HARTECONTEMPORÁNEO

REVISTA DEL HARTISMONÚMERO 0

QUIÉNES SOMOS LOS HARTISTAS

El Hartismo acaba de nacer. En tus manos tienes nuestro Manifiesto, incluído en el Número 0 de nuestra revista.

Con ella nos comunicaremos contigo si tú también estás HARTO, y tú también podrás hacerlo colaborando con tus artículos, opiniones, o lo que quieras.

Los fundadores de este grupo somos tres artistas gallegos, pintores, que nos conocimos en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra, en un entorno hostil, donde el anti-arte, el conceptualismo y el desprecio a la belleza y la técnica eran la norma... y el criterio de evaluación. Allí editamos, en 1991, una revista clandestina (la de la A.C.M.E.-asociación clandestina por un mestizaje estético-) que recibió el apoyo de muchos alumnos, y donde ya empezaba a tomar forma lo que hoy es el Hartismo.

En 1999, se fundó en Londres el grupo Stuckism International, un movimiento artístico, en cuyo Manifiesto expresaron su repulsa por el Arte Oficial de un modo contundente y serio. Los stuckists han logrado un gran éxito, y hoy son tomados muy en serio dentro y fuera de Gran Bretaña. Han conseguido formar un auténtico frente de protesta, a nivel mundial, ante la dictadura estética que padecemos.

El Hartismo supone nuestra variante o versión del Stuckism, preludiada por la revista de la ACME, y que nace con vocación tan personal y local como universal.

Los fundadores del Hartismo somos:

! Mariano Casas Gil,pintor, licenciado en Bellas Artes en Pontevedra. Vive en Santiago de Compostela (A Coruña).

! Carmen Martín Serantes,pintora, licenciada en Bellas Artes en Barcelona. Vive en Ferrol (A Coruña).

! Miguel-Anxo Varela,pintor, licenciado en Bellas Artes en Barcelona. Vive en Ferrol (A Coruña).

!

Además de las webs y blogs, que puedes encontrar en nuestra página hartismo.com, el Hartismo tiene ya dos sedes permanentes:

! El Estudio de Mariano, en Santiago de Compostela.En Vistalegre, en Santiago. Puedes visitarlo en elestudiodemariano.blogspot.com

! Escola Aberta de Arte, en Ferrol.Situada en la Calle del Sol, nº 11, bajo. Horario: martes, jueves y sábados de 11 a 13,30. Http://www.escolaaberta.com/

ESTE ES EL NÚMERO 0 DE LA REVISTA HARTE CONTEMPORÁNEO, EDITADO POR LOS MIEMBROS DEL HARTISMO, E IMPRESO EN UNA EDICIÓN LIMITADA PARA EL DÍA DE NUESTRA PRESENTACIÓN, EL 17-10-08 EN SANTIAGO.LOS SUCESIVOS NÚMEROS TAMBIÉN SERÁN GRATUITOS Y DESCARGABLES EN PDF EN NUESTRA WEB HARTISMO.COMNOS GUSTARÍA CONTAR CON TU PARTICIPACIÓN...

A comienzos del siglo XX cada movimiento vanguardista nacía de la inquietud de un grupo de artistas que lanzaba al mundo una serie de intenciones, recogidas en un manifiesto. Normalmente se mostraban HARTOS de su situación y hacían recuento de sus filias y fobias, indicando así su ideario.

Hoy, un siglo después, en la época del supuesto triunfo de la Vanguardia, los movimientos artísticos son cosa de los comisarios, que recorren galerías y centros de estudio buscando “artistas emergentes” que ilustren su idea para ese año de lo que debe ser la novedad en arte. Ya nadie cuenta con los artistas. Hemos pasado de ser los que protestaban y revolucionaban el mundo a ser sólo espectadores de un banquete ajeno, del que sólo tenemos derecho a las migajas.

Hace años que los movimientos artísticos del arte oficial no nacen de la inquietud de los artistas. Y hace años que los manifiestos artísticos se consideran anacrónicos. Pero hoy, más que nunca, los artistas necesitamos alzar la voz, y ¿por qué no? publicar manifiestos.

Nosotros, como antaño nuestros bisabuelos, estamos ya HARTOS de esta situación absurda e injusta que en el mundo del arte se ha aceptado como normal. Hartos de que la pintura, el dibujo y la escultura, pese a vivir un momento grandioso, se ignoren en los salones oficiales de hoy en día, como si no existieran, como si hubiesen muerto. Hartos de que la atención mediática y los dineros públicos vayan a un tipo de arte y de artistas que suponen una ínfima minoría, que no representa a la realidad de nuestra profesión. Hartos de que el arte se haya convertido en un espectáculo de feria para millonarios. Hartos del elitismo y la hipocresía. Hartos del arte oficial.

Por eso fundamos hoy nuestro movimiento artístico llamado Hartismo. Y como antaño, los (H)artistas queremos presentarnos al mundo con este Manifiesto.

MANIFIESTO HARTISTA

Contra el anti-arte, el conceptualismo, la impostura y el culto al artista ególatra.

El arte es de todos.

1. Estamos HARTOS del arte oficial. Ese arte, sus artistas y su entorno se han vuelto tan soberbios, tan vanidosos, que creen vivir por encima del mundo,

Manifiesto HARTISTA

QUIÉNES SOMOS LOS HARTISTAS

El Hartismo acaba de nacer. En tus manos tienes nuestro Manifiesto, incluído en el Número 0 de nuestra revista.

Con ella nos comunicaremos contigo si tú también estás HARTO, y tú también podrás hacerlo colaborando con tus artículos, opiniones, o lo que quieras.

Los fundadores de este grupo somos tres artistas gallegos, pintores, que nos conocimos en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra, en un entorno hostil, donde el anti-arte, el conceptualismo y el desprecio a la belleza y la técnica eran la norma... y el criterio de evaluación. Allí editamos, en 1991, una revista clandestina (la de la A.C.M.E.-asociación clandestina por un mestizaje estético-) que recibió el apoyo de muchos alumnos, y donde ya empezaba a tomar forma lo que hoy es el Hartismo.

En 1999, se fundó en Londres el grupo Stuckism International, un movimiento artístico, en cuyo Manifiesto expresaron su repulsa por el Arte Oficial de un modo contundente y serio. Los stuckists han logrado un gran éxito, y hoy son tomados muy en serio dentro y fuera de Gran Bretaña. Han conseguido formar un auténtico frente de protesta, a nivel mundial, ante la dictadura estética que padecemos.

El Hartismo supone nuestra variante o versión del Stuckism, preludiada por la revista de la ACME, y que nace con vocación tan personal y local como universal.

Los fundadores del Hartismo somos:

! Mariano Casas Gil,pintor, licenciado en Bellas Artes en Pontevedra. Vive en Santiago de Compostela (A Coruña).

! Carmen Martín Serantes,pintora, licenciada en Bellas Artes en Barcelona. Vive en Ferrol (A Coruña).

! Miguel-Anxo Varela,pintor, licenciado en Bellas Artes en Barcelona. Vive en Ferrol (A Coruña).

!

Además de las webs y blogs, que puedes encontrar en nuestra página hartismo.com, el Hartismo tiene ya dos sedes permanentes:

! El Estudio de Mariano, en Santiago de Compostela.En Vistalegre, en Santiago. Puedes visitarlo en elestudiodemariano.blogspot.com

! Escola Aberta de Arte, en Ferrol.Situada en la Calle del Sol, nº 11, bajo. Horario: martes, jueves y sábados de 11 a 13,30. Http://www.escolaaberta.com/

ESTE ES EL NÚMERO 0 DE LA REVISTA HARTE CONTEMPORÁNEO, EDITADO POR LOS MIEMBROS DEL HARTISMO, E IMPRESO EN UNA EDICIÓN LIMITADA PARA EL DÍA DE NUESTRA PRESENTACIÓN, EL 17-10-08 EN SANTIAGO.LOS SUCESIVOS NÚMEROS TAMBIÉN SERÁN GRATUITOS Y DESCARGABLES EN PDF EN NUESTRA WEB HARTISMO.COMNOS GUSTARÍA CONTAR CON TU PARTICIPACIÓN...

A comienzos del siglo XX cada movimiento vanguardista nacía de la inquietud de un grupo de artistas que lanzaba al mundo una serie de intenciones, recogidas en un manifiesto. Normalmente se mostraban HARTOS de su situación y hacían recuento de sus filias y fobias, indicando así su ideario.

Hoy, un siglo después, en la época del supuesto triunfo de la Vanguardia, los movimientos artísticos son cosa de los comisarios, que recorren galerías y centros de estudio buscando “artistas emergentes” que ilustren su idea para ese año de lo que debe ser la novedad en arte. Ya nadie cuenta con los artistas. Hemos pasado de ser los que protestaban y revolucionaban el mundo a ser sólo espectadores de un banquete ajeno, del que sólo tenemos derecho a las migajas.

Hace años que los movimientos artísticos del arte oficial no nacen de la inquietud de los artistas. Y hace años que los manifiestos artísticos se consideran anacrónicos. Pero hoy, más que nunca, los artistas necesitamos alzar la voz, y ¿por qué no? publicar manifiestos.

Nosotros, como antaño nuestros bisabuelos, estamos ya HARTOS de esta situación absurda e injusta que en el mundo del arte se ha aceptado como normal. Hartos de que la pintura, el dibujo y la escultura, pese a vivir un momento grandioso, se ignoren en los salones oficiales de hoy en día, como si no existieran, como si hubiesen muerto. Hartos de que la atención mediática y los dineros públicos vayan a un tipo de arte y de artistas que suponen una ínfima minoría, que no representa a la realidad de nuestra profesión. Hartos de que el arte se haya convertido en un espectáculo de feria para millonarios. Hartos del elitismo y la hipocresía. Hartos del arte oficial.

Por eso fundamos hoy nuestro movimiento artístico llamado Hartismo. Y como antaño, los (H)artistas queremos presentarnos al mundo con este Manifiesto.

MANIFIESTO HARTISTA

Contra el anti-arte, el conceptualismo, la impostura y el culto al artista ególatra.

El arte es de todos.

1. Estamos HARTOS del arte oficial. Ese arte, sus artistas y su entorno se han vuelto tan soberbios, tan vanidosos, que creen vivir por encima del mundo,

Manifiesto HARTISTA

ocupados sólo en mirarse el ombligo, y debatir sobre el sexo de los ángeles. Aquí abajo, los hartistas trabajamos con nuestras manos, en y para el mundo real, haciendo del arte nuestro día a día y buscando en él nuestro sustento. El Hartismo es una apuesta por la humildad, la honestidad y la sencillez. Para los hartistas el arte es una profesión más, ni divina ni especial, y como en cualquier otra profesión la excelencia se logra sólo tras años de práctica seria y continuada.

2. Estamos HARTOS de elitismo, de que el arte sea sólo para unos pocos privilegiados. Queremos que el arte sea devuelto al público, a las calles. Que salga de su encierro e impregne de nuevo la vida cotidiana, embelleciendo cornisas, farolas, rótulos... Rechazamos las galerías y museos elitistas del arte oficial, a los que nadie entra; salas vacías e impolutas, como templos de un dios inaccesible. Queremos salas acogedoras, con asientos cómodos donde ver los cuadros de cerca, charlando tranquilamente mientras se toma un café.

3. Estamos HARTOS de dejar que sólo opinen gurús y “expertos”. El Hartismo anima al público a que opine libre y sinceramente sobre arte, y más sobre el arte actual. Porque el arte es de todos, también de quienes lo pagamos con nuestros impuestos. La mayor parte de las personas se ríen en confianza de los estrambóticos montajes que el Poder presenta como arte. ¿Por qué hacerlo sólo en privado? Riámonos abiertamente del arte oficial, de las cosas pretenciosas, ridículas y huecas que las pretenciosas, ridículas y huecas mentes de comisarios, artistillas y políticos nos presentan como Arte con mayúsculas.

4. Estamos HARTOS de oír una y otra vez la consigna interesada de que el arte ha muerto, la pintura ha muerto. La evidencia es otra; lo que vive pese a todas las dificultades, pese al ninguneo de que es objeto, es la pintura. En cambio, lo que necesita inyecciones constantes de dinero público para sobrevivir son las “modernas” manifestaciones del arte oficial. Los hartistas estamos hartos de que el dinero público se destine a sufragar actividades extravagantes, propias de una atracción de feria, que avergüenzan a la mayoría de la población, que es quien las paga, y no gustan a nadie. Actividades y actitudes que están logrando desprestigiar al arte actual y a los artistas que queremos practicar nuestra profesión con seriedad.

5. Estamos HARTOS del anti-arte. Partiendo de una idea jocosa de Duchamp en determinado momento histórico, el anti-arte ha llegado a ser el nuevo academicismo, el nuevo arte oficial. Justo el enemigo contra el que se acuñó el término. El propio Duchamp rechazaba que sus Ready-Made se tomasen como arte... nosotros preferimos creer a Duchamp que a sus exégetas. Nada tendríamos contra el anti-arte si no fuera por un pequeño detalle: el anti-arte no quiere convivir con el arte; tiene como propósito su negación, y necesita exterminarlo para poder ocupar su lugar. Los anti-artistas saben que si hay arte cerca nadie presta atención al anti-arte: ante un buen cuadro y una lata de caca la gente normal suele preferir el cuadro. Por eso, los anti-artistas necesitan a toda costa convencernos de que la pintura no vale, de que hay que despreciarla, exterminarla o al menos arrinconarla en un lugar olvidado para

que así podamos valorar como si fuera arte lo que ellos “hacen”. Por eso gastan tanta tinta y saliva en discursos. Tienen largos y enrevesados discursos sobre muchos temas: sobre la muerte del arte, sobre lo desfasada que está la pintura, sobre lo superada que está la belleza... Tras casi un siglo desde su primera aparición, el anti-arte prácticamente ha monopolizado la atención mediática, invade las escuelas y desvía hacia sí la mayor parte del dinero público invertido en las artes. Poco a poco está logrando su objetivo: va arrinconando al arte, suplantándolo en todas sus facetas: artistas, obras, salas, críticos... todo tiene su versión anti-artística que sustituye a su equivalente artístico. Los hartistas estamos hartos de este crimen tolerado y hasta alentado por la oficialidad, y denunciamos esta suplantación parasitaria. El Hartismo es un movimiento anti-anti-arte. No es posible convivir armoniosamente con un cáncer agresivo, que te devora desde dentro; es necesario luchar contra él, encontrarlo, aislarlo y extirparlo para que no siga avanzando y llegue a matarnos. No obstante, el Hartismo, como muestra de buena voluntad, está abierto a recibir a los anti-artistas que quieran reciclarse, aprendiendo técnica e intentando ser sinceros por primera vez en su vida.

6. Estamos HARTOS del conceptualismo. Todo el mundo tiene miles de ideas cada día, muchas de ellas geniales. Nada más corriente que tener ideas. Lo que distingue al artista es la capacidad de sacar partido a las ideas creando obras valiosas de por sí. La idea es un pretexto para llegar a una obra, y no al revés.

7. Estamos HARTOS de que cualquier cosa se nos pueda presentar como arte. Si algo necesita estar expuesto en una galería y necesitamos que además nos expliquen una serie de ingeniosas historias para que podamos entenderla y considerarla como obra de arte, es que eso no era arte, sino una refinada tomadura de pelo. Una lata llena de caca es tan sólo una lata llena de caca, por más filosofías de andar por casa que la adornen. También rechazamos enérgicamente la idea de que el proceso es más valioso que la obra, de que sólo el valor “performático” constituye el hecho artístico. Es evidente que todas las artes tienen un proceso, y hasta un rito. Incluso el dueño de un bar que, aburrido, hace una tortilla de patatas, sigue un proceso fascinante y no exento de ritual. Pero el proceso, el rito, sólo tiene sentido porque al final se llega a un resultado. Nadie se come el emocionante proceso de preparación de la tortilla, sino la tortilla.

8. Estamos HARTOS de que se utilice la originalidad, la novedad o “modernidad” como patrones con los que medir el valor de las obras de arte y los artistas. Conceptos entendidos de forma perversa y profundamente estúpida, como valores absolutos, cuando dependen totalmente de la cultura -o mejor, incultura- de quien observa. Pero a pesar de su obsesión por lo nuevo, paradójicamente, el arte oficial está llegando, como la moda, a una reiteración grotesca de formas, maneras e ideas que insulta a la inteligencia. Porque el arte de vanguardia es como una lengua muerta. Se inventa siguiendo reglas que ya no reciben el impulso vital de quienes la crearon.

ocupados sólo en mirarse el ombligo, y debatir sobre el sexo de los ángeles. Aquí abajo, los hartistas trabajamos con nuestras manos, en y para el mundo real, haciendo del arte nuestro día a día y buscando en él nuestro sustento. El Hartismo es una apuesta por la humildad, la honestidad y la sencillez. Para los hartistas el arte es una profesión más, ni divina ni especial, y como en cualquier otra profesión la excelencia se logra sólo tras años de práctica seria y continuada.

2. Estamos HARTOS de elitismo, de que el arte sea sólo para unos pocos privilegiados. Queremos que el arte sea devuelto al público, a las calles. Que salga de su encierro e impregne de nuevo la vida cotidiana, embelleciendo cornisas, farolas, rótulos... Rechazamos las galerías y museos elitistas del arte oficial, a los que nadie entra; salas vacías e impolutas, como templos de un dios inaccesible. Queremos salas acogedoras, con asientos cómodos donde ver los cuadros de cerca, charlando tranquilamente mientras se toma un café.

3. Estamos HARTOS de dejar que sólo opinen gurús y “expertos”. El Hartismo anima al público a que opine libre y sinceramente sobre arte, y más sobre el arte actual. Porque el arte es de todos, también de quienes lo pagamos con nuestros impuestos. La mayor parte de las personas se ríen en confianza de los estrambóticos montajes que el Poder presenta como arte. ¿Por qué hacerlo sólo en privado? Riámonos abiertamente del arte oficial, de las cosas pretenciosas, ridículas y huecas que las pretenciosas, ridículas y huecas mentes de comisarios, artistillas y políticos nos presentan como Arte con mayúsculas.

4. Estamos HARTOS de oír una y otra vez la consigna interesada de que el arte ha muerto, la pintura ha muerto. La evidencia es otra; lo que vive pese a todas las dificultades, pese al ninguneo de que es objeto, es la pintura. En cambio, lo que necesita inyecciones constantes de dinero público para sobrevivir son las “modernas” manifestaciones del arte oficial. Los hartistas estamos hartos de que el dinero público se destine a sufragar actividades extravagantes, propias de una atracción de feria, que avergüenzan a la mayoría de la población, que es quien las paga, y no gustan a nadie. Actividades y actitudes que están logrando desprestigiar al arte actual y a los artistas que queremos practicar nuestra profesión con seriedad.

5. Estamos HARTOS del anti-arte. Partiendo de una idea jocosa de Duchamp en determinado momento histórico, el anti-arte ha llegado a ser el nuevo academicismo, el nuevo arte oficial. Justo el enemigo contra el que se acuñó el término. El propio Duchamp rechazaba que sus Ready-Made se tomasen como arte... nosotros preferimos creer a Duchamp que a sus exégetas. Nada tendríamos contra el anti-arte si no fuera por un pequeño detalle: el anti-arte no quiere convivir con el arte; tiene como propósito su negación, y necesita exterminarlo para poder ocupar su lugar. Los anti-artistas saben que si hay arte cerca nadie presta atención al anti-arte: ante un buen cuadro y una lata de caca la gente normal suele preferir el cuadro. Por eso, los anti-artistas necesitan a toda costa convencernos de que la pintura no vale, de que hay que despreciarla, exterminarla o al menos arrinconarla en un lugar olvidado para

que así podamos valorar como si fuera arte lo que ellos “hacen”. Por eso gastan tanta tinta y saliva en discursos. Tienen largos y enrevesados discursos sobre muchos temas: sobre la muerte del arte, sobre lo desfasada que está la pintura, sobre lo superada que está la belleza... Tras casi un siglo desde su primera aparición, el anti-arte prácticamente ha monopolizado la atención mediática, invade las escuelas y desvía hacia sí la mayor parte del dinero público invertido en las artes. Poco a poco está logrando su objetivo: va arrinconando al arte, suplantándolo en todas sus facetas: artistas, obras, salas, críticos... todo tiene su versión anti-artística que sustituye a su equivalente artístico. Los hartistas estamos hartos de este crimen tolerado y hasta alentado por la oficialidad, y denunciamos esta suplantación parasitaria. El Hartismo es un movimiento anti-anti-arte. No es posible convivir armoniosamente con un cáncer agresivo, que te devora desde dentro; es necesario luchar contra él, encontrarlo, aislarlo y extirparlo para que no siga avanzando y llegue a matarnos. No obstante, el Hartismo, como muestra de buena voluntad, está abierto a recibir a los anti-artistas que quieran reciclarse, aprendiendo técnica e intentando ser sinceros por primera vez en su vida.

6. Estamos HARTOS del conceptualismo. Todo el mundo tiene miles de ideas cada día, muchas de ellas geniales. Nada más corriente que tener ideas. Lo que distingue al artista es la capacidad de sacar partido a las ideas creando obras valiosas de por sí. La idea es un pretexto para llegar a una obra, y no al revés.

7. Estamos HARTOS de que cualquier cosa se nos pueda presentar como arte. Si algo necesita estar expuesto en una galería y necesitamos que además nos expliquen una serie de ingeniosas historias para que podamos entenderla y considerarla como obra de arte, es que eso no era arte, sino una refinada tomadura de pelo. Una lata llena de caca es tan sólo una lata llena de caca, por más filosofías de andar por casa que la adornen. También rechazamos enérgicamente la idea de que el proceso es más valioso que la obra, de que sólo el valor “performático” constituye el hecho artístico. Es evidente que todas las artes tienen un proceso, y hasta un rito. Incluso el dueño de un bar que, aburrido, hace una tortilla de patatas, sigue un proceso fascinante y no exento de ritual. Pero el proceso, el rito, sólo tiene sentido porque al final se llega a un resultado. Nadie se come el emocionante proceso de preparación de la tortilla, sino la tortilla.

8. Estamos HARTOS de que se utilice la originalidad, la novedad o “modernidad” como patrones con los que medir el valor de las obras de arte y los artistas. Conceptos entendidos de forma perversa y profundamente estúpida, como valores absolutos, cuando dependen totalmente de la cultura -o mejor, incultura- de quien observa. Pero a pesar de su obsesión por lo nuevo, paradójicamente, el arte oficial está llegando, como la moda, a una reiteración grotesca de formas, maneras e ideas que insulta a la inteligencia. Porque el arte de vanguardia es como una lengua muerta. Se inventa siguiendo reglas que ya no reciben el impulso vital de quienes la crearon.

Una vanguardia de laboratorio, hecha por expertos a imagen de la que se conserva disecada en libros y museos. Los grandes gurús del arte oficial dan el certificado de novedoso, atrevido, transgresor o rupturista tan sólo lo que siga alguna fórmula vieja, comprobada infinitas veces, que respeta los cánones de lo que debe ser la vanguardia, sin apartarse de la norma ortodoxa.

9. Estamos HARTOS de la importancia que se le da a los estilos, a los -ismos. Pintar es un acto personal y cada persona es única. Las etiquetas son sólo una manera de ordenar el conocimiento que la Historia del Arte construye, y a los artistas deberían importarnos bien poco. Creemos que lo importante no es pintar según un estilo u otro, sino hacerlo “con estilo”, es decir, bien.

