Pintura barroca

PINTURA BARROCA

CARACTERÍSTICAS GENERALES • S. XVII = siglo de oro de la pintura

europea. – Rembrandt, Velázquez,

Caravaggio, Rubens…– Producción rica y abundante, – Diversidad de tendencias y

focos… pero con rasgos comunes.

• Naturalismo (influencia de la ciencia).– Realismo: fidelidad al modelo.

• Vejez, tristeza, lo popular, dolor.– Simbolismo: los objetos remiten a

una realidad superior y revelan lo espiritual a través de los sentidos.

• Ej. Bodegones = brevedad de la vida y la banalidad de las cosas.Ribera, San Andrés (arriba); Caravaggio,

Bodegón (abajo

CARACTERÍSTICAS GENERALES

• Espacio (¿infinito?)– Continuum espacial

• Se rompe la barrera entre la obra de arte y el mundo real.

• Tema representado en el mismo espacio que el del espectador.

• Recursos: gestos, miradas, decoraciones ilusionistas, escorzos, juegos de luces, espejos...

Rubens, Venus en el baño, 1613-14

CARACTERÍSTICAS GENERALES • Luz definición del espacio.

– Tenebrismo: luz que ilumina violentamente la parte más importante de la escena dejando el resto en la oscuridad.

• Luz = presencia de lo divino.

– Luz intensa y vibrante. – La luz se subordina a la forma.

Velázquez, Las lanzas Caravaggio, El martirio de San Pedro

CARACTERÍSTICAS GENERALES • Movimiento

– Escorzos violentos, diagonales, figuras inestables…

– Captación del momento culminante de la acción.

– Reflexión sobre la transitoriedad y fragilidad de la vida humana y de la felicidad.

Rubens, El rapto de las hijas de Leucipo

CARACTERÍSTICAS GENERALES • Composiciones disimétricas y

atectónicas.– Líneas diagonales y helicoidales que

se proyectan hacia el infinito.– Composición atectónica: la escena

continúa fuera del plano de representación.

Rubens, El descendimiento

Rubens, Narciso

CARACTERÍSTICAS GENERALES • Técnicas:

– Preferentemente el óleo, sobre lienzo o tabla– Pintura mural al fresco en paredes, bóvedas y cúpulas.

CARACTERÍSTICAS GENERALES • Temática

– Religiosa (Cristo, la Virgen y santos), según la Contrarreforma.• Experiencias místicas, martirios y muertes.

– Mitológica, alegórica o hcos.

Velázquez, La fragua de VulcanoCaravaggio, La muerte de la virgen


– Retrato (individual, de grupo, autorretrato), con triple objetivo: • Muestra el rostro de la clientela.

• «Doble» del retratado (se inmortaliza).

• Retrato psicológico.

– Paisajes.

Vermeer, Vista de DelftRubens, Retrato del duque de Lerma


– Pintura de género (escenas de interior que narran acontecimientos cotidianos y sencillos).

– Bodegones (naturaleza muerta). Para decorar interiores. • Riqueza: floreros, fruteros, instrumentos, cacharros, mesas con

alimentos…

• Vanitas: intención simbólica al hacernos reflexionar sobre la brevedad de la vida (calaveras, relojes, joyas…).

ITALIA: LA OBRA DE CARAVAGGIO• Caravaggio (Milán, 1571- Porto Ercole, 1610).

– Michelangelo Merisi, Caravaggio.– Interés por su extraordinario valor artístico y por algunos sucesos de su vida

prototipo de artista maldito, marginal e inadaptado. • Forma de vida escandalosa (burdeles, bajos fondos, peleas…).

– Rechazado en su tiempo, hoy es valorado como merece.– Primeras obras: bodegones y pinturas de jóvenes de medio cuerpo con algún

objeto.

