Pintura Abstracta

La Pintura Abstracta


El Arte Abstracto es una categoría estética e histórica que se refiere a

las obras no imitativas, no figurativas, no representativas de un

mundo objetual.

Abstraer significa eliminar algo, y muchos artistas han llegado a la abstracción separándose del mundo real, simplificando o reduciendo su lenguaje visual.


Las pinturas abstractas tratan esencialmente sobre elementos

formales como color, forma y línea. El espectador tiene que apreciarlas

por estas cualidades más que buscar un tema.

El arte, al verse liberado de su papel descriptivo tradicional por la fotografía y de sus exigencias sociales por la desaparición del mecenazgo institucional, ahora podía explorar sus propias inquietudes.


Wassily Kandinsky, Composición, 1914.

El pintor de origen ruso Wassily Kandinsky suele cosiderarse como el creador de las primeras pinturas abstractas. Esta obra, con su distribución rítmica de formas que flotan y chocan en el espacio, podría describirse como una “composición” abstracta análoga a una pieza musical.

Lectura Adicional


La publicación de la teoría de la relatividad de Albert Einstein en 1907, con la cual cambió el concepto físico del universo.

Aspectos causales

del Arte Abstracto

Las teorías psicoanalíticas de Sigmund Freud que posibilitaron las nuevas experiencias de la conciencia y abrieron un camino a la visión no objetiva.

Albert Einstein(1879-1955)

Sigmund Freud(1856-1939)


Aspectos causales

del Arte Abstracto

La invención de la fotografía que posibilitó nuevos encuadres, la captación del movimiento, los aumentos y disminuciones de las escalas, el telescopio y el microscopio.

Las ideas existencialistas de Henri Bergson que rechazaban el materialismo y daban importancia a la intuición y a la libre acción creadora.

Henri Bergson(1859-1941)

Daguerrotipo(1831)


Es en los grandes centros culturales de Alemania, Francia y Rusia donde, a partir de diversas tendencias artísticas, se llega a una determinada abstracción.

Aspectos causales

del Arte Abstracto

“Una pintura – antes de que se convierta en un caballo, una mujer desnuda o alguna anécdota - es una superficie plana cubierta con colores dispuestos en cierto orden”

Maurice Denis.


En París se ponen los cimientos de la abstracción a través de la libertad de la pincelada y el color de los pintores Fauves y el Cubismo de Picasso y Braque.

Aspectos causales

del Arte Abstracto

“Picasso tomó la naranja, la peló, la partió y compartió lo que había dentro. El arte ya nunca será lo mismo.”

Anthony Caro.

Pablo Picasso, Tres músicos, 1921. Georges Braque, Guitarra y copa, 1921.André Derain, Puente de Londres, 1906.


Aspectos causales

del Arte Abstracto

El desarrollo del Expresionismo en Munich llega a una determinada abstracción. Sobresalen las obras de Kandinsky.Kandinsky desarrolló una serie de

obras que denominó Impresiones, Improvisaciones y Composiciones. En ellas los colores y las formas puras son los medios significantes de la expresión pictórica.

Ernst Ludwig Kirchner, Calle de Berlín, 1913. Wassily Kandinsky, Improvisación 28, 1912.Franz Marc, Caballitos amarillos.


Aspectos causales

del Arte Abstracto

Los artistas iniciadores del abstraccionismo justificaban sus búsquedas no imitativas con planteamientos espirituales a través de una depuración formal.

En Rusia, Kasimir Malevich pintaba obras abstractas cuya rígida geometría contrasta profundamente con la soltura de las pinturas de Kandinsky. La obra de Malevich partía del Cubismo y el Futurismo.

Gino Severini, Tren Suburbano. Kasimir Malevich, Suprematismo, 1919.


Abstracciones Geométricas

Tendencias fundamentales de

la abstracción

Abstracciones Orgánicas, Líricas, Informalistas, Expresionistas.

