961) y El verdugo (1963). La idea de Plácido surgió de una campaña del gobierno
franquista con el lema “siente un pobre a su mesa” que buscaba impulsar la caridad cristiana en los
españoles. El protagonista es un pobre hombre que en víspera de Nochebuena apoya a Quintanilla,
encargado de los festejos, quien le ha ofrecido ayuda para pagar la letra de su motocarro. Tras par-
ticipar en decenas de películas, casi todas comedias, en 1967 Carlos Saura lo invitó a representar un
rol dramático en Peppermint Frappé, y siete años después en La prima Angélica, en el que daría vida
a un hombre maduro, acosado por la memoria de su infancia en plena Guerra Civil. En un gran tour
de force, el actor interpreta a Luis niño y adulto, logrando así un filme sobre los recuerdos que no
recurre al flashback convencional.
catherine Bloch
Cineteca Nacional
sábado 12, martes 15 y miércoles 16
la prima angélica
d: Carlos Saura. P: España, 1974. G: Rafael Azcona y Carlos Saura.
F en c: Luis Cuadrado. m: Luis de Pablo. e: Pablo González del
Amo. con: José Luis López Vázquez (Luis), Fernando Delgado (An-
selmo), Lina Canalejas (Angélica), María Clara Fernández de Loaysa
(Angélica, niña), Lola Cardona (tía Pilar), Pedro Sempson (padre de
Luis). Prod: Elías Querejeta Producciones Cinematográficas, Elías
Querejeta. dur: 101 mins.
Plácido
d: Luis García Berlanga. P: España, 1961. G: Rafael Azco-
na, José Luis Colina, José Luis Font y Luis García Berlanga. F
en B/n: Francisco Sempere. m: Miguel Asins Arbó. e: José
Antonio Rojo. con: Casto Sendra Cassen (Plácido Alonso),
José Luis López Vázquez (Gabino Quintanilla), Elvira Quintillá
(Emilia), Manuel Alexandre (Julián Alonso), Carmen Yepes
(Martita), Jesús Puche (Don Arturo). Prod: Jet Films, Alfredo
Matas. dur: 85 mins.
PROGRAMA DOBLE IIIKinG KonG en la isla de los tormentos
Permanencia voluntaria
the most dangerous Game
d: Irving Pichel y Ernest B. Schoedsack. P: Estados Unidos, 1932. G:
James Ashmore, basado en el cuento de Richard Connell. F en B/n:
Henry W. Gerrard. m: Max Steiner. e: Archie Marshek. con: Joel
McCrea (Bob Rainsford), Fay Wray (Eve Trowbridge), Leslie Banks
(conde Zaroff), Robert Armstrong (Martin Trowbridge), Noble John-
son (Ivan), Steve Clemente (sirviente), William B. Davidson (capitán).
Prod: RKO Radio Pictures, Merian C. Cooper, David O. Selznick.
dur: 78 mins.
King Kong
d: Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack. P: Estados Unidos,
1933. G: James Ashmore Creelman, Ruth Rose, Merian C. Cooper,
Edgar Wallace y Leon Gordon. F en B/n: Edward Linden, J.O. Ta-
ylor, Vernon L. Walker y Kenneth Peach. m: Max Steiner. e: Ted
Cheesman. con: Fay Wray (Ann Darrow), Robert Armstrong (Carl
Denham), Bruce Cabot (John Driscoll), Frank Reicher (capitán En-
glehorn), Sam Hardy (Charles Weston), Noble Johnson (jefe nativo).
Prod: RKO Radio Pictures, Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack.
dur: 100 mins.
Antes de realizar este par de clásicos del cine fantástico hollywoodense, la dupla Cooper-
Schoedsack incursionó en el género documental con los filmes etnográficos Grass (1926)
y Chang (1927), donde combinaban material de archivo con secuencias creadas artificialmen-
te. Esto les dio la experiencia necesaria para cristalizar su proyecto más ambicioso: King Kong.