ITALIA: LA OBRA DE CARAVAGGIO• 1595: es acogido por el cardenal Francisco M. del Monte fama. • Gran encargo: decoración de la capilla de la familia Contarelli para la

iglesia de San Luis de los Franceses, de Roma, con escenas de la vida de San Mateo (San Mateo y el ángel, La vocación de San Mateo y El martirio de San Mateo).

ITALIA: LA OBRA DE CARAVAGGIO• Iglesia de Santa María del Popolo: La conversión de San Pablo y La

crucifixión de San Pedro.

ITALIA: LA OBRA DE CARAVAGGIO• A partir de estos momentos trabaja de manera ininterrumpida aunque no

todas sus obras gozarán del mismo reconocimiento: El Santo Entierro, La Muerte de la Virgen…

ITALIA: LA OBRA DE CARAVAGGIO• Características de la pintura de Caravaggio

– Temática religiosa: • Ideas contrarreformistas (escenas sagradas de cotidiana sencillez).

• Rechazadas por el clero oficial, se le acusará de falta de decoro.

• Personajes sencillos, humildes, de los bajos fondos romanos, más cercanos a la gente del pueblo.

– Pasión por lo real (enorme precisión en los detalles, p. ej. en sus naturalezas muertas).

ITALIA: LA OBRA DE CARAVAGGIO

• Características de la pintura de Caravaggio – Manejo de la luz revolucionario

tenebrismo. • Potente foco de luz que ilumina

las figuras aislándolas en un espacio oscuro, como un gran vacío.

• Luz, verdadera protagonista de sus cuadros:

– Modela las figuras.

– Define espacios.

– Simbolismo: luz = divinidad.

ITALIA: LA OBRA DE CARAVAGGIO• Características de la pintura de Caravaggio.

– Pinta directamente sobre el lienzo (“arrepentimientos”).– Estudio de rostros y emociones gestualidad muy teatral.– Capta el momento de mayor intensidad emocional y dramática. – Composiciones abiertas y llenas de dinamismo.

LA VOCACIÓN DE SAN MATEO. 1598-1600. CARAVAGGIO. ÓLEO. 3'22 X 3'40 M. IGLESIA DE

SAN LUIS DE LOS FRANCESES, ROMA.


SAN LUIS DE LOS FRANCESES, ROMA.• Pasaje evangélico de la conversión de San Mateo:

– "Pasando Jesús por allí, vio a un hombre sentado en el despacho de impuestos, de nombre Mateo, y le dijo: Sígueme. Y él levantándose, le siguió" (San Mateo, 9; 9-10).


SAN LUIS DE LOS FRANCESES, ROMA.• Naturalismo: acercar las escenas sagradas a la gente sencilla.

– Tipos humanos tomados de los barrios romanos que él frecuentaba.

• Luz: papel fundamental al iluminar selectivamente la escena.– Dirigida.– Tenebrismo (luz de la Verdad).

• Magnífico estudio de las reacciones de los personajes.


SAN LUIS DE LOS FRANCESES, ROMA.• Composición aumenta el dramatismo.

– La parte inferior, ocupada por las figuras.– La superior, casi vacía, intensifica el efecto dramático de la acción.

ITALIA: EL BARROCO CLASICISTA• En Bolonia reacción antimanierista e intelectualizada.

– Arte noble y culto (recobra el arte mitológico o alegórico).

• Principales representantes: Anibal Carracci y Guido Reni.– Estilo clasicista y ecléctico: terribilità de Miguel Ángel + dibujo sobrio

de la escuela romana + color veneciano.– Crearán el “paisaje histórico/heróico/clasicista” (composiciones

equilibradas, ruinas clásicas).

ITALIA: EL BARROCO DECORATIVISTA• Basada en la quadratura y trampantojo.

• Destaca Pietro da Cortona, Luca Giordano y Andrea Pozzo – Movimiento + abundancia de personajes.

FRANCIA• Tendencia naturalista:

– Georges La Tour: tenebrista, composición equilibrada.– Hermanos Le Nain: escenas campesinas de tono severo y austero.

