Stanley Kubrick es una exposición del Deutsches Filmmuseum Frankfurt am Main, Christiane Kubrick, Jan Harlan y The Stanley Kubrick Archive de la University of the Arts London, con el apoyo de Warner Bros. Entertainment Inc., Sony-Columbia Pictures Industries Inc., Metro

Goldwyn Mayer Studios Inc., Universal Studios Inc. y SK Film Archives LLC.

Contenido

Presentación ............................................................................................................................. 3

Introducción ............................................................................................................................. 4

Biografía .................................................................................................................................... 5

Filmografía ............................................................................................................................... 6

Marco Teórico ......................................................................................................................... 10

El cine como expresión artística ........................................................................................ 10

Ejes temáticos ......................................................................................................................... 12

Influencias: música, arte y literatura ................................................................................. 12

Efectos especiales en el séptimo arte ............................................................................... 17

Objetos, signos y metáforas ............................................................................................... 19

Anexos ..................................................................................................................................... 22

Cronología de Stanley Kubrick ........................................................................................... 22

Presentación

El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO) presenta la exposición Stanley Kubrick, la cual gira en torno a este icono de la historia del cine internacional. La muestra está organizada por el Deutsches Filmmuseum Frankfurt en colaboración con Christiane Kubrick y Jan Harlan del Stanley Kubrick Estate.

La exhibición refleja la extraordinaria visión y meticulosa forma de trabajar del prestigioso director, a la vez que, expone la amplia red de influencias y condiciones que se conjuntaron para que sus películas se convirtieran en obras maestras modernas.

Stanley Kubrick (1928-1999) es uno de los cineastas con mayor influencia en el séptimo arte, fue pionero en efectos especiales y avances tecnológicos en cámaras de cine; conocido por su enfoque analítico en varios géneros; y famoso por sus narraciones estructuradas en la que utilizaba largas secuencias y música orquestal. Con cinco nominaciones de los Premios de la Academia, ganó el Oscar por Mejores Efectos Visuales gracias a 2001: Odisea del espacio (2001: A Space Odyssey) en 1969.

La filmografía es presentada a través de una reflexiva selección de material que incluye guiones con anotaciones, fotografías, vestuario, cámaras, equipo de video, escenarios, material original de promoción y accesorios.

Así se compone una muestra interdisciplinaria que permite a los visitantes experimentar la aventura cinematográfica y creativa de Kubrick, al mismo tiempo que se exploran los paralelismos entre el cine y el arte.

Nombre de la exposición: Stanley Kubrick

Organizador: Deutsches Filmmuseum Frankfurt am Main. En colaboración con Christiane Kubrick y Jan Harlan, Stanley Kubrick Estate.

Curaduría: Deutsches Filmmuseum Frankfurt

Museografía: MARCO

Localización: Salas a 1 a 4

Duración: Del 6 de marzo al 26 de julio de 2015

Técnicas: Fotografías, mobiliario, vestuario, escenografía,

audio, películas, herramientas de filmación, etc.

Número de obras: Más de 1000 objetos

Introducción

Stanley Kubrick produjo algunas de las imágenes cinematográficas más evocadoras e

indelebles de la historia del cine. Sus películas abordan una amplia variedad de temas y de

preguntas sobre la vida, la conducta y las emociones humanas. Ante la indudable genialidad de

este creador nace la exposición homónima Stanley Kubrick.

Con más de 53.000 visitantes en Frankfurt, más de 78.000 visitantes en Berlín y más de 30.000

visitantes en Melbourne y en Gent, esta exposición se ha convertido en uno de los proyectos

más exitosos de la Deutsches Filmmuseum.

La exposición fue concebida como un proyecto internacional destinado a los visitantes

interesados en el cine y el arte. Los grupos a los que está dirigida son los seguidores del

director, expertos en cine, pero también para el público general por lo llamativo de la

museografía. El concepto de la exhibición fue desarrollada en 2003 en conjunto con Deutsches

Architektur Museum y con la estrecha cooperación de Christiane Kubrick y Jan Harlan.

En las primeras etapas de planificación del proyecto recibió una gran atención del público. El

titular más importante de los derechos de autor de las películas de Stanley Kubrick, Warner

Bros., se unió al proyecto. Artistas, como los diseñadores de producción Sir Ken Adam y Jan

Schlubach, la diseñadora de vestuario Barbara Baum, el actor Malcolm McDowell y director

Edgar Reitz estuvieron involucrados en la planificación también. El proyecto cuenta con el

sustento de colegas directores como Sydney Pollack y Steven Spielberg, escritores como Sir

Arthur C. Clarke, así como de los actores que trabajaron con Kubrick (Tom Cruise, Nicole

Kidman y Matthew Modine). De esta forma, podrás disfrutar de una exposición que refleja el

medio siglo de carrera de este gran artista.

