ASCENDENCIA NATURAL. La mirada hacia el árbol y las ramas. Proyecto de investigación Pictórica. Proyecto fin de carrera. José Manuel Carrasco Segura. Facultad Bellas Artes

Granada. 2014.

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En este viaje de autoconocimiento, tanto artístico como personal, que ha resultado ser este proyecto, tengo la necesidad de plasmar mi agradecimiento a muchas personas:

A las que me han prestado su tiempo, su espacio, su apoyo financiero, intelectual y

su compañía en el trayecto. Algunas de ellas ni tan siquiera saben que han sido importantes, y que están en mi lista de los favoritos; sin su apoyo, sin su ayuda y aportación, este trabajo hubiera sido posible o hubiera tenido otras formas, o seguido otras rutas.

Pero a estas personas les estaré agradecido siempre, durante toda mi vida. Como

a los viejos árboles, a mi familia y a los que nos unen las raíces profundas y los trazos que dibujan nuestras ramas.

El proyecto empezó a dominarme desde el principio y fue transformándose en el

punto de origen de una espiral, un vórtice de experiencias vitales y artísticas que se cruzaban en mi camino. Transformado en una tormenta pero humana, transformado en investigador-artista, centrando toda mi atención en tratar de comprender racionalmente lo que ya intuía y sentía, que el arte es un proceso multidireccional. Cuando estamos inmersos en un proceso, muchas veces, somos incapaces de trascender de la realidad del proceso.

“Ascendencia natural” La mirada de los árboles y las ramas, es el título de este trabajo, que presento en la asignatura de Proyecto Fin de Carrera, Facultad de Bellas Artes, Universidad de Granada. La elección de este tema ha estado determinada por mi fuerte interés en los procesos perceptivos ligados, como metáfora orgánica al árbol, como el proceso del artista y de la obra.

Cada parte del árbol forma un proceso creativo en mi vida; interés que se remonta desde el inicio de la carrera en Bellas Artes, y que me ha llevado a usar diversos tipos de procesos en el desarrollo de mi obra personal, a través de varios procedimientos y diferentes temáticas.

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La vida es una praxis, pues vivir es crear, pero la obra está en el crecimiento del que vive, del que actúa en la vida. El caso de la poiesis1 es al contrario, se trata de una creación cuya finalidad está en su resultado exterior a la acción (es el producto o la obra). El trabajo o una obra de arte es una poiesis. El sentido último de la poiesis es servir a la praxis.

Hay obras de arte en las que se unen los dos conceptos de poiesis y praxis de modo

íntimo, la obra es la vida, se hace en el que la actúa, no es un producto exterior a la acción, es la acción misma, efímera y cuyos resultados se inscriben inexorablemente en el proceso vital íntimo del artista.

Por esto procuraré que su estructura formal, metodológica y de contenidos, y sus

aportaciones estén configuradas en base a todo el proceso creativo y de investigación propia. El arte puede crear modelos de conocimiento desde lo sensible y desde una visión holística2, tanto del ser humano como de lo que llamamos realidad.

Está fundamentado en ciertos modos de pensamiento específicos del arte. Entre

estos modos de pensamiento se incluyen la intuición, la duda y la flexibilidad. Además de eso el arte es capaz de producir nuevos significados a partir de experiencias familiares conocidas, es capaz defagocitar3 y estetizar cualquier experiencia y generar un salto cualitativo en la percepción del receptor, que le sitúa a otro nivel de percepción de la realidad. Los modos de pensamiento del arte son complejos, e incluyen formas y matices que no siempre están presentes en los modos de pensamiento de otros campos. Su divulgación contribuiría a enriquecerlos.

La aplicación de las formas de pensamiento cualitativas propias del arte requieren un conocimiento previo de sus características y que la persona sea socializada en estos

οιέω

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modos de pensamiento sensibles. Es necesario conocer y comprender las formas de pensamiento artísticas y personales para establecer una conexión entre ambas.

