Los 40 principales
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Los 40 principales. Selección de 20 pintores. Gentile da Fabriano. (1370-1427). Biografía. El verdadero nombre de este pintor tardogótico es Gentile di Niccolò, recibiendo el apelativo da Fabriano por ser originario de esta localidad. - PowerPoint PPT Presentation
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Los 40 principales
Selección de 20 pintores
Gentile da Fabriano
(1370-1427)
Biografía
El verdadero nombre de este pintor tardogótico es Gentile di Niccolò, recibiendo el apelativo da Fabriano por ser originario de esta localidad. Sus orígenes y su formación resultan bastante desconocidos, aunque pudo formarse dentro del "estilo internacional" vigente en los últimos años del siglo XIV. Está documentado por primera vez en 1408, durante una estancia en Venecia, iniciando unos trabajos decorativos en el palacio de los Dux que serían acabados por Pisanello. Su carrera itinerante le hará gozar de enorme fama, visitando todas las Cortes del norte de Italia, donde recibirá numerosos encargos, pudiendo decirse de él que fue maestro de una importante generación de artistas que apenas asumen los dictados del Renacimiento como Jacopo Bellini o Jacobello del Fiore. Durante 1422 y 1425 está en Florencia, desarrollando su estilo elegante y cortesano, alejado de las preocupaciones por la figura y la perspectiva de Masaccio, aunque se encuentren presentes en algunas de sus obras. Su producción no es muy amplia ya que la mayor parte de sus frescos han sido destruidos, dejándonos en sus trabajos en tabla un exquisito detallismo y una admiración por los fondos dorados, los arabescos y la línea sinuosa que le sitúan fuera de la órbita del Quattrocento.
Obras
MagdalenaFecha:1400-10 Museo: Pinacoteca di Brera Material: Témpera sobre madera Estilo: Tardogótico
La figura de la Magdalena se recorta sobre un fondo dorado, interesándose el maestro por otorgar cierta volumetría a la santa a través de los duros plegados del manto y de la túnica.
La perspectiva también es una nueva preocupación al disponer bajo los pies un campo de florecillas que llega hasta el fondo dorado, campo que sirve para dotar de peso a la figura y evitar la planitud.
La anatomía es muy somera y el rostro apenas muestra expresividad.
No se puede decir que Gentile sea un pintor renacentista pero aportará algunas de las pautas que más tarde desarrollará Masaccio, al que conocerá en Florencia.
Su arte se puede definir como elegante y cortesano.
Obras
Virgen con Niño y santosFecha:1405Museo: Staatliche Museen de Berlín Material: Témpera sobre madera Estilo: Tardogótico
Al estar cronológicamente a caballo entre el Gótico Internacional y el Quattrocento, Gentile da Fabriano da muestras en esta tabla de su estilo firme y elegante, muy apreciado en todas las cortes pero aún algo primitivo.
Los fondos dorados, la atención minuciosa a los detalles, las posturas forzadas como la Virgen o la diferenciación de escala en las figuras, son ejemplos de este lenguaje tardogótico muy cortesano con que Gentile obtuvo un sensacional éxito.
Las figuras son blandas, sin apenas volumetría, rayando casi en la planitud. Entre los árboles sitúa una corte de ángeles músicos de tonalidad rojiza, prestando atención a los detalles superfluos como se verá en la pintura flamenca.
Los pliegues de los ropajes están muy marcados, interesándose por la línea sinuosa tan apreciada en aquellos momentos.
Los rostros carecen de expresividad, unificándolos una sensación de dulzura generalizada que aumentará la demanda de
la obra de Gentile.
Obras
Cuatro SantosFecha:1425 Museo: Galería de los Uffizi Material: Témpera sobre madera Estilo: Tardogótico
La influencia de Massaccio y Masolino se aprecia en las figuras de Santa María Magdalena, San Nicolás de Bari, San Juan Bautista y San Jorge, dotadas de mayor volumetría que en obras anteriores como la Virgen con Niño y santos de 1405.