Biografía

Kubrick nació en la ciudad de Nueva York el 26 de julio de 1928. Con tan sólo 16 años, de

camino a la escuela, Kubrick fotografío a un vendedor de periódico el día después de la muerte

del presidente Franklin D. Roosevelt y envío la fotografía a la revista Look. La revista publicó la

foto y lo contrató como fotógrafo independiente.

Después de hacer un foto reportaje sobre el boxeo para Look, Kubrick usó sus ahorros para

hacer un documental de dieciséis minutos titulado Día de la pelea (Day of the Fight), 1950-51.

Posteriormente, y luego de hacer dos documentales más, Flying Padre, 1950-51, y Los

Navegantes (The Seafarers), 1953, Kubrick persuadió a miembros de su familia de que

invirtieran dineron para financiar un filme sobre una guerra ficticia titulado Miedo y deseo (Fear

and Desire), 1951-1953. Logró que el filme llegara a ser exhibido en algunos cines de arte en

Nueva York, y rápidamente empezó a forjarse un nombre por sí mismo.

Desde entonces, siguió con filmes como Paths of Glory, Spartacus, Lolita, Dr. Strangelove or:

How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb, 2001: A Space Odyssey, A Clockwork

Orange, Barry Lyndon, The Shining, Full Metal Jacket y Eyes Wide Shut.

Así, se convirtió en un pionero en efectos especiales y avances tecnológicos en cámaras de cine;

conocido por su enfoque analítico en varios géneros; y famoso por sus narraciones

estructuradas en la que utilizaba largas secuencias y música orquestal.

Con trece nominaciones de los Premios de la Academia, ganó el Oscar por Mejores Efectos por

2001: A Space Odyssey en 1969. Kubrick murió en Harpenden, Inglaterra, el 7 de marzo de

1999, a la edad de setenta años.

Filmografía Día de la pelea (Day of the Fight) | Estados Unidos, 1950-1951 Dirección y producción: Stanley Kubrick. Guión: Robert Rein, Stanley Kubrick. Dirección de fotografía: Stanley Kubrick, Alexander Singer. Edición: Julian Bergman, Stanley Kubrick. Reparto: Walter Cartier, Vincent Cartier. Flying Padre | Estados Unidos, 1950-1951 Dirección, guión, dirección de fotografía y producción: Stanley Kubrick. Edición: Isaac Kleinerman. Reparto: Reverendo Fred Stadtmueller. Mr. Lincoln | Estados Unidos, 1952; TV Dirección: Norman Lloyd. Dirección de la segunda unidad: Stanley Kubrick. Guión: James Agee. Dirección de fotografía: Marcel Rebière. Compañía productora: Vavin Inc. para CBS Producción: Richard De Rochemont. Reparto: Otis Reed Jr., Marian Seldes, Crahan Denton. Los navegantes (The Seafarers) | Estados Unidos, 1953 Dirección, dirección de fotografía y edición: Stanley Kubrick. Guión: Will Chasan. Compañía productora: Lester Cooper Productions. Producción: Lester Cooper. Reparto: Miembros del gremio de marinos. Miedo y deseo (Fear and Desire) | Estados Unidos, 1951-1953 Dirección, dirección de fotografía y edición: Stanley Kubrick. Guión: Stanley Kubrick, Howard O. Sackler. Compañía productora: Stanley Kubrick Productions. Producción: Stanley Kubrick, Martin Perveler. Reparto: Frank Silvera, Kenneth Harp, Paul Mazursky.

