Manifestaciones y características de las artes escénicas

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Un breve resumen sobre la definición, características e historia de las artes escénicas. Las diferentes manifestaciones del arte escénico y lo común a todas ellas.

 

Se concibe como “arte escénica” a toda manifestación artística que se inscriba en una escena, es decir, un espacio donde los artistas representan la acción en vista del público.Teatro, danza, ópera, comedia musical, circo, conciertos musicales y performances integran el espectro de las artes escénicas, cada una con sus múltiples manifestaciones y sus características propias, pero con un elemento común, imprescindible para el hecho escénico: la copresencia entre el artista y el espectador.

Características y orígenes de las artes escénicas

Las artes escénicas generalmente tienen un espacio especialmente destinado para la representación –las salas de espectáculos-, pero pueden desarrollarse en cualquier lugar y entorno, con tal de que coexistan artistas y espectadores. Tradicionalmente, ambos tienen un espacio delimitado que divide el espectáculo del mundo “real” (la llamada cuarta pared”), pero hay puestas en escena contemporáneas que buscan romper esa división involucrando al público en las obras. Esa implicación del espectador se puede dar por acercamiento –el público participa de la obra- o por distanciamiento –la obra da cuenta de la artificialidad del arte-.

El atributo propio de las artes escénicas es la “teatralidad” (para Roland Batrhes, “el teatro sin el texto”), todos esos gestos, signos y objetos que construyen la escena. Además de las artes canónicas, hay algunos acontecimientos populares y rituales (procesiones, carnaval, celebraciones religiosas, eventos deportivos) que también adquieren dimensión escénica por su teatralidad.

Los orígenes de las artes escénicas se remontan a los ritos shamánicos de la prehistoria, donde se representaban los mitos a través de la danza y los juegos de roles. El teatro griego, la cuna de las artes escénicas clásicas,  surgió en los Juegos Olímpicos y Panhelénicos. Se considera a Tespis, ganador de un certamen de las  Dionisias de Atenas en el siglo VI a. C., el fundador del teatro. Con la tragedia griega, el teatro adquirió todo su poder espiritual, generando la “catarsis” o purificación de los valores.

Las artes escénicas tuvieron en la Edad Media una función estrictamente religiosa (dramas litúrgicos, autos sacramentales, obras moralizantes), adquiriendo una nueva dimensión durante el Renacimiento y el Barroco, donde se retoman temas clásicos y se plantean retratos sociales de la época. Los siglos siguientes trajeron nuevas manifestaciones escénicas hasta llegar a las vanguardias y las “performances” o “happenings”, que rompen con las reglas de escenificación convencional. 

Artes escénicas

Las artes escénicas son el estudio y práctica de un conjunto de expresiones que requieren representación y un público que la reciba. Las artes escénicas constituyen una forma de arte vivo y efímero. Las artes escénicas básicamente comprenden el teatro, la danza y la música.

Las artes escénicas son el estudio y práctica de un conjunto de expresiones que requieren representación y un público que la reciba. Las artes escénicas constituyen una forma de arte vivo y efímero. Las artes escénicas básicamente comprenden el teatro, la danza y la música.

Se entiende por artes escénicas al estudio y la práctica de toda forma de expresión que requiera de una representación, como el teatro, la música o la danza, incluyendo la organización espacial y el espectáculo. Es una forma de arte efímera y viva, que requiere de un público para completar la comunicación.

Sala de teatro en la actualidad

 

Una sala de espectáculos es un espacio arquitectónico especialmente construido para realizar un espectáculo en vivo. Esta edificación ha evolucionado, pero mantiene una disposición de los espacios, dependiendo del uso que se haga de los mismos, como las zonas fundamentales que albergan al público y a los actores.

Las artes escénicas se pueden distinguir entre teatro (y sus variantes: dramático, de pantomima, cabaret, etc.), danza (clásica, moderna, ballet, etc), música (de cámara, moderna, etc.).

Surgimiento del teatro y las artes escénicas:

Las más remotas formas de las artes escénicas son la música y la danza, son manifestaciones dramáticas que los magos de las tribus representaban en la prehistoria, con el fin de ahuyentar a los espíritus malignos, etc.

Una de las principales ramas de las artes escénicas es el teatro, que es la representación de historias frente a un auditorio, empleando una combinación de técnicas, discurso, gestualidad, escenografía, música. También se considera al género literario que contempla la representación escrita de las obras teatrales.

El teatro nace como evolución de rituales mágicos relacionados con la caza, a los que se incorporó la música y la danza, constituyendo el origen de las artes escénicas en las que se rendía culto a los dioses y se demostraban los principios espirituales de la comunidad.

