Nuevo Mester de Juglaría

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Nuevo Mester de Juglaría

Cuando a finales de los años sesenta empezó en España el resurgir de las músicas de raíz, apenas había gente joven que tuviera conocimientos al respecto. La suerte de que Ismael y Joaquín Díaz publicaran sus primeros discos y alcanzaran gran notoriedad, especialmente entre los estudiantes universitarios, hizo que otros muchachos se interesaran por esos temas. Pioneros, entre ellos, fueron los componentes de Nuevo Mester de Juglaría. En 1969 comienzan su andadura por lo que se llamó "Música Folk". Estudian los cancioneros, los métodos de investigación etnográficos, hablan con los intérpretes populares y los estudiosos que les han precedido y elaboran su propia metodología para realizar sus encuestas, dirigiéndose fundamentalmente al rescate de melodías y ritmos tradicionales y populares. Hacen trabajo de campo en los núcleos rurales y urbanos de su provincia y otras limítrofes, sin desaprovechar las visitas a cualquier otro lugar. Fruto de todo ello es la recopilación de múltiples melodías de los mas variados géneros, así como otros muchos aspectos del entorno social en que se desarrolla esta expresión, con lo que tienen una base sólida y contrastada que posteriormente comparan con otros trabajos realizados en esa zona o sobre ese tema. Eligen como forma de expresión pública los conciertos y los discos, convirtiéndose en el grupo peninsular que alcanza mayor popularidad, con una formación que sirve de modelo a cientos de otros grupos españoles. Han expresado su música en ventidos grabaciones con la aportación de múltiples canciones y ritmos, esencialmente segovianos. Y en esas grabaciones incluyen algunos monográficos: Romance de El Pernales, cantando las aventuras del afamado bandido “generoso”; El día de la función, colección de las canciones interpretadas en la fiesta de un imaginario y pequeño pueblo castellano; Para bailar, conjunto de canciones tradicionales infantiles enlazadas para formar un gran corro; La voz del vino, maravillosa discusión –de Ignacio Sanz- entre agua y vino para discernir quien de ambos tiene mayores virtudes, y para ello se hace un recorrido por los ritmos musicales de las regiones españolas, quedando el vino ganador, como no podía ser de otro modo ; Del Romancero segoviano, colección de romances tradicionales recogidos en la provincia; A ti querido cochino, otros textos de Ignacio Sanz dedicados al cerdo y todas sus funciones, con un manifiesto excelsamente satírico, creación del grupo, titulado No somos light. Pero entre todos destaca "Los Comuneros", texto de Luis López Álvarez que describe la rebelión de las Comunidades contra el absolutismo de Carlos I, al que el grupo, en la primera versión de 1976, puso músicas de raíz tradicional. Esta obra se convirtió en el himno "no oficial" de los castellanos, y es un cántico reivindicativo con el que se identifican otras muchas gentes. De la misma se hizo una segunda grabación, en directo, en el 2004 que añadía algunos episodios no incluídos en la primera por falta de espacio físico que había en los medios de entonces. Ambas versiones se han interpretado, y se


siguen interpretando, por múltiples teatros de toda España, con una formación escénica de 12 músicos. Durante treinta y nueve años sus actuaciones, por toda España y varios países, son multitudinarias, una gran fiesta popular. Han participado en muchos festivales, se les ha visto en las plazas mayores de cientos de lugares (en la de Madrid, 19 años seguidos), han cantado en recintos históricos, en teatros, plazas de toros, polideportivos, han subido a múltiples escenarios de colegios mayores y otros recintos de universidades, sus actuaciones en fiestas multitudinarias han sido constantes y, por supuesto, su presencia en televisión, radio y prensa ha sido continua. Además se puede decir que lo que ha hecho el Mester en todos estos años sigue sorprendiendo por su frescura, originalidad y una constante evolución enriquecedora, como lo demuestra su grabación “Todo Duero” (textos de los grandes poetas y músicas del grupo alrededor del río padre de Castilla) que les mantiene en una primera línea de todos los estilos musicales que se escuchan en España, y en puesto destacadísimo en la música folk. O su última aportación “Titirimundi”, diecisiete canciones (con letras de Ignacio Sanz) que recrean el mundo infantil en el festival titiritero que, cada mes de mayo, se celebra en Segovia.

La labor del Mester ha tenido múltiples reconocimientos, como la Medalla de oro al Mérito Cultural de Segovia, Abanderado del Cochinillo, Castellano de pro, Ome bueno y leal, Miembros de la Orden del Cuto Divino, Premio Nacional De Folklore, Matanceros Del Cochino, Embajadores de Segovia 2016, Premio Aniceto Marinas, …

Componentes: Llanos Monreal (voz, percusiones, guitarra), Fernando Ortiz (voz, guitarra, dulzaina, saxo), Rafael San Frutos (voz, guitarra), Francisco García (voz, bajo) y Luis Martín (voz, bandurria). Acompañantes habituales: Jesús Martín (voz, laúd, guitarra), Álvaro Mendía (teclados), Rodrigo Muñoz (batería y percusiones). Acompañantes en el concierto de Segovia: Carla Muñoz (cello), Carlos Alonso (viola), Fernando Ortiz Monreal (violín), Cristina Ortiz (flauta), Eugenio Uñón (percusiones).