La ascendencia natural, está compuesta de los modelos de la realidad y de la simplicidad visual, es una propuesta que hago en el sentido de esta colaboración entre arte y el artista porque su realización ha implicado una simbiosis entre mi experiencia plástica en el arte y los procesos de investigación.

Para que las aportaciones de los modos de pensamiento artísticos sean realmente significativas hace falta aclarar primero qué es lo específico en el arte ¿qué busca realmente el arte?

Algunos autores afirman que el objetivo fundamental del arte es el

enriquecimiento de la experiencia. Este enriquecimiento de la experiencia se da a través del desarrollo de la sensibilidad, de procesos de percepción cada vez más refinados y de procesos de reflexión sobre la vida y la experiencia. En estos procesos de refinamiento de la percepción se ha penetrado incluso en territorios ligados a los aspectos perceptivos sutiles del tiempo, el espacio y la materia.

Para concretar el modo en que la simbiosis entre arte y artista se puede desarrollar empezando por preguntarnos ¿Cómo conoce el arte?

El arte es un proceso multidimensional. Los artistas desarrollan su poiesis en

dimensiones físicas, emocionales, culturales, sutiles y holísticas.

Es cierto que a través de la visión recibimos la obra. Sin embargo, algunas obras de arte no cuentan únicamente con el sentido de la vista para su recepción.

Entre estas obras que no cuentan exclusivamente con la visión para su recepción

podemos considerar por ejemplo algunas obras minimalistas de Carl Andre, los laberintos de Robert Morris, las esculturas de Richard Serra y algunas instalaciones de James Turrel. Como investigador en el arte debo recorrer el mundo del arte tal como lo definen los artistas, hacer un retrato de cómo es este mundo que nos proponen los artistas, incorporando todos los territorios, incluso los más oscuros, tratar sus datos, sus hechos, las especificidades de cada una de las zonas, buscando comprender cómo se conducen los artistas en cada territorio de su realidad.

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Con eso, afirmo que el territorio sobre el que se realiza esta investigación pertenece a varias dimensiones; se trata de un mundo en el que hay territorios físicos, simbólicos y no-simbólicos, y más concretamente de sensaciones e investigación personal.

Para algunos artistas la materia puede ser lo que pertenece al mundo físico, con

todos los atributos físicos; otros artistas usan la memoria y la emoción como materias y, en este caso, su materia puede estar hecha de recuerdos, imágenes mentales o de los recuerdos materializados simbólicamente en residuos físicos de la vida; en otros casos la materia puede ser sutil, obtenida a través de extracciones o huellas del mundo espiritual, a través de procesos de meditación, intuición o inspiración.

La etnometodología4 también puede ser útil para diseñar la metodología en la

investigación artística. Esta corriente adopta la idea de que el investigador debe situarse en el punto de vista del sujeto, en este caso del artista, y tratar de conocer su percepción de la realidad, no dar por descontado este punto de vista Para Garfinkel, hay que “tratar a las propiedades […] de las acciones prácticas como ‘antropológicamente ajenas’, lo que equivale a prestar a las actividades más comunes [de la práctica artística] la misma atención que habitualmente sólo préstamos a los acontecimientos extraordinarios.

Analizar es separar. Analizar es discriminar, diferenciar y tener la capacidad de distinguir atributos y cualidades. El énfasis es un instrumento que usan los artistas.

Cuando enfatizamos un aspecto de la realidad eso no significa que desaparezcan los

demás, sino que pasan a un nivel menos importante. Imponemos una jerarquía a los distintos modos en que cualquier cosa se produce. Enfatizar es una facultad que está asociada a las capacidades de discriminar y analizar. Los artistas la emplean constantemente en sus procesos creativos. En cualquier proceso de investigación, tanto en ciencia como en arte, no pueden faltar las facultades de discriminación, énfasis y análisis sobre las demás surgen las siguientes situaciones:

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(1) énfasis en la captación: hay fidelidad por parte del artista en el registro y captación en relación con las imágenes sensoriales, mentales, transcendentales, pero no hay interés en transmitirlas en toda su complejidad a los receptores. Se produce una captación interna, un registro fiel hacia adentro.

