Colegio Educativo AmericanoExpresión Artística

Quinto Bachillerato en Ciencias y LetrasCiclo escolar 2016.Profesor: William

Movimiento Artístico

Contreras Téllez

Ana Ester Abigail

Clave: #2

Fecha de entrega

04 de julio de 2016

Movimiento artístico 

Es una tendencia referente al arte, con una filosofía o estilo común, seguida por un grupo de artistas durante un periodo de tiempo.

Si está limitado a un grupo de artistas en un lugar y momento concreto, se habla entonces de una escuela artística; por ejemplo, la escuela sevillana de pintura.

Con la palabra estilo también se alude a las características que unifican o distinguen a un autor de otro (el estilo personal o la voluntad de estilo,1 que se hace más marcada en los genios del arte y en la personalidad de los artistas burgueses, sometidos al mercado de arte,2 sobre todo a partir del romanticismo); o, menos usualmente, a la kunstwollen(voluntad de arte o voluntad artística, en expresión de Alois Riegl).

Cada movimiento o estilo artístico refleja el arte con ciertos rasgos similares durante una etapa de tiempo, siendo un fenómeno de expresión artística que manifiesta las características propias de la época en el que surge. Los movimientos o estilos artísticos se clasifican por los historiadores del arte ode la literatura atendiendo a distintos criterios de periodización (por ejemplo, la generación) y se proyectan en las diferentes áreas de laliteratura y el arte o bellas artes: música, artes visuales (pintura, escultura yarquitectura).

Por ejemplo, para las creaciones culturales de la civilización occidental delsiglo XVII a la pra mi]], se ha acuñado el término barroco aunque los productos artísticos de las distintas artes no tengan una conexión evidente entre sí, se designan como arquitectura barroca, pintura barroca, música barroca o literatura barroca.

El materialismo histórico interpreta los movimientos o estilos artísticos como parte de la superestructura y, por tanto, sólo entendibles a partir de laformación económico-social donde nacen o se desarrollan, y de la que serían expresión ideológica (junto con la religión o el derecho).3 Otras interpretaciones de la Historia del Arte4 se plantean más bien el estudio de las variaciones o similitudes formales (formalismo), de su contenidoiconográfico,5 de la personalidad o psicología de los artistas (incluso la aplicación del psicoanálisis).

Estilos

Cada periodo histórico ha tenido unas características concretas y definibles, comunes a otras regiones y culturas, o bien únicas y diferenciadas, que han ido evolucionando con el devenir de los tiempos. De ahí surgen los estilos artísticos, que pueden tener un origen geográfico otemporal, o incluso reducirse a la obra de

un artista en concreto, siempre y cuando se produzcan unas formas artísticas claramente definitorias. ‘Estilo’ proviene del latín stilus (‘punzón’), escrito en época medieval como styluspor influencia del término griego στύλος (stylos, ‘columna’). Antiguamente, se denominaba así a un tipo de punzón para escribir sobre tablillas de cera; con el tiempo, pasó a designar tanto el instrumento, como el trabajo del escritor y su manera de escribir. El concepto de estilo surgió en literatura, pero pronto se extendió al resto de artes, especialmente música y danza. Actualmente se emplea este término en su sentido metonímico, es decir, como aquella cualidad que identifica la forma de trabajar, de expresarse o de concebir una obra de arte por parte del artista, o bien, en sentido más genérico, de un conjunto de artistas u obras que tienen diversos puntos en común, agrupados geográfica o cronológicamente. Así, el estilo puede ser tanto un conjunto de caracteres formales, bien individuales –la forma de escribir, de componer o de elaborar una obra de arte por parte de un artista–, o bien colectivos –de un grupo, una época o un lugar geográfico–, como un sistema orgánico de formas, en que sería la conjunción de determinados factores la que generaría la forma de trabajar del grupo, como en el arte románico, gótico, barroco, etc. Según Focillon, un estilo es «un conjunto coherente de formas unidas por una conveniencia recíproca, sumisas a una lógica interna que las organiza».

Estos caracteres individuales o sociales son signos distintivos que permiten diferenciar, definir y catalogar de forma empírica la obra de un artista o un grupo de artistas adscritos a un mismo estilo o “escuela” –término que designa un grupo de autores con características comunes definitorias–. Así, la “estilística” es la ciencia que estudia los diversos signos distintivos, objetivos y unívocos, de la obra de un artista o escuela. Este estudio ha servido en la Historia del arte como punto de partida para el análisis del devenir histórico artístico en base al estilo, como se puede apreciar en alguna escuela historiográfica como el formalismo.6

El estilo estudia al artista y a la obra de arte como materialización de una idea, plasmada en la materia a través de la técnica, lo que constituye un lenguaje formal susceptible de análisis y de catalogación y personificación. Por otro lado, así como la similitud de formas crean un lenguaje y, por tanto, un estilo, una misma forma puede tener distinta significación en diversos estilos. Así, los estilos están sujetos a una dinámica evolutiva que suele ser cíclica, recurrente, perceptible en mayor o menor grado en cada periodo histórico. Se suelen distinguir en cada estilo, escuela o periodo artístico diversas fases –con las naturales variaciones concretas en cada caso–: “fase preclásica”, donde se comienzan a configurar los signos distintivos de cada estilo concreto –se suelen denominar con los prefijos ‘proto’ o

‘pre’, como el prerromanticismo–; “fase clásica”, donde se concretan los principales signos característicos del estilo, que servirán de puntos de referencia y supondrán la materialización de sus principales realizaciones; “fase manierista”, donde se reinterpretan las formas clásicas, elaboradas desde un punto de vista más subjetivo por parte del autor; “fase barroca”, que es una reacción contra las formas clásicas, deformadas a gusto y capricho del artista; “fase arcaizante”, donde se vuelve a las formas clásicas, pero ya con la evidente falta de naturalidad que le es intrínseca –se suele denominar con el prefijo ‘post’, como el postimpresionismo–; y “fase recurrente”, donde la falta de referentes provoca una tendencia al eclecticismo –se suelen denominar con el prefijo ‘neo’, como el neoclasicismo

Géneros

Utilizando el término "género", muy polisémico, se componen los conceptos de género artístico o géneros artísticos en cada una de las artes, con muy distintos significados: en algunas equivalentes a los movimientos o estilos y en otras con un significado diferente, que distingue los temas a los que se aplica el arte (tema artístico). Por ejemplo, en pintura el retrato, el paisaje, el bodegón, la pintura de historia o incluso la denominada "pintura de género".

Movimientos, estilos y géneros artísticos por artes

Movimiento literario, estilo literario, género literario(Categoría: Movimientos, escritores, Categoría:Escritores)

Movimiento pictórico, estilo pictórico, género pictórico(Categoría:Movimientos pictóricos, pintoresCategoría:Pintores)

Movimiento escultórico, estilo escultórico, género escultórico(Categoría:Movimientos escultóricos, escultores, Categoría:Escultores)

Movimiento arquitectónico, estilo arquitectónico, género arquitectónico(Categoría:Estilos arquitectónicos, arquitectos, Categoría:Arquitectos)

Movimiento musical, estilo musical, género musical (Categoría:Géneros musicales, músicos, Categoría:Músicos)

La pintura renacentista 

Este abarca el período de la historia del arte europeo entre el arte de la Edad Media y el barroco.

Como todo el arte del Renacimiento, la pintura de esta época está relacionada con la idea de volver a la antigüedad clásica, el impacto que tuvo el humanismosobre artistas y sus patronos, gracias a la adquisición de nuevas sensibilidades y técnicas artísticas.

Características

Hay una serie de características que distinguen la pintura renacentista de su inmediata antecesora, la pintura medieval.

Evocación de lo antiguo, cuya belleza idealizada pretendían tomar como ejemplo.

Observación viva de la naturaleza. Los cuadros se sitúan en paisajes naturales que se intentan recrear con fidelidad, o en marcos arquitectónicos, en los que columnas, frontones, palacios y templos sirven de excusa a alardes de perspectiva.

La figura humana se convierte en centro y medida de todas las cosas. El estudio de la anatomía, incluso la realización de autopsias, ayuda a los artistas a comprender la realidad del cuerpo humano y sus mecanismos de movimiento, de manera que lo representan de forma más realista pero normalmente, idealizada.

Dominio de la perspectiva, y de las técnicas compositivas. Los efectos de luces y sombras como el claroscuro o la grisalla. De ahí

técnicas nuevas como elesfumado (efecto brumoso, técnica en la que destacó Leonardo da Vinci).

Continúan realizándose decoraciones murales al temple y al fresco. Se extiende el uso del lienzo, que es más económico que la tabla. Los grandes

retablos, en que cada cuadro es parte de un tema más amplio, pierde presencia, en favor del cuadro único, bien como tabla de altar, bien como lienzo. Se adopta de manera casi exclusiva la pintura al óleo. Jan Van Eyck sin haberla inventado, mejora la técnica de la pintura con este material. En Italia, sin embargo, se conserva la pintura sobre tabla y la técnica del temple en la pintura llamada ≪de caballete≫. Es principalmente enVenecia donde, por influencia flamenca, se introduce el uso del óleo

El Renacimiento italiano creó una verdadera revolución en la pintura. Italia fue el foco primero y principal del Renacimiento en todas sus manifestaciones, del siglo XV al XVI. Un directo antecesor de esta nueva sensibilidad fue Giotto, maestro que rompió con el estilo bizantino. Sustituyó el típico fondo dorado por escenarios naturales.6

La pintura del Quattrocento se desarrolló primero con la obra de Fra Angelico y sobre todo de Masaccio (1401-1428), que creó una nueva sensibilidad, totalmente ajena al gótico. Logra la sensación de espacio a través del uso metódico de la perspectiva lineal, como puede verse en laTrinidad de Santa María Novella (h. 1420-1425). Con el Humanismo, el hombre se sitúa en el centro de todas las cosas, y es la medida de referencia. La perspectiva debe entonces respetar las leyes físicas del mundo, y la relación entre luz y sombra en los cuerpos. Masaccio quiere representar en sus cuadros la realidad «objectiva». Tradicionalmente es considerado el primer pintor moderno. Introdujo en el arte occidental la noción de verdad óptica, de perspectiva y de volumen.

Esta investigación sobre la geometría y la matemática fue seguida por Paolo Ucello, Andrea del Castagno y Fra Filippino Lippi. Conviene destacar a Piero della Francesca (1416-1492), quien se interesó por los tratados de Vitrubio, pensador latino del siglo I, que desarrolló en sus escritos el arte de la razón, el sentido de la medida y del equilibrio (desarrolla un modelo de ciudad romana con las proporciones "ideales"). La pintura exige la adecuación entre la visión de la imagen pintada y la de los objetos en el espacio. Este principio se traduce en la representación de los objetos más distantes de menor tamaño que los que están más cercanos. Piero della Francesca estudió el realismo visual y la perspectiva lineal, como puede verse en su Flagelación de Cristo, 1477-1479, Urbino.

Pintura flamenca

Jan Gossaert, Retrato de Balduino de Borgoña, h. 1530- 1540.

En el siglo XVI, la reforma protestante provoca una progresiva separación entre las provincias meridionales, católicas, de las septentrionales, protestantes e iconoclastas, en las que se produce destrucción de pintura religiosa y la autonomía de géneros como el paisaje, el bodegón o la escena de género. Este proceso que culminó en el siglo XVII se inicia durante el renacimiento.