Emilio Cao

Sus primeros pasos musicales, siendo adolescente, están vinculados a la música pop en su ciudad natal, participando en diversas formaciones (Brétema, NHU...). Poco después fue llamado como músico acompañante por componentes del grupo de cantautores “Voces Ceibes” (Benedicto, Bibiano) que en aquellos años setenta interpretaban canciones políticas y sociales en idioma gallego contra la dictadura franquista, reflejando una realidad diferente a la oficial. En esta época comenzó a hacer sus primeras canciones. Fue también en aquellos años miembro del “Movimento popular da canción galega”, colectivo que dinamizó el panorama gallego de la canción de autor y la música folk. A mediados de los sesenta deja Galiza y visita y vive en numerosos países europeos: fue músico en el metro de París, lavaplatos en restaurantes barceloneses, aprendiz de otras realidades psicodélicas en Amsterdam, jardinero en Copenhague... En una de sus vueltas a Galiza, y por casualidad, encontró un arpa en una tienda de instrumentos de segunda mano. Poco a poco y de manera autodidacta comenzó a interpretar y componer para ese instrumento. Un año después grabó su primer disco FONTE DO ARAÑO, 1977, saludado unánimemente por los medios de comunicación con excelentes críticas. Este disco, el primero de la llamada música celta en Galiza, fue un cambio de rumbo importante para la música de su país y abrió caminos seguidos más tarde por numerosos artistas. Es importante también señalar que Emilio Cao fue el primer músico que recuperó el arpa como instrumento dentro de la música folk de su país (existen evidencias de su uso en la Edad Media), siendo este instrumento de frecuente utilización hoy en día en diversas formaciones. Inició en esta época su amistad con la ya anciana arpista galesa Elsie Thomas de Swansea, y con el también arpista bretón Alan Stivell, que presentó la primera grabación de Emilio. En toda su carrera ha mantenido una larga relación con músicos y cantantes portugueses (Fausto, José Afonso, Carlos Paredes, Mafalda Veiga...) compartiendo proyectos y escenarios fruto de la gran proximidad cultural existente entre Galiza y el país portugués; también recientemente prepara proyectos con músicos de otros países de habla portuguesa (Timor Este, Angola...). La importancia de la poesía en el trabajo de Emilio Cao queda bien patente en toda su discografía. Junto a colaboraciones con poetas gallegos actuales tan significativos como Uxío Novoneyra, Suso de Toro, Anxo Ballesteros..., su obra también incluye a clásicos como Rosalía de Castro o Manoel Antonio (el piloto de barco y poeta de principios de siglo, a quien Emilio dedicó enteramente su quinto disco CARTAS MARIÑAS). A partir de 1983, y alternando la grabación de sus discos, compone innumerables bandas sonoras para teatro, audiovisuales y danza contemporánea. En todos estos años realiza conciertos en toda España y muchos países europeos, con su música intimista y evocadora de tiempos lejanos, de su país Galiza, o de mundos de sueño y ensueño, a los que con su arpa con tanta facilidad nos puede transportar.


El Fogón de Los Arrieros Grupo constituido por aficionados al folklore iberoamericano con especial atención a música y canto de Argentina, Bolivia, Perú, Chile y Venezuela. Su trayectoria musical es breve, comenzando su andadura en 1996 y teniendo como objetivo la difusión de la música folklórica iberoamericana en la sierra madrileña. Han participado en eventos y recitales folkloricos: en Pozuelo (2001), en el III Encuentro de Amigos del Folklore Argentino en La Granja de S. Ildefonso (2003), en la Casa de la Cultura de Cerceda (2005), llevado a cabo recitales benéficos a favor de los damnificados de la inundaciones de 2000 en Venezuela (2000), en favor de la ciudad de Jujuy, en favor de Médicos del Mundo en El Boalo (Madrid) y en diversos certámenes de actos de contenido solidario, como las dos ediciones de los años 2007 y 2008 del Acto en Favor del Proyecto Hombres Nuevos radicado en Bolivia, teniendo siempre como referente la música folklórica latinoamericana. En esta ocasión integran el grupo los siguientes componentes: Jesús Martin (guitarra), Rafael López-Chapi (guitarra), Alfonso Vecilla (guitarra), Julio Terroso (percusión: bombo, huankara, caja,...), José Luis Martinez (viento: kenas, tarkas, sikus, zampoñas, toyo,...) y Chema Ortiz (charango, cuatro, guitarra).