El teatro occidental surge en Atenas, entre los siglos VI y V aC, en un foso de forma cóncava (que protegía del viento frío y del calor del sol), donde se celebraban los ritos en honor a Dionisos, los cuales evolucionaron en el teatro. Cada ciudad griega tenía su teatro.

El teatro griego en las artes escénicas:

En los comienzos de las artes escénicas, el teatro tenía un único actor, que se instalaba con una mesa junto al altar de Dionisos, para dialogar con el coro (chorentae), mesa o carro colocado en el centro de la orchestra. Con el tiempo aumenta el número de actores, y se construyen gradas de madera para el público.

Debido a un accidente ocurrido en las gradas, se construye el teatro de Dionisos con gradería de piedra, con planos de Anaxágoras y Demócratas, constituyéndose el modelo de teatro griego, con: auditorio, orchestra y scena (barraca).

Tipos de teatro en pendiente rocosa

 

El auditorio estaba distribuido en localidades apoyadas en la pendiente rocosa de la Acrópolis, en forma de semicírculo. Al final de las gradas había una columnata, y por detrás de ella más asientos. En el centro de la orchestra, estaba el altar de Dionisos, en torno al cual danzaba el coro.

La escena estaba rodeada por tres muros, uno de frente y los otros a los lados. El muro del centro estaba adornado con frisos, estatuas y columnas, y tenía tres puertas, la central destinada a los dioses y héroes, y las otras para los personajes secundarios.

El decorado en escena, es introducido por Agatardo, con prismas giratorios (periaktes) colocados tras las puertas del fondo, que tenían pintados motivos relativos a los géneros teatrales en cada cara (tragedia, comedia, sátira). Había una cuerdo en representar la tragedia en templos y palacios; la comedia se desarrollaba en interiores, calles, plazas y mesones; y la sátira en ocurría en espacios exteriores agrestes. Se empleaba además maquinaria escénica, la enkyklema, que era una plataforma con ruedas, que se hacía avanzar desde la puerta del fondo, para evocar la noche y desaparecía al terminar la escena. Con el enkyklema, estaban

los exostras, de función desconocida. Y también el teologeión, una especie de tribuna donde aparecían las divinidades.

En el teatro de Atenas entraban 17.000 espectadores y 35.000 en el de Megalópolis.

Manifestaciones y características de las artes escénicas

Un breve resumen sobre la definición, características e historia de las artes escénicas. Las diferentes manifestaciones del arte escénico y lo común a todas ellas.

Teatro

Cuántas ramas y tipos de teatro hay

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Conoce cuántas ramas y tipos de teatro existen y sus características.

El teatro es una de las disciplinas artísticas, que podemos dividir en dos elementos básicos, la dramaturgia, que es la creación del texto de la obra y la representación escénica, que es la puesta de la obra con sus adaptaciones, dirección, ensayos y funciones.

Podemos dividir el teatro en varias clasificaciones, por géneros y por tipos, cada una destaca una cualidad de esa clase de teatro, ya sea el estilo o las características propias de las obras y puestas en escena.

 

Las distintas clasificaciones del teatro

Clasificación por tipos:

Tragedia: Es el género dramático tradicional, donde el argumento versa sobre un asunto desgraciado con un desenlace fatal. En este género intervienen personajes nobles o heroicos.

Comedia: Es un género teatral tradicional contrapuesto al de la tragedia, donde el desenlace es alegre y optimista. Está destinado a despertar la risa del espectador y está asociado con las clases bajas.

Drama: Es el género donde se representan acciones de la vida, tratando asuntos serios y profundos por medio del diálogo. Este género puede dividirse en: drama histórico, drama isabelino, drama lírico, drama social, drama litúrgico, drama satírico.

Tragicomedia: Es la obra que combina el género trágico con la comedia. Se desarrolló a partir del Renacimiento. No marca diferencias sociales y emplea diversos lenguajes.

Paso: Es una obra dramática corta que trata un hecho sencillo de tratamiento cómico empleando un lenguaje realista. Se considera el precursor del entremés.

Entremés: Es una pieza teatral cómica en un único acto, surgida en España en el siglo XVI. Solían representarse en los intermedios de las obras dramáticas y de allí su nombre.

Auto sacramental: Son obras que representan episodios bíblicos, temas morales o religiosos. Solían representarse en los templos o en los pórticos de las iglesias.

Monólogo: Es una obra dramática interpretada por un solo autor, aunque pueden intervenir varios personajes. Se trata de un parlamento único que puede ser pronunciado en soledad o frente a otros personajes.

Farsa: Es una obra cómica que a diferencia de la comedia, no necesita tratar sobre un asunto verosímil o realista.

Vodevil: Es una comedia en la cual se entremezclan canciones y bailes, con carácter alegre, frívolo y amoroso. Ganó popularidad en Francia en los siglos XVIII y XIX.