10. Estamos HARTOS de que los que no utilizan sus manos se autodenominen artistas. Para ser artista hay que pintar, esculpir, dibujar... no basta con pensar. Ya nos hemos cansado de los caraduras que no dan un palo al agua y se convierten en artistas por la Gracia Divina o por la del gurú de turno ¡El arte para quien lo trabaja!

11. Estamos HARTOS de trascendentalismos. Los hartistas pintamos porque pintar es lo importante. Pintar no necesita sesudas justificaciones ni excusas. Es una necesidad y un placer. Sólo dibujar y pintar día a día nos hace artistas. A los que tienen dudas sobre este particular los animamos a dedicarse a otra profesión, hay gran demanda de charlatanes entre los políticos y los vendedores.

12. Estamos HARTOS del desprecio a la tradición. Porque el ser humano construye siempre a partir de lo conocido. Rechazar la tradición artística es rechazar la posibilidad de innovación, al rechazar toda referencia, todo apoyo. Nuestro movimiento no es una vanguardia, pero tampoco una contravanguardia. Los avances aportados por las vanguardias históricas ya han sido integrados en la tradición pictórica hace décadas, y por artistas de talento. Esta tradición, enriquecida por aportaciones vanguardistas, constituye la base de nuestra cultura artística común y nuestro acervo técnico actual.

13. Estamos HARTOS de la visión sesgada que se está dando de la historia del arte del siglo XX (y XXI). Es necesario, por el bien del arte y la dignidad de la profesión del historiador del arte una revisión crítica y en profundidad de los postulados sobre los que descansa el relato histórico. Creemos que la Crítica de Arte, con sus teorías vistosas pero interesadas, ha logrado someter no sólo a los artistas, sino a la misma Historia del Arte: se sigue sobrevalorando la importancia de las vanguardias del siglo XX, minimizando el hecho de que se han agotado y muerto en seguida y han sido resucitadas y mantenidas con vida artificialmente. La evidencia documental es apabullante, tan sólo es preciso que los historiadores hagan el trabajo pendiente, registrando los cientos de maestros notables que han estado trabajando e influyendo en sucesivas generaciones de pintores hasta nuestros días, sin alinearse exactamente con vanguardia alguna. La historiografía oficial, que se plantea el arte del siglo XX como una sucesión vertiginosa de movimientos vanguardistas cada vez más extremos es forzada, artificial. Se basa en una ideología (el vanguardismo) y no en la

narración objetiva de los hechos. Hay tantos artistas “fuera de su época” que todo este modelo teórico se desmorona: Ben Shahn, Hopper, Balthus, Guttuso, Hockney, Freud, Kitaj... son figuras muy influyentes, pero no encajan ni con calzador en una historia contada como una sucesión permanente de vanguardias cada vez más radicales.Creemos que el trabajo pendiente de investigación sobre el arte del siglo XX supone un reto y un estímulo magníficos para los historiadores. Las fuentes, documentos, incluso las obras están ahí esperando a ser estudiadas de manera seria, metódica y objetiva.

14. Estamos HARTOS de que se desprecie y extirpe siempre la belleza de todo discurso pretendidamente artístico. Para el Hartismo la belleza es el objetivo último del arte. Rechazamos la pobreza formal del arte oficial, y el esteticismo inverso que hace del cutrerío y la fealdad infinita la máxima aspiración. Esto no significa que nuestro arte se base en viejos esteticismos revenidos, ñoños, cursis. Los temas crudos y desagradables también tienen cabida en el arte hartista. Es la preocupación por lograr una forma armónica, bien construida, lo que los hartistas consideramos principalmente búsqueda de la belleza.

15. Estamos HARTOS del rol asignado al artista de hoy. La pomposa gloria vana, los premios, las bienales, los catálogos y la adulación, constituyan el objetivo vital del artista oficial. Gente sin vocación, sin oficio, con una vida volcada en los actos sociales, lejos del placer de dibujar, del misterio de la pintura, del descubrimiento de nuevos mundos en su interior. Lejos, en definitiva, del olor y el tacto de los materiales del taller. Por el contrario, el éxito para un hartista es poder levantarse cada mañana y pintar.

16. Estamos HARTOS del sistema actual de enseñanza en muchas de las escuelas de arte oficiales. El aprendiz de artista necesita más la práctica que la teoría, pero a nuestros jóvenes se les llena la cabeza de palabrería hueca e inútil, descuidando sin querer -o a propósito- la enseñanza técnica y la práctica extensa que permitirían desarrollar sus habilidades. No entendemos que se niegue a los estudiantes ese derecho. Reivindicamos el valor del dibujo y específicamente el dibujo del natural como base de todas las artes visuales.

17. Estamos HARTOS de la fascinación por las nuevas tecnologías. Los nuevos materiales y técnicas, las tecnologías informáticas o audiovisuales no nos apabullan ni deslumbran, simplemente son parte de la realidad de nuestros recursos actuales, y los utilizamos con normalidad como una herramienta más. A más de un siglo de distancia de la primera película, a más de 40 años del primer ordenador, es una verdadera estupidez seguir babeando por descubrir que el vídeo o la informática existen. Estamos hartos de que esta fascinación bobalicona por el medio o la técnica utilizada cieguen el sentido crítico de todos, haciéndonos tragar bodrios infumables en aras de la supuesta novedad o ingeniosidad del medio utilizado.

18. Estamos HARTOS de que la pintura sea el cajón de sastre donde meter cualquier cosa. Continuamente se nos presenta como artes plásticas lo que en realidad son escenografías, obras de teatro, fotografías, cine... siempre que su calidad sea pobre o nula, pues cuando son buenos esas artes las reclaman,

Una vanguardia de laboratorio, hecha por expertos a imagen de la que se conserva disecada en libros y museos. Los grandes gurús del arte oficial dan el certificado de novedoso, atrevido, transgresor o rupturista tan sólo lo que siga alguna fórmula vieja, comprobada infinitas veces, que respeta los cánones de lo que debe ser la vanguardia, sin apartarse de la norma ortodoxa.

9. Estamos HARTOS de la importancia que se le da a los estilos, a los -ismos. Pintar es un acto personal y cada persona es única. Las etiquetas son sólo una manera de ordenar el conocimiento que la Historia del Arte construye, y a los artistas deberían importarnos bien poco. Creemos que lo importante no es pintar según un estilo u otro, sino hacerlo “con estilo”, es decir, bien.

10. Estamos HARTOS de que los que no utilizan sus manos se autodenominen artistas. Para ser artista hay que pintar, esculpir, dibujar... no basta con pensar. Ya nos hemos cansado de los caraduras que no dan un palo al agua y se convierten en artistas por la Gracia Divina o por la del gurú de turno ¡El arte para quien lo trabaja!

11. Estamos HARTOS de trascendentalismos. Los hartistas pintamos porque pintar es lo importante. Pintar no necesita sesudas justificaciones ni excusas. Es una necesidad y un placer. Sólo dibujar y pintar día a día nos hace artistas. A los que tienen dudas sobre este particular los animamos a dedicarse a otra profesión, hay gran demanda de charlatanes entre los políticos y los vendedores.

12. Estamos HARTOS del desprecio a la tradición. Porque el ser humano construye siempre a partir de lo conocido. Rechazar la tradición artística es rechazar la posibilidad de innovación, al rechazar toda referencia, todo apoyo. Nuestro movimiento no es una vanguardia, pero tampoco una contravanguardia. Los avances aportados por las vanguardias históricas ya han sido integrados en la tradición pictórica hace décadas, y por artistas de talento. Esta tradición, enriquecida por aportaciones vanguardistas, constituye la base de nuestra cultura artística común y nuestro acervo técnico actual.

13. Estamos HARTOS de la visión sesgada que se está dando de la historia del arte del siglo XX (y XXI). Es necesario, por el bien del arte y la dignidad de la profesión del historiador del arte una revisión crítica y en profundidad de los postulados sobre los que descansa el relato histórico. Creemos que la Crítica de Arte, con sus teorías vistosas pero interesadas, ha logrado someter no sólo a los artistas, sino a la misma Historia del Arte: se sigue sobrevalorando la importancia de las vanguardias del siglo XX, minimizando el hecho de que se han agotado y muerto en seguida y han sido resucitadas y mantenidas con vida artificialmente. La evidencia documental es apabullante, tan sólo es preciso que los historiadores hagan el trabajo pendiente, registrando los cientos de maestros notables que han estado trabajando e influyendo en sucesivas generaciones de pintores hasta nuestros días, sin alinearse exactamente con vanguardia alguna. La historiografía oficial, que se plantea el arte del siglo XX como una sucesión vertiginosa de movimientos vanguardistas cada vez más extremos es forzada, artificial. Se basa en una ideología (el vanguardismo) y no en la

narración objetiva de los hechos. Hay tantos artistas “fuera de su época” que todo este modelo teórico se desmorona: Ben Shahn, Hopper, Balthus, Guttuso, Hockney, Freud, Kitaj... son figuras muy influyentes, pero no encajan ni con calzador en una historia contada como una sucesión permanente de vanguardias cada vez más radicales.Creemos que el trabajo pendiente de investigación sobre el arte del siglo XX supone un reto y un estímulo magníficos para los historiadores. Las fuentes, documentos, incluso las obras están ahí esperando a ser estudiadas de manera seria, metódica y objetiva.

14. Estamos HARTOS de que se desprecie y extirpe siempre la belleza de todo discurso pretendidamente artístico. Para el Hartismo la belleza es el objetivo último del arte. Rechazamos la pobreza formal del arte oficial, y el esteticismo inverso que hace del cutrerío y la fealdad infinita la máxima aspiración. Esto no significa que nuestro arte se base en viejos esteticismos revenidos, ñoños, cursis. Los temas crudos y desagradables también tienen cabida en el arte hartista. Es la preocupación por lograr una forma armónica, bien construida, lo que los hartistas consideramos principalmente búsqueda de la belleza.

15. Estamos HARTOS del rol asignado al artista de hoy. La pomposa gloria vana, los premios, las bienales, los catálogos y la adulación, constituyan el objetivo vital del artista oficial. Gente sin vocación, sin oficio, con una vida volcada en los actos sociales, lejos del placer de dibujar, del misterio de la pintura, del descubrimiento de nuevos mundos en su interior. Lejos, en definitiva, del olor y el tacto de los materiales del taller. Por el contrario, el éxito para un hartista es poder levantarse cada mañana y pintar.

16. Estamos HARTOS del sistema actual de enseñanza en muchas de las escuelas de arte oficiales. El aprendiz de artista necesita más la práctica que la teoría, pero a nuestros jóvenes se les llena la cabeza de palabrería hueca e inútil, descuidando sin querer -o a propósito- la enseñanza técnica y la práctica extensa que permitirían desarrollar sus habilidades. No entendemos que se niegue a los estudiantes ese derecho. Reivindicamos el valor del dibujo y específicamente el dibujo del natural como base de todas las artes visuales.

17. Estamos HARTOS de la fascinación por las nuevas tecnologías. Los nuevos materiales y técnicas, las tecnologías informáticas o audiovisuales no nos apabullan ni deslumbran, simplemente son parte de la realidad de nuestros recursos actuales, y los utilizamos con normalidad como una herramienta más. A más de un siglo de distancia de la primera película, a más de 40 años del primer ordenador, es una verdadera estupidez seguir babeando por descubrir que el vídeo o la informática existen. Estamos hartos de que esta fascinación bobalicona por el medio o la técnica utilizada cieguen el sentido crítico de todos, haciéndonos tragar bodrios infumables en aras de la supuesta novedad o ingeniosidad del medio utilizado.

18. Estamos HARTOS de que la pintura sea el cajón de sastre donde meter cualquier cosa. Continuamente se nos presenta como artes plásticas lo que en realidad son escenografías, obras de teatro, fotografías, cine... siempre que su calidad sea pobre o nula, pues cuando son buenos esas artes las reclaman,

lógicamente, para sí. Con la excusa de que “hay que abrir fronteras”, nos hemos dejado robar el terreno y hasta el nombre: ¿cuántos concursos y salones de pintura han premiado instalaciones, performances, fotos, vídeos? Recuperemos para la pintura sus lugares y usos naturales.

19. Estamos HARTOS de las eternamente prometidas “nuevas propuestas”. El nacimiento de verdaderas nuevas artes será siempre bienvenido, pero no hay razón objetiva para multiplicar las categorías, creando nuevas artes como “performance”, “instalación” o “videoarte”: entes borrosos que nunca terminan de independizarse del seno de las artes plásticas tradicionales. Cuando algo realmente nuevo llega -como en el siglo pasado el cómic o el cine- se abre paso por sí mismo, con fuerza arrolladora, sin deber su existencia a una indefinición nebulosa. En su mayoría estas supuestas nuevas artes son maneras de esconder la incapacidad de crear buen teatro, buena escenografía, buen cine o en definitiva, buena pintura.

20. Estamos HARTOS de que se nos quiera tachar de minoría. Aunque los fundadores del Hartismo somos gallegos, el Hartismo es una tendencia con vocación universal. No somos cuatro locos aislados en el noroeste peninsular contra la tendencia general; realmente, la mayor parte de la gente piensa lo mismo que nosotros. Nuestro movimiento está afiliado al Movimiento Stuckist (www.stuckism.com), que lleva desde el año 1999 contestando al arte oficial y hoy está presente en 40 países, con más de 180 sedes repartidas por todo el mundo. El hartismo incluye a todas las artes y a todos los aspectos de la cultura, aunque comience como la revuelta de unos pintores.

El Hartismo es un punto de partida pero también un objetivo. Queremos recuperar la normalidad, la sinceridad y la sencillez de nuestra profesión. Que pintar sea sólo pintar, sin extravagantes ropajes que disfrazan al arte de lo que no es.

Aspiramos a ser el niño en el cuento “El Traje Nuevo del Emperador”, diciendo a la sociedad lo que todos piensan pero nadie se atreve a decir.

Puedes leer el Manifiesto Hartista en:http://www.hartismo.com/manifiesto.html

o descargarlo (pdf): http://www.hartismo.com/descargas/manifiesto_hartista.html

Si quieres ayudar en la traducción a otros idiomas escríbenos a:info@hartismo.com

D A

I OF

PORTAA H

RR SN ORD

PINTOR...

NO HUYAS

MÁS

lógicamente, para sí. Con la excusa de que “hay que abrir fronteras”, nos hemos dejado robar el terreno y hasta el nombre: ¿cuántos concursos y salones de pintura han premiado instalaciones, performances, fotos, vídeos? Recuperemos para la pintura sus lugares y usos naturales.

19. Estamos HARTOS de las eternamente prometidas “nuevas propuestas”. El nacimiento de verdaderas nuevas artes será siempre bienvenido, pero no hay razón objetiva para multiplicar las categorías, creando nuevas artes como “performance”, “instalación” o “videoarte”: entes borrosos que nunca terminan de independizarse del seno de las artes plásticas tradicionales. Cuando algo realmente nuevo llega -como en el siglo pasado el cómic o el cine- se abre paso por sí mismo, con fuerza arrolladora, sin deber su existencia a una indefinición nebulosa. En su mayoría estas supuestas nuevas artes son maneras de esconder la incapacidad de crear buen teatro, buena escenografía, buen cine o en definitiva, buena pintura.

20. Estamos HARTOS de que se nos quiera tachar de minoría. Aunque los fundadores del Hartismo somos gallegos, el Hartismo es una tendencia con vocación universal. No somos cuatro locos aislados en el noroeste peninsular contra la tendencia general; realmente, la mayor parte de la gente piensa lo mismo que nosotros. Nuestro movimiento está afiliado al Movimiento Stuckist (www.stuckism.com), que lleva desde el año 1999 contestando al arte oficial y hoy está presente en 40 países, con más de 180 sedes repartidas por todo el mundo. El hartismo incluye a todas las artes y a todos los aspectos de la cultura, aunque comience como la revuelta de unos pintores.

El Hartismo es un punto de partida pero también un objetivo. Queremos recuperar la normalidad, la sinceridad y la sencillez de nuestra profesión. Que pintar sea sólo pintar, sin extravagantes ropajes que disfrazan al arte de lo que no es.

Aspiramos a ser el niño en el cuento “El Traje Nuevo del Emperador”, diciendo a la sociedad lo que todos piensan pero nadie se atreve a decir.

Puedes leer el Manifiesto Hartista en:http://www.hartismo.com/manifiesto.html

o descargarlo (pdf): http://www.hartismo.com/descargas/manifiesto_hartista.html

Si quieres ayudar en la traducción a otros idiomas escríbenos a:info@hartismo.com

PORTADA HARRISON FO

RD

PINTOR...

NO HUYAS

MÁS

Imaginemos por un momento que un ser cándido, noble y virginal, con aspecto humano, llega a la Tierra con una edad ya madura, y libre de las miserias con las que el ser humano gusta de amenizar su existencia.Algo así como el Clark Kent de la película Superman.Supongamos que ese tipo, en su proceso del aprendizaje de las inexcrutables e inexplicables contradicciones humanas, va a dar un paseo por la ciudad y se encuentra, agachado en una esquina y cagándose en los muertos de alguien cuyo nombre no le suena a nuestro Clark Kent, al desolado galerista de Damien Hirst.

Nuestro héroe le podría preguntar a este hombre:-¿Pero qué le pasa a usted?

Y el respondería:-Nada hombre, que me acaban de joder ahí un negocio...hace falta ser cabrón.

-Pero explíqueme un poco, que es que no soy de aquí, vengo de muy lejos...¿en qué consistía el negocio?¿quien le ha estafado?.

Nuestro galerista, consciente de que está ante un completo indocumentado culturalmente, que además es un ser inocente y bueno, le explica en palabras llanas y entendibles por él la trama del abuso que ha sufrido:

-Pues nada, que llevo cinco años de socio con un tipo, intentando vender animales disecados haciendo creer a idiotas que son obras de arte...habíamos dado la campanada y ya los teníamos tasados en una casa de subastas por varios millones de euros, íbamos a vender obra y a forrarnos y el muy hijoputa...va y me deja plantado...¡a mí!, a su galerista, que llevo aguantando sus mierdas

durante años, tengo en casa varios bichos disecados de esos que huelen que apestan, y además dan miedo a mis hijos...tengo que guardar el coche en la calle porque en mi plaza de garage hay un rebaño disecado de cabras...

Además, un día que llegué borracho a casa se me cayó un poco de formol por accidente en la zona genital, y se me ha necrosado un testículo...en fín, amigo, una

El timo de la estampita

Imaginemos por un momento que un ser cándido, noble y virginal, con aspecto humano, llega a la Tierra con una edad ya madura, y libre de las miserias con las que el ser humano gusta de amenizar su existencia.Algo así como el Clark Kent de la película Superman.Supongamos que ese tipo, en su proceso del aprendizaje de las inexcrutables e inexplicables contradicciones humanas, va a dar un paseo por la ciudad y se encuentra, agachado en una esquina y cagándose en los muertos de alguien cuyo nombre no le suena a nuestro Clark Kent, al desolado galerista de Damien Hirst.

Nuestro héroe le podría preguntar a este hombre:-¿Pero qué le pasa a usted?

Y el respondería:-Nada hombre, que me acaban de joder ahí un negocio...hace falta ser cabrón.

-Pero explíqueme un poco, que es que no soy de aquí, vengo de muy lejos...¿en qué consistía el negocio?¿quien le ha estafado?.

Nuestro galerista, consciente de que está ante un completo indocumentado culturalmente, que además es un ser inocente y bueno, le explica en palabras llanas y entendibles por él la trama del abuso que ha sufrido:

-Pues nada, que llevo cinco años de socio con un tipo, intentando vender animales disecados haciendo creer a idiotas que son obras de arte...habíamos dado la campanada y ya los teníamos tasados en una casa de subastas por varios millones de euros, íbamos a vender obra y a forrarnos y el muy hijoputa...va y me deja plantado...¡a mí!, a su galerista, que llevo aguantando sus mierdas

durante años, tengo en casa varios bichos disecados de esos que huelen que apestan, y además dan miedo a mis hijos...tengo que guardar el coche en la calle porque en mi plaza de garage hay un rebaño disecado de cabras...

Además, un día que llegué borracho a casa se me cayó un poco de formol por accidente en la zona genital, y se me ha necrosado un testículo...en fín, amigo, una

El timo de la estampita

vida de sacrificios para nada, ahora nos llega la oportunidad para subastar y este tío lo hace por su cuenta y pasa de mí.

-¿Varios millones de euros?¿cuánto es eso?...es que soy de fuera, no entiendo su concepto de dinero.

-Joder, macho...me ha mirado un tuerto, primero me estafan y ahora tengo que explicarle al pesao este... a ver, hombre, a ver...Mire, más o menos medio millón de euros valen para construir un colegio. El cabrón del Damian ha vendido uno de los becerros disecados que hizo en 4 millones de euros...fíjese, yo voy al cuarenta por ciento, asi que...

-O sea, me está diciendo que con ese dinero..pero...entonces, no entiendo, ese becerro, ¿no vale ese dinero?

-Pues claro que no, estúpido, ese becerro no vale ni para una churrascada, está metido en formol...hombre, tiene una pieza que se supone que es de oro...la verdad es que no lo es, pero bueno, nadie va a meter la mano en el formol para comprobarlo...yo sólo metí un huevo y mire como se me ha quedado..

-No hombre, no hace falta que...

-Mire, joder, mire ahí!

-Uy, pues sí que le ha quedado mal, si...-Bueno, pues no, claro, el asunto es que...a ver, usted no es de aquí, ¿no?...no sabe nada de arte moderno.

-Me temo que no

-Pues la cosa está en crear una especie de mitomanía hacia la obra de un tío, hacer creer que es buenísimo, y que esa plusvalía nos dé dinero a los que le hacemos subir su cotización.

-Pero...¿y no sería lógico subir la cotización de alguien bueno de verdad?

-Pues claro que no, hombre...pero que tonto es usted...si un tío es bueno y su obra también...¿donde está la plusvalía?..además si es bueno, la gente lo va a apreciar y va a querer ver cosas suyas en los museos, va a meter las narices, y nosotros necesitamos discreción, ¿me entiende?...que la gente pase de nosotros...Además, es incluso mejor que el artista sea un poco tonto...que no esté mucho en el ajo, que realmente se crea que lo que hace es bueno...así se conforma con su fama de artista y el dinero nos lo quedamos todo nosotros, los

intermediarios. Yo, en cuanto ví a Damien me dije: "este es tonto", pero resulta que no lo era, el hijoputa...

-Pero usted actúa de manera incorrecta.

-oiga, oiga, que ser manager es muy jodido, eh?...no se crea que aquí es todo...míreme ahora, tenía que estarme forrando y estoy aquí, con usted.

-Es usted una persona indecente, jamás lo hubiera pensado...¿cómo puede vivir así?

-Oiga, retrasado, déjeme en paz, ¿no te jode el cuatro ojos este?...¿quien se cree..

-Lo siento, pero voy a tenerle que aplicar mi rayo de mirada laser como medida de castigo..

-Su que?...oiga, no, no se pase, eh?...que yo no le he faltao...NO!...no!, EN LOS HUEVOS NO!...AAAAAAAGGGHHH!.....qué gran artista muere conmigooo...

Este sería, a groso modo, un hipotético encuentro entre un hombre bueno del espacio y el galerista de Damien Hirst, ese que se siente estafado por su artista, que no ha contado con él para repartirse el pastel.

Estamos ante una versión un poco aglamourada del españolazo TIMO DE LA ESTAMPITA, en el que la mecánica consiste básicamente en hacer creer a un tipo que va a estafar a un tonto, cuando al final, el estafado es él.

En la vida real, el individuo víctima del timo de la estampita jamás lo denuncia por que evidentemente, la sociedad lo repudiará, no sólamente por imbécil, sino además por estafador, aunque en grado de tentativa, que es aún más triste y despreciable que serlo en grado sumo.