Trilla Trilla nace a finales de 2006 con la intención de hacer composiciones propias basándose en la música tradicional. Sin artificios, sense clofolla (sin cáscara), solamente tres: violín, acordeón diatónico y percusiones. Instrumentos como el cajón o el bendhir se añaden sin preocuparse por la coherencia histórica o geográfica, la esencia sin embargo es siempre la misma: folk, de aquí, natural y actual, sonidos sinceros y sin tapujos. Trilla es grupo estable de “Cal Macarró” (taberna) hasta el otoño de 2007. Los conciertos más destacados después de este período son en la Universitat per la Pau (2006) de Sant Cugat del Vallès, Tradicionàrius (2007), en Barcelona y el 17è Festival de Música Tradicional de Calaf (2007). Lo más destacado para el 2009 es la participación en los actos de celebración de la Fête de la Musique en Rufisque (Senegal) a mediados de junio. Componentes: Gerard Díaz (acordeón diatónico, bombo y bendhir), Anaís Falcó (violín) y Àngel Laguna (Gralla, Sac de gemecs, whistles, cajón flamenco, pandereta y bendhir).


Coetus (Orquesta de percusión ibérica), con Eliseo Parra En la Península Ibérica hay una serie de instrumentos de percusión mayoritariamente desconocidos que, a lo largo de la historia, han servido para acompañar el baile, canciones, romances o bien para marcar el paso en las procesiones. La mayoría de estos instrumentos se han tocado por separado o bien con la función de acompañamiento. El experimento de Coetus consiste en unirlos por primera vez y dotarlos de un lenguaje propio inspirado en los ritmos tradicionales, pero sin hacer folklore, y crear un diálogo activo con la voz. Actualmente, la situación de estos instrumentos es de un lento resurgimiento, ya que durante la mitad del último siglo algunos han quedado en desuso o, como mínimo, muy lejos de la calidad de populares. Los instrumentos de la orquesta Pandero cuadrado de Peñaparda; Pandero cuadrado de León: Adufes de Portugal; Panderetes Vascas y Asturianas; Pandera de Estremera; Sartén del Payo; Cántaras; Cañas rocieras; Caldero; Almirez; Tarañuelas; Castañuelas; Tambor de Calanda; Tambor del Hierro; Cajas; Triángulo; Matracas; Tabales; Cedazo; Tabla de lavar; Azada; Trikolotraku; Pitos; Litófonos de Tenerife; Arpa de Boca; Tambor de cuerda; Zambomba; Botella de anís. Músicos Eliseo Parra, Aleix Tobías, Antonio Sánchez, Anna Tobías, Didac Ruiz, Angelo Manhenzane, Frak Gorriz, Marc Vila, Ramón Rodríguez, Bernat Torras, Mariona del Carmen, Alberto Ruiz, Martí Hosta, Fran Lucas, Akari Bertán, Silvia Pérez. Todos ellos son percusión y voz.


Xarnege Xarnege o charnegue es una palabra gascona con la que se denomina a los pueblos fronterizos entre el País Vasco y Gascuña, un territorio, cruce de caminos, en el que las dos culturas han sabido convivir, mantener espacios propios y crear formas de expresión diferenciadas a partir de un mismo origen. Y como ellos, la propuesta musical del grupo Xarnege es mestiza, un proyecto de colaboración entre músicos de ambos lados de la frontera, vascos y gascones, para crear una música libre, contemporánea, a partir de la tradición de estos pueblos y de los abundantes elementos comunes de ambas culturas. La música de Xarnege es tradicional: branles, gavotas, jauzis, segidas, polkas, rondeus, mutchikoak o valses, rica en timbres arcaicos, armonizados e interpretados a los modos vasco y gascón, con un mismo espíritu. La amplia gama sonora de Xarnege procede de más de una docena de instrumentos que utiliza en los conciertos, muchos de ellos de fabricación propia, ya que uno de los músicos es luthier e investigador del folclore de su país. Uno de los sonidos más atractivos es el producido por la zanfona, "un instrumento que pasó de la corte francesa a los mendigos", según cuenta Xarnege. Durante la temporada 2007/08 Xarnege se ha convertido en uno de los grupos más interesantes del Nuevo Folk del sur de Europa y su enfoque innovador de las raíces musicales comunes de ambos culturas, ha sorprendido y cautivado al público nacional e internacional. Componentes: Joan Baudoin (boha, flabuta, zanfona diatónica, tamborín y voz), Simon Guillaumin (zanfona cromática, flabuta, caramera y voz), Lucia Longúe (zanfona diatónica, flabuta, tamborín, caramera, voz y programación), Josean Martín (bouzouki, mandolina, guitarras y voz) y Juan Ezeiza (violín, dultzaina, alboka, txanbela, cromorno, xirula y bajo)


Milo ke Mandarini Milo ke Mandarini (“Manzana y Mandarina” en griego), ofrece un espectáculo musical con temas del folklore de los países mediterráneos y orientales. Para ello, emplean las técnicas interpretativas e instrumentos musicales de los países de origen, transportando al espectador a un lugar lejano o no tanto… De su creencia en los viajes como un método de aprendizaje, nace un espontáneo interés hacia las músicas de raíz, hacia esa cultura de los pueblos que parece diluirse con el tiempo. Sería después de conocer la isla de Creta, cuando comienzan a investigar las músicas del Mediterráneo y sus influencias, con el afán de darles vida. Componentes Isabel Martín: Voz, percusiones tradicionales de la península (cucharas, almirez, mortero, botella de anís, sartén, cajón) y percusiones orientales (bendir, riqq, daff). Inclinada hacia la investigación de las músicas tradicionales y de la cultura de los pueblos, estudia canto y percusión con diferentes maestros como Vanesa Muela, Mónica de Nut o Jaime Medina. Interesada en la sensibilización social, promueve la difusión de este patrimonio cultural “en peligro de extinción” y los valores que le acompañan: interculturalidad, tolerancia, solidaridad... Carlos Ramírez: Saz, oud, lavta, sarod, rubab, bouzouki, mandolina, cümbüs, cura... Su camino musical comienza con la guitarra clásica cuando era un niño, para después interesarse por otros instrumentos de cuerda menos comunes. Ha viajado en diversas ocasiones a Grecia y Turquía donde ha tomado clases maestras de saz, ud, makam y música clásica otomana con profesores de primer orden como Ross Daly o Erdal Erzincan.