Ópera: Es una obra teatral donde los diálogos se desarrollan a través del canto fundamentalmente. Originada en Italia a fines del siglo XVI, puede dividirse en : ópera seria, romántica, bufa, legendaria, etc.

Zarzuela: Obra dramática y musical que alterna parlamentos dialogados con canciones. Es un género español creado por Calderón de la Barca en su pieza “El jardín de Farelina” (1648) o por Lope de Vega en “La selva sin amor” (1629).

Sainete: Obra breve y jocosa de carácter popular, donde se ridiculizan costumbres y vicios sociales. Es un heredero del entremés.

Género chico: Es un género español de argumento simple y de poco contenido, que se desarrolla en menos de una hora en un escenario con un único decorado.

 

Clasificación por tipos de teatro

Pantomima: Es el tipo teatro físico que se representa sin utilizar la palabra y empleando el gesto en su sustitución. Para expresar las distintas situaciones de manera comprensible, este tipo de teatro emplea códigos muy estrictos en los movimientos. Este tipo teatral es heredero del teatro de pantomima clásico.

Teatro de títeres y marionetas: Estos tipos de teatro emplean muñecos en lugar de actores y representan situaciones humanas o animales de forma análoga a cómo lo harían los actores. Este tipo de teatro generalmente está destinado al público infantil.

Teatro de sombras: Este tipo teatral originado en China e India también emplea muñecos en lugar de actores, con la particularidad de que el público jamás observa directamente a los muñecos, sino sus sombras que se proyectan sobre una pantalla que está frente al espectador. Está considerado como uno de los antecedentes del cine.

Teatro negro: Este tipo de teatro se sirve de los efectos visuales para lograr la ilusión de objetos animados. El ojo humano no es capaz de distinguir objetos negros sobre negro y este es el fundamento del teatro negro. Es un teatro de manipulación de objetos donde los “titiriteros” están completamente vestidos de negro y manipulan objetos que son expuestos a luz negra y que parecen virtualmente levitar por sí mismos. La compañía más famosa en este tipo de teatro es el Teatro Negro de Praga.

Teatro callejero: Es una forma de teatro que trata de acercar el espectáculo teatral a las masas. Es un teatro que se representa en espacios públicos al aire libre y que puede tener alguna clase de escenografía o prescindir de ella totalmente. El estilo de representación es diferente al que se emplea en el teatro en sala debido al entorno. En estas obras se suele aprovechar el espacio como parte de la obra y suele ser interactivo. Una de las variantes del teatro callejero es el teatro invisible, donde el público no tiene conocimiento de que está presenciando una obra teatral.

Teatro kabuki japonés

El teatro kabuki es la manifestación teatral tradicional de mayor popularidad en Japón. Declarado Obra Maestra Oral del Patrimonio Intangible, de la Humanidad, de UNESCO. Su origen data del siglo XVII, a cargo de una sacerdotisa llamada Okuni.

Las obras de teatro y festivales de títeres

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Descubre una de las artes escénicas más antiguas que existen, las obras de teatro de títeres. No solo eso también te enseñamos cuales son los tipos de títeres que existen y conoceremos su historia.

Los títeres, también conocidos como marionetas, son muñecos o figuras que el humano dota de movimiento y vida con sus manos. Se utilizan para realizar funciones teatrales con el fin de representar seres humanos, animales, personajes o cosas. Existen diversos tipos de títeres que han sido utilizados desde tiempos muy lejanos por la gran mayoría de las civilizaciones para exponer ideas y conocimientos en la sociedad.

La historia de los títeres se remonta al siglo V a.C. cuando Jenofonte los nombra en su Symposium. Pero el antecedente más certero es la existencia de ellos en las antiguas culturas de Egipto, Grecia, China y otras regiones asiáticas.

Java (actualmente una isla que pertenece a Indonesia) es el lugar donde se originan los títeres de varas que eran utilizados para representar cuentos folklóricos.

En el teatro de Bunraku japonés se utilizaban títeres que alcanzaban la mitad del tamaño humano y eran manipulados por tres personas a través de cables y palancas.

Desde siempre las obras de títeres han representado una historia que es narrada para describir las acciones y en ocasiones acompañada por bandas orquestas musicales.

A partir del siglo XVI nacieron famosos títeres basados en personajes nacionales y que representaban comedias bufonescas. Entre los siglos XVIII y XX inclusive los festivales de títeres eran muy comunes y se tornaron muy populares.

En la actualidad los títeres parecen haber quedado relegados a ser únicamente un entretenimiento para niños y con el avance de la tecnología se los incorporó al medio televisivo, donde han tenido un éxito importante. Jim Henson, el famoso titiritero norteamericano, fue el encargado de crear Plaza Sésamo y Los Muppets y Spitting Image.