El beso del asesino (Killer´s Kiss) | Estados Unidos, 1955 Dirección, dirección de fotografía y edición: Stanley Kubrick. Guión: Stanley Kubrick, Howard O. Sackler. Compañía productora: Minotaur Productions. Producción: Morris Bousel, Stanley Kubrick. Reparto: Frank Silvera, Jamie Smith, Irene Kane. Casta de malditos (The Killing) | Estados Unidos, 1955-1956 Dirección: Stanley Kubrick. Guión: Stanley Kubrick, Jim Thompson. Dirección de fotografía: Lucien Ballard. Edición: Betty Steinberg. Compañía productora: Harris-Kubrick Pictures. Producción: James B. Harris. Reparto: Sterling Hayden, Vince Edwards, Marie Windsor, Elisha Cook. La patrulla infernal (Paths of Glory) | Estados Unidos, 1957 Dirección: Stanley Kubrick. Guión: Stanley Kubrick, Calder Willingham, Jim Thompson. Dirección de fotografía: Georg Krause. Edición: Eva Kroll. Compañías productoras: Harris-Kubrick Pictures, Bryna Productions. Producción: James B. Harris. Reparto: Kirk Douglas, Ralph Meeker, Adolphe Menjou, George Macready. Espartaco (Spartacus) | Estados Unidos, 1959-1960 Dirección: Stanley Kubrick (Los ocho primeros días de filmación: Anthony Mann). Guión: Dalton Trumbo. Dirección de fotografía: Russell Metty, Clifford Stine. Edición: Robert Lawrence, Robert Schultz, Fred Chulack. Compañía productora: Bryna Productions. Producción: Edward Lewis, Kirk Douglas. Reparto: Kirk Douglas, Laurence Olivier, Jean Simmons, Charles Laughton, Peter Ustinov, John Gavin, Tony Curtis. Lolita | Reino Unido / Estados Unidos, 1960-1962 Dirección: Stanley Kubrick. Guión: Vladimir Nabokov, Stanley Kubrick. Dirección de fotografía: Oswald Morris. Edición: Anthony Harvey. Compañía productora: Seven Arts Productions, Allied Artists, Transworld Pictures.

Producción: James B. Harris. Reparto: James Mason, Sue Lyon, Shelley Winters. Dr. Insólito o: Cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba (Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb) | Reino Unido / Estados Unidos, 1963-1964 Dirección: Stanley Kubrick. Guión: Stanley Kubrick, Terry Southern, Peter George. Dirección de fotografía: Gilbert Taylor. Edición: Anthony Harvey. Compañía productora: Hawk Films. Producción: Stanley Kubrick, Victor Lyndon, Leon Minoff (productor ejecutivo). Reparto: Peter Sellers, George C. Scott, Sterling Hayden. 2001: Odisea del espacio (2001: A Space Odyssey) | Reino Unido / Estados Unidos, 1965-1968 Dirección: Stanley Kubrick. Guión: Stanley Kubrick, Arthur C. Clarke. Dirección de fotografía: Geoffrey Unsworth, John Alcott. Edición: Ray Lovejoy. Compañía productora: Stanley Kubrick Productions. Producción: Stanley Kubrick, Victor Lyndon. Reparto: Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester, Daniel Richter. La naranja mecánica (A Clockwork Orange) | Reino Unido / Estados Unidos, 1970-1971 Dirección y guión: Stanley Kubrick. Dirección de fotografía: John Alcott. Edición: Bill Butler. Compañías productoras: Polaris Productions, Hawk Films. Producción: Stanley Kubrick. Reparto: Malcolm McDowell, Patrick Magee, Michael Bates. Barry Lyndon | Reino Unido / Estados Unidos, 1973-1975 Dirección y guión: Stanley Kubrick. Dirección de fotografía: John Alcott. Edición: Tony Lawson. Compañías productoras: Peregrine Films, Hawk Films. Producción: Stanley Kubrick, Bernard Williams. Reparto: Ryan O‘Neal, Marisa Berenson, Patrick Magee, Hardy Krüger.

El resplandor (The Shining) | Reino Unido / Estados Unidos, -1980 Dirección: Stanley Kubrick. Guión: Stanley Kubrick, Diane Johnson. Dirección de fotografía: John Alcott, Garrett Brown (Steadicam). Edición: Ray Lovejoy. Compañías productoras: Peregrine Films, Warner Bros., Hawk Films. Producción: Stanley Kubrick, Jan Harlan (productor ejecutivo). Reparto: Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd. Cara de guerra (Full Metal Jacket) | Reino Unido / Estados Unidos, 1985-1987 Dirección: Stanley Kubrick. Guión: Stanley Kubrick, Michael Herr, Gustav Hasford. Dirección de fotografía: Douglas Milsome. Edición: Martin Hunter. Compañía productora: Warner Bros. Producción: Stanley Kubrick, Philipp Hobbs (coproductor), Jan Harlan (productor ejecutivo). Reparto: Matthew Modine, Adam Baldwin, Vincent D‘Onofrio. Ojos bien cerrados (Eyes Wide Shut) | Reino Unido / Estados Unidos, 1996-1999 Dirección: Stanley Kubrick. Guión: Stanley Kubrick, Frederic Raphael. Fotografía: Larry Smith, Patrick Turley. Edición: Nigel Galt. Compañías productoras: Warner Bros., Hobby Films, Pole Star. Producción: Stanley Kubrick. Reparto: Tom Cruise, Nicole Kidman, Sydney Pollack.

