Musiclife 104

22.18.

7.

24.

42. 50.

Pompeyaerupción tropi-funk rusa.

Por Víctor Baldovinos

Brent Fischerlatin jazz de abolengo

Avances sound:check Xpo2014 Master Classes con Nacho Mañó,

Bostich + Fussible y Alex Skolnick

DistorGuadalupe Plata

Por Alejandro González

Festivales11ª edición del Festival de Jazz

de la Riviera Maya

IndustriaEly Guerra devela el concepto

creativo y producción de El Origen

El sonido grave de su voz al contrabajo y bajo eléctrico ha hecho de Aarón Cruz el cómplice perfecto para la base rítmica del jazz, el rock, el pop y el rock mexicanos. En trío junto a Enrique Nery, Eugenio Toussaint o Héctor Infanzón o como parte de la banda que acompaña a Ely Guerra o en el energético combo A Love Electric -junto a Hernán Hecht y Todd Clouser-, Aarón se ha consolidado como un intérprete cuya principal virtud es jugar en equipo para que suceda la música. Por Marisol Pacheco

“tocamos lo que somos”

36.

Aarón Cruz

[ Año 9, Num. 104 | febrero 2014 ]

1

10. Noticias: Yamaha adquiere Line 6, Ecos del Tejedor 2, hasta siempre Jim Hall & Phil Everly 16. Reseñas: La María Cantú, Raúl Zambrano, Diego Maroto, Iconoclasta, Javier Camarena, HBC 20. Entrevistas: Pablo Prieto, Adrián Terrazas-González 26. Producción: Plug & Play 34. Home Studio: La Caja Sorda 46. Festival de Jazz de Polanco 48. Industria: En Armonía: Síndrome por sobreuso Por Sandra Romo Del Bit a la Orquesta Por Anwar Sánchez 54. Fundación Latin Grammy

Derek Sivers, uno de los columnistas de esta publicación, teórico y fi lósofo fundador del sello CD Baby posee un estilo lúdico y conciso para recordarnos que es en nuestros propios hábitos

donde se hallan, en mayor medida las respuestas para encausar y sopesar el alcance de nuestras decisiones; si éstas nos están llevando a cumplir la meta o proyecto.

Con la ola de refl exión que trae consigo el fi n de un año y arranque de otro, el emprendedor esta-dounidense posteaba en su blog el cuestionamiento: “¿Por qué estoy aquí?”, indicándolo como una pregunta que debiéramos hacernos frecuentemente para establecer si lo que buscamos al principio fue encontrado y si, de no ser así, tenemos los arrestos para aplicar la acción y dirigir los pasos y actividades hacia otros sitios y causas.

Es un acto de honestidad. Sobre esa refl exión perene están los pilares que han dado identidad a los músicos que comparten en este número su historia, con Aarón Cruz al frente en portada, su guía es la búsqueda de verdad en los discursos estéticos que elige para hacer que suceda la música y ésta encuentre en su receptor el vínculo sincero de quien le habla a través de este lenguaje. Que haya conmoción de espíritu y mente.

Siempre claro en su rol como intérprete y acompañante, Aarón se cuestiona desde la juventud los por qué de sus estancias, lo mismo en el grupo con el que hizo covers, que en la banda del artista mainstream, en el estudio de grabación para hacer un jingle, el jam de ensayo o el “palomazo” que le permite interactuar hoy con sus cómplices de giras y de vida.

El resultado es una carrera fi ncada en la congruencia. Una entidad musical en equilibrio y consistente que disfruta descifrar diversos estilos, asume entusiasta el reto de proveer lo propio y lo ajeno llenando el sitio que se le ofrece con luz propia. “Yo creo en algo que dice mi papá: “no es que el arte sea mejor, es que con el arte se vive mejor”; todo se vuelve mucho más amplio aunque pueda ser doloroso y difícil porque te cuestionas inquietudes como hasta qué punto es válido lo que uno hace frente a uno mismo y a los demás… Me encanta la música y con ella me es más que sufi ciente. No lo haces por pose sino por una necesidad de contactar con las personas y compartir…”.

Agradecimos estamos con el bajista por el recordatorio de avocarnos a saber quiénes somos, reco-nocernos y dejar así nuestra propia huella.

Dejar huella

Marisol Pacheco @MarySolPacheco

2

EditorialDIRECCIÓNJorge Urbano

DIRECTOR EDITORIALEliseo Vega

COORDINADORA EDITORIALMarisol Pacheco

DISEÑO Lorena Martínez

STAFF EDITORIALNizarindani Sopeña MERCADOTECNIAIvonne Moreno

COMERCIALIZACIÓNClaudia Pérez

CIRCULACIÓNLaura Rojas

OPERACIONESHoracio UrbanoJavier González Vázquez

ADMINISTRACIÓNMaría PinedaSilvina BustosBeatriz CamachoAngélica Martínez

(55) 5240 1202 y [email protected] www.musiclife.com.mx

music:life. Revista mensual. Año 9, No. 104Editor responsable: Jorge Raúl Urbano CalvaNúmero de Reserva al Título de Derechode Autor: 04-2004-112916553100-102ISSN: 2007-0020Certifi cado de Licitud de Título: 13167Certifi cado de Licitud de Contenido: 10740Distribuido por COMERCIALIZADORA GBN, S.A. DE C.V. Calzada de Tlalpan 572 Despacho C-302, Col. Moderna, Delegación Benito Juárez, C.P. 03510 México D.F.; SEPOMEX, Circuito Parque 3, Col. Ciudad Satélite, Naucalpan, Edo. de México, C.P. 53100 Registro Sepomex PP09-1361 y distribuido por propios medios.Domicilio de la Publicación: Cofre de Perote 132, Fraccionamiento Los Pirules,C.P. 54040, Tlalnepantla, Estado de MéxicoImpreso en: Preprensa Digital, Caravaggio No.30, Colonia Mixcoac, C.P. 03910. México, D.F.

@musiclifemx

MusiclifeMx

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Ya tenemos nuestra app para iPad, así que si tienen su dispositivo de Apple

¡descárguenla ahora! Nos encuentran como Musitech (y ahí también hallarán las de nuestras revistas hermanas sound:check y HOME:tech) y en ésta verán la revista completa además de contenidos multimedia exclusivos con los que podrán

interactuar y así retroalimentarnos a través de nuestras redes sociales.

Los siguientes íconos representan contenidos exclusivos en nuestra versión para iPad

Directorio

Avances

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Con más del 90 por ciento de la produc-ción a punto, el World Trade Center

de la Ciudad de México se transforma para ustedes en la exhibición con las inno-vaciones y actores que dan forma a nuestra Industria de la Música y el Espectáculo en sound:check Xpo los días 29 y 30 de marzo, así como el 1 de abril.

Bandas al escenario, tercera edición del showcase Incubadora de TalentoCon gran interés se atendió la convocatoria para ser parte de las bandas elegidas para sonar en el escenario de sound:check Xpo, a través del concepto Showcase Incubadora de Talento. Proyectos autogestivos darán prueba de sus arrestos en materia de

¡Alistándonos para la décimosegunda!producción escénica sobre un entarimado provisto profesio-nalmente para ellos y su staff de técnicos –en colaboración con la producción de la expo-. Los grupos fueron elegidos con base en un enfoque integral que, además de valorar la consistencia y creatividad del concepto musical, estimó aspectos como logística y plataforma de difusión.

Young Guru, una visión de la industria como músico, productor e ingenieroConvocado por la Audio Engineering Society (AES), Sección México, el también DJ Young Guru participará en el marco de la Jornada Educativa y su visión de la industria discográfi ca permitirá a los asistentes ahondar en los aspectos de producción desde lo creativo musical al desarro-llo de un sonido desde la consola. Parte de las refl exiones de quien ostenta créditos en trabajos al lado de gente como Jay Z, Kanye West y Beyonce pueden atenderse en el blog de su sitio ofi cial, en www.djyoungguru.com

showcase

Young Guru

Avances

7

Avances

Ya habíamos mencionado la participación por primera vez en México de Nacho Mañó (fundador de

Presuntos Implicados) y a él se suman las clínicas de Bostich + Fussible y Alex Skolnick.

Nachó dará una sesión íntima sobre el proceso creativo para la composición, pre producción y desarrollo de concepto sonoro en el estudio de grabación, con la sapiencia que le precede como creador de un sonido sofi sticado para el pop internacional.

El multi instrumentista, compositor, arreglista, adaptador de letras, productor, side man y músico de sesión, ha colabo-rado desde la cabina en grabaciones para Alejandro Sanz, Armando Manzanero, Tania Libertad, Niña Pastori, Santiago Cruz, entre otros y, desde el 2012 enarbola su aventura en solitario bajo el concepto Canto Rodado de Chico Buarque. Mucho puede contar también de lo que se requiere sobre el escenario para llevar el sonido del disco al show en vivo, sin dejar de lado la producción escénica del mismo.

Ha sido catedrático en la Sociedad General de Autores y Escritores (SGAE) donde ha dado clases sobre el rol del productor, la composición y cómo insertarse en la amplia oferta de la industria musical como creador. Para esta ocasión, Mañó alista una guía puntual del uso de las herramientas para maqueteo en el home studio, la estructura de una canción y el registro de ideas primarias para plasmarlas en un demo de calidad.

Master Classes, compartamos talento y experiencias

Nacho Mañó

Avances

8

La dupla formada por Pepe Mogt y Ramón Amezcua, se dará cita en sound:check Xpo para abordar el fascinante universo tecno electrónico detrás del sonido concebido

por el Colectivo Nortec.

Del armado de su set up con cajas de ritmos, interfaces, sintetizadores vintage y modulares, controladores así como su puntual elección de hardware y software especializado y la interacción de estos con los músicos de banda sinaloense que han materializado el groove de esta música electrónica 100 por ciento mexicana, se ampliará en esta sesión práctica a fondo imperdible.

El dueto también compartirá los devenires que al asumirse como músicos independientes les ha tocado vivir, desde la creación de su propio sello independiente hasta surcar las aguas de las nuevas tecnologías para dar forma a una plataforma de difusión efi caz en el marco de las descargas, el streaming y la adecuación de un sólido concepto creativo para sus presentaciones en vivo.

Bostich + Fussible,el motor de la máquina tijuanense de sonidos el motor de la máquina tijuanense de sonidos

Pepe Mogt y Ramón Amezcua

Los riffs de Alex Skolnick se han enlazado al slap de bajistas como Stu Hamm (Joe

Satriani, Steve Vai), Les Claypool (Primus), Michael Manring; al de Ozzy Osbourne y al de la banda Savatage. Promotor incansable del progresivo y bifurca-ciones de éste para entidades que reúnen el rock/pop/proyectos teatrales, ha ganado notoriedad por su aportación en la Trans-Siberian Orchestra.

El sobre todo, reconocido guitarrista del grupo de trash metal Testament, ha venido desarrollando un discurso sincopado particular que le ha puesto en el ojo de la crítica y público jazzístico de todo el orbe; un romance que inici con la transcripción del trabajo de Miles Davis para guitarra, antesala del elogiado álbum Goodbye To Romance: Standards For A New Generation el cual reunió el lenguaje del jazz tradicional con el vocabulario del metal, en lo que marcó un híbrido electrizante y fresco. Músico constantemente solicitado para fabricar modelos signature de guitarra por la singulari-dad de su sonido jazz-rock, su oído es también perseguido para coproducir y afi nar la estética de diversos proyectos musicales, así como jurado en realities de tv.

Sobre sus métodos de compo-sición, desarrollo de sonido en la guitarra, la búsqueda de más vocabulario musical, los pros y contras de la academia y el desarrollo de un entorno autogestivo para promover los proyectos personales, es de lo que hablará este inquieto guitarrista californiano en la doceava edición de sound:check Xpo.

Avances

9

Avances

Alex Skolnick,de Testament al jazz

Alex Skolnick

Noticias

10

Luego de ser aliado comercial en materia de distribución, se dio a conocer que Yamaha cerró la transacción para

hacerse de Line 6, la compañía pionera en fabricación de amplifi cadores de modelación digital para guitarra y sistemas inalámbricos. El anuncio fue recibido con albricias, dado el carácter innovador de la marca y lo que ello repre-sentará para la fi rma nipona en sus planes para ampliar su participación en el mercado del MI (musical instruments, por

sus siglas en inglés).

“Estoy feliz de que Line 6, empresa que ha creado productos innovadores y nuevas oportunidades de

mercado de manera consistente a través de la historia, se convierta en miembro del Grupo Yamaha”, aseveró

el señor Takuya Nakata, presidente de Yamaha Corporation. “Hemos buscado acelerar nuestra

estrategia de crecimiento sumando los efectos benéfi cos de ambas compañías y usando el core de negocio de Line 6 entre los guitarristas que la reconocen ampliamente alrededor del mundo además de su tecnología, planeación y capacidad de desarrollo.

Por su parte, Marcus Ryle, co fundador de

Yamaha adquiere Line 6 Line 6, afi rmó que “por más de 30 años de desarrollo de nuevos productos y más aún, desde que tengo uso de memoria como músico, Yamaha ha sido la marca por la cual siento un profundo respeto. Ellos han marcado consistentemente el estándar de la industria en cuanto a calidad e innovación, estoy muy orgulloso de que Line 6 sea ahora parte de ese increíble legado”.

Con la mirada puesta en convertirse en el camino a seguir para la industria, la suma de estas vocaciones por la apuesta tecnológica en benefi cio de la creación musical, dará mucho qué decir en el presente inmediato.

La compañía Sonic Reality editó la serie de videos para aprender a tocar batería titulada DrummerTracks Drum Legends. Se trata de 16 títulos con lecciones

“dictadas” en video por ejecutantes como Neil Peart (Rush), Nick Mason (Pink Floyd), Bob Siebenberg (Supertramp), Rod Morgenstein (Dixie Dregs), Billy Cobham (Mahavishnu Orchestra), Terry Bozzio (Missing Persons) y Woody Woodmansey (David Bowie’s Spiders from Mars).

El concepto se ancla a lo estimulante que resulta pensar en tener una sesión uno a uno con estos héroes de la batería, quienes guían al usuario en la técnica con la que ejecutaron cortes clásicos de su notable trayectoria. El kit incluye CD y acceso para descargar en línea más tracks para practicar (desde iTunes, Amazon o CD Baby Shop) y se trata de una aplicación compatible con apps similares como AmpliTube guitar/amp software y Garageband, lo que permite a guitarristas, bajistas y tecladistas explorar el formato de playing along que entregan estos titanes de la base rítmica.

Ataca el tambor con los mejores

Noticias

12

Cobijado por la Cafebrería El Péndulo, el Foro del Tejedor que se ubica dentro de su sucursal en la colonia Roma de la capital del país, develó la segunda edición del disco que reúne a los artistas que han aparecido en la cartelera del acogedor y bohemio espacio, como han sido Muna Zul, Hoppo, Fernando Rivera Calderón, Manuel García, Jaime López, The Sconek-t, Torreblanca, Aquellos, Enrique Quezadas, Gerardo Enciso, Edel Juárez, Fratta, Son Peña, David Aguilar, Mauricio Díaz Hueso y Dedo Caracol.

El álbum compilatorio también sirve para dar bienvenida a la tienda de descargas on line que el recinto pone a consideración para las propuestas independientes, a saber www.pendulo.com/latiendadelforo y que han descrito sus fundadores como “un desafío a las grandes plataformas de música en línea y a los cambios del mercado musical apostando por el trato directo con los artistas y el servicio público”.

Para Jaime Ades, director del proyecto, “el Foro del Tejedor ha ido creando una identidad propia más allá de las metas que se fi jaron hace casi siete años, al tratar de concentrar el espíritu musical y creativo del Péndulo en un espacio destinado a los tejedores de la canción”; misión que, nos consta, ha ido superando con creces. El disco se puede adquirir en www.pendulo.com/ecos2 por un costo de 30 pesos.

Ecos del Tejedor, la segunda entrega

Al menos así reporta la agencia Nielsen a través de su estudio SoundScan (en un hecho que no sucedía desde el 2003). El reporte indica que las ventas por descarga de tracks digitales bajaron un seis por ciento, siendo el corte “Blurred Lines” de Robin Thicke el más solicitado con casi 6.5 millones de downloads). También para la venta de discos compacto el 2013 trajo cifras a la baja con una caída de ocho por ciento. En contraste, los servicios de streaming (incluyendo YouTube y Spotify) reportaron un incremento que les ubicó con una participación del 32 por ciento (equivalente a más de 118 millones de escuchas por streaming) lo que en términos monetarios representa 59 millones de dólares. Más detalles en www.nielsen.com

A la baja las ventas de músicapor descarga digital

Noticias

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La comunidad jazzística perdió a uno de sus más prodigiosos guitarristas cuando a la edad de 83 años, se embarcara en

el sueño eterno el timbre inigualable de Jim Hall.

Señalado como uno de los responsables de modernizar el rol que la guitarra ejerce en los ensambles sincopados, Hall expandió el vocabulario existente para ésta acercándola a las atmósferas y tonalidades de la música de concierto. Referente de los recursos para improvisar, era un explorador voraz de los alcances melódicos de su instrumento, siendo los solos que construía una sofi sticada experiencia sonora que no se limitaba en recursos. Fue reconocido como compositor y arreglista prolífi co (el galardón del New York Jazz Critics Circle Award for Best Jazz Composer/Arranger de 1997 y el NEA Jazz Masters Fellowship en 2004, así lo prueban), herencia de su amor y estudio profundo por la música de pianistas y saxofonistas como Bill Evans y Sonny Rollins.