Tipos de títeres

Existen varios tipos de títeres, siendo las marionetas un subgrupo de éstos. Estos grupos se diferencian o clasifican de acuerdo al método o técnica que se emplea para manipularlos y construirlos.

Los diferentes tipos de títeres son:

 

• Títeres de varillaLos miembros del muñeco son movidos mediante varillas.

• Títeres Muppet o bocónSon las creadas por Jim Henson y que adquirieron gran fama en televisión.

• Títeres de BunrakuTradicional teatro de la ciudad de Osaka en Japón, donde las marionetas alcanzan tamaños muy grandes.

• Títeres de guanteEste tipo de títere ofrece la posibilidad de insertar una mano en su interior y de esa manera manipularlos.

• Títeres MaroteEste tipo se caracteriza porque las manos del muñeco son sustituidas por las propias manos de quien lo manipula.

• Títeres PupiSon del tipo títere de varilla pero se manejan desde arriba.

• Títeres de WayangEs el famoso títere tailandés.

• Títeres PlanoSe crean con cartón o madera y suelen manipularse con varillas.

• Títeres de DedalSon pequeños dedales que tienen dibujados los pequeños personajes.

• Títeres sobre manoSon manejados desde arriba, doblando la muñeca en ángulo recto y apoyando los dedos en la superficie del espacio escénico.

• Títeres de PeanaEstos van sujetos a través de una varilla que se coloca en su parte inferior y es unida a un soporte de madera denominado “peana”.

• Marioneta de hiloSon muchos los tipos de marionetas de hilo existentes y todas de acuerdo a la cruceta que emplean para manejar al muñeco. Algunas de las más conocidas son la percha checa, percha burma, horizontal, vertical, etcétera.

• Marionetas danzantes en el agua o Mua Roi Muoc

• Marionetas KathputliConocidas como las marionetas de Rajasthán, tienen la característica de ser manipuladas por dos hilos únicamente. Uno de esos hilos va de una mano a la otra y el otro une la cabeza con la cintura.

• Marionetas de Viento

• Marionetas de manipulación directa o a la vista

• Sombras chinescasConsiste en la proyección de figuras sobre una pantalla.

• JineteEste tipo de marioneta tiene la cualidad de que la cabeza del muñeco es sostenida por la cabeza del actor a través de una gorra, casco o cilindro.

Obras de teatro cortas del Siglo de Oro

La definición de Siglo de Oro se crea en 1734 y se debe utilizar para referirse a las obras creadas durante el siglo XVI. Las obras teatrales del siglo de oro son consideradas de las más valiosas que ha emitido la historia del mundo de la palabra, pero hasta la fecha son muy pocas las obras que se mantienen completas.Leer más

Introducción

Se llama teatro al edificio destinado a la representación de obras dramáticas o a otros espectáculos propios de la escena. Teatro es, también, el arte de componer obras dramáticas de representarlas.

En el presente trabajo vamos a dar a conocer de donde se origina el teatro y sus representantes obras, los tipos de obras, las características, todo lo referente al teatro.

El teatro

Se denomina teatro (del griego Theatrón, "lugar para contemplar") a la rama del arte escénico, relacionada con la actuación, que representa historias frente a una audiencia usando una combinación de discurso, gestos, escenografía, música, sonido y espectáculo. Es también el género literario que comprende las obras concebidas en un escenario, ante un público.

Tipos de Obras Teatrales

La tragedia

Etimológicamente, la palabra tragedia viene del griego tragos, que quiere decir macho cabrío y de ode, que quiere decir canción o canto. Por lo tanto tragedia significa canción del macho cabrío.

Origen de la Tragedia

La tragedia tiene origen en el culto religioso que le hacia el pueblo griego al dios Dioniso. Anualmente, durante la época de la recolecta de la uvas, se celebraban grandes bacanales en su honra. Entre los cultos que se le rendían al dios estaba una cantata ritual donde se narraba la vida del dios, el cual estaba sometido a un proceso constante de vida y muerte. Además era desmembrado, frente al altar, un macho cabrío por ser considerado un animal dañino para las vides. Mientras se desmembrada al animal, un coro danzaba y entonaba cantos.

La tragedia era un himno que elogiaba con gran solemnidad, pero al mismo tiempo con tristeza, las aventuras del dios Dioniso, protector de las viñas, quien habiendo tenido una existencia feliz, sufriría los mandatos de un destino trágico o fatal.

La tragedia griega tenía, además, una finalidad educativa. Con ella se pretendía enseñar al pueblo que la persona dominada por las fuerzas espirituales negativas (el orgullo, la infidelidad, el irrespeto a los dioses…) era llevada al desastre personal y familiar.