(2) énfasis en la recepción: hay fidelidad en cuanto a las imágenes sensoriales, mentales, transcendentales, intersubjetivas pero el énfasis está en la transmisión de las mismas a los receptores, no en representarlas (ejemplo: Células perceptivas, James Turrel).

(3) énfasis en la transformación: no hay fidelidad en relación a lo percibido, su

contenido se desplaza, se transforma, se enfría (ejemplo: Celdas VII, Louise Bourgeois).

(4) énfasis en la transmisión: hay fidelidad en relación con lo percibido y la

transformación de la idea se produce a través de símbolos, signos de significados acordados socialmente. Es un proceso lingüístico que transforma la obra en un texto capaz de ser leído por un colectivo preparado.

Es interesante observar la importancia de la formación de intenciones en el arte.

La idea del artista se materializa en una forma y a través de una materia que se somete a las intenciones artísticas: “el trabajo artístico se basa en propósitos y el carácter de estos propósitos”.

El tema árbol o árboles en la pintura es universal y resulta imprescindible para mi, crear aquí una recopilación y hacer una reflexión sobre su utilización, simbologías, sentido y belleza. El tema del árbol como personaje individual. El árbol simboliza de algún modo las siguientes ideas:

Árbol como personaje. Así un árbol puede ser gigante, robusto, enclenque, pequeño, precioso, moribundo, frágil, florido, recargado, solitario, etc.

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El árbol como momento o estado: puede mostrar las estaciones del año (primavera, verano, otoño o invierno). Y puede estar torcido, tumbado, retorcido, recto, roto, dañado, invadido, etc. Estos aspectos, por supuesto, aportan significado. Son como un traje puesto en un actor.

El árbol es una especie esencial en la vida del planeta y en la naturaleza. Simboliza

con ello el crecimiento, el desarrollo, el paso del tiempo y la genealogía (el árbol genealógico).

Destacar también las partes y elementos propios de los árboles como expresivos

por si mismos: Tronco, ramas, flores, hojas, corteza, raíces y otros elementos incorporados (aves y animales, columpios, plantas, personas, etc.) Los árboles, bosques y selvas.

El grupo de árboles constituye un tema distinto y que no conviene al árbol individual. Son un grupo, y poseen una fuerza distinta. Son muy diversas las formas de utilizar este elemento, que puede formar parte del cuadro o ser por si mismos el espacio del cuadro.

Podemos encontrar árboles en muy diversos paisajes o escenas de exterior pero en

las ciudades y otros escenarios antinaturales funcionan más como el árbol individual. El bosque visto desde fuera simboliza y denota un lugar al que se entra, ya sea con

miedo, alegría, aventura, aunque mayoritariamente cuando se ve desde fuera refleja el acto de entrar. De este modo puede ser similar a “abrir puertas”, “caminos” o “perspectivas”, y genera un movimiento hacia delante. El bosque lejano suele ser muy decorativo y es un elemento que aplica belleza a la pintura. Estar dentro del bosque aporta mucho juego pictórico por la belleza del espacio y recrea la experiencia de estar en un bosque. Las selvas son bosques más salvajes y con mayor cantidad de vida y biodiversidad.

Y por último, los árboles se relacionan con la tierra, el agua y el aire. El fuego y el

árbol son igual a muerte y los inviernos helados también.

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El árbol de la vida de Klimt

Klimt quiso representar la vida con su estilo pictórico y eligió un árbol para ello. Es una pintura simbolista (con un título muy explícito sobre el tema del cuadro) y un gran decorativismo. Piet Mondria y su árbol gris Al contrario de Klimt Mondrian pintó unos árboles sin hojas, con una técnica parecida a la de Cezanne y un uso de color limitado a blanco, grises y negros. La expresión del árbol en esta pintura es más apagada, triste y vacía.

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Árboles de Caspar David Friedrich Aquí el artista utiliza los árboles para expresar: La grandeza de la naturaleza, la soledad y la muerte.

Árbol de los cuervos y Paisaje de invierno.

