ORQUESTA DE CÁMARA TUTTA FORZA (Colombia) STEFANO BOCCACCI, director (Colombia)

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SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES ORQUESTA DE CÁMARA TUTTA FORZA (Colombia) STEFANO BOCCACCI, director (Colombia) Jueves 5 de mayo de 2016 · 6:30 p.m. Tunja, Santuario de San Ignacio Jueves 30 de junio de 2016 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Catalina Aristizábal

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SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES

ORQUESTA DE CÁMARA TUTTA FORZA (Colombia)STEFANO BOCCACCI, director (Colombia)

Jueves 5 de mayo de 2016 · 6:30 p.m.Tunja, Santuario de San Ignacio

Jueves 30 de junio de 2016 · 7:30 p.m.Bogotá, Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango

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Conformada en 2013 por su director musical, Stefano Boccacci, la Orquesta de Cámara Tutta Forza se ha enfocado en la exploración del repertorio romántico y posromántico de compositores como Fauré, Glazunov, Sibelius y Tchaikovsky, entre otros.

Aunque formada inicialmente como un ensamble para fomentar la práctica de jóvenes instrumentistas y de directores de orquesta, hoy en día es una orquesta juvenil conformada tanto por egresados como por estudiantes de interpretación del Conservatorio de la Universidad Nacional, de la Universidad Javeriana y de la Universidad de los Andes. Es un proyecto cuyo objetivo principal es llevar el trabajo de música de cámara al formato orquestal, un proyecto en donde la individualidad de jóvenes talentosos de nuestro país se ve potenciada y amalgamada en un intenso trabajo de cámara dirigido al fortalecimiento de equipo y al enriquecimiento artístico y profesional, todo gracias a la participación activa de cada uno sus miembros.

La agrupación ha actuado en distintos escenarios de la ciudad, entre ellos el Auditorio Teresa Cuervo del Museo Nacional. También ha colaborado con el director coral Leonardo Palacios, la soprano Juliette Lozano, la violonchelista Laura Hernández y la saxofonista Karen Barreto, colaboraciones que han abierto un espacio de fomento del talento de jóvenes músicos colombianos que se quieren desempeñar como solistas. Uno de los objetivos que la orquesta se ha propuesto es seguir incentivando este tipo de espacios.

Por otra parte, Tutta Forza tiene dos grandes intereses: la música contemporánea y el fomento del trabajo de jóvenes compositores colombianos, como es el caso de Felipe Hoyos, a quien se comisionó la obra Opúsculo caribeño exclusivamente para la convocatoria de Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. Gracias a un

Foto: Catalina Aristizábal

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resultado muy satisfactorio, la orquesta planea seguir trabajando en colaboración con el maestro Hoyos, y con todos los músicos colombianos interesados en componer para orquesta, a fin de incentivar y proyectar cada vez más la carrera de jóvenes músicos colombianos desde distintos puntos de acción.

En 2016, la Orquesta de Cámara Tutta Forza actuará no solo en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República sino también en la serie Colón Acústico del Teatro Colón de Bogotá.

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Inició sus estudios de piano a los nueve años con el maestro Raúl Castaño, y los continúa en la actualidad con la maestra Oxana Viritch. En 2010 ingresó a la Pontificia Universidad Javeriana donde estudió composición por dos años. Desde 2012 estudia dirección orquestal con el maestro Luis Guillermo Vicaría y viola con el maestro Jorge Lozano. En 2013 creó la Orquesta de Cámara Tutta Forza con la cual ganó en 2015, la convocatoria para actuar en la Serie de los Jóvenes Intérpretes 2016 del Banco

de la República. En los últimos años ha participado como director en el Ensamble de Ópera de la Universidad Javeriana con la maestra Carolina Plata y como director de orquesta en las ediciones 2015 y 2016 del festival brasileño Femusc. Ha recibido clases magistrales de los maestros Michael Lewanski, Raphael Jiménez, Matthew Hazelwood, Alejandro Zuleta, Julián Gómez y Catherine Larsen-Maguire.