La tragedia griega ha ido evolucionando hasta terminar en la tragedia moderna, en donde los seres humanos luchan contra sus pasiones, que los van destrozando, hasta culminar en un desenlace desgraciado, no por el destino, sino por la conducta que ellos escogieron libremente.

Características

La tragedia griega se caracteriza por tener los siguientes elementos:

El tema que plantea es el conflicto entre el ser humano y las fuerzas supremas que condicionan su destino. Solo toma en cuenta lo trágico, la fatalidad, la compasión, el horror, etc.

El propósito es producir "catarsis" en el público, al despertar sentimientos de horror y de piedad.

La trama narra el paso de los personajes de un estado de felicidad a uno de desgracia o infortunio.

El desenlace se produce con la desgracia del héroe, lo que en muchos casos lo lleva a la muerte.

La acción es lenta para que el público pueda sentir lo que el héroe está padeciendo, y, al mismo tiempo, es extraordinaria, grandiosa.

Los personajes son considerados héroes porque luchan en contra de un destino fatal, que no se puede vencer.

El lenguaje es versificado, rítmico y apropiado al tema.

El destino es inexorable, invariable: es una fuerza superior que se ensaña contra el héroe, al que inevitablemente vence.

Representantes obras

Los principales representantes de la tragedia griega son: Esquilo, Sófocles y Eurípides.

Esquilo: autor dramático del siglo V, es el creador de la tragedia. Escribió más de setenta tragedias y solo han llegado hasta nosotros siete de ellas. Las más famosas son: Prometeo encadenado y la Orestiadia.

Sófocles: fue un tragediografo que presento personajes más humanos que los de Esquilo. Escribió alrededor de ciento veinte tragedias y solo conservamos siete; entre ellas: Edipo Rey, Electra y Antígona.

Eurípides: cuyas obras están centradas en problemas humanos, escribió unas setenta y cinco tragedias y solo conservamos diecisiete. Entre las más importantes tenemos: Medea, Hécuba, Helena y otras.

La comedia

La palabra comedia viene del griego come que significa aldea, y ode que significa canto. Por lo tanto comedia significa canto de aldea.

Características de la Comedia

Las principales características de la comedia griega son:

El tema planteado por la comedia es el relato de acontecimientos de la vida normal y corriente.

El propósito de la comedia es que el público enmiende o corrija sus acciones.

El desenlace es feliz, agradable, placentero.

La acción es más complicada que en la tragedia, pero menos grandiosa o extraordinaria.

Los personajes son seres del pueblo que cubren sus caras con mascaras para comunicar alegría, placer.

El lenguaje predominante es la prosa, aunque no deja de lado el verso. Este lenguaje es sencillo, pero sin caer en lo vulgar.

El conflicto que plantea es la oposición del ser humano a alguna fuerza de la sociedad.

Tipos de Comedia

Las comedias pueden ser de carácter, de costumbres o de intriga:

Las comedias de carácter personifican determinada conducta de los seres humanos con la finalidad de criticarla, censurada

Las comedias de costumbre ridiculizan las desviaciones o tendencias de una época con la finalidad de corregirlas.

Las comedias de intriga representan, a través de lo cómico, situaciones enredadas, enfrentamiento.

El Drama

Drama es toda representación teatral que plantea la tristezas y alegrías de la vida a través de lo trágico o lo cómico, y que puede tener un final infausto o feliz, dependiendo de la acciones o de la intención del autor.

El drama, sin embargo, tiene mayor categoría que la comedia porque los asuntos que plantea son muchos más serios, pero nunca llega a alcanzar la grandeza y el impacto emocional de la tragedia, ni siquiera en los momentos en donde las pasiones llegan a su mayor tensión.

Justamente por mezclar lo serio y lo alegre, al drama se le sitúa en un punto intermedio entre la comedia y la tragedia. Así, drama es toda obra literaria destinada a la representación.

Características del Drama

El drama se caracteriza por presentar:

Temas que plantean acontecimientos de la vida humana comunes y corrientes, sin caer en el patetismo de la tragedia, ni en el jocoso de la comedia.

Desenlaces felices o fatales, dependiendo de los conflictos planteados o de la intención del autor, pero nunca provocados por el destino.

Acciones que giran en torno a un conflicto de pasiones e intereses que se resuelven generalmente mediante la razón y la justicia.

Personajes no tan elevados como lo de la tragedia, ya que están más cercanos a los problemas de la vida cotidiana.

Un lenguaje sencillo y claro, expresados en verso o en prosa; o en ambos.

Tipos de Dramas

Los dramas se clasifican, de acuerdo con su contenido y su desenlace, en trágicos, históricos, psicológicos, filosóficos, sociales, etc.