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El cazador en el bosque, Monumento megalítico en la nieve y Roble en la nieve.

Zsuzsanna Árboles como juego de colores.

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Emile Gruppe Otro gran pintor de árboles. Sus pinceladas forman la corteza del árbol, con una pastosidad que genera las formas de tronco y ramas.

Los árboles estimulan la imaginación: son seres vivos aparentemente inmóviles pero con un intenso proceso interno de autogeneración, regeneración y producción.

Simbolizan medios de comunicación y sirven como vehículo entre distintos mundos. La analogía entre su forma y la forma humana es fluida: un tronco central, con brazos y dedos a modo de ramas, la corteza-piel. Una antropomorfía vegetal. Gaston Bachelard 5equipara los árboles con la imaginación diciendo que la imaginación “tiene las virtudes integradoras del árbol, sus raíces y ramas. Vive entre el cielo y la tierra. Vive el árbol cosmológico, el árbol que epitomiza un universo, que hace un universo” La imagen del árbol ha sido usada en muchos campos del saber, bajo la forma de diagramas genealógicos o esquemas arbóreos: en la búsqueda de las raíces lingüísticas por la filología, los árboles de distribución de energía eléctrica, los flujos funcionales de la arquitectura, los dibujos anatómicos de los sistemas circulatorio y respiratorio humanos, los mapas mentales y las analogías con la búsqueda espiritual. Vemos árboles fractales y a gran escala. El árbol es un símbolo culturalmente muy asimilado que une la tierra con otros mundos.

En la simbología de un árbol coexisten tres mundos: el terrenal (tronco), el subterráneo (raíces) y el cósmico (ramas). El tronco del árbol representa la conexión de lo

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terrenal con el mundo superior de las ramas y con el mundo inferior de las raíces. Muchas construcciones arquitectónicas representan esta conexión vertical-horizontal cósmica, un modelo de la realidad, mapa o estructura del todo. Los celtas interpretaban el universo como un árbol inmenso, cuyas raíces estaban metidas en la tierra mientras las ramas alcanzaban el cielo: un árbol tomado como un conector cielo-tierra.

Tomo a Odin, con la capacidad de mirar simultáneamente al exterior y al interior, como el símbolo del artista y su simbiosis con la metáfora.

Un Odin de quien todos los seres humanos descendemos, a través de nuestro origen arbóreo y, en especial, del que descendemos El árbol es un mapa de la actividad psico-física creadora del artista. Todo proceso artístico tiene algo de vegetal; el artista-árbol, es un ser humano que encarna el proceso vegetal de creación artística. Paul Klee ofrece una analogía entre el proceso creativo artístico y los procesos vegetales “la savia se eleva desde las raíces hasta el artista, fluye por él y por sus ojos. Él es el tronco del árbol. Embargado y conmovido por la fuerza de la corriente dirige su visión hacia la obra. Visible por todos los lados, la copa del árbol se despliega en el espacio y en el tiempo”.

El Árbol no es sólo un modelo, es un simulacro del yo colectivo de los artistas y de cómo estar en el mundo. La imagen del árbol también sirve para integrar el conjunto de fases del proceso creativo. Todo proceso artístico es una unidad hecha de fases, de partes y pliegues y, por otra parte, se integra en un medio donde se da la presencia de varios actores y elementos: lo interno y lo externo se encuentran en la corteza.

Volviendo al árbol como metáfora orgánica, analizamos al artista trabajando, como representación de una identidad dinámica en acción. Cada parte del árbol es una fase del proceso de trabajo artístico. Podemos leer el árbol como un texto procesual para comprender los paradigmas creativos; el árbol procesual es un libro abierto desde muchas perspectivas. El árbol-artista pasa por varias etapas:

(1) la nutrición: hay una conciencia de falta que genera búsqueda de alimento, es decir, la percepción (atención + intención); (2) la digestión y transformación: en esta etapa el artista asimila la substancia de la que se nutre. Esta substancia será, en un segundo momento, transformada en su propio cuerpo, memoria e imaginario, o en su obra -flores y frutos; (3) la transmisión: estas flores y frutos serán ofrecidos al mundo externo como obras;

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(4) la recepción y la retroalimentación: los frutos –obras- serán recogidos por los demás, o caerán al suelo pudriéndose, enriqueciendo la tierra y alimentando tanto a otros árboles cercanos como al mismo artista-árbol.