FRANCIA• Tendencia clasicista: Nicolas Poussin

– Influenciado por clasicistas y venecianos, desarrolla un arte refinado y cortesano, en el que se muestra un claro interés por la naturaleza con una visión dinámica (filosofía estoica y panteístas).

Pintura flamenca: Rubens (1577– 1640)• Éxito ininterrumpido hasta su muerte.

• Enorme producción, con temas muy variados: religiosos, hcos, alegóricos, mitológicos, retratos, paisajes, costumbristas…

• Hombre inmensamente culto.

Pintura flamenca: Rubens (1577– 1640)• Influencias:

– Venecia: color, pincelada amplia y gusto por la mitología.

– Miguel Ángel: modelos anatómicos y dramatismo.– Tiziano: desnudo femenino. – Al principio: influencia del tenebrismo; desaparece

después.

• Magnífico intérprete del catolicismo contrarreformista.

– Concepción aristocrática, lujosa y deslumbrante de la pintura.

Pintura flamenca: Rubens (1577– 1640)• Composiciones complejas y fastuosas, de efecto escenográfico.

– Esquemas compositivos abiertos: diagonales, elipsis… – Extraordinario dinamismo.

Pintura flamenca: Rubens (1577– 1640)

• Pintura luminosa y rica en color. – Paleta muy cálida, pincelada

suelta y amplia.

• Luz intensa que parece surgir de las propias figuras.

• Maestro en la representación del cuerpo humano.

• Enorme vitalidad y optimismo y magnífica captación de la materialidad.

RAPTO DE LAS HIJAS DE LEUCIPO. 1618-20. RUBENS. ÓLEO, 2'22 X 2'09 M. MUNICH.

• Papel destacado de la temática mitológica,

• Tema: rapto de las hijas de Leucipo, rey de Tebas, por los Dioscuros, Cástor y Pólux.– Cástor levanta desde el

caballo a Hilaria.– Pólux trata de vencer la

resistencia de Febe.– Dos amorcillos completan la

escena: uno se aferra al encabritado caballo de Pólux, mientras el otro retiene al caballo de Cástor por la brida.


• Composición– Gran dinamismo.– Líneas de composición

curvas y diagonales.– Principal: brazo extendido de

Hilaria.– Otras diagonales acentúan el

ritmo dramático de la obra:• Línea por las cabezas de los

tres personajes.

• Líneas curvas dibujadas por los cuerpos de las mujeres

• Todas las figuras se cierran en un claro círculo.

• Punto de vista bajo refuerza el dramatismo.


• Obra que ha abandonado el tenebrismo de sus inicios.

• Influencia de la pintura veneciana. – Luz intensa, que emana de

las figuras.– Colores brillantes y

luminosos.• Destacan los tonos

nacarados nórdicos de las anatomías femeninas, que reflejan el influjo de Miguel Ángel.


• Técnica:– Dibujo potente.

– Pincelada más suelta y amplia

– No pierde el gusto por el detalle propio de la tradición flamenca.

• Trenzado del cabello y adornos de Febe

• Paisaje

• Reflejos de la armadura de Cástor.

Pintura flamenca: Van Dyck (1599-1641)

Van Dyck,

Retrato de Carlos I de Inglaterra, 1635

Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69)• Principal representante de la escuela holandesa.

• Extensa obra.

• Refleja la dimensión espiritual del hombre y la presencia del misterio en el mundo.

Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69)• Extraordinario manejo de la luz.

– Su claroscuro no presenta el nítido contraste luces/sombras del tenebrismo múltiples intensidades en zonas de sombra.

• Imágenes “misteriosas”.

• Estallidos de luz brillante en un rincón dimensión poética.

Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69)• Composición

– Renuncia a los efectos teatrales, diagonales y círculos. – Formas partidas (mesas o puertas) para enmarcar las escenas.

Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69)• Color

– Primer periodo: predominan los tonos fríos.– A partir de los años 40: su paleta se enriquece con tonos más cálidos

(espléndidos dorados).

Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69)• Pincelada

– Muy audaz, de gruesos empastes (sucesivas capas de color), sorprendentes en su época.

– Enigmáticos difuminados que prestan a sus personajes una apariencia especial.

Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69)• Temática variada

– Pintura religiosa • Muy abundante (850 obras) siendo un país calvinista.• Atmósfera de sosiego + ambientes misteriosos + encuentro

interior del hombre con la divinidad.


– Paisaje• Muy popular en la pintura holandesa.• Transparencia del aire (magistral dominio de la luz).


– Retratos (unos 400, casi 2/3 de su obra). • Autorretratos (60 pinturas, 20 grabados y 10 dibujos).

28 años

34 años

50 años

55 años


– Retratos (unos 400, casi 2/3 de su obra). • Individuales (Saskia, Hendrickje, Titus). Reflejan el interior de los

personajes, destacando la mirada. • De grupo (manifestación singular de la pintura holandesa).

Glorificaba el espíritu cívico de los burgueses holandeses.


– Otros: pinturas de género, mitología o historia.• Importancia de dibujos y grabados.

La ronda de noche. 1642. Rembrandt. Óleo. 3'59 x 4'38 m. Rijkmuseum de Amsterdam.

• Obra bastante oscurecida por la suciedad Ronda de noche.• Título original: La Compañía del capitán Frans Banning Cocq y el

teniente Willem van Ruitenburch.


• 1715: recortada para ubicarla en el Ayuntamiento de Amsterdam.


• Sufrió un ataque en 1975.

• Hoy restaurada y en perfecto estado.


• Encargo de un retrato de un grupo de milicianos civiles para el gran salón del Kloveniersloeden, sede de la sociedad de arcabuceros. – Desde finales de la

Edad Media, Amsterdam contaba con milicias ciudadanas, formadas por burgueses.

– Papel importante en el alzamiento contra la ocupación española.


• Son 18 miembros de la compañía del capitán Banning Cocq, cuyos nombres figuran en el escudo superior.– Hecho verídico: ¿visita oficial de María de Medici a la ciudad en 1638?

• No se ajusta a las convenciones del género:– Retratados en movimiento.– Momento en el que van a salir a hacer la ronda por Amsterdam.


• Composición

Aparentemente desordenada…

Pero modo racional con un eje horizontal (personajes) + diagonales (lanza y bandera) + centro luminoso (dos protagonistas).


• Luz


• Color– Pinceladas

densas, casi con relieve.

– Destacan los tonos cálidos: tierras y ocres, rojo del echarpe del protagonista y del soldado.

– Espléndido el amarillo oro del traje del lugarteniente y la niña.

Pintura holandesa: Vermeer

Pintura española• S. XVII = Siglo de Oro de la pintura española.

Pintura española• Características generales:

– Temática religiosa.


– Contrarreforma y al servicio del poder (escuela madrileña).


– Realismo (retratos, incluso de tipos populares y bodegones).


– Tenebrismo pintura más colorista y luminosa.

Pintura española• Focos:

– Escuela madrileña: DIEGO DE SILVA Y VELÁZQUEZ (1559-1660).

Pintura española• Evolución

Etapa sevillana y 1ª madrileña

(1610-28)

1º viaje a Italia y 2ª etapa madrileña

(1628-49)

2º viaje a Italia y 3ª etapa madrileña

(1649-60)

TécnicaNaturalismo tenebrista. Gran realismo

Técnica más ligera, más libre, luminosa y moderna.

Magistral dominio de la perspectiva aérea (atmósfera palpable).

Paleta Tonos oscuros y ocres Más clara Enriquecida

PinceladaCorta, escueta y compacta

Muy suaves y ligeras (poco pastosa).