Sin embargo, en el acotado y extraño mundo del arte, este timador timado sí se atreve a salir a la palestra y decir: "oye, Damian...que me tienes que dar por lo menos dos millones por el becerro disecado ese que vendiste"...y lo dice, el tío, sin temor a que

el gran público juzgue sus palabras...posiblemente porque el gran público es ajeno a todo esto, no quiere ni ver este corral, y considera esto una polémica entre trileros, una trifulca de piratas de medio pelo.

Posiblemente, hablando en descargo de toda esta CHUSMA, hay un pequeño matiz que diferencia la ESTAFA de la ESPECULACIÓN.

Ambas son hermanas gemelas, pero sí es cierto que, como todos los gemelos, no son iguales del todo...La ESTAFA es un acto meridianamente delictivo, por el cual obtenemos beneficio de un incauto por un bien o servicio que no lo vale...por unos sellos que se hace creer que valen millones, por un coche con el cuentakilómetros tocado, etc. Es un acto en el que la parte activa conoce el acto de valoración ficticia de lo que ofrece, y la pasiva no.

La ESPECULACIÓN es una estafa consentida por ambas partes, que sabrán (o esperarán) que haya una tercera, que a su vez esperará que haya una cuarta, y así ir aumentando una plusvalía sobre un objeto que está destinado a pasar de mano en mano.

El objeto de la especulación pierde su valor de uso real, y se convierte en un valor de cambio, generador de dinero por su simple cambio de manos, en una artificial

vida de sacrificios para nada, ahora nos llega la oportunidad para subastar y este tío lo hace por su cuenta y pasa de mí.

-¿Varios millones de euros?¿cuánto es eso?...es que soy de fuera, no entiendo su concepto de dinero.

-Joder, macho...me ha mirado un tuerto, primero me estafan y ahora tengo que explicarle al pesao este... a ver, hombre, a ver...Mire, más o menos medio millón de euros valen para construir un colegio. El cabrón del Damian ha vendido uno de los becerros disecados que hizo en 4 millones de euros...fíjese, yo voy al cuarenta por ciento, asi que...

-O sea, me está diciendo que con ese dinero..pero...entonces, no entiendo, ese becerro, ¿no vale ese dinero?

-Pues claro que no, estúpido, ese becerro no vale ni para una churrascada, está metido en formol...hombre, tiene una pieza que se supone que es de oro...la verdad es que no lo es, pero bueno, nadie va a meter la mano en el formol para comprobarlo...yo sólo metí un huevo y mire como se me ha quedado..

-No hombre, no hace falta que...

-Mire, joder, mire ahí!

-Uy, pues sí que le ha quedado mal, si...-Bueno, pues no, claro, el asunto es que...a ver, usted no es de aquí, ¿no?...no sabe nada de arte moderno.

-Me temo que no

-Pues la cosa está en crear una especie de mitomanía hacia la obra de un tío, hacer creer que es buenísimo, y que esa plusvalía nos dé dinero a los que le hacemos subir su cotización.

-Pero...¿y no sería lógico subir la cotización de alguien bueno de verdad?

-Pues claro que no, hombre...pero que tonto es usted...si un tío es bueno y su obra también...¿donde está la plusvalía?..además si es bueno, la gente lo va a apreciar y va a querer ver cosas suyas en los museos, va a meter las narices, y nosotros necesitamos discreción, ¿me entiende?...que la gente pase de nosotros...Además, es incluso mejor que el artista sea un poco tonto...que no esté mucho en el ajo, que realmente se crea que lo que hace es bueno...así se conforma con su fama de artista y el dinero nos lo quedamos todo nosotros, los

intermediarios. Yo, en cuanto ví a Damien me dije: "este es tonto", pero resulta que no lo era, el hijoputa...

-Pero usted actúa de manera incorrecta.

-oiga, oiga, que ser manager es muy jodido, eh?...no se crea que aquí es todo...míreme ahora, tenía que estarme forrando y estoy aquí, con usted.

-Es usted una persona indecente, jamás lo hubiera pensado...¿cómo puede vivir así?

-Oiga, retrasado, déjeme en paz, ¿no te jode el cuatro ojos este?...¿quien se cree..

-Lo siento, pero voy a tenerle que aplicar mi rayo de mirada laser como medida de castigo..

-Su que?...oiga, no, no se pase, eh?...que yo no le he faltao...NO!...no!, EN LOS HUEVOS NO!...AAAAAAAGGGHHH!.....qué gran artista muere conmigooo...

Este sería, a groso modo, un hipotético encuentro entre un hombre bueno del espacio y el galerista de Damien Hirst, ese que se siente estafado por su artista, que no ha contado con él para repartirse el pastel.

Estamos ante una versión un poco aglamourada del españolazo TIMO DE LA ESTAMPITA, en el que la mecánica consiste básicamente en hacer creer a un tipo que va a estafar a un tonto, cuando al final, el estafado es él.

En la vida real, el individuo víctima del timo de la estampita jamás lo denuncia por que evidentemente, la sociedad lo repudiará, no sólamente por imbécil, sino además por estafador, aunque en grado de tentativa, que es aún más triste y despreciable que serlo en grado sumo.

Sin embargo, en el acotado y extraño mundo del arte, este timador timado sí se atreve a salir a la palestra y decir: "oye, Damian...que me tienes que dar por lo menos dos millones por el becerro disecado ese que vendiste"...y lo dice, el tío, sin temor a que

el gran público juzgue sus palabras...posiblemente porque el gran público es ajeno a todo esto, no quiere ni ver este corral, y considera esto una polémica entre trileros, una trifulca de piratas de medio pelo.

Posiblemente, hablando en descargo de toda esta CHUSMA, hay un pequeño matiz que diferencia la ESTAFA de la ESPECULACIÓN.

Ambas son hermanas gemelas, pero sí es cierto que, como todos los gemelos, no son iguales del todo...La ESTAFA es un acto meridianamente delictivo, por el cual obtenemos beneficio de un incauto por un bien o servicio que no lo vale...por unos sellos que se hace creer que valen millones, por un coche con el cuentakilómetros tocado, etc. Es un acto en el que la parte activa conoce el acto de valoración ficticia de lo que ofrece, y la pasiva no.

La ESPECULACIÓN es una estafa consentida por ambas partes, que sabrán (o esperarán) que haya una tercera, que a su vez esperará que haya una cuarta, y así ir aumentando una plusvalía sobre un objeto que está destinado a pasar de mano en mano.

El objeto de la especulación pierde su valor de uso real, y se convierte en un valor de cambio, generador de dinero por su simple cambio de manos, en una artificial

fábrica de dinero...

Esto ha sucedido, por ejemplo, con la vivienda...se han vendido miles de viviendas con un fín meramente especulatorio, hasta el punto de que nadie las veía ya como viviendas, ni reparaba en sus defectos de calidad, ni de habilitabilidad o capacidad mínima de suministros...porque no eran viviendas, sino monedas de cambio.

Como en el juego de la cerilla, el último, al que se le apaga, es el que pierde, y el que se quema las manos...las manos por las que va pasando el OBJETO de la especulación se llenan de dinero con el trasvase,... pero llega un momento en el que la cerilla ya es demasiado corta, o cambian de repente las condiciones del juego, y la gente despierta...ya no hay un quinto o sexto jugador a quien pasarle la cerilla. La gente abandona el juego, y el que tiene la cerilla en la mano, pierde.

Para los piratas, lo peor que puede ocurrir es que se termine el tren de la especulación...para los que valoran ese objeto de especulación por lo que ES, y no por lo que PUEDA VALER, es un alivio...los piratas abandonan el barco y sólo se quedan los marineros.

Cuando alguien habla de que gran parte del arte contemporáneo es una ESTAFA, habría que

corregirle y hacerle ver que no es exactamente eso..es pura especulación,...el que se ha gastado cuatro millones en el becerro disecado no es un pobre tonto, o al menos de momento no...es un tipo listo que piensa que ha comenzado a rodar la noria de la especulación, y que tendrá que guardar esa horterada, que evidentemente NO es una obra de arte, en un almacén, hasta que aparezca el sujeto número dos y se la lleve por un millón más.

Puede que a este primer comprador aún no se le apague la cerilla, y puede que sí, que le salga mal esta aventura bursátil (porque no es otra cosa) y se quede sin sus millones y con una vaca metida en formol para el resto de sus días.

A mí, desde luego, lo que le pase a este tipo me da lo mismo...me gustaría no estar enterado de todo esto. Me gustaría que las secciones culturales del Telediario de la TV pública hablasen de ARTE y Cultura, y no de Damien Hirst, que los museos e instituciones públicas españoles y por extensión gallegos no intentasen torpemente imitar a la institución británica (privada) que ha amparado el SHOW Hirst, destinado a hacer brotar dinero. (Por lo menos, ellos no han utilizado el erario público para empezar a hacer girar su noria, como se hace aquí).

En fín, me gustaría que algún día los amantes del arte podamos NO SABER NADA de toda esta gente y de sus miserias, que las reyertas entre trileros sólo sean eso, y que el arte sea otra cosa y no tenga nada que ver...porque no tiene nada que ver.

Entrada en el blog HART, escrita el 16 de septiembre de 2008

(http://marianocasas.blogspot.com)

a raíz de la polémica entre el artista Damian Hirst y su galerista, que le acusaba de haber acudido a subastar su obra sin contar con la galería, eludiendo así pagarle el porcentaje de la venta de sus obras, en su mayoría animales metidos en urnas llenas de formol.

La subasta de sus obras alcanzó un valor total de 200 millones de dólares.

Según la prensa de los días posteriores, no sólo el artista incumplió el contrato con su galería, sino que además, sus propios amigos y familiares inflaron la puja ofreciendo cantidades desorbitadas para que alguien las superase.

La noticia de la subasta, realizada en Sotheby´s, en Londres, fue ofrecida por la mayoría de las secciones de Cultura de los medios estatales españoles, incluyendo la tv pública.

Los que nos dedicamos a pintarrajear telas, garrapatear papeluchos, así como los que, inexplicablemente, se siguen sintiendo atraídos por estos "trabajos manuales", hace tiempo que tenemos que oír una serie de sentencias más o menos solemnes sobre el arte. Pero como casi todo lo solemne, son solemnes tonterías.

Algunas de estas sentencias, que vienen desde fuera de la profesión, son además de estúpidas, bastante mezquinas. Siento no ser capaz de separar estupidez y mezquindad, pero en cualquier caso existen; son las típicas críticas que comparan la pintura con los "trabajos manuales", que valoran la originalidad de las obras, o su contemporaneidad.

Estas sentencias, que se usan para rellenar páginas y

páginas de tantos suplementos culturales de periódicos, en resumen dicen "Yo creo, sí creo, creo en las Nadas". Justifican que la nada se presente como creación genial, y a su vez dicen "nada", para reforzar el discurso.

Pero no sólo de conceptuadictos se nutre la tontería.

El arte oficial, aunque vacuo, no siempre ha sido basado en la nada. Hubo épocas pretéritas, en las que un

pintor oficial al menos debía saber dibujar dos tetas. Y básicamente es lo que hacían: tetas o musculitos, en composiciones grecorromanizantes inverosímiles, o bien muchachitas tiznadas y desharrapadas con cara lánguida. Era la época dorada de los Salones Oficiales.

Aquel arte oficial, con nombres como los defendidos por era el de la aparatosa pintura narrativa, que en su afán por vender las cualidades de los que pagaban -cosa común en toda la historia del Arte, para qué engañarse- sobrepasó una invisible frontera, y cayó en la superficialidad.

y , ambos señores muy respetados en su tiempo, ilustra perfectamente el tipo de pintura que se hacía. Cursilería, ñoñería, que la excepcional técnica sólo conseguía resaltar. No obstante hay contadas excepciones de alta calidad

Artrenewal.org

Bouguereau Cabanel

Pompiers de vanguardia

Carmen Martín pintando, ajena a lo que digan

fábrica de dinero...

Esto ha sucedido, por ejemplo, con la vivienda...se han vendido miles de viviendas con un fín meramente especulatorio, hasta el punto de que nadie las veía ya como viviendas, ni reparaba en sus defectos de calidad, ni de habilitabilidad o capacidad mínima de suministros...porque no eran viviendas, sino monedas de cambio.

Como en el juego de la cerilla, el último, al que se le apaga, es el que pierde, y el que se quema las manos...las manos por las que va pasando el OBJETO de la especulación se llenan de dinero con el trasvase,... pero llega un momento en el que la cerilla ya es demasiado corta, o cambian de repente las condiciones del juego, y la gente despierta...ya no hay un quinto o sexto jugador a quien pasarle la cerilla. La gente abandona el juego, y el que tiene la cerilla en la mano, pierde.

Para los piratas, lo peor que puede ocurrir es que se termine el tren de la especulación...para los que valoran ese objeto de especulación por lo que ES, y no por lo que PUEDA VALER, es un alivio...los piratas abandonan el barco y sólo se quedan los marineros.

Cuando alguien habla de que gran parte del arte contemporáneo es una ESTAFA, habría que

corregirle y hacerle ver que no es exactamente eso..es pura especulación,...el que se ha gastado cuatro millones en el becerro disecado no es un pobre tonto, o al menos de momento no...es un tipo listo que piensa que ha comenzado a rodar la noria de la especulación, y que tendrá que guardar esa horterada, que evidentemente NO es una obra de arte, en un almacén, hasta que aparezca el sujeto número dos y se la lleve por un millón más.

Puede que a este primer comprador aún no se le apague la cerilla, y puede que sí, que le salga mal esta aventura bursátil (porque no es otra cosa) y se quede sin sus millones y con una vaca metida en formol para el resto de sus días.

A mí, desde luego, lo que le pase a este tipo me da lo mismo...me gustaría no estar enterado de todo esto. Me gustaría que las secciones culturales del Telediario de la TV pública hablasen de ARTE y Cultura, y no de Damien Hirst, que los museos e instituciones públicas españoles y por extensión gallegos no intentasen torpemente imitar a la institución británica (privada) que ha amparado el SHOW Hirst, destinado a hacer brotar dinero. (Por lo menos, ellos no han utilizado el erario público para empezar a hacer girar su noria, como se hace aquí).

En fín, me gustaría que algún día los amantes del arte podamos NO SABER NADA de toda esta gente y de sus miserias, que las reyertas entre trileros sólo sean eso, y que el arte sea otra cosa y no tenga nada que ver...porque no tiene nada que ver.

Entrada en el blog HART, escrita el 16 de septiembre de 2008

(http://marianocasas.blogspot.com)

a raíz de la polémica entre el artista Damian Hirst y su galerista, que le acusaba de haber acudido a subastar su obra sin contar con la galería, eludiendo así pagarle el porcentaje de la venta de sus obras, en su mayoría animales metidos en urnas llenas de formol.

La subasta de sus obras alcanzó un valor total de 200 millones de dólares.

Según la prensa de los días posteriores, no sólo el artista incumplió el contrato con su galería, sino que además, sus propios amigos y familiares inflaron la puja ofreciendo cantidades desorbitadas para que alguien las superase.

La noticia de la subasta, realizada en Sotheby´s, en Londres, fue ofrecida por la mayoría de las secciones de Cultura de los medios estatales españoles, incluyendo la tv pública.

Los que nos dedicamos a pintarrajear telas, garrapatear papeluchos, así como los que, inexplicablemente, se siguen sintiendo atraídos por estos "trabajos manuales", hace tiempo que tenemos que oír una serie de sentencias más o menos solemnes sobre el arte. Pero como casi todo lo solemne, son solemnes tonterías.

Algunas de estas sentencias, que vienen desde fuera de la profesión, son además de estúpidas, bastante mezquinas. Siento no ser capaz de separar estupidez y mezquindad, pero en cualquier caso existen; son las típicas críticas que comparan la pintura con los "trabajos manuales", que valoran la originalidad de las obras, o su contemporaneidad.

Estas sentencias, que se usan para rellenar páginas y

páginas de tantos suplementos culturales de periódicos, en resumen dicen "Yo creo, sí creo, creo en las Nadas". Justifican que la nada se presente como creación genial, y a su vez dicen "nada", para reforzar el discurso.

Pero no sólo de conceptuadictos se nutre la tontería.

El arte oficial, aunque vacuo, no siempre ha sido basado en la nada. Hubo épocas pretéritas, en las que un

pintor oficial al menos debía saber dibujar dos tetas. Y básicamente es lo que hacían: tetas o musculitos, en composiciones grecorromanizantes inverosímiles, o bien muchachitas tiznadas y desharrapadas con cara lánguida. Era la época dorada de los Salones Oficiales.

Aquel arte oficial, con nombres como los defendidos por era el de la aparatosa pintura narrativa, que en su afán por vender las cualidades de los que pagaban -cosa común en toda la historia del Arte, para qué engañarse- sobrepasó una invisible frontera, y cayó en la superficialidad.

y , ambos señores muy respetados en su tiempo, ilustra perfectamente el tipo de pintura que se hacía. Cursilería, ñoñería, que la excepcional técnica sólo conseguía resaltar. No obstante hay contadas excepciones de alta calidad

Artrenewal.org

Bouguereau Cabanel

Pompiers de vanguardia

Carmen Martín pintando, ajena a lo que digan

como , que desde aquí

quiero reivindicar.

El academicismo, arte oficial del siglo XIX cayó cuando el impresionismo y otros movimientos ascendieron. Fue una auténtica debacle. Hoy no podemos evitar ver la pintura académica como banal, decadente. Aunque visto el arte oficial de ahora, aquella exaltación sin sentido del ridículo de lo bello y lo bonito se echan de menos. Por no hablar del innegable encanto de lo decadente.

Poco a poco, los antiguos cuadros académicos y sus autores fueron cayendo en el olvido y sus cascos romanos, sirvieron para bautizarlos popularmente como pompiers (bomberos) por su parecido con los cascos de aquellos profesionales con manguera. La palabra pompier quedó como símbolo de la grandilocuencia petulante, el esteticismo ñoño y ridículo de aquellos cuadros de muchachos

Sir Lawrence Alma-Tadema

musculosos con casco de bombero y mozas en porretas por exigencias del guión.

Poco a poco se les llamó pompiers también a los nostálgicos de ese estilo y hoy en día podemos encontrar pompiers (aquí les llamamos domingueros) en las asociaciones de pintores aficionados locales.

Los pompiers valoran en los cuadros cosas como la proporción de las figuras, el parecido, el estilo "acabado" y luego las cosas serias, como la composición y la perspectiva.

Claro que a su vez ellos no han llegado todavía a dominar ninguna de esas cosas, pero son inflexibles en sus juicios, y suelen terminar la conversación con un sonoro "A mí no me gusta Picasso".

No es que estas cosas no las considere importantes, o que no tolere la aversión por el "pintor francés nacido en Málaga", pero todos estos son rasgos distintivos de esta curiosa estirpe.

La visión de la pintura que los pompiers tienen está construida a base de lugares comunes. Cosas leídas o escuchadas en vete a saber dónde, y que tienen muy poca coherencia y unidad.

De la órbita pompier provienen las "ortodoxias técnicas" que cada año tengo que borrar de la cabeza de mis alumnos: que si el óleo es mejor que el acrílico, que si hay que usar aguarrás puro -esencia de trementina rectificada, oiga- y aceite -pringoso- de linaza para el óleo como es debido, o que los retratos deben ser comenzados precisamente por los ojos y con un pincel finito.

También los prejuicios más variopintos: un buen cuadro se pinta despacio. Un buen dibujante es el que cuenta las pestañas del modelo. El

desnudo es más difícil que el paisaje. Los años del pintor equivalen a años de experiencia.

En general, cuando uno tiene altas miras, las sentencias y juicios de los pompiers resbalan. Pero si se encuentra uno rodeado de ellos en alguna reunión social, llegan a ser agobiantes. En realidad están arrinconados. Su reino cayó hace más de un siglo, y hoy no se les presta atención alguna, excepto en alguna que otra ciudad de provincias. Como Ferrol, por cierto.

Hoy, los que cortan el bacalao no son los admiradores de la teta griega -qué más quisiera yo- sino los de la caca enlatada. El arte oficial de hoy es el anti-arte-académico. Es justo lo contrario: en lugar de belleza divina, fealdad infernal. En lugar de elegancia, vulgaridad. Como si Aristóteles no hubiese dicho nunca que la virtud está en el término medio.

, quizá el más genial músico de las vanguardias históricas del siglo XX dijo en su

, libro que recomiendo fervientemente:

"Como toda clase de males, el esnobismo tiende a engendrar otro mal, que es su contrario: el pompiérisme. En el fondo, el esnob no es sino una especie de pompier, un pompier de vanguardia.

Los pompiers de vanguardia

Ígor Stravinsky

Poética Musical

hablan de música del mismo modo que de freudismo o de marxismo. Evocan a cada paso los complejos del psicoanálisis y llegan hoy hasta dejarse prender, bien a su pesar -pero esnobismo obliga-, por el gran Santo Tomás de Aquino... Puesto en la disyuntiva, prefiero a los pompiers que hablan de melodía; que reivindican, la mano en el corazón, los derechos imprescindibles del sentimiento; que defienden la primacía de la emoción, muestran preocupación por lo noble, se dejan arrastrar en ocasiones por la aventura de lo pintoresco oriental y llegan incluso a rendir homenaje a mi Pájaro de fuego. Pensarán ustedes que es por eso porque los prefiero a los otros... los encuentro solamente menos peligrosos. Los pompiers de vanguardia harían mal, por otra parte, en despreciar demasiado a sus colegas mayores de edad. Unos y otros seguirán siendo pompiers toda la vida, pero los revolucionarios pasarán de moda antes que los otros: el tiempo los amenaza más..."

A la luz de esta cita, no deja de ser curioso que en la estrecha visión de los creyentes y admiradores del anti-arte todo lo que no es arte "contemporáneo" oficial es dominguero: o sea, se incluye exclusivamente en la órbita de los viejos pompiers. Aún recuerdo las apasionadas arengas anti-domingueras, anti-pompier de nuestros "y-no-olvidables" profesores de Bellas Artes en

la facultad de Pontevedra.

Aún hoy, en pleno 2008, los pro-conceptuales, o creyentes en la nada, nuestros actuales pompiers de vanguardia, siguen criticando a los viejos pompiers, al academicismo, a la mojigatería y la Burguesía... ¡como si viviésemos todavía en la Europa de 1909 y Marinetti acabase de publicar su

. Es decir: siguen tan anclados a aquella época, como los pompiers viejos, a los que tanto odian. Yo casi prefiero, pues, ser menos contemporáneo de ellos y vivir más en nuestra época.

Entrada publicada por Anxo Varela en su blog LERIAS VARIAS.

Http://leriasvarias.blogspot.com, el 1 de abril de 2008

Manifiesto Futurista

como , que desde aquí

quiero reivindicar.

El academicismo, arte oficial del siglo XIX cayó cuando el impresionismo y otros movimientos ascendieron. Fue una auténtica debacle. Hoy no podemos evitar ver la pintura académica como banal, decadente. Aunque visto el arte oficial de ahora, aquella exaltación sin sentido del ridículo de lo bello y lo bonito se echan de menos. Por no hablar del innegable encanto de lo decadente.

Poco a poco, los antiguos cuadros académicos y sus autores fueron cayendo en el olvido y sus cascos romanos, sirvieron para bautizarlos popularmente como pompiers (bomberos) por su parecido con los cascos de aquellos profesionales con manguera. La palabra pompier quedó como símbolo de la grandilocuencia petulante, el esteticismo ñoño y ridículo de aquellos cuadros de muchachos

Sir Lawrence Alma-Tadema

musculosos con casco de bombero y mozas en porretas por exigencias del guión.