Brena la Música con Manuel Luna Brena la Música son fundamentalmente seis músicos, dirigidos por el etnomusicólogo Manuel Luna, y un selecto grupo de colaboradores que interpretan música del Norte de la península ibérica. Sonidos logrados a partir de la música tradicional, adaptados con una buena dosis de creatividad, que en este tercer milenio nos presentan un repertorio de tonadas, bailes, picayos y otras danzas rituales de tradición cántabra y el norte de la península ibérica. Brena la Música es el resultado de un sosegado y reflexivo trabajo de reelaboración desde las fórmulas de la música campesina, incorporando letras, arreglos e instrumentación de moderna factura. Manuel Luna, promotor de la idea y hombre experimentado del panorama folk español con una larga trayectoria al frente de La Cuadrilla Maquilera, nos comunica su experiencia ahora desde la tonada norteña. Con más de una docena de discos publicados, sus trabajos han sido dados a conocer por toda España, Francia, Italia, Turquía, Grecia, Noruega, etc...Su actividad se complementa con la faceta de investigador, contando con más de una treintena de publicaciones sobre antropología musical española y recopilaciones de campo, algunas de ellas dedicadas a Cantabria, origen de interpretaciones que dieron razón a trabajos como “Los Gallos de Londres” y “Papelería Rocio”. Ahora nos presenta su último disco, “Mejor una canción”, objeto de esta gira 2009 , grabado por la estructura musical del grupo Brena y músicos como Aura Tazón, Kepa Junquera, Gorka Hermosa, Marcos Bárcena, Paco San José, Javi Palancar, Tony Jarillo, Iván San Miguel, Isidro Terán, coro-ronda La Pozona y otros. Componentes

- Enrique Valiño: violín y rabel. - Víctor Manuel Aja: percusiones. - Daniel Simons: contrabajo. - Sergio Sordo: gaitas y flautas. - Rafael Santana: teclados. - Manuel Luna: voz , guitarra y percusiones.


Krama El grupo Krama presenta un programa de fusión balcánico-flamenco con influencias del jazz y la música contemporánea. Los modos y ritmos irregulares propios de los Balcanes, Grecia y del Mar Negro asimilan las particularidades rítmicas de Irán, India y Marruecos, creando un terreno común donde prevalecen el toque y cante flamencos. El repertorio ofrece temas propios y tradicionales, arreglados para una instrumentación diversa: una variada sección de cuerda donde encontramos guitarra flamenca, bouzouki (un tipo de laud griego), lira de Pontos (violín del Mar Negro), kamancheh (instrumento de cuerda de Irán) y zanfona, con frases que están enfatizadas con kaval (viento de madera típico de los Balcanes) y gaida búlgara. A todo esto se sumaría el papel rítmico de la percusión sobre el que reposa el sonido de Krama: tabla india, cajón, tinaja y panderos. Componentes: Spyros Kaniaris (guitarra flamenca, lira de Pontos, kamancheh, Sarangi), Abel García (zanfona, guitarra acústica), Pep Ahuir (bouzouki, gaida búlgara, kaval), Osvaldo Jorge (tabla, ghatam, kanjira), Isabel Julve (voz)


Davide Salvado

Davide Salvado es un artista integral, capaz de llenar el escenario con su carismática presencia. Su música recoge la tradición más desnuda y nos la ofrece sin aderezos superfluos, pero con una cuidada y personal interpretación. A partir de repertorio tradicional gallego, portugués y castellano, Davide presenta un espectáculo en el que su voz, llena de matices y dramatismo, sutil y potente, brilla y convence, llena y llega. Davide se acompaña con percusiones tradicionales, como la pandereta gallega, el pandero cuadrado de Peñaparda o el adufe portugués. En esta ocasión, además, Davide contará con la colaboración del intérprete de bouzuki y guitarra Gonzalo Góas, colaborador de grupos como Xúa o Brath