Trágicos: son dramas llenos de gran emotividad y con un desenlace infeliz.

Históricos: reflejan los conflictos de una época pasada.

Psicológicos: plantean las cualidades síquicas de los seres humanos.

Filosóficos: plantean problemas relacionados con el destino del hombre.

Sociales: plantean un problema de carácter social, de la época del autor.

De enredo: presentan situaciones cómicas o humorísticas, por medio de acciones que se enredan y desenredan.

Elementos Esenciales del Teatro

El Texto

El texto es la parte literaria del teatro: es el guion que contiene todas las acciones y la descripción de los personajes que los actores van a desarrollar a lo largo de la representación teatral.

Los Actores

Los actores y las actrices son los seres reales que hacen posible la ilusión teatral. Gracias a ellos, el texto teatral se convierte en una obra representada. Los actores son las personas que encarnan a los personajes; ellos momentáneamente prestan su cuerpo y se olvidan de sus personalidades para dar vida a esos seres de ficción que solo existen dentro del texto teatral: deben olvidarse de sí mismos y centrarse en los personajes que van a interpretar.

Característica de los Actores y Actrices

Los actores y las actrices deben:

Tener vocación, buena memoria, excelente voz y sensibilidad.

Identificarse con su personaje. Es decir, deben pensar, hablar y sentir como el personaje que les corresponde para que puedan caracterizado en forma adecuada.

Modular o vocalizar bien las palabras, sin llegar a exagerar. Esto se logra hablando en forma pausada.

Emplear un tono de voz adecuado al lugar donde se representara la obra.

Realizar gestos con los ojos, la boca, la cara y las manos acordes con lo que están diciendo.

Realizar preferentemente movimientos naturales, sencillos y cortos en el escenario, y en todo caso seguir las indicaciones del director o la directora.

Hablar mirando al interlocutor, que puede ser otro personaje o el público, o hacia donde señale el director.

No precipitar sus actuaciones.

El Público

Para que exista verdaderamente teatro, es necesario, que la representación que llevan a cabo los actores se haga frente a un público. El público es la audiencia que está dentro de la sala teatral observando con detenimiento la puesta en escena de una obra. El público está conformado por personas de diferentes condiciones sociales y culturales, de diversas sensibilidades, los cuales se integran para dar respuestas sobre la representación que se realiza frente a ellas. Entre los actores y el público se establece un sutil canal de comunicación mediante el cual se transmite la aceptación o el rechazo de lainterpretación. Los aplausos o silbidos le indican al actor si la obra fue de la aceptación del público.

Elementos Secundarios del Teatro

La escenografía

La escenografía es todo lo relacionado con la ambientación de la obra: la utilería, el vestuario, el sonido, la iluminación, etc.

Para realizar una buena escenografía se debe:

Tener claro los lugares en donde se realizan las diferentes escenas.

Elaborar un esquema del montaje de la obra.

Destacar con la iluminación las áreas donde ocurre la acción.

Realizar un mobiliario y un vestuario acordes con la época representada.

Utilizar la iluminación y el sonido para crear la atmósfera que rodea la escena.

Evitar el empleo excesivo de recursos técnicos, que puedan opacar la representación.

La Puesta en Escena

Representar una pieza teatral es una de las experiencias más enriquecedoras que puede tener un grupo. Para llevarla a cabo se necesita que todos sus miembros estén compenetrados, que exista un trabajo en equipo en efectivo, que se acepten las opiniones de todos y que cada uno esté dispuesto a dar lo mejor de sí mismo en pro de la obra.

TIPOS DE TEATRO

Pantomima: Es el tipo teatro físico que se representa sin utilizar la palabra y empleando el gesto en su sustitución. Para expresar las distintas situaciones de manera comprensible, este tipo de teatro emplea códigos muy estrictos en los movimientos. Este tipo teatral es heredero del teatro de pantomima clásico.

Teatro de títeres y marionetas: Estos tipos de teatro emplean muñecos en lugar de actores y representan situaciones humanas o animales de forma análoga a cómo lo harían los actores. Este tipo de teatro generalmente está destinado al público infantil.

Monólogo Interior:

El monólogo interior es una técnica narrativa por medio de la cual los pensamientos de los personajes son revelados de manera que parecen no estar controlados por el autor. El propósito del monólogo interior es el de revelar lo más íntimo del personaje. Esta técnica narrativa es capaz de enmarcar las experiencias emocionales mientras están ocurriendo, a nivel consciente e inconsciente. En ella, el autor opta por no distinguir entre niveles de conciencia; maneja complejos patrones de memoria, imágenes y fantasías para representar sensaciones y emociones “en bruto”. Se trata, pues, de la representación del “discurso” interior de un personaje.