Violines ILaura Nieto, Alejandro José Paz, Ivonne Luna, Leidy Herrera

Violines IIKaren Bautista, Jorge Garzón, Julián Camilo Bernal

ViolasCarlos Andrés Parra, Juan Camilo Mendoza, Camilo Rodríguez

ViolonchelosAndrés Felipe Linares, Yenny Numpaque

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La Serie de los Jóvenes Intérpretes y el concierto de hoy

Desde 1985 la Serie de los Jóvenes Intérpretes es parte importante de la programación musical del Banco de la República. En algunos casos estos recitales son la primera experiencia profesional de los mejores estudiantes de música del país y, con el paso de los años, ha demostrado ser un aporte al crecimiento artístico de músicos cuyas carreras continúan desarrollándose tanto en Colombia como en el exterior.

Veintisiete agrupaciones participaron en la convocatoria de la Serie de los Jóvenes Intérpretes 2016 en la categoría Agrupaciones de música de cámara. La Orquesta de Cámara Tutta Forza es una de las cuatro agrupaciones de música de cámara seleccionadas para presentarse dentro de la temporada de conciertos 2016.

Próximos conciertosde la Serie de los Jóvenes Intérpretes

KEVIN MOTTA, clarinete (Colombia)Jueves 7 de julio de 2016 · 7:00 p.m.

Santa Marta, Quinta de San Pedro Alejandrino

Jueves 14 de julio 2016 · 7:30 p.m.Bogotá, Sala de Conciertos

Biblioteca Luis Ángel Arango

DANIEL OSORIO-CUESTA, viola (Colombia)Jueves 21 de julio de 2016 · 7:00 p.m.

Manizales, Sala múltiple del Banco de la República

Jueves 28 de julio 2016 · 7:30 p.m.Bogotá, Sala de Conciertos

Biblioteca Luis Ángel Arango

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JEAN SIBELIUS (1865-1957)

FELIPE HOYOS GONZÁLEZ (n. 1991)Estreno mundial

DMITRI SHOSTAKOVICH (1906-1975)Arreglo del Cuarteto de cuerdas No. 8 en do menor, Op. 110 (1960) realizado por Rudolf Barshai (1924-2010)

PYOTR ILYICH TCHAIKOVSKY(1840-1893)

Andante festivo (1938)

Opúsculo caribeño (2015)

Sinfonía de cámara, Op. 110a (1962)I. Largo

II. Allegro moltoIII. Allegretto

IV. LargoV. Largo

Serenata para cuerdasen do mayor, Op. 48 (1880)

I. Pezzo in forma di sonatina Andante non troppo – Allegro moderato

II. Valse. Moderato. Tempo di ValseIII. Elegia. Larghetto elegiaco

IV. Finale (Tema russo)Andante - Allegro con spirito

CONCIERTO No. 32

INTERMEDIO

PROGRAMA

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NOTAS AL PROGRAMA

Por Daniela Peña

La Orquesta de Cámara Tutta Forza presentará hoy un programa en el que la individualidad del compositor es el rasgo que cobija a las cuatro piezas y las hace formar parte de una misma historia, a pesar de que a simple vista puedan divergir estilística o estéticamente. En todas ellas, los compositores, directa o indirectamente, pretenden materializar un deseo personal a partir de diversos elementos. De igual manera, según palabras del director, la intención es también ofrecer un repertorio que aborda el concepto de libertad desde diferentes perspectivas.

Puede tratarse de una búsqueda de las raíces nacionales o regionales, como en el caso de Opúsculo caribeño (2015), de Felipe Hoyos González; o de un ejercicio autobiográfico, introspectivo, casi psicoanalítico, pero a su vez evocador de una consciencia de colectividad filantrópica, como en la Sinfonía de cámara, Op. 110a de Dmitri Shostakovich. También puede significar simplemente la plasmación de una idea musical nacida desde la más profunda honestidad, como en la Serenata para cuerdas en do mayor, de Pyotr Iliych Tchaikovsky. En cualquiera de los casos, la escogencia de este repertorio da cuenta de los diferentes matices a través de los cuales un compositor es capaz no solamente de realizar una complejísima labor intelectual, sino de autotraducirse al público.

Para iniciar, tenemos el Andante festivo de Jean Sibelius (1865-1957), compositor que tiene asociada a su figura la voz de la cultura finlandesa. Con un gran catálogo que lo inmortaliza, Sibelius ha sido reconocido principalmente por su lenguaje orquestal, con el cual logra amalgamar pensamientos políticos y personales, además de evocar en numerosas ocasiones imaginarios folclóricos variopintos y retratar paisajes naturales.