La Carraca (Espectáculo musical infantil) En la primavera de 1981 nacía en Valladolid La Carraca. Un grupo de personas, inquietas por la recuperación de la música tradicional, pensaron que la canción popular infantil también merecía recibir atención. A finales de 1984, salió al mercado su primer disco, “El cuento de la carraca”, que además de recibir multitud de elogios por su frescura y calidad, obtiene el Premio Nacional a la mejor grabación infantil, otorgado por el Ministerio de Cultura. Este galardón supuso para los componentes de La Carraca el empujón definitivo, que les permitió aumentar su campo de actuación fuera de las fronteras de Castilla y León. Un año después graban su segundo disco, “Las historias del abuelo Milcuentos”, que recibe similares elogios que el anterior. Inician también, una serie de salidas a diferentes países europeos, que continuarán en los años sucesivos, al tiempo que siguen llevando su espectáculo por multitud de escenarios españoles. En 1988, aparece su tercer disco: “A la una, a las dos y a las tres”, que mantiene la línea de los anteriores. A finales de 1991, llega un nuevo trabajo discográfico, “El cuarto de los juegos”, que La Carraca llevó por multitud de localidades con el apoyo musical de la “Orquesta Trampolín”. Tras “Quinto, quinto gorgorito”, nuevo disco aparecido en los últimos meses de 1991, en 2001, coincidiendo con el XX aniversario de su fundación, La Carraca puso en circulación un nuevo trabajo “Peroquésexto”, con nueva compañía discográfica y unos sorprendentes arreglos de uno de los componentes de la Orquestina Trampolín, Alberto Requejo. El mismo año se graba “Cançons tradicionales castellanes” en colaboración con Pep López, trabajo didáctico para los colegios de Cataluña. Y en el 2006, al cumplir las bodas de plata de constante trabajo, aparece en doble formato DVD-CD, “25 años en directo”, con una selección de los temas más populares del grupo, grabados en dos conciertos celebrados en Madrid el 4 de diciembre de 2005. En todo este tiempo de andadura La Carraca ha llevado su espectáculo a multitud de grandes y pequeños escenarios de toda la geografía española, con alguna salida allende los Pirineos: Francia, Suiza, Alemania, Bélgica... Su polivalencia les permite hacer jugar entre las butacas de un teatro u otro espacio cerrado y montar grandes fiestas en cualquier plaza, gracias a la calidad de su música en directo y el ambiente divertido que se contagia desde el escenario hacia unos espectadores que no paran de jugar y bailar. Componentes Eugenio Rodríguez “El Chino” (voz y flauta), Arturo Manzano “Arlequín” (voz), Jaime Lafuente “El Primo” (voz y guitarra), Alberto Requejo (saxo), Chuchi Marcos (bajo), Julio García (batería).


Marful Una puesta de largo para tres grandes músicos y una voz conmovedora, conocidos y reconocidos por sus carreras artísticas individuales. Se unen formando un cuarteto inspirado en la fusión de ritmos de tradición europea y americana, en los carnés de baile, en las casas de indianos, en los puertos gallegos... imprimiendo un carácter contemporáneo y único; el estilo MARFUL. Twist, tangos, habaneras, pasodobles cantados con letras irónicas, impregnadas de malicia, de amor y desamor... Canciones que hablan de nuestro tiempo desde los ojos de una mujer nacida en el "baby boom" de los años 70 en la costa Luguesa: Ugia Pedreira. Sonidos elegantes y arreglos musicales de un guitarrista gallego que toca flamenco, de A Pobra do Caramiñal: Marcos Teira Y de dos hermanos, Los Pascuales, Pedro (acordeón diatónico) y Pablo (clarinete bajo), hijos de emigrantes de A Cañiza en Madrid, que escuchaban de pequeños a las orquestinas que su tío grababa con un magnetófono, en las fiestas de A Franqueira, allá por el año 1956. Dicen de Marful: “La música de Marful es una bendición", "de lo mejor que se ha hecho en la música gallega en los últimos 15 años. Este grupo es el toque de aire fresco que estábamos esperando”. “Un disco que ha dado otra vuelta de rosca a la música gallega: atrevido, directo, actual... en el mismo filo de la ambigüedad, donde también existe la emoción. Un resultado en cualquier caso de una elegancia irreverente”. Sus componentes Una de las voces más transgresoras y controvertidas del panorama musical gallego, Ugia Pedreira Una voz a contracorriente. Una gran dosis de talento y creatividad. Un animal del firmamento. Dirige la Central Folque, y ha colaborado con músicos como Antón Reixa, Kaki Arkarazo, Gaiteiros de Lisboa y Susana Seivane, entre otros. Ha realizado espacios sonoros para teatro y forma parte del proyecto Nordestin@s. Marcos Teira Es uno de los guitarristas referentes en Galicia en los últimos años. Su formación y trabajos están especialmente ligados al rock (Psicofónica de Conxo) y al flamenco (Pimenteira, Chua Alba, etc...).En la actualidad acaba de editar su segundo disco "Alí" y además trabaja en el nuevo proyecto "Úlo Trío" aflamencando repertorio rock. Pedro Pascual


Profesor, arreglista y compositor, directamente ligado a proyectos como Laio, Nuke Trío o Talabarte Trío. Ha acompañado en grabaciones y directos a grandes nombres como Leilía, Uxía Senlle, Budiño, María Salgado, Jacky Molard, Jorge Drexler,... En la actualidad imparte clases de acordeón diatónico en la Central Folque de Santiago de Compostela. Pablo Pascual Se forma como clarinetista en Madrid y Vigo de la mano de grandes maestros como Miguel Romea o Harry Sparnaay. Ha colaborado en directo con grupos como Amistades Peligrosas, Greta y los Garbo, Javier Bergia, Rao Trío, además de realizar grabaciones con Laio, Germán Díaz, Budiño, Mago de Oz, etc... Ha formado parte de la Imaxina Sons Orquesta, primera orquestra de jazz de Galicia.