Poco a poco se les llamó pompiers también a los nostálgicos de ese estilo y hoy en día podemos encontrar pompiers (aquí les llamamos domingueros) en las asociaciones de pintores aficionados locales.

Los pompiers valoran en los cuadros cosas como la proporción de las figuras, el parecido, el estilo "acabado" y luego las cosas serias, como la composición y la perspectiva.

Claro que a su vez ellos no han llegado todavía a dominar ninguna de esas cosas, pero son inflexibles en sus juicios, y suelen terminar la conversación con un sonoro "A mí no me gusta Picasso".

No es que estas cosas no las considere importantes, o que no tolere la aversión por el "pintor francés nacido en Málaga", pero todos estos son rasgos distintivos de esta curiosa estirpe.

La visión de la pintura que los pompiers tienen está construida a base de lugares comunes. Cosas leídas o escuchadas en vete a saber dónde, y que tienen muy poca coherencia y unidad.

De la órbita pompier provienen las "ortodoxias técnicas" que cada año tengo que borrar de la cabeza de mis alumnos: que si el óleo es mejor que el acrílico, que si hay que usar aguarrás puro -esencia de trementina rectificada, oiga- y aceite -pringoso- de linaza para el óleo como es debido, o que los retratos deben ser comenzados precisamente por los ojos y con un pincel finito.

También los prejuicios más variopintos: un buen cuadro se pinta despacio. Un buen dibujante es el que cuenta las pestañas del modelo. El

desnudo es más difícil que el paisaje. Los años del pintor equivalen a años de experiencia.

En general, cuando uno tiene altas miras, las sentencias y juicios de los pompiers resbalan. Pero si se encuentra uno rodeado de ellos en alguna reunión social, llegan a ser agobiantes. En realidad están arrinconados. Su reino cayó hace más de un siglo, y hoy no se les presta atención alguna, excepto en alguna que otra ciudad de provincias. Como Ferrol, por cierto.

Hoy, los que cortan el bacalao no son los admiradores de la teta griega -qué más quisiera yo- sino los de la caca enlatada. El arte oficial de hoy es el anti-arte-académico. Es justo lo contrario: en lugar de belleza divina, fealdad infernal. En lugar de elegancia, vulgaridad. Como si Aristóteles no hubiese dicho nunca que la virtud está en el término medio.

, quizá el más genial músico de las vanguardias históricas del siglo XX dijo en su

, libro que recomiendo fervientemente:

"Como toda clase de males, el esnobismo tiende a engendrar otro mal, que es su contrario: el pompiérisme. En el fondo, el esnob no es sino una especie de pompier, un pompier de vanguardia.

Los pompiers de vanguardia

Ígor Stravinsky

Poética Musical

hablan de música del mismo modo que de freudismo o de marxismo. Evocan a cada paso los complejos del psicoanálisis y llegan hoy hasta dejarse prender, bien a su pesar -pero esnobismo obliga-, por el gran Santo Tomás de Aquino... Puesto en la disyuntiva, prefiero a los pompiers que hablan de melodía; que reivindican, la mano en el corazón, los derechos imprescindibles del sentimiento; que defienden la primacía de la emoción, muestran preocupación por lo noble, se dejan arrastrar en ocasiones por la aventura de lo pintoresco oriental y llegan incluso a rendir homenaje a mi Pájaro de fuego. Pensarán ustedes que es por eso porque los prefiero a los otros... los encuentro solamente menos peligrosos. Los pompiers de vanguardia harían mal, por otra parte, en despreciar demasiado a sus colegas mayores de edad. Unos y otros seguirán siendo pompiers toda la vida, pero los revolucionarios pasarán de moda antes que los otros: el tiempo los amenaza más..."

A la luz de esta cita, no deja de ser curioso que en la estrecha visión de los creyentes y admiradores del anti-arte todo lo que no es arte "contemporáneo" oficial es dominguero: o sea, se incluye exclusivamente en la órbita de los viejos pompiers. Aún recuerdo las apasionadas arengas anti-domingueras, anti-pompier de nuestros "y-no-olvidables" profesores de Bellas Artes en

la facultad de Pontevedra.

Aún hoy, en pleno 2008, los pro-conceptuales, o creyentes en la nada, nuestros actuales pompiers de vanguardia, siguen criticando a los viejos pompiers, al academicismo, a la mojigatería y la Burguesía... ¡como si viviésemos todavía en la Europa de 1909 y Marinetti acabase de publicar su

. Es decir: siguen tan anclados a aquella época, como los pompiers viejos, a los que tanto odian. Yo casi prefiero, pues, ser menos contemporáneo de ellos y vivir más en nuestra época.

Entrada publicada por Anxo Varela en su blog LERIAS VARIAS.

Http://leriasvarias.blogspot.com, el 1 de abril de 2008

Manifiesto Futurista

En mi curso de la universidad, que ahora inicia su segunda parte, "Saber Ver el Arte (el arte desde dentro)" estoy haciendo una serie de visitas a distintos lugares relacionados con el arte. Talleres de pintores, escuelas de arte, museos, estudios, colecciones privadas... combinadas con una serie de contenidos de índole teórica.

En una de las clases, dentro del bloque dedicado a la formación artística, se habla de la importancia del dibujo.

Desde pequeño, al igual que otros muchos niños, sentí atracción por el dibujo. Con muy pocos años disfrutaba -como otros muchos niños- deslizando lápices, bolígrafos o rotuladores por la superficie inmaculada de un papel. La línea, que surge como pensamiento instantes

antes de trazarse, fue atrapándome poco a poco. Nunca he dejado de dibujar. Incluso cuando estudié Restauración -de obras de arte, no Cocina- o cuando estuve casi un año en Bazán, ni siquiera entonces dejé de dibujar.

Mi formación en dibujo empezó en casa, como autodidacta, aunque yo pronto empecé a asistir a clases particulares -unas mejores, otras peores- y veía siempre a mi madre pintando y dibujando.

Durante tres años, tras mis primeros balbuceos artísticos y mis primeros intentos de formación, asistí regularmente a la clase de dibujo y pintura de Ricardo Segura Torrella. Este pintor ferrolano tenía un trazo vigoroso, lleno de fuerza, que

se nota en la explosión cromática y de empastes en sus cuadros. Pero sobre todo, los que lo tuvimos como profesor, tuvimos la suerte de poder ver su mano pequeña y nerviosa trazando aquellas líneas seguras con las que corregía los trazos inseguros que uno iba tejiendo poco a poco en los blocks de dibujo "BASIK".

Con Ricardo Segura Torrella sólo quise dibujar. Nunca quise hacer otra cosa. Sus clases fueron el fundamento de mi iniciación al arte. Aprendíamos a retratar personas, copiándonos unos a otros mientras dibujábamos. Algunos traían amigos o parientes para que los retratásemos... de ese modo fue como conocí a mi mujer,

, pues su hermana Mónica iba conmigo y la llevó a posar el 27 de Octubre de 1988 (es que el retrato, con la fecha,

Carmen Martín

Apología del dibujoestá en la sala de mi casa).

Siempre he creído que el dibujo es la base de todas las artes, una gimnasia necesaria y agradable, una manera de pintura mucho más íntima y directa, en la que los trazos del cerebro se ven directamente, sin artificio ni ropajes. Algo tan básico que no puedo concebir la idea de un artista que no dibuje.

Concibo el dibujo como una exploración, un aprendizaje continuo. Dibujando se estudia el mundo, como hacía Leonardo da Vinci. En realidad considero a todos mis dibujos como estudios, en los que aprehendo parte de la realidad y al mismo tiempo la aprendo. Pero es que además ¡es divertido!

Estaba muy convencido de esto. Sólo al llegar a la facultad de Bellas Artes de Pontevedra empecé a oír que el dibujo no importaba, que "restaba libertad" y demás macanas. Los constantes comentarios en contra del dibujo, el desprecio que se notaba entre los profesores

hacia el virtuosismo técnico, la sutileza, la exactitud, el dominio de los recursos expresivos... fue minando mi ilusión inicial. En pocos meses pasé de estar eufórico por comenzar al fin mis estudios soñados a estar deprimido por ver que todo lo que yo tenía ganas de aprender no sólo no lo aprendería sino que me prohibirían hacerlo, pues estaba evidentemente mal visto.

En 4º curso, incluso tuve una profesora que llegó a hacerme llorar de impotencia, pues su persecución de mi creciente habilidad en el dibujo llegó a ser un verdadero acoso. Gracias a una conversación en la que comenté mi problema con ella a la entonces jefa de departamento, Araceli Liste, pude librarme de esta tipa y conseguí que sólo me evaluase la otra profesora del grupo, cuyo nombre tampoco recuerdo.

Después de estos años pasados en Pontevedra (lo de Barcelona es otra historia) tengo que decir, que lejos de convencerme esos argumentos de que el dibujo ya está superado, que no es necesario, que se aprende enseguida, etc... pues más bien pienso lo mismo que

en ,(1) que estoy

pensando en enmarcar: "Ahora puedo gritar “TOLERANCIA CERO”.

Luis un comentario de este blog

Aunque suene pretencioso, que no lo pretendo, yo sé dibujar. No es nada extraordinario: el dibujo es una disciplina que se adquiere con práctica y estudio, y en mi caso he satisfecho ambas exigencias. Durante años me he consagrado únicamente al dibujo, durante muchísimas horas. No sólo dibujaba durante parte del día, sino que literalmente vivía pegado a libretas y lápices. He hecho cientos, miles de dibujos. Dibujos en su mayor parte de retratos y desnudos, aunque no desprecié otros temas. Pero no me ha bastado con eso: sigo haciéndolo. Para mí dibujar es algo natural, y no me cuesta. Me gusta. Nunca entenderé que haya supuestos artistas -excepto si son novatos, si no saben- que odien el dibujo, que dibujen poco y sin ganas.

Es MUY curioso que todo lo que odio en arte, todo lo que me parece un timo, todo lo que me parece penoso, cutre, feo, estúpido, interesado, vendido, traidor de lo auténtico, negocio sin escrúpulos, va unido al

En mi curso de la universidad, que ahora inicia su segunda parte, "Saber Ver el Arte (el arte desde dentro)" estoy haciendo una serie de visitas a distintos lugares relacionados con el arte. Talleres de pintores, escuelas de arte, museos, estudios, colecciones privadas... combinadas con una serie de contenidos de índole teórica.

En una de las clases, dentro del bloque dedicado a la formación artística, se habla de la importancia del dibujo.

Desde pequeño, al igual que otros muchos niños, sentí atracción por el dibujo. Con muy pocos años disfrutaba -como otros muchos niños- deslizando lápices, bolígrafos o rotuladores por la superficie inmaculada de un papel. La línea, que surge como pensamiento instantes

antes de trazarse, fue atrapándome poco a poco. Nunca he dejado de dibujar. Incluso cuando estudié Restauración -de obras de arte, no Cocina- o cuando estuve casi un año en Bazán, ni siquiera entonces dejé de dibujar.

Mi formación en dibujo empezó en casa, como autodidacta, aunque yo pronto empecé a asistir a clases particulares -unas mejores, otras peores- y veía siempre a mi madre pintando y dibujando.

Durante tres años, tras mis primeros balbuceos artísticos y mis primeros intentos de formación, asistí regularmente a la clase de dibujo y pintura de Ricardo Segura Torrella. Este pintor ferrolano tenía un trazo vigoroso, lleno de fuerza, que

se nota en la explosión cromática y de empastes en sus cuadros. Pero sobre todo, los que lo tuvimos como profesor, tuvimos la suerte de poder ver su mano pequeña y nerviosa trazando aquellas líneas seguras con las que corregía los trazos inseguros que uno iba tejiendo poco a poco en los blocks de dibujo "BASIK".

Con Ricardo Segura Torrella sólo quise dibujar. Nunca quise hacer otra cosa. Sus clases fueron el fundamento de mi iniciación al arte. Aprendíamos a retratar personas, copiándonos unos a otros mientras dibujábamos. Algunos traían amigos o parientes para que los retratásemos... de ese modo fue como conocí a mi mujer,

, pues su hermana Mónica iba conmigo y la llevó a posar el 27 de Octubre de 1988 (es que el retrato, con la fecha,

Carmen Martín

Apología del dibujoestá en la sala de mi casa).

Siempre he creído que el dibujo es la base de todas las artes, una gimnasia necesaria y agradable, una manera de pintura mucho más íntima y directa, en la que los trazos del cerebro se ven directamente, sin artificio ni ropajes. Algo tan básico que no puedo concebir la idea de un artista que no dibuje.

Concibo el dibujo como una exploración, un aprendizaje continuo. Dibujando se estudia el mundo, como hacía Leonardo da Vinci. En realidad considero a todos mis dibujos como estudios, en los que aprehendo parte de la realidad y al mismo tiempo la aprendo. Pero es que además ¡es divertido!

Estaba muy convencido de esto. Sólo al llegar a la facultad de Bellas Artes de Pontevedra empecé a oír que el dibujo no importaba, que "restaba libertad" y demás macanas. Los constantes comentarios en contra del dibujo, el desprecio que se notaba entre los profesores

hacia el virtuosismo técnico, la sutileza, la exactitud, el dominio de los recursos expresivos... fue minando mi ilusión inicial. En pocos meses pasé de estar eufórico por comenzar al fin mis estudios soñados a estar deprimido por ver que todo lo que yo tenía ganas de aprender no sólo no lo aprendería sino que me prohibirían hacerlo, pues estaba evidentemente mal visto.

En 4º curso, incluso tuve una profesora que llegó a hacerme llorar de impotencia, pues su persecución de mi creciente habilidad en el dibujo llegó a ser un verdadero acoso. Gracias a una conversación en la que comenté mi problema con ella a la entonces jefa de departamento, Araceli Liste, pude librarme de esta tipa y conseguí que sólo me evaluase la otra profesora del grupo, cuyo nombre tampoco recuerdo.

Después de estos años pasados en Pontevedra (lo de Barcelona es otra historia) tengo que decir, que lejos de convencerme esos argumentos de que el dibujo ya está superado, que no es necesario, que se aprende enseguida, etc... pues más bien pienso lo mismo que

en ,(1) que estoy

pensando en enmarcar: "Ahora puedo gritar “TOLERANCIA CERO”.

Luis un comentario de este blog

Aunque suene pretencioso, que no lo pretendo, yo sé dibujar. No es nada extraordinario: el dibujo es una disciplina que se adquiere con práctica y estudio, y en mi caso he satisfecho ambas exigencias. Durante años me he consagrado únicamente al dibujo, durante muchísimas horas. No sólo dibujaba durante parte del día, sino que literalmente vivía pegado a libretas y lápices. He hecho cientos, miles de dibujos. Dibujos en su mayor parte de retratos y desnudos, aunque no desprecié otros temas. Pero no me ha bastado con eso: sigo haciéndolo. Para mí dibujar es algo natural, y no me cuesta. Me gusta. Nunca entenderé que haya supuestos artistas -excepto si son novatos, si no saben- que odien el dibujo, que dibujen poco y sin ganas.

Es MUY curioso que todo lo que odio en arte, todo lo que me parece un timo, todo lo que me parece penoso, cutre, feo, estúpido, interesado, vendido, traidor de lo auténtico, negocio sin escrúpulos, va unido al

desprecio por el dibujo.

Los conceptuales han hecho bandera del desprecio por el dibujo. Un desprecio profundo, que existe incluso cuando se afanan en llenar grandes superficies de trazos de carboncillo. Un desprecio que se resume en: me río de esta mierda. Lo mismo que muy inteligentemente criticó Tom Wolfe en "¿Quién teme a la Bauhaus Feroz?", libro que recomiendo "muy muchamente". Aunque en el caso de Wolfe hablaba del profundo desprecio que supone el postmodernismo arquitectónico a los estilos históricos que imita (por ejemplo, Boffill).

Desprecio al dibujo existe también en los que convierten la pintura, el dibujo, el grabado y todo lo que el arte es, en una mecánica tortura, sin alegría ni pasión: los hiperrealistas. Gentes que no se atreven a sacar un boli para garabatear en una servilleta la curva irrepetible de una espalda en un autobús, pero que llenan superficies de varios metros cuadrados con la traducción a

trazos mecánicos y pacientes de una fotografía previamente proyectada en el lienzo.

Desprecio al dibujo también es el que ejercen los pintorcillos domingueros que viviendo en pleno monte sólo saben pintarlo cuando sacan una fotografía de lo que se ve desde la ventana de su estudio.

Después de todo este tiempo que he pasado dentro de este mundillo, tanto dibujando, como enseñando, como pintando, grabando, fotografiando, acompañando a mi mujer a sus maratones de pintura, asistiendo a exposiciones, visitando museos, leyendo libros... después de toda mi experiencia vital en torno al arte, puedo afirmar, y cada vez estoy más seguro de ello, que para el arte, para que el arte sea algo vivo, vigoroso y de verdad, sólo existe un camino: el dibujo.

El dibujo es la clave. Y lo sé entre otras cosas porque no hay nada que cabree tanto y por igual a conceptuales, hiperrealistas y domingueros

como decir en voz alta que las fotos no valen como "bloc de notas", que hay que dibujar las cosas del natural, y dibujar mucho, constantemente. Haced la prueba, decidle esto a algún "artista" de estos, y observad la reacción.

Por ejemplo: hace tiempo, en este mismo blog, escribí una entrada en la que defendí el dibujo del natural contra la copia "de foto". Posteriormente, en diversas discusiones sobre arte en Internet pude constatar el rechazo frontal a mis tesis. Pues bien, hubo quien me amenazó -incluso con abogados y toda la cosa- ¡por no opinar igual que él!

Hay muchos grandes pintores. Pero sólo algunos son a su vez grandes dibujantes. Todos los grandes al menos son dibujantes eficaces, pero una pequeña minoría destaca en esta práctica. Con el tiempo, cada vez me gustan más los pintores-buenos-dibujantes sobre los pintores-no-tan-buenos-dibujantes.

Una forma de comprobar esta teoría es visitar una exposición de segunda, como las que solemos tener en Ferrol, Coruña, etcétera. Si el pintor destaca como dibujante, encontraremos siempre algo bueno que ver. Por ejemplo: Sorolla. Cuando el pintor es un dibujante pasable, las exposiciones de segunda suelen ser muy, muy decepcionantes, por más que los curas -guías de almas en las exposiciones, contratados por las instituciones dueñas de las salas- se empeñen en sermonearnos sobre las bondades de los Seoanes, Granells, etcétera. Ya pueden llenar el catálogo de sesudos estudios históricos, que... si falla el dibujo veremos mucho cartelito, mucho texto... pero lo demás... bastante flojo.

Texto de Anxo Varela publicado en su blog, LERIAS VARIAS, el 12 de marzo de 2008.

(1)

Anxo, como sabes, hace apenas cuatro meses, no sabía nada de esto del arte. Sí, se me daba bien hacer retratos y caricaturas. Pero mi formación artística consistía en conocer algunos conceptos clásicos sobre dibujo y composición, la proporción áurea, la perspectiva, teoría del color… y muy poquito de Historia del arte, la que se daba en el instituto.

También sabía que cuando iba de exposiciones, algunas obras me decían “llevame a casa”. Me atrapaba su fuerza, o su belleza, o el virtuosismo del artista, o ese algo que no sé explicar, un flechazo… amor a primera vista, supongo. Necesitaba acercarme y alejarme una y otra vez, tocarla, olerla, volver a verla antes de irme.

Sin embargo, en otras exposiciones, era un entrar y salir, un aquí te pillo, aquí te mato… parecía más un sexador de pollos, que un espectador del arte… vaya mierda, vaya mierda, vaya mierda, que coño es esto, vaya mierda, vaya mierda… dos minutos y estaba todo visto.

Ahora que voy profundizando en el tema y que el Doctor en Historia del Arte, Antonio Garrido, me ha ilustrado sobre el cubismo, el expresionismo alemán, el ready made, Dadá, surrealismo… y sobre todo, la frase que más huella me ha dejado de sus clases: “el que no es capaz de traspasar, romper, lo Infraleve, está en fuera de juego en esto del arte, no entiende”. Ahora, querido Anxo, es cuando más de acuerdo estoy contigo. Ahora puedo gritar “TOLERANCIA CERO”. Yo cuando tenía 3 años ya traspasaba lo infraleve con la picha. Creo que el que a ciertas edades todavía anda a vueltas con el mérito de lo conceptual, una de dos: o gana pasta con ello y entonces es un getas, o es un pobre diablo al que le faltan unas cuantas primaveras.

Lo difícil siempre estuvo en convertir lo conceptual en arte, yo le llamaría (para dar por superado el término infraleve) traspasar lo ultraleve. Por ejemplo Delacroix en “la libertad guiando al pueblo”

convierte un concepto en arte. Pero quedarse sólo en el concepto… no me jodas! Eso es, como diría Yoko Ono, pa mear y no echar gota. Es como la fábula de la zorra y las uvas: La zorra al ver que ni saltando era capaz de alcanzar las uvas, dijo: “no las quiero, están verdes” y se hizo artista conceptual.

Ahora que ya me desahogué, sigo abierto, y reconozco que todavía me queda mucho por aprender y que a lo mejor, mañana cambio de opinión y me desdigo de lo dicho.

Ya termino, pero antes de cerrar mi comentario, quiero reivindicar el número phi y por eso recomiendo a tus lectores que busquen en los canales alternativos de Internet el programa 364 de Redes de Eduardo Punset, la proporción áurea.

Me quedó bastante largo, lo siento. Hasta otra, en la que seré más breve.

Respuesta de un lector del blog LERIAS VARIAS a la entrada YOKO ONO, escrita el 1 de febrero de 2008 por Anxo Varela

desprecio por el dibujo.

Los conceptuales han hecho bandera del desprecio por el dibujo. Un desprecio profundo, que existe incluso cuando se afanan en llenar grandes superficies de trazos de carboncillo. Un desprecio que se resume en: me río de esta mierda. Lo mismo que muy inteligentemente criticó Tom Wolfe en "¿Quién teme a la Bauhaus Feroz?", libro que recomiendo "muy muchamente". Aunque en el caso de Wolfe hablaba del profundo desprecio que supone el postmodernismo arquitectónico a los estilos históricos que imita (por ejemplo, Boffill).

Desprecio al dibujo existe también en los que convierten la pintura, el dibujo, el grabado y todo lo que el arte es, en una mecánica tortura, sin alegría ni pasión: los hiperrealistas. Gentes que no se atreven a sacar un boli para garabatear en una servilleta la curva irrepetible de una espalda en un autobús, pero que llenan superficies de varios metros cuadrados con la traducción a

trazos mecánicos y pacientes de una fotografía previamente proyectada en el lienzo.

Desprecio al dibujo también es el que ejercen los pintorcillos domingueros que viviendo en pleno monte sólo saben pintarlo cuando sacan una fotografía de lo que se ve desde la ventana de su estudio.

Después de todo este tiempo que he pasado dentro de este mundillo, tanto dibujando, como enseñando, como pintando, grabando, fotografiando, acompañando a mi mujer a sus maratones de pintura, asistiendo a exposiciones, visitando museos, leyendo libros... después de toda mi experiencia vital en torno al arte, puedo afirmar, y cada vez estoy más seguro de ello, que para el arte, para que el arte sea algo vivo, vigoroso y de verdad, sólo existe un camino: el dibujo.

El dibujo es la clave. Y lo sé entre otras cosas porque no hay nada que cabree tanto y por igual a conceptuales, hiperrealistas y domingueros

como decir en voz alta que las fotos no valen como "bloc de notas", que hay que dibujar las cosas del natural, y dibujar mucho, constantemente. Haced la prueba, decidle esto a algún "artista" de estos, y observad la reacción.