Marco Teórico

El cine como expresión artística

Además del criterio propio que podamos tener sobre la belleza y el estudio del arte, es

indudable que la base del cine como expresión artística es que cuenta con un lenguaje propio,

con signos y códigos particulares.

Bernard Dick afirma: “El lenguaje del cine se basa en la imagen fílmica, tomada en planos que a

su vez conforman escenas; el conjunto de estas escenas es una secuencia, la cual construye un

conjunto de ficciones visuales, y desde 1930, sonoras”. 1

Con Mélies como antecedente, el cine de ficción comenzó a usar el espacio, el tiempo y un

elemento más: el movimiento. Así el cine será un arte creador de su espacio y tiempo. Con la

cámara, las restricciones espaciales del teatro, o de los primeros filmes mudos, desaparecen. El

espacio fílmico va a tener las tres dimensiones: dos, que podemos llamar objetivas, paralelas al

plano de la pantalla; y una tercera, distinta, que estará motivada por el movimiento. De esta

forma, el tiempo en el cine, se alarga, se comprime, o se adecua al tiempo físico. Este

movimiento se convertirá en la esencia del cine otorgándole dinamismo.

Otro elemento importante es el montaje, el cual, según Karel Reisz, es la base última y

definitiva del lenguaje cinematográfico: “El proceso del montaje implica la selección, medida y

orden de unos planos dados para constituir una continuidad cinematográfica... es una

yuxtaposición visual expresiva. El desarrollo de la expresividad del cine fue consecuencia del

desarrollo de la técnica del montaje”. 2

Así, a través de estos códigos fílmicos el cine ha logrado tener un lenguaje propio, que lo eleva

a nivel artístico:

Las artes fundamentales son dos: la arquitectura y la música, o el arte inmóvil y el

arte móvil por excelencia. La pintura y la escultura son complementos de la 1 Dick, Bernard. Anatomía del film. México: Norma, 1981. Pp. 24-29. 2 Reisz, Karel. Técnica del montaje cinematográfico. Buenos Aires: Taurus, 1989. Pág. 15.

primera; la poesía, el esfuerzo de la palabra por acercarse a la música; y la danza,

el esfuerzo del cuerpo humano por lograr el movimiento. ... El cine reúne todas

estas artes al convertirse en el arte plástico en movimiento, que pertenece al

mismo tiempo a las artes móviles y a las inmóviles. En efecto, el cine engloba las

artes del espacio (pintura, escultura), las artes del tiempo (poesía, música), y las

del espacio y tiempo (teatro, danza). ... Es en consecuencia un arte mixto cuyo

lenguaje parte de diferentes lenguajes artísticos y llega incluso a superarlos en una

formidable síntesis.3

Por lo tanto, entendemos que el cine sintetiza todas las artes. Más que ninguna otra las utiliza,

trasvasa y recrea, necesita de ellas, las mejora y las difunde. Además, el cine conduce a la

tecnología hacia el arte, reproduce la luz y el color y eleva el movimiento y el ritmo a las alturas

de las artes llamadas nobles, para generar la fantasía, la ficción y la realidad.

3 Bordwell, David y Kristin Thomson. El arte cinematográfico. Barcelona: Paidós, 1995. Pp. 6-8.

Ejes temáticos

Influencias: música, arte y literatura

Música

Desde que fue posible la ejecución del sonido en el cine se produjo una revolución sensorial que

cambiaría para siempre la práctica cinematográfica. Desde ese momento y hasta ahora, el

sonido en el cine se ha convertido en parte fundamental para vivir una profunda experiencia

artística.

En general, el sonido en el cine está formado por la palabra, la música, el ruido y el silencio.

Cada uno es un sector auditivo, que complementa la imagen. Stanley Kubrick entendía

perfectamente esto y él marcó, sin duda alguna, la forma en que los sonidos interactúan, se

complementan y unifican con las imágenes.

Como ejemplo podemos tomar la música utilizada en El resplandor. Comenzando por Béla

Bartók (Nagyszentmiklós, Imperio Austrohúngaro -actualmente Sânnicolau Mare, Rumanía-, 25

de marzo de 1881 - Nueva York, 26 de septiembre de 1945), uno de los grandes clásicos del siglo

XX, de su Música para cuerdas, percusión y celesta escuchamos el tercer movimiento, "Adagio",

cuando Wendy y Danny corren por el laberinto, cuando Danny pasa por primera vez frente a la

habitación 237 y no puede abrirla, o cuando abre la puerta para entrar en su habitación, donde

está su padre, a buscar su coche de bomberos. Así, parece como si esta música acompañara el

concepto de un secreto escondido.