Realejo Una de las propuestas más frescas e interesantes del momento dentro de la música folk portuguesa . Instrumentistas de gran renombre como Fernando Meireles, Amadeo Magallaes (Dulce Pontes), Miguel Veras (Julio Pereira) y una excepcional voz, Caterina Moura (Segueme a Capela, Brigada Victor Jara). Música de cariz tradicional ejecutada con instrumentos tradicionales portugueses, en su mayor parte construidos por su zanfonista Fernando Meireles . La prensa ha dicho.... “Una música emergiendo de un tiempo sin tiempo, más que un grupo es un verdadero proyecto cultural”. (Mario Correia / Mundo Cancao). “Uno de los proyectos de música popular más interesantes y originales de los últimos tiempos”. (Lidia Pereira / Diario Beiras). “Posicionados a la cabeza de las nuevas bandas de raíz tradicional, con la música antigua sobre el horizonte”. (Fernando Magalhaes / Publico). “Realejo se perfila en el panorama folk portugués como un caso a parte”. (Americo Sarmento / Jornal de Noticias). Vídeos : http://es.youtube.com/watch?v=QIh2bus4afw http://es.youtube.com/watch?v=eFse3-nkO6U http://es.youtube.com/watch?v=2Xk5ATMFyTo

http://es.youtube.com/watch?v=QIh2bus4afw

http://es.youtube.com/watch?v=eFse3-nkO6U

http://es.youtube.com/watch?v=2Xk5ATMFyTo


Abrojo Abrojo se formó en 1996 con el objetivo de colaborar en el mantenimiento de la música tradicional y trabajar en la composición de temas propios. Sus componentes son unos enamorados de esta música y en este tiempo han recorrido gran parte de Castilla y León, aunque han hecho actuaciones también en el resto de España. Tras más de cuatrocientas actuaciones, Abrojo mantiene básicamente la estructura de sus comienzos en cuanto a instrumentos se refiere, ya que desea mantener los sonidos puros de su música. Componentes Librado Rogado (Dulzaina y Flautas), Angel Martín (Voz, Laud y Guitarra), Julián Rodríguez (Guitarra y Percusiones), Maxi Alija (Coros y Percusiones), Luis Fernando Sanz (Guitarra), Pilar Prieto (Voz y Percusiones), Juan Carlos Mate (Acordeón, Bajo, Guitarra y Voz), Pedro Fraile (Voz y Percusiones).


Amanida Folk

En su espectáculo, Amanida Folk presenta el repertorio de su nuevo disco, “El Guerxo i la Donzella”, un disco que refleja la sonoridad y el lenguaje alcanzados por el grupo después de casi diez años de trayectoria. La propuesta musical de Amanida Folk es una combinación de melodías y ritmos provenientes de las diversas culturas bañadas por el Mediterráneo. Unas melodías que son fruto de la tradición y que nacieron con una finalidad muy clara: el baile. Por este motivo, los músicos se permiten la licencia de jugar con ellas, arreglarlas, combinarlas e incluso componer nuevas melodías basadas en los compases del baile tradicional. La finalidad es mostrar al público la belleza de la música mediterránea con todos sus ingredientes: el virtuosismo, el lirismo y la improvisación. En definitiva, el concierto de Amanida Folk es un viaje. Un viaje por las músicas y los ritmos; por los compases de vértigo de los Balcanes, por las nostalgia de las melodías griegas o por la vitalidad de los gitanos rumanos. Una propuesta que conecta con el público desde el primer minuto y que no deja a nadie indiferente. Los músicos Aleix Puig: violín; Gregori Ferrer: acordeón; Jordi Díaz: clarinete; Oriol Castanyer: violonchelo; Jose Maya: guitarra; Oleguer Aymamí: violonchelo. Grabaciones “Amanida de Danses” (Amanida Folk, 2001) “Remena la Vinagreta” (Amanida Folk, 2005) “El Guerxo i la Doncella” (AxB Music, 2008)


Asociación Cultural Grupo de Danzas La Esteva. Currículo del Grupo Juvenil

Como Asociación Cultural nace en 1987, formada a partir del grupo de Coros y Danzas en 1.942. Sus objetivos se centran en labores de investigación, recopilación, promoción, divulgación y defensa del folclore y cultura tradicional castellana. El folclore del grupo recoge la rica variedad de danzas: baile de rueda, bailes rituales, bailes de hombres, bailes colectivos, etc., coreografiados en forma de rueda, estrella, arcos, cruces, calles, etc., acompañados con los instrumentos tradicionales: guitarra, laúd, bandurria, dulzaina, tambor, almirez, castañuelas,... El vestuario que presentan va en consonancia con el tipo de piezas que interpretan, así el traje de gala se utiliza para los temas que se desarrollaban el día de la fiesta, el traje de segadores para las piezas de labores y por último el traje para danzas de paloteo que se desarrollaban durante las procesiones religiosas. Son jóvenes estudiantes de ambos sexos, de edades comprendidas entre 14 y 18 años, con una gran afición al folclore de nuestra tierra desde su niñez. Este grupo juvenil ha representado a Segovia y España en numerosos Festivales Nacionales e Internacionales Juveniles en Lorca, Vivero, Orense, Badajoz, Polonia, Alemania,...