Sin embargo, el Andante festivo corresponde a un espacio mucho más íntimo, aun teniendo en cuenta su nombre. Esta pieza, en un solo movimiento, por su textura homofónica y su carácter cantabile, recuerda un himno que, ora devocional, ora liberador, es recurrente en toda su música. Según Erkki Korhonen, director de la Sibelius Birth Town Foundation, la fascinación de Sibelius con la textura hímnica se debe a la influencia de su abuela, con quien asistía asiduamente a la iglesia, en donde se hacían este tipo de cantos1.

La pieza fue escrita originalmente para cuarteto de cuerdas en 1922, para la celebración del vigésimo quinto aniversario de un aserradero en Säynätsalo. Claro está que inicialmente se le había comisionado una cantata festiva, lo que explica tanto el título de la pieza como el hecho de recurrir a una textura que evocara lo vocal. Pero la importancia de la obra no radica en este rasgo, que, como ya se

1 Vladimir Ashkenazy on the Path of Jean Sibelius, en https://www.youtube.com/

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mencionó, es recurrente en su música: lo que hace que esta pieza se destaque no tiene que ver con elementos musicales como tales, sino con su contexto.

Luego de haber meditado acerca de las imperfecciones que los altavoces ocasionaban a la música transmitida por radio, Sibelius decidió que, para proveer un buen resultado, era necesario componer de manera diferente para radio que para conciertos en vivo. De este razonamiento surgió el único testimonio sonoro que se tiene de Sibelius como director, ya que a sus setenta y tres años aceptó una invitación a dirigir para una transmisión radial de la Exposición general de segunda categoría de Nueva York, en 19392. El Andante festivo, revisado y adaptado para orquesta de cuerdas y timbales, supuso para Sibelius, además de un recordatorio de su cercanía con las texturas corales, un retorno a su faceta como director tras haber evadido dicha labor por más de diez años.

La primera parte del concierto continúa con Opúsculo caribeño, del cartagenero Felipe Hoyos (n. 1991), egresado del énfasis de composición de la Pontificia Universidad Javeriana. La pieza, que es estreno mundial, está dedicada a Stefano Boccacci, director de la Orquesta de Cámara Tutta Forza, y se forja como una búsqueda de la identidad del compositor, quien afirma:

El Opúsculo caribeño apela a mi constante búsqueda de identidad como compositor, la cual, en estos últimos años (2014-2016) aspira a mis raíces como músico cartagenero. Decidí componer esta obra —que tenía como requisito de duración cuatro minutos— tomando como referencia el lenguaje polifónico del contrapunto, relacionado con dos melodías importantes de la costa Caribe: Coroncoro y Cundé cundé cundé, ambas compuestas por Emilia Herrera (1932-1993).

No obstante su deseo de recontextualizar sus raíces, su técnica compositiva no se ve sesgada y su bagaje académico se inserta tajantemente en la arquitectura de la pieza:

…mi intención no era tomar de forma literal las melodías, ya que de por sí iban a ser puestas en otros contextos; así que decidí realizar abstracciones no literales de estas, poniéndolas en un contexto armónico atonal. El Opúsculo se construye entonces como un pequeño preludio y fuga para orquesta de cuerdas, tomando como referencia el desarrollo de la relación de contrapunto de estos dos tan conocidos temas del acervo cartagenero.

Además, señala Stefano Boccacci, director de la orquesta, esta pieza no solamente demuestra un folclor por medio de la música, sino que, incluso, hay un componente coreográfico tácito, resultado de la variedad de efectos percutivos que los intérpretes deben realizar.

2 http://www.sibelius.fi/english/musiikki/ork_muita_andantefestivo.htm

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Finaliza esta primera parte una pieza que da un giro ciertamente dramático al programa, la Sinfonía de cámara Op. 110a de Dmitri Shostakovich (1906-1975), una adaptación del Cuarteto de cuerdas No. 8 realizada por el director Rudolf Barshai (1924-2010). En mayor medida que las demás piezas que conforman el programa, la sinfonía de cámara de Shostakovich remite a la introspección de un músico que lleva a cuestas los frutos del totalitarismo, las guerras, la muerte y la aniquilación de la libertad.