Por otra parte, escuchamos a György Sándor Ligeti (Dicsőszentmárton, Rumania, 28 de mayo

de 1923 - Viena, 12 de junio de 2006) y su “Lontano” (es español: lejano), uando Kubrick busca

ilustrar la comunicación "lejana", como su nombre indica, y por ello suena cuando en la

presentación del hotel, Halloran se comunica con Danny mediante el "resplandor"; también

cuando Danny tiene por primera vez, desde su casa, la visión de las gemelas; también cuando

Wendy descubre que las líneas telefónicas están cortadas por la nieve y, porlo cual, no puede

haber comunicación regular con el mundo exterior.

Asimismo, destaca de la música de El resplandor la obra Krzysztof Penderecki (Debica, 1933).

De él escuchamos “El despertar de Jacob” (de 1974) en momentos como la primera vez que

Danny habla con el espíritu Tony, cuando Jack despierta de su pesadilla, lo cual resulta muy ad

hoc al título, y cuando el propio Jack entra en la habitación 237 para encontrarse con la bañista

desnuda. De esta forma, la música parece acompañar a las escenas que supongan alguna

iniciación en lo desconocido.

De este mismo compositor, Penderecki, se utiliza “Utrenja”, pieza que originalmente describe el

entierro y resurrección de Cristo. En El Resplandor suenan dos fragmentos, el titulado

“Ewangelia” en los momentos más "fuertes" o violentos del filme, por ejemplo, cuando Wendy

le da a Jack con el bate, el hachazo de Jack a Halloran, cuando Wendy se despierta gritando al

ver la palabra “Redrum” en la puerta, o cuando ella ve el cadáver de Halloran. Otro fragmento

utilizado es “Kanon Paschy”, que suele usarse conjuntamente con el anterior. Éste lo

escuchamos en la persecución de Danny por Jack a través del seto, e igualmente, cuando

Wendy tiene la visión del ascensor lleno de sangre.

Pero la música de Penderecki no para ahí. En El Resplandor se utilizan, además, las dos

composiciones que llevan el título de “De Natura Sonoris”, la primera de 1966 y la segunda de

1971. La primera se escucha en algunos momentos que implican descubrimiento, por ejemplo,

cuando Danny, montado en su triciclo, dobla una esquina y ve a las dos gemelas; la ocasión que

Wendy descubre que el coche oruga de que disponían en el hotel ha sido inutilizado por Jack; y,

finalmente, en la imagen final de Jack congelado. Por otra parte, la segunda la oímos cuando

Danny está escribiendo “Redrum” con el lápiz de labios, cuando Halloran viaja en el coche

oruga rumbo al hotel, y cuando Danny se reúne finalmente con su madre. Por último, la

compleja relación entre Jack y Wendy parece remarcada por la pieza “Polymorphia”, la cual

suena cuando ella descubre que el libro de Jack consta de una sola frase; cuando lo arrastra,

inconsciente, hasta encerrarle enla bodega de la despensa; y cuando él le habla desde ahí para

decirle que se va a llevar una sorpresa cuando compruebe el estado del coche oruga y del

radioteléfono.

Así, tomando como ejemplo la película El resplandor, nos damos cuenta de la influencia que

tiene la música en las producciones de Kubrick, y, lo más relevante, es que la elección de las

piezas musicales no es azarosa, sino que el director traslada su obsesión por el detalle hasta

este rubro y personalmente elige la banda sonora.

Arte

La exposición sitúa el trabajo de Kubrick en un contexto cultural al revelar referencias entre sus

películas y obras históricas de diseño contemporáneo y arte. El resplandor es un ejemplo de

ello. En este filme existe un paralelo de la representación en la película del desajuste físico y

mental de Jack Torrance se puede encontrar en la famosa litografía de Francisco de Goya The

Dream of Reason Produces Monsters (El sueño de la razón engendra monstruos). La

yuxtaposición de estas imágenes deja espacio para la interpretación del espectador de la

conocida escena.

Por otra parte, un ejemplo más con claras referencias pictóricas es Barry Lyndon. En éste filme,

además de la muy famosa iluminación de interiores lograda con velas y luz natural, puede

comprobarse la presencia abrumadora de la pintura inglesa del siglo XVIII. Aquí vemos las

técnicas de puesta en escena llevadas a un extremo realista, tanto que algunos expertos han

denominado a Barry Lyndon, por su apariencia externa, una galería de arte animada.