En Bélgica se produce la paulatina decadencia de Brujas, apreciándose influencia leonardesca en pintores como Adriaen Isenbrandt yAmbrosius Benson. Creció la Escuela de Amberes, con las obras de Quintín Metsys, que es el pintor que mejor refleja la influencia de Leonardo da Vinci,7 Bernard van Orley y Jan Gossaert, llamado Mabuse, quien tuvo un período de Italia aunque sin alcanzar la elegancia de los modelos italianos.8 Pueden diferenciarse dos tendencias:

romanistas o italianistas, del siglo XVI.

reaccionarios, del siglo XVI.

Escuela de italianistas

La escuela de los italianistas se forma con los maestros que habiendo estudiado en las escuelas de Italia amalgamaron el estilo idealista de ella con el realismo flamenco sin lograr una fusión verdadera y sin obtener ventajas para uno y otro. Se destacan:

Jan Gossaert, llamado Juan de Mabuse de quien es una Virgen con el Niño en el Museo del Prado y otra semejante en el de Berlín

Bernard van Orley, que tiene una Sagrada Familia en el mencionado Museo de Madrid, quizás demasiado realista.

Michel Coxcie, discípulo de Orley, autor del Tránsito de la Virgen y de otros cuadros en la misma colección española.

Joachim Patinir, pues concede gran importancia al reflejo naturalista del paisaje en sus obras. Un manierismo de influencia miguelangelesca se encuentra en pintores

comoHemessen y Marinus. Cabe mencionar, finalmente, dentro del género del retrato a Antonio Moro.

Escuela de reaccionario

Contrarios a los italianistas por sistema, surgieron los que por lo mismo pueden llamarse reaccionarios, artistas llenos de ingenio, poesía y originalidad y muy populares en sus asuntos. Sobresale la familia de los Brueghel, sobre todo, el primero de este nombre Pieter Brueghel el Viejo, pintor de costumbres aldeanas y que sirve de puente entre la fantasía del Bosco y la escena de género barroca. Este mismo reflejo realista de la vida cotidiana se puede ver en los cuadros religiosos de Pieter Aertsen y Joachim Beuckelaer.

Pintura holandesa

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Las escuelas holandesas empiezan con Lucas van Leyden (1494-1533) quien se formó en el estilo de los flamencos italianistas como lo revelan sus cuadros del Sermón en el Museo de Ámsterdam y el San Jerónimo y la Virgen con el Niño en el de Berlín. Muy pronto la invasión del protestantismo disipó el verdadero ideal en la pintura holandesa y aunque sigue italianizante en el siglo XVI se limitan los asuntos a pintar las costumbres y paisajes del país.

Martin van Heemskerck fue uno de los principales retratistas, aunque también se dedicó a la pintura de historia. En Utrecht nació el retratista Antonio Moro (h. 1519 - h. 1576-78), considerado creador de un tipo de retrato cortesano que se diufundió por toda Europa.

La organización democrática de Holanda dio lugar a que se realizaran los primeros retratos colectivos, en los que se destacará Frans Hals (1580-1666), de la ciudad de Haarlem.

Pintura española

Fernando Yáñez de la Almedina:Santa Catalina.

En España, por proximidad geográfica y lazos de todo tipo (históricos, comerciales, etc.), los modelos del Renacimiento italiano llegaron por la Corona de Aragón, difundiéndose más tardíamente en Castilla, donde prevalecía la influencia del gótico flamenco. Lafuente Ferrarihabla de cierta resistencia española al estilo renacentista, que explica por la fidelidad a la pintura hispanoflamenca, los escasos pintores españoles que realmente viajaron a Italia y cierta desconfianza hacia unos modelos que se percibían como paganizantes.9

A diferencia de Alemania o Italia, aquí había un fuerte poder centralizado, por lo que era escasa la iniciativa cultural y artística de los municipios. Los mecenas del Renacimiento español fueron la Corte, la Iglesia y la nobleza.10 Siendo la iglesia católica uno de los principales, si no el más importante, de los mecenas, los temas fueran predominantemente religiosos. Sólo en las colecciones reales y en las de algún noble podía verse otro tipo de pintura, generalmente obra de autores italianos.

No es fácil determinar, en España, cuándo las formas del gótico internacional dieron paso a las formas renacentistas. No hay una ruptura clara. Autores como Jaime Huguet (1414-95) ya habían sentido la influencia italiana, pero el italianismo y el alejamiento de los modelos flamencos no se produjo hasta el siglo XVI.11

Se suele dividir la pintura renacentista de España en tres períodos diferentes, todos del siglo XVI:

Primer tercio

Sobre una base de estilo gótico flamenco, se empiezan a adoptar algunos modos italianizantes.

El cuatrocentismo italiano penetra en España a través de Valencia, con los Osona: Rodrigo de Osona, conocido por el Calvario de San Nicolás

de Valencia y La adoración de los Reyes (National Gallery, Londres), y a su hijo Francisco Osona, quien incorpora los fondos de arquitecturas propios del renacimiento; y Paolo de San Leocadio, pintor italiano en un estilo cuatrocentista.

La influencia de los grandes maestros renacentistas se refleja en dos pintores manchegos de Valencia: Fernando Yáñez de la Almedina, cuya influencia leonardesca es evidente y Fernando de los Llanos. Se les puede considerar puristas, en el sentido de que importan directamente el Renacimiento puro, a diferencia de otros autores que seguían con el medieval espíritu hispanoflamenco.12 Trabajaron juntos en las puertas del retablo mayor de la catedral de Valencia, considerada una de las más importantes obras del Renacimiento en España.13

En Castilla, destaca Pedro Berruguete (c.1450-1504) a quien se considera figura que representa especialmente bien la transición del estilo gótico internacional al italiano, quien combina las novedades romanas como el uso de arquitecturas, o la preocupación por la luz, con elementos flamencos;14 y el flamenco Juan de Flandes quien trabajó para Isabel I de Castilla.

En la catedral de Toledo se encuentra la obra de otro extranjero, Juan de Borgoña, de formación italiana, quien realizó las pinturas de la sala capitular de la Catedral.

Finalmente, Alejo Fernández trabaja en Andalucía, en un estilo ecléctico que se muestra, en unos cuadros, más flamenco, y en otros más italianizante.15 Produce algunas obras ≪delicadas un tanto arcaicas≫16 como la Virgen de los Navegantes para la Casa de Contratación (Alcázar de Sevilla).

Segundo tercio

A la influencia de autores como Rafael y los del manierismo se une la de pintores flamencos de la época.

En Valencia, Vicente Macip y su hijo Juan de Juanes (1523-1579), en quienes se denota la influencia de Rafael. Sus modelos iconográficos fueron posteriormente muy imitados, como la Santa Cena de Juan de Juanes que puede verse en el museo del Prado.

En Castilla, Alonso de Berruguete y en Toledo, Juan Correa de Vivar.

En Granada, pintó el arquitecto Pedro Machuca, con obras como las que se guardan en el Museo del Prado, Virgen del sufragio y un Descendimiento que evidencian un estilo purista;17 y en Sevilla, Luis de Vargas (1506-1568), y los flamencos Pedro de Campaña (1503-1563), autor del Descendimiento de la catedral de Sevilla 18  y Hernando Sturmio (1539-1557).19

El extremeño Luis de Morales (1509-1586) destaca por sus pinturas religiosas de Vírgenes, que crean un modelo posteriormente muy repetido. En él confluyen no

sólo el estilo manierista, sino algunos resabios flamentos, y anticipa el tenebrismo del primer Barroco.20

El Greco: El caballero de la mano en el pecho.

Último tercio

Predomina la influencia de la pintura veneciana, por la que los dos monarcas de este siglo (Carlos V y Felipe II) mostraron preferencia. Se cultiva particularmente el retrato. Considera Lafuente Ferrari que el cromatismo de la escuela veneciana, y su carácter nórdico eran más apropiados a la sensibilidad artística hispana, por lo que su influencia fue más fecunda.21

Ejemplo de influencia miguelangelesca de figuras musculosas es Gaspar Becerra (1520-1570), autor de uno de los pocos ejemplos de temática mitológica: la historia de Perseo pintada al fresco en una de las torres del Palacio del Pardo.

La magna obra de El Escorial atrae a pintores italianos como Luca Cambiasso, Federico Zuccaro o Pellegrino Tibaldi (bóveda de la Biblioteca). Entre los pintores españoles cuya obra se puede relacionar con el monasterio, se encuentran Juan Fernández Navarrete (1526-1579) llamado El Mudo, influido por autores de la escuela veneciana como Tiziano o Tintoretto 22  y Luis de Carvajal.

Pero la figura más destacada de la época, y uno de los grandes maestros de la pintura universal, fue El Greco (1541-1614) que, venido a trabajar en el monasterio, no gustó a Felipe II y terminó trabajando en Toledo desde 1579 hasta su muerte en 1614. Allí pintó obras destacadas como el retablo mayor de Santo Domingo el Antiguo y el Expolio en la sacristía de la catedral.23 En su obra maestra, el Entierro del Conde de Orgaz, consigue una fusión entre el mundo real y el más allá, relacionando ambos espacios.24

En la corte trabajaron retratistas notables: Antonio Moro que retrató a María Tudor y al emperador Maximiliano II, entre otros; influido por él estuvo Alonso Sánchez Coello (1531-1588) quien pintó a Felipe II, a su medio hermano Don Juan de Austria o a la infanta Isabel Clara Eugenia, entr otros, con realismo, pero también una soltura de pincel propia de la escuela veneciana;25 Juan Pantoja de la Cruz (1553-1608) más tardío, se va acercando a la sensibilidad barroca; y Bartolomé González (1564-1627).

Pintura alemana

En Alemania existía una poderosa escuela gótica de gran patetismo, violencia y expresionismo. Las formas del Renacimiento italiano llegan a principios del siglo XVI.26

Autorretrato (1498) de Durero, Museo del Prado.

El pintor más destacado del Renacimiento alemán, y uno de los grandes maestros de la Pintura occidental fue Alberto Durero (1471-1528). Visitó Venecia donde conoció la obra de autores como Bellini; este autor, junto con Mantegna fueron sus influencias más directas. Tras un viaje por los Países Bajos, adoptó ciertos rasgos de la pintura flamenca como el plegado de los paños. Inclinado al dibujo y a una realista representación de la naturaleza, destacó como grabador, uno de los mejores de todos los tiempos, usando la técnica de la xilografía y también la calcografía (grabados en cobre).27 Destaca toda su serie de autorretratos y el estudio de desnudo que hace en los muy clásicos Adán y Eva (1507) que se conservan en el Museo del Prado.

Principales pintores alemanes

Matthias Grünewald (c.1470-1528) el más cercano a la tradición gótica. Destaca su retablo de Isemheim (1510)

Hans Holbein el Joven (c.1497–1543) hijo de un pintor que se sitúa más en el estilo del gótico, destacó como retratista en la corte de Enrique VIII de Inglaterra.

Lucas Cranach el Viejo (1472-1553) aunque realiza algunos temas mitológicos, es rcordado sobre todo por sus retratos de los líderes de la Reforma, pues se considera que este artista es "el más directamente comprometido con el protestantismo".28

Albrecht Altdorfer (c.1480-1538) destacó por su dedicación al paisaje, inaugurando la que vino a ser conocida como escuela del Danubio.