Por ejemplo: hace tiempo, en este mismo blog, escribí una entrada en la que defendí el dibujo del natural contra la copia "de foto". Posteriormente, en diversas discusiones sobre arte en Internet pude constatar el rechazo frontal a mis tesis. Pues bien, hubo quien me amenazó -incluso con abogados y toda la cosa- ¡por no opinar igual que él!

Hay muchos grandes pintores. Pero sólo algunos son a su vez grandes dibujantes. Todos los grandes al menos son dibujantes eficaces, pero una pequeña minoría destaca en esta práctica. Con el tiempo, cada vez me gustan más los pintores-buenos-dibujantes sobre los pintores-no-tan-buenos-dibujantes.

Una forma de comprobar esta teoría es visitar una exposición de segunda, como las que solemos tener en Ferrol, Coruña, etcétera. Si el pintor destaca como dibujante, encontraremos siempre algo bueno que ver. Por ejemplo: Sorolla. Cuando el pintor es un dibujante pasable, las exposiciones de segunda suelen ser muy, muy decepcionantes, por más que los curas -guías de almas en las exposiciones, contratados por las instituciones dueñas de las salas- se empeñen en sermonearnos sobre las bondades de los Seoanes, Granells, etcétera. Ya pueden llenar el catálogo de sesudos estudios históricos, que... si falla el dibujo veremos mucho cartelito, mucho texto... pero lo demás... bastante flojo.

Texto de Anxo Varela publicado en su blog, LERIAS VARIAS, el 12 de marzo de 2008.

(1)

Anxo, como sabes, hace apenas cuatro meses, no sabía nada de esto del arte. Sí, se me daba bien hacer retratos y caricaturas. Pero mi formación artística consistía en conocer algunos conceptos clásicos sobre dibujo y composición, la proporción áurea, la perspectiva, teoría del color… y muy poquito de Historia del arte, la que se daba en el instituto.

También sabía que cuando iba de exposiciones, algunas obras me decían “llevame a casa”. Me atrapaba su fuerza, o su belleza, o el virtuosismo del artista, o ese algo que no sé explicar, un flechazo… amor a primera vista, supongo. Necesitaba acercarme y alejarme una y otra vez, tocarla, olerla, volver a verla antes de irme.

Sin embargo, en otras exposiciones, era un entrar y salir, un aquí te pillo, aquí te mato… parecía más un sexador de pollos, que un espectador del arte… vaya mierda, vaya mierda, vaya mierda, que coño es esto, vaya mierda, vaya mierda… dos minutos y estaba todo visto.

Ahora que voy profundizando en el tema y que el Doctor en Historia del Arte, Antonio Garrido, me ha ilustrado sobre el cubismo, el expresionismo alemán, el ready made, Dadá, surrealismo… y sobre todo, la frase que más huella me ha dejado de sus clases: “el que no es capaz de traspasar, romper, lo Infraleve, está en fuera de juego en esto del arte, no entiende”. Ahora, querido Anxo, es cuando más de acuerdo estoy contigo. Ahora puedo gritar “TOLERANCIA CERO”. Yo cuando tenía 3 años ya traspasaba lo infraleve con la picha. Creo que el que a ciertas edades todavía anda a vueltas con el mérito de lo conceptual, una de dos: o gana pasta con ello y entonces es un getas, o es un pobre diablo al que le faltan unas cuantas primaveras.

Lo difícil siempre estuvo en convertir lo conceptual en arte, yo le llamaría (para dar por superado el término infraleve) traspasar lo ultraleve. Por ejemplo Delacroix en “la libertad guiando al pueblo”

convierte un concepto en arte. Pero quedarse sólo en el concepto… no me jodas! Eso es, como diría Yoko Ono, pa mear y no echar gota. Es como la fábula de la zorra y las uvas: La zorra al ver que ni saltando era capaz de alcanzar las uvas, dijo: “no las quiero, están verdes” y se hizo artista conceptual.

Ahora que ya me desahogué, sigo abierto, y reconozco que todavía me queda mucho por aprender y que a lo mejor, mañana cambio de opinión y me desdigo de lo dicho.

Ya termino, pero antes de cerrar mi comentario, quiero reivindicar el número phi y por eso recomiendo a tus lectores que busquen en los canales alternativos de Internet el programa 364 de Redes de Eduardo Punset, la proporción áurea.

Me quedó bastante largo, lo siento. Hasta otra, en la que seré más breve.

Respuesta de un lector del blog LERIAS VARIAS a la entrada YOKO ONO, escrita el 1 de febrero de 2008 por Anxo Varela

El falaz dogma de fe del arte actual que considera el arte como algo disfrutable sólo desde el intelecto y no desde los sentidos, disfrutable al fín y al cabo, como lo son las cosas de la vida de las que disfrutamos, ha llevado a nuestra sociedad a condenarse al padecimiento de un arte insoportable de puro aburrido, soporífero y gris.

Ha caído en mis manos este folleto que anuncia que el CGAC (Centro de Arte Contemporáneo de Galicia) está de cumpleaños y por lo tanto, en fiestas, ofreciendo un ramillete de actividades culturales y artísticas.

Esta imagen que abre el catálogo, de hecho, lo dice todo...el arte que cuelga en nuestros museos de arte contemporáneo es la alegría

de la huerta, el disfrute puro, orgasmos para nuestros ojos.

Lo malo no es que el arte oficial sea puro aburrimiento, sino que además se regodea en parecerlo, en hacer hincapié en esa estética alternativopija, de diseño aséptico y gris, de irritante eclosión de la nada.

En este contexto, por supuesto, la pintura no pinta nada. Hasta el Perro Enterrado de Goya es un canto a la fiesta y a la alegría de vivir al lado de las propuestas de nuestros CGACS, empeñados en negar al arte la posibilidad de ser disfrutado sin más, de ser un espectáculo visual en sí mismo (y no en virtud de una supuesta transgresión o exceso).

L a gran equivocación de lo

que hoy es el arte oficial es el erróneo papel que se ha asignado a la crítica y a la teoría artística, que se han convertido en un obstáculo a la pura y simple contemplación y el goce estético, ha alejado al público del arte que debe disfrutar, el de sus museos públicos, y ha creado un perfil de "artista-entendido en arte" ombliguista que desprecia el arte como expresión y abraza su uso como una mera transliteración de teorías estéticas, que además, de ya manidas y recauchutadas producen bostezo incluso entre estos propios entendidos, que aún así, se resisten en abandonar el club privado que nuestros impuestos les pagan sin que nosotros queramos.

El diseño y marketing de este arte aún redunda más en este pretendido elitismo intelectual que no es tal...Este panfleto nos dice bien claro que sí, que esto es una fiesta del arte, pero no es una fiesta cualquiera...es una fiesta sólo para "ellos", para los que forman esa élite que es la única en el universo capaz de intelectualizar el arte, cosa que los mortales que no entienden del asunto jamás podrían hacer.

Para fiestas como estas, quién necesita velatorios...Los artistas y espectadores a los que esta estampa (intencionadamente)

Qué ameno y qué bien todoahuyente, entre los que evidentemente me incluyo, esperamos con la paciencia que ya nos hemos forjado a golpe de artistadas que algún día el público entre ansioso a uno de estos museos a DISFRUTAR, a comentar sin miedo, a degustar el arte, y a dejarse llevar por un discurso que no pretenda alejar, sino acercar, y que no requiera un texto previo para ser disfrutado.

Mientras, seguiremos pagándoles las fiestas a este grupete de entendidos de medio pelo, con la esperanza de que al final ellos acaben aburriéndose tanto que abandonen la idea de que pertenecen al ARTE. Me temo que sólo así volverá el arte de verdad, el que conmueve, el que se dirige al corazón y no a la cabeza, a ocupar los museos de los que ahora está exiliado.

Entrada del blog HART de Mariano Casas, y pieza de humor gráfico del mismo autor

El falaz dogma de fe del arte actual que considera el arte como algo disfrutable sólo desde el intelecto y no desde los sentidos, disfrutable al fín y al cabo, como lo son las cosas de la vida de las que disfrutamos, ha llevado a nuestra sociedad a condenarse al padecimiento de un arte insoportable de puro aburrido, soporífero y gris.

Ha caído en mis manos este folleto que anuncia que el CGAC (Centro de Arte Contemporáneo de Galicia) está de cumpleaños y por lo tanto, en fiestas, ofreciendo un ramillete de actividades culturales y artísticas.

Esta imagen que abre el catálogo, de hecho, lo dice todo...el arte que cuelga en nuestros museos de arte contemporáneo es la alegría

de la huerta, el disfrute puro, orgasmos para nuestros ojos.

Lo malo no es que el arte oficial sea puro aburrimiento, sino que además se regodea en parecerlo, en hacer hincapié en esa estética alternativopija, de diseño aséptico y gris, de irritante eclosión de la nada.

En este contexto, por supuesto, la pintura no pinta nada. Hasta el Perro Enterrado de Goya es un canto a la fiesta y a la alegría de vivir al lado de las propuestas de nuestros CGACS, empeñados en negar al arte la posibilidad de ser disfrutado sin más, de ser un espectáculo visual en sí mismo (y no en virtud de una supuesta transgresión o exceso).

L a gran equivocación de lo

que hoy es el arte oficial es el erróneo papel que se ha asignado a la crítica y a la teoría artística, que se han convertido en un obstáculo a la pura y simple contemplación y el goce estético, ha alejado al público del arte que debe disfrutar, el de sus museos públicos, y ha creado un perfil de "artista-entendido en arte" ombliguista que desprecia el arte como expresión y abraza su uso como una mera transliteración de teorías estéticas, que además, de ya manidas y recauchutadas producen bostezo incluso entre estos propios entendidos, que aún así, se resisten en abandonar el club privado que nuestros impuestos les pagan sin que nosotros queramos.

El diseño y marketing de este arte aún redunda más en este pretendido elitismo intelectual que no es tal...Este panfleto nos dice bien claro que sí, que esto es una fiesta del arte, pero no es una fiesta cualquiera...es una fiesta sólo para "ellos", para los que forman esa élite que es la única en el universo capaz de intelectualizar el arte, cosa que los mortales que no entienden del asunto jamás podrían hacer.

Para fiestas como estas, quién necesita velatorios...Los artistas y espectadores a los que esta estampa (intencionadamente)

Qué ameno y qué bien todoahuyente, entre los que evidentemente me incluyo, esperamos con la paciencia que ya nos hemos forjado a golpe de artistadas que algún día el público entre ansioso a uno de estos museos a DISFRUTAR, a comentar sin miedo, a degustar el arte, y a dejarse llevar por un discurso que no pretenda alejar, sino acercar, y que no requiera un texto previo para ser disfrutado.

Mientras, seguiremos pagándoles las fiestas a este grupete de entendidos de medio pelo, con la esperanza de que al final ellos acaben aburriéndose tanto que abandonen la idea de que pertenecen al ARTE. Me temo que sólo así volverá el arte de verdad, el que conmueve, el que se dirige al corazón y no a la cabeza, a ocupar los museos de los que ahora está exiliado.

Entrada del blog HART de Mariano Casas, y pieza de humor gráfico del mismo autor

Uno de los cuadros sobre El Traje Nuevo del Emperador, de Carmen Martín (2008)

Contesta las preguntas de este test de acuerdo con las respuestas dadas. Descubrirás si debes unirte al Hartismo o no.Contesta con sinceridad. Ahora no te ve nadie.

1.Te acercas a ver un exposición de Joseph Beuys llena de sus clásicos, botes de parafina por el suelo, cajitas con cosas , trapos, etc. Tu piensas

a-esto es una puta mierdab-estas cosas ya me parece haberlas visto antes. qué mal huele aquíc-hay que respetar todas las sensibilidades, entiendo que haya quien diga que es un geniod-una exposición magnífica y muy recomendable. Hierofánica.

2.En la boda de tu primo van a servir un novedoso plato: tiburón. Tú puedes elegir cómo quieres que te lo preparen:

a-en caldeiradab-en ajadac-en espumad-en formol

3.El pueblo de tu madre, a 120 kilómetros a la redonda de cualquier forma de vida conocida, está en fiestas. Te han nombrado concejal de cultura interino porque el titular tiene una hernia ya que intentó cambiar la rueda de su camión sin usar el gato, levantándolo a pulso. Por presiones ajenas a tí, en las que no vamos a entrar ahora, te instan a "modernizar" las fiestas, que siempre suelen consistir en masivas ingestas de chorizo y aguardiente, y en una charanga donde tocan unos tíos con trajes de charol todavía más borrachos que el resto de la gente.Te dicen que debes acabar con esta tradición prehomínida y que organices en su lugar un festival de videinstalaciones. Ante esto, tú:

a-te suicidasb-les presentas a los paisanos el festival, pidiendo disculpas de antemano por si alguien echa de menos su fiesta anual. En la presentación procuras que beban muchísimo para que luego no puedan seguirte.c-les exiges respeto y silencio ante la colección de obras de arte procesual que van a contemplar, y les dices que ya iba siendo hora de que su puto pueblo fuera moderno y vanguardista. Mientras dices esto, a tres metros de tí tienes el coche en punto muerto, listo para meterte en él y abandonar el lugar a 150 por hora en cuanto empiece el show.d-lo mismo que en la respuesta anterior, pero sin el coche esperándote.

Test: ¿SOY HARTISTA?

Uno de los cuadros sobre El Traje Nuevo del Emperador, de Carmen Martín (2008)

Contesta las preguntas de este test de acuerdo con las respuestas dadas. Descubrirás si debes unirte al Hartismo o no.Contesta con sinceridad. Ahora no te ve nadie.

1.Te acercas a ver un exposición de Joseph Beuys llena de sus clásicos, botes de parafina por el suelo, cajitas con cosas , trapos, etc. Tu piensas

a-esto es una puta mierdab-estas cosas ya me parece haberlas visto antes. qué mal huele aquíc-hay que respetar todas las sensibilidades, entiendo que haya quien diga que es un geniod-una exposición magnífica y muy recomendable. Hierofánica.

2.En la boda de tu primo van a servir un novedoso plato: tiburón. Tú puedes elegir cómo quieres que te lo preparen:

a-en caldeiradab-en ajadac-en espumad-en formol

3.El pueblo de tu madre, a 120 kilómetros a la redonda de cualquier forma de vida conocida, está en fiestas. Te han nombrado concejal de cultura interino porque el titular tiene una hernia ya que intentó cambiar la rueda de su camión sin usar el gato, levantándolo a pulso. Por presiones ajenas a tí, en las que no vamos a entrar ahora, te instan a "modernizar" las fiestas, que siempre suelen consistir en masivas ingestas de chorizo y aguardiente, y en una charanga donde tocan unos tíos con trajes de charol todavía más borrachos que el resto de la gente.Te dicen que debes acabar con esta tradición prehomínida y que organices en su lugar un festival de videinstalaciones. Ante esto, tú:

a-te suicidasb-les presentas a los paisanos el festival, pidiendo disculpas de antemano por si alguien echa de menos su fiesta anual. En la presentación procuras que beban muchísimo para que luego no puedan seguirte.c-les exiges respeto y silencio ante la colección de obras de arte procesual que van a contemplar, y les dices que ya iba siendo hora de que su puto pueblo fuera moderno y vanguardista. Mientras dices esto, a tres metros de tí tienes el coche en punto muerto, listo para meterte en él y abandonar el lugar a 150 por hora en cuanto empiece el show.d-lo mismo que en la respuesta anterior, pero sin el coche esperándote.

Test: ¿SOY HARTISTA?

4. Comes con tus compañeros de trabajo en un conocido restaurante de estos de nueva cocina. Tras un menú "degustación" consistente en un variado mix de espumas, aires, esencias e hilos variados, llega la cuenta, cuando tú no recuerdas haber comido nada, y el montante asciende a una cantidadequivalente a tu sueldo de 15 días.En ese momento, un hombre vestido a lo Elton John, de negro riguroso, viene hacia vuestra mesa, y os pregunta qué os ha parecido lo que os ha preparado. Tu respuesta es la siguiente.

a-le agarras de los huevos con todas tus fuerzas y le dices que te traiga la comida.b-le dices que muy bien, le das una palmada en la espalda y aprovechas para robarle la cartera, que por cierto, está repleta.c-tragas bilis y hiel por no quedar en ridículo, y al salir te vas a cenar al Mc Donalds, del que vas a tenerte que ir sin pagar, pues ya no te queda un duro.d-Te sientes partícipe de una experiencia magnífica.

5. Vas al museo de arte contemporáneo con tus sobrinos. Hay una exposición de videoarte, con unas piezas que un hijodeperra que te ha cobrado tres euros por cabeza te asegura que son muy interesantes.Entras en una sala oscura y comienza el vídeo. Es una imagen de una vieja sentada en una silla. Pasan quince minutos y la imagen todavía no ha cambiado de plano. Tus sobrinos comienzan a impacientarse y tú no digamos.

a-Buscas el aparato de DVD , lo arrancas y lo lanzas con toda tu alma hacia el rostro del que te sacó la pasta al entrar. Con el revuelo aprovechas para robar el proyector, y huir con tus sobrinos.b-buscas el aparato de DVD, convencido de que alguien le ha dado sin querer a la pausa.c-Instas a tus sobrinos a que se callen y te dejen terminar de ver la obra.d-Explicas a tus sobrinos el significado de la obra.

6-Acudes al museo del Prado a ver una exposición de obras de Velazquez no expuestas habitualmente. Después de dos horas de visita

a-no notas el cansancio, te apena irte y pensar que puede que nunca vuelvas a ver in situ esas obras.b-estás muy cansado, pero te gusta tanto la exposición que aguantarás más tiempoc-te parece todo una antigualla, a tí te van mas las cosas modernasd- ¿el museo de quéee?

7-te venden un coche híbrido, diseñado por el insigne artista Damien Hirst.Te cuesta 40 mil euros más IVA. Cuando llevas con él tres días caes en la cuenta de que consume la hostia, no arranca, se cala, no le funciona la marcha atrás ni los intermitentes, y que de híbrido nada, sólo funciona con gasolina 95. Vas a la casa, una marca de nuevo cuño llamada Sothecar´s, donde te informan que el valor del coche viene dado por quien lo ha diseñado, y que lo de híbrido no significa que funcione con gasolina y con electricidad, sino que unas veces funciona y otras veces no. Después de explicarte esto con desgana y sin mirarte a la cara, te hace una seña con desdén con la mano para que te marches, porque está muy ocupado.

Según él, la casa va a recibir la visita del Señor Hirst. Tú...

a-Esperas al Hirst y cuando llega lo reduces, a él y al señor que te atiende, y les obligas a tragar 16 mil litros de formol (a cada uno)b-así como te hace la seña con la mano el hombre que te atiende, se la coges y se la retuerces con todas sus fuerzasc-Bueno, son cosas de los artistas...ja, ja, qué ingenio tienen.d-qué suerte tienes, poca gente en el mundo puede decirlo, y sólo te ha costado 40 mil euros.

8.Después de acabar este test, te ha parecido:

a-una soplapollez que flipasb-un pasatiempo. No tenías nada mejor que hacerc-interesanted-una obra de arte procesual de la que tú eres una parte fundamental.

Las respuestas a valen 0 puntos, las b 1 punto, las c 2 puntos y las d ocho trillones de puntos.Suma todos los valores y si el resultado es-CERO, es que eres un HARTISTA, a tí no te la dan con queso, únete a nsosotros, colega!-Entre CERO y DIEZ, es que eres una persona normal. No hartista, hartista propiamente dicho, pero un tío normal. Pero bueno, tienes que exteriorizar esas cosas que piensas de vez en cuando, porque guardarse lo que uno piensa no es nada bueno.-Más de DIEZ. Tienes que ir pensando en montar una galería, o hacerte comisario de exposiciones, tienes cierta empatía con el arte moderno. Qué suerte tienes.-Más de MIL. Eres un crítico y/o teórico en potencia, lo tuyo es de verdad el arte de vanguardia, qué afortunado, ojalá yo fuera también así.-Me da MUCHÍSIMO, pero no voy a contarlo que me canso. Bueno, esto ya es el acabose. ERES UN AUTÉNTICO ARTISTA CONTEMPORÁNEO.

4. Comes con tus compañeros de trabajo en un conocido restaurante de estos de nueva cocina. Tras un menú "degustación" consistente en un variado mix de espumas, aires, esencias e hilos variados, llega la cuenta, cuando tú no recuerdas haber comido nada, y el montante asciende a una cantidadequivalente a tu sueldo de 15 días.En ese momento, un hombre vestido a lo Elton John, de negro riguroso, viene hacia vuestra mesa, y os pregunta qué os ha parecido lo que os ha preparado. Tu respuesta es la siguiente.

a-le agarras de los huevos con todas tus fuerzas y le dices que te traiga la comida.b-le dices que muy bien, le das una palmada en la espalda y aprovechas para robarle la cartera, que por cierto, está repleta.c-tragas bilis y hiel por no quedar en ridículo, y al salir te vas a cenar al Mc Donalds, del que vas a tenerte que ir sin pagar, pues ya no te queda un duro.d-Te sientes partícipe de una experiencia magnífica.

5. Vas al museo de arte contemporáneo con tus sobrinos. Hay una exposición de videoarte, con unas piezas que un hijodeperra que te ha cobrado tres euros por cabeza te asegura que son muy interesantes.Entras en una sala oscura y comienza el vídeo. Es una imagen de una vieja sentada en una silla. Pasan quince minutos y la imagen todavía no ha cambiado de plano. Tus sobrinos comienzan a impacientarse y tú no digamos.

a-Buscas el aparato de DVD , lo arrancas y lo lanzas con toda tu alma hacia el rostro del que te sacó la pasta al entrar. Con el revuelo aprovechas para robar el proyector, y huir con tus sobrinos.b-buscas el aparato de DVD, convencido de que alguien le ha dado sin querer a la pausa.c-Instas a tus sobrinos a que se callen y te dejen terminar de ver la obra.d-Explicas a tus sobrinos el significado de la obra.

6-Acudes al museo del Prado a ver una exposición de obras de Velazquez no expuestas habitualmente. Después de dos horas de visita

a-no notas el cansancio, te apena irte y pensar que puede que nunca vuelvas a ver in situ esas obras.b-estás muy cansado, pero te gusta tanto la exposición que aguantarás más tiempoc-te parece todo una antigualla, a tí te van mas las cosas modernasd- ¿el museo de quéee?

7-te venden un coche híbrido, diseñado por el insigne artista Damien Hirst.Te cuesta 40 mil euros más IVA. Cuando llevas con él tres días caes en la cuenta de que consume la hostia, no arranca, se cala, no le funciona la marcha atrás ni los intermitentes, y que de híbrido nada, sólo funciona con gasolina 95. Vas a la casa, una marca de nuevo cuño llamada Sothecar´s, donde te informan que el valor del coche viene dado por quien lo ha diseñado, y que lo de híbrido no significa que funcione con gasolina y con electricidad, sino que unas veces funciona y otras veces no. Después de explicarte esto con desgana y sin mirarte a la cara, te hace una seña con desdén con la mano para que te marches, porque está muy ocupado.

Según él, la casa va a recibir la visita del Señor Hirst. Tú...

a-Esperas al Hirst y cuando llega lo reduces, a él y al señor que te atiende, y les obligas a tragar 16 mil litros de formol (a cada uno)b-así como te hace la seña con la mano el hombre que te atiende, se la coges y se la retuerces con todas sus fuerzasc-Bueno, son cosas de los artistas...ja, ja, qué ingenio tienen.d-qué suerte tienes, poca gente en el mundo puede decirlo, y sólo te ha costado 40 mil euros.