Para lograr los cánones de la pintura neoclásica, simetría, orden y belleza, Kubrick y Alcott

utilizaron las pinturas de Reynolds para paisajes y uniformes, los retratos de Gainsborough y

Lawrence para la caracterización de los personajes, con hincapié en los femeninos; las pinturas

de Hogarth, para las escenas de interior de la última parte de la película, los paisajes de

Constable para los múltiples exteriores, Watteau, por la utilización de la luz y la oscuridad;

Stubbs, por el vestuario de caza; los ambientes, mobiliarios y vestuarios de Chodowiecki, pintor

y grabador polaco, algunos interiores de Zoffany, Hogarth para secuencias cortesanas de la

parte final de la película, y muchos otros. Para la iluminación de los planos interiores se basó en

los cuadros de Wright de Derby, apasionado de los efectos luminosos, y de los maestros

holandeses: Jan Vermeer para la luz y Rembrandt para el claroscuro.

La película intenta plasmar la sociedad inglesa del siglo XVIII, por ello utiliza la pintura, que es

la representación que durante el propio siglo XVIII, la sociedad inglesa hizo de sí misma, de la

misma forma que William Makepeace Thackeray (Calcuta, India, 1811 - Londres, 1863) lo hizo en

el libro que sirve de base al film.

Para inspirar con mayor verosimilitud el uso de obras pictóricas anacrónicas, utilizó la luz

natural, de los grandes ventanales, o mediante velas, para un mayor reflejo de la realidad

(quizás el aspecto más destacable y novedoso de todo el film), incorporó el zoom, muy

rechazado generalmente por los cineastas, como medio de dar una impresión de pintura de las

escenas, y se basó para crear ambientes, mobiliario, maquillajes, decorados y vestuario en las

pinturas de la época. La música utilizada es de maestros del siglo XVII.

Asimismo, Kubrick se interesó por la arquitectura y el diseño. Para la preparación de cada una

de sus películas de Stanley Kubrick llevaba a cabo una investigación profunda sobre el diseño,

la arquitectura, la decoración y la estética que son típicos del período histórico en el que se

sitúa la historia. Como base para la película A Clockwork Orange [Naranja mecánica], por

ejemplo, el director de cine revisó los volúmenes de revistas de arquitectura y diseño. En 2001:

A Space Odyssey [2001: Odisea del espacio] objetos de los diseñadores más conocidos de finales

los sesenta se incorporan ampliamente (sillas Djinn por Olivier Mourgue, reloj por Hamilton,

cubiertos por Arne Jacobsen).

Literatura

Stanley Kubrick fue un ávido lector. De hecho ninguna de las historias que cuentan sus películas

fue creada por él. Tan solo actuó como coguionista en la adaptación de las novelas que llevó a

la pantalla. En “La naranja mecánica” (A Clockwork Orange 1971) se basó en la novela

homónima de Anthony Burguess, lo mismo sucedió con “Senderos de Gloria” de Humphrey

Cobb; “Espartaco” de Howard Fast; “El resplandor” (The Shining, 1980) de Stephen King;

“Lolita” (1962) de Vladimir Nabokov. En “Atraco perfecto” (The Killing, 1956) se basó en la

novela de Lionel White; en “¿Teléfono rojo?, Volamos hacia Moscú” (Dr. Strangelove or: How I

Learned to Stop Worrying and Love the Bomb, 1964) tomó la novela Alerta Roja de Meter

George. Para rodar “Barry Lyndon” se basó en Las Memorias… de William M. Thackeray; en

“Cara de guerra” (Full Metal Jacket, 1987) fue The short-timers de Gustav Hasford y en “Ojos

bien cerrados” (Eyes wide shut, 2004) se basó en Traumnovelle de Arthur Schnitzler. Su obra

máxima “2001: Odisea del espacio” provino de una novela de Arthur C. Clack, figura máxima de

la literatura de ciencia ficción.

Efectos especiales en el séptimo arte

Los efectos especiales, empleados para reconstruir todas aquellas situaciones que escapan de

las posibilidades de la representación convencional, han adquirido un protagonismo cada vez

mayor en el séptimo arte. El campo abarcado por este tipo de técnicas es muy amplio. Incluye

desde la detonación de las pistolas hasta el vuelo de los aviones que participan en combates

aéreos, desde las catástrofes naturales a las criaturas imaginarias de la ciencia-ficción.

Para Stanley Kubrick los efectos especiales eran esenciales para sus filmes, y, aunque en un

inicio sus películas recibieron críticas polarizadas, siempre destacó por sus efectos visuales,

tanto que sus avanzados efectos especiales lo hicieron acreedor de un premio Óscar en dicha

categoría.