Surgen en la etapa entre 1910-1933, tomando como referencias cronológicas la primera acuarela abstracta de Kandinsky y la disolución de la Bauhaus en Alemania.

Lectura Adicional


Obras cargadas de subjetividad, con inspiración subconsciente e imaginativa y con gestos y trazos impulsados desde el instinto y la emoción o sugestión anímica del artista.

Dirigen la atención hacia la superficie de la pintura, realzando el proceso de creación.

Abstracciones Orgánicas, Líricas, Informalistas, Expresionistas.

Hans Hofmann, Flight. Willem de Kooning, Marilyn Monroe, 1954. Jackson Pollock, Black and white, 1948.


Obras racionalizadas y dependientes del análisis intelectual y científico de la obra.

Los materiales se emplean con moderación, y el énfasis recae en la estructura sugiriendo un distanciamiento emocional del artista.

Abstracciones Geométricas

Frank Stella, Rozdol II, 1973.Piet Mondrian, Composición en rojo, azul y amarillo, 1930.


Material didáctico para el profesor de secundaria

Tercer grado Bloques 3 y 4

Elaborado por:

Juan Alberto Mancilla Gallardo.

Lectura adicional

Fragmento de De lo espiritual en el arte.De lo espiritual en el arte, publicado en 1912 por Wassily Kandisky, es una de las obras clave para entender el arte del siglo XX. A lo largo de sus páginas proclama la total independencia del modelo respecto a la realidad natural que, en la práctica, desembocaría en la abstracción.

Paulatinamente, las diferentes artes se disponen a decir lo que mejor saben decir y por los medios que cada una de ellas posee exclusivamente.

A pesar de, o gracias a esta diversificación, las artes nunca estuvieron tan cerca las unas de las otras en los últimos tiempos, como en esta hora última del cambio de rumbo espiritual.

En todo lo aquí citado se hallan los brotes de las tendencias hacia lo no-natural, lo abstracto, la naturaleza interior. Consciente o inconscientemente obedecen a la frase de Sócrates: «¡Conócete a ti mismo!». Consciente o inconscientemente los artistas retornan principalmente a su material, lo estudian, colocan sobre la balanza espiritual el valor interior de los elementos con los que su arte puede crear.

La pirámide del arte

Este empeño produce espontáneamente su consecuencia natural: la comparación de los propios elementos con los de otro arte. La enseñanza más rica nos la da la música. Con pocas excepciones y desviaciones, la música es, desde hace siglos, el arte que utiliza sus medios no para representar fenómenos de la naturaleza, sino para expresar la vida interior del artista y crear una vida propia de tonos musicales.

El artista, cuya meta no es la imitación de la naturaleza, aunque sea artística, y que quiere y tiene que expresar su mundo interior, ve con envidia como hoy se alcanzan naturalmente y con facilidad estos objetivos en la música, la más inmaterial de las artes. Se comprende que se vuelva hacia ella e intente encontrar los mismos medios en su arte. De ahí proceden en la pintura, actualmente, la búsqueda de ritmo y la construcción matemática y abstracta, el valor que se da a la repetición del color y a la dinamización de éste, etc.

La comparación entre los medios de las diferentes artes y la inspiración de un arte en otro, sólo tiene éxito si la inspiración no es externa sino de principio. Es decir, un arte debe aprender del otro como éste utiliza sus propios medios para, después, a su vez, utilizar sus propios medios de la misma manera; es decir, según el principio que le sea propio

exclusivamente. En este aprendizaje, el artista no debe olvidar que cada medio tiene una utilización idónea y que se trata de encontrar esta utilización.