El monólogo se distingue del soliloquio en cuanto que ocurre antes de cualquier verbalización, a un nivel pre-discursivo; intenta representar la naturaleza fragmentaria del pensamiento antes de ser organizado, con intenciones comunicativas, por quien lo piensa. Este nivel pre-discursivo da a la narrativa un sentido mucho mayor de realismo psicológico, de intimidad con el personaje. El lector se siente testigo presencial, no mero receptor, de sus pensamientos. Pues el monólogo interior es un flujo de la conciencia[referencia cruzada con el concepto flux de la consciència], que se encarga de presentar al lector el curso de la misma precisamente como está ocurriendo en la mente del personaje. Mediante esta técnica, el personaje parece estar (valga la redundancia) pensando sus pensamientos, más que explicándolos a alguien. Así pues, los términos flujo de la conciencia y monólogo interior se usan, muchas veces, indistintamente, sobre todo en la tradición anglosajona. Algunos autores, no obstante, distinguen el flujo de la conciencia [referencia cruzada con el concepto flux de la consciència] —es decir, el fenómeno psíquico propiamente dicho—, del monólogo interior —la formulación verbal de este fenómeno.

El término monólogo interior fue usado por primera vez por el filósofo y psicólogo estadounidense William James [biografía: existe archivo Word “monto1” en carpeta “texts”] en su libro Principios de la psicología (1890), y poco después el término se utilizó literariamente. Quizás, quien le da el máximo desarrollo al concepto de monólogo interior sea el escritor irlandés James

Joyce [biografía: existe archivo Word “monto2” en carpeta “texts”]. Éste dice haberlo descubierto en el libro Les Lauriers sont coupés del novelista francés Édouard Dujardin, quien, hablando a su vez de Joyce, define el monólogo interior como “el discurso sin auditor y no pronunciado, mediante el cual un personaje expresa sus pensamientos más íntimos, más cercanos

al inconsciente, anteriores a cualquier organización lógica, es decir, en embrión, y para ello se vale

de frases directas reducidas sintácticamente a lo indispensable, para dar así la impresión de ‘lo magmático’”. Joyce explora en Ulyssesmonólogos interiores, con los que contrasta claramente tres personajes de diferente racionamiento y clase social. El más célebre, al menos como fragmento literario autónomo, es el monólogo de Molly Bloom con el que termina el libro [existe archivo mp3 “monto1”en carpeta “sounds”].

Hay otros exponentes de monólogo interior o flujo de la conciencia. La escritora inglesa Virginia Woolf [biografía: existe archivo Word “monto3” en carpeta “texts”], cuyas novelas Al faro y Las olas, en particular, exploran la interioridad de los personajes conservando, sin embargo, el orden gramatical y sintáctico que el monólogo joyceano desprecia. El escritor estadounidense William Faulkner [biografía: existe archivo Word “monto4” en carpeta “texts”], en cambio, recibió directamente la influencia delUlysses. En El ruido y la furia y en ciertos pasajes de ¡Absalón, Absalón!, Faulkner se vale de la técnica para construir la identidad del personaje. En aquella novela, por ejemplo, el monólogo de Benjy revela su condición de retrasado mental sin jamás mencionarla directamente. Así, la narración gana en autonomía y en verosimilitud.

Si se tuviera que hacer una analogía con la música, probablemente el movimiento musical que más se asemejaría al monólogo interior sería el dodecafonismo, que intenta fragmentar el orden establecido “normal” e intuitivo —como también lo hace el monólogo interior, donde no existen frases gramaticalmente completas, sino un despliegue de todo tipo de asociación de ideas y formulaciones más o menos gratuitas—. El estilo de composición dodecafónico rompe con la armonía clásica tradicional, que consiste en una armonía centrada en la nota prefijada como centro tonal. El dodecafonismo, por el contrario, otorga libertad a cada nota de ser utilizada sin subordinación a otra. El resultado es una disonancia deliberada, una negativa a lo que “suena bien”. La canción Mondestrunken en Pierrot Lunaire, compuesta por el fundador del dodecafonismo, el austriaco Arnold Schoenberg, muestra claramente esta ruptura[existe archivo mp3 “monto2”en carpeta “sounds”].

Ilustraciones:

1. La primera ilustración es la que se muestra al principio del texto [“monto1” en carpeta “images”].

2. La segunda ilustración , un cuadro llamado Varus, del pintor Anselm Kiefer, se refiere a una escena específica de una batalla. A pesar de que la referencia bélica es evidente, si se entiende en términos del monólogo interior, la imagen evoca cómo un personaje que caminara por el bosque va haciendo una libre asociación de ideas a medida que va caminando. Lo que va viendo lo lleva a pensar en una cosa tras otra, que se ven representadas en la imagen con nombres en los árboles. Ésta es la segunda ilustración [“monto2” en carpeta “images”].