Según Michel Ciment, Kubrick ha estudiado los problemas del arte y de la técnica más que

ningún otro cineasta contemporáneo. Próximo en esto a los pioneros (Griffith, Murnau), con un

ardor comparable al suyo, comprendió que la intensificación del realismo en la pantalla estaba

ligado al desarrollo de los artificios técnicos. Sus investigaciones sobre transparencias,

maquetas y otros efectos especiales para 2001: Odisea del espacio, sobre la grabación de

sonido directo por medio de micrófonos ligeros para La naranja mecánica, sobre la iluminación

para Barry Lyndon, todos estos avances tecnológicos tiene como objetivo acentuar la impresión

de la realidad. Se acercan a las exigencias de Griffith con relación a Bitzer para mejorar la

iluminación o a las de Murnau pidiendo a Karl Freund una cámara móvil. Tiene un cuidado

meticuloso con los decorados, con el vestuario (reconstrucción fiel del interior de un B 52,

coste: 100.000 dólares para ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú, colaboración de la NASA en

2001: Odisea del espacio, trabajo de investigación sobre el arte del siglo XVIII para Barry

Lyndon), participa del mismo deseo de autenticidad. Pero nos engañamos si pensamos que

Kubrick pretende lograr con ello un naturalismo superficial. Cercano en esto a Hegel, una vez

más, Kubrick da la vuelta a lo real para reaccionar contra lo arbitrario y lo convencional. Es en

este sentido en el que hay que comprender su deseo de conocer y de reproducir en sus más

ínfimos matices las formas y las figuras de la realidad. Siendo inseparable de la expresión

sensible de la idea. «La expresión de espiritualidad debe dominar el todo. Es lo que el

naturalismo es incapaz de hacer y en ello manifiesta su impotencia. La naturaleza, la realidad,

son fuentes en las que el arte no puede dispensarse de beber. El ideal tampoco. Pues el ideal no

es algo nebuloso, general, abstracto […] El arte ocupa el centro entre lo sensible puro y el

pensamiento puro» (Hegel, Estética.) El arte de Kubrick es a la vez conceptual y concreto. Parte

de una idea, pasa por lo finito y lo particular para encontrar, a fin de cuentas, lo universal y lo

abstracto. De ahí el impacto de sus películas cuya presencia física implacable, la materialidad,

está sustentada por un pensamiento riguroso.

Objetos, signos y metáforas

Para Kubrick los objetos son esenciales para construir mensajes y escenificar relaciones

simbólicas entre estos y sus personajes. A través de los objetos Kubrick busca generar signos y

metáforas que eleven el sentido de sus filmes y lleven al espectador a reflexionar sobre lo que

les está siendo presentado.

Los objetos kubrickianos son el resultado de los reflejos de una pasión por la perfección, de un

gusto desmesurado por la técnica de la adaptación, de una fascinación por los diagramas y

cifras, los flujos de los espacios planteados y las estadísticas, donde los objetos tienen la misión

de ser parte del control y el poder que les imprime Kubrick a todas sus producciones.

Por medio de los objetos lograba escenificar una época, reproducir un ambiente social y crear

relaciones con los personajes y el espacio. De esta manera, los objetos en la producción de

Kubrick tienen un doble efecto, el primero es construir símbolos y metáforas a través de ellos, y

el segundo, provocar la catarsis en el espectador.

En “El engaño en la mirada: del objeto al cine” de Juan Pablo Arenas Vargas se revisa

ampliamente la importancia de los objetos en los filmes de Kubrick:

Kubrick frecuentemente en sus producciones imprimía a los objetos de un aro de

magnetismo y simbolismo llamado concordancia de lo discordante, que es la que

procura trabajar en el significado total de la película. Al mismo tiempo utiliza

determinados objetos en la pantalla que hacen de esta, una connotación metafórica

“porque reflejan los cambio producidos en la mentalidad del protagonista” (Esteve

Riambau 164) que Kubrick suele utilizar cuando injerta fragmentos de teatro en sus

cintas con el afán de enfatizar este doble connotación. Como ejemplo podríamos

referirnos aquí a La naranja mecánica, en ella Alex maneja una constante

representación dentro de la misma representación con sus recurrentes sueños

bíblicos en los que él actúa como protagonista de su obra teatral: “Ya la primera

imagen del filme –el rostro de Alex con el ojo derecho maquillado- anticipa a su doble

presencia sobre las tablas de un escenario: durante su enfrentamiento con la batalla

de Billy Boy y en el curso de su rehabilitación posterior al tratamiento Ludovico,

donde su rechazo hacia la violencia y el sexo se expresa con la colaboración de

actores y en forma de representación pública” (Esteve Riambau 199).