De la época manierista cabe citar las extrañas pinturas de Giuseppe Arcimboldo, un italiano que trabajó en la corte del emperadorRodolfo II en Praga.

Pintura francesa

Escuela de Fontainebleau: Diana cazadora, 1550-1560.

En Francia se inicia el renacimiento con autores de clara influencia flamenca, como Jean Bellegambe (1470-1534), que se inspira en los artistas de Amberes. En torno a las cortes de Francisco I y Enrique IV se dan dos escuelas llamadas de Fontainebleau, que siguen modelos italianizantes.

Francisco I llamó a su corte a Leonardo da Vinci y Andrea del Sarto. Pero fueron artistas italianos posteriores los que dominaron la primera escuela de Fontainebleau. En el palacio de Fontainebleau trabajaron decoradores italianos como Rosso, Primaticcio y Niccolò dell'Abbate. Muchas de estas decoraciones de Fontainebleau se divulgaron gracias a la labor de diversos grabadores, como el francésJean Mignon.

En esta época alcanza gran esplendor el género del retrato, con Jean Clouet y su hijo François. El primero realiza lienzos mitológicos yretratos dibujados o a lápiz. François busca la caracterización social de sus modelos, aproximándose más a los modelos italianos y flamencos.

Otro retratista predominante que trabaja en Francia, más próximo a Jean Clouet que a su hijo, es Corneille de Lyon, también conocido como Cornelys, llamado de Lyon o de la Haya, posiblemente holandés.

En París trabajan los Cousin, padre e hijo. Jean Cousin padre, llamado el Viejo para diferenciarlo de su hijo, Jean Cousin el Joven, realizó el primer gran desnudo pintado por un artista francés: Eva Prima Pandora (Museo del Louvre).

A finales de siglo, recuperada cierta paz social tras las guerras de religión, el rey Enrique IV reemprende los grandes trabajos decorativos, naciendo así una

«segunda escuela de Fontainebleau» que agrupa a los diversos artistas que trabajaron en el castillo.

Principales Pintores

Alberto Durero (1471-1528Durero nació en Nuremberg y se adiestró en los talleres de orfebrería de su padre. Hizo dos visitas prolongadas a Venecia y después trabajó durante siete años para el emperador Maximiliano I en Nuremberg donde, en parte de ese período, recibió un sueldo anual de 100 florines holandeses. Intercambió obras con el pintor italiano Rafael y viajó a Amberes donde se encontró con Gruñewald, un artista del norte.Su primera pintura conocida es un autorretrato que terminó cuando tenía 13 años. Fue el más grande pintor, grabador y autor de xilografías del Renacimiento alemán. Descolló en los dibujos, que son generalmente realistas, aunque hay algunos simbólicos, como el retrato de su madre y El Caballero, la Muerte y el Diablo.

Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564)La madre de Miguel Ángel murió cuando él tenía seis años. Aproximadamente a los 10 años fue a Florencia y a los 13 se convirtió en aprendiz en el taller de Domenico Ghirlandaio. Asistió a la Escuela de Escultura de los Jardines Medici bajo la tutoría de Bertoldo di Giovanni, un alumno de Donatello. Allí estudió la escultura de los griegos y romanos y escuchó ias enseñanzas de Ficino en el palacio de Lorenzo de Medici. Pasó la mayor parte de su vida en Florencia. A los 60 años dejó Florencia y se trasladó a Roma. Miguel Ángel fue el escultor más grande del Renacimiento y sus pinturas son comparables con las de Leonardo y Rafael. Entre sus obras más importantes se encuentran los frescos del techo de la Capilla Sixtina y el Juicio Final detrás del altar, sus esculturas de David, los dos Esclavos Moribundos, las tres Pieta y las figuras para las tumbas de Julio II y los Medici.

Rafael Sanzio (1483-1520)Hijo de un pintor mediocre, nació en Urbmo y disfrutó la atmósfera de la corte de los Montefeltro. Fue amigo de Castiglione, cuyo retrato pintó. En 1504 fue a Florencia y estudió a Leonardo y a Miguel Ángel. Cuatro años después Bramante lo alentó para que fuese a Roma y allí recibió encargos del Papa Julio II, para realizar pinturas.Posteriormente, León X le pidió que diseñara tapices para las paredes de la Capilla Sixtina, y Rafael hizo los dibujos. Aunque murió a los 37 años, Rafael llegó a ser uno de los mejores artistas del Renacimiento.

Tiziano (1485-1576)Su nombre fue Tiziano VecCellio. Es reconocido como el más grande pintor veneciano del Renacimiento. Aprendió su oficio en los talleres de Gentile y Giovanni Bellini y durante un breve período recibió una fuerte influencia de Giorgione. Uno de sus protectores fue Alfonso d’Este, duque de Ferrara, para quien pintó su famoso Buco y Aríadna.Muchas de sus pinturas trataban temas religiosos o mitológicos y estaban llenas de color y vitalidad. Durante la década de 1530 comenzó a pintar muchos retratos importantes, que incluyen el del Emperador Carlos V y el del Rey Francisco I de Francia. Se convirtió en el pintor de la corte de Carlos V, quien lo nombró caballero. Luego pintó para el hijo de Carlos, Felipe, rey de España. También visitó Roma y pintó el retrato.

Donatello (1386-1466)Donatello nació en Florencia. Probablemente aprendió lo que era la escultura observando a los albañiles que trabajaban en la catedral de Florencia. Su primera obra es del 1408/9: una estatua de David hecha en mármol.Sus estatuas de San Marcos y San Jorge fueron las dos primeras del Renacimiento que se mantuvieron en pie sin estar apoyadas contra una pared. Después trabajó en bronce y su famoso David, de gran tamaño, fue la primera estatua esculpida de modo que se sostuvo parada sin apoyo. Además, fue la primera estatua de bronce fundido desde los tiempos clásicos. Donatello también esculpió una gran estatua ecuestre que sirvió de inspiración para todas las ciernas de su tipo. Hacia el final de su vida, comenzó a tallar en madera.

Paolo Uccello (1397-1475)Uccello nació en Florencia y era el hijo de un barbero-cirujano. Fue miembro del taller de Ghiberti y luego se mudó a Venecia, donde trabajó durante unos cinco años realizando mayólicas. En 1431 regresó a Florencia y más tarde pintó en la Catedral la efigie de Sir JohnHawkwood, el condottiero inglés.

También permaneció algunos años en Padua. Los trabajos de Donatello y las teorías sobre arquitectura y perspectiva de Alberti influyeron en su pintura. Sus cuadros más famosos son las tres grandes escenas de batalla de la Derrota de San Romano i 14561 que fueron encargadas por Cosimo de Medici. En ellos son muy importantes los detalles decorativos, los paisajes y la perspectiva.

Giotto (1266/7-1337)Giotto nació cerca de Florencia y se lo considera el primero de los grandes pintores italianos. Fue educado por el artista Cimabue y trabajó en Asís, Padua, Roma, Florencia y Nápoles, donde fue nombrado en 1330 familiar o miembro de la casa real.En 1334 fue designado veedor de la catedral de Florencia y arquitecto de la ciudad, no por su reputación como tal, sino por su fama como pintor.Sus cuadros son interesantes porque los personajes dan la impresión de vivir realmente los dramas de las historias religiosas y contrastan con las pinturas sacras de la Edad Media, que eran planas y sin vitalidad.

Peter Breughel (aprox. 1525-69)Breughel fue uno de los más famosos pintores del norte. En 1551 se integró al gremio de pintores de Amberes. Doce años después se mudó a Bruselas, donde permaneció el resto de su vida. A Breughel le gustaba

mucho pintar grandes escenas concentró más su interés en las personas mismas. Sus pinturas demuestran la forma en que el hombre enfrentaba las cosas insignificantes y los rigores de la vida cotidiana.Aunque era una persona de ciudad, culta, los personajes de sus cuadros son generalmente campesinos, llenos de energía y humor, unas veces .simples y otras crueles. Bosch, otro pintor del norte, influyó en su obra.

Filippo Brunelleschi  (1377-1446)Nació en Florencia y estudió escultura. Después de perder frente a Ghiberti el concurso para diseñar las puertas del Baptisterio de Florencia, se trasladó a Roma junto con su amigo Donatello. Allí dibujaron y midieron todas las ruinas antiguas que encontraron.A los dos se les conocía risueñamente con el apodo de “los buscadores de tesoros” Cuando regresó a Florencia, Brunelleschi fue comisionado para construir la cúpula de la Catedral, que fue probablemente su mejor trabajo. Controló cada detalle de la construcción y el decorado. Sus ideas sobre la arquitectura clásica tuvieron influencia sobre los artistas y arquitectos de la época y se convirtió en una de las principales figuras del Renacimiento.                                                                              

Arte Barroco El siglo XVII es por excelencia el Siglo de Oro de la pintura española, y en él florecieron la mayor parte de las escuelas artísticas nacionales, siendo la valenciana una de las más fecundas. Su clientela eclesiástica y conventual promoverá aparatosos lienzos de altar, en los que triunfa de manera portentosa la gloria de los santos, representados con óptica naturalista y conmovedores efectos de luz.

Museo de Bellas Artes de Valencia.Sala Francisco Ribalta.

El predominio del tenebrismo naturalista de influencia italiana había empezado tímidamente en El Escorial, y llega a Valencia de la mano de Francisco Ribalta, quien iniciará una escuela particularmente definida tras su establecimiento en esta capital en 1599. Su producción pictórica es toda una lección del ambiente escurialense con evocaciones de

Cambiaso, Zuccaro, Tibaldi, pero en Valencia evoluciona hacia un arte de profundo sentimiento religioso motivado por la contemplación de los cuadros de Sebastiano del Piombo que tenía la familia Vich, como se observa en el Encuentro del Nazareno con su madre. Uno de sus mejores logros naturalistas es San Francisco abrazado al crucificado, en el que una luz dirigida contribuye al arrobo místico y fervorosa entrega del franciscano; y el prodigioso Retablo de la Cartuja de Portacoeli, realizado entre 1625-28, del que llama la atención la monumental apostura de los modelos naturalistas, destacando el San Bruno por su intensidad expresiva.

Francisco Ribalta.San Francisco abrazado al crucificadoLienzo, hacia 1620.

No menos importante es la pintura de su hijo, Juan Ribalta, con obras de gran impacto como la Santa Cena deudora de la ejecutada por su padre para el Colegio de Corpus Christi; o el majestuoso lienzo de los Preparativos para la crucifixión, firmado con dieciocho años de edad y pintado para el Monasterio de San Miguel de los Reyes, en el que manifiesta sus dotes naturalistas junto a unos violentos escorzos y claroscuros, que unidos a los cambios de escala acentúan la profundidad del espacio.

Juan

Ribalta.Preparativos para la crucifixión.Lienzo, 1615.

La pintura neoclásica 

es un movimiento pictórico nacido en Roma en la década de 1760 y que se desarrolló en toda Europa, arraigando especialmente en Francia hasta aproximadamente 1830, en que el Romanticismo pasó a ser la tendencia pictórica dominante.