8.Después de acabar este test, te ha parecido:

a-una soplapollez que flipasb-un pasatiempo. No tenías nada mejor que hacerc-interesanted-una obra de arte procesual de la que tú eres una parte fundamental.

Las respuestas a valen 0 puntos, las b 1 punto, las c 2 puntos y las d ocho trillones de puntos.Suma todos los valores y si el resultado es-CERO, es que eres un HARTISTA, a tí no te la dan con queso, únete a nsosotros, colega!-Entre CERO y DIEZ, es que eres una persona normal. No hartista, hartista propiamente dicho, pero un tío normal. Pero bueno, tienes que exteriorizar esas cosas que piensas de vez en cuando, porque guardarse lo que uno piensa no es nada bueno.-Más de DIEZ. Tienes que ir pensando en montar una galería, o hacerte comisario de exposiciones, tienes cierta empatía con el arte moderno. Qué suerte tienes.-Más de MIL. Eres un crítico y/o teórico en potencia, lo tuyo es de verdad el arte de vanguardia, qué afortunado, ojalá yo fuera también así.-Me da MUCHÍSIMO, pero no voy a contarlo que me canso. Bueno, esto ya es el acabose. ERES UN AUTÉNTICO ARTISTA CONTEMPORÁNEO.

Una de las cosas que más chocaría a cualquiera que, en el hipotético caso de que esto fuera posible, viniese de otra época e intentase acercarse al ARTE que se ofrece al público en los circuitos oficiales, serían, seguro, las constantes JUSTIFICACIONES, ya no sólo simple soporte teórico, con que cierto tipo de arte intenta explicar su propia existencia.Recuerdo una vez en que llevé a mis alumnos a una exposición en el museo MARCO de Vigo. En el mismo edificio había otra exposición de "arte contemporáneo" en la que colgaban y reposaban una serie de readymades de lo más trillado y ya visto.La guía empezó preguntando a los chavales, de entre 14 y 16 años, si eso les parecía arte. Todos dijeron que no.Entonces ella empezó una serie de justificaciones, que empezaban con un "sí es arte, porque...", y acto seguido hizo un repaso historicista simplón de todo lo que según ella (y muchos otros) ha sido la historia del arte desde mediados del s XX, en el que parece ser que se extinguió la pintura, como los dinosaurios,( y comenzó una suerte de arte experimental cuyos experimentos siguen siendo experimentales décadas después), un arte que renegaba de los museos, (pero que hoy no se despega

de ellos, ni permite alternativas en su interior), un arte liberado de los dogmas (pero cuyos defensores caen hoy en dogmatismos brutales y excluyentes).En fín, la chica pintó de justificaciones ,las habituales justificaciones, que no por repetidas dejan de ser peregrinas, el camino hacia

la comprensión de esa obra de arte.Pero los niños no se dieron por convencidos, y la segunda vez que ella preguntó si "eso" les parecía una obra de arte (después de toda la explicación justificatoria), ellos dijeron: NO.

La chica perdió su amabilidad

Explicaciones y justificacionesy dijo algo que definitivamente hizo perder la paciencia a mis alumnos (y a mí también, aunque lo disimulé mucho mejor), dijo: "bueno, hay que procurar no ser ignorante ni cerrarse en banda. Esto ES arte"Sus justificaciones acabaron ahí, porque los chavales, que se sintieron insultados, abandonaron esa sala y se fueron, dejando a la chica con la palabra en la boca.

Sólo cuando se habla entre adultos, ya suavizados (o corrompidos, quien sabe) en sus relaciones personales por una diplomacia, a veces mal entendida, puede parecer que las justificaciones de lo que no es justificable convencen. La mayoría de las veces no lo hacen, pero el sujeto pasivo de la justificación hace un esfuerzo por que su pensamiento no salga a la luz.

El honesto, espontáneo e inequívoco comportamiento de los adolescentes me hizo pensar en el hecho de que a veces, nuestra supuesta "madurez" no es sino una vuelta atrás en ciertos aspectos, un cobarde intento de nadar y guardar la ropa, un insincero escudo que nos esconde de los demás, pero no de nosotros mismos, y que todo esto puede ser derrumbado como un escudo de naipes por un soplo de aire fresco.Es muy posible que nadie en

esa sala creyese que el objeto oxidado cogido al azar por un supuesto artista que descansaba en un pedestal fuese arte. Yo desde luego no lo creía, y apostaría a que la guía que intentaba convencernos, tampoco.Pero sus conocimientos, juicios y prejuicios adquiridos, el miedo a no ser parte del grupo, del club en el que había entrado, la autocomplacencia social que da el saberse parte de algo que "no todos entienden", y en fín, un largo catálogo de miserias de las que los niños no suelen participar, hacían a esta chica adoptar una postura de férrea convicción que se transformaba en agresividad al ser cuestionadas sus justificaciones, que no explicaciones.

La justificación es el rostro de la mentira.Alguien que defiende una verdad, aunque sea SU verdad, se explica.Alguien que defiende algo en lo que no cree se justifica.Hace unos pocos meses pudimos ver a la Reina de España saliendo de ARCO, la Feria de Arte Contemporáneo de Madrid.Para una persona acostumbrada a vivir entre obras de arte, una visita obligada a semejante montón de mierda debe ser un auténtico suplicio.Pero incluso para una diplomática vitalicia como es

ella, el espontáneo brote de la justificación fué más revelador que todas las declaraciones que he visto en mi vida expresar a esta señora.Un periodista le dijo: "Majestad, ¿le ha gustado lo que ha visto en ARCO?".Y ella contestó: "Bueno, lo que busca el arte es provocar, ¿no?”

Entrada del blog HART de Mariano Casas, en abril de 2008

Una de las cosas que más chocaría a cualquiera que, en el hipotético caso de que esto fuera posible, viniese de otra época e intentase acercarse al ARTE que se ofrece al público en los circuitos oficiales, serían, seguro, las constantes JUSTIFICACIONES, ya no sólo simple soporte teórico, con que cierto tipo de arte intenta explicar su propia existencia.Recuerdo una vez en que llevé a mis alumnos a una exposición en el museo MARCO de Vigo. En el mismo edificio había otra exposición de "arte contemporáneo" en la que colgaban y reposaban una serie de readymades de lo más trillado y ya visto.La guía empezó preguntando a los chavales, de entre 14 y 16 años, si eso les parecía arte. Todos dijeron que no.Entonces ella empezó una serie de justificaciones, que empezaban con un "sí es arte, porque...", y acto seguido hizo un repaso historicista simplón de todo lo que según ella (y muchos otros) ha sido la historia del arte desde mediados del s XX, en el que parece ser que se extinguió la pintura, como los dinosaurios,( y comenzó una suerte de arte experimental cuyos experimentos siguen siendo experimentales décadas después), un arte que renegaba de los museos, (pero que hoy no se despega

de ellos, ni permite alternativas en su interior), un arte liberado de los dogmas (pero cuyos defensores caen hoy en dogmatismos brutales y excluyentes).En fín, la chica pintó de justificaciones ,las habituales justificaciones, que no por repetidas dejan de ser peregrinas, el camino hacia

la comprensión de esa obra de arte.Pero los niños no se dieron por convencidos, y la segunda vez que ella preguntó si "eso" les parecía una obra de arte (después de toda la explicación justificatoria), ellos dijeron: NO.

La chica perdió su amabilidad

Explicaciones y justificacionesy dijo algo que definitivamente hizo perder la paciencia a mis alumnos (y a mí también, aunque lo disimulé mucho mejor), dijo: "bueno, hay que procurar no ser ignorante ni cerrarse en banda. Esto ES arte"Sus justificaciones acabaron ahí, porque los chavales, que se sintieron insultados, abandonaron esa sala y se fueron, dejando a la chica con la palabra en la boca.

Sólo cuando se habla entre adultos, ya suavizados (o corrompidos, quien sabe) en sus relaciones personales por una diplomacia, a veces mal entendida, puede parecer que las justificaciones de lo que no es justificable convencen. La mayoría de las veces no lo hacen, pero el sujeto pasivo de la justificación hace un esfuerzo por que su pensamiento no salga a la luz.

El honesto, espontáneo e inequívoco comportamiento de los adolescentes me hizo pensar en el hecho de que a veces, nuestra supuesta "madurez" no es sino una vuelta atrás en ciertos aspectos, un cobarde intento de nadar y guardar la ropa, un insincero escudo que nos esconde de los demás, pero no de nosotros mismos, y que todo esto puede ser derrumbado como un escudo de naipes por un soplo de aire fresco.Es muy posible que nadie en

esa sala creyese que el objeto oxidado cogido al azar por un supuesto artista que descansaba en un pedestal fuese arte. Yo desde luego no lo creía, y apostaría a que la guía que intentaba convencernos, tampoco.Pero sus conocimientos, juicios y prejuicios adquiridos, el miedo a no ser parte del grupo, del club en el que había entrado, la autocomplacencia social que da el saberse parte de algo que "no todos entienden", y en fín, un largo catálogo de miserias de las que los niños no suelen participar, hacían a esta chica adoptar una postura de férrea convicción que se transformaba en agresividad al ser cuestionadas sus justificaciones, que no explicaciones.

La justificación es el rostro de la mentira.Alguien que defiende una verdad, aunque sea SU verdad, se explica.Alguien que defiende algo en lo que no cree se justifica.Hace unos pocos meses pudimos ver a la Reina de España saliendo de ARCO, la Feria de Arte Contemporáneo de Madrid.Para una persona acostumbrada a vivir entre obras de arte, una visita obligada a semejante montón de mierda debe ser un auténtico suplicio.Pero incluso para una diplomática vitalicia como es

ella, el espontáneo brote de la justificación fué más revelador que todas las declaraciones que he visto en mi vida expresar a esta señora.Un periodista le dijo: "Majestad, ¿le ha gustado lo que ha visto en ARCO?".Y ella contestó: "Bueno, lo que busca el arte es provocar, ¿no?”

Entrada del blog HART de Mariano Casas, en abril de 2008

He encontrado el otro día, siguiendo un enlace en un comentario del Señor R, esta pequeña joya:

http://ramonfernandez.revistaperito.com/queesarteyqueno.pdf

Se titula "¿Qué es arte y qué no? (Algunas consideraciones)". Está escrito por Miguel Antonio Fernández Fernández, profesor de Educación Plástica y Visual y Bachillerato en el IES “Salvador Rueda” (Málaga).

Es un ejemplo perfecto de la postura de la tolerancia infinita a los postulados del arte oficial. Ni que decir tiene, que yo, como hartista, podría dar contraargumentos a cada uno de los argumentos que nos da el bueno de Miguel Antonio. Leedlo, porque no tiene desperdicio: simplemente, les explica a los chavales, en un lenguaje comprensible, por qué deben creer que cualquier cosa puede ser arte.

Elijo un fragmento:

"Primer caso.Un electricista va a arreglar una avería a una galería de arte y se deja olvidado: cajas, cables sueltos y herramientas.En otra ocasión un artista expone en la misma

galería de arte: cajas, cables sueltos y herramientas, casualmente con la misma posición que lo dejó el electricista.En el caso del electricista no se puede considerar arte, en el del artista sí.¿Qué ha pasado, si las dos obras están formadas exactamente por los mismos objetos? Muy sencillo el artista ha creado la composición con una intención artística, sin embargo, el electricista no tubo (sic) ninguna intención de hacer arte, simplemente olvidó de llevarse sus objetos. La primera conclusión es que: arte son las obras que crean los artistas con la intención de hacer arte."

Este texto tiene para mí una especie de efecto hipnótico, no sé explicar por qué. Quizá es la explicación: "Muy sencillo..." dicha así, sin despeinarse.

Estos días, como estamos preparando la presentación del Hartismo, estamos pensando en los temas que surjan entre el público asistente cuando estemos charlando, pues queremos estar preparados para poder hablar sin tartamudear, ya que el pánico escénico es fuerte: no todos los días se presenta al mundo un nuevo

movimiento artístico.

En la abundante correspondencia que estamos teniendo los hartistas estos días, Mariano me comentó esto:

Hay que ensayar respuestas amables ante preguntas previsibles, tipo"¿por qué un montón de objetos tirados no es arte?"...

Es cierto, esta pregunta es muy habitual entre los creyentes y los fanáticos del anti-arte. Es semejante a la pregunta: "¿por qué la Astrología no es ciencia?". En realidad, lo que llamamos anti-arte y arte oficial en nuestro Manifiesto se definiría muy bien como pseudo-arte, por analogía con pseudo-ciencia.

Pues bien, después de pensarlo mucho, de comentarlo con más gente, creo que la cuestión no es que nosotros tengamos que explicar por qué un montón de objetos tirados NO es arte. Lo normal es que nadie considere como arte ese tipo de cosas. Cualquier montón de objetos tirados en el suelo pasa desapercibido hasta para los "comisarios" más integristas, si nadie les avisa previamente: "Cuidado, es un Daganzo".

En realidad, lo que quien

...¿porqué un montón de objetos tirados no es arte?

pregunta nos debería explicar es por qué debemos creer en serio que un montón de objetos tirados SÍ es arte. Creo que eso es complicado de razonar, y cualquier argumento a favor de esa proposición es poco creíble, si uno no lleva ya algún tipo de fe previamente instalada en el "disco duro".

El problema de todo esto es

que ser escéptico respecto al pseudo-arte es tan poco popular como ser escéptico respecto a las pseudo-ciencias y otras engañifas que circulan por ahí. Pero creo que es necesario tomar conciencia de los engaños, aunque diplomáticamente sea poco conveniente. Creo que a la larga el mundo será mejor si echamos a los mercaderes del Templo.

Entrada del blog LERIAS VARIAS, de Anxo Varela, del 3 de octubre de 2008

¿artista contemporáneo o electricista? Una pista: está sudando.

He encontrado el otro día, siguiendo un enlace en un comentario del Señor R, esta pequeña joya:

http://ramonfernandez.revistaperito.com/queesarteyqueno.pdf

Se titula "¿Qué es arte y qué no? (Algunas consideraciones)". Está escrito por Miguel Antonio Fernández Fernández, profesor de Educación Plástica y Visual y Bachillerato en el IES “Salvador Rueda” (Málaga).

Es un ejemplo perfecto de la postura de la tolerancia infinita a los postulados del arte oficial. Ni que decir tiene, que yo, como hartista, podría dar contraargumentos a cada uno de los argumentos que nos da el bueno de Miguel Antonio. Leedlo, porque no tiene desperdicio: simplemente, les explica a los chavales, en un lenguaje comprensible, por qué deben creer que cualquier cosa puede ser arte.

Elijo un fragmento:

"Primer caso.Un electricista va a arreglar una avería a una galería de arte y se deja olvidado: cajas, cables sueltos y herramientas.En otra ocasión un artista expone en la misma

galería de arte: cajas, cables sueltos y herramientas, casualmente con la misma posición que lo dejó el electricista.En el caso del electricista no se puede considerar arte, en el del artista sí.¿Qué ha pasado, si las dos obras están formadas exactamente por los mismos objetos? Muy sencillo el artista ha creado la composición con una intención artística, sin embargo, el electricista no tubo (sic) ninguna intención de hacer arte, simplemente olvidó de llevarse sus objetos. La primera conclusión es que: arte son las obras que crean los artistas con la intención de hacer arte."

Este texto tiene para mí una especie de efecto hipnótico, no sé explicar por qué. Quizá es la explicación: "Muy sencillo..." dicha así, sin despeinarse.

Estos días, como estamos preparando la presentación del Hartismo, estamos pensando en los temas que surjan entre el público asistente cuando estemos charlando, pues queremos estar preparados para poder hablar sin tartamudear, ya que el pánico escénico es fuerte: no todos los días se presenta al mundo un nuevo

movimiento artístico.

En la abundante correspondencia que estamos teniendo los hartistas estos días, Mariano me comentó esto:

Hay que ensayar respuestas amables ante preguntas previsibles, tipo"¿por qué un montón de objetos tirados no es arte?"...

Es cierto, esta pregunta es muy habitual entre los creyentes y los fanáticos del anti-arte. Es semejante a la pregunta: "¿por qué la Astrología no es ciencia?". En realidad, lo que llamamos anti-arte y arte oficial en nuestro Manifiesto se definiría muy bien como pseudo-arte, por analogía con pseudo-ciencia.

Pues bien, después de pensarlo mucho, de comentarlo con más gente, creo que la cuestión no es que nosotros tengamos que explicar por qué un montón de objetos tirados NO es arte. Lo normal es que nadie considere como arte ese tipo de cosas. Cualquier montón de objetos tirados en el suelo pasa desapercibido hasta para los "comisarios" más integristas, si nadie les avisa previamente: "Cuidado, es un Daganzo".

En realidad, lo que quien

...¿porqué un montón de objetos tirados no es arte?

pregunta nos debería explicar es por qué debemos creer en serio que un montón de objetos tirados SÍ es arte. Creo que eso es complicado de razonar, y cualquier argumento a favor de esa proposición es poco creíble, si uno no lleva ya algún tipo de fe previamente instalada en el "disco duro".

El problema de todo esto es

que ser escéptico respecto al pseudo-arte es tan poco popular como ser escéptico respecto a las pseudo-ciencias y otras engañifas que circulan por ahí. Pero creo que es necesario tomar conciencia de los engaños, aunque diplomáticamente sea poco conveniente. Creo que a la larga el mundo será mejor si echamos a los mercaderes del Templo.

Entrada del blog LERIAS VARIAS, de Anxo Varela, del 3 de octubre de 2008

¿artista contemporáneo o electricista? Una pista: está sudando.

Desde diferentes entornos se habla siempre de la crisis del arte. Ciertamente las grandes salas y galerías del arte oficial están habitualmente vacías, exceptuando quizá los días de inauguración, cuando toda la gente que cuenta va a hacerse las fotos, e incluso el "artista" se digna a aparecer por allí.

Ciertamente, la gente apenas conoce los nombres de los grandes genios del arte oficial, que se encuentran a paladas en los labios de los gurús: Beuys, Manzoni, Tracey Emin, Jeff Koons, Damien Hirst, etc, etc. Hasta es tristemente cierto que ni siquiera la mayor parte del público ha oído hablar de los que yo considero importantes: Hockney, Kitaj, Antonio López, Balthus...

Pero cuanto más me meto en estas cuestiones más llego a la conclusión de que todo esto de la crisis del arte suena a profecía de autocumplimiento. En ellas, el anuncio agorero hace que uno tome posturas o decisiones que acaban provocando el cumplimiento del propio anuncio agorero. Por ejemplo: si los medios empiezan a decir: el martes habrá escasez de gasolina, todo el mundo irá a repostar antes del martes, aunque no sea imprescindible, con lo que las reservas de combustible irán agotándose haciendo que el martes las gasolineras

tengan que cerrar.

En esto de la crisis del arte tenemos un buen ejemplo. El divorcio entre arte y público, anunciado a los cuatro vientos por los expertos que han hecho del arte elitista su negocio, provoca un paulatino desinterés del público por el arte contemporáneo. Y también provoca que los artistas contemporáneos se convenzan de que el arte no es para el público. Al final, favorece justo a quien anunció esa crisis.

Por el contrario, aunque evidentemente hay una crisis económica que dificulta algo las ventas, la pintura vive un momento feliz, de recuperación de terreno. Internet y el hartazgo general de transgresión y modernidad, han provocado que la gente se interese cada vez más por la pintura viva, la que se hace en su entorno y fuera de él. Artistas como Freud o Antonio López empiezan a ser conocidos por el público, y cuando las instituciones organizan exposiciones de pintura importantes, de calidad, la afluencia de visitantes es impresionante. La exposición sobre el Retrato Español en Coruña actualmente, o la de Sorolla y sus contemporáneos hace unos meses, ambas organizadas por Caixa Galicia, son buena

muestra de ello.

La pintura no está en crisis. La escultura empieza a repuntar también. Entonces ¿dónde está la crisis del arte? Por supuesto, en torno al arte oficial, porque la gente no va a ver de buen grado vacas en formol ni lienzos con huevos estrellados.

Es un fenómeno llamativo, que merecería un buen estudio sociológico. En principio, mientras las cosas del arte oficial eran muy minoritarias, mientras esa crisis era aceptada como propia del arte en general, entendiendo como arte en general sólo el arte "moderno" oficial, todo iba bien. La gente en su mayoría se desentendía del arte en su conjunto, y sólo la élite era llevada a los saraos minoritarios, con lo que el negocio florecía.

Pero el monocultivo llegó a triunfar: escuelas de bellas artes, prensa, literatura popular sobre historia del arte... todo empezó a ser uniformemente favorable al arte oficial, "contemporáneo". Desaparecieron en su totalidad las voces discordantes, y toda la oferta oficial se hizo solamente pro-vanguardista.

En ese momento, el único arte que existía fue el oficial.

La crisis del arte Hablamos de la década entre el 1995 y 2005, época de publicación de libros de Taschen sobre arte contemporáneo de grandes tiradas, pero época también del auge de Internet.

Según la historiografía oficial, existía el arte pujante, contemporáneo, ejemplificado en instalaciones y video-arte, en los jóvenes artistas ingleses rebeldes y demás... y luego una serie de figuras aisladas,

fuera de su tiempo, que se empeñaban en continuar con las formas del pasado. Se nos presentó al grupo de Londres como reliquia del pasado todavía viva, creyendo anulada toda su posible influencia, pues lo importante y vivo era lo contemporáneo de los jóvenes ingleses rebeldes y semejantes.

Pero esta divulgación tuvo dos efectos adversos:

!Por una parte se dio información exacta y abundante sobre algo hasta el momento reservado para la élite, y que normalmente la gente prefería no conocer: la existencia del arte contemporáneo oficial con sus caballos colgados, sus performances estrambóticas y su video-arte... Más sus justificaciones teóricas enrevesadas, que implican creencia y toma de partido por una tendencia teórica

Desde diferentes entornos se habla siempre de la crisis del arte. Ciertamente las grandes salas y galerías del arte oficial están habitualmente vacías, exceptuando quizá los días de inauguración, cuando toda la gente que cuenta va a hacerse las fotos, e incluso el "artista" se digna a aparecer por allí.

Ciertamente, la gente apenas conoce los nombres de los grandes genios del arte oficial, que se encuentran a paladas en los labios de los gurús: Beuys, Manzoni, Tracey Emin, Jeff Koons, Damien Hirst, etc, etc. Hasta es tristemente cierto que ni siquiera la mayor parte del público ha oído hablar de los que yo considero importantes: Hockney, Kitaj, Antonio López, Balthus...

Pero cuanto más me meto en estas cuestiones más llego a la conclusión de que todo esto de la crisis del arte suena a profecía de autocumplimiento. En ellas, el anuncio agorero hace que uno tome posturas o decisiones que acaban provocando el cumplimiento del propio anuncio agorero. Por ejemplo: si los medios empiezan a decir: el martes habrá escasez de gasolina, todo el mundo irá a repostar antes del martes, aunque no sea imprescindible, con lo que las reservas de combustible irán agotándose haciendo que el martes las gasolineras

tengan que cerrar.

En esto de la crisis del arte tenemos un buen ejemplo. El divorcio entre arte y público, anunciado a los cuatro vientos por los expertos que han hecho del arte elitista su negocio, provoca un paulatino desinterés del público por el arte contemporáneo. Y también provoca que los artistas contemporáneos se convenzan de que el arte no es para el público. Al final, favorece justo a quien anunció esa crisis.