Aunque escrito siete años después de la muerte del líder comunista Iósif Stalin, el Cuarteto No. 8 no escapa a los efectos que un gobierno totalitario logra estampar en la vida de los ciudadanos. La desaparición de varios conocidos y la imposibilidad de expresarse sin tapujos habían impregnado a Shostakovich de nerviosismo y zozobra, que no pasarían desapercibidos en su música. Sin embargo, nunca dejó de lado su buen humor, y con el sarcasmo como arma artística decía «¡Brindemos para que la vida no siga mejorando!» ante la aseveración de Stalin de que «La vida se está tornando mejor. La vida se está tornando más alegre».

Si bien la muerte de Stalin supuso una liberación literal de la música de Shostakovich, ciertos rasgos del antiguo régimen aún no habían mermado, y en 1960, año en que fue compuesta la obra, tras una gran presión sobre el compositor, éste decide unirse al Partido Comunista, no sin sentir un gran remordimiento que, según varias fuentes, llegó a materializarse en deseos de provocarse la muerte.

Además, ese mismo año, su estadía en Dresde, ciudad que había sido destruida por un bombardeo por parte de los aliados en 1945, provocó un gran impacto en el compositor, tanto así que el cuarteto lleva la dedicación «En memoria de las víctimas del fascismo y la guerra». Claro está que dicha dedicación no aparece ni en el manuscrito ni en la primera edición y algunas fuentes aseveran que le fue impuesta al compositor.

Ahora bien, como ya se mencionó, el sarcasmo siempre fue el arma con la que Shostakovich combatió las exigencias del régimen; así fue como logró componer la Sinfonía No. 9, que le fuera comisionada tras la derrota del nazismo en 1945. Y fue así como logró enmascarar su propia historia en el Cuarteto No. 8, que se pretendía fuera en memoria de las víctimas de la guerra, pero en realidad es propio más de una introspección que de una mirada hacia el otro, y varios estudiosos aseguran que se trata de la materialización de la figura del compositor como víctima.

Lo anterior se explica a partir de varios factores: en primer lugar, en una carta escrita a su amigo Isaak Glikman, Shostakovich asegura sobre esta obra que, «como nadie escribirá ninguna pieza en mi honor cuando muera, más vale que la escriba yo mismo». Por otro lado, están las numerosas citas que hace el compositor de sus propios trabajos, como la primera y la quinta sinfonías, el concierto para violonchelo, el Trío para piano No. 2 y la ópera Lady Macbeth de

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Mtsensk (que no pudo ser representada sino hasta después de la muerte de Stalin), además de un himno funerario ruso y una canción revolucionaria. Por último, pero no menos importante, está el hecho de que la pieza esté construida a partir del motivo DSCH (re - mi bemol – do - si), una abreviación de su nombre (Dmitri ShostakoviCH), que también aparece en otros de sus trabajos.

Cimentado en cuatro movimientos sin pausas entre sí, el Cuarteto No. 8, además de la recurrencia del motivo DSCH, introduce elementos de otros contextos pero que nuevamente dan cuenta de una mirada al interior a partir de la interacción con lo ajeno. En el segundo movimiento, por ejemplo, hace referencia a un tema tradicional judío; para el compositor, el pueblo judío, al igual que el soviético, había tenido que silenciar su sufrimiento:

La música tradicional judía ha hecho el mayor y más fuerte impacto en mí… puede parecer alegre, mientras en realidad es trágica. Siempre es una especie de risa a partir del llanto. Esta cualidad… es cercana a mis ideas de lo que la música debería ser. Siempre deberían existir dos facetas en la música. Los judíos fueron atormentados por tanto tiempo que han aprendido a esconder su desesperanza. Ellos expresan la desesperanza en música de danza3.

Por último, vale mencionar una acotación hecha por el director de la orquesta con respecto al reto que supone interpretar esta pieza. En su ejercicio hermenéutico encuentra que, para que el mensaje sea transmitido de manera clara, los intérpretes deben ir en contra de la lógica interpretativa a la que puedan estar acostumbrados, e. g., si se encuentran con un pasaje muy expresivo, exacerbar este carácter. Dice Boccacci que esta pieza, al tratarse de un mensaje de represión colectiva y personal, debe interpretarse de la misma manera, reprimiendo la expresividad, pues se trata más de una analogía con la mecanización del comportamiento humano, resultado de la unificación o normalización de la sociedad bajo el régimen comunista, reflejado en una mecanización o sistematización del sonido, que no acepta intervenciones provenientes de un impulso sensorial o afectivo.