Riffs hacia el cieloJim Hall & Phil Everly

“Los músicos deben forzarse así mismos a escuchar algo y luego tocarlo, en lugar de sólo hacer lo que se les ocurra debajo de sus dedos. Traté de hacer mis interpretaciones tan frescas como me fuera posible sin limitarme a patrones establecidos”, declaró quien sumó su talento al de colegas como Ella Fitzgerald, Bob Brookmeyer, Art Farmer, James Moody, Paul Desmond, Lee Konitz, Ben Webster, Gary Burton, entre otros.

También dijo adiós , co fundador junto a su hermano Don de los populares The Everly Bros, cuyo estilo marcó los orígenes musicales The Beatles, The Beach Boys y Bob Dylan. Víctima de una afección pulmonar, Phil falleció con 74 años dejando tras de sí un sendero de melodías y armoniza-ciones que dieron forma a la estructura sonora del rock de las décadas de los años cincuenta y sesenta en los Estados Unidos y allende sus litorales.

Eventos

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Por primer vez, la Escuela Bancaria Comercial Campus Reforma (EBC) en alianza con Shure, Tercia Estudio

y la casa productora AlChile, organizaron el certamen Guerra de Bandas en el que 30 propuestas musicales se enfrentaron para ganar un set de equipamiento de la reconocida firma de microfonía.

El evento, que fue organizado por los alumnos de la Licenciatura en Administración de los Negocios de la Comunicación y el Entretenimiento (LANCE), tuvo cinco semanas de eliminatoria, de la cual se eligió a las ocho semifinalistas cuyo espacio en la final dependería del apoyo que sus fans les brindaran, dándoles “likes” en la página oficial del evento.

En la ronda final se enfrentaron tres bandas: Halcón un combo que viajó desde Teotihuacán y trajo rock mexicano con claros destellos a Caifanes, propuesta nostálgica que gustó a los fans del género; Morning Comes Electric, una agrupación que se identifica en lo indie, rock con melodías sólidas que conquistó a los alumnos; y por último Becuadro, la banda

Shure para los ganadoresde la Guerra de Bandas en la EBC

de casa, integrada en su mayoría por alumnos de la EBC, con un estilo de rock-punk, que gozó del cobijo de la audiencia estudiantil presente.

Tras valorar la actuación de cada grupo, la expectativa era alta pues estaban en juego reconocimientos cuyo equivalente era la grabación de tres canciones, un micrófono Super 55 para el primer lugar; un SM58 y grabar dos tracks para el segundo y, para el tercer puesto, la grabación de una canción. Así, el tercer lugar fue para Halcón, Becuadro en segundo y Morning Comes Electric en primer lugar, anuncio que desató las emociones por todos lados y dejó ver el reconocimiento mutuo de cada banda por sus colegas, quienes intercambiaron felicitaciones y abrazos.

Enhorabuena y, para seguirles la pista, se pueden visitar sus fanpages en Facebook: Halcon: https://www.facebook.com/HalconRockBecuadro: https://www.facebook.com/becuadrorockMorning Comes Electric: https://www.facebook.com/MorningComesElectric

Disco: Prendiendo la Mecha (CD) Grabación: Rogelio Gómez y Ennio Almandoz (productores); Carlos Segura Villalba, ingeniero de grabación.Sonido: “Nuestra música es la fusión de nuestros corazones, nuevas y viejas melodías mezcladas con un toque de alegría y sabor, que hacen de nuestro estilo un festejo en cada canción”.Instrumentos: Teclado Nord Electro 3; de Yamaha batería Custom, sax tenor, trombón y bajo RBX 270F fretless; guitarra Fender Squier Jagmaster; congas LP, más instrumentos de folclor mexicano como jaranas y percusión africana.

Básicos para maqueteo: Ensayar y tener una lluvia de ideas en la que cada integrante toca su instrumento lo que propone, después grabamos éstas Pro Tools 9 y Logic 10 más una tarjeta M Audio Fast Track Ultra de ocho canales y micrófonos Shure, para voz y su kit para batería.

InfluenciasMúsicos: Goran Bregovic, por su capacidad de composición y la excelente manera de ensamblar la sección de metales.Productor: Rogelio Gómez es nuestro actual productor y su trabajo es excelente.Sonido en grabación: Carlos Segura Villalba, su trabajo se ve reflejado con la misma sintonía que tiene la banda en el escenario y dentro del estudio, logra mantener esa atmósfera.Manejo de management: Ennio Almandoz quien funge como productor y manager de la banda y ha logrado la logística para eventos con artistas nacionales e internacionales.Concepto en vivo: Lila Downs, por la representación del folklor mexicano en el escenario.

Lecciones del primer discoComposición: Cada uno de los integrantes compone con su instrumento para posteriormente llegar al ensayo con la idea, a partir de ahí todo se trabaja en grupo y se dividen las secciones por metales, cuerdas, percusión, voces y teclados. Escúchalos y síguelos en: www.mariacantu.mxwww.facebook.com/lamariacantuwww.twitter.com/mariacantumex

La María Cantú

Creadores [ Reseñas: Libros, discos, vinilos, dvd... ]

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ópera PrimaRaúl Zambrano / Orquesta Sinfónica Académica

del Estado de San Petersburgo Rodrigo y Ponce.De Aranjuez y del Sur Quindecim, 2004

El siglo XIX y XX sería el marco que reposicionaría a la guitarra como un instrumento que avivaría la inquietud

composicional de sus ejecutantes quienes enfrentaron el reto de lograr crear piezas para la encordada y orquesta. Andrés

Segovia era su principal promotor y dada la relación epistolar que logró alimentar con Manuel M. Ponce, ocurrieron cosas como el estreno del

concierto para guitarra con la orquesta que dirigiera Julián Carrillo y el denominado “No. 1 en re mayor,

Op. 99” del italiano Castelnuovo-Tedesco. Bien, el punto culminante de

estas campaña, fueron el “Concierto de Aranjuez” de Joaquín Rodrigo

y el “Concierto del Sur” de Manuel M. Ponce, que recrean con prístina dinámica

la guitarra de Raúl Zambrano y la Orquesta de la ciudad rusa, que

da amplitud a los recursos rítmicos, los detallados rasgueos y expuestos en las

piezas que dan forma a esta grabación.

Diego Maroto, Asian TrioNo Black Tie Records, 2013

Grabado en Malasia, en el No Black Tie, foro jazzístico estelar de Kuala Lumpur, el sax alto de Diego registra una sesión en vivo a trío en la que se hizo acompañar de Jonathan Ho al bajo y Benjamin Low en la batería, para dejar patente el paso exitoso que le tuvo por aquella latitud durante dos meses. Maroto encontró en aquella dupla una base rítmica contundente para acompañar las líneas brillantes de su sax en temas propios como “Objeto Transicional” y el eléctrico “Helado Oscuro”, más temas de Frank Foster, Duke Ellington y un par de Luri Molina como, “A veces me dan ganas de salir volando”, y que da apertura al disco. Álbum en vivo, logra evidenciar el acento expresivo de los tres ejecutantes y su cohesión como ensamble y generosa en momentos de improvisación.

Creadores[ Reseñas: Libros, discos, vinilos, dvd... ]

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Iconoclasta, MovilidadIndependiente, 2013

Registro sonoro y lírico del contexto que vive nuestro país, en Movilidad la banda referente del movimiento progresivo mexicano, acompaña las letras de Greta Romero (quien además aporta voz y bajo eléctrico) para plantear cuestionamientos individuales y colectivos que tienen en el registro de sonidos urbanos, un extra que se adhiere al entorno electroacústico poderoso del grupo. Víctor Baldovinos, Ricargo Ortegón y Ricardo Moreno llegan a más de tres décadas de vida, fieles a su sonido y dando lecciones de congruencia.

Javier Camarena Recitales Urtext, 2013

Un compendio básico de lo hecho por el tenor en suelo mexicano, es lo que este material condensa, fruto de las actuaciones del veracruzano en el Palacio de Bellas Artes y el Teatro Juárez de

Guanajuto (en el marco del Festival Internacional Cervantino). Placa debut al cobijo de Urtext, permite escuchar su talento vocal acompañado por el pianista Ángel Rodríguez con quien interpreta

“Vaga luna che inargenti” (Bellini) y “La danza” (Rossini) y canciones mexicanas como “Besos robados” y “Júrame”. El disco registra así esa faceta de arranque del tenor, una voz que sigue cautivando al mundo como registra su agenda llena con presentaciones en territorio estadounidense y europeo.

HBC, HBC Rebernation, 2013

Tres emblemáticos ejecutantes del jazz, Scott Henderson (guitarra), Jeff Berlin (bajo) y Dennis Chambers (batería) se reúnen para ofrecer en power trio un concepto que celebra el jazz-fusión por todo lo alto y a su manera, reinterpretando composiciones de Hancock, Shorter, Weather Report, Cobham. “Es un asunto de gozar el interplay, la química que permite el fluir de la improvisación, la libertad de un solo, lo que amarra esta relación musical”, dijo Scott para referir lo que ocurre en esta tríada, hecho que además ayuda a hacerles sonar temas de invención propia. La aventura se agradece, un ejercicio que aviva las bondades que trae para el músico ejecutar covers e ir de estructuras sincopadas al heavy metal, sin perder brújula y frescura.

Fatoumata Diawara, FatouWorld Circuit-Discos Corason, 2013

Nacida en Malí, Fatou es una cantante y compositora africana, cuyo trabajo mantiene el corazón y tradiciones del pueblo wasalou en el latir universal que hermana a los hombres a través de la música.

En este disco homónimo, la también actriz y activista, lleva propuestas bien conocidas y queridas (como la de Oumou Sangaré) a un nivel de expresión distinto, al poner sus recursos vocales y melodías al servicio del folk percutivo de su tierra (especialmente, el canto) con el jazz y el soul, acto para el que la

guía de Nick Gold en la producción se percibe con contundencia y darnos así un proyecto aplanador que respeta la esencia del world music; “Sowa”, “Boloko” y “Kélé”, tres cortes que así lo revelan.

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Creadores [ Entrevistas ]

Tú y las composiciones de tu padre fueron concebidas casi en simultáneo, ¿qué vivencias destacas que te llevaron a seguir sus pasos?“(Risas) Sí, totalmente. Uff, me acuerdo y veo a ese niño debajo del piano, escuchándole una melodía tras otra hasta quedarme dormido. Esa imagen es fundamental para mí porque me reveló la vocación de un hombre que amó su quehacer y se exigió al máximo de sus capacidades, mi padre era un melómano de cepa y esa fue una escuela invaluable porque me expuso a una gama amplia de discursos musicales que luego estimularon mi creatividad para hacer mis propias cosas. Desde luego, también citaría lo especial que fue saber que sus colegas valoraban su talento, como fue el caso de Duke Ellington”.

Estás grabando música original de tu padre, ¿qué sorpresas has encontrado? “Hemos editado ya dos discos, The Clare Fischer Voices and Sometimes Instruments y Clare Fischer Big Band y, bueno, no deja de cautivarme la riqueza en patrones rítmicos que logró construir mi padre para mundos musicales distintos. En particular, me he volcado a observar cómo usaba elementos tales como las polirritmías, no eran las convencionales

BrentFischer

El legado que nos dejó Clare Fischer en materia de latin jazz y ritmos afrocaribeños seguirá ampliándose gracias a la vocación que su hijo, Brent Fischer ha asumido para sacar a la luz la música que el pianista y compositor no editó en grabaciones. Así, Brent ha venido

convocando a músicos que estuvieron bajo la dirección de su padre -ya fuera en Salsa Picante o el Clare Fischer Latin Jazz Group (como Luis Conte)- para dar vida a ese rasgo distintivo que en los arreglos rítmicos de esta música fijó Clare.

Bajo el sol de Playa del Carmen, previo a su actuación en la onceava edición del Festival de Jazz de la Riviera Maya, Brent com-partió el estatus de esa labor, al tiempo que develó parte de las lecciones que musicalmente adquirió de su padre y cómo ha desarrollado éstas para su propia formación como bajista, arreglista y director de orquesta.

del tipo 5 contra 3; también me parece significativo ver la firma de su estilo en los arreglos y cómo incluía instrumentaciones alternas como al añadir en la sección de metales flautas no en C, sino altas y bajas. Aplicó lo mismo para los clarinetes y saxo, sabía cómo insertar el sonido de un corno en un combo de big band. Son cosas que siempre le vi hacer pero que en esta labor de registrar su nueva música hoy miro con más detalle”.

Por otro lado percibo con claridad su gusto por la música de concierto, papá gustaba mucho de la obra de Stravinsky, Shostakovich, Bartok, Berg y Dutilleux y hacía el maridaje idóneo con los elementos del jazz de la gente que también le gustaba tanto como Duke Ellington y Billy Strayhorn, y muy particularmente el pianista Meade Lux Lewis: es una delicia escuchar como transcribía

Latin jazzde abolengo

los riffs pentatónicos de éste a su mano izquierda sin perder el acorde. El resultado de ejercicios como ése fue construir armonías distintas”.

En alguna entrevista dijiste que estabas transcribiendo el libro número tres de esa música, ¿cuántas piezas dejó tu padre?“Estamos hablando ya de más de 150 composiciones. Por eso mi interés de que, a la par que trabajo las piezas en arreglos y dirección, coordino las grabaciones con los músicos más refinados y talentosos que esta música pide, debo presentarla en vivo. De esa manera cerraré el ciclo de difusión pues también estamos cubriendo la parte de poner las grabaciones con la máxima calidad de audio posible para su adquisición digital. En ese sentido, además, estamos haciendo el transfer de las grabaciones que dejó para una remasterización depurada”.

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Creadores[ Entrevistas ]

Eres bajista, ¿fue suficiente el dominio de ese instrumento para ampliar tu ejercicio como músico a la composición y el arreglo?“No, mi elección del bajo es

porque tengo un gusto y afinidad por el ritmo y encontré en éste cómo

saciar esa inquietud al ubicarle en una base rítmica, pues también tengo estudios en percusión. Complementé con el estudio del piano. Diría que la combinación de esos dos mundos ha estimulado mi imaginación para que pueda abordar varios contextos de musicalización”.

Háblanos de tu bajo.“El que tengo actualmente está hecho en Alemania, un laudero me ayudó a fabricarlo con una mezcla entre chapmantick y bajo eléctrico que, además tuviera una acústica notable. Lo puse en jaque porque además, quería que fuese un instrumento portátil y ligero, para solventar, claro, los percances que suelen ocurrir al transportarlo en las aerolíneas”.

Latin jazz desde Playa del CarmenBacklineTeclados • (01) Roland RD 700 88 con pedal

de sustain Bajo • (01) amplificador SWR SM 900 • (02) amplificador SWR SON OF

BERTHA (1x15”) Batería• DW Collector’s Series Percusión• (01) set de congas Lp Galaxy

Giovanni Series (quinto, conga y tumbadora)

• (01) set de bongos Lp Galaxy Giovanni Series

• (01) set de timbales Lp Tito Puente con stand

• (01) cencerro Lp CHA CHA • (01) cencerro Lp Salsa • (01) tabla de percusión• (01) combo de toys (percusiones

menores)• (01) stand para flauta• (01) stand para saxofón • (01) stand para clarinete

Estamos en México y “Morning” es una canción emblemática del cancionero nacional, ¿alguna anécdota o dato curioso que pudieras compartir sobre ésta? “Claro. De entrada te cuento que recién hice un par de arreglos para esa canción, uno incluye la ejecución vocal con la letra en español y otro en portugués. Mantuvimos el mismo groove latino de la pieza pero obvio no pude evitar la tentación de sumergirme en el bossa para versión en portugués y sí se siente una reinterpretación total de la canción, lo que me gustó mucho”.

“También te puedo contar que mi padre y José José se conocieron en la Ciudad de México por invitación de este último. No sabía de la magnitud que tenía la pieza hasta que le vio cantarla y ver la reacción entusiasta del público”. :

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¿Cómo surge esa relación de amor por la música de Brubeck? “Desde los siete años cuando escuché por primera vez el sencillo que traía “Take Five”, quedé cautivado por la belleza, estética y perfección de los ejecutantes de aquella música. Con el tiempo, Dave vino un par de veces a México, lo fui a ver como fan y así establecí una relación con él. Como baterista mi raíz está en su obra pues desde mi primer disco Body & Soul junto a Alberto Medina hice temas de él como “On your own sweet way”; se lo mandé, le gustó mucho y me envío una nota de felicitación de puño y letra. Mantuvimos el contacto, nos escribíamos mucho y supe que había decidido retirarse ya con sus 90 años y ahí tuve la idea de hacerle un homenaje en vida”.

¿En qué consistía el homenaje?“Quería hacer una grabación que mostrara su faceta como compositor pues si bien él se hizo famoso por “Take Five”, esa obra no es suya sino de Paul Desmond y hay un repertorio más allá de esa pieza que revela todo su genio porque Brubeck hizo composiciones orquestales, cantatas, oratorios, ballets, música de piano solo. Me interesaba que el público entendiera su valor por ese lado, no sólo como músico de jazz pues se trata de un compositor y

Pablo Prieto “Soy músico por Dave Brubeck”

Fascinado desde niño con la música que emitía el disco del cuarteto formado por Dave Brubeck, Paul Desmond, Joe Morello y Jim Right, Pablo Prieto debe

la decisión de ser músico y entregarse a la batería, a ese amor profundo por la música de Brubeck. Primero como fan y luego como músico, Pablo logró establecer una relación con el compositor para quien alistaba un homenaje en vida que ya no pudo ser, con la repentina partida del músico un día antes de su cumpleaños en el 2012.

Empero, Pablo se hizo acompañar de Alex Mercado (piano), Jaime Ferrada (contra-bajo) y Federico Hulsz (sax alto) para recrear la obra del músico grabando, primero, en el Foro Coyoacanense el DVD The Unreleased Live Concert, Dave Brubeck: A Celebration, que a la postre recibió el visto bueno de la viuda de Brubeck para ser editado en nuestro país, siendo un recital en el Palacio de Bellas Artes el marco para su presentación.

pianista considerado el más importante de los Estados Unidos después de Duke Ellington. Él uso el jazz como un elemento importante pero abarcó otros estilos; para mí, incluso, es el inventor del world music porque empezó a experimentar con música de Turquía, Japón, Israel, México, Brasil y la incorporó a su música”.