Por el contrario, aunque evidentemente hay una crisis económica que dificulta algo las ventas, la pintura vive un momento feliz, de recuperación de terreno. Internet y el hartazgo general de transgresión y modernidad, han provocado que la gente se interese cada vez más por la pintura viva, la que se hace en su entorno y fuera de él. Artistas como Freud o Antonio López empiezan a ser conocidos por el público, y cuando las instituciones organizan exposiciones de pintura importantes, de calidad, la afluencia de visitantes es impresionante. La exposición sobre el Retrato Español en Coruña actualmente, o la de Sorolla y sus contemporáneos hace unos meses, ambas organizadas por Caixa Galicia, son buena

muestra de ello.

La pintura no está en crisis. La escultura empieza a repuntar también. Entonces ¿dónde está la crisis del arte? Por supuesto, en torno al arte oficial, porque la gente no va a ver de buen grado vacas en formol ni lienzos con huevos estrellados.

Es un fenómeno llamativo, que merecería un buen estudio sociológico. En principio, mientras las cosas del arte oficial eran muy minoritarias, mientras esa crisis era aceptada como propia del arte en general, entendiendo como arte en general sólo el arte "moderno" oficial, todo iba bien. La gente en su mayoría se desentendía del arte en su conjunto, y sólo la élite era llevada a los saraos minoritarios, con lo que el negocio florecía.

Pero el monocultivo llegó a triunfar: escuelas de bellas artes, prensa, literatura popular sobre historia del arte... todo empezó a ser uniformemente favorable al arte oficial, "contemporáneo". Desaparecieron en su totalidad las voces discordantes, y toda la oferta oficial se hizo solamente pro-vanguardista.

En ese momento, el único arte que existía fue el oficial.

La crisis del arte Hablamos de la década entre el 1995 y 2005, época de publicación de libros de Taschen sobre arte contemporáneo de grandes tiradas, pero época también del auge de Internet.

Según la historiografía oficial, existía el arte pujante, contemporáneo, ejemplificado en instalaciones y video-arte, en los jóvenes artistas ingleses rebeldes y demás... y luego una serie de figuras aisladas,

fuera de su tiempo, que se empeñaban en continuar con las formas del pasado. Se nos presentó al grupo de Londres como reliquia del pasado todavía viva, creyendo anulada toda su posible influencia, pues lo importante y vivo era lo contemporáneo de los jóvenes ingleses rebeldes y semejantes.

Pero esta divulgación tuvo dos efectos adversos:

!Por una parte se dio información exacta y abundante sobre algo hasta el momento reservado para la élite, y que normalmente la gente prefería no conocer: la existencia del arte contemporáneo oficial con sus caballos colgados, sus performances estrambóticas y su video-arte... Más sus justificaciones teóricas enrevesadas, que implican creencia y toma de partido por una tendencia teórica

sobre otra.

!Por la otra, se vio la totalidad del abanico existente: por un lado los ultramodernos y por otro las "figuras aisladas" que rechazaban esa ultramodernidad. A la gente no le costó mucho hilar cabos y ver que en su misma ciudad hay seguidores de las figuras aisladas y que les son más cercanos que los seguidores de los ultramodernos.

Entonces, claro, la gente empezó a plantearse si en realidad un cuadro no es más válido como arte que una lata llena de caca. Porque si antes concebían nebulosamente el arte contemporáneo como algo extravagante pero en el fondo aceptable y uniformemente asumido por los artistas, ahora sabían exactamente a qué se está llamando "arte contemporáneo" y quién y

cómo lo maneja. Hasta comenzaban a sospechar que no a todo el mundo le convencía, cosa que los stuckistas empezaron a gritar en 1999. El elitismo se estaba volviendo contra sus promotores.

Por eso, la queja de crisis ahora es sincera entre los gurús del arte oficial. El negocio se está terminando, al igual que la especulación inmobiliaria.

Entrada del blog LERIAS VARIAS, de Anxo Varela, del 19 de septiembre de 2008

Como todos sabéis, pues no lo he dicho pocas veces, soy un amante del dibujo. Practico esta arte desde que tengo conciencia, y ayudo, en mis clases, a iniciarse en ella a gente de todas las edades y procedencias. Me apasiona dibujar. Muchos de mis amigos comparten esta pasión. Recientemente me he llevado la alegría de ver que esta pasión prende todavía en gente nueva, y que a poco que uno escarbe en Internet se encuentran dibujantes apasionados, bien en el estilo de ilustración, como Diburtimentos, o El Kaniho, bien en dibujo artístico como Señor R y sus recomendaciones, J. M. Moreno...

En mis enlaces recomendados hay muchos otros ejemplos, y espero no ofender a ninguno por omisión.

Muchas de mis ideas sobre el dibujo están en una entrada antigua de este mismo blog (y en sus comentarios): Apología del dibujo, que por supuesto os invito a releer.

Lo que me sigue sorprendiendo es que haya mucha gente que sigue pensando que un buen dibujo es el que reproduce de manera exacta una fotografía, entendiendo por manera exacta cosas como que la cara sonriente tenga todos sus dientes.

Dibujar es otra cosa. Hoy día estamos invadidos por las fotos pasadas a óleo, a acrílico, a bolígrafo bic o agujeritos en un papel. Tan sólo el procedimiento pictórico, en ocasiones extravagante, diferencia a unas foto-pinturas de otras. Se supone que eso mantiene viva a la pintura, pero para

mí eso es precisamente la demostración de que alguna gente la ha enterrado. La han enterrado hasta tal punto de que ni siquiera generan la composición pictórica por medio del dibujo, por medio de procedimientos propios de la pintura, sino por procedimientos mecánicos exhaustivos que limitan su consciencia del proceso a la simple reproducción mecánica de modo que ni siquiera los más aburridos academicistas del pasado llegaron a soñar.

El hiperrealismo -para mí uno de las más tristes invenciones que el neodadaísmo nos ha traído- ha convertido la pintura en una descripción píxel a píxel de superficies. No existe emoción, no existe maestría ni oficio: sólo traducción de píxeles originales a milímetros cuadrados de superficie pintada. Las técnicas, hoy muy avanzadas, de proyección, evitan tener siquiera que trazar una cuadrícula para poder ejecutar una copia fiel de una

Siempre el dibujo

sobre otra.

!Por la otra, se vio la totalidad del abanico existente: por un lado los ultramodernos y por otro las "figuras aisladas" que rechazaban esa ultramodernidad. A la gente no le costó mucho hilar cabos y ver que en su misma ciudad hay seguidores de las figuras aisladas y que les son más cercanos que los seguidores de los ultramodernos.

Entonces, claro, la gente empezó a plantearse si en realidad un cuadro no es más válido como arte que una lata llena de caca. Porque si antes concebían nebulosamente el arte contemporáneo como algo extravagante pero en el fondo aceptable y uniformemente asumido por los artistas, ahora sabían exactamente a qué se está llamando "arte contemporáneo" y quién y

cómo lo maneja. Hasta comenzaban a sospechar que no a todo el mundo le convencía, cosa que los stuckistas empezaron a gritar en 1999. El elitismo se estaba volviendo contra sus promotores.

Por eso, la queja de crisis ahora es sincera entre los gurús del arte oficial. El negocio se está terminando, al igual que la especulación inmobiliaria.

Entrada del blog LERIAS VARIAS, de Anxo Varela, del 19 de septiembre de 2008

Como todos sabéis, pues no lo he dicho pocas veces, soy un amante del dibujo. Practico esta arte desde que tengo conciencia, y ayudo, en mis clases, a iniciarse en ella a gente de todas las edades y procedencias. Me apasiona dibujar. Muchos de mis amigos comparten esta pasión. Recientemente me he llevado la alegría de ver que esta pasión prende todavía en gente nueva, y que a poco que uno escarbe en Internet se encuentran dibujantes apasionados, bien en el estilo de ilustración, como Diburtimentos, o El Kaniho, bien en dibujo artístico como Señor R y sus recomendaciones, J. M. Moreno...

En mis enlaces recomendados hay muchos otros ejemplos, y espero no ofender a ninguno por omisión.

Muchas de mis ideas sobre el dibujo están en una entrada antigua de este mismo blog (y en sus comentarios): Apología del dibujo, que por supuesto os invito a releer.

Lo que me sigue sorprendiendo es que haya mucha gente que sigue pensando que un buen dibujo es el que reproduce de manera exacta una fotografía, entendiendo por manera exacta cosas como que la cara sonriente tenga todos sus dientes.

Dibujar es otra cosa. Hoy día estamos invadidos por las fotos pasadas a óleo, a acrílico, a bolígrafo bic o agujeritos en un papel. Tan sólo el procedimiento pictórico, en ocasiones extravagante, diferencia a unas foto-pinturas de otras. Se supone que eso mantiene viva a la pintura, pero para

mí eso es precisamente la demostración de que alguna gente la ha enterrado. La han enterrado hasta tal punto de que ni siquiera generan la composición pictórica por medio del dibujo, por medio de procedimientos propios de la pintura, sino por procedimientos mecánicos exhaustivos que limitan su consciencia del proceso a la simple reproducción mecánica de modo que ni siquiera los más aburridos academicistas del pasado llegaron a soñar.

El hiperrealismo -para mí uno de las más tristes invenciones que el neodadaísmo nos ha traído- ha convertido la pintura en una descripción píxel a píxel de superficies. No existe emoción, no existe maestría ni oficio: sólo traducción de píxeles originales a milímetros cuadrados de superficie pintada. Las técnicas, hoy muy avanzadas, de proyección, evitan tener siquiera que trazar una cuadrícula para poder ejecutar una copia fiel de una

Siempre el dibujo

imagen fotográfica en papel o lienzo.

Quizá soy anacrónico, pero concibo todavía el cuadro como un dibujo, en el que es el cerebro humano el que organiza desde el principio hasta el final toda la superficie. Huyo de las fotografías como referente, pues atontan nuestras capacidades. Parte del misterio y de la fuerza de un cuadro están precisamente en el esfuerzo mental del artista a la hora de ejecutar un esbozo sobre el lienzo, corregirlo, irlo acabando... Incluso, el hecho de ir a los sitios para pintar un paisaje, de tener delante a la modelo, cambia radicalmente el resultado final.

¿Cómo se podría expresar correctamente la furia del acantilado con el mar batiendo sobre las peñas, a cincuenta metros por debajo de nosotros, si no estamos

justamente allí? El resultado de traducir una foto a lienzo siempre es mucho más pobre, porque carece del realismo que le imprime ver las cosas realmente, olerlas, sentirlas.

Cuando empezaba en esto, miraba con reverencia el arte del pasado, creyendo que nosotros nos encontrábamos en una época pobre, incapaz de llegar a sus logros. Por

supuesto, en algunas cosas envidio todavía a las generaciones de otros siglos. Pero hay algo que sí ha mejorado. Nosotros -en este caso hago referencia a gente como mi mujer y yo, como Freud o Hockney... utilizamos el dibujo para cada parte del proceso.

Si hemos de dibujar un caballo, no dudamos en visitar un picadero y abocetar allí mismo. En el siglo XVIII se copiaban muchas veces láminas de libros, poca gente se iba a los sitios a pintar la realidad. Y si lo hacía, aún así los modelos establecidos pesaban en el resultado mucho más que ahora (ver "El Rinoceronte de Durero").

Si de algo podemos sentirnos orgullosos es de que aplicamos el método renacentista -describir el mundo a través del dibujo- combinándolo con la costumbre del plen air impresionista, dibujando todo tal como nuestros ojos lo ven, y en vivo, sin estar atados por convenciones. Evidentemente construir representaciones sin tener modelos previos claros es más difícil, pero también permite jugar con una versatilidad y variedad

virtualmente infinitas. Del mismo modo que un adulto suele dibujar tal como el niño que era antes de dejar de dibujar, nuestro dibujo se encuentra en un momento muy semejante a los años 1920, cuando el dibujo empezó a dejar de ser venerado.

Tendríamos que recuperar ese momento: el dibujo es quizá el gran camino para el arte nuevo, y lo digo con el mismo convencimiento sincero que quizá tuvieron los primeros vanguardistas. ¿Por qué renunciar a él? ¿Por qué buscar modelos en nuestros contemporáneos y no en la realidad misma? Nadie va a despreciar un dibujo de una manzana porque no responda a las convenciones actuales, porque entre otras cosas no existe una convención dibujística que se destaque sobre las demás.

Evidentemente hay muchas maneras de dibujar, muchos "estilos" y procedimientos. También el dibujo abarca todas las artes. Desde el cine hasta la escultura, y en cada una de ellas se especializa, adaptándose a lo que cada arte necesita.

En pintura el dibujo da estructura y proporción, expresividad y fuerza. La fuerza no es una cualidad etérea o mística como los superpoderes de Star Wars, sino la rotundidad y realidad de la representación, conseguida sólo gracias a un conocimiento exacto de las

formas y una práctica precisa de las técnicas.

Dibujar es trabajar los cuadros, desde la misma idea de la composición, expresada vagamente en unas líneas sobre el papel, hasta el contorno idóneo encontrado tras muchas pruebas o un feliz momento de dominio súbito, y hasta es dibujo la dirección de los trazos, de las propias pinceladas, el amor por el detalle, el planteamiento de los contrastes cromáticos y de tonos...

En los cuadros hiperrealistas raras veces encontramos más que meticulosidad, en realidad fruto del azar, porque en la reproducción ordenada de las filas de píxeles de una imagen, no hay una inteligencia ordenadora: cada tono más o menos oscuro, más o menos rojo o verde, amarillo, azul, marrón, se va sucediendo sin

una imagen mental de

conjunto que anime la composición. La reproducción de fotografías, es, por definición, totalmente secuencial, y no espacial, por ser precisamente mecánica y no generada por la mente del artista.

En cambio, en la reproducción realista de un modelo de carne y hueso, muchos procesos mentales ordenan la percepción, buscando jerarquías, modelos

imagen fotográfica en papel o lienzo.

Quizá soy anacrónico, pero concibo todavía el cuadro como un dibujo, en el que es el cerebro humano el que organiza desde el principio hasta el final toda la superficie. Huyo de las fotografías como referente, pues atontan nuestras capacidades. Parte del misterio y de la fuerza de un cuadro están precisamente en el esfuerzo mental del artista a la hora de ejecutar un esbozo sobre el lienzo, corregirlo, irlo acabando... Incluso, el hecho de ir a los sitios para pintar un paisaje, de tener delante a la modelo, cambia radicalmente el resultado final.

¿Cómo se podría expresar correctamente la furia del acantilado con el mar batiendo sobre las peñas, a cincuenta metros por debajo de nosotros, si no estamos

justamente allí? El resultado de traducir una foto a lienzo siempre es mucho más pobre, porque carece del realismo que le imprime ver las cosas realmente, olerlas, sentirlas.

Cuando empezaba en esto, miraba con reverencia el arte del pasado, creyendo que nosotros nos encontrábamos en una época pobre, incapaz de llegar a sus logros. Por

supuesto, en algunas cosas envidio todavía a las generaciones de otros siglos. Pero hay algo que sí ha mejorado. Nosotros -en este caso hago referencia a gente como mi mujer y yo, como Freud o Hockney... utilizamos el dibujo para cada parte del proceso.

Si hemos de dibujar un caballo, no dudamos en visitar un picadero y abocetar allí mismo. En el siglo XVIII se copiaban muchas veces láminas de libros, poca gente se iba a los sitios a pintar la realidad. Y si lo hacía, aún así los modelos establecidos pesaban en el resultado mucho más que ahora (ver "El Rinoceronte de Durero").

Si de algo podemos sentirnos orgullosos es de que aplicamos el método renacentista -describir el mundo a través del dibujo- combinándolo con la costumbre del plen air impresionista, dibujando todo tal como nuestros ojos lo ven, y en vivo, sin estar atados por convenciones. Evidentemente construir representaciones sin tener modelos previos claros es más difícil, pero también permite jugar con una versatilidad y variedad

virtualmente infinitas. Del mismo modo que un adulto suele dibujar tal como el niño que era antes de dejar de dibujar, nuestro dibujo se encuentra en un momento muy semejante a los años 1920, cuando el dibujo empezó a dejar de ser venerado.

Tendríamos que recuperar ese momento: el dibujo es quizá el gran camino para el arte nuevo, y lo digo con el mismo convencimiento sincero que quizá tuvieron los primeros vanguardistas. ¿Por qué renunciar a él? ¿Por qué buscar modelos en nuestros contemporáneos y no en la realidad misma? Nadie va a despreciar un dibujo de una manzana porque no responda a las convenciones actuales, porque entre otras cosas no existe una convención dibujística que se destaque sobre las demás.

Evidentemente hay muchas maneras de dibujar, muchos "estilos" y procedimientos. También el dibujo abarca todas las artes. Desde el cine hasta la escultura, y en cada una de ellas se especializa, adaptándose a lo que cada arte necesita.

En pintura el dibujo da estructura y proporción, expresividad y fuerza. La fuerza no es una cualidad etérea o mística como los superpoderes de Star Wars, sino la rotundidad y realidad de la representación, conseguida sólo gracias a un conocimiento exacto de las

formas y una práctica precisa de las técnicas.

Dibujar es trabajar los cuadros, desde la misma idea de la composición, expresada vagamente en unas líneas sobre el papel, hasta el contorno idóneo encontrado tras muchas pruebas o un feliz momento de dominio súbito, y hasta es dibujo la dirección de los trazos, de las propias pinceladas, el amor por el detalle, el planteamiento de los contrastes cromáticos y de tonos...

En los cuadros hiperrealistas raras veces encontramos más que meticulosidad, en realidad fruto del azar, porque en la reproducción ordenada de las filas de píxeles de una imagen, no hay una inteligencia ordenadora: cada tono más o menos oscuro, más o menos rojo o verde, amarillo, azul, marrón, se va sucediendo sin

una imagen mental de

conjunto que anime la composición. La reproducción de fotografías, es, por definición, totalmente secuencial, y no espacial, por ser precisamente mecánica y no generada por la mente del artista.

En cambio, en la reproducción realista de un modelo de carne y hueso, muchos procesos mentales ordenan la percepción, buscando jerarquías, modelos

repetitivos, patrones... además el modelo se mueve, nos habla, la luz vibra... por lo que a la pura imagen que vemos y el cuadro que tenemos en mente se le añade una vivencia del momento, sentimientos, percepciones nuevas no previstas...

El resultado de copiar una foto o copiar del natural es radical y absolutamente diferente, pese a que el lenguaje nos obligue a utilizar la palabra "copiar" en ambos casos. Pero en el primero, reproducimos mecánicamente una superficie plana en otra superficie igualmente plana, mientras que en el segundo caso creamos una obra bidimensional original, nueva, partiendo de un referente tridimensional real.

Quizá uno de los primeros pasos para entender qué es el dibujo consista en comparar los dibujos de Leonardo con los que algunas páginas de Internet nos ofrecen comprar como obsequio "para esos momentos tan especiales". Hay mucha bibliografía que podríamos mencionar, pero quizá un buen libro, fácil de conseguir, sea el archiconocido "Nuevo Aprender a Dibujar con el lado derecho del cerebro", de la profesora norteamericana Betty Edwards.

Entrada del blog LERIAS VARIAS, de Anxo Varela, del 8 de septiembre de 2008

de foto

Leonardo da Vinci

A través de un grupo de noticias al que pertenezco, Tela de Pintor, os traigo esta noticia extraída de Arte Informado. Información para disfrutar el arte. Sección Ferias y Bienales

São Paulo, ¿una bienal sin obras?

18 de Noviembre de 2007 - Domingo

El brasileño Ivo Mesquita, recién nombrado director artístico de la 28 edición de la Bienal de São Paulo,a celebrar entre el 19 de octubre próximo y el 30 de noviembre de 2008bajo el título "Em vivo contato" (En contacto directo), acaba de anunciar que este evento artístico, considerado como el mayor acontecimiento de las artes plásticas de América Latina y la segunda bienal más antigua tras Venecia, carecerá de obras de arte para centrarse en una reflexión sobre el momento del arte actual. "La bienal -ha dicho Mesquita- responde a un modelo de exposición del siglo XIX y estamos en el XXI. No creo que este modelo esté agotado, pero necesita una profunda revisión". No habrá, pues, obras de arte en el edificio construido por Niemeyer, aunque sí se podrá consultar una extensa biblioteca con la historia de las ediciones anteriores, desde la primera en 1951, así como información sobre las cerca

de 200 bienales que se celebran actualmente en el mundo.

Mesquita,curador y crítico independiente, ha trabajado como curador en las últimas cuatro Bienales de Sao Paulo y es, además, director del Museu de Arte Moderna de São Paulo.El anuncio está provocando una fuerte polémica en toda Latinoamérica,donde artistas como el chileno Mario Navarro, el único artista local que participó en el evento paulista en 2006, ha señalado a El Mercurio,que "las obras son esenciales, una bienal sin ellas no funciona y si quieren destinar este evento sólo a reflexionar o al estudio entre artistas, indudablemente que el público se va a cansar". En las últimas ediciones, la bienal ha atraído a una cifra proxima al millón de visitantes. Por contra, responsables museísticos como el también chileno Patricio Muñoz Zárate (asistente de dirección del Museo de Bellas Artes) señala que "acá lo que hay es una crisis y en ese contexto, la Bienal São Paulo debe replantearse, me parece bien esta decisión, para analizar qué pasará a futuro, si se sigue justificando en el siglo XXI un evento en un recinto cerrado, como si fuera un museo más". Coincide con él, Francisco Brugnoli, director del Museo de Arte

Contemporáneo, quien apuesta por una reformulación del evento,preguntándose si "con la llegada de internet y las nuevas tecnologías,¿se justifica seguir en este formato?".

Me parece cojonudo. En el colmo de la prepotencia, el señor comisario / sacerdote del culto al Anti-arte espera que todo el mundo visite la Bienal en la que literalmente no habrá nada que ver.

No es más que la consecuencia lógica, de los nihilistas planteamientos ¿estéticos? en los que se basa el anti-arte. Acostumbrados ya a considerar como arte las ideas, lo consecuente es que desaparezca todo rasgo de arte para exponer sólo ideas. Es absurdo, pero es a lo que lleva seguir posturas extremas y basadas en argumentos cogidos por los pelos.

En mi humilde opinión -que no es obligatorio compartir- tenemos dos opciones:

!o dejamos que se termine de agotar y suicidar el anti-arte y esperamos a que el público hagla tabla rasa para que el Arte pueda volver a ocupar el lugar que el anti-arte le ha usurpado,

!o lo combatimos desde ya mismo y terminamos de extirparlo, posibilitando que el ridículo de los que ya se han comprometido sea

La Bienal definitiva

repetitivos, patrones... además el modelo se mueve, nos habla, la luz vibra... por lo que a la pura imagen que vemos y el cuadro que tenemos en mente se le añade una vivencia del momento, sentimientos, percepciones nuevas no previstas...

El resultado de copiar una foto o copiar del natural es radical y absolutamente diferente, pese a que el lenguaje nos obligue a utilizar la palabra "copiar" en ambos casos. Pero en el primero, reproducimos mecánicamente una superficie plana en otra superficie igualmente plana, mientras que en el segundo caso creamos una obra bidimensional original, nueva, partiendo de un referente tridimensional real.

Quizá uno de los primeros pasos para entender qué es el dibujo consista en comparar los dibujos de Leonardo con los que algunas páginas de Internet nos ofrecen comprar como obsequio "para esos momentos tan especiales". Hay mucha bibliografía que podríamos mencionar, pero quizá un buen libro, fácil de conseguir, sea el archiconocido "Nuevo Aprender a Dibujar con el lado derecho del cerebro", de la profesora norteamericana Betty Edwards.

Entrada del blog LERIAS VARIAS, de Anxo Varela, del 8 de septiembre de 2008

de foto

Leonardo da Vinci

A través de un grupo de noticias al que pertenezco, Tela de Pintor, os traigo esta noticia extraída de Arte Informado. Información para disfrutar el arte. Sección Ferias y Bienales

São Paulo, ¿una bienal sin obras?