De la mano de Willis O’Brian, maestro de efectos especiales e inventor del stop-motion —que
aquí se aprecia en su máxima expresión—, Cooper y Schoedsack construyen una fábula fan-
tástica acerca de la maldad del hombre. Simultáneamente a la historia de la bestia capturada
por un inescrupuloso empresario de espectáculos, los cineastas se daban tiempo para filmar
otra historia: La isla de los tormentos, basada en el cuento de Richard Connell, donde un náu-
frago queda atrapado en la isla del extravagante Conde Zaroff, quien, aburrido de dispararle
a los animales, practica otro deporte: la caza de humanos. Las películas compartieron algunos
de los escenarios y actores.
orianna paz
Cineteca Nacional
sábado 19, martes 22 y miércoles 23
King Kong
la isla de los tormentos
46
Mientras Los muchachos perdidos (1987) se llevaba toda la fama (y todo el público), otro filme
generaba un culto a su derredor, proponiendo una verdadera renovación de este subgénero:
Cuando cae la oscuridad, una suerte de western moderno en el que una banda de vampiros hampo-
nes ha sobrevivido hasta nuestros días gracias al crimen y la violencia, aunque el amor, como siem-
pre, será su perdición. Por otro lado, Transilvania, mi amor, de John Landis, también buscó refrescar
las reglas vampíricas y mezclar sabrosamente los géneros. Anne Parillaud, la famosa Nikita de Luc
Besson, interpreta en esta historia a la sexy vampira que exclusivamente se alimenta de la sangre de
hampones en Pittsburgh. Su idea de sobrevivir en base a la escoria de la ciudad se trastoca cuando
uno de los mafiosos más grandes queda vivo, pero ahora dotado de colmillos y con una gran sed.
Landis entrega, así, un filme a medio camino de su Hombre lobo americano en Londres (1981) y
Buenos muchachos (1990) de Martin Scorsese.
Mauricio MataMoros Durán
Cineteca Nacional
sábado 26, martes 29, miércoles 30 de diciembre y sábado 2 de enero
Permanencia voluntariaPROGRAMA DOBLE IVcuando cae la oscuridad
al caer la oscuridad
near dark
d: Kathryn Bigelow. P: Estados Unidos, 1987. G: Kathryn Bigelow
y Eric Red. F en c: Adam Greenberg. m: Tangerine Dream. e:
Howard E. Smith. con: Adrian Pastor (Caleb Colton), Jenny Wright
(Mae), Lance Henriksen (Jesse Hooker), Bill Paxton (Severen), Jenette
Goldstein (Diamondback), Tim Thomerson (Loy Colton), Joshua Mi-
ller (Homer). Prod: F / M, Neard dark Joint Venture, Steven-Charles
Jaffe. dur: 94 mins. dist:
transilvania, mi amor
innocent Blood
d: John Landis. P: Estados Unidos, 1992. G: Michael Wolk. F en c:
Mac Ahlberg. m: Ira Newborn. e: Dale Beldin. con: Anne Parillaud
(Marie), David Proval (Lenny), Rocco Sisto (Gilly), Chazz Palminteri
(Tony), Anthony LaPaglia (Joe Gennaro), Robert Loggia (Salli Macelli),
Tony Sirico (Jacko). Prod: Warner Bros. Pictures, Leslie Belzberg, Lee
Rich. dur: 112 mins.
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49
Programa 81
las extraordinarias aventuras de mr. West en el país de los bolcheviques
neobychainye priklyucheniya
mistera Vesta v strane bolshevikov
d: Lev Kuleshov. P: Unión Soviética, 1924. G: Vsevolod Pudovkin y
Nikolai Aseyev. F en B/n y e: Aleksandr Levitsky. con: Porfiri Podo-
bed (Mr. West), Boris Barnet (Jeddy, el vaquero), Aleksandra Khokhlo-
va (la condesa), Vsevolod Pudovkin (Shban), Sergei Komarov (rufián
del ojo parchado), Vera Lopatina (Elly, la americana), G. Kharlampiev
(Senka Svishch). Prod: Goskino, Lev Kulechov. dur: 94 mins.
Un turista estadounidense visita la URSS para comprobar el “salvajismo” de sus habitantes.
Las correrías de este personaje son el pretexto ideal para que el actor, teórico y cineasta
Lev Kuleshov, considerado el “padre del cine soviético”, ponga en práctica sus ideas sobre la
montaje de imágenes, en un exitoso largometraje casi experimental apoyado en planos fijos y
estilizadas actuaciones. El realizador también reflexiona con mucho sentido del humor sobre
la soberbia actitud occidental hacia la Unión Soviética.