Más suelta y libre (preimpresionista)

ComposiciónGran sencillez y sobriedad

Más complejasMuy rítmicas, con varios planos

LuzTenebrista: fuertes contrastes y “figuras-esculturas”

Gana espacio la luz.

Diversos focos de luz que iluminan escalonadamente la escena

EjemplosEl aguador , La vieja friendo huevos

Cuadros de caza: montes grises y encinares pardos "velazqueños”

Meninas, Hilanderas


Etapa sevillana y 1ª madrileña (1610-28)

TécnicaNaturalismo tenebrista. Gran realismo

PaletaTonos oscuros y ocres

PinceladaCorta, escueta y compacta

ComposiciónGran sencillez y sobriedad

LuzTenebrista: fuertes contrastes y “figuras-esculturas”

EjemplosEl aguador , La vieja friendo huevos


1º viaje a Italia y 2ª etapa madrileña (1628-49)

Técnica

Técnica más ligera, más libre, luminosa y moderna.

Paleta Más clara

PinceladaMuy suaves y ligeras (poco pastosa).

Composición Más complejas

Luz Gana espacio .

Ejemplos

Cuadros de caza: montes grises y encinares pardos "velazqueños”


2º viaje a Italia y 3ª etapa madrileña (1649-60)

Técnica

Magistral dominio de la perspectiva aérea (atmósfera palpable).

Paleta Enriquecida

PinceladaMás suelta y libre (preimpresionista)

ComposiciónMuy rítmicas, con varios planos

Luz

Diversos focos de luz que iluminan escalonadamente la escena

EjemplosMeninas, Hilanderas

Pintura española• Temática

– Retratos. Excepcionales, captando la personalidad del retratado.• Retratos reales

– Sin adulación, Felipe IV refleja cierta melancolía respeto y distancia en el espectador.

Pintura española• De corte

– Modelos masculinos, con trajes muy severos, de pie o de perfil sobre fondos de color gris verdoso. Portan muy pocos accesorios.

– Damas con trajes de gran riqueza y empaque, con compostura y gravedad, como correspondía a su altísimo rango.

Pablo de Valladolid (1636-37), Góngora (1622), Autorretrato (h. 1640), Isabel de Borbón (1632)

Pintura española• De corte

Inocencio X (1649-51)

Pintura española• De caza

– Perros tan importantes para el pintor como sus dueños. – Aire de la sierra madrileña.

• Ecuestres – Caballos, con cuerpos enormes, patas finas, cabezas nerviosas.

Pintura española• De niños

– Modelos preferidos: tonalidades ligeras, refinadas y luminosas; gran armonía y naturalidad.

• De bufones. – Dignidad: comprensión y realismo, sin prejuicios. Trabaja con total libertad.

Pintura española– Mitológicos, aunque con una visión muy personal.– Otros:

• Bodegones y cuadros de género (en sus primeras obras).

• Históricos (La rendición de Breda).

• Paisajes.

• Temática religiosa (poco importante).

Retrato ecuestre del conde duque de Olivares. 1634. Velázquez. Óleo. 3'13 x 2'39 m. Prado.

• Gaspar de Guzmán, conde duque de Olivares, valido de Felipe IV.– Se inspira en el Retrato del Duque

de Lerma, de Rubens.

• Parte inferior izda.: papel en blanco.

• Revela su fuerte personalidad y poderosa voluntad (= rey).– Ataviado de militar: armadura negra

recamada en oro, banda carmesí de general y bastón de mando.

– A caballo, de perfil, y mirando al frente, con un gesto orgulloso y desafiante.

– Actitud briosa del caballo.– Humo del fondo.

Retrato ecuestre del conde duque de Olivares. 1634. Velázquez. Óleo. 3'13 x 2'39 m. Prado.

• Composición muy dinámica:– Postura del caballo que dibuja

una diagonal ascendente.– Diagonales marcadas por la

espada, el bastón, el humo al fondo...