18 de Noviembre de 2007 - Domingo

El brasileño Ivo Mesquita, recién nombrado director artístico de la 28 edición de la Bienal de São Paulo,a celebrar entre el 19 de octubre próximo y el 30 de noviembre de 2008bajo el título "Em vivo contato" (En contacto directo), acaba de anunciar que este evento artístico, considerado como el mayor acontecimiento de las artes plásticas de América Latina y la segunda bienal más antigua tras Venecia, carecerá de obras de arte para centrarse en una reflexión sobre el momento del arte actual. "La bienal -ha dicho Mesquita- responde a un modelo de exposición del siglo XIX y estamos en el XXI. No creo que este modelo esté agotado, pero necesita una profunda revisión". No habrá, pues, obras de arte en el edificio construido por Niemeyer, aunque sí se podrá consultar una extensa biblioteca con la historia de las ediciones anteriores, desde la primera en 1951, así como información sobre las cerca

de 200 bienales que se celebran actualmente en el mundo.

Mesquita,curador y crítico independiente, ha trabajado como curador en las últimas cuatro Bienales de Sao Paulo y es, además, director del Museu de Arte Moderna de São Paulo.El anuncio está provocando una fuerte polémica en toda Latinoamérica,donde artistas como el chileno Mario Navarro, el único artista local que participó en el evento paulista en 2006, ha señalado a El Mercurio,que "las obras son esenciales, una bienal sin ellas no funciona y si quieren destinar este evento sólo a reflexionar o al estudio entre artistas, indudablemente que el público se va a cansar". En las últimas ediciones, la bienal ha atraído a una cifra proxima al millón de visitantes. Por contra, responsables museísticos como el también chileno Patricio Muñoz Zárate (asistente de dirección del Museo de Bellas Artes) señala que "acá lo que hay es una crisis y en ese contexto, la Bienal São Paulo debe replantearse, me parece bien esta decisión, para analizar qué pasará a futuro, si se sigue justificando en el siglo XXI un evento en un recinto cerrado, como si fuera un museo más". Coincide con él, Francisco Brugnoli, director del Museo de Arte

Contemporáneo, quien apuesta por una reformulación del evento,preguntándose si "con la llegada de internet y las nuevas tecnologías,¿se justifica seguir en este formato?".

Me parece cojonudo. En el colmo de la prepotencia, el señor comisario / sacerdote del culto al Anti-arte espera que todo el mundo visite la Bienal en la que literalmente no habrá nada que ver.

No es más que la consecuencia lógica, de los nihilistas planteamientos ¿estéticos? en los que se basa el anti-arte. Acostumbrados ya a considerar como arte las ideas, lo consecuente es que desaparezca todo rasgo de arte para exponer sólo ideas. Es absurdo, pero es a lo que lleva seguir posturas extremas y basadas en argumentos cogidos por los pelos.

En mi humilde opinión -que no es obligatorio compartir- tenemos dos opciones:

!o dejamos que se termine de agotar y suicidar el anti-arte y esperamos a que el público hagla tabla rasa para que el Arte pueda volver a ocupar el lugar que el anti-arte le ha usurpado,

!o lo combatimos desde ya mismo y terminamos de extirparlo, posibilitando que el ridículo de los que ya se han comprometido sea

La Bienal definitiva

menor.

Lo que es evidente es que ya no convence ni a sus propios defensores, que ya están dando el paso definitivo: convertir un argumento para salir del paso (aceptamos barco como animal acuático=aceptamos ready-made como obra de arte) en una creencia en la que se basa un culto integrista y fanático que excluye todo lo que no sea anti-arte de ser considerado arte. Con este paso, excluyen también de un plumazo a las obras de anti-arte que disimulaban con cierta cantidad de materia real para exponer la idea. Es la idea por la idea... ¡ay!¡si Platón levantara la cabeza!

Aunque haya quien no me crea, yo disfruto cada segundo que desperdicio leyendo los medios: este siglo es auténticamente surrealista. Desde políticos que no se despeinan diciendo cosas propias del patio del colegio -y que les llevarían al despacho del director, castigados- y que contra todo pronóstico les sirven para justificar matanzas horripilantes como lo de Iraq, hasta en el mundo del arte psicópatas que matan perros y artistas y comisarios de bienales que en lugar de encerrarse en el WC y esperar al loquero en posición fetal deciden sobre el gusto del público cobrando de los caudales del estado.

Maravilloso.

En varios lugares encuentro una referencia a un tipo que ató un perrito callejero en una sala de exposiciones y lo dejó morir de hambre y de sed. Jo, todo un genio. Ya puestos, podría haber atado a un niño callejero, o pegarse él mismo un tiro y dejar programada la venta de sus despojos. De hecho, lo segundo hasta me parecería bien: un psicópata menos.

Lo curioso es que el respeto por estos caraduras y el tipo de "arte" que hacen llega tan lejos que anula en la mayor parte de la gente el impulso de simplemente llamar a la policía o hacer cualquier cosa normal, propia de los seres humanos normales, con sentimientos y esas cosas.

En este caso ni siquiera la evidente psicopatía de este tiparraco -su definición científica es hijo de puta- ha hecho que nadie rompiese las reglas del juego que suelen aceptar los que visitan las galerías de arte moderno. Será que los asiduos de ciertas galerías de arte contemporáneo son igualmente psicópatas, gentuza sin sentimientos, con la sensibilidad y la sinceridad anuladas.

Lo peor de todo es que este subnormal se estará riendo al ver que su fama aumenta cada vez que alguien comenta su brutalidad.

Pensará que al escandalizamos por su maldad, por su psicopatía, por su superficialidad inhumana, está sufriendo la misma incomprensión de los vanguardistas en los principios del siglo XX, y su ego se inflará todavía más.

Es curioso el efecto de haber leído tres cositas sobre la vanguardia, y que le den dos palmaditas en la espalda para alguna gente con pocas luces y mucho afán de protagonismo.

Lo peor de todo, es que este tipo de reacción, de alegría frente al pesar producido por sus hechos, es típica en los psicópatas. Si consideramos este tipo de actos como arte, ¿por qué no considerar a los asesinos en serie también como artistas? Joder, qué cobardes son nuestras galerías de arte, ¡deberían meter en nómina a los psicho-killers! Qué puede ser más impactante como "obra de arte" que una sala llena de vísceras de sus víctimas. Y mejor todavía, que las víctimas fuesen personas aleatoriamente elegidas entre los visitantes. Veo un futuro de arte total, en el que las grandes megagalerías de arte contraten a asesinos psicópatas, violadores, pedófilos, y por qué no: a terroristas, incluso a los alegres chicos de Blackwater, la agencia que masacra en Iraq por encargo del gobierno

norteamericano. Si es que nuestras actuales galerías son demasiado tibias... matar perritos, ¡qué poco! Es más artística la masacre de seres humanos indefensos. Los niños, por ejemplo, las mujeres... mucho más genial y artístico, sin duda.

Y a ver qué nos dicen nuestros admiradores de mierda enlatada. ¿Es arte matar perros de inanición en una galería? ¿Es normal ver eso como público y quedarse tan pancho?

Sólo me viene una expresión a la mente: hijos de puta. Hay que decirlo más.

------------

Por cierto, hay una página para recoger firmas contra este individuo, para que no le regalen su presencia en una de tantas bienales de arte moderno. Yo ya firmé, por supuesto, no quiero ni pensar que se pueda relacionar la actividad de este sujeto con lo que yo practico.

Arte con mayúsculas: matar de hambre un perrito

Entradas del blog LERIAS VARIAS, de Anxo Varela

menor.

Lo que es evidente es que ya no convence ni a sus propios defensores, que ya están dando el paso definitivo: convertir un argumento para salir del paso (aceptamos barco como animal acuático=aceptamos ready-made como obra de arte) en una creencia en la que se basa un culto integrista y fanático que excluye todo lo que no sea anti-arte de ser considerado arte. Con este paso, excluyen también de un plumazo a las obras de anti-arte que disimulaban con cierta cantidad de materia real para exponer la idea. Es la idea por la idea... ¡ay!¡si Platón levantara la cabeza!

Aunque haya quien no me crea, yo disfruto cada segundo que desperdicio leyendo los medios: este siglo es auténticamente surrealista. Desde políticos que no se despeinan diciendo cosas propias del patio del colegio -y que les llevarían al despacho del director, castigados- y que contra todo pronóstico les sirven para justificar matanzas horripilantes como lo de Iraq, hasta en el mundo del arte psicópatas que matan perros y artistas y comisarios de bienales que en lugar de encerrarse en el WC y esperar al loquero en posición fetal deciden sobre el gusto del público cobrando de los caudales del estado.

Maravilloso.

En varios lugares encuentro una referencia a un tipo que ató un perrito callejero en una sala de exposiciones y lo dejó morir de hambre y de sed. Jo, todo un genio. Ya puestos, podría haber atado a un niño callejero, o pegarse él mismo un tiro y dejar programada la venta de sus despojos. De hecho, lo segundo hasta me parecería bien: un psicópata menos.

Lo curioso es que el respeto por estos caraduras y el tipo de "arte" que hacen llega tan lejos que anula en la mayor parte de la gente el impulso de simplemente llamar a la policía o hacer cualquier cosa normal, propia de los seres humanos normales, con sentimientos y esas cosas.

En este caso ni siquiera la evidente psicopatía de este tiparraco -su definición científica es hijo de puta- ha hecho que nadie rompiese las reglas del juego que suelen aceptar los que visitan las galerías de arte moderno. Será que los asiduos de ciertas galerías de arte contemporáneo son igualmente psicópatas, gentuza sin sentimientos, con la sensibilidad y la sinceridad anuladas.

Lo peor de todo es que este subnormal se estará riendo al ver que su fama aumenta cada vez que alguien comenta su brutalidad.

Pensará que al escandalizamos por su maldad, por su psicopatía, por su superficialidad inhumana, está sufriendo la misma incomprensión de los vanguardistas en los principios del siglo XX, y su ego se inflará todavía más.

Es curioso el efecto de haber leído tres cositas sobre la vanguardia, y que le den dos palmaditas en la espalda para alguna gente con pocas luces y mucho afán de protagonismo.

Lo peor de todo, es que este tipo de reacción, de alegría frente al pesar producido por sus hechos, es típica en los psicópatas. Si consideramos este tipo de actos como arte, ¿por qué no considerar a los asesinos en serie también como artistas? Joder, qué cobardes son nuestras galerías de arte, ¡deberían meter en nómina a los psicho-killers! Qué puede ser más impactante como "obra de arte" que una sala llena de vísceras de sus víctimas. Y mejor todavía, que las víctimas fuesen personas aleatoriamente elegidas entre los visitantes. Veo un futuro de arte total, en el que las grandes megagalerías de arte contraten a asesinos psicópatas, violadores, pedófilos, y por qué no: a terroristas, incluso a los alegres chicos de Blackwater, la agencia que masacra en Iraq por encargo del gobierno

norteamericano. Si es que nuestras actuales galerías son demasiado tibias... matar perritos, ¡qué poco! Es más artística la masacre de seres humanos indefensos. Los niños, por ejemplo, las mujeres... mucho más genial y artístico, sin duda.

Y a ver qué nos dicen nuestros admiradores de mierda enlatada. ¿Es arte matar perros de inanición en una galería? ¿Es normal ver eso como público y quedarse tan pancho?

Sólo me viene una expresión a la mente: hijos de puta. Hay que decirlo más.

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Por cierto, hay una página para recoger firmas contra este individuo, para que no le regalen su presencia en una de tantas bienales de arte moderno. Yo ya firmé, por supuesto, no quiero ni pensar que se pueda relacionar la actividad de este sujeto con lo que yo practico.

Arte con mayúsculas: matar de hambre un perrito

Entradas del blog LERIAS VARIAS, de Anxo Varela

El patronato desconocía el reciente gasto de 201.000 euros en una obra del artista Joseph Kosuth

Los principales centros de España cuentan con un consejo asesor que debe aprobar todas las adquisiciones

Autor: Ángel Paniagua Fecha de publicación: 23/8/2008

!El Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC) acaba de gastarse 201.000 euros (33,4 millones de pesetas) en comprar una obra de Joseph Kosuth. Uno de los miembros del patronato del CGAC, que prefirió mantener el anonimato, denunció que la dirección del museo no convoca a ese órgano ni le informa de las adquisiciones que realiza. Desconocía la compra de la obra de Kosuth. La dirección del CGAC no quiso hablar con La Voz para explicar estos aspectos ayer ni anteayer. La Consellería de Cultura, responsable del museo público, ni siquiera devolvió la llamada.

Según los expertos consultados, la gestión del director del mayor museo de arte contemporáneo de Galicia, Manuel Olveira, ha roto con la línea artística que había antes de su llegada. Su

antecesor, Miguel Fernández-Cid, solía comprar en la feria Arco, siempre acompañado de otras dos personas que constituían una especie de comité de compras. Olveira no. Y eso que este año el CGAC compró en Arco obras por valor de 230.000 euros (38,2 millones de pesetas).

Este órgano, que tienen los principales museos de referencia, debe asesorar en las adquisiciones, para que no recaiga todo el peso en el director. Porque, por encima de él, no hay nadie. Solo la Consellería de Cultura, que lo nombra a dedo. El patrono que denunció a La Voz el vaciamiento de funciones de ese organismo expresó con claridad que la dirección del CGAC no tiene en cuenta al patronato.

Críticas de galeristas

Varias personas del sector indican que Manuel Olveira adquiere obras él solo en Madrid. De hecho, durante la última edición de Arco no faltaron las críticas de galeristas gallegos, que se quejaban de que la Xunta, responsable del CGAC, solo compraba creaciones fuera de la comunidad. Los principales museos de arte contemporáneo de España cuentan con una comisión de compras u órgano similar. La Voz lo comprobó ayer hablando con portavoces de cada centro de arte

contemporáneo. Son del Macba (Barcelona), IVAM (Valencia) y Musac (León), todos ellos públicos.

Recibe propuestas de galerías o de artistas. Pero todo pasa por el comité asesor. Según indican en el museo, se reúne una vez al año y decide las obras que va a adquirir. Lo hace enmarcándolas en unos fondos con su línea discursiva propia. Las propuestas de compras llegan tanto de fuera como del propio museo. El museo lo gestiona un consorcio público integrado por la Generalitat, el Ayuntamiento de Barcelona y la fundación que toma su nombre del museo. Institut Valencià d'Art Modern (IVAM). Está adscrito a la Consellería de Cultura y Deportes de la Generalitat Valenciana. Cuenta con un consejo rector que tiene que aprobar todas las compras y las donaciones. El centro no puede obrar sin su consentimiento. El museo dirigido por Consuelo Císcar tiene un comité técnico-artístico y un consejo de conservación artística que hace propuestas.

El Comité para la Colección es el órgano encargado de decidir qué obras componen los fondos del museo. Se reúne varias veces al año y toda compra debe tener su visto bueno. Cualquier miembro de esa comisión

El CGAC no sigue el sistema de compra de los museos de referencia(Noticia aparecida en L a Voz de Galicia en agosto)

puede proponer que se adquiera una nueva creación artística.

Salas vacías: el CGAC ha registrado un gran descenso de visitantes durante los últimos años.XOÁN A. SOLER

Si existe algún remedio contra el despilfarro y el papanatismo de muchos políticos en relación al arte es la TRANSPARENCIA, una costumbre que todavía no ha llegado a nuestras latitudes.Kosuth, ese artista con nombre de estornudo, es uno de los grandes popes del arte conceptual.Su obra más aplaudida (por sus admiradores) consiste en una silla flanqueada por una fotografía de la misma silla y una definición ampliada de un diccionario de la silla en cuestión. Apasionante.

El caso es que el CGAC, es decir, los gallegos, todos y cada uno de los que pagamos impuestos, le hemos comprado una obra a este tipo...por valor de unos 33 millones de pesetas, más o menos a 15 pesetas por gallego.No se sabe con exactitud en qué consiste esa obra, porque no se ha hecho público y los responsables de Cultura no consideran su obligación el explicarlo, creyendo una vez más que la CULTURA es ese terreno en el que es posible practicar el despotismo ilustrado, e ignorar la burricia del contribuyente que pide las cuentas claras.Craso error por parte de un político que escoge al firmante de esta operación a dedo.Tampoco se trata de un mal que afecte a nuestra Conselleira, ojo. Esto no es un problema de ceguera o de mala praxis de un partido en concreto. Es un mal omnipresente en toda la clase política, que presa de sus complejos ante una supuesta intelectualidad, juega a ser más papista que el papa, y a comprar las obras de arte que se compraría un magnate árabe, o un mafioso ruso...pero con el dinero del bolsillo de los gallegos.Quizás si se impusiera la costumbre de rendir cuentas en el mundo de la CULTURA, que es tan terrenal como el de las infraestructuras, y un ciudadano pudiera simplemente VER en una página web, por ejemplo, EN QuÉ OBRAS DE ARTE SE HA GASTADO SU DINERO SU COMUNIDAD, y cuánto dinero ha sido (no es tan raro, se hace en muchos países), la verguenza ante el ciudadano pudiera a la verguenza frente a la presión de la necesidad de imagen de modernidad con la que algunos políticos se confunden, cegados por su propio desconocimiento.

Empieza a ser hora, y más aún dada nuestra situación de crisis galopante, de que nuestra clase

política comience a tener un poco más de rigor en lo que atañe a Museos, y gastos culturales hechos a golpe de trinchera teórica...y de no ser así, quizás sea mejor que se cierre el chiringuito público y los museos de arte contemporáneo sean empresas privadas.Ya se cuidarían en este caso de atraer a más visitantes exponiendo ARTE de verdad y no chorradas.

COMENTARIO

El patronato desconocía el reciente gasto de 201.000 euros en una obra del artista Joseph Kosuth

Los principales centros de España cuentan con un consejo asesor que debe aprobar todas las adquisiciones

Autor: Ángel Paniagua Fecha de publicación: 23/8/2008

!El Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC) acaba de gastarse 201.000 euros (33,4 millones de pesetas) en comprar una obra de Joseph Kosuth. Uno de los miembros del patronato del CGAC, que prefirió mantener el anonimato, denunció que la dirección del museo no convoca a ese órgano ni le informa de las adquisiciones que realiza. Desconocía la compra de la obra de Kosuth. La dirección del CGAC no quiso hablar con La Voz para explicar estos aspectos ayer ni anteayer. La Consellería de Cultura, responsable del museo público, ni siquiera devolvió la llamada.

Según los expertos consultados, la gestión del director del mayor museo de arte contemporáneo de Galicia, Manuel Olveira, ha roto con la línea artística que había antes de su llegada. Su

antecesor, Miguel Fernández-Cid, solía comprar en la feria Arco, siempre acompañado de otras dos personas que constituían una especie de comité de compras. Olveira no. Y eso que este año el CGAC compró en Arco obras por valor de 230.000 euros (38,2 millones de pesetas).

Este órgano, que tienen los principales museos de referencia, debe asesorar en las adquisiciones, para que no recaiga todo el peso en el director. Porque, por encima de él, no hay nadie. Solo la Consellería de Cultura, que lo nombra a dedo. El patrono que denunció a La Voz el vaciamiento de funciones de ese organismo expresó con claridad que la dirección del CGAC no tiene en cuenta al patronato.

Críticas de galeristas

Varias personas del sector indican que Manuel Olveira adquiere obras él solo en Madrid. De hecho, durante la última edición de Arco no faltaron las críticas de galeristas gallegos, que se quejaban de que la Xunta, responsable del CGAC, solo compraba creaciones fuera de la comunidad. Los principales museos de arte contemporáneo de España cuentan con una comisión de compras u órgano similar. La Voz lo comprobó ayer hablando con portavoces de cada centro de arte

contemporáneo. Son del Macba (Barcelona), IVAM (Valencia) y Musac (León), todos ellos públicos.

Recibe propuestas de galerías o de artistas. Pero todo pasa por el comité asesor. Según indican en el museo, se reúne una vez al año y decide las obras que va a adquirir. Lo hace enmarcándolas en unos fondos con su línea discursiva propia. Las propuestas de compras llegan tanto de fuera como del propio museo. El museo lo gestiona un consorcio público integrado por la Generalitat, el Ayuntamiento de Barcelona y la fundación que toma su nombre del museo. Institut Valencià d'Art Modern (IVAM). Está adscrito a la Consellería de Cultura y Deportes de la Generalitat Valenciana. Cuenta con un consejo rector que tiene que aprobar todas las compras y las donaciones. El centro no puede obrar sin su consentimiento. El museo dirigido por Consuelo Císcar tiene un comité técnico-artístico y un consejo de conservación artística que hace propuestas.

El Comité para la Colección es el órgano encargado de decidir qué obras componen los fondos del museo. Se reúne varias veces al año y toda compra debe tener su visto bueno. Cualquier miembro de esa comisión

El CGAC no sigue el sistema de compra de los museos de referencia(Noticia aparecida en L a Voz de Galicia en agosto)

puede proponer que se adquiera una nueva creación artística.

Salas vacías: el CGAC ha registrado un gran descenso de visitantes durante los últimos años.XOÁN A. SOLER

Si existe algún remedio contra el despilfarro y el papanatismo de muchos políticos en relación al arte es la TRANSPARENCIA, una costumbre que todavía no ha llegado a nuestras latitudes.Kosuth, ese artista con nombre de estornudo, es uno de los grandes popes del arte conceptual.Su obra más aplaudida (por sus admiradores) consiste en una silla flanqueada por una fotografía de la misma silla y una definición ampliada de un diccionario de la silla en cuestión. Apasionante.

El caso es que el CGAC, es decir, los gallegos, todos y cada uno de los que pagamos impuestos, le hemos comprado una obra a este tipo...por valor de unos 33 millones de pesetas, más o menos a 15 pesetas por gallego.No se sabe con exactitud en qué consiste esa obra, porque no se ha hecho público y los responsables de Cultura no consideran su obligación el explicarlo, creyendo una vez más que la CULTURA es ese terreno en el que es posible practicar el despotismo ilustrado, e ignorar la burricia del contribuyente que pide las cuentas claras.Craso error por parte de un político que escoge al firmante de esta operación a dedo.Tampoco se trata de un mal que afecte a nuestra Conselleira, ojo. Esto no es un problema de ceguera o de mala praxis de un partido en concreto. Es un mal omnipresente en toda la clase política, que presa de sus complejos ante una supuesta intelectualidad, juega a ser más papista que el papa, y a comprar las obras de arte que se compraría un magnate árabe, o un mafioso ruso...pero con el dinero del bolsillo de los gallegos.Quizás si se impusiera la costumbre de rendir cuentas en el mundo de la CULTURA, que es tan terrenal como el de las infraestructuras, y un ciudadano pudiera simplemente VER en una página web, por ejemplo, EN QuÉ OBRAS DE ARTE SE HA GASTADO SU DINERO SU COMUNIDAD, y cuánto dinero ha sido (no es tan raro, se hace en muchos países), la verguenza ante el ciudadano pudiera a la verguenza frente a la presión de la necesidad de imagen de modernidad con la que algunos políticos se confunden, cegados por su propio desconocimiento.

Empieza a ser hora, y más aún dada nuestra situación de crisis galopante, de que nuestra clase

política comience a tener un poco más de rigor en lo que atañe a Museos, y gastos culturales hechos a golpe de trinchera teórica...y de no ser así, quizás sea mejor que se cierre el chiringuito público y los museos de arte contemporáneo sean empresas privadas.Ya se cuidarían en este caso de atraer a más visitantes exponiendo ARTE de verdad y no chorradas.

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