“De manera que para hacer ese homenaje invité a músicos colegas y grandes amigos como Alex Mercado, tremendo pianista que además tiene una gran similitud en cuestión de estilo composicional y concepto musical de improvisación con el de Dave; está Federico Hulsz en el saxo alto, que tiene el estilo de Paul Desmond muy cool, con una estética muy fina y Jaime Ferrara en el contrabajo; los cuatro tenemos esto que decía Germán Palomares, una similitud con los integrantes de aquel cuarteto y por eso me parece logramos recrear esta música como ensamble. Hicimos un DVD que se grabó en el Foro Coyoacanense en noviembre de 2012 y, bueno, ya no pudo escucharlo Dave pero sí lo hizo su esposa y fue ella quien nos facilitó el camino para hacer los permisos correspondientes y así editarlo, pues se manifestó complacida con la manera en que tocamos la música; nos dijo que a Dave le habría gustado mucho”.

Como baterista, ¿qué elementos de su forma de componer te parecen relevantes?“Esta relación con Brubeck es la causante de que yo sea músico y, si bien no soy compositor, si me hallo inmerso en su aproach para hacer música, él fue quien abrió las puertas a los tiempos compuestos porque si bien había ritmos binario, cuaternario, él hizo las combi-naciones adecuadas. En Time Out no hay una sola pieza en 4/4 (“Take Five” está en 5/4) y ni la propia disquera Columbia Records quería editar el álbum, fue por decisión de su presidente que se hizo y mira en qué se convirtió, en el segundo disco de jazz más vendido de la historia, detrás de Kind of Blue de Miles Davis. Fue un vanguar-dista, estaba adelantado a su tiempo”.

Su ejemplo me dejó claro que hay que tener raíz musical, posar los pies sobre ésta y a partir de ahí sumarse en las tendencias nuevas. Para mí lo principal es eso, conoce la tradición, que en mi caso es el swing y trato de aplicarlo a las escuelas modernas que hay (Jarrett, Corea, Hancock) e incluso al rock, el funk y el hip hop, como hacen notablemente también los Marsalis”.:

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Creadores[ Entrevistas ]

¿Qué herramientas dan “apellido” a tu sonido en los alientos?“Resultado de una búsqueda cuando estaba con The Mars Volta, ya venía yo adecuando una pedalera cuya estrella es Boss W2 que me permite darle al clarinete bajo y la flauta el lugar del bajo, queríamos emularlo. Tengo los switch de pie para el W2, y lo que permite es tener como un octavador (el W2 fue el primer pedal o manipulador de sonido para un aliento) tenía unos pickups de Telex que luego evolucionaron”.

“Sucede que el clarinete bajo tiene un sonido fuerte y bonito pero no es tan predominante como el bajo eléctrico por el sustain, ése lo tengo que sacar yo con técnica. Así comenzó, ahora tengo de Boss un phaser, un echo que añadí para reemplazar un looper que usaba para obtener ciertas armonías, uso un wha y sueno directo a un micro direccional RE20 Electro Voice. Ese set lo armé luego de tres años de indagar qué y cómo. Ahora también tengo una mezcladora Mackie para usar el sax, flauta y clarinete mediante la pedalera y modulador de Moog”.

Cubres varios instrumentos de aliento, ¿qué te lo permite técnicamente?“Soy multi instumentista pero no olvido que soy flautista, primordialmente. Lo que hago es aplicar un método de práctica que aprendí en la Universidad de Texas, con mi maestro el doctor Donald G.

AdriánTerrazas-GonzálezAliento experimental

Wilkinson y que consiste en llevar una bitácora donde registro las transcripciones que hago y cuándo las memorizo, dejando espacio para internalizar ese conocimiento porque antes me desbocaba física y mentalmente y sí aprendía rápido pero se me olvidaba con la misma velocidad”.

“La premisa es organizar, planear lo que se va a estudiar, hacerlo con dedicación y lue-go dar espacio para que la mente lo proce-se. Eso funciona para mí pero cada quien debe encontrar cómo opera su proceso de aprendizaje. Ahora con los gigs y sesiones de grabación, lo que añado es priorizar, quedarme con lo que voy necesitando según cada proyecto en el que participo”.

Dar lugar a la perso-nalidad propia…. “Exacto porque es más congruente avocarse a descifrar cuáles son los elementos que nos hacen únicos, recono-cerlos. Esa aspiración personal aplica igual para tu identidad como músico: nacemos como una unidad. Todos, incluso nuestros ídolos, tenemos referentes que nos guían; la diferencia es que llegó un momento en que ellos quisieron ser ellos mismos y no ése que escuchaban. La cuestión es aprender a ser tu mismo. Es algo que he aprendido mucho de mi convivencia con los chicos de Los Sonex, ellos traen

Multi instrumentista, Adrián Terrazas-González ha marcado su carrera en la escena alternativa e independiente al cobijo de su singular sonido al colgarse la flauta, el

clarinete o el saxofón, entre los acordes de la música tradicional, la de concierto, el rock y el jazz. Fundó su gestora de publishing y derechos de autor, El Régimen Music (en sociedad con la compañía BMI) donde allana el camino a recorrer de diversos creativos que anhelan dar difusión a sus obras.

Ganó notoriedad al colaborar con The Mars Volta y se ha convertido en referente auto-gestivo como músico de sesión, sideman y líder de sus propios proyectos como son T.R.A.M. y Jazztec. De musicalidad ecléctica, ha colaborado con Troker, Alex Otaola, Los Sonex, la orquesta mixe del CECAM y grabado junto a Antonio Sánchez, Los Lobos, Omar A. Rodriguez-Lopez, Brian Lynch, Oscar Stagnaro, Freedom Bremner (Screaming Headless Torsos), Pete Escobedo, Luis Conte, entre otros.

la clave en el ADN, la expresan así, la viven. Yo no podré alcanzar ese grado de interiorización de ese conocimiento musical, pero le daré mi estilo”.

¿Cuál es la ventaja de tener un sello como El Regimen Music? “Primero surgió por la necesidad de poder registrar mis propias composiciones, tener mi sitio para publishing. Fue algo que desarrollé junto a la gente BMI aún estando en la Universidad por un tema de lidiar menos con las editoras. Ahora se ha convertido en un sitio que ayuda a colegas artistas de diversos ramos (músicos, cineastas, diseñadores) para proteger su obra y fomentar un carácter de participación colectiva entre todos. Es un escaparate para promover el talento donde velamos entre amigos por la proyección de lo creado”. :

El impulso de los alientos de Adrián Clarinetes y saxofones : Henri Selmer Paris y Conn-Selmer

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“Simplemente muteamos la nieve y ya está. No le ponemos atención”, ríe en confi anza el guitarrista Daniil Brod de

Pompeya, agrupación de origen ruso cuyo CD llamado Tropical (Gala-Warner, 2012) fue un suceso al Oriente de Europa. Producidos por Christopher Haynes (M.I.R.V.), ese sonido setentero-indie-funk que lanzaron los trajo a consagrarse en América.

El año pasado el grupo hizo su primer gran tour por América Latina, gira que les puso a sonar en El Imperial del DF y (por supuesto) a platicar en exclusiva con music:life. “La mezcla de estilos proviene de cada uno de nosotros”, aclara Daniil, “comenzamos por tocar los teclados y Dennis le agrega un bajeo funky, que incluye un poco del sonido de los años setenta. Así los estilos se mezclan”.

El bajista Dennis Agafonov explica el origen del ritmo. “Me gustan Nile Rodgers (Chic) y James Jamerson (Motown Records). Son geniales y me encanta su estilo”, reconoce, “pero yo no soy tan bueno tocando con los dedos. Mejor uso una plumilla. Es lo único distinto porque la mayoría de los bajistas en el funk tocan con dedos”.

La labor del bajo es esencial en Pompeya. “Dennis y yo nos conocemos desde hace más de diez años”, cuenta el baterista Nairi Simonyan, “es casi el único bajista que conozco. Otros proyectos, no duraron tanto. Aprendí el estilo funk y toco lo que en él se ajusta, tratando de simplifi car las partes para hacer un todo más amarrado y contenido”, describe, “algo limpio y sencillo. Ya sabes: sin tantos redobles”.

Buena técni caLa preparación de los músicos rusos tiene fama de ser muy disciplinada. Lo sabe el tecladista Sasha Lipsky. “Durante siete años tomé cursos en escuelas de música para niños”, suspira, “y terminé. Crecí como pianista clásico. No había funk: sólo clásico. Creo que tenía facultades porque debes practicar todo el día para llegar a ser pianista clásico; pero escuchaba todo tipo de música como la de los Doors. Y podía reproducir los solos de Ray Manzarek”, recuerda, “luego, conocí el funk y traté de tocar con este Clavinet, emulándolo”.

Por su parte, Daniil estudió dos años de guitarra clásica. “Pero no fue una gran infl uencia para mi”, reconoce, “yo era un mal estudiante. Después, encontré un maestro particular que me enseñó lo básico. Claro que practicaba con metrónomo y tocaba sobre los discos de Extreme o Rage Against the Machine, de los que aprendí muchos riffs”, acredita.

Por Víctor Baldovinos Facebook: Víctor Baldovinos

Pompeya: erupción tropi-funk

El bajista Dennis también gozó de las ventajas de un instructor personal; pero Nairi concluyó una formación como violinista antes de pasarse a los cueros y prepararse con tres distintos maestros particulares. “Cuando empecé a tocar tambores, admiraba mucho al baterista de Police (Stewart Copeland)”, se detiene, “era una especie de héroe para mi. Él tocaba de todo: rock, pop y podía incluir en la misma canción cualquier técnica. Su energía sigue siendo fuerte”, lo describe.

Todos componen“Algunas piezas provienen de nuestro cuarto de ensayo, cuando los cuatro juntos tocamos un jam”, retoma Daniil, “aunque no es fácil hacer una buena estructura en el ensayo, tenemos dos canciones que fueron construidas así. Por ejemplo, “Sister” es un tema que compusimos ensayando. Otras veces, Dennis y yo nos sentamos a la computadora para grabar demos con las voces de guía. Usamos el software Apple Logic”.

Las sesiones, a oídos de Christopher Haynes. “Pasamos un par de días con él, hablando sobre los demos”, aclara Dennis, “y lo interesante fue que cuando grabamos el bajo no usé amplifi cador. Chris lo grabó directo y el sonido fue muy claro. Lo chistoso es que la guitarra sí se grabó utilizando un amplifi cador de bajo y el resultado es bueno”, sonríe.

El sonido de Tropical, orgánico. “Grabamos con una consola análoga y antes de masterizar, pasamos todas las mezclas a cinta”, Daniil expone, “y obtuvimos este sonido antiguo. Esa fue la gran diferencia”.

En el grupo hay veneración por el pasado. “Realmente no estoy muy metido en novedades acerca de esta cultura sobre los sintetizadores”, advierte Sasha, “porque siempre he sido fan de los teclados vintage, como el Roland 3gp. Aunque puedo decir que me gusta el sintetizador Nord”, considera, “porque trata de sonar un poco como el viejo piano eléctrico Fender Rhodes o el Clavinet. Por eso lo uso: puedo tener esos elementos vintage”.

A futuro. “Tenemos muchos planes para el nuevo material y los videos”, anuncia Daniil Brodi a nombre de sus camaradas, “lo siguiente que haremos es lanzar un remix de Tropical en edición Lp vinyl. De aquí a cinco años, creo que esto puede crecer mucho”.

Como un volcán. :

Funk en la Plaza Roja• Daniil: Guitarra Fender Stratocaster

1983; pedales de efectos Boss; amplifcador Fender Twin Reverb; micrófono Shure SM-57; Roland SPD-S sampling pad; software Apple Logic; interfaz Apogee Jam.

• Dennis: Fender Precision Bass (fl at strings); Tech 21 Bass Driver preamp; cable Monster Cable.

• Sasha: Sintetizadores Nord Electro 4D 61; Roland 3gp 1982.

• Nairi: Batería Ludwig; parches Remo; baquetas Vater; interfaz Apogee Jam.

@soypopesponjaPor Alejandro González Castillo

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Pedro de Dios Barcelo (guitarra y voz), Paco Luis Martos (barreño) y Carlos Jimena (batería) conforman Guadalupe Plata, un combo de cuidado cuyo sonido se

encuentra afi ncado en el blues más podrido y donde, como el propio trío defi ne, lo que importa es ponerle tripa, no cerebro. Es Carlos quien abunda al respecto, vía telefónica desde Madrid.

GuadalupePlata

La dotación instrumental del grupo se conforma de guitarra, voz, batería y ¿barreño?“El grupo tiene como base acercarse a las raíces del blues. Y el instrumento que usa Paco Luis no lo inventamos nosotros, es muy antiguo. Desde hace muchos años existían músicos negros que no podían comprarse un contrabajo así que tensaban una cuerda con un palo y echaban mano de un barreño para producir sonidos graves. El instrumento opera como un contrabajo ca-sero, pero también como la muestra de que todo es posible si se tienen ganas. Paco siempre está buscando nuevos retos como músico y eso al grupo le viene perfecto”. ¿Y cómo se microfonea y ecualiza un instrumento así? “Nos pasa todo el tiempo: los ingenieros de sonido no saben qué hacer, dudan respecto a si estamos jugando o haciendo música en serio. Pero también tenemos problemas en los aeropuertos, porque con un artefacto así es fácil creer que escondemos algún explosivo o arma”. La música del grupo es oscura, una especie de blues desgraciado y agresivo. Casi atemorizante. “Para hacer música como la nuestra es importante contar con algo de mala hostia y tripa. De hecho, se requiere más tripa que cerebro, esa es una realidad. Porque al fi n y al cabo el blues nace de un lamento, de una situación desesperada, así que debe ejecutarse con las entrañas. Nuestros conciertos carecen de hola

y adiós; sólo nos ponemos a tocar. Somos músicos que se defi enden bien sobre un escenario y lo único que buscamos es sonar lo más salvaje posible. Recurrir a la víscera”.

¿Dónde y cómo grabaron el disco homónimo que traen entre manos?“Lo hemos hecho en Active Sound Recording, en Austin, el estudio de Ryan Anderson. El tema de la producción estuvo dominado por Mike Mariconda, guitarrista The Devil Dogs, un grupo de punk de puta madre. Esta fue la tercera vez que visitamos Austin y la pasamos glorioso, porque fue como llegar a casa con los amigos. Todo resultó propicio para estar tranquilos y disfrutar de la grabación y esto dio como resultado 13 canciones sin más misterio que el de estar hechas para ser tocadas en directo. No solemos hacer demasiadas tomas, creemos que si al tercer intento un tema no está sonando bien signifi ca que nunca va a hacerlo”. Sé que Pedro cambia de guitarra con la misma facilidad que se deshace de calcetines. “Cambia cada quince días, es verdad. No sé por qué se compra una guitarra de 200 euros, la vende y se hace de otra, supongo que su cuerpo se lo exige. Ignoro si esto sea positivo o negativo para un guitarrista, sólo sé que a veces el grupo suena más podrido y en otras más limpio. Y esto ocurre gracias a él, a sus múltiples guitarras. Desde ese punto de vista a mí me atrae que siga sin una defi nitiva”. También sé que se han presentado en lugares de lo más extraños. “Mira, solemos ir a tocar a León, una ciudad española donde hay un antro con chicas, tú sabes. Y siempre preparamos un número especial, para que una se desnude al ritmo de la música. Entonces se unen públicos aparentemente dispares, por un lado los clientes habituales del tugurio y por el otro quienes van a escucharnos a nosotros. Y todos comulgamos muy bien en el momento climático de la noche. En ese instante a mí me podrían cambiar las baquetas por jamones y jamás me enteraría”. :

La plata de Lupe

• Batería Ludwig 67 con platillos Zildjian

• Guitarra Harmony Hollywood

• Amplifi cadores Fender Hot Rod y Music Sound

• Tina, palo y cuerda disponibles en cualquier tlapalería

Tripa y mala hostia

>>PALABRAS MÁS, PALABRAS MENOS

Por Alejandro González Castillo

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Siddhartha

Why you?, Náufrago y El vuelo del pez son los álbu-mes que Siddhartha ha editado a la fecha; el

último, un trabajo co producido al lado de Yamil Rezc y Aldo Muñoz, la comprobación de que su ofi cio va más allá de las modas y las etiquetas. En esta ocasión, el músico originario de Guadalajara responde las nueve preguntas clásicas de Distor.

¿Escuela de música o escuela de la vida? “Soy de la escuela de la vida, totalmente. Llegué a estudiar en diversas academias, pero regularmente me topaba con ciertas barreras que me sacaban de onda. No hay que perder de vista que para muchas escuelas enseñar música no es más que un negocio, así que quieren retenerte, llevarte lento. Yo no sé leer notas, a veces tengo que pensar mucho para saber con certeza cuáles acordes estoy pisando. Lo mío es la intuición”. ¿Recuerdas cuál fue la primera canción que escribiste? “Ay cabrón. Déjame recordar. La hice como a los diez años de edad en un órgano, era instrumental. Aún recuerdo la melodía, pero si me pones a tocarla ahorita, no podría”. ¿Existe alguna composición que te gustaría robar? “¿Quién no quisiera ser el autor de “Yesterday”, por ejemplo? Es una rola que todos hemos escuchado. Quizá me robaría ésa. Aunque creo que todas las canciones que existen son robadas, se hurtan de una red universal. Como que están fl otando en el universo y sólo esperan a que alguien las tome”.

¿Alguna vez has extraviado un instrumento? “Me acaban de robar una guitarra. Y sí me pegó porque el instrumento jamás llegó a mis manos. Había ahorrado una

ver directamente con crear música es complicado de sobrellevar”. ¿Cuál es tu instrumento favorito? “La batería. Es el que mejor domino, el que más disfruto y al que más tiempo le he dedicado. Actualmente lo que más hago es tocar la guitarra y cantar, papeles que también gozo mucho, pero la batería me desahoga físicamente. Me considero baterista, antes que nada, aunque no voy a usar tambores para escribir una rola, ¿verdad?”.

Para terminar, ensambla la agrupación de tus sueños.“Forzosamente debe haber un beatle, y sería John Lennon. Tendría que haber un latino: Gustavo Cerati. Elegir a un bajista se me complica, no sé, Ricardo Arreola me parece un gran músico. Y yo le entraría, claro, aunque estaría cabrón cantar al lado de Cerati y Lennon, así que mejor agarraría la batería. Nos llamaríamos… no sé, qué difícil. Porque tendría que ser un nombre relacionado con alguien que ha muerto y también con otro que se encuentra dormido. Ya sé: “Los Sonámbulos”.

lana para comprármelo y me lo enviaron los de Fender por paquetería, pero a la casa de un familiar, y fue a él a quien se lo robaron. Nunca tuve esa lira, aunque la pagué. De hecho, me tardé seis meses concretar la deuda”.

¿Existe algún instrumento que te gustaría aprender a tocar? “El piano. Pronto voy a comprarme uno y a meterme a estudiarlo porque admiro a quienes lo hacen. Podría pasármela escuchando a pianistas sin sentir que el tiempo pase”. ¿Miras con recelo a algún tipo de músico en especial?“Hay dos escuelas: la de los creativos y la de los intérpretes. Yo voy a la primera porque jamás he deseado dominar mi instrumento. Hay músicos que escucho tocar y digo: órale, éste sí está bien cabrón. Pero el virtuosismo no es un asunto que funcione con mis canciones. Por otro lado, no me gustan los músicos prejuiciosos”. ¿Cuál es la parte más complicada de tu labor como músico? “Tratar con la industria y sus mecanismos, o sea, todo lo que no tiene qué

Producción

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[ Plug & play: Instrumentos ]

Akai Professional Pedal de efectos E2 Headrush

Equipado con cuatro salidas individuales, delay digital con control en tiempo real en 16-bits, TAPE-ECHO (perfecto para hacer emulaciones) y loop ajustable en nivel y selección de mezclas con tiempo máximo de grabación de 23.8

segundos, este aditamento para aplicar efectos puede enriquecer la actuación de guitarristas, bajistas, DJ’s y cantantes.

Vari Internacional (55) 9183 2700, www.varinter.com.mx, www.akaipro.com

Premier Set de bateríaExtreme HR Series

Fabricada en Inglaterra, los modelos de la familia Extreme HR fueron concebidos para enfatizar el sonido orgánico de los tambores para el rock, teniendo en el ensamblado de cada tambor un trato acústico especial para así ampliar el rango y consistencia del ataque, lo que se logra con capas de abedul de 8.5 mm en los toms y de 16 mm en sus tarolas.

Distribuidora Gonher (55) 9152 4600,www.gonher.com, www.drumset.premier-percussion.com

Fender Guitarra eléctrica Stratocaster 60th Anniversary

Presente en grabaciones y conciertos épicos desde 1954, la Strato como también le identificamos hoy cariñosamente ha sido instrumento insignia para la historia del rock, trazando surcos para el sonido de Buddy Holly, Beach Boys, Jimi Hendrix, Eric Clapton, Pearl Jam, Nirvana, Red Hot Chili Peppers (entre muchos más). A seis décadas de existencia, Fender lanza una edición de colección, que ostenta los acabados y sistema de pastillas y controles, con una incrustación del 60 aniversario en placa metálica que da testimonio de esta fiesta para la música.

www.fender.com

Producción

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SelmerClarinete contra alto 22 Low Eb

Perteneciente a la gama profesional de la marca, este clarinete ofrece la ventaja de dar mayor proyección sónica a la amplía escala tonal que cubre, esto debido a la madera de grenadilla que da forma al cuerpo del instrumento armado en dos piezas más la aplicación de baño de plata en llaves, cuello y campana del mismo.

Casa Veerkamp (55) 5709 3716, www.veerkamp.com Global Music (01 33) 3616 4981, www.globalmusic.mx

Epiphone Guitarra eléctrica

Les Paul Junior

Para encausar la aspiración de quienes se inicien en el rasgueo de riffs es que va indicado este modelo clásico con la configuración Les Paul. Hecha en caoba, viene con 22 trastes de tamaño

medio-jumbo, sistema con humbucker Epiphone 700T y control master de volumen y tono.

Hermes Music (55) 5547 2111, www.hermes-music.com.mx, www.epiphone.com

Line 6Interfaz para guitarra

SONIC PORT

Alista en esta interfaz de audio, y sin conflicto alguno, tu guitarra con tu dispositivo favorito de iOS y así trabajar bocetos y/o canciones acabadas tanto

en el ampli consentido o bien en Garage Band. Está pensada para aterrizar ideas de pre y post producción musical al más puro estilo plug & play.

Yamaha de México (55) 5804 0600, mx.yamaha.com

Producción

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Yamaha SintetizadorMOTIF XF 6

La versión de 61 teclas del afamado sinte mantiene el tipo de teclas, con martinete graduado, fidelidad sonora con 741 MB en formas de onda, recreación de sonidos vintage mediante sus efectos VCM así como capacidad en entradas para añadirse a estaciones de trabajo digital para trabajo de edición vía Cubase o Soft Synth.

Yamaha de México (55) 5804 0600, mx.yamaha.com

TC ElectronicAmplificador para bajo

BG250-115

Con una potencia de 115 a 250 watts, este combo ultra portátil incluye la función de moda de la casa, su Dual TonePrint el cual permite emular el estilo de varios artistas

signature de la firma y aplicarlos a sesiones de ensayo, con sólo mover la perilla Switch-3 y cuenta con una completa sección para hacer ajustes de ecualización en su panel.

Distribuidora Gonher (55) 9152 4600, www.gonher.com, www.tcelectronic.com

La BellaCuerdas para violínE&O Mari

Estuche con encordadas de acero y aluminio con calibres asignados en: E-631, A-682, D-683 y G-684, ostentan el sello de durabilidad y nitidez tonal firma de la marca, para uso semi profesional y pro.

Casa Veerkamp (55) 5709 3716, www.veerkamp.com, www.labella.com

Producción

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[ Plug & play: Gadgets ]

NovationControlador

Launchpad S

Crea o mezcla tracks de manera intuitiva con este controlador de 64 botones que se configuran para facilitar el flujo de trabajo de tu proceso creativo ya

sea en producción, sesiones de DJ o actuación en vivo usando Ableton Live (Launchpad Edition). Envía y manipula clips, loops, efectos y, además,

descarga la app para iPad y seguir enriqueciendo la galería de sonidos.

Casa Veerkamp (55) 5709 3716, www.veerkamp.com, www.us.novationmusic.com

Behringer Audífonos HPX4000

Dotados para notar con claridad los rangos ultra dinámicos y las frecuencias bajas, estos audífonos supra aurales aíslan los sonidos externos por acción eficiente de su cápsula de cobalto. Vienen con adaptador de ¼ a 1/8 de pulgada, haciéndolos compatibles con cualquier reproductor de MP3 y, desde luego, la consola o controlador que se elija para las mezclas.

Inovaudio (55) 5541 1742, www.inovaudio.mx, www.behringer.com

AlesisCaja de ritmos SR18

Heredera de la versión SR16, en esta versión cuenta con un banco de 32 GB de sonidos de drumkits, percusiones electrónicas (más de 500) y de bajos (50 modelos) con los que cubre una rica variedad de géneros y estilos para pre producción musical. Incluye función para efectos de reverb, ecualización y compresión. Su configuración es sumamente accesible gracias a su cuadricula de 16 pads ultra sensibles; tiene salida estéreo y TRS de ¼ de pulgada, más una extra para auriculares así como entrada para instrumento (también de ¼ de pulgada).

Vari Internacional (55) 9183 2700, www.varinter.com.mx, www.alesis.com

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Producción[ Plug & play: Apps ]

iPolysix Una completa app que reúne

secuenciador, caja de ritmos y mezcladora para diseñar sonidos

vintage, en un conciso estudio de síntesis análogo tomando como referencia el sintetizador polifónico de seis voces Polysix de Korg que apareciera en

1981. Su galería de efectos y set de ajuste es amplía, sin limitar la

inventiva propia. Precio: 389 pesos.

Tape by Focusrite Se trata de una práctica solución para

grabar dos tracks, ya sea separados o como par estéreo, editables en

niveles, latencia y aplicación de efectos –permitiendo ahondar en aspectos

de mezcla y mastering-, además de facilitar la interacción en social

media al subir el audio a sitios como soundcloud y iTunes, de manera

instantánea. Compatible con recursos como Core Audio, opera sin conflictos

con interfaces de una amplía gama de marcas, y desde luego, Focusrite como

iTrack y Scarlett. Precio: gratuita.

Scape by Brian Eno y Peter Chilvers Se trata de una galería con sonidos referencia del aclamado músico y productor británico Brian Eno, en complicidad con su colega, el también compositor Peter Chilvers. Scape es un banco sonoro dividido en varios álbumes (15 en total) de los cuales se toman los sonidos como piezas para usar y combinar sin limitante alguno, situándolos en playlists. Precio: 77.8 pesos.

Noisepad Disponible para iPhone y iPad, Noisepad reproduce sampleos y permite hacer los

propios con una completa galería de sonidos (60 muestras concebidas por Chuckie, Bong-ra y LoopBased)

puestos centro de producción que se puede añadir a una tocada en vivo

(vía MIDI) y al set del home studio con la facilidad que provee una interfaz

basada en pads táctiles. Programa un máximo de 12 patrones y asigna

el BPM de forma manual o con su función Tempo. Precio: 13 pesos.

La Caja Sorda

Producción

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[ Home Studio ] [ Home Studio ]

Filosofía: “En realidad mi estudio es más el vicio y herramienta de un músico, que la ambición de un productor”, así sintetiza el etnólogo musical Santiago Rojas el leit motiv que le llevó a acondicionar un rincón para dar vida a sus ideas musicales, me-diante consolas conectadas a grabadores de carrete, y luego con un porta estudio de casete a 4 tracks. En La Caja Sorda, se re-gistra también lo ocurrido en un ensayo para tener un referente concreto sobre el concepto sonoro de una idea o propuesta para su gru-po o bien para su trabajo de musicalización teatral. “Es un gusto saber que las ideas no se quedan en un tarareo o en una servilleta sudada, y que te puedes sentar en cualquier momento a grabar lo que viene a la mente”.

Uso: En La Caja Sorda se sacia el gusto personal de grabar lo propio y, a la vez, poderlo compartir con los colegas músicos invitándolos a una sesión experimental (si se trata de elevar la calidad de la gra-bación, la decisión es recibir el consejo profesional), por lo que en este espacio la premisa es didáctico y de pre producción de ideas.

A Santiago le tomó un año hacerse de lo básico, iniciando con un CPU capaz de so-portar Cubase y robusta capacidad de al-macenamiento. A esto se sumaron la interfaz Tascam, un kit de microfonía Behringer y un controlador MIDI. Teniendo cuidado con la limitante de presupuesto, los equipos

y backline tienen la misión de confi gurar el sonido vintage, lo cual se percibe en un amplifi cador Fender de bulbos y software intuitivo que permita manipular el sonido sin complicaciones o demasiados plug-ins, que enfatice el sonido orgánico, más directo de los instrumentos que se puede perder en una grabación excedida en procesos.

La orientación para ir construyendo un criterio de adquisición de equipo la resolvió mediante tutoriales en video en YouTube y consultando a ingenieros de sonido profesionales: “La fortuna en estas épocas de avances tecnológicos, es que puedes resolver varias carencias si te haces de un buen software y desarrollas tu oído”, afi rma quien también sabe de las aventuras sobre el escenario como stage manager.

Proyectos: Las maquetas sonoras para la obra El Milagro; pistas para coreografías y ejercicios teatrales así como el score completo de la puesta en escena Cabeza de caballo. Próximamente, otro score para una reversión de El Milagro.

Lista de equipo: • Interfaz Tascam

US-1800• Preamplifi cador de

micro, Behringer Tube Ultragain MIC200

• Micrófonos Behringer C-4 de condensador (02); XM1800S (06); C-1 de condensador para estudio (01)

• Microamplifi cador de audífonos Behringer HA400

• Controlador Samson USB MIDI controller Carbon 49

• Amplifi cador Fender Hot Rod Deluxe III

• Pedal Behringer Vintage Pasher VP1; Boss Distortion; Vox Classic Wah Wah

• Pedalera Fender Mustang Floor

Steinberg Interfaz de audio

UR22Con capacidad de grabación de audio de 192 kHz a 24 bits, software Cubase AI 7 cargado, potencia phantom y dupla de entradas

y salidas, más conexión MIDI, la UR22 atiende cabalmente los pormenores de una sesión pre producción y maqueteo.

Producción

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[ Home Studio ]

Vari Internacional (55) 9183 2700, www.varinter.com.mx, www.bluemic.com

Blue Microphones Micrófono plug & play USB Spark Digital Con cápsula de condensador conectividad USB para Mac, PC y tablet, es un robusto transductor para capturar voz y una gama concisa de instrumentos musicales como el piano, batería y guitarra. Transforma el iPad en un estudio móvil añadiendo la interfaz de audio de tu elección.

Yamaha de México (55) 5804 0600, www.mx.yamaha.com

BehringerControlador MIDI a pieFCB1010Para ampliar los recursos de expresión en guitarras y teclados, esta pedalera ofrece una decena de bancos pre cargados cada uno con pedal libre para sus propios ajustes, modifi cables con oprimir el switch e ir así añadiendo amplifi cadores y efectos provistos en su galería.

Inovaudio (55) 5541 1742, www.inovaudio.mx, www.behringer.com

Native InstrumentsGalería de sonidosKomplete MonarkSi estás interesado en explorar las atmósferas y emulaciones sonoras de un sintetizador análogo monofónico, he aquí la alternativa perfecta con funciones que te pemitirán regodearte haciendo modelaciones de sinte y, además, bajos y guitarras.

Casa Veerkamp (55) 5709 3716, www.veerkamp.com, www.native-instruments.com

Por Marisol Pacheco@MarySolPacheco

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Has dicho que lo que más disfrutas es verte haciendo la base rítmica, ¿a qué se debe esa fuerte identificación y cómo has evolucionado en ese rol? “Primero que nada, tocar el bajo obedece a que tuve una identificación total con mi personalidad, como nos pasa a todos los músicos, definitivamente. Cuando me pusieron uno de estos la primera vez, a mis 18 años yo no tenía ni idea de qué hacerle ni cuál era su función. Luego me di cuenta que como instrumento lo identificaba rápido en la música que oía y pensaba: qué interesante la labor del bajo porque no se oye pero se siente, es decir nadie se da cuenta de qué es pero si lo quitas algo sucede que se pierde el peso de la música. Me identifique en ese sentido, me gustan los sonidos graves, la discreción, estar detrás, escuchar antes de hablar; me gusta eso: ser parte de algo, hacer equipo con la gente y creo que el bajo es te permite eso”.

“Tocamos lo que somos”

Aarón Cruz“El bajo es un instrumento que no se oye pero se siente,

es decir, puedes no darte cuenta de qué es pero si lo quitas algo sucede que se pierde el peso de la música. Me identifique en ese sentido, me gustan los sonidos graves, la discreción, estar detrás, escuchar antes de hablar; me gusta eso: ser parte de algo, hacer equipo con la gente y creo que el bajo te permite eso”.

Quien habla es Aarón Cruz, músico de carácter noble que por más de tres décadas ha puesto su rol de mediador y destacado ejecutante del bajo en la base rítmica del jazz, el rock y el pop mexicanos; una carrera trazada por la búsque-da de autenticidad y el anhelo de comunicar lo que se siente y piensa. Autodidacta al principio y posteriormente bajo la tutela de Agustín Bernal, Aarón sucumbió al groove del encordado en eléctrico y, luego, a la gravedad del contraba-jo en su juventud, con el antecedente que de niño tuvo en la escuela de iniciación artística del INBA donde tomó guitarra clásica y clarinete.

Su firma está en proyectos de quienes fueran sus héroes, como Cristóbal López, Enrique Nery, Héctor Infanzón y Eugenio Toussaint; junto al de sus colegas de generación (nacionales y extranjeros) como Hernán Hecht, Iraida Noriega, Alejandro Mercado, Antonio Sánchez, Gabriel Puentes, Alejandro Otaola, Abraham Barrera, Todd Clouser o Ely Guerra; y de manera incesante entre una inquieta y talentosa camada de jóvenes creadores como Nur Slim, René Mooi o Xavier.

Aarón es un hombre de trato gentil que siempre ha tenido claro su lugar: “yo soy intérprete, no compositor; lo que más disfruto como bajista es hacer la base, sostener al grupo, envolverlo, acompañar; y que cuando me den espacio para solear pueda contar con libertad mi historia”. Bien, dejémoslo relatar las aristas de esa historia entregado a la música y al arte de vivir.

Si bien hay muchos ejemplos de virtuosos que han llevado el instrumento como solista a gran nivel –por su rapidez y recursos técnicos–, no es el bajo que a mi me gusta, aunque sí los escucho y admiro; a mí el que me llama la atención es el de Ray Brown con Óscar Peterson, Niels Pedersen y claro, el de Jaco Pastorius en Weather Report a quien identificaba hasta en las cortinillas que usaba un noticie-ro en la radio con su música. Ahí comencé a abordar el instrumento sacando rolas de rock y covers para ese vecino que tenía su banda y puso el bajo en mis manos”.

“Eso me hizo tener mucha afinidad con los bateristas y hacer ese trabajo de equipo, compartir la base rítmica en cualquier género musical (he tocado casi todos) porque me gusta oír el bajo en toda la música. Desde el principio tuve la fortuna de conocer muy buenos bateristas como Hernán Hecht, con quien llevo 17 años

Proyectos eléctricosA Love Electric.Todd Clouser - guitarra y voz.Hernán Hecht - batería.Aarón Cruz - bajo, armónica.Equipo: • Bajo Ephiphone Jack Casady con

cuerdas Thomastik Jazz flatwounds• Bajo Fender Jazz Bass 72’ con

cuerdas D’dario halfrounds.• Pedal Ditto Looper de TC electronics.• Preamp Aguilar Tone Hammer.• Armónica Honner Marine Band (C)• Monster cables.

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de relación (la más larga que he tenido musical y personal en mi vida). Fue él quien me dijo que me animara a tocar ya en ensambles y no sólo covers, y yo el primer músico mexicano con quien él tocó en México; Gabriel Puentes ya también con muchos años acá, que es un extraor-dinario músico y conocedor de la realidad del jazz, una enciclopedia, de él he aprendido mil cosas cada vez que tocamos juntos. Está también Giovanni Figueroa, con él coincidí en un combo con Víctor Patrón y siempre me impresionó que siendo tan joven tuviera tal dominio técnico bárbaro. Antes de eso hice dupla en la banda de Gloria Trevi con Elohim Corona (eran él y toda su banda, Isis), un zurdo devastador, preciso. Con ellos toqué un rato rock, covers también y le aprendí cosas increíbles de la base, cómo mantener el ritmo y la contundencia”.

“Cada uno es un mundo completamente diferente y para mí ha sido muy estimulante la percepción que tienen del tiempo, la forma, el concepto musical que se está manejando. También debo mencionar a Mario García, Fernando Caballero ‘El Cabezón’, a Tony Cárdenas a quien seguía desde Antropolio; todos han sido escuela para estudiar y aprender”.

¿Cuándo tuviste la convicción de tomar la carrera de músico? “Mis padres dicen que desde niño tuve faci-lidad para memorizar melodías complejas y me incliné por el jazz (de hecho le robé un casete a un amigo de mi papá de Oscar Peterson Trío y me lo “acabé” de escucharlo y tratar de sacar las canciones). Cuando surgió la idea de darme una opción de estudio por las tardes, me inscribieron a las clases de iniciación artística del INBA. Conforme crecí fui descubriendo

que quería dedicarme a eso y fue mi padre quien me dijo que estudiara contrabajo (vio el gusto que le tomé al bajo eléctrico) pues ahí estaba la raíz y tenía toda la razón. Entonces conocí a José Carter gran amigo, quien me presentó a músicos como Agustín Bernal, Iraida Noriega, él me enseñó varias cosas sobre la escena del jazz, me metió en ese mundo y fue cuando comencé a tocar más y más”.

“Ya no hubo vuelta de hoja: yo dejé de ir cada vez más a la prepa, tocaba más y fue cuando hablé con mis padres para exponerles la situación; ambos me apoyaron, con nervios sí, pero me dieron su venia y exhortaron a que me preparara si ya había elegido ese camino. Las cosas se fueron dando, me metí a la Superior de Música y ahí se fue gestando Cráneo de Jade como un experimento de estudio; hice música para teatro, toqué con Liliana Felipe y estuve en el primer disco de Lila Downs. Las primeras tocadas con Enrique Nery, Cristóbal López; el primer acercamiento con Eugenio Toussaint, vivir junto a Héctor Infanzón, que es otro estilo totalmente, estar en el Festival de Jazz de Montreal. También fui viendo el mundo tan apasionante que implica ser músico de estudio porque manejas la energía desde otro sitio, tienes que saber leer partitura, tener claro tu sonido y experimentar que habrá cosas que no te gustara tocar pero que suman a las circunstancias de aprendizaje”.

“Mi entrenamiento con Agustín fue exhaustivo en técnica y métodos clásicos y yo tomé la música popular como vía, el rock, la salsa, la cumbia, el jazz; para mí era estimulante entender esos mundos y como músico de sesión pude explorarlos poco a poco. Luego vino ese otro mundo que es el músico de acompañamiento cuando a principios de los años noventa estuve en la banda de Gloria Trevi, una vivencia singular porque me permitió entender algo que hoy es crucial para mi carrera y es el peligro que hay cuando todo se vuelve fácil, que musicalmente no haya complejidad y lidies incluso con el asunto de celebridad (eres ‘el que toca con Gloria Trevi’); y eso no es la música”.

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Con la agenda llena ¿cómo te mantienes en forma a nivel técnico? “El tiempo de práctica es un tesoro. Y sí, todo el tiempo estoy tocando y eso ayuda pero, en el caso del contrabajo no dedicarle horas puede ser grave porque es un instrumento que te exige callo, fuerza física y una condición de los dedos especial: si dejo de estudiarlo una semana, me lo cobra, vuelve a salir ampolla, te duele todo y desafinas. Entonces sí, el poco tiempo que paso en casa lo uso para practicar, ahora lo que hago es recorrer todos mis instrumentos (contrabajo, bajo eléctrico y fretless). Siempre estoy estudian-do cosas diferentes: me encanta la música barroca así que estudio mucho a Bach, es mi gran escuela además de Jaco Pastorius”.

No tengo una rutina de calentamiento previa a tocar porque algo que aprendí es a conocer mi físico, nunca me he lastimado porque toco muy relajado, no me tenso, disfruto lo que hago y si ello implica un reto me concentro en la responsabilidad que implica porque hay música compleja, para mí en el jazz no basta el ‘querer es poder’, acá hay teoría y técnica y debes usar las mayores herramientas de que dispones para tocar”.

¿Qué tratamiento tienes de tus bajos al convivir entre lo acústico y lo eléctrico?“Son mundos bien diferentes y cada vez más eso lo define el sonido del proyecto en que esté porque al principio no son cosas que pienses. Hoy pienso en lo que la música precisa. Con ALE volví a lo básico, un pasivo sin pilas, con

Ely GuerraEly Guerra - voz y guitarra.Nico Santella - teclados.Demián Gálvez - guitarra.Hernán Hecht - batería.Aarón Cruz - bajo.Equipo:• Bajo Fender modelo Roscoe

Beck 5 cuerdas (B-E-A-D-G), roundwound strings.

• Contrabajo eléctrico NS Design 5 cuerdas o contrabajo Czech-Ease custom 5 cuerdas.

• Pedales: custom distort, envelope filter, Tonebone preamp, Aguilar Tone Hammer preamp.

• Monster cables.

MOOIReneé Mooi - voz.Juanjo Gómez - guitarra.Lari Ruíz - guitarra.Manú Jalil - violín y coros.Alfredo Larraguível - teclados.Luis Fajardo - batería.Aarón Cruz - bajos.Equipo:• Bajo Steinberger Synapse 5 cuerdas

(B-E-A-D-G) cuerdas steinberger Double-Ball roundwounds.

• Omni Bass NS design 5 cuerdas (E-A-D-G-c) cuerdas NS flatwounds.

• Pedales: Boss reverb, Redial Tonebone preamp-direct box.

• Monster cables.

Iraida Noriega y la Groovy Band

Iraida Noriega - voz y teclados.Carlos Sustaita - teclados.Juanjo López - guitarra.Jorge Servín - batería.Eric “El niño” Trujillo - rap.Aarón Cruz- bajos.Equipo: • Bajo Warwick Thumb 1991, 5 cuer-

das, cuerdas rotosound roundwound.• Bajo Colibrí piccolo custom 4 cuer-

das, afinado por quintas (Bb-F-C-G)• Critter Bolsa-Bass (pequeño

teclado con sonidos graves)• Pedales: boss reverb,

Tonebone Redial preamp.• Monster cables.

Otaola-Cruz-Iglesias Power TríoAlex Otaola - guitarra y efectos.Patricio Iglesias - batería.Aarón Cruz - bajos y efectos.Equipo: • Bajo Steinberger Synapse 5 cuerdas• Omni Bass NS Design 5 cuerdas.• Critter Bolsa-Bass.• Pedales: Dr. Distorto distort

pedal, Boss reverb, Whammy Digitech, Tonebone preamp.

• Monster cables.

cuerdas lisas que dan un sonido más gordo, de peso y contundencia. Empecé con mis Warwick que son activos con cuerdas más brillantes pero que generan un sonido más de fusión, por así decirlo y los tuve que dejar.

“El contrabajo es otra historia, ahí la que importa es la madera porque es la que genera los sonidos y armónicos. Empecé con los de triplay, luego tuve uno que heredé de Agustín, con él hice mis primeras grabaciones y posteriormente me hice de uno hecho en Francia, a finales de 1800, con una sonoridad de respeto. Luego me hice de otro que era de un alumno y que, siendo de triplay no tan fino, tenía el sonido que yo buscaba, es un Kay viejo (de 1946) con un sustain y color que yo quería. Ése es el de mis confianzas, con el que grabé Eco”. “También por cuestiones de transportación me hice de un contrabajo recortado que hace un lutier neoyorquino David Gage, llamado Czech-Ease, y también me mandé hacer otro con una quinta cuerda para ampliar la tonalidad además de ponerle una pastilla que también diseñó este laudero que te cuento. Tengo varios NS, uno con esta pastilla Realist que transmite muy bien las vibraciones de la caja para la amplificación, porque si bien no soy un purista del jazz sí me parece que hoy se exagera en esa parte y se mata el sonido natural del instrumentos con volúmenes artificiales. Yo creo que mi situación al sonar jazz es privilegiada porque tengo la batería de lado izquierdo y el piano en el derecho, escucho perfecto sin monitor y el ampli que llevo es el más chiquito que tenga, sólo como referencia. Cuando hice Eco ya había probado unos micrófonos DPA y les ofrecí grabar todo el disco con éstos y los pusimos en la batería, el piano y el contrabajo; después ya compré unos y logramos el sonido que quería”.

¿Cómo eliges en qué proyecto participar?“Lo que busco es la honestidad en la gente que me invita y que por medio de la música quieran emitir un discurso honesto. Lo que sopeso es de dónde viene la invitación, qué es lo que han hecho y de qué manera me la plantean porque busco la honestidad en el discurso al cual me invitan. En algunos casos son gente que no conozco como fue Xavier, ahí a que me invitó fue Iraida con quien llevo años colaborando y le creo todo, así que acepté”.

“Por otro lado sí tengo como objetivo colaborar con gente joven porque me parece esencial apoyar ese talento como el de René Mooi quien me mandó su material por internet, me gustó y le pedí me invitara; lo mismo con Nur Slim, que era una chica tímida estudiante de jazz y hoy tiene un discurso composicional increíble, que hace arreglo, compone sus letras y pelea por hacer sonar su proyecto”.

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Y gente como Abraham Barrera quien al fin tomó una decisión crucial en su vida y es la de ya no acompañar a artistas para desarrollar su creatividad y apostarle a su trabajo. Es música sumamente profunda, a trío, y se vio valiente en invitar a Antonio Sánchez para hacerla, y Toño aceptó y es la primera vez que graba en México. Es música muy compleja, no es un jazz común, fue un trabajo exhaustivo, partituras gigan-tes, de esos retos que cuando ya pasas el nivel de la dificultad técnica y se logra la música, ahí está la satisfacción. También estaría en este rubro Alex Mercado, otro tremendo y talentoso músico con quien junto a Gabriel tengo una entidad a trío que está por desarrollar mucho a nivel discurso musical, The Watcher el disco que sacamos es una prueba muy clara de ello”.

Hay además una complicidad especial con las mujeres“Absolutamente, primero porque soy un gran admirador de ellas. Y, segundo, porque son aguerridas y comprometidas con su proyec-to; con su hambre de mostrar su propuesta. Es lo que también veo en alguien como Ely Guerra, que se la juega con sus recursos y sale airosa entregando discos y conciertos de enorme reto creativo y, además, hace lo que le corresponde para financiarlos. Es una energía que amplía la perspectiva que uno tiene como músico, porque sin caer en cosas feministas, es cierto que tienen más complicada la ecuación por cuestiones de contexto cultural”.

¿Qué nos dices de A Love Electric?, se les percibe en un momento creativo especial…“Ha sido un experimento muy afortunado porque creo que los tres buscábamos lo mismo en el mismo lugar. Hernán contactó a Todd y comenzaron a tocar standards en Los Cabos, luego le habló de mi y me invitaron junto con Mark Anderud al piano y nos acompañaba Steven Bernstein en la trompeta; fue pasando por varias etapas con invitados nacionales y extranjeros, trío, cuarteto, quinteto (lo que nos hizo convivir con músicos como John Medeski, Cyro

Baptista, Billy Martin, Brian Allen) hasta que Todd comenzó a poner música original, cosas que ya venía componiendo. Fue Bernstein quien le dijo ‘ey, ahí tienes algo, hay una banda’. Por cuestiones de logística se quedó ya en trío, que al menos para mí es la agrupación perfecta, el equilibrio”.

“La música fue yéndose hacia un sonido mucho más agresivo, hacia el rock, el groo-ve que conversando con Hernán decíamos que siempre tuvimos esa necesidad de tocar algo agresivo, ya lo habíamos hecho con diferentes músicos pero necesitábamos una figura central y Todd lo hace maravillo-samente porque además empezó a cantar y así se conformó la unidad; todavía con invitados como fue para la grabación de The Naked Beat pero en vivo somos el trío. Además volver a montar el bajo eléctrico que me hacía mucha falta porque es de donde vengo, y no preocuparme de nada más que de groovear. En lo personal soy absolutamente libre de hacer lo que sea, primeramente, hacer base; yo lo que más disfruto como bajista es eso: sostener al grupo, envolverlo, acompañar, estar detrás envolviendo todo y que también me dan mis espacios para decir mi historia y ahí ya me suelto soleando en diferentes temas”.

“Coincidió también con la muerte de Eugenio, con quien junto a Gabriel Puentes veníamos desarrollando un concepto alto también. Para mí fue muy sano dejar un poquito atrás el jazz acústico e irme para lo eléctrico y a la energía del rock. A Love Electric tiene una contundencia

natural; musicalmente nos entendemos a plenitud, nos divertimos mucho tocando porque hemos profundizado en esta otra entidad que formamos los tres”.

Citaste el trío con Eugenio Toussaint y Gabriel Puentes, ¿qué había ahí?Eugenio era uno de mis héroes. Pude comenzar a tocar con él tras haber aprendido a tocar su música. Le conocí por Cristóbal López; tras ser quien tocaba con él supliendo primero a Agustín y luego a Eddie Vega, la entidad que teníamos con Gabriel alcanzó un nivel alto; para mí su pérdida fue un shock total porque hasta la fecha lo extraño mucho, su swing, sus composiciones, su toque, su sonrisa, todo. En lo personal viajar con él era compartir la vida a nivel personal único: conversar sobre música, cine, pintura, libros, era un humanis-ta. Su apreciación del mundo era inmensa; era una persona única, irremplazable; lleno de sentido del humor y gusto por la vida a quien echaré de menos toda la vida”.

¿Qué aprendizaje tuviste de la experiencia como líder con tu disco Eco?“Por cosas del destino y por un interés personal, coincidí con el cantautor Edgar Oceransky quien me invitó a uno de sus discos y así conocí a esa otra camada de talentos en la composición, como a Carlos Carrera quien me introdujo a la música de David Aguilar, cuyas letras, armonías y melodía me volaron la cabeza. Me hice seguidor de su trabajo y tuve la inquietud de hacer algo como lo que hace mi trío favorito de jazz, el de Bobo Stenson, músico europeo que toma canciones de la música latinoamericana para versionarlas en jazz, como también hizo Brad Mehldau, músi-cos que admiro y eso me motivó a intentarlo porque yo no soy compositor, yo soy intérpre-te: lo que me pongan en frente lo toco y puedo improvisar bien; así que si hacía un disco me gustaba la idea de hacer algo así con jazz pero no standards. Pensé en los temas de David e invité a Hernán y a Mark”.

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“Y algo muy importante a destacar de esa aventura es decirte que lo pude grabar gracias a la enorme oportunidad que brinda Salvador Tercero en Sala de Audio, su propuesta es única en el mundo: su estudio es una escuela y pone a sus alumnos a grabar a músicos reales, lo cual es generosísimo e inaudito. Ahí estamos sacando varios músicos mucho material propio de gran nivel. Eco salió con la anuencia de David y es un ejercicio de atmósferas; con mucha calma, con espacios y al que me avoqué de principio a fin; todo la producción la dirigí (grabación, mezcla, master, diseño de arte) porque quería que saliera como yo quería y lo logré”.

Cubierta tal gama de proyectos, ¿cómo estableces las próximas metas y que éstas sigan siendo estimulantes? “Para mí la clave es la relación humana. Todos somos únicos e irrepetibles y por lo tanto, las relaciones también lo son y los músicos somos un universo que a mi me parece que hay que atreverse a comprender. Es bien importante para hacer que suceda la música que buscamos”.

“Hay que recuperar la vivencia de ir a un concierto a sentir la vibración no de un instrumento sino de una persona frente a ti y que te conmocione; es lo que yo buscaba cuando iba a hacer la fila al Arcano para ver a Eugenio tocar o a Nery; además, intuía que ellos se divertían más que el público y ahora lo confirmo. Eso es lo que busco y también, proyectos que tienen constancia, el atrevimiento para llevarlo a los niveles más altos, superando el miedo, la ignorancia y la falta de recursos”.

“Cada vez que pienso en un género, miro lo que he aprendido. De Infanzón mil cosas

XUC TríoJuanjo Gómez - guitarra.Jorge Servín - batería.Aarón Cruz - bajos.Equipo:• Bajo Warwick Thumb

1991, 5 cuerdas.• Bajo Warwick Thumb 1989,

5 cuerdas fretless.• Aguilar Tone Hammer preamp.• Monster cables.

Para los proyectos eléctricos uso un amplificador OMG! Hecho en México por CMP electrónica. Lo uso con diferentes bafles, dependiendo el volumen que se necesite.

Proyectos acústicosAlex Mercado tríoAlex Mercado - piano.Gabriel Puentes - batería.Aarón Cruz - contrabajo.

Abraham Barrera tríoAbraham Barrera - piano.Antonio Sánchez (grabación), Giovanni Figueroa (en vivo) - batería.Aarón Cruz - contrabajo.

H3AHoracio Franco - flauta barroca.Abraham Barrera - piano y clavecín.Adrián Oropeza - batería.Aarón Cruz - contrabajo.

Enrique Nery tríoEnrique Nery - pianoMario García - batería.Aarón Cruz - contrabajo.

Aarón Cruz tríoMark Aanderud (grabación), Daniel Perri (en vivo) - piano.Hernán Hecht (grabación), Jorge Servín (en vivo) - batería.Aarón Cruz - contrabajo.

Equipo en proyectos acústicos:• Contrabajo francés de

mediados de los 1800’s• Contrabajo Kay 1946.• Contrabajo de viaje David Gage

Czech-Ease custom 5 cuerdas.• Pastilla The Realist.• Micrófono DPA 4099.• Aguilar Tone Hammer preamp.Amplificación• En acústico Gallien-Krueger

micro head y distintos bafles.• Grabación con bajo eléctrico

preamp Aguilar Tone Hammer.• En grabaciones con contrabajo diver-

sas configuraciones de micrófonos y “nunca uso la pastilla para grabar”.

sobre el son, de los tumbaos, de agrupaciones de salsa, de su historia; Armando Montiel me dio cátedra sobre la clave; con Eugenio de mundos varios, era un apasionado de la música de concierto y me enseñó cosas que no conocía de Stravinsky, música muy profunda y el amor que le tenía al rock, le encantaba. Gabriel que cada vez que viajamos, platicamos, es una lección enorme de estilos, influencias, nombres, discos. Iraida, es otra vertiente y búsqueda; estos jóvenes como Nur, todos me nutren de facetas infinitas de la música que no voy a acabar de estudiar en la vida. Una influencia reciente muy afortunada la tuve Son de Madera, músicos que me sacudieron por su calidad y porque vienen de la raíz de nuestra música; me trastornó el nivel de profundidad en su raíz que es bien interesante de la negritud, de la música española, del barroco, de lo indígena, he aprendido mucho de rítmica, de forma, de manera de improvisar y demás”.

Al final creo que la música nos hace mejores personas, el arte pues… “Diría que sí pero sin la pose. Mi padre es pintor y mi ma-dre modista, en mi casa se valoró siempre el aspecto visual de la vida, sin pensarlo como arte o algo separado de. Mi casa estuvo llena de telas, gentes haciéndose vestidos, olor a pintura, aguarrás y gente loca con búsquedas que para el común denominador de la sociedad sería gente muy rara. Me parece muy admirable de mis padres que hayan podido hacer su vida y la de sus hijos a través del arte, porque hoy hay quien aún me pregunta ‘¿Ey, qué tal la música, todavía lo haces? Creen que estás jugando, que esto no es posible cuando una de las más maravillosas elecciones que alguien puede hacer es dedicarse al arte”.

“Yo creo en algo que dice mi papá: “no es que el arte sea mejor, es que con el arte se vive mejor”; todo se vuelve mucho más amplio aunque pueda ser doloroso y difícil porque te cuestionas inquietudes como hasta qué punto es válido lo que uno hace frente a uno mismo y a los demás, la dificultad de vivir de esto… Me encanta la música y con ella me es más que suficiente. No lo haces por pose sino por una necesidad de contactar con las personas y compartir, en mi casa siempre hay gente por esa razón, para degustar una comida, una bebida, el conocimiento. Por eso también me fascina dar clase, por compartir la experiencia. Al final tocamos lo que somos: nuestra vida”. :

“...la clave es la relación humana. Todos somos únicos e irrepetibles y por lo tanto, las relaciones también lo son y los músicos somos un universo que a mi me parece que hay que atreverse a comprender.”

Con once años de vida, el Festival Internacional de Jazz de la Riviera Maya ha logrado mantener su

estatus de cita ineludible para los amantes de la música alre-dedor del mundo; primeramente, por la calidad de su cartel que con la dirección artística de Fernando Toussaint ha permitido a quienes abarrotan Playa Mamitas en Playa del Carmen, el deleite extremo con la actuación de fi guras que han dado cimientos al género como George Benson, Herbie Hancock, Stanley Clarke y Wayne Shorter; y segundo, por el cumplimiento profesional de su producción para satisfacer las exigencias de los staff técnicos que acompañan a los artistas y que este año excedió las expectativas del demandante crew de Earth Wind & Fire con quien dio broche de oro la edición del 2013. Así lo expuso Fernando Toussaint: “Visto en perspectiva lo que esta edición nos deja claro es que, de entrada el festival ya tiene tal inercia que ya hay cuestiones que caminan solas, vaya a través de un sistema y proceso de trabajo afi nado que sólo piden orientación y supervisión tanto de parte del Fideicomiso como de la producción y dirección artística como tal. Eso es muy importante porque como gestores de un evento cultural de esta naturaleza, que se mantiene gratuito y ejemplo de activación económica para el turismo, nos da un margen amplio para pensar en este nivel de artistas que te exigen riders y necesidades de producción no tan convencionales (eso incluye camerinos, alimentos y transportación, entre otros) hasta un listado de backline y peticiones de manejo de escenario que nos puso en jaque porque había que mediar asertivamente”.

Riviera MayaJazz FestivalRomper esquemas en el cartel

y sobre el escenario

Con once años de vida, el Festival Internacional de

EARTH WIND & FIREBackline

Bajo(03) SWR GOLLIATH III 4X10”

SPEAKER CABINET (01) SWR MEGOLLIATH 8X10”

SPEAKER CABINET(03) SWR SM 900 BASS AMPLIFIERS(03) Shure UR BODY PACK

TRANSMITTERS(02) Shure UR 4D DUAL CHANNEL

DIVERSITY RECEIVERS (4 CHANNELS)

(01) Fender Jazz Bass

Guitarra (05) Fender ‘65 TWIN REVERB REISSUE

COMBO GUITAR AMPLIFIER WITH FOOTSWITCH

(06) Shure UR 1 BODY PACK TRANSMITTERS

(03) Shure UR 4D DUAL CHANNEL DIVERSITY RECEIVERS (6 canales)

(02) Taylor 6 STEEL STRINGS electroacoustic guitar

(02) Fender Stratocaster Electric Guitar

Teclados (01) Roland Jupiter 80 Synthesizer

con pedal de sustain / AC(01) Yamaha MOTIF 7 MUSIC

PRODUCTION synthesizer con pedal

Y no me refi ero a que esos requisitos no se pudieran cumplir o conseguir acá, sino a la exigencia que fueron muy estrictos, algo que no nos había pasado con otras produccio-nes y que nos hizo poner alertas, además de anotar que ese tipo de artistas implicará ese reto; pienso en un Santana, Stevie Wonder, Prince, Sting, fi guras que ma-nejan esa línea y cuyos nombres están por supuesto en nuestro listado de prospectos. Al fi nal salimos más que airosos con comenta-rios como el de Verdine White de que este fue uno de los festivales más importantes en los que ha tocado en toda su vida; lo tenemos grabado en video testimonial y es la prueba clara de que cumplimos y estamos listos para realizar un show al nivel que pi-dan las diferentes agencias de management de ese tamaño”.

La buena vibra de este festival radica en esa mezcla de talento artístico y técnico, lo que da marco a usarle como una vitrina capaz de exhibir en un mismo sitio a los pilares del género, alternarlos con sus herederos e incluir variantes que con la improvisación

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Earth Wind & Fire

Fernando Toussaint

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Festivales [ Riviera Maya Jazz Festival ]

entre sus ingredientes, sean atractivas no sólo para el escucha especializado sino también para el nuevo y el que está detrás de una experiencia musical única.

Así, desde el primer día pudimos apreciar a músicos cuyo talento ha estado a prueba junto al de sus mentores para luego avocarse a sus proyectos: Brent Fischer haciendo la música de su padre (el entrañable grupo Salsa Picante) y dando cátedra junto a colegas como Luis Conte de la riqueza del jazz latino, el bossa y por supuesto, la clave y los ritmos afrocaribeños; Frank Gambale hizo lo propio repasando las progresiones de su depurada técnica a la guitarra para sonar el blues y sumando a és-tos la ejecución vocal de la cantante Boca.

En esa misma línea podemos incluir lo hecho por Aguamala que al dar apertura al festival hizo sonar los cortes de su nueva producción; además de darse el gusto de intercalar a la dinastía Toussaint (Fer en batería, Enrique al bajo y Cecilia en la voz) para remembrar clásicos de su trayectoria. Hubo tiempo para la nostalgia y, también, para abrirse a lo nuevo tras el anuncio de la partida de su bajista Luis Ernesto López.

La misma tónica prevaleció en el segundo día, donde el banderazo fue contundente con la actuación en power trio de tres consagrados de la música como son: Dennis Chambers (batería), Jeff Berlin (bajo) y Scott Henderson (guitarra) quienes trastornaron con su elocuente homenaje al jazz fusión y su apuesta por divertirse dándose espacio para improvisar sobre piezas clásicas de Weather Report, Herbie Hancock, Billy Cobham e in-cluso The Beatles. Simplemente electrizantes.

de sustain / AC (01) Clavia Nord STAGE 88 EX con

pedal de sustain (01) Kurzweil PC 3K8 88 KEY

PRODUCTION STATION con pedal de sustain y power supply

(02) Yamaha MOTIF ES RACK TONE GENERATOR MODULES

(01) Roland FANTOM XR 128 VOICE SYNTHESIZER MODULE

(01) Roland VK 8 ORGAN con pedal ROLAND EV 5 EXPRESSION / AC

(01) Roland V-SYNTH GT SYNTHESIZER(01) mezcladora MACKIE 1604 VLZ

PRO MIXING (03) stands QUIK LOK X FRAME

DOUBLE TIER (02) Shure PSM 600 monitores

personales con audífonos SHURE E5

BateríaDW COLLECTOR’S SERIES (01) tom 18”x22”

(01) tarola 6”X14” (01) tarola 6”X14” (01) rack tom de 8” (01) rack tom de 10” (01) rack tom de 12”(01) rack tom de 14” (01) rack tom de 16” (02) DW stands para tarola (02) DW 5000 2 LEG stands para

HI HAT (10) DW stands BOOM para platillos (02) DW 9000 pedal DOUBLE KICK (03) tablas para percusión (02) asientos Tama BICYCLE DRUM

THRONE(01) cencerro LP BASS DRUM (01) cencerro LP BLACK

Platillos Sabian (01) AA METAL-X-RIDE de 22”(01) AAX FUSION HATS (HI HAT SET

de 22”) (01) crash AAX STAGE de 17” (01) crash AAX METAL de 18” (01) crash AAX METAL de 16”(02) crash AAX STUDIO de 16”(01) china AAX AAXTREME de 17”(01) china AA FAST de 18”(02) AAX SPLASH de 10”

Parches Remo (01) PINSTRIPE DRUM HEADS para

tom a piso y NEW REMO COATED

Cuando tocó el turno de Jim Beard, el pianista y tecladista perfectamente identifi cado por su trabajo en Steely Dan, los presentes debimos reajustar el sensor armónico y así poder sumergir-nos en la exploración de atmósferas que por la combinación de sintes modulares y vintage, así como un Hammond B3, el músico disparaba para construir melodías introspectivas, fruto de la riqueza tonal prodigiosa de ese instrumento insignia y el tratamiento que a éste sumó por procesos MIDI.

Vino el cierre con la refrescante y contagiosa presencia del soul, funk y groove provistos por el brasileño Ed Motta quien además mostró empatía al lidiar con el contratiempo técnico que dio la lluvia y que no mermó la actitud del multi instrumentista y compositor. Entregado, su actuación fue un refrescante ejercicio sobre cómo abordar el arreglo en las variantes del jazz, los recursos festivos del scat a nivel vocal y el fl uir de los espacios propicios para la improvisación. No hay duda, el hombre transcribe el caudal de música que ha nutrido su existencia y que registra más de 30 mil viniles bajo su posesión.

Para el cierre, la misión era per-petuar la fi esta y romper el record de asistencia marcado en 20 mil personas. Así lo hizo patente Celso Piña, su cumbia y vallenato sedujeron al respetable coreando los éxitos de su acordeón. El ambiente festivo devino en parcial sosiego para apreciar el trabajo composicional y técnica al bajo de Matthew Garrison quien dejó al fi lo de la arena la expectativa para escuchar a Earth, Wind & Fire dar colofón a la onceava edición del festival.

HBC

Frank Gambale

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Festivales[ Riviera Maya Jazz Festival ]

La locura, Playa Mamitas se rindió a los elementos

del planeta funk, por quienes no pasan los años, dando muestra de lo que es entretener sobre el escenario, cobijados por la sangre nueva de sus hijos. Calidad y carisma le so-bran a Ralph Johnson, Philip Bailey y Verdine White, quienes no en entregarse energéticamente al ritmo de la música que ha colmado las pistas y fonotecas personales de casi cuatro generaciones. Un concierto memorable, sólo posible por el marco de las brisa y las olas turquesa que dan marco a este, uno de los festivales más importantes de México para el mundo.

“Ahora lo que viene es ratifi car la misión de este festival. Dejar en claro el nivel de los artistas que se presentan por su propuesta y por su producción, además de ser vitrina para músicos que si bien ya gozan de reco-nocimiento a nivel internacional, en México no son tan conocidos. Es lo que nos pasó con Ed Motta y que ya había ocurrido con alguien como Mint Condition. Queremos mandar la señal de que ahí está una gran camada de “nuevos artistas” a quienes seguiremos alternando con músicos consa-grados y bien identifi cados en nuestro país”, concluyó entusiasta Fernando Toussaint. Y vaya que le creemos.

Un nuevo nivel de exigencia, cumplido Néstor Bello es el stage manager respon-sable de mantener el fl ujo y puesta a punto de cada producción en el Festival de Jazz de la Riviera Maya. Con cuatro años de ex-periencia, la gestión de lo que ocurre sobre el entarimado montado en Playa Mamitas, es una prueba de alto nivel para la cuadrilla de 12 personas que atienden linecheck, soundchecks y concierto de los artistas.

Pensar en la instrumentación de los músicos de bandas como Earth, Wind & Fire o Brent Fischer, nos obliga a solicitarle tips sobre el manejo de tiempos, organización y lideraz-go para que no se rompa el ritmo del festival, así como los consejos que la experiencia le indica, hacen la gran diferencia.

AMBASSADOR DRUM para toms y tarola

Percusión (01) set de congas Lp Galaxy Giovanni

Series (REQUINTO, QUINTO, CONGA & TUMBADORA)

(01) set de bongos Lp Galaxy Giovanni Series

(02) sets de timbales (14” y 15”) Lp Tito Puente

(01) cencerro pequeño (01) cencerro grande (01) set de mini timbales Lp Tito

Puente (6” y 8”) (04) shakers Lp Gold (03) shakers Lp Silver(01) Lp JAM BLOCK RED(01) Lp JAM BLOCK BLUE(01) Lp TRIBELL con STAND(01) cabasa Lp(02) pares de claves King (01) Lp shaker de canasta LARGE

GANZA (01) Lp shacker de canasta SMALL

GANZA (03) panderos de mano(01) rack Lp 372 (04) racks Lp 472(12) stands para platillos Yamaha

BOOM (06) tablas de percusión (06) pares de baquetas Vater (12) pares de baquetas REGAL TIP

9A WOOD TIP (01) pad de percusión Roland SPD 20

con clamp y stand (01) pad de percusión Roland SPD S

con clamp y stand(01) rack PEARL DR 503

Platillos SABIAN (02) crash de 16”(02) splash de 8” (03) china de 17”

Platillos Paiste (01) china de 16” 2002 (01) china 2002 Rock de 18” (01) crash 2002 power de 16” (01) crash Thin 2002 de 17” (02) splash de 10”

Baquetas REGAL TIP (08) pares 9A (02) pares CYMBAL MALLETS

La locura, Playa Mamitas se rindió a los elementos

Backline: conocer, prever y organizar lo son todo“El proveedor de todo los instrumentos musicales que usan los músicos en el FJRM es de la empresa Backline de Celso Moreno, a mi me corresponde cotejar el listado que pide el artista versus lo que tiene el proveedor y dar mis comentarios sobre las opciones que se nos solicitan por disposición y prioridad, considerando que el artista se debe sentir a gusto al 100 por ciento. Eso se ve con cinco meses de anticipación y lo coordina directamente Toño Méndez, de Lapp Entertainment quien funge como productor técnico del festival.

“Ya en sitio, lo que es fundamental es organizar el backline de cada artista. Cosas como asignarles un espacio en la zona de producción y, luego, ya en la zona de trabajo pro-vista sobre el escenario, facilita la labor y ayuda a minimizar el estrés tanto de nuestro crew como el de que acompaña a los artistas”.

“Este año el aspecto de actitud, trato y atención para el artista fue una gran prueba para todos porque el crew de EWF vino en un plan no sólo exigente sino quisquilloso, pensaban que en México no les ofreceríamos los recursos técnicos ni humanos para atenderles, lo cual es absoluta-mente erróneo y por eso al fi nal, recibir de ellos mismos la felicitación deja a los staffs y empresas mexicanas como un referente de profesionalismo de alto nivel, lo que nos da mucho orgullo. Ese nivel de profesionalismo y buen sistema de comunicación con el proveedor, la producción, el artista, nos hace mirar el avance que hemos tenido a lo largo de estas once ediciones en todo los rubros, audio, iluminación, video, backline. Cuando ocurren estas cosas dimensionas el peso de tu trabajo, conocimiento y experiencia”. :

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Festivales [ Riviera Maya Jazz Festival ]

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Festivales [ Festival de Jazz de Polanco ]

Con la fundación del Festival de Jazz de Polanco, Eddie Schwarz, su director,

pretende hacer un evento “al estilo Montreal” y trabaja para alcanzarlo. Así, en la segunda edición que se celebró en diciembre del 2013 en el Teatro Ángela Peralta de la Ciudad de México, participaron más de setenta músicos en escena, divididos en diez proyectos que oscilaron entre propuestas de big band, jazz fusión y tradicional hasta en-contrarse con la música de Medio Oriente.

En su arranque, las inclemencias del tiempo no evitaron que el calor y la fuerza de la Gusmin Big Band, integrado por 18 músicos jóvenes dirigidos por Carlos Torres, fuera transmitida al público que esperaba bajo una ligera llovizna el inicio del festival. Esta banda, cuyo nombre refi ere las sílabas al revés del apellido del contraba-jista Charles Mingus, hizo un homenaje a éste al interpretar sus temas “My Jelly Roll Soul”, “Pedal Point Blues”, “Sue’s Changes”, “Remember Rockefeller at Attica”, “The Children’s Hour of Dream”, y “Wednesday Night Prayer Meeting”.

Enseguida la cantante irlandesa Louise Phelan, radicada en México desde hace algunos años y cuya formación en el teatro musical le permite enriquecer sus interpreta-ciones, demostró las tablas al sonar su más reciente material, Songs from a Darkened Room, canciones con arreglos del piani-sta mexicano Alex Mercado para temas

Segunda edición

Por Efraín Alavez@contrajazzymas

como “Moondance”, “I Love You”, “Cry Me a River”, “Dream of You” y “Contigo Aprendí” de Armando Manzanero.

Antes de continuar con los conciertos, en el acto protocolario que sirvió para declarar formalmente inaugurada esta la segunda edición del Festival, David Razú, Director General de Gobierno y Participación Ciudadana en la Delegación Miguel Hidalgo señaló el gusto de ver el Teatro Ángela Peralta reavivado nuevamente para promover la cultura, el arte y algo tan grandioso como es el jazz. “Este festival nos tiene a todos muy emocionados. Agradezco a Juan Carlos Bonet que ha estado muy in-sistente en que en la delegación haya cada vez más y mejores eventos culturales”.

Por su parte, Juan Carlos Bonet, Director Ejecutivo de Cultura de la misma demarcación realizó un reconocimiento al Jefe Delegacional de Miguel Hidalgo, Víctor Romo, a David Razú, Director General de Gobierno y Participación Ciudadana de la misma y a Eddie Schwarz, director del Festival por su pasión por el jazz y agradeció sobre todo a los setenta músicos que participaron en esta edición que se parten el alma todos los días en distintos foros del país.

Regresando a la música y, como un adel-anto de lo que será la tercera edición de esta reunión jazzística, el fl autista cubano Ricardo Benítez, con más de 28 años

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del Festival de Jazzde Polanco

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Festivales[ Festival de Jazz de Polanco ]

viviendo en México, interpretó una balada a lado de Alex Mercado en el piano y Luri Molina para darle pie a la siguiente participante: la cantante Andrea Básef quien fusionando el jazz con el bolero cantó música de su nuevo disco, Deseo del Tiempo del que interpretó “En tu lugar”, “Deja que salga la luna”, “Hoy que faltas tú”, “Noche de ronda”, “Entrega total” “Regálame esta noche”, “Todavía” y “Fuego bajo tu piel”.

Tocó el turno al pianista Leo Sandoval y a la cantante Paty Carreón, recién desempacada de Quebec; subieron al esce-nario para comenzar su participación con un arreglo a la canción “I Should Have Known Better” de The Beatles, continuaron con “Tres palabras” de Osvaldo Farrés y terminaron con una emotiva canción escrita por la misma Carreón titulada, “País Bajo” que expresa sus experiencias vividas en Amsterdam, ciudad donde estuvo por una temporada para tocar y compartir su música.

Par cerrar la primera jornada del Festival, Ilan Bar-Lavi y Los Sonex - bajo el nombre del Quinteto del Amor- in-terpretaron a través de instrumentos como el contrabajo, la guitarra, voz, jarana y cajón música de Medio Oriente fusionada con son jarocho gracias a las infl uencia de los integrantes que proceden de diferentes puntos cardinales como Tabasco, Veracruz, Jerusalén, Zacatepec y Ciudad de México. Los temas que expusieron, en su mayoría originales, serán parte de la producción dis-cográfi ca que la banda está preparando.

como “Mr Bond”, “Song number two” y piezas dedicadas a su padre como fueron “Papa Beto”, “Don Roberto” y “Norwegian Wood” de The Beatles, llenaron de jazz fusión el teatro de Polanco.

Posteriormente Rafael Flores tomó el escenario con dos guitarras y, utilizando la técnica de tapping, (con una mano re-alizando el acompañamiento y con la otra haciendo las fi guras principales), interpretó entre otras “Bésame mucho” y “Things We Said Today”, dejándole así la estafeta al cuarteto del guitarrista mexicano Hugo Fernández, radicado desde hace algu-nos años en España, quien abrió con el tema “Shorter form” de John Scofi eld e interpretó temas que se incluyen en su más reciente producción Orígenes como fueron “15 minutos” y “Kiki”.

Para terminar, la Papa Beto’s Big Band, que toma el nombre del emblemático y extinto club de jazz que se encontraba hace algunos años en la Ciudad de México, casa del combo, subió al escenario del Teatro Ángela Peralta con 19 músicos para sonar, entre otros, “Back on track”, “Just talk”, “Smoke and burning” y “I remember you”.

Con esa fuerza concluyó la segunda edición del Festival de Jazz de Polanco, ratifi cando que la constancia puede hacer de éste un faro para el jazz de la capital del país. :

Al siguiente día, la propuesta de Alethia’s Band que mezcla el aroma del funk con la música de Brasil y las improvisaciones del jazz, abrió la jornada del Festival con arreglos a temas como “Louisiana Sunday Afternoon”, “My Funny Valentine” y “The Return of the Space Cowboy”. Le siguieron Wet Paint dirigido por Roberto Arballo “Betuco” que a través de composiciones

Por Sandra Romo* sandraromo@fi gmx.com

Industria

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[ Columna: En Armonía ]

Conocido también como síndrome de trauma acumulativo y por esfuerzo repetitivo, el síndrome por sobreuso

tiene como principal problema que, ni por la obviedad de su nombre se le suele distinguir o tomar en serio entre la población médica, lo que difi culta el diagnóstico y por ende su tratamiento.

Y esto es delicado pues si, por ejemplo, considerásemos datos como los aportados por Critchley, quien en 1977 observó que un pianista, al tocar una pieza de Mendelssohn con duración de 4.03 minutos, interpreta 5,595 notas, realiza 72 movimientos de dedos por segundo y que, en el estudio “N°11 en la menor Op. 25” de Chopin se ejecutan 830 notas por minuto con 1660 movimientos por minuto.

El esfuerzo físico es importante y debe hacernos refl exionar sobre cómo establecer cuándo hay sobreuso en la práctica musical y lo delicado que puede ser un mal diagnóstico y confundir los síntomas con los de patologías más graves como la fi bromialgia o la artritis reumatoide.

Los operadores de computadora ocupan el primer lugar en padecer este malestar y los músicos, el segundo. En ambos ámbitos ocupacionales este síndrome deriva del sobreuso de manos y dedos tras posturas muy estáticas o defi cientes.

Síndrome por

Por la repetición, ningún músico es inmune a este síndrome, pero mucho pode-mos prevenir si consideramos sanos descansos y posturas más fi siológicas. En este video muestro algunos puntos esenciales a tomar en cuenta tanto al estar sentado o de pie y aplican en las actividades cotidianas, no sólo al tocar. :

Fisioterapeuta Cadenista especialista en Músicos, co fundadora de FiG health. www.figmx.com

sobreuso

Tips a manera de tratamiento:

• Descansar cinco minutos por cada 30 de práctica ó 15 minutos cada 45 minutos de práctica ó 30 minutos tras una hora de práctica (previamente, se sugiere hacer un calentamiento sin el instrumento).

• Pregúntate si te adaptas al instrumento o el instrumento se adapta a ti. ¿Qué es mejor? Lo ideal es que sientas que tu instrumento es una prolon-gación tuya. Tal vez sea bueno buscar un acomodo nuevo, milímetros más, milímetros menos pueden brindarte mayor comodidad al tocar.

• Aunque los relajantes musculares están indicados, si no quitas la causa del problema (como realizar los descansos o cambiar tu postura) puedes disfrazar el síntoma y con ello empeorar la condición. Aprovecha el dolor para hacer cambios. Puedes disminuir el tiempo de estudio/práctica y conforme va cediendo el dolor aumentar progresivamente.

• Resulta benéfi co aplicar compresas calientes en la zona de dolor.• Evita el uso de la computadora y cuida también los descansos y tu postura

al usarla.• El estrés y la falta de descanso al dormir agravan los síntomas, por lo que

es importante abordes estos puntos y no los tomes a la ligera.

¿Cómo ayudarnos a distinguir el concepto de sobreuso? Bien, la suma de los componentes de esta fórmula podrá orientarnos:

Movimientos repetitivos + largas horas + posturas defi cientes = Dolor y cansancio sobre todo en cuello, espalda media, brazos y manos.

Simplifi cando:

Falta de descansos adecuados con posturas defi cientes = Síndrome por sobreuso

Este síndrome, se caracteriza por un dolor regional que abarca varias zonas como pueden ser la mandíbula, cuello, hombros, espalda media, brazos, manos y cerca del pulgar, debido a que en estos se encuentran puntos de tensión mus-cular llamados “puntos gatillo”. El malestar comienza durante la ejecución musical, sobre todo tras permanecer en la misma posición; en casos más avanzados, el dolor imposibilita la ejecución y aparece incluso en otras actividades.

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[ Escenario a punto ]

Investiga su nombre y ¡apréndetelo! Lo primero que debes hacer es presentarte en sala y/o monitores y saludar, apenas llegues al foro. Dale la mano, míralo a los ojos y dile quién eres. Recuerda su nombre: habrás de dirigirte a él muchas, pero muchas veces durante el show y posiblemente a través del micro durante el soundcheck. Si lo tratas con amabilidad y respeto, él responderá a ello atendiendo tus peticiones.

Respeta sus oídos Todos los ingenieros de audio se sienten orgullosos de sus mezclas. Independientemente del estilo de música que les guste escuchar en su auto, ellos sienten que pueden mezclar cualquier género. Sin embargo, la mayoría de los inges apreciará que tú, el músico, tengas una idea general de la mezcla de sonido que debe tener tu banda. No temas decirle lo que intuyes o compartirle tus anotaciones generales al respecto, él valorará saber que te gusta y atenderá como primordial eso. Es casi un músico más del grupo, así que trátalo como si lo fuera, respétalo. Sabe de términos musicales, no temas usarlos.

No chacotees Conecta todo tu equipo y no inicies hasta que el último micro para la guitarra o batería estén en el sitio indicado y él esté en la consola. Si te pones a chacotear o no ser considerado mientras él sigue ajustando los micros, seguro lo desquiciarás. Llega antes y así tendrás más tiempo para sentir, para ti solito, la acústica del lugar y afi nar a tu gusto.

Ten listo tu propio input list Si necesitas más de un cinco canales, apúntalos e imprímelos para tener la referencia a mano. Tener listo un stage plot también será de mucha utilidad, especialmente para los conciertos grandes. Envíale ambos con anticipación. Los inges correctos tendrán todo armado antes de que llegues (esto aplica sobre todo en venues de gran formato). Si eres el único que hará linecheck en el club, apunta tus necesidades y compárteselas.

Sé educado Omite dirigirte a él como ‘ey, tú, sound man’ (salvo que le conozcas bien y sea su apodo). Sabes su nombre, úsalo. Y, si no te lo aprendiste, vuelve a pedírselo con cortesía. Antes de emitir tu opinión sobre su trabajo, recuerda que, uno, todo es subjetivo y dos, él seguro tiene más experiencia que tú si de mezclar se trata. Sé específi co en lo que quieres, si no vas a ayudarle a generar el sonido que les gusta, mejor guarda silencio.

Todos quieren el mejor showLo creas o no, él también quiere hacer su mejor actuación al igual que tú. Facilítale su labor mostrándote listo y no fastidiando sin argumentos. El escenario no es para ‘ver qué pasa’, para eso están los ensayos. :

Tu amigo, el ingeniero de sonidoPuedes invertir todo el tiempo que quieras en tus ensayos perfeccionando tu sonido, pero no signifi carán nada si al sonar en vivo eso no se

percibe en el PA. Todo el dinero que invertiste en nuevos pedales, amps, guitarras y cuerdas ser án en vano si la mezcla no es la indicada en el foro o sala donde tocas.

Por eso, el ingeniero de sonido es el componente más importante de tu show y muchas veces ni siquiera lo consideras o piensas en ello. Ese personaje puede, incluso, deshacer tu set, así que debes saber cómo acercarte a él y subirlo a tu equipo. Aquí consejos mínimos y comprobados* para ayudarte con esa misión.

Esta recapitulación es sugerencia vivencial de Ary Herstand, músico independiente y autogestivo, referencia del DIY en la industria musical de habla inglesa. y colaborador del sitio especializado Digital Music New. www.arihestand.com

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¿Quién eres y hacia dónde vas? “Quería contar cómo me siento en este momento como persona y como músico; este momento que tiene todo que ver con lo realizado junto a Hernán Hecht, Aarón Cruz, Demián Gálvez y el propio Nicolás en el disco Invisible Man y eso alimentó mi necesidad de hacer otro tipo de disco.

Con eso en mente quise dar término a una faceta armando un show a piano y voz en el que interpretara la música que me

ha marcado en los últimos años, composiciones mías más aquella que he venido haciendo con orquesta, como lo que

hicimos con Alondra de la Parra, Denise Gutiérrez y Natalia Lafourcade en Travieso Carmesí, la inauguración del Centro Cultural Roberto Cantoral donde interpreté huapangos con arreglos de Arturo Márquez, el homenaje a Chavela Vargas en el Carnegie Hall; todas vivencias que me pusieron en otra perspectiva y lugar para atender necesidades musicales distintas que se sumaron a lo que venía haciendo con esa banda que adoro y que me permite armar un show muy poderoso, eléctrico en el que improvisamos y nos soltamos increíblemente.

Tomé toda la dirección creativa y de producción, desde establecer que debía ser un acústico hasta en dónde llevarlo a cabo. Me acerqué a la gente de la Sociedad de Autores y Compositores para hacerles la propuesta, porque la Sala del Roberto Cantoral me fascina y es un sitio que además me tocó inaugurar, aceptaron y a partir de ahí se trabajó en establecer pruebas con el apoyo del equipo técnico y creativo que está conmigo en Homey Company.

La coordinación artística y técnica “Mi crew está acostumbrado al rock, a lo eléctrico y tuvimos que hacer varias pruebas en el foro para estar a punto con lo acústico pues en esta ocasión todo iba a ser sutil; y también para

¿Quién eres y hacia dónde vas? “Quería contar cómo me siento en este momento como persona y como músico;

ha marcado en los últimos años, composiciones mías más aquella que he venido haciendo con orquesta, como lo que

resolver las exigencias de equipamiento extra que la ocasión pidiera pues se grabarían en directo aprovechando que la sala tiene su propio estudio”.

“Musicalmente, con Nicolás quien es gran conocedor de una gama rica de estilos y géneros musicales, montamos todo el repertorio, buscando evitar caer en clichés para temas bien conocidos como “El Triste” y también con mis temas, como “Lágrimas de agua salada”, “Ángel de fuego”, “Colmena”, piezas que ese han quedado ahí y era preciso retomar, más las canciones con los invitados especiales, como fue “El Duelo” con Beto Cuevas, algo que no hacíamos desde el unplugged de La Ley. Ahí estaba el reto, arriesgar y ponernos a interpretar desde otro sitio, emocionarnos con la expectativa de saber cómo iba a reaccionar el público. Eso incluyó añadir elementos como un coro, para tres canciones en especial, dirigido por Jorge Cozátl, con quien básicamente armamos pequeñas armonías”.

“Para el concepto creativo del show viene de Héctor Galván quien es, además de un gran amigo, un extraordinario interiorista y referente de lo contem-poráneo en México (hizo el concepto de los hoteles del grupo Habitat, entre otros), ha venido armando el estilo de los espacios que hay en mi casa y que también me defi nen como persona en este momento: mi estudio, mi cocina y mi laboratorio de perfumes”.

de un concepto artístico sobre el escenario

ElyGuerra

de un concepto artístico sobre el escenarioGuerraGuerray El Origen

de un concepto artístico sobre el escenarioEl proceso detrás

Dos conciertos a piano y voz en la Sala Telefónica del Centro Cultural Roberto Cantoral, dieron punto y a parte a un episodio en la carrera artística de Ely Guerra. Concebidos bajo el nombre El Origen, los recitales fueron una exploración al repertorio de

composición propia y ajena que ha dado forma a su identidad musical y vocal. Acompañada al piano por Nicolás Santella, entregó una gala única que allana el camino a seguir para el proyecto venidero que alista la tapatía, quien este 2014 cumplirá 20 años de carrera.

Tras concluir uno de los ensayos, recabamos de la propia Ely las refl exiones a continuación expuestas que permiten conocer las aristas que consideró para desarrollar el concepto creativo, plan y logística de producción que junto a su staff en Homey Company –su casa productora independiente- hizo posible el show, en paralelo a la creación del que será su siguiente álbum.

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“Es alguien que entiende lo que quiero, compartimos mucho en común, y me ayuda con su visión a poner esto que soy sobre el escenario. Y yo quería decir en este concierto no sólo que soy la Ely que escribe canciones medio intensas y tal, sino que además soy una mujer que vive de manera contemporánea en México. La traducción de eso fue añadir elementos como una plataforma giratoria que diera acento a ese espacio entre el piano y yo, o bien fi jar las posturas del coro o invitar a un par de bailarines a recrear un mini perfomance de una canción”.

“Gustavo García Villa se suma a esta visión estética así como los vestuarios de Julia y Renata que dan cierre a ese estilismo de la cantante que estoy retratando de esta manera. Todo tiene que ver con la necesidad de explicar qué pasa y mi objetivo era irradiar esa idea en todo el staff, hacerlo caminar y sumar para hacerlo posible.

“Todo esto me hace enfatizar que es mentira que uno diga que no hay tiempo para dedicarse a lo que uno quiere. Entonces es fácil que escribas música o grabes como lo hace alguien más, que no te atrevas a ser tu propio referente y yo no concibo ya eso; me gusta el reto de tomarme el tiempo y ver por dónde, porque además eso es algo muy femenino y es parte de lo que estoy viviendo”.

Sinergias positivas, convéncelos y hazlos creer “No es que uno quiera ser todólogo sino que al fi nal nos toca ser la construcción de algo mayor: reunir a un grupo de talentos con un artista en un mismo engranaje y meta. Eso por sí mismo es un éxito, la validación de que en nuestro país podemos hacer cosas. Y a eso se suman los amigos que representan a las marcas y atienden como principio tu idea creativa.

interfaz, no era un sistema HD; en eso salió al mercado la Native HD OMNI que es justo lo que quería: hacer tomas de gran calidad y ya en versión ultra portátil (antes necesitabas un rack, añadir la tarjeta de audio, todo por separado).

“Con ésta en mi poder, vinieron Camilo Froideval y Mani Calderón a dejarme todo listo para que no fuera a regarla al compartirles las tomas que grabara. Eso me ha dado una libertad creativa especial, además de demostrarme que ¡claro que la mujer puede hacerse cargo de estos menesteres! Con su venía pude conseguir esto y ya sólo añadí un capricho para que mi voz, un preamp Neve. Ese apoyo es invaluable porque hermana mis pretensiones técnicas y creativas, al punto que puedo colaborar con otros artistas a la distancia como hice con John Indovina, los niños de la banda mixe del CECAM, Lost Acapulco, Los de Abajo, 2Más; les mando los tracks y tengo espacio para hacer mis cosas si ellos me permiten hacerlo así. Eso es una maravilla”.

“ Me encuentro desarrollando una etapa distinta de mi quehacer como músico. Lo que sigue será un disco en el que los recursos de mi voz darán la pauta, estoy en eso porque quiero decir las cosas de otra manera. Será un gran paso para mí”. :

de un concepto artístico sobre el escenarioEn mi caso es la gente de Shure, Laura Delgado y Nelson Arreguín, además de Pepe Reveles y su staff en Avid. Con ellos hay un refrendo de patrocinio y las cosas implican sentarme a exponer mis inquietudes, tanto de composición y producción en casa como en vivo, y eso en un país como el nuestro donde te recortan el presupuesto de cultura de manera tan absurda, es lo que nos salva”.

“Esto se conformó como un proyecto hermoso en el que pude hacer cosas como aventarme a usar un micro inalámbrico por primera vez, que fue el modelo de KSM y pedir todo el kit de microfonía de Shure para probar cómo sonorizar adecuadamente el grand piano Yamaha CFX que tocó Nico; nos trajeron sus ribbons (KSM44 y KSM141, entre otros) porque el reto era, tanto para uno como músico como para los colegas ingenieros, sacar el sonido de ese piano fantástico, sin la presión de que tuvieras que cazarte con la marca, sino pensando ‘esto tenemos, hay que aprovecharlo y sacarlo”, y vaya que lo conseguimos. Lo mismo pasó con el coro. Si bien la acústica de la sala es increíble, para la grabación, Chacho Peniche insistió mucho en tener las voces por sepa-rado y así tener una opción más de mezcla. Probamos con un modelo de diadema para los coristas y se tuvo que afi nar mucho pues estaba reventando mucho lo que captaban”

Para crear, lleva las cosas paso a paso“A la par de esto he trabajado la pre producción de mi próximo disco en casa. Quería vivir ese proceso sin productor ni inge a mi lado que estuviera diciéndome qué hacer, al menos no en ese punto del proceso, así que quería un equipo de grabación que me pudiera llevar a donde se me pegara la gana; pedí orientación a la gente de Avid pues aunque ya tengo Pro Tools y una buena

Por Anwar Sánchez Domínguez*

[ Videojuegos ]Industria

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Los orígenes La música de videojuegos ha pasado por diversas etapas yendo de la mano con la música electrónica, que si bien desde un punto de vista como jugador (gamer) no tienen nada que ver, en el ámbito de la historia de la música fue muy notable cuando la afamada banda japonesa Yellow Magic Orchestra, en su exitosa producción homónima de 1978, utilizó a los videojuegos para ambientar uno de sus temas musicales con el nombre de “Tong Poo”, en donde se pueden ver algunos cor-tos de videojuegos como Spacewar (1962, Steve Russell) y otros de la década de los años setenta, además de utilizar sus efectos sonoros para hacer su música en el tema Computer Game, pieza que podría ser la primera ocasión que los videojuegos tienen un encuentro directo con la música.

En 1979 Nishikado Tomohiro, presentó su videojuego Space Invader, que fue uno de los grandes hitos en Japón -incluso se le adjudica como responsable de que se acabara la moneda fraccionaria en aquella nación por la fiebre de compra que produjo, con los extras de generar un tema musical (“Keizo Endo”) y su respectivo baile el cual popularizó la productora Funny Stuff, añadiendo ganancias considerables tras la venta del videojuego-, destacándose por ser el primer videojuego que interactuaba con los gráficos y sus sonidos.

Todo lo anterior fue la inspiración para que Haruomi Hosono, ex integrante de la Yellow Magic Orchestra produjera lo que

Porque también se escuchan:la música para videojuegosIndudablemente, los videojuegos han

ganado mucho terreno comercial en nuestros días y la mezcla de factores como la complejidad de su creación así como la intersección entre varias ramas artísticas que los conforman les mantienen en evolución constante. Muchos años pasaron ya de cuando éramos niños y tuvimos la oportunidad de manejar aque-llas rudimentarias consolas de videojue-gos en donde lo más que veíamos en la pantalla eran grandes pixeles sin texturas complejas, sin música ambientándolos sonoramente, sólo se percibían algunos efectos sonoros de blips y blops que ca-racterizaron a los primeros videojuegos, en los años setenta.

De manera que hay mucho que contar sobre cada una de las ramas artísticas que intervienen en la creación de un videojuego, siendo la banda sonora para éste un pilar sobre el cual hablaremos desde sus orígenes históricos (aspecto importante, ya que nos dirá las experien-cias de los pioneros que se aventuraron en este ámbito) hasta nuestros días donde este trabajo creativo es fuertemente aplau-dido e interpretado –cada vez más- en eventos convocados al interior de nuestro país, tal como ocurre en diversas partes del mundo donde ya llevan más de diez años descontextualizando la música de los videojuegos y haciéndola sonar en las grandes salas de conciertos y escenarios; eventos que se han convertido en la se-gunda entrada de ingresos después de la publicación de un videojuego en países como Japón y Estados Unidos.

Iremos abordando esta historia, nivel por nivel, además insertándonos en el contexto de lo hecho –y lo que es más estimulante, aún por hacer- en este ámbito en México. Así pues, oprimamos Start.

históricamente en la Tierra del Sol Naciente se conociera como la primer producción musical o banda sonora de videojuegos, que se comercializó exitosamente bajo el nombre de Video Game Music NAMCO, en el año de 1983 bajo el sello discográfico YEN Records. Esta producción presenta-ba la edición secuenciada en orden y con unos pocos arreglos en sintetizador y efectos sonoros de los videojuegos más famosos a principio de los años ochenta, como Pac-Man, Xevious, Pole Position, Galaga, entre otros.

Esto llamó la atención de compañías como Nintendo para producir las bandas sono-ras de sus videojuegos más famosos como Super Mario Bros (1986, Kondo Koji), Kid Icarus (1987, Tanaka Hirokazu) comenzando aquí la producción masiva de las bandas sonoras y creándose diversas casas productoras como Game Music Organization, Compmusic y Soundware que se especializaban en promover y formar a una nueva generación de compositores sobre un género musical poco conocido en su época y siendo prácticamente la primera aparición de lo que ahora se conoce como la corriente musical Chiptune.

En 1986 la empresa Enix publicó un videojuego que marcó una importancia muy relevante y singular a la música en este ámbito: Dragon Quest un videojuego del género RPG (role playing game, por sus siglas en inglés) que dedicó una importan-cia particular a su música compuesta por

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[ Videojuegos ]

Sugiyama Koichi, cuya visión fue totalmente innovadora al ser un músico profesional de formación clásica y con vasta experiencia en la composición de bandas sonoras para animaciones. Este compositor a la fecha es muy respetado en su país natal y fue quien tuvo la visión de encontrar en la música de videojuegos la manera de acercar a los niños (quienes en un principio eran el publico principal consumidor de videojuegos) a escuchar la música clásica y orquestal, por lo cual en 1987 grabó y publicó el primer concierto de música de videojuegos orquestal, además de organizar los primeros festivales con música de videojuegos en el mundo (el Orchestral Game Music Concerts 1991-1995). A partir de ese momento la escucha de la música de video-juegos cambió y con el paso del tiempo las producciones musicales han cobrado una gran fuerza, al grado de ser interpretadas por orquestas internacionalmente reconocidas como la de Varsovia, Israel, Hungaria y Rusia.

Recientemente, en nuestro país, ha habido diversos eventos relacionados con la música de videojuegos. Para este 2014 al parecer habrá más por lo cual aprovecharemos este espa-cio para guiar y dar un panorama más específico de cómo las producciones actuales sobre estos eventos de música han llegado a ser una parte muy importante en su apreciación, además de significar una derrama económica para sus creadores quienes están invitando a los jóvenes mexicanos a adentrarse en este mundo tan interesante. :

Músico y coleccionista de consolas, videojuegos y su música; compuso el soundtrack del videojuego mexicano Biops 2 de NusoftStudios en 2006. Fan absoluto del Yakitori y el Calpis y, si de componer se trata, lo hace degustando un buen café. Escucha sus relatos en el podcast “Del Bit a la Orquesta” en Spreaker.

Industria

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[ Academia ]

Establecida en 1997 con la misión de incrementar

la apreciación hecha por la contribución de la música latina en el ámbito cultural internacional, la Academia Latina de la Grabación ha desarrollado, especialmente a través de su Fundación, becas, donaciones y programas educativos dirigidos a ampliar la percepción de la calidad y talento impreso en el quehacer de los músicos y técnicos de América Latina.

La Academia Latina de la Grabación es una asociación que incluye músicos, producto-res, ingenieros y otros profesionales creativos y técnicos de la industria quienes están dedicados a mejorar la calidad de vida y la condición cultural de la música latina y sus creadores, una comunidad de profesionales de habla hispana representada por más de 30 países.

Tras la última entrega del Latin Grammy, Gabriel Abaroa, presidente de la Academia Latina de la Grabación, compar-tió reflexiones sobre el estatus del propósito en torno despertar el interés internacional hacia la complejidad y la naturaleza de la música latina; un reto para el que la institución afina objetivos y recursos en éste, el año en que celebrará sus 15 años de existencia.

Por Carolina Urbano @caro_urbano

Academia Latinade la Grabación, hacia los 15 años Efecto domino:

Del aula a los Latin Grammy Invitados para tocar en la gala de los Premios Latin Grammy junto a Alejandro Sanz, 30 estudiantes de 14 distintas nacionalidades del Berklee College of Music fueron a Las Vegas convocados por Javier Limón, director artístico del Instituto de Música del Mediterráneo de Berklee: “Esta idea surgió porque decidimos otorgarle el doctorado “Honoris Causa” a Alejandro Sanz por su carrera como compositor y su apoyo al flamenco un mes antes de los Grammy; se celebró un concierto homenaje con su música, y cuando Alejandro vio como los chicos inter-pretaban ésta decidió que la mejor manera de devolverles tan bonito regalo era invitándolos a tocar con él a los Latin Grammy”, expresó Javier.

Los estudiantes asistentes a los Latin Grammy representaron la diversidad de Berklee, con músicos provenientes de países latinoamericanos como Venezuela, Brasil, México, Argentina, Ecuador, Perú, Cuba y Colombia, además de Grecia, España, Jordania, Israel, Palestina y los Estados Unidos.

“Hace un año los alumnos, por propia iniciativa, hicieron un videoclip de la canción “La música no se toca” –de autoría de Sanz– y fueron esos mismos los invitados al honoris cau-sa de Alejandro y, posteriormente, a Las Vegas. Nosotros no elegimos a los alumnos, sino que los alumnos nos eligieron a nosotros”, aseveró Javier quien junto con Óscar Stagnaro fungieron como productores ejecutivos.

“En una gala de los Latin Grammy, donde hay tanto pla-yback, una actuación realmente en vivo significó un trago de agua fresca, un oasis de naturalidad para la noche. Berklee es una universidad que ya era la número uno en escuelas de música en todo el orbe, pero ahora también es la líder en la enseñanza musical latina en español”, amplió Javier.

Por su lado, para Marco Flores, uno de los alumnos de cuarto semestre de Arreglo y Producción que participó en la gala tocando la guitarra y es el actual presidente de la Latin American Music Business Association (LAMBA), “trabajar con Alejandro Sanz y tocar en los Latin Grammy fue una experiencia extraordinaria pues hay muchos músi-cos que anhelan por años presentarse en una ocasión así y no han podido por varias razones y nosotros hemos podido hacerlo junto a Alejandro. Estamos muy agradecidos con Javier Limón y con Berklee por favorecer estas iniciativas”.

Sin duda, para los alumnos esta vivencia les ha dejado ver que, si bien puedes tener amplios conocimientos, hay ocasiones en que lo que debes hacer es jugarte el todo en un minuto pues el tren sólo pasa una vez. Por suerte para ellos, en esta ocasión todos lo tomaron. Enhorabuena.

“Hay mucha gente que todavía piensa que la música latina es cualquier cosa que suene a

congas o mariachi, sin comprender que hablamos de verdaderas expresiones culturales y que, por lo tanto, hay música tan diversa como el flamenco español, el

tango argentino, la samba brasileña, la cumbia colombiana o el corrido mexicano. Existen tantos movimientos

que tenemos que salir a educar al público sobre lo que somos y superar la queda de que no se nos conoce lo suficiente”.

En ese sentido, Gabriel es claro: “La Academia trabaja para quien crea, eje-cuta o produce música sin importar si son independientes, multinacionales, exitosos o nuevos; se valora el potencial de la propuesta, claro, pero lo que deseamos es tener a los mejores músicos que nuestro territorio pueda dar y formarlos de la mane-ra más íntegra para que puedan tener una posibilidad real de éxito”.

Se trata de una visión compartida, a sabien-das de que los 15 años de vida han tenido sus altas y bajas: “Somos una organización sin fines de lucro que empezó con todo en contra, ha aprendido a sobrevivir que llegar a este punto es un gran logro. Es una señorita iberoamericana que representa la música latina y, si bien le ha costado crecer, ahora se muestra sólida y con mucho ritmo”, garantiza Gabriel Abaroa.

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Los indicadores de esto se hallan en el compromiso de devolver a los creadores la vitalidad que le han entregado a la organización, encausando los ingresos que percibe la Fundación Latin Grammy para ofrecer becas, equipamiento de instrumentos musicales a escuelas y un sistema de capta-ción de jóvenes talentos para que reciban una formación; todas éstas, tácticas con las que se busca dar estabilidad a un círculo virtuoso de trabajo donde la deserción no se dé por falta de acceso a la educación.

Para este año, los principales retos que enfrentará la Academia serán contar con la base financiera necesaria que permita un trabajo consistente y a fondo en la activación de sus diversos programas, sin que embargo hay que entender que nuestra región iberoamericana no está acostumbrada a dar y menos a cuestiones culturales. La segunda es poder ubicar realmente dónde y a quién apoyará la Fundación Latin Grammy. :

• La música se convirtió en el motor de vida para Gabriel desde los 14 años: él y sus hermanos siempre

recibieron instrumentos musicales como obsequios navideños. • Aprendió a tocar acordeón, órgano y formaba parte del coro de la iglesia. Profesionalmente,

junto a sus hermanos, se inició haciendo jingles para comerciales de tv.

• Rechazó la invitación para tocar en Disney para concluir su carrera como abogado; como litigante, fueron

artistas y compañías discográficas, editores y empresarios de la industria musical sus primeros clientes. En poco tiempo formó uno de los despachos más efectivos de América Latina.

• Tras una larga faceta como viajero, ofreció voluntariamente sus servicios como abogado a diversas instituciones culturales, siendo la directiva de los Grammy quienes le tomaran la palabra. Hoy es CEO de la versión latina.

Trayectoria a favor de la industria musical Gabriel Abaroa

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Musiclife 104

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