Los fondos continúan siendo dorados pero los personajes intentan salir de la planitud característica del Gótico proyectando algún miembro hacia el espectador, como el Bautista o el san Jorge con su lanza, y sustituyendo los prados floridos por baldosas.
Gentile mantiene su elegancia característica, como observamos en la Magdalena o en la casulla de san Nicolás, interesándose por la línea y los detalles minuciosos de los ropajes.
Sandro Botticelli
(1445-1510)
Biografía
Nació en Florencia, Italia. Pintor líder del renacimiento florentino que desarrolló un estilo personal caracterizado por las figuras lineales y el empleo de un colorido brillante.A los 17 años, Sandro ingresó en el taller de Fra Filippo Lippi, uno de los pintores más afamados del Quattrocento. Su aprendizaje duró 5 años y a partir de ese momento, cada trabajo realizado hacía que aumentará su prestigio, hasta el punto de que en julio de 1481 es llamado por el papa Sixto IV para trabajar en la decoración de la Capilla Sixtina junto a Ghirlandaio, Perugino, Pinturicchio o Cosimo Rosselli.Botticelli pasó su vida pintando retratos y cuadros por encargo de las familias prominentes de Florencia. También realizó obras religiosas, de las cuales destacan sus madonnas y pinturas al fresco realizadas en la mencionada anteriormente Capilla Sixtina del Vaticano.
Obras
Madonna del libro Fecha:1480 Museo: Galería de los Uffizi Material: Témpera sobre madera Estilo: Renacimiento italiano
En la imagen podemos ver la minuciosidad en la ejecución de los detalles como se observa en el bodegón de la mesa o en las coronas de ambas figuras.
La línea segura y firme continúa siendo la característica definitiva de Sandro, que incorpora a esta obra una referencia espacial como es la ventana abierta.
A pesar de su belleza formal, esta obra y en general todas las pinturas de Botticelli mantienen ese aspecto frío e inexpresivo típico del gótico, alejado del naturalismo.
Obras
Nacimiento de Venus Fecha:1485 Museo: Galería de los Uffizi Material: Témpera sobre lienzo Estilo: Renacimiento italiano
Venus aparece en el centro de la composición sobre una enorme concha; sus largos cabellos rubios cubren sus partes íntimas mientras que con su brazo derecho trata de taparse el pecho. La figura blanquecina se acompaña de Céfiro, el dios del viento, junto a Aura, la diosa de la brisa, enlazados ambos personajes en un estrecho abrazo. En la zona terrestre encontramos a una de las Horas, las diosas de las estaciones, en concreto de la primavera, ya que lleva su manto decorado con motivos florales.
Botticelli ha conseguido una figura magnífica aunque el modelado es algo duro, reforzando los contornos con una línea oscura, como si se tratara de una estatua clásica.
Los ropajes se pegan a los cuerpos, destacando todos y cada uno de los pliegues y los detalles.
Obras
Anunciación Fecha:1489-90 Museo: Galería de los Uffizi Material: Témpera sobre madera Estilo: Renacimiento italiano
Las dos figuras se insertan en un espacio cerrado, destacando el contraste entre paredes grises y baldosas rojizas. Tras ese suelo embaldosado contemplamos una puerta abierta a una balconada que permite observar un paisaje de claras reminiscencias flamencas.
Tanto el ángel como la Virgen se sitúan en posturas algo forzadas, remarcando el movimiento a través de los paños. Sus manos son el elemento fundamental de la composición, acercándose pero manteniéndose quietas a la vez (parece que se ha parado el tiempo), colocándolas en el lugar más observado de la tabla.
Los dos personajes tienen un sensacional aspecto escultórico reforzado por esos amplios paños que cubren sus cuerpos, que demuestra la calidad como dibujante que exhibe el maestro en toda su producción. Botticelli manifiesta la perspectiva a través del suelo embaldosado y el paisaje del fondo.
. Los colores empleados por Sandro son de gran viveza, destacando la minuciosidad de los detalles y los pliegues de las telas
Raffaello Sanzio