• Paisaje típicamente velazqueño:– Gama de verdes y grises.– Cielo oscurecido con un humo

gris azulado que se eleva de la ciudad en llamas.

Las Meninas. 1656. Velázquez. Óleo sobre lienzo, 3'10 x 2'76 m. Prado, Madrid.

Las hilanderas o La fábula de Aracne. 1657. Velázquez. Óleo lienzo, 2'20 x 2'89 m

Prado.• Pintada para el montero mayor del rey, Pedro de Arce, en el s.

XVIII llegó a las colecciones reales.

• Afectada por el incendio del Alcázar en 1734, se le añadieron cuatro franjas en los bordes (p. e. el arco de la habitación).


Prado.• Tema:

– Durante años se pensó que representaba una fábrica de tapices.– Diego Angulo descubrió su significado: el artista quiso ilustrar el mito

de Atenea y Aracne, según nos cuenta Ovidio en Las Metamorfosis.


Prado.• En primer término

– De manera contrapuesta, aparecen Atenea como una anciana (aunque la pierna es de una joven) y la joven Aracne compitiendo.

• Al fondo– Aparecen tres damas, una de ellas mira hacia el espectador. – Tras ellas, Palas Atenea y Aracne que:

• Para algunos autores son parte del tapiz en que se representa El Rapto de Europa de Tiziano (homenaje al pintor veneciano).

• Para otros son personajes reales.


Prado.• Uso magistral de la perspectiva aérea

– Capta a la perfección la luz y la sutil vibración del aire.

• Detalles de modernidad:– Forma de pintar los dedos de la mujer que enrolla la lana.– Rostro emborronado de la hilandera en segundo término.– Rueda de la rueca en movimiento.– Representación de la mano que la ha impulsado como una mancha.


Prado.• Significado de la obra diversas interpretaciones.

– Una de las más aceptadas: alegato a favor de la nobleza de la pintura a la que se alude al fondo, frente a los oficios manuales, representados en primer término.


– Escuela de Valencia: JOSÉ DE RIBERA (1591-1652)

El patizamboMagdalena Ventura con su marido e

hijo

Arquímedes


– Escuela de Valencia: JOSÉ DE RIBERA (1591-1652)

Santa María MagdalenaEl sueño de Jacob

San Onofre

El Martirio de San Felipe. 1639. Ribera. Óleo sobre lienzo 2'34 x 2'34 m. Museo del Prado.

• Martirio de San Felipe (no el de San Bartolomé). – San Felipe, tras la muerte de

Jesús, se desplazó a Frigia para predicar entre los paganos que le dieron muerte atándolo en una cruz.

• Preparación del martirio:– Los verdugos alzando al

santo que tiene los brazos atados.

– Un grupo de personajes observan la escena, entre los que destaca la figura de una mujer con un niño en brazos y que mira al espectador.


• Poderoso dibujo:– Realismo en la anatomía.

• Composición compleja:– Cuerpo iluminado del santo

marca una diagonal que es el eje de la composición.

– Otras líneas refuerzan esta sensación de dinamismo vertical (cuerdas o palo horizontal).

• Tensión dramática: • Esfuerzo de los verdugos para

levantar al santo.– Rostro de San Felipe =

sufrimiento y su mirada de súplica se dirige al cielo.


• La obra no presenta ya el acusado tenebrismo.– Zonas oscuras pero un luminoso cielo azul y un rojo intenso del

verdugo a la derecha.

• Significación:– Martirios despertar la compasión de los fieles y reflejar su

importancia como vía de santidad.


– Escuela sevillana: FRANCISCO DE ZURBARÁN (1598-1664)


– Escuela sevillana: BARTOLOMÉ MURILLO (1617-1682)

Sagrada Familia del pajarito. Anterior a 1650. Murillo. Óleo. 1'44 x 1'88 m. Prado.

Pintura barroca

Documents

Transcript of Pintura barroca