Gótico en Europa

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PINTURA ITALIANA DEL TRECENTO: FLORENCIA Y SIENA Características:

La herencia bizantina (hieratismo, simetría…) se mezcla con cierto naturalismo

Pintura de colores claros y empleo de la línea curva

Búsqueda de volumen en las figuras

Se hacen los primeros intentos de perspectiva y se combinan los fondos dorados, con decoraciones

arquitectónicas o paisajísticas

Se emplean fondos dorados

La Pintura gótica italiana estuvo dividida en dos centros artísticos:

Siena: Simone Martini

Florencia: Giotto

SIMONE MARTINI (Escuela Sienesa) Pintor nacido en Siena. Nada conocemos de sus orígenes familiares ni de quiénes pudo aprender el arte de la pintura; aunque se le relaciona con el estilo de las obras de Duccio a quien se considera el padre de la escuela sienesa de pintura. Trabajó en Siena y en Avignon para la corte de los papas.

Anunciación Retrato ecuestre del condotiero da Fogliano

GIOTTO (Escuela florentina) Nacido en una provincia de Florencia. Hijo de un campesino, pasó su infancia como pastorcillo en los campos. Vasari relata el modo en que el pequeño de 11 años demostró por primera vez su talento artístico: cuenta que, estando el niño al cuidado de unas ovejas, mataba el tiempo dibujando a una de ellas sobre una piedra plana con una tiza. Acertó a pasar por allí un pintor, quien, impresionado por el talento natural de Giotto -que había dibujado una oveja tridimensional, tan natural y perfecta que parecía viva-, lo acompañó hasta su cabaña y consiguió convencer al padre de que le dejara hacer del muchacho su aprendiz.

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Era divertido y bromista, a tal punto que en una oportunidad pintó una mosca en la nariz de un retrato.

Frescos de la capilla Scrovegni. Frescos de la iglesia de San Francisco de Asís (Escenas de la vida de San Joaquín y Sta Ana, la Virgen y Jesús) (Escenas de la vida de San Francisco)

PINTURA FLAMENCA

A principios del S. XV, Flandes se convierte en uno de los principales centros pictóricos europeos Características:

Minuciosidad, se preocupan por representar al mínimo los detalles. Son obras para ser vistas de

cerca

Naturalismo en las figuras

La técnica es la pintura sobre tabla (obra que utiliza la mader como soporte pictórico) y el óleo

(técnica pictórica consistente en mezclar los pigmentos con un aglutinante a base de aceites,

normalmente de origen vegetal, que permitió una mayor riqueza cromática y detallismo. Dicha

pintura suele aplicarse sobre tela aunque también se puede pintar sobre otros materiales

Se preocupan por representar la luz natural

Se representan temas religiosos, temas cotidianos, retratos y paisajes.

Emplean una perspectiva lineal y menguante, en la que los objetos crecen o menguan para crear la

ilusión de profundidad.

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JEAN-VAN EYCK Se formó en el campo de la miniatura, de la cual aprendió el amor por los detalles diminutos El duque de Borgoña, Felipe el Bueno, le nombró pintor de corte. La relación que mantenía con el duque era tan buena que éste le encargó algunas misiones diplomáticas secretas, le hizo regalos por el bautismo de uno de sus hijos e incluso intercedió por él al enterarse de que tenía problemas para cobrar su sueldo. Trabajó sobre todo en Brujas

Políptico del Cordero místico El matrimonio Arnolfini

En el famoso cuadro del matrimonio Arnolfini se cree que se capta el momento de la unión matrimonial entre Giovanni Arnolfini y Giovanna Cenami, aunque algunas fuentes difieren de esto, aludiendo a que no era usual que un acto tan importante se llevara a cabo en una estancia privada y no en una iglesia.