Jueves 3
Kinoglaz
d y G: Dziga Vertov. P: Unión Soviética, 1924. F en B/n:
Mikhail Kaufman. e: Yelizaveta Svilova. dur: 78 mins.
Programa 82
cine-ojo
El camarógrafo y documentalista Dziga Vertov presentó en este largometraje algunas de sus
célebres teorías sobre el “Cine-Ojo”, una actitud del cineasta ante el fenómeno cinemato-
gráfico que pretendía liberar a la imagen fílmica de todo artificio para caminar hacia la imagen
pura. Lo anterior no impide que Vertov utilice torcidos ángulos de cámara, un frenético mon-
taje y la manipulación del tiempo cinematográfico para narrar la historia de varios entusiastas
jóvenes que buscan poner muy en alto a la sociedad socialista.
Jueves 10
50
Programa 83
Ben-Hur
Ben-Hur: a tale of the christ
d: Fred Niblo. P: Estados Unidos, 1925. G: June Mathis y Carey
Wilson, basados en la novela homónima de Lewis Wallace. F en
B/n: Karl Struss, Clyde DeVinna, René Guissart y Percy Hilburn. e:
Lloyd Nosler. con: Ramón Novarro (Judah Ben-Hur), Francis Bush-
man (Messala), Mary McAvoy (Esther), Betty Bronson (Mary), Claire
McDowell (princesa de Hur), Kathleen Key (Tirzah), Carmel Myers
(Iras). Prod: MGM, Samuel Goldwyn, Irving Thalberg, Louis B. Ma-
yer. dur: 143 mins.
La vida de un noble judío, quien planea vengarse de quienes causaron su desgracia, se cru-
za con la vida de Jesucristo. Superproducción supervisada por Irving Thalberg, con la cual
la Metro Goldwyn Mayer se colocó en el máximo peldaño de las productoras del Hollywood
silente. Protagonizada por el actor mexicano Ramón Novarro, en el filme se utilizaron 125 mil
extras y el talento de miles de técnicos para hacer posible secuencias tan memorables como
la frenética carrera de cuádrigas que dio fama a la película.
Jueves 17
La Cineteca Nacional lamenta el fallecimiento de
Claudia Becker
destacada directora de casting y productora
México, D.F., diciembre de 2009
51
52
54
55
56
57
58
59
60
31 minutos, la película 42
A las cinco en punto 19
Al caer la oscuridad 47
Amor a muerte, El 28
Año 01, El (episodio “Wall Street”) 33
Año pasado en Marienbad, El 24
Aproximación a Resnais,
revolucionario discreto 32
Así es la vida... 35
Ben-Hur 50
Canto del estireno, El 33
Carnaval de Sodoma, El 37
Cinco días sin Nora 16
Cine-Ojo 49
Círculo, El 20
Déjame entrar 8
En la boca no 31
Estatuas también mueren, Las 33
Estudio de Alain Resnais, El 32
Extraordinarias aventuras de
Mr. West en el país de los
bolcheviques, Las 49
Fados 10
Film noir 14
Gauguin 33
Gente del arrozal, La 44
Guernica 33
Guerra ha terminado, La 25
Héroes y el tiempo, Los 37
Hiroshima, mi amor 24
Isla de los tormentos, La 46
Juan Soriano (fecit dixit) 36
King Kong 46
Lejos de Vietnam
(episodio “Claude Ridder”) 33
Limonero, El 12
Melo 29
Mi tío de América 27
Muriel 25
Noche y niebla 33
Pasiones privadas
en lugares públicos 31
Parque Vía 6
Perdición de los hombres, La 35
Plácido 45
Prima Angélica, La 45
Providence 27
Quiero ir a casa 29
S21, la máquina de la muerte 44
Siempre la misma canción 30
Smoking / No Smoking 30
Stavisky 26
Te amo, te amo 26
Toda la memoria del mundo 33
Transilvania, mi amor 47
Van Gogh 33
Vida es una novela, La 28
Virgen de la lujuria, La 36
ÍNDICEalfabético diciembre 2009