El Neoclasicismo se sitúa entre el Rococó y el Romanticismo. Pero en muchas ocasiones, el tránsito de uno a otro estilo no es fácil, porque tienen rasgos semejantes. Si lo característico del Neoclasicismo era revivir otra época, en concreto la Antigüedad clásica, realmente no se diferencia de intentar recrear la Edad Media o la vida en países orientales, pues en ambos casos se recurría a temas exóticos, ajenos a la realidad de la sociedad en la que elpintor trabaja. En realidad, clasicismo y Romanticismo son tendencias estilísticas burguesas que reaccionan frente al aristocrático rococó, y como tal ideología burguesa, aspira tanto al orden y la estabilidad, como a la libertad que les era negada por el Antiguo Régimen; del mismo modo, es la burguesía la que se plantea la dialéctica entre larazón, que defiende un sistema político más racional que el del Antiguo Régimen, y el sentimiento, muchas veces puro sentimentalismo burgués frente a la cínica frialdad e indiferencia de la aristocracia. En este sentido, el Neoclasicismo representaría la aspiración a un orden regido por la razón, mientras que el Romanticismo representaría las igualmente burguesas ideas de libertad en un mundo dominado por el sentimiento individual.

Y ello sin olvidar que en este período neoclásico de 1760-1830 trabajaron artistas como Goya, Füssli o Blake, que escapan a cualquier clasificación, ensalzando más lo irracional y la locura que la serenidad a la antigua. E igualmente coincide en el tiempo con el movimiento prerromántico alemán del Sturm und Drang.

Pintores

Giovanni Battista Piranesi

Profesión: Arquitecto y grabador

Arquitecto y Grabador

Origen: ItalianoNacimiento: 4 de Octubre de 1720Muerte: Roma 9 de Noviembre de 1778

Antonio Canova  

Profesión: EscultorOrigen: italianoNacimiento:1 de noviembre de 1757Muerte: Venecia 13 de octubre de 1822Importancia artística: Escultor de algunos papas de la época, en el culmen de su carrera fue escultor de Napoleón Bonaparte y su familia.Sus obras más importantes:1.    Venus Victrix2.    Psique y Cupido3.    Hércules y Lica

Anton Raphael Mengs

Profesión: PintorOrigen: ChecoNacimiento: Bohemia, 1728 (antiguamente perteneció a Checoslovaquia)Muerte: Roma 1779Importancia artística: Fue pintor de la nobleza, realizo muchos retratos de reyes y sus familias. Sus ideas sobre los modelos clásicos influyeron en los demás artistas neoclásicos.

Jacques-Louis David

Profesión: PintorOrigen: francésNacimiento: (30 de agosto de 1748 – 29 de diciembre de 1825)Muerte:Importancia Artística: Fue un activo participante en la Revolución Francesa y amigo de Maximilien de Robespierre; durante esta época se le consideró el líder de las artes bajo la República Francesa.

Jean Auguste Dominique Ingres

Profesión: PintorOrigen: francésNacimiento:Muerte:Importancia artística: Muchos lo consideran un artista neoclásico, sin embargo para otros muchos conocedores del arte es un defensor del dibujo más bien realista y romántico. 

La pintura romántica Características generales. La pintura romántica rechaza las convenciones neoclásicas y sus rígidas reglas; supone un momento de renovación técnica y estética de importantes consecuencias para el futuro:

• Utiliza diferentes técnicas: el óleo, acuarelas, grabados y litografías.• La textura comienza a ser valorada en sí misma y aparecen las superficies rugosas junto con las formas más sutiles. La pincelada es libre, viva y llena de expresividad.• Desaparece la línea frente al color. Se recupera la potencia sugestiva del color, liberándose las formas y los límites excesivamente definidos. Es el agente emocional de primer orden• La luz es importantísima y se cuidan sus gradaciones dando un carácter efectista y teatral.• Las composiciones tienden a ser dinámicas, marcadas por las líneas curvas y los gestos dramáticos. Algunos autores como Friedrich prefieren esquemas geométricos más reposados.• En cuanto a los temas lo característico es la variedad, aunque existen características generales sobre el tratamiento de los temas. Surge el exotismo de la memoria de unmisterioso y glorioso pasado que incluye desde la antigua Grecia hasta la edad Media, en especial la época gótica. El gótico es el estilo por excelencia. En la pintura se recogen arquitecturas góticas, leyendas, momentos históricos, etc.El exotismo también en una amplitud geográfica que incluye el mundo desconocido delnorte de Africa y la nueva América salvaje. Se descubre Oriente, que ofrece la luz y el color, así como nuevos temas. Por último la fantasía , y sobre todo el drama con un obsesivo sabor por la muerte, la noche y las ruinas, así como por los monstruos y las criaturas anormales.Otro gran descubrimiento del Romanticismo es la Naturaleza y el cultivo del género delpaisaje, que será exhaustivo. Se pintan paisajes fantásticos, imaginativos, de estudio, evocados, etc. El pintor se enfrenta a la realidad del paisaje, salen al exterior. Por ejemplo los paisajistas alemanes, con Friedrich a la cabeza, proponen el paisaje espiritual, que ayuda a la evocación religiosa por medio de su grandeza. Valoran los estados atmosféricos, como la niebla.También reivindican la individualidad, el culto al individualismo. El artista prefiere su libertad a la de la colectividad. Por eso son pocos los artistas comprometidos. Por ejemplo Delacroix con la “Libertad guiando al pueblo” donde aparecen pintadas por primera vez las barricadas como testimonio de reivindicación política. Aunque, en general, las reivindicaciones son más exóticas, temas de bandoleros como héroes románticos, etc.

Dentro de la individualidad surge una nueva relación entre cliente y artista. Es un trato de igual a igual. Cambian un bien por un bien. El artista ya no es el artesano. Se crean grupos de artistas que trabajan en común sin romper la individualidad, como el grupo Prerrafaelista inglés o los nazarenos alemanes.

LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO, 1831. E. Delacroix. Óleo sobre lienzo.

El Romanticismo francés.Théodore Géricault (1791-1842) Géricault es un artista puente que durante su corta vida pasa de su formación neoclásica en el taller de Pier Guérin a un planteamiento romántico y antecesor del realismo.

Eugène Delacroix (1798-1863) Delacroix fue un artista de gran éxito en su época, guardando aún su obra alguna reminiscencia del Clasicismo a la vez que del Romanticismo más claro. Siendo un supuesto hijo de Talleyrand, estudio también con Guérin, especializándose en 1815 en cuadros de grandes dimensiones. Conoció a Géricault en 1817, quien influirá en su pintura. Delacroix estudió a los grandes maestros del Barroco en el Louvre, interesándose por los grandes artistas venecianos y por Rubens y Rembrandt. También conoce la producción contemporánea, especialmente la de los ingleses Bonington y Constable, y la obra de pintores próximos como Wappers, y le influyen Turner y los retratistas ingleses, de Reynolds a Lawrence. En 1825 viajó a Inglaterra, yendo en 1832 a Marruecos, donde se pone en contacto con el colorismo, la sensualidad y la luz de la pintura norteafricana. En 1833 recibe la protección del primer ministro Thiers. En 1847 visita a Corot, pintor realista, a quien admirará, pero seguirá pintando grandes encargos decoraciones y no obras realistas. En estos momentos también le influirá notablemente Poussin. Delacroix escribió un diario, en el que se presentan vínculos con el Impresionismo "las sombras de un objeto son del color complementario a éste". Esta también en contacto con Chopin, a quién retratará, así como con otros músicos.

LLUVIA, VAPOR Y VELOCIDAD, 1844. W. Turner.

El romanticismo inglés. En los últimos años del siglo XVIII, Inglaterra aporta su contribución a la pintura del paisaje romántico a través de las figuras de Constable y Turner. Los paisajes de Constable transpiran autenticidad y verdad. Están llenos de manchas de colores y se preocupa sobre todo por captar los efectos de la luz y las cambiantes condiciones atmosféricas a través de una técnica rápida y precisa. La obra de William Turner expresa la preocupación por el color y la luz, que utiliza de manera revolucionaria al representar los medios por los que el color parece propagarse a través de la atmósfera: niebla, vapor y humo. Con su obra Lluvia, vapor y velocidad, se convierte en abanderado de la pintura moderna. Viajará por Europa, donde le influirá la tradición del paisajismo clasicista. Preocupado por la la luz, que en sus lienzos cobra gran esplendor y que será su objetivo último en el final de su vida, antecediendo al Impresionismo. En cuanto al color, acude al círculo cromático que ya intuyó Delacroix. Al igual que Goethe se preocupó también por la teoría del color, reuniendo en ella un afán científico y humanista.

EL MONJE FRENTE AL MAR, 1808. Friedrich

El Romanticismo alemán La figura más importante Caspar David Friedrich(1774-1840). Friedrich nace en la Pomerania del Báltico en 1774, siendo contemporáneo de Constable. En 1807 empieza a pintar paisajes al óleo, a los cuales les da una apariencia religiosa, mística, teniendo un carácter casi anicónico. Sus paisajes no son panteístas, sino religiosos, apreciándose la influencia del Pietismo (tendencia del Protestantismo) y de la filosofía de Schleyermacher.La representación de la naturaleza alcanza la expresión más elevada donde el hombre cumple el insignificante papel de espectador frente a la magnitud del paisaje. Algunas de sus obras son Salida de la luna sobre el mar o Viajero sobre un mar de niebla.

PintoresFRANCOIS GERARD (1770-1837)

 Fue un retratista muy prolífico y conocido en su época. Toda su obra es neoclásica, pero en 1801 pintó el cuadro “Los cantos de Ossian”, basado en un poema épico publicado en 1760, considerado en su momento el equivalente medieval de Homero. La obra es típicamente romántica y transcurre en una noche con luna donde se han reunido los fantasmas del pasado, criaturas de cristal y bruma, convocados por el sonido de una lira.

“Los cantos de Ossian”, 1801

A pesar de calificar esta obra como romántica, Gerard nunca aceptó los gustos románticos ni tampoco la destitución del Rey Carlos X en la Revolución de 1830, apagándose su figura por ambas causas.

 

ANTOINE-JEAN GROS (1771-1835)

 Inicialmente su pintura era neoclásica, pero se acercó al romanticismo, atraído por su fuerza y dramatismo. Su padre, pintor de miniaturas, le enseñó a dibujar y siendo muy joven entró a pintar en el estudio de David, pero rápidamente, su carácter apasionado le hizo crear un estilo propio, arrebatado y colorista, más cercano a Rubens y a la Pintura Veneciana que a la equilibrada obra de David.

Hizo una brillante carrera militar con Napoleón, acompañando a su ejército en sus campañas y tomando apuntes y bocetos de escenas de batallas de las que fue testigo personalmente, plasmados posteriormente en cuadros de gran formato de un intenso cromatismo, con composiciones muy complejas y llenas de detalles, tremendamente dinámicas, expresivas y enérgicas, que admiraron e inspiraron, entre otros, al mismo Delacroix. Todas estas características hacen que se le considere uno de los precursores del movimiento romántico.

“Napoleón en el Pont d’Arcole” (1796)

Gros pinta un Napoleón romántico en su obra “Napoleón en el Pont d’Arcole” (1796), muy diferente del hierático emperador representado por David. Nos lo muestra sosteniendo el asta de la bandera en una mano y una espada en la otra en una postura muy dinámica que genera una gran sensación de movimiento y de fuerza.