Raíces de Aragón La vida de Raíces de Aragón comienza, por iniciativa de su fundador, coreógrafo y director, Ángel Martínez Quesada, que fue campeón de Aragón tres años consecutivos (1968, 1969 y 1970), premio nacional de baile, coreógrafo diplomado y miembro numerario del Consejo Internacional de la Danza. Coreográficamente, Ángel Martínez ha sido el renovador de nuestro baile. Algunas muestras: “La Dolores” “Gigantes y Cabezudos”, “Una noche en Calatayud”, “Bolero de Alcañiz”, “La jota vieja de Aragón”, “Danza de los labradores”, “Boda en Aragón”, “Paloteo”, “Sobrestante”. Entre sus últimos montajes coreográficos podemos resaltar la inauguración mundial de la Exposición Internacional Zaragoza 2008, la Gran Gala de la Jota, con todos los campeones de Aragón, que fue creada en 1977 con grandes figuras de nuestro folclore, para recopilar y sacar a la luz las músicas, los cantos y los bailes de nuestra tierra, consiguiendo inmediatamente una meritoria difusión de los mismos en el plano nacional e internacional. Desde entonces, y hasta la fecha, ha tenido una gran actividad en la recopilación de músicas, cantes y bailes antiguos, y en la creación de nuevas coreografías, que han sido ampliamente difundidas en sus actuaciones a nivel regional, nacional e internacional. Sin duda, Raíces de Aragón ha contribuido a enriquecer nuestro folclore ayudando a darlo a conocer por todo el mundo. Todo el historial de Raíces de Aragón ha sido posible gracias a su Escuela de Folklore, a la que se ha dedicado principalmente en su actividad docente, porque el futuro de un grupo depende, en gran medida, de una escuela que lo respalde, todo ello motivando a sus alumnos con diferentes actuaciones. En el grupo predomina la juventud, gracias a la Escuela de Folklore, que en todas sus modalidades, nutre a Raíces de Aragón de nuevos valores. Raíces de Aragón, su forma de ser y actuar en estos años, ha creado escuela.


Grallers de L’Acord

El Grup de Grallers de l’Acord de Vilanova i la Geltrú (Barcelona), es una formación estable desde 1979, época en que estos instrumentos tradicionales, de la familia de los oboes elementales, no ocupaban dentro de los ambientes y fiestas populares, el lugar más adecuado y reconocido. Desde su creación, el grupo ha compaginado una labor de investigación y búsqueda de material tradicional, con adaptaciones para la gralla de nuevos ritmos y posibilidades tanto armónicas como melódicas. Por otra parte, han dedicado tiempo y esfuerzos a impartir cursos de formación, ayudando positivamente a la aparición de nuevos grupos, imprimiendo un estilo personal e inconfundible.


Armando Ruido Armando Ruido, proyecto musical que fusiona ritmos latinos con melodías tradicionales castellanas, fue creado en julio de 2008 con el fin de animar las Ferias de Valladolid. Tras la buena acogida, el grupo ha presentado su espectáculo en diversos lugares donde han dejado huella por su ritmo, simpatía y aire festivo. La idea base del grupo es hacer bailar a todos los espectadores, con un instrumento tan nuestro como la dulzaina, acompañada con una potente base de percusión. Y si a esto añadimos un andamio lleno de cacerolas y sartenes, el ritmo y la diversión están asegurados.


Angel Rufino de Haro, “El Mariquelo”

Ángel Rufino de Haro debe su apodo a que en 1985 rescató una tradición interrumpida nueve años antes. El 31 de octubre de ese año, ascendió a lo más alto de la torre de la Catedral Nueva de Salamanca, tocó la campana del Reloj, trepó hasta la veleta, en lo alto del pináculo, con el tamboril al hombro y agarrado por medio de las piernas a la bola que sustenta el punto más alto de la catedral, más allá del cual se extiende el cielo, tocó la gaita y el tamboril durante un cuarto de hora a ritmo de charrada. Este es el personaje tras el que se esconde un profesional de fulgurante carrera, con decenas de premios, galardones y distinciones con los que pasea el nombre de Salamanca por todo el mundo. Con la arrogancia, el porte y la elegancia de los charros antiguos.

Los antecedentes

El 31 de octubre de 1755 las entrañas de la tierra bramaron a escasos kilómetros de las costas de Lisboa. El famoso terremoto dejó a Lisboa quedó totalmente arrasada. Sus efectos se propagaron a Salamanca, cuya población se refugiaba en la catedral presa del pánico, mientras sentía los tañidos de las campanas sonando sin intervención humana y el suelo tambaleándose bajo sus pies.