En lo que se refiere al empleo de la forma, la música puede obtener resultados inasequibles a la pintura. La música, por otro lado, no tiene algunas de las cualidades de la pintura. Por ejemplo, la música dispone del tiempo, de la dimensión del tiempo. La pintura, que no posee esta característica, puede sin embargo presentar al espectador todo el contenido de la obra en un instante. La música es incapaz de esto. La música, externamente emancipada de la naturaleza, no necesita tomar de prestado formas externas para su lenguaje. La pintura, por el contrario, depende hoy casi por completo de las formas naturales, de las formas que le presta la naturaleza. Su deber consiste en analizar sus fuerzas y sus medios, conocerlos, como hace tiempo que los conoce la música, y utilizar en el proceso creativo estos medios y fuerzas de modo puramente pictórico.

Al profundizar en sus propios medios, cada arte marca sus límites hacia las demás artes; la comparación las une de nuevo en un empeño interior común.

Así se descubre que cada arte posee sus fuerzas, que no pueden ser sustituidas por las de otro arte. Y así se unen las fuerzas de las diversas artes. De esta unión nacerá con el tiempo el arte que ya hoy se presiente: el verdadero arte monumental.

Todo el que ahonde en los tesoros escondidos de su arte, es un envidiable colaborador en la construcción de la pirámide espiritual que un día llegará hasta el cielo.

Fuente: Kandinsky, Wassily. De lo espiritual en el arte. Barcelona: Barral Editores, 1983.Biblioteca de Consulta Microsoft ® Encarta ® 2005. © 1993-2004 Microsoft Corporation. Reservados todos los derechos.

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Lectura adicional

Bauhaus, escuela alemana de arquitectura y diseño que ejerció enorme influencia en la arquitectura contemporánea, las artes gráficas e industriales y el diseño de escenografías y vestuario teatrales. Fue fundada en Weimar en 1919 por el arquitecto Walter Gropius que pretendía combinar la Academia de Bellas Artes y la Escuela de Artes y Oficios. La Bauhaus, basada en los principios del escritor y artesano inglés del siglo XIX William Morris y en el movimiento Arts & Crafts, sostenía que el arte debía responder a las necesidades de la sociedad y que no debía hacerse distinción entre las bellas artes y la artesanía utilitaria. También defendía principios más vanguardistas como que la arquitectura y el arte debían responder a las necesidades e influencias del mundo industrial moderno y que un buen diseño debía ser agradable en lo estético y satisfactorio en lo técnico. Por lo tanto, además de las clases de escultura, pintura y arquitectura, se impartían clases de artesanía, tipografía y diseño industrial y comercial.

El estilo de la Bauhaus se caracterizó por la ausencia de ornamentación en los diseños, incluso en las fachadas, así como por la armonía entre la función y los medios artísticos y técnicos de elaboración.

Bauhaus

En 1925 se dedicó a la construcción de una serie de sobrios edificios rectangulares de hormigón y cristal en Dessau, especialmente diseñados para ello por Gropius. El estilo de este movimiento se tornó aún más funcional e hizo mayor hincapié en la expresión de la belleza y conveniencia de los materiales básicos sin ningún tipo de adorno. Otros arquitectos y artistas sobresalientes que componían el cuerpo de profesores de la Bauhaus fueron el pintor suizo Paul Klee, el pintor ruso Wassily Kandinsky, el pintor y diseñador húngaro László Moholy-Nagy (que fundó el Instituto de Diseño de Chicago siguiendo los mismo principios de la Bauhaus), el pintor estadounidense Lyonel Feininger y el pintor alemán Oskar Schlemmer.

En 1930 la dirección fue asumida por el arquitecto Ludwig Mies van der Rohe, que trasladó la Bauhaus a Berlín en 1932. Cuando los nazis en 1933 cerraron la escuela, sus ideas y sus obras eran ya conocidas en todo el mundo. Muchos de sus miembros emigraron a Estados Unidos, donde las enseñanzas de la Bauhaus llegaron a dominar el arte y la arquitectura durante décadas, contribuyendo enormemente al desarrollo del estilo arquitectónico conocido como International Style.

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