En la estancia se encuentra en primer plano la pareja. Giovanni Arnolfini aparece retratado en actitud seria, ricamente ataviado en color oscuro, con capa y amplio sombrero. Su mano derecha, levantada, parece jurar o bendecir, mientras la izquierda sostiene la de su esposa Giovanna, también ricamente vestida en color verde vivo, con velo blanco. Ella posa su mano libre en su vientre, como señal inequívoca de embarazo. Alrededor de la habitación se encuentran una serie de objetos pintados con gran realismo y detalle, que casi todos podrían tener un sentido simbólico. La vela encendida, por ejemplo, simbolizaría a Cristo que es aquí testigo inmaterial del compromiso. La figura de madera ubicada en la parte alta del respaldo de la silla colocada al fondo, representa a Santa Margarita luchando contra el dragón, que es la patrona de las parturientas. En realidad aquí, no significa que la mujer representada esté embarazada, ni siquiera por el vientre aparentemente abultado, pero alude a la voluntad de tener descendencia. El perro del primer plano simboliza la fidelidad de los esposos. Los dos pares de zuecos (los de ella, junto a la cama; los de él, en primer plano, a la izquierda) relacionan a los esposos con el hogar y el hecho de que los supongamos descalzos alude a una idea de fertilidad, muy común en la época en la que el cuadro fue pintado. Por último, cabe destacar las ricas telas de la pareja adornadas con piel de armiño y las naranjas situadas bajo la ventana, que hacen referencia a la riqueza e importancia comercial de la ciudad de Brujas y que evidencian que los representados son personas adineradas. En la pared del fondo, el autor coloca su firma en una caligrafía gótica, se lee “Jan van Eyck estaba presente”, dando a entender que el autor fue uno de los testigos de la unión. También aparece un espejo con 10 medallones en los que se ven representadas 10 episodios de la pasión de Cristo. En el reflejo del espejo, se encuentra la misma escena que se lleva a cabo en la habitación, vista desde la parte de atrás y la presencia de otro personaje en la habitación, que se supone fue la persona que llevó a cabo el matrimonio. Algunos expertos aseguran que el propio Velázquez se inspiró en esta obra para pintar “Las Meninas”.

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ROGER VAN DER WEYDEN Se instaló en Bruselas donde alcanzó el título de pintor oficial del municipio y estableció un taller en el que colaboraron numerosos discípulos. Desde allí su prestigio se fue extendiendo progresivamente, de manera que su fama alcanzó a países alejados como España e Italia, país al que quizás viajó con motivo del jubileo del año Sus obras se caracterizan por el dramatismo de sus personajes El Descendimiento

EL BOSCO Pintor holandés pero realizó sus obras en Flandes. Vivió en la época de máxima riqueza de los Países Bajos. Fue el pintor preferido del rey Felipe II (parece que se relacionó con Tiziano en la corte española). La compra de sus obras en España se inicia con los Reyes Católicos, pero fue Felipe II quién reunió un mayor número de tablas Su obra se caracteriza por representar imágenes oníricas e irracionales que están más cerca del surrealismo del siglo XX que del renacimiento. Su pintura era una crítica de la realidad cruda de su alrededor. Una peculiaridad de su pintura es que utilizaba capas muy finas de su pintura, dejando ver en ocasiones el fondo del lienzo. Esto, para algunos, era una forma de pintar que carecía de toda técnica, en comparación del resto de artistas holandeses de la época. Para otros era una genialidad, que le permitía trabajar más rápido, al secarse antes las capas de color, y con un coste mucho menos elevado El Bosco no fechó ninguno de sus cuadros y muy pocos llevan su firma.

El Jardín de las Delicias

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El Jardín de las delicias es la obra más emblemática y enigmática de El Bosco, pintor flamenco. Se trata de un tríptico pintado al óleo sobre madera de roble, elaborado hacia 1490 o 1500. Cuando permanece cerrado, contemplamos dos paneles en que se representa el tercer día de la creación. Al abrirlo, los tres paneles interiores representan el paraíso, la vida terrenal (el jardín de las delicias) y el infierno. En el panel de la izquierda aparece una escena bíblica, el paraíso terrenal con Adán y Eva. Es el principio de la Creación, cuando aún no existía el pecado. En el panel del centro está el Jardín de las Delicias, es el centro de la vida sumida en el pecado y el placer. En el panel de la derecha aparece El Infierno Musical, es el final, la conclusión, lo que les espera a los hombres en un Juicio Final que se ha de celebrar en la Tierra en ruinas.

Lo que convierte esta pintura en revolucionaria es esa nueva imaginería irreal, toda una simbología que no tiene nada que ver con los símbolos convencionales de la pintura medieval.