La Serenata para cuerdas en do mayor Op. 48, que Arthur Rubinstein aclamó como el mejor trabajo de Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893), además de ser una obra cuya belleza es innegable, supone un trabajo contrapuntístico muy cuidadoso y un tratamiento formal muy claro. En adición, el último movimiento, Tema russo, recuerda el modesto nacionalismo presente en la obra del compositor, que siempre fue subvalorado y opacado por la aparición del grupo de Los Cinco, pero que no por eso deja de ser digno de mención; así, a pesar de sus intentos por revivir el espíritu ruso, algunos de sus trabajos con matices nacionalistas, como su Liturgia para San Juan Crisóstomo, Op. 41, no fueron del todo aprobados, por carecer de sonoridades meramente rusas.

3 http://www.laphil.com/philpedia/music/chamber-symphony-op-110a-arr-bashai-dmitri-shostakovichTraducción al español por Daniela Peña.

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La última pieza del programa representa tal vez el ejemplo más contundente de una obra “salida del corazón” del compositor. Escrita en 1880, mismo año de la concepción de la afamada Obertura 1812, tiene un tinte más personal e íntimo; basta con leer algunas líneas de una carta a su mecenas Nedezha von Meck para entenderlo: «La obertura va a resultar muy ostentosa y ruidosa, pero no tendrá mérito artístico, pues la escribí sin amor. Pero la Serenata, al contrario, la escribí a partir de una compulsión interna. Esta es una pieza escrita desde el corazón».

Adicionalmente, esta pieza cobra hoy mayor importancia, ya que la organización física de la orquesta para todo el concierto se decidió con base en la proyección del sonido para esta. Boccacci comenta que, contrario al número de músicos que deseaba Tchaikovsky, la orquesta resulta pequeña para que el resultado sonoro tenga, por sí solo, la potencia que necesita una orquesta de cámara romántica. Por tanto, fue necesaria una reorganización para lograr esta fuerza sonora, que la Orquesta de Cámara Tutta Forza hará realidad en este concierto.

Bibliografía

• David Fanning and Laurel Fay. “Shostakovich, Dmitry”. Grove Music Online. Oxford Music Online. Oxford University Press, en http://www.oxfordmusiconline.com/subscriber/article/grove/music/52560 [Consulta: 20 de enero de 2016]

• Peter Tchaikovsky – Romeo and Juliet, String Serenade, Francesca da Rimini. Victor Ewald – Brass Quintets Nos. 1, 2 & 3. 2010. Ondine Inc. Helsinki. Notas al programa: Jean Christoph Hausmann.

• “Shostakovich against Stalin, The war symphonies” - A Documentary by Larry Weinstein, en https://www.youtube.com/watch?v=--fSOJzGJnM [Consulta: 22 de enero de 2016]

• Vladimir Ashkenazy on the Path of Jean Sibelius, en https://www.youtube.com/watch?v=VnPFI3Yf5dY [Consulta: 22 de enero de 2016]

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GASPAR HOYOS�auta (Colombia)

HUGUES LECLÈREpiano (Francia)

Miércoles 13 de julio de 2016 · 7:30 p.m.Bogotá, Sala de Conciertos

Biblioteca Luis Ángel Arango

Gaspar Hoyos y Hugues Leclère también se presentarán en Ibagué y Girardot

Estos conciertos cuentan con el apoyo de la Embajada de Francia en Colombia,

del Institut Français y de la Alliance française

MELISSA ALDANAjazz (Chile/E. Unidos)

Domingo 31 de julio de 2016 · 11:00 a.m.Bogotá, Sala de Conciertos

Biblioteca Luis Ángel Arango

Melissa Aldana también se presentará en Quibdó, Manizales, Pereira, Armenia y Popayán

BLANCA URIBE y HAROLD MARTINAdúo de pianos (Colombia/Curaçao)

Miércoles 10 de agosto de 2016 · 7:30 p.m.Bogotá, Sala de Conciertos

Biblioteca Luis Ángel Arango

Blanca Uribe y Harold Martina también sepresentarán en Barranquilla y Medellín

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