El origen

El cabildo catedralicio de Salamanca en aquel momento dio origen a lo que más tarde se convertiría en una tradición, cuando estableció que todas las vísperas del día de Todos los Santos subiese alguien para tocar las campanas, incluso la más alta y externa de la torre (la denominada "del Reloj").

Dentro de la catedral tenía su vivienda una familia encargada de llevar a cabo los distintos toques de campanas y fueron ellos los encomendados para cumplir con el edicto del cabildo catedralicio. En Salamanca eran sobradamente conocidos. El apodo de la familia: Los Mariquelos.

La actualidad

En 1976, Fabián, el último descendiente de la familia de los Mariquelos, cumplió por última vez con una tradición centenaria. Después de aquello, se dio por perdido aquel rito.

Sin embargo, Ángel Rufino de Haro rescata nueve años después aquel cometido y se rebautiza en ese momento como "El Mariquelo", el depositario de la antorcha que obliga a cumplir con esa tradición.


Amigos de la Ronda de Horche Asociación formada en 1997, el grupo como tal nace dentro de la Asociación en 1999 con el fin de recuperar y actualizar las canciones típicas de Horche y alrededores. Durante estos años y hasta 2009, realizan un certamen Folk durante la primera semana del mes de mayo con la participación de seis grupos por certamen. En las proximidades a la Navidad organizan un homenaje a todos los horchanos que cumplen 90 años, y en el transcurso de las fiestas patronales (primeros de septiembre) celebran una actuación junto con algún grupo acompañante. Durante estos últimos años la media de actuaciones está situada entre 10 y 15 por año (básicamente en el ámbito provincial, aunque también han estado en Madrid, Toledo, etc.). Durante este año comenzaron su andadura en San Blas (Iriepal) en el IX Certamen folk de Horche, en el III Encuentro de Rondas de Cuenca, en el XI Certamen de la Espiga (Azuqueca de Henares, Guadalajara) y en el III Ecuentro de Rondas “Villas Alcarreñas” (Peñalver, Guadalajara) Componentes Diego Pérez Bandurria y arreglos musicales Luis Fernández Bandurria María Prieto Bandurria Angel Luis Prieto Laud Rubén Ramiro Laud Víctor Cambronero Laud Beatriz Pezuela Guitarra, voz y arreglos musicales Arturo Vázquez Guitarra y voz Julián de la Fuente Guitarra y voz César Retuerta Guitarra y percusión Andrés Fernández Guitarra, timple y voz Soledad Muñoz Voz Jennifer González Voz y castañuelas Mª Antonia Fernández Voz Dolores Martínez Voz Juan Fernández Voz, botella y sonajas Jesús Caballero Percusión Luis Alcántara Voz, Hierros y almirez Nicolás Fernández Voz y percusión Miguel Fernández Voz, güiro, sonajas y letras


Aire Serrano de Yeste AIRE SERRANO es una “cuadrilla” que nació como tal en 1.999, como resultado de dos iniciativas culturales distintas. Por un lado, el Grupo de Música Tradicional “Trovadores de la Sierra”, y por el otro, el “Grupo de Bailes Locales” del I.E.S Beneche de Yeste. En el año 1.997 ambos grupos se fusionaron dando lugar al actual grupo, bajo un objetivo común: “La recopilación del folklore típico de la zona de Yeste y sus Aldeas”. De manera autodidacta, el grupo se ha esforzado en aprender a tocar distintos instrumentos típicos de la zona (cuerda y percusión), al igual que sus distintas danzas, para poder asimilar la riqueza musical y cultural que pretende recopilar. Actualmente la búsqueda y recopilación de los temas se centra en las zonas de la SIERRA DEL SEGURA Y MURCIA. Su labor consiste en la recuperación y muestra del folklore típico del entorno más próximo, para ello continuamente se desplazan a distintos lugares para tocar y bailar con las personas que lo llevan haciendo todo este tiempo, con la finalidad de aprender de primera mano aquellas piezas que posteriormente interpretan en sus actuaciones. Son un grupo de jóvenes que tienen una idea en común: “Recuperar, estudiar y mantener el folklore de nuestra tierra. Lo que nos hizo motivarnos por este tema es la gran riqueza, tanto de bailes, coplas, chascarrillos ...que nuestros mayores han aprendido de generación en generación. Y ahora AIRE SERRANO quiere hacerse eco de esta sabiduría enraizada en la Sierra”. Tanto en Yeste como en sus Aldeas les han enseñado los ritmos y danzas antiguas que en otro tiempo se escuchaban en los “San Antones”, Matanzas, Navidades ... y demás actos festivos. De las piezas más representativas de la Sierra cuentan con la Malagueña y con las Toreras, aunque también hay otras que se diferencian por sus ritmos como son las Gandulas de Boche, Seguidillas, Jotas, Manchegas, Aguilanderos, … Con mucho esfuerzo y dedicación han ido adquiriendo los instrumentos para poder realizar este tipo de música y actualmente cuentan con guitarras, guitarro manchego y murciano, laúdes, bandurrias, violín, pandereta, botella, platillos, postizas ...

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