Otra de las figuras simbólicas que utiliza Kubrick en sus cintas es la concordancia de

casualidad que se presenta cuando en la película se suceden imágenes conectadas

casualmente con otras, en el texto “El guión clásico de Hollywood” nos la describe

cuando dice: “Veíamos que la relación casual entre las diferentes secuencias servía

también para dotar de significado general a la obra; por tanto, también puede

adquirir otro sentido cuando sirven para expresar las consecuencias de la acción

previa” (Onaindia 168). Por ejemplo, la música de Beethoven, la Quinta Sinfonía, en La

naranja mecánica nos indica la conexión entre diferentes escenas concatenadas por

esta: “En realidad, el cine opera a un nivel mucho más cercano a la música y a la

pintura que al de la palabra impresa y, desde luego, el cine ofrece la posibilidad de

transmitir conceptos y abstracciones complejas sin el tradicional apoyo de la

palabra”.

Por último, la siguiente figura simbólica de los objetos que utiliza Kubrick en sus

cintas tal vez sea la más importante, la metonimia, que se caracteriza porque

“sirve(n) para expresar determinados sentimientos o intenciones de los personajes”

(Onaindia 169). La metonimia en Kubrick es algo así como una muletilla constante en

sus películas, con ella suele resaltar a los personajes valiéndose de los objetos al

tiempo que nos muestra el tipo de relación que mantiene con otros personajes de la

misma cinta.

Los objetos son metáforas de carácter social e individual que determinan, con su

carga acumulada de sentidos, toda una serie de sensaciones, anhelos y deseos de los

individuos que interactúan con ellos. Los objetos son espejos de nuestras creencias,

vínculos emocionales entre los seres humanos, prótesis de extremidades tanto físicas

como mentales que logran estructurar sociedades enteras, predecir y crear

sociedades, porque los objetos logran evolucionar a través de los arquetipos que la

misma sociedad produce y recicla constantemente.4

4 Arenas Vargas, Juan Pablo. El engaño en la mirada: del objeto al cine. Bogotá: Editorial Pontificia Universidad Javeriana, 2006. Pp. 65-67.

Anexos

Cronología de Stanley Kubrick

1928. Stanley Kubrick nace el 26 de julio en el Bronx en Nueva York, hijo de Jacques L. Kubrick y

Gertrude Kubrick.

1934. El nacimiento de su hermana Barbara Kubrick.

1941. Stanley Kubrick recibe una cámara de su padre.

1941-1945. Asiste a la William Howard Taft High School, El Bronx, Nueva York.

1946. Kubrick se convierte en fotógrafo de Look (hasta 1951).

1948. Se casa con Toba Metz.

1949. Se traslada a Greenwich Village, Manhattan.

1953. Nacimiento de Katharina Christiane, hija de Christiane Harlan Susanne (futura esposa de

Kubrick) y Werner Bruhns.

1955. Se casa con la bailarina Ruth Sobotka.

1956. Stanley Kubrick y James B. Harris encontraron su propia productora de cine: Harris

Kubrick Fotos (hasta 1963).

1957. Durante el rodaje de Senderos de gloria en Munich, Stanley Kubrick se encuentra con la

actriz Susanne Cristiana y se casa con ella.

1958. Nacimiento de Anya Renata Kubrick el 6 de abril.

1960. Nacimiento de Vivian Vanessa Kubrick el 5 de agosto.

1961. Después de filmar Spartacus Kubrick deja Hollywood y se traslada a Londres.

1965. Comienza 2001: Una odisea del espacio.

1968-1969. Los preparativos para el proyecto no realizado de Napoleón.

1974. Debido a las reacciones adversas y amenazas personales por parte del público por la

película de La naranja mecánica, Kubrick y Warner Bros., retiran la película en Gran Bretaña.

1985. Mueren los padres de Stanley Kubrick.

1989. Trabajo sobre I.A., basado en los Supertoys Last All Summer Long por Brian Aldiss.

1993. Trabaja sobre la adaptación de la novela de Louis Begley: Mentiras en tiempos de guerra.

1997. Stanley Kubrick recibe el D.W. Premio Griffith Lifetime Achievement del Gremio de

Directores de América y el León de Oro en Venecia como un homenaje a su obra.

1999. Stanley Kubrick muere el 7 de marzo después de sufrir un ataque al corazón en su casa

cerca de St. Albans, Inglaterra, cuatro meses antes del estreno de Eyes Wide Shut.