El árbol y sus procesos internos simbolizan la estructura de la acción del artista durante el proceso creativo, ofreciendo un mapa que nos permite viajar por la actividad del artista desde dentro y hacia fuera, y ver cómo todas sus acciones están entretejidas y conectadas.

Objetivos generales. 1. Introducción a la naturaleza del conocimiento científico y a las generalidades de su método. 2. Conocer las herramientas básicas para la búsqueda y procesamiento de información documental. 3. Conocer las herramientas básicas de definición, diseño y elaboración del marco conceptual de un trabajo de investigación pictórica.

Objetivos específicos. El primer objetivo de este proyecto consiste en profundizar en la relación entre la metáfora natural, el árbol y sus respectivas partes con la imagen y proceso creativo del se ofrece un retrato especializado en las obras realizadas con tal fin para este proyecto. El segundo objetivo es conjugar todas las competencias adquiridas a lo largo del desarrollo de la licenciatura y la aplicación de los conocimientos teóricos, metodológicos y de técnicas adquiridas a lo largo de la formación y en el que se desarrollen las habilidades propias de este perfil de estudio El tercer objetivo Establecer las pautas, conceptuales y técnicas, sobre los que se asientan los procesos de creación pictórica que permitan entender mejor las fases de realización de

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este proyecto, la influencia que pueda ejercer sobre ella la materia pictórica, desde una propuesta figurativa

El cuarto objetivo La adecuación de los medios técnicos y materiales, así como la profundización en los métodos procesuales planteados, van a permitir el desarrollo de un lenguaje particularizado apropiado en cada caso

Cuando daba los primeros pasos de este proyecto partía de mi experiencia

personal práctica y de ideas un tanto borrosas sobre cuál era el núcleo del tema y el verdadero problema que estaba investigando. Sin embargo, fue justamente por encontrarme en esta situación, en que tenía que construir tanto el objeto como los métodos desde el inicio que todo el proceso resultó ser inmensamente estimulante.

En el proceso de construcción de este modelo empecé por dejar que los conceptos se fuesen depositando, sedimentando, creando sus propios vínculos de apoyo y relación con otros conceptos, sin obligarlos a situaciones rígidas o petrificadas.

Empezaron a formarse nudos conceptuales diferenciados, unos más robustos que

otros, con más vínculos, con más amplitud y alcance. Nudos que han surgido de mi atracción por dibujos, fotografías, grabados, pinturas y por las prácticas y glosas de los artistas, en fin por todas sus manifestaciones, cualquiera que sea su forma.

En cada obra realizada se observara la evolución mental, física, tras el proceso

pictórico y como anteriormente he expresado en la metáfora natural en simbiosis con el artista, evolucionando a cada paso del árbol.

Se determina tras los periodos de documentación propia y del proyecto que las obras estarán realizadas en un soporte de bastidor entablado y mediante la técnica pictórica determinada, Oleo y veladuras.

Son retratos humanizados de árboles concretos, con nombres y apellidos, con

una edad determinada y que, han participado de un proceso, el inicio, el nacimiento y su posterior transformación, evolución y transformación para un fin determinado. Las obras realizadas son partes y restos de árboles, reutilizados y alterados en su curso natural que a su vez es un piar consistente de observación.

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Para abarcar la materia de sujeto, parte central siempre de la obra, se refuerza con la negación de la profundidad al decidir por fondos planos. Así se elimina una profundidad dada por los efectos perspectivos del realismo clásico. A cambio la obra posee una visión más moderna con el efecto fondo-figura y la continuidad dentro del soporte y el marco.

La imagen sigue siendo un reflejo de lo real tanto de la naturaleza como su

simbiosis con el artista en el campo figurativo y captando la esencia de lo real a través de lo visible.