Teatro de sombras: Este tipo teatral originado en China e India también emplea muñecos en lugar de actores, con la particularidad de que el público jamás observa directamente a los muñecos, sino sus sombras que se proyectan sobre una pantalla que está frente al espectador. Está considerado como uno de los antecedentes del cine.

Teatro negro: Este tipo de teatro se sirve de los efectos visuales para lograr la ilusión de objetos animados. El ojo humano no es capaz de distinguir objetos negros sobre negro y este es el fundamento del teatro negro. Es un teatro de manipulación de objetos donde los “titiriteros” están completamente vestidos de negro y manipulan objetos que son expuestos a luz negra y que parecen virtualmente levitar por sí mismos. La compañía más famosa en este tipo de teatro es el Teatro Negro de Praga.

Teatro callejero: Es una forma de teatro que trata de acercar el espectáculo teatral a las masas. Es un teatro que se representa en espacios públicos al aire libre y que puede tener alguna clase de escenografía o prescindir de ella totalmente. El estilo de representación es diferente al que se emplea en el teatro en sala debido al entorno. En estas obras se suele aprovechar el espacio como parte de la obra y suele ser interactivo. Una de las variantes del teatro callejero es el teatro invisible, donde el público no tiene conocimiento de que está presenciando una obra teatral.

Farsa: Es una obra cómica que a diferencia de la comedia, no necesita tratar sobre un asunto verosímil o realista.

Vodevil: Es una comedia en la cual se entremezclan canciones y bailes, con carácter alegre, frívolo y amoroso. Ganó popularidad en Francia en los siglos XVIII y XIX.

Ópera: Es una obra teatral donde los diálogos se desarrollan a través del canto fundamentalmente. Originada en Italia a fines del siglo XVI, puede dividirse en : ópera seria, romántica, bufa, legendaria, etc.

Zarzuela: Obra dramática y musical que alterna parlamentos dialogados con canciones. Es un género español creado por Calderón de la Barca en su pieza “El jardín de Farelina” (1648) o por Lope de Vega en “La selva sin amor” (1629).

Sainete: Obra breve y jocosa de carácter popular, donde se ridiculizan costumbres y vicios sociales. Es un heredero del entremés.

Género chico: Es un género español de argumento simple y de poco contenido, que se desarrolla en menos de una hora en un escenario con un único decorado.

ORIGEN

Los orígenes del teatro se encuentran en antiguos ritos de origen prehistórico, donde el ser humano empezó a ser consciente de la importancia de la comunicación para las relaciones sociales. Ciertas ceremonias religiosas tenían ya desde su origen cierto componente de escenificación teatral. En los ritos de caza, el hombre primitivo imitaba a animales: del rito se pasó al mito, del brujo al actor. En África, los ritos religiosos mezclaban el movimiento y la comunicación gestual con la música y la danza, y objetos identitarios como las máscaras, que servían para expresar roles o estados de ánimo. Estos ritos reforzaban la identidad y la cohesión social: los gun de Porto Novo (Benín) hacen el kubitó, ceremonia mortuoria donde los participantes, con técnicas de prestidigitación, desaparecen del público; los ibo de Nigeria celebran el odo, sobre los muertos que retornan; los dogon de Malípractican el sigui cada 60 años, en celebración del primer hombre que murió; los abidji de Costa de Marfil tienen el dipri, fiesta agrícola de año nuevo, donde se clavan cuchillos en el vientre, cicatrizando luego las heridas con una pasta. En la América precolombina se desarrolló una forma de teatro en las culturas maya, inca y azteca: el maya estaba relacionado con fiestas agrícolas, e ilustraba historias del Popol Vuh; el azteca desarrolló notablemente la mímica, y tenía dos vertientes, una religiosa y otra burlesca; el inca, escrito en quechua, servía a intereses del estado.La Historia del teatro estudia la evolución del arte dramático a través del tiempo. El concepto de teatro es muy amplio: cualquier grupo de gente que desarrolla un espectáculo en un tiempo y espacio determinados forman un espectáculo teatral. El teatro tiene una base literaria, un guion o argumento escrito por un dramaturgo. Pero ese texto dramático requiere una puesta en acción, para la cual es imprescindible la interpretación por medio de actores o personajes que desarrollen la acción, así como elementos como la escenografía y decorados, la iluminación, el maquillaje, el vestuario, etc. Ciertos espectáculos pueden ser igualmente sin texto, como en el caso de la mímica y la pantomima, donde destaca la expresión gestual. Por otro lado, un elemento indispensable para la comunicación es la presencia de un público. El teatro tiene una función de socialización de las relaciones humanas, ya que presenta cierto grado de ritualización.