“Napoleón y los apestados de Jaffa” (1807)

“Napoleón en la batalla de Eylau” (1808)

El cuadro “Napoleón y los apestados de Jaffa” (1807) podría calificarse de prerromanticismo y nos muestra al Emperador rodeado de enfermos demacrados y casi desnudos en un escenario arquitectónico medieval de estilo musulmán, muy del gusto Romántico. Pinta a Napoleón tocando valientemente a un apestado mientras el militar que está a su lado se tapa la boca en actitud de asco y miedo. Es una escena que nunca ocurrió, ideada para mayor gloria y propaganda del dirigente, al igual que el cuadro “Napoleón en la batalla de Eylau”(1808)

“El Teniente Charles Legrand” (1810)

En su excelente retrato “El Teniente Charles Legrand” (1810) pinta al joven militar francés muerto en el Dos de Mayo en un paisaje claramente romántico, con un castillo medieval, una cascada y unas lejanas cumbres nevadas.

Con la caída de Napoleón, Gros fue relegado de los ambientes oficiales y se encargó del taller de David, que se había exiliado a Bélgica. Sus últimas obras fueron despreciadas por la crítica, lo que, sumado a sus problemas matrimoniales, lo abocó al suicidio.

 

PAUL DELAROCHE (1798-1856)

 Fue alumno de Gros, que opinó de él: “Es la gloria de mi escuela” y un pintor famoso por sus cuadros de temas y personajes históricos. Delaroche pintó escenas con una gran teatralidad y realismo. Su obra está más orientada a la dramaturgia del momento representado que a un intento de verosimilitud del hecho histórico.

“Napoleón en la víspera de su primera abdicación” (1814)

Uno de sus cuadros más conocidos es “Napoleón en la víspera de su primera abdicación” (1814) donde retrata a un emperador abatido, frustrado y sin el mínimo rasgo de idealización.

 

THÉODORE GÉRICAULT (1791-1824)

 Nació en una familia acomodada y fue el pintor más extremo del romanticismo francés. Fue el prototipo de artista romántico, con una vida corta, llena de altibajos, sufrimientos y aventuras, como si hubiera sido escrita por un novelista. Tenía un carácter muy impulsivo, impaciente y desordenado, por lo que estudió pintura muy poco tiempo, así que se formó de manera prácticamente autodidacta, lejos del academicismo y con un estilo muy personal, en el que parece que, al igual que los expresionistas, busca captar la sensación más que una realidad mimética.

Desde joven demostró cualidades que lo diferenciaban claramente de los pintores de la escuela de David. En un viaje a Italia conoce la obra de Miguel Ángel que se convierte en su principal inspiración, presente en muchos de sus cuadros. Toma de sus obras la fuerza contenida de los gestos en sus personajes y la tensión y dinamismo de sus anatomías. Sus cuadros no fueron muy apreciados en su momento por su falta de academicismo y sus polémicos temas. Murió muy joven por una dolorosa enfermedad que le impidió pintar en la última etapa de su vida.

“La carga del húsar” (1812)

“El coracero herido” (1814)

Sus primeros cuadros, “La carga del húsar” (1812) y “El coracero herido” (1814) son representaciones de soldados en el fragor de la batalla, obras de gran dinamismo y audaces escorzos, pincel brioso y colores cálidos. “La carga del húsar” se presentó al principio como un retrato de alguien en concreto, pero Géricault comprendió que si lo convertía en un retrato anónimo, su valor simbólico aumentaba, pasando a representar el combate de todos los franceses que luchaban en aquella época tan belicosa.

“La Balsa de la Medusa” (1819)

Impresionismo 

es la denominación de un movimiento artístico1 definido inicialmente para la pintura impresionista, a partir del comentario despectivo de un crítico de arte (Louis Leroy) ante el cuadro Impresión, sol naciente de Claude Monet, generalizable a otros expuestos en el salón de artistas independientes de París entre el 15 de abril y el 15 de mayo de 1874 (un grupo en el que estaban Camille Pissarro, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne, Alfred Sisley y Berthe Morisot). Aunque el adjetivo «impresionista» se ha aplicado para etiquetar productos de otras artes, como la música(impresionismo musical —Debussy—) y la literatura (literatura del Impresionismo —hermanos Goncourt—),2 sus particulares rasgos definitorios (luz, color, pincelada, plenairismo) lo hacen de muy difícil extensión, incluso para otras artes plásticascomo la escultura (Rodin)3 y la arquitectura;4 de tal modo que suele decirse que el Impresionismo en sentido estricto sólo puede darse en pintura y quizá en fotografía (pictorialismo) y cine (cine impresionista francés o première avant-garde: Abel Gance, Jean Renoir —hijo del pintor impresionista Auguste Renoir—).5

El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente enFrancia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintaban el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo este. Fue clave para el desarrollo del arte posterior, a través del posimpresionismo y las vanguardias.

Pintores Impresionistas:

Frente al Salón oficial de la Academia francesa, dominado por la pintura académica, los impresionistas se darán a conocer desde 1870 (con gran escándalo del público y ciertos críticos) inicialmente en el Salón de los rechazados donde se exponía lo no admitido por el Salón oficial y, posteriormente desde 1874, en exposiciones colectivas hasta que comienzan a alcanzar cierto éxito (a partir de 1886).

1) Edouard Manet (1832-1883): Más que un impresionista es un precursor, un símbolo del anti academicismo. Su formación es clásica, con influencias de Tiziano, Velázquez o Goya, aunque concibe sus obras con un sentido muy moderno del color y del dibujo a base de grandes manchas de colores planos aplicados con una pincelada suelta. Dentro de su obra destacan temas con referentes clásicos pero contextualizados en su época: El almuerzo campestre, inspirado en una obra veneciana del siglo XVI, o la Olimpia, inspirada en la Venus de Urbino de Tiziano. No obstante estas obras escandalizaron fuertemente a la sociedad burguesa al situar en el siglo XIX a desnudos femeninos junto a hombres (El almuerzo campestre) o retratar una prostituta junto a su criada negra (Olimpia). Dentro de su producción sobresalen también las escenas de la vida urbana (El bar del Folies-Bergère) o los retratos (Émile Zola).

Claude Monet – Nenúfares (1920-1926)

2) Claude Monet (1840-1926): Es el impresionista por excelencia. Se interesa sobre todo por el paisaje y la incidencia de la luz a diferentes horas. Capta la vibración lumínica mediante pequeños y rápidos toques de colores puros que dan aspecto inacabado a sus obras desde cerca, pero que se funden a determinada distancia. Es amante de representar los efectos de la niebla, el humo, los reflejos de las aguas o la luz solar. A veces realiza series de un motivo a diferentes horas o estaciones del año:Catedral de Rouen, Estación Saint Lazare, o las series de Nenúfares efectuadas al final de su vida. A él se debe el título de la obra que dio pié a la denominación de impresionistas para el grupo: Impresión. Sol naciente.

Renoir – El Sena en Asnières (1875)

3) Auguste Renoir (1841-1919): Comienza captando temas de la vida amable de diversiones en los que refleja las vibraciones de la luz (Le moulin de la Galette) o desnudos en los que estudia los efectos de luz y sombra en las carnaciones. Después de un viaje a Italia se obsesiona por el dibujo abandonando parcialmente el impresionismo.

Degas – Bebedores de Absenta (1876)

4) Edgard Degas (1834-1917): Es un impresionista de la forma más que del color (utiliza el negro). Introduce temas nuevos en los que aparece el movimiento (carreras de caballos, bailarinas). No se limita mundo elegante sino que pinto también el cansancio (Planchadoras) o escenas íntimas de mujeres (Toilette).Pintores Postimpresionistas:

Se denomina postimpresionistas a una serie de pintores que, aunque tuvieron una fase impresionista, evolucionan después en diferentes direcciones, constituyendo la base de las primeras vanguardias pictóricas del siglo XX: expresionismo, simbolismo, cubismo y pintura abstracta.

Seurat – Tarde de Domingo en la Grande Jatte (1884)

5) Seurat (1859-1891): Es el mejor representante del impresionismo científico o puntillismo, al asumir la teoría de los colores de Chevreuil en su totalidad. Sus obras se basan en una suma de pequeños puntos de color colocados junto a sus complementarios, por lo que la elaboración de las mismas era muy lenta. El ojo del espectador al amalgamar los puntos debía recibir la impresión de realidad lumínica. En su obra destaca Domingo en la isla de la Grand Jatte.

Van Gogh – Campo de Trigo con Cuervos (1890)

6) Vincent Van Gogh (1853-1890): Holandés de nacimiento, es el prototipo del artista maldito, perseguido por el fracaso, la locura y el suicidio. Comienza tratando temas sociales influido por su vocación de pastor protestante y por la obra de Millet (Los comedores de patatas) pero enseguida su pintura se ve influida por la viveza de colorido de los impresionistas y las estampas japonesas. La obra de Van Gogh, sin embargo, se distingue por la proyección de su carácter atormentado, aquejado de una grave enfermedad mental, en una pintura de paisajes irreales (La noche estrellada) y subjetivos que muestran su sufrimiento (Campo de trigo con cuervos) realizada con colores vivos aplicados con pinceladas anchas, curvas y pastosas Es, por ello, uno de los antecedentes del expresionismo. También pinta retratos de cierta penetración psicológica (Doctor Gachet) y naturalezas muertas (Los Girasoles, La habitación en Arlés).

Lautrec – La Goulue (1891)

7) Toulouse-Lautrec (1864-1901): Sufre la influencia impresionista en el color vivo y, sobre todo, de Degas en los temas y las composiciones. Su carácter de aristócrata bohemio y deforme le lleva a reflejar magistralmente lugares de diversión nocturna (Baile en el Moulin Rouge), burdeles, circos, etc. Igualmente eleva a la categoría de arte el cartel (Jane Avril). En sus carteles aparecen las líneas decorativas y sinuosas propias del modernismo.

Paul Gauguin – Mujeres Tahitianas (1891)

8) Paul Gauguin (1848-1903): Abandona una inicial formación impresionista para marchar a Bretaña y, luego, a Tahití en busca de la autenticidad. En su pintura abandona la perspectiva y utiliza colores puros aplicados de forma plana, delimitados por un dibujo muy grueso y sin respetar el color local. Sus temas principales son bretones (Visión después del sermón) o tahitianos (Mujeres tahitianas). Se le considera el antecedente de los simbolistas, los fauves y de la pintura abstracta.

Paul Cézanne – Los Jugadores de Cartas (1891)

9) Paul Cézanne (1839-1906): se halla ligado generacionalmente a los impresionistas pero su búsqueda es diferente. A Cézanne le preocupa la búsqueda del volumen y de la esencia estructural de los objetos. Trata el color en grandes manchas que crean planos. Igualmente reduce las formas a volúmenes geométricos puros (cilindro, esfera, cono o cubo) puestos en perspectiva. Por todo ello su pintura vuelve a introducir el sentido plástico y revaloriza el volumen de los objetos por lo que se le considera antecedente del cubismo.Entre sus obras, que demuestran una gran despreocupación por el tema, destacan paisajes (L’Estaque, La montaña de Saint Victoire), naturalezas muertas (Manzanas y naranjas), o la serie de Jugadores de cartas, destacando en todas ellas el uso de planos cromáticos para definir los volúmenes y estructura de la realidad.

Rodin – El Pensador (1880)

10) Auguste Rodin (1840-1917): La obra escultórica de Rodin rompió con la escultura academicista dominante en Europa en su época y va a ser decisiva para abrir las líneas de desarrollo de la escultura contemporánea. Abre, pues, la escultura a la modernidad.En su obra introduce una cierta influencia del impresionismo pictórico al multiplicar los planos de visión y combinar superficies lisas y rugosas con lo que crea

intensos efectos lumínicos. A ello suma el interés de Miguel Ángel por la profundidad de figura humana y el interés por lo inacabado o lo fragmentario (manos, torsos,etc.), aspectos que van a influir poderosamente en toda la escultura contemporánea.

El expresionismo 

Rigurosamente, es el arte que se desarrolla en Alemania en el segundo decenio del siglo XX, popularizado entre los años 1911 y 1914. Aunque su influjo se ha extendido universalmente. Se entiende como un movimiento artístico nacido de la crisis ideológica y social en los países germánicos, e interpretado como una reacción al cubismo y el impresionismo. El estallido de la Primera Guerra Mundial actuó como elemento aglutinante. El ambiente desgarrador, necesitaba un arte de guerra. Al término del conflicto, la República de Weimar exaltó a los expresionistas. Firmes hasta 1924, luego comenzó su decadencia y su ocaso con la llegada del nazismo. Así el expresionismo, símbolo de rebeldía y servido por los judíos, no podía más que ser perseguido por los Nazis, beneficiando a los países donde se han refugiado los artistas

El expresionismo resalta como el centro de sus preocupaciones: el alma humana, basándose en una estética concreta de deformación expresiva debido al estado

emocional del artista. Por consiguiente es el noruego Edvard Munch el padre del expresionismo, y su obra El grito(soledad, dolor, tristeza y amargura) la definición más concreta del movimiento, aunque sus antecedentes se remonten al propio Vincent Van Gogh. La temática de este estilo no le da relevancia a la sensibilidad de los colores o a la armonía de sus mezclas, sino al planteamiento de los conflictos íntimos y privados de las personas, siendo aquellos que poseen un significado angustioso y desgarrador los que prevalezcan. El expresionismo se presenta de esta manera, como el exponente más claro de la angustia contemporánea. Sin embargo no es la realidad el criterio seguido por esta corriente, ya que la exageran, culminando en sarcasmo y desesperación. Su realidad está basada en la experiencia emocional y espiritual, por encima de una comprensión analítica. Los pintores intentan hallar la imagen que el objeto deja en ellos y seguir las deformaciones que el inconsciente introduce. Elementos característicos de este movimiento son la utilización de colores discordantes, la deformación de los objetos para aumentar la expresión y el uso de líneas en zigzag. Considerado no sólo como un vanguardia artística, configura un amplio espectro en la literatura, el cine o la moda; se aglutinó en Berlín a partir de 1910 en torno a la sala Der Sturm y la revista de homónimo nombre, y  entre 1905 y 1933, se pueden mencionar como relevantes, en Alemania los grupos Die Brücke (El puente) yDer Blaue Reiter (El jinete azul); así como en Austria y de manera individual, Oskar Kokoschkay Egon Schiele, además de en la Alemania de posguerra, Neue Sachlichkeit (La nueva objetividad).

Die Brücke (El puente).

Fundado en 1905 en Dresde por cuatro estudiantes de arquitectura: Ernst Ludwin Kirchner,Fritz Bleyl, Erich Heckel y Karl Schmidt Rottluff, a los que se unen en 1906 Max Pechstein y Emil Nolde, y en 1910, Otto Müller. En un principio no perseguían finalidades prácticas, sino que buscaban el conocimiento del oficio al margen de los academicismos. Su intención es formar un frente de oposición al impresionismo y cubismo, uniendo el arte y la vida en contra de la sociedad burguesa. Imponen condiciones de  trabajo en común y se obligan a exponer en grupo. Estilísticamente tienen influencias de Paul Gauguin y Vincent Van Gogh en el color, de Edvard Munch en el simbolismo, de Paul Cézanne en los paisajes, y de las artes de Oceanía y África en las formas. Utilizaban el tema del cuadro para comunicar sus sentimientos intensos y no dudaban en deformarlo hasta conseguir el efecto buscado. Sus pinturas, pese a huir de influencias, se parecían a las obras de los cubistas en el hecho de tener muy poca perspectiva o fondo. A lo largo de su existencia como grupo, trabajaron la pintura, la litografía o la talla en madera.

A partir de la exposición de 1907, en la salas de Ritcher, programan una serie de exposiciones itinerantes para darse a conocer. Poseen un estilo común basado en los colores estridentes y las deformaciones, en una temática donde eran frecuentes los paisajes, desnudos, retratos o las escenas cotidianas. La publicación en 1913, por parte de Kirchner de la Crónica de Die Brücke sin autorización colectiva, supuso junto con otros factores su disolución.

Ernst-Ludwing Kirchner. Franzi frente a una silla sentada (1910).

Erich Heckel. Casa en Dangast o "La casa Blanca" (1908).

 Emil Nolde. Las máscaras Naturaleza Muerta III (1911).Max Pechstein. Sentada desnuda (1910).

Der Blaue Reiter (El jinete azul).

En Munich durante 1911, Wassily Kandinsky y Franz Marc fundan el grupo del Jinete azul. El nombre proviene de una conversación entre los dos miembros originales, debido a su predilección por el azul y el simbolismo de dicho color. La composición del grupo fue heterogénea; formado por los rusos Kandinsky y Jawlensky, los alemanes Marc y Macke y el austriaco Kubin. Como colectivo tienen claros sus objetivos, los une la aspiración de hacer visible, no la experiencia del mundo natural, sino la experiencia interior y la vida espiritual que la sociedad contemporánea tendía a silenciar, pero dejan libertad total a sus componentes, de ahí las diferencias existentes en sus obras. El grupo reivindica la automía del arte, y ser capaces de establecer unas bases que sean comunes para todas las artes. Combaten el clasicismo con las formas y suprimen la separación entre el arte popular y el académico (Influidos por las estéticas rusas). Se orientan a coordinar y apoyar toda clase de corrientes y estilos que se encaminen hacia la libertad, la espiritualidad y la autonomía de la forma y el color. Su modelo es la música, el arte más abstracto y el que menos referencia toma del exterior. En 1913, se produce su disolución.

Franz Marc. El sueño (1912).

Wassily Kandisky.  Composición II (1908).

Austria. El Grupo Vienés.

Dentro del Imperio Austro-Húngaro, en 1898 se produjo en Viena una ruptura más del arte convencional. Fue dirigida por Gustav Klimt, reconocida con el nombre de la Sezession (La secesión de Viena), y tuvo como medio de disfusión la revista Ver Sacrum. Su objetivo era lograr la integración del arte con la vida, producir arte que significara algo para todo el mundo, y que no estuviera basado en ideas antigüas y repetidas. Klimt como fundador de la asociación y la revista, decide separarse del movimiento en 1905, con una obra ya cargada de simbolismo. Mientras, se mantenía que la lujosa ornamentación de sus cuadros chocaba frontalmente con su objetivo de un arte para todos. Por otro lado, la idea de que la pintura debía mostrar la verdad fue llevada a cabo por Oskar Kokoschka y Egon Schiele, que pueden ser considerados como los pintores más relevantes del expresionismo vienés.

Gustav Klimt. El Beso (1908).

Egon Schiele. El abrazo (1917).

Oskar Kokoschka. Retrato de Max Schmidt (1924).

Neue Sachlichkeit (Nueva objetividad).

En los años veinte, acabada la Primera Guerra Mundial, la situación alemana da para otro movimiento de carácter expresionista que recupera la figuración y el compromiso político.Georges Grosz, Max Beckmann y Otto Dix, fueron sus representantes más destacados, los cuales retoman el contexto urbano para denunciar las consecuencias del militarismo, la represión política y la deshumanización en aumento de la sociedad alemana. Con la subida de Hitler al poder, esta critica fue perseguida y señalada como arte degenerativo, además de ser considerados sus miembros como traidores de la causa alemana.

Georges Grosz. Caín o Hitler en el infierno (1944).

El cubismo

 fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque,Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunayy Juan Gris.1 Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de lasvanguardias europeas delsiglo XX. No se trata de unismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.

El término cubismo fue acuñado por el críticofrancés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves(fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despectivamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo». El cubismo literario es otra rama que se expresa con poesías cuya estructura forma figuras o imágenes que ejemplifican el tema, la rima es opcional y no tienen una métrica específica ni se organizan en versos.

El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentistavigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación deprofundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con losviolines, insinuados solo por la presencia de la cola del mismo.

A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones,paisajes y retratos.

Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran delimpresionismo o el fovismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.

Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que representa, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages.

La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la "crítica", llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahí en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.

ARTISTAS 

Pablo Ruiz SuplicanteLas señoritas de Avignon 

Los musicos 

Juan Gris 

The Sunblind  Guitarra y mandolino

Georges Braque 

Man whit a guitar 

Surrealismo: Los pintores de sueños

Domingo, 26 diciembre 2010 » Artistas » 30 Comentarios

“El surrealismo descansa en la creencia de una realidad superior de ciertas formas de asociación no tenidas en cuenta hasta hoy, de la omnipotencia del sueño, del proceso desinteresado del pensamiento. Tiende a arrasar definitivamente todos los mecanismos psíquicos restantes y a sustituirlos en la resolución de los principales problemas de la vida.”  Manifiesto surrealista de 1924, de André Bretón.

Algunas citas interesantes de André Bretón:

“No hay que cargar nuestros pensamientos con el peso de nuestros zapatos.”“Prohibido prohibir.”“¿Qué es la riqueza? Nada, si no se gasta; nada, si se malgasta.”“La imaginación al poder.”“El pensamiento y la palabra son sinónimos.”“Querida imaginación, lo que amo sobre todo en ti es que no perdonas.”“Toda idea que triunfa marcha hasta su perdición.”“De nada vale estar vivo si hay que trabajar.”“Cuando dos personas que se quieren, chocan, no se mezclan, se rompen.”“Al principio no se trata de entender sino de amar.”“Los locos son, en cierta medida, víctimas de su imaginación, en el sentido que ésta les induce a quebrantar ciertas reglas, reglas cuya transgresión define la calidad de loco.

El tema de los sueños en pintura se desarrolló con fuerza durante el movimiento surrealista y hoy en día sigue siendo fuente de inspiración.

A los surrealistas les fascinó el tema de los sueños sobretodo por el descubrimiento de las teorías de Sigmund Freud, el descubrimiento del Ego y lo irracional o subconsciente. El resultado fué la unión de la psicología y la pintura… toda una bomba visual!!En esta entrada presento a algunos de los mejores pintores de sueños del surrealismo.

PINTORES Y PINTURAS DE SUEÑOS

GIORGIO DE CHIRICO

Nombre: El regreso del poeta. 1911.

Esta obra indujo a Bretón a comparar al pintor con el poeta precursor del surrealismo. Se cree que el poeta del que habla el cuadro es el poeta Isidore Ducasse, llamado Conde de Lautréamont, a quien los surrealistas rescataron del olvido e hicieron de él uno de los precursores de su movimiento.

Nombre: La Conquista del filósofo. 1914. Óleo de 125,1 x 99,1 cm.

SALVADOR DALi

La tentación de San Antonio y el Sueño Causado por El Vuelo de una Abeja Antes de Despertar.

ANDRÉ MASSON

El laberinto

JOAN MIRÓ

Este es el color de mis sueños. 1925, obra en la que se incorpora a modo de poema visual un texto donde está escrito el título del cuadro. El pintor afirmaba que no hacía distinciones entre poesía y pintura.

La siesta, de 1925.

YVES TANGUY

El viejo horizonte, de 1928. Este cuadro es de los primeros que empezó con este estilo, tras conocer a Breton. Cuadro intenso y lleno de misterio.

RENÉ MAGRITTE

Las cómplices del mago, de 1927. Magritte afirmaba “No hay duda de que un sentimiento puro y vigoroso, llamado erotismo, me ha salvado de caer en la búsqueda tradicional de una perfección formal.”

El arte abstracto 

Es una forma de arte que triunfa en la actualidad por encima de otros tipo de representaciones. Se trata de una forma de expresión de arte, abstrayendo las formas, y representándolas lo más alejadas posible de la realidad, basándose meramente en los sentimientos del autor, que pretende transmitir a quién disfruta de laspinturas abstractas.

Son muchos los artistas que incluyen este tipo de arte entre sus representaciones, sin embargo, son pocos los nombres de pintores famosos a los que la mayoría de la gente atribuye este tipo de arte.

Descubre cuáles son las pinturas abstractas más famosas y qué autores se esconden detrás de ellas.

Pinturas abstractas famosas

Las pinturas abstractas más famosas no responden a nombres propios, sino al nombre del artista que las representa. Jackson Pollock es uno de los artistas más conocidos de todos los tiempos, cuya obra se basa en el arte abstracto.

Pollock fue un gran artista estadounidense, influyente en el movimiento del expresionismo abstracto, considerado como uno de los pintores más importantes del siglo XX. Las obras de Pollock se caracterizan por utilizar la técnica “dripping”, arrojando la pintura directamente sobre el lienzo, y creando siempre formas únicas e irrepetibles, como una forma de expresión de los sentimientos y la energía.

Sus obras se encuentran expuestas en muchos de los museos de arte moderno más influyentes del mundo, como la Tate Modern en Londres.

 Joan Miró es el pintor abstracto más conocido en nuestro país, como uno de los genios creadores de las obras pictóricas y escultóricas más simbólicas del arte abstracto.

La obra de Miró se basa en la representación de la realidad a través de formas abstractas, plasmadas con colores vivos y formas definidas. Cada una de sus obras cuenta una historia completa, contenida en un sólo objeto repleto de dinamismo y emociones.

Vasili Kandinskyes el autor ruso de muchas de pinturas abstractas más conocidas y admiradas en la mayoría de museos de arte moderno. Considerado como el precursor de esta técnica, Kandinsky es uno de los pintores que comenzó de forma más temprana con la representación de obras de arte moderno.

Este autor no sólo es capaz de plasmar sentimientos y formas en sus obras, sino que también representa la música e incluso ideas políticas y filosóficas, ampliamente distinguibles entre los trazos de sus obras más conocidas.

Corrientes Pictóricas ImportantesEscuela de la pintura pompeyana:Pompeya (en latín:Pompeii) fue una ciudad de la Antigua Roma ubicada junto con Herculano y otros lugares más pequeños en la región deCampania, cerca de la moderna ciudad de Nápoles y situados alrededor de la bahía del mismo nombre en la provincia de Nápoles.Fue enterrada por laviolenta erupción del Vesubio el 24 de agosto del año 79 d. C. y sus habitantes fallecieron debido alflujo piroclástico. En sus proximidades se levanta la moderna y actual ciudad de Pompeya.

Historia

Los orígenes del poblamiento de Pompeya son discutidos. Los restos más antiguos hallados en la ciudad son delsiglo IX a.C., aunque eso no demuestra que

ya existiera un asentamiento allí. Como quiera que fuese, la mayoría de los expertos están de acuerdo en que la ciudad debía existir ya en el Siglo VII a. C. y estar ocupada por los oscos (uno de los pueblos de la Italia central), según se lee en la Geografíade Estrabón (siglo I a.C.).3

Desde el siglo VIII a.C. habían existido colonias griegas en la región, destacando la importante ciudad de Cumas, al otro lado del golfo de Nápoles. Los etruscos se establecieron en la región alrededor del siglo VII a.C. y durante más de 150 años rivalizaron con los griegos por el control de la zona. Se desconoce, sin embargo, la influencia real de estos pueblos en el origen y desarrollo posterior de la ciudad, ya que los datos arqueológicos no son concluyentes.3 Se sabe, eso sí, que a finales delsiglo V a.C. los samnitas (otro pueblo de lengua osca) invadieron y conquistaron toda la Campania. En este momento histórico hay una disminución drástica de la cantidad de materiales hallados en la ciudad, lo que induce a algunos arqueólogos a pensar que la ciudad pudo estar abandonada temporalmente. Si estuvo abandonada, lo fue brevemente, porque durante el siglo IV a.C. la ciudad, incluida en la «Confederación Samnita», ya estaba tomando su forma actual y, de hecho, servía de puerto a las poblaciones situadas río arriba.3

Los nuevos gobernantes impusieron su arquitectura y ampliaron la ciudad. Se cree que durante la dominación samnita, los romanos conquistaron la ciudad durante un corto período, pero esas teorías nunca han podido ser verificadas. Sea como fuere, se sabe que durante la época samnita la ciudad era gobernada por un magistrado (posiblemente también con poderes de administrador de justicia) que recibía el nombre de Medix Tuticus (en osco meddís túvtiks).4

Pompeya participó en la guerra que las ciudades de la Campania iniciaron contra Roma, pero en el año 89 a. C. fue asediada por Lucio Cornelio Sila. Aunque las tropas de la Liga Social, comandadas porLucio Clemento ayudaron en la resistencia a los romanos, en el año80 a. C. Pompeya se vio obligada a aceptar la rendición tras la conquista de Nola. Después de este episodio se convirtió en una colonia con el nombre de Colonia Cornelio Veneria Pompeianorum'. Los habitantes recibieron poco después la ciudadanía romana, pero se les privó de una parte de su territorio, donde Sila estableció una colonia militar.5

La ciudad se transformó en un importante punto de paso de mercancías que llegaban por vía marítima y que eran enviadas hacia Roma o hacia el sur de Italia siguiendo la cercana Vía Apia.

Prueba de la tremenda actividad sísmica en la zona de Pompeya es que, en las cercanías de la actual Puerta Marina, se han hallado restos de un embarcadero, si bien algo más abajo en dirección al mar se han encontrado más edificaciones romanas. Así pues, la línea de costa tuvo que cambiar considerablemente en los últimos siglos de la ciudad, aunque no se sabe exactamente dónde estaría el puerto en sus últimos años de historia.6

El año 59 d.c. se produjeron serios disturbios en el anfiteatro de la ciudad entre los pompeyanos y unos visitantes de Nuceria, que tuvieron como resultado diversos muertos y heridos. El enfrentamiento fue de tal magnitud que llegó a oídos del emperador Nerón, que prohibió las exhibiciones de gladiadores en la ciudad durante 10 años

Pompeya en la actualidad

Pompeya se ha convertido en un destino turístico popular de Italia. Actualmente es parte del Parque nacional del Vesubio, más amplio, y fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el año 1997. Las «zonas arqueológicas de Pompeya, Herculanoy Torre Annunziata» se registraron con el código conjunto de 829 y las siguientes localizaciones, todas ellas en la provincia de Nápoles, región de Campania:

EL POSTIMPRESIONISMO

La noche estrellada. Van Gogh.

El impresionismo, con su afán por captar la luz del natural, había ido disolviendo las formas en su ambiente y todos los elementos del cuadro habían ido perdiendo volumen, dibujo y sentido del espacio. En los últimos años del XIX y principios del XX nos encontramos con unos pintores que partiendo del impresionismo, derivan hacia una pintura personal que anuncian algunos de los movimientos pictóricos más importantes del siglo XX. El postimpresionismo supone entre otras cosas una recuperación de la importancia del dibujo y de la preocupación por captar no sólo

la luz sino también la expresividad de las cosas y de las personas iluminadas. su trascendencia para la evolución del arte es, si cabe, mayor que la de los pintores impresionistas.

Algunas características generales, con inclusión del pintor que mejor las representa:- Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y figuras humanas.- Conciliación entre efecto volumétrico (conculcado por el fulgor luminoso impresionista que casi había desmaterializado las formas) y el gusto puramente estético (Cézanne).- Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos (Cézanne)).- Empleo de colores contrastantes para distendir y definir los planos y formas.- Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas.- Utilización de colores puros con gran carga emotiva ( Van Gogh) y modulados (Gauguin)).

- Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo interior (V. Gogh).- Interés por lo exótico (Gauguin) y los bajos fondos (Toulouse-Lautrec).- Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de las masas cromáticas encerradas en perfiles bien ceñidos (Gauguin). 

INFLUENCIAS- De los impresionistas, el gusto por los contrastes de colores en Cézanne.- De Rubens, de los neoimpresionistas y de la estampa japonesa, el rico cromatismo, los colores puros y la cursividad fluyente de las formas en V. Gogh- De las culturas exóticas de Oceanía, el primitivismo en Gauguin. 

Los pintores postimpresionistas

Paul Gauguin. Se inicia en el impresionismo con Pissarro; deja una vida confortable, familia, mujer e hijos y se instala pobremente en París y Bretaña y después se traslada a Tahití, donde pinta sus series de mujeres tahitianas. Destaca por el uso tan expresivo que hace del color con tonos fuertes, vivos y muchas veces arbitrarios que dispone en grandes planos delimitados por ritmos lineales curvos. Tiene dos temas preferentes: el mundo exótico de Tahití y el "primitivismo" de Bretaña. Su obra es preferente del simbolismo y su sentido del

color influirá en los fauvistas y expresionistas. Renuncia a la perspectiva, suprime el modelado y las sombras e identifica la sensación de plano igual que en las pinturas japonesas.Paul Cézanne. En su pintura se recupera el volumen gracias a la geometría, el dibujo y la definición de las formas mediante pinceladas que han sido llamadas constructivas; todo esto sin renunciar al color de gran intensidad mediante los contrastes y las sombras coloreadas. En sus cuadros se potencia el primer plano y realiza pequeñas distorsiones fruto de la utilización de más de un punto de vista (bodegones). Su pintura es el punto de arranque del cubismo y ha influido en coloristas como Matisse. Los jugadores de cartas, la montaña de Santa Vitoria..Van Gogh. Se establece en Arlés entusiasmado por la luz de la Provenza pinta figuras y paisajes de formas serpenteantes y flamígeras que traducen su fuego interior. Es un apasionado del color como vehículo para expresar las frecuentes depresiones y angustias que padeció. Su pincelada es muy característica, sinuosa, cursiva y espesa; los colores son a veces agresivos con contrastes no frecuentes- amarillo sobre naranja-. Abre las puertas al expresionismo del XX. Autorretrato, Noche estrellada, La siembra,...Toulouse-Lautrec. Nos refleja el ambiente de los salones nocturnos: bailarinas, cantantes y prostitutas son sus modelos. En su técnica el dibujo, la captación del movimiento y la carga irónica y caricaturesca es esencial. Fue el impulsor del cartel. En sus obras, destaca: Moulin Rouge.

Escuelas expresionistas

UN PRECURSOR: EDVARD MUNCH (1863-1944)

Es el pionero del expresionismo. Noruego, influenciado por su ambiente familiar del que la enfermedad y la muerte formaban parte. Su obra más impactante y conocida es El grito de 1893: el paisaje oscila en conmovedoras curvas al igual que el personaje que en un primer plano nos transmite su soledad y angustia ante la vida y la muerte.

Título: Edvard Munch Título: El grito

Recuerda

Un precursor del expresionismo

Su obra más conocida

EL GRUPO “DIE BRÜCKE”

Una nueva corriente apareció en la ciudad alemana de Dresde en el año 1905. Tomaron el nombre de "Die Brücke" (El puente). Lo componen estudiantes de arquitectura entre los que destaca su líder Kirchner. Son conscientes de su nueva forma de entender el arte y su nombre obedece a lo que ellos pretendían: ser un puente entre todas las propuestas agitadoras y revolucionarias. En 1906 realizan la primera exposición pública. Hacia el año de 1913 el grupo se disuelve, pero la semilla germinará en los siguientes años en nuevas generaciones de expresionistas.

 

ERNST LUDWIG KIRCHNER (1880-1938)

Kirchner se caracteriza por el uso de sus líneas angulosas que recuerdan a los grabados de Durero y las xilografías de la Edad Media que tanto admiraba. El color también es heredero del gusto fauvista. Todo ello se refleja en las composiciones sobre la calle en las que los temas urbanos quedan recogidos en una serie de obras que nos transmiten unos personajes tratados con ironía y crítica social. Este que reproducimos lleva por título Calle con buscona de rojo.

 

Título: Calle con buscona de rojo

EL GRUPO “DER BLAUE REITER”

A finales de 1910 un nuevo grupo se formó en Munich bajo el liderazgo de Kandinski. El grupo tomó el nombre de "Der blaue Reiter" (El jinete azul). Editaron un Almanaque con el mismo nombre que el grupo y de una periodicidad anual en el que recogían realizaciones artísticas muy diversas que abarcaban todos los campos del arte. Una de las relaciones que más interesó a este grupo fue la de la pintura con la música y la matemática. Junto a Kandinski estaba Marc y los dos eligieron el nombre porque a los dos les gustaba el color azul, a Marc para sus pinturas de caballos y a Kandinski para el jinete. La primera exposición tuvo lugar en 1911 en la Thannhauser Galerie de Munich.

VASILY KANDINSKI (1866-1944)

Kandinski nació en Moscú y a lo 30 años se encuentra en Munich. Estos años son de un trabajo que sintetiza en su libro De lo espiritual en el arte, publicado en 1912. Fundador del grupo El jinete azul del cual vemos su obra homónima. Su propuesta revolucionaria le llevará a realizar la primera obra abstracta.

Título: Kandinski Título: El jinete azul

 

FRANZ MARC (1880-1916)

Marc fundó junto a Kandinski el grupo del Jinete azul. Su interior necesitaba trabajar con las formas de la naturaleza. Su pasión por el mundo animal lo desarrollo en su obra, dando colores-símbolo que le integraban con el cosmos. El azul lo consideraba masculino, robusto, el amarillo lo femenino y sensual, y el rojo correspondía a la materia bruta. Estos caballos rojo y azul son característicos de una pintura que nunca dejará de hacer.

Simbolismo. Pintura Simbolista

El término simbolista procede del ámbito literario. El primero en utilizarlo fue el poeta Jean Moréas en 1885 en su "Manifiesto Simbolista" y posteriormente se aplicó a la nueva pintura ya que las intenciones de los poetas y los pintores eran semejantes.

El Simbolismo es un movimiento literario y de artes plásticas que se originó en Francia en la década de 1880, paralelo al post-impresionismo, y que surgió como reacción al enfoque realista implícito en el Impresionismo. Tanto el Impresionismo, como el idealismo y el naturalismo académico se habían identificado con los problemas contemporáneos, políticos, morales e intelectuales. Los artistas de 1885 disgustados por la incapacidad de la sociedad para resolver estos problemas buscaron nuevos valores basados en lo espiritual. Desean crear una pintura no supeditada a la realidad de su momento, rechazan lo que trae consigo la vida diaria, la aglomeración, la actividad industrial y la degradación.

Se va creando un estado de decepción frente al positivismo y cientifismo imperante y se descubre una realidad más allá de lo empírico. A esto contribuye Schopenhauer, que en su oposición al positivismo, insiste en que el mundo visible es mera apariencia y que sólo adquiere importancia cuando somos conscientes de que a través de él se expresa la verdad eterna.

Él defiende no el pintar el objeto en sí mismo, sino para trascender a otros ámbitos a través de la intuición y la contemplación.

Los simbolistas consideran que la obra de arte equivale a una emoción provocada por la experiencia. Tratan de exteriorizar una idea, de analizar el yo. Les interesa la capacidad de sugerir, de establecer correspondencias entre los objetos y las sensaciones, el misterio, el ocultismo. Sienten la necesidad de expresar una realidad distinta a lo tangible y tienden hacia la espiritualidad. El símbolo se convierte en su instrumento de comunicación decantándose por figuras que trascienden lo material y son signos de mundos ideales y raros. Hay una inclinación hacia lo sobrenatural, lo que no se ve, hacia el mundo de las sombras.

La revelación de Freud acerca de la vida de los sueños y la existencia de una parte irracional en lo humano es aplicada al programa simbolista reivindicando la búsqueda interior.

Cultivarán el subjetivismo, el antirracionalismo y aflorará el interés por el cristianismo y las tradiciones diversas. Estudian la ambigüedad, la belleza hermafrodita, lo andrógino, la mujer fatal que destroza cuando ama, lo femenino devorador. La mujer brota del mundo del inconsciente y para huir de la realidad adopta forma de esfinge, de sirena, de araña o de genio alado. Los seres que aparecen en ese mundo de sueño serán incorpóreos.

Prestan especial atención a la forma, pero la ponen al servicio de unos ideales que van más allá de la pura apariencia. Plasman sus sueños y fantasías por medio de la alusión al símbolo y a una rica ornamentación. A veces utilizan colores fuertes para resaltar el sentido onírico de lo sobrenatural. Puede decirse que es una pintura de ideas, sintética, subjetiva y decorativa. Los precursores de esta nueva pintura son Gustave Moreau, Puvis de Chavannes y Odilon Redon.

Gustave Moreau (1826-1898)

Se le puede considerar el precursor del Simbolismo. Se caracteriza por un lenguaje formal de extraordinaria riqueza ornamental y cromática. Trabajó el pigmento con texturas muy gruesas, por lo que la superficie resulta irregular. El mundo de Moreau está poblado de adolescentes andróginos, mujeres fascinantes y perversas y personajes extraídos de la Historia Sagrada que se convierten en eres humanos o mitos clásicos.

En La aparición narra la aparición de la cabeza de San Juan Bautista a Salomé. Es una obra de contenido religioso, sin embargo, la figura femenina posee una gran sensualidad y representa a la mujer fatal.

En Edipo y la esfinge introduce un mundo mitológico lleno de significados, se pegunta por la esencia humana. Otras obras son Piedad, Orfeo, Hércules y la Hidra de Lerna, La danza de Salomé, Los unicornios.

Puvis de Chavannes ( 1824-1898)

Es el más clásico, las ideas que quiere plasmar se mueven dentro de lo equilibrado, lo tranquilo. La mayor parte de su obra son grandes murales para edificios públicos, hechos al óleo y no a fresco, lo que le obligó a suprimir la tercera dimensión.

Su énfasis sobre lo plano le llevó a las más atrevidas distorsiones, tanto en perspectiva como en la figura. En la década de 1870 realiza La esperanza, el título ya indica que no se trata de una simple imagen, sino de una idea. Es un personaje asequible, examinado de forma académica, pero al servicio de una idea. Simboliza la paz y la esperanza con un tema de guerra franco prusiana.

En Visión antigua vuelve al mundo mitológico, de ninfas, muestra una naturaleza irreal, idealizada. Transmite paz y sosiego. En El verano mantiene la misma idea, figuras inertes al servicio de la idea de calma, relax.

Odilon Redon (1840-1919)

El interés por el inconsciente, lo onírico y lo fantástico se hace patente en su temática. Su obra se puede dividir en dos partes, una en blanco y negro y otra en color. Para él, el negro era el príncipe de los colores. La araña sonriente, El sueño acaba con la muerte o El ojo como un globo extraño se dirige hacia el infinito son algunos ejemplos. Esta última es un precedente claro del surrealismo. El tema del ojo permite la conexión con los surrealistas, aunque también es una actitud simbolista. En sus litografías aparecen metáforas a obras de escritores como Edgar Alan Poe, Baudelaire o Flauvert.

A partir de 1895 surge el color en numerosas pinturas al óleo y pastel. Su obra se hace más brillante y alegre y aparece el estudio de las flores. Por ejemplo,  Ofelia entre las flores,Cíclope u Orfeo.

El simbolismo no puede definirse como un estilo unitario, sino como un conglomerado de encuentros pictóricos individuales que supera nacionalidades y límites cronológicos. En esta línea podemos encontrar figuras tan dispares como Van Gogh, Gaugain, Klimt o Munch. El simbolismo derivará en una aplicación bella y cotidiana de profunda raigambre en el arte europeo de finales del S. XIX y principios del S. XX, el Art Nouveau.

La escultura cubista

     El cubismo escultórico tiene la misma estética que el pictórico, y los mismos objetivos, pero trabaja en tres dimensiones. Sus esculturas se caracterizan por laintersección de planos y volúmenes, y la descomposición de las formas. El cubismo descubre el hueco como elemento escultórico, tanto la masa como el hueco sirven para la expresión plástica. Debido a la ausencia de color en la pintura la escultura se revela como una manifestación artística especialmente valiosa. Se dedican a la escultura muchos de los pintores cubistas, Picasso: Cabeza, Mujer, Cabeza de toro, y George Braque: Mujer de pie.

     Entre los escultores cubistas destacan Alexandre Archipenko, (1887-1964) el gran escultor cubista: Torso negro, Cabeza, Estatuas de hierro del parque de la Universidad de Kansas City, Ossip Zadkine: Cabeza de mujer, Constantino Brancuçi : La columna sin fin, Jacques Lipchitz: Marinero con guitarra, Henri Laurens : Mujer ante el espejo, Raymond Duchamp-Villo: Torso de hombre joven, Julio González: Mujer peinando sus cabellos, y Pablo Gargallo: El profeta,Bailarina, Estatua de Arlequín, el escultor cubista más destacado.

El futurismo

Es el movimiento de las corrientes devanguardiaartística, fundado en Italia por Filippo Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifeste du Futurisme, publicado el 20 de febrero de 1909, en el diario Le Figaro de París.

Nosotros afirmamos que la magnificencia del mundo se ha enriquecido de una belleza nueva: la belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras, con su radiador adornado de gruesos tubos parecidos a serpientes de aliento explosivo... un automóvil que ruge, que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia

Escultura futurista

En las esculturas futuristas también se intenta representar el movimiento. Para ello los planos se desarrollan en el espacio. Los pintores futuristas son, generalmente, también escultores. Destacan Umberto Boccioni, quien más cultivó la escultura.

El futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano. Ejemplos destacados son el Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin (1912, Museo de Arte Moderno, Nueva York) y el Tren suburbano (1915, Colección Richard S. Zeisler, Nueva York), ambos de Gino Severini.