La elaboración de un número determinado de obras hace forzado el proceso creativo por ello la cantidad de obras total de este proyecto de investigación estará basado en la necesidad de cada obra para llevar a cabo el tema del proyecto, la metáfora natural del árbol en relación del proceso creativo e investigador.

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Colón

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Noviembre2013

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3 Horario de Verano Termina

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Día de los

Veteranos

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Hanukkah

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Gracias

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Nochebuena

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Navidad

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Kwanzaa

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Fiesta de

Año Nuevo

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Enero 2014

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Año nuevo

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Día de los Reyes magos

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Día de Martin Luther

King, Jr.

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Año Nuevo Chino

Febrero 2014

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2 El Día de la Marmota

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12 Cumpleaños

de Lincoln

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Día de

San

Valentín

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17 El Día de los Presidentes

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Día de la

Bandera

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Marzo 2014

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4 Mardi Gras

5 Miércoles de ceniza

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9 Comienza Horario de Verano

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Día de San

Patricio

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20 Comienza la Primavera

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Abril 2014

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Domingo de Ramos

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Pascua de los judíos

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Viernes

Santo

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20 Domingo de

Pascua

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Día de la Tierra

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Mayo 2014

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Primero

de Mayo

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Cinco de Mayo

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Día de la Madre

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17 Día de las

Fuerzas

Armadas

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Día de Victoria

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Día de

los

Caídos

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Junio 2014

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Día del Padre

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1º Periodo: Mes Octubre y Noviembre: Estudio, búsqueda de

inquietudes, lluvia de ideas.

Presentación al tutor.

Realización de trabajos exteriores al proyecto.

Definir el proyecto, una idea con materia firme.

2º Periodo: Mes de Diciembre y Enero: Documentación previa,

antecedentes, documentación gráfica y fotográfica.

Búsqueda de antecedentes artísticos relacionados con el tema planteado.

Documentación fotográfica.

Definir formato, estilo y metodología del proyecto.

3º Periodo: Mes de Febrero: Realización de un primer

acercamiento en la práctica pictórica.

Realización de bocetos previos en la técnica y proceso anteriormente definido.

Continúo trabajo de documentación fotográfica.

4º Periodo: Meses de Marzo, Abril y Mayo: Realización de los

trabajos pictóricos.

Realización semanal de una obra pictórica en relación al tema.

Presentación continúa de trabajos al tutor en periodos de dos semanas.

Proceso de creación de la memoria.

5º Periodo: Mes de Junio: Últimos retoque para afrontar la

presentación final de PFC.

Terminación de la última obra.

Terminación de la memoria gráfica y documental.

*Día 11 de Junio: Entrega final del trabajo realizado a lo largo del periodo docente.

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A partir de la observación de las obras, de la lectura sobre los procesos creativos,

de sus declaraciones verbales escritas, de interpretaciones de otros pensadores y de la intuición, he ido dando forma este proyecto, Ascendencia Natural, como modelo de comprensión del arte y del yo artístico.

Desde la perspectiva constructivista6 el lenguaje genera la noción de objetividad.

Somos observadores capaces de observar, el lenguaje es el medio donde nosotros vivimos inmersos.

A través de nuestra consciencia construimos el significado de una realidad a la que accedemos a través de los sentidos externos e internos. Desde nuestra capacidad de percibir nombramos las cosas, teorizando sobre lo percibido. Pensar que los objetos existen al margen del observador es un sesgo de interpretación. De nuestra necesidad de dar nombre a las cosas surge el lenguaje pero, desde el primer momento de la concepción del nombre que da a las cosas este nombre, está influido por la percepción de este mismo objeto.

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- GOMBRICH, E. H. (2002) La imagen y el ojo. Nuevos estudios de la psicología de la representación pictórica, Madrid, Debate.

ASCENDENCIA NATURAL. La mirada hacia el árbol y las ramas. Proyecto de investigación Pictórica. Proyecto fin de carrera. José Manuel Carrasco Segura. Facultad Bellas Artes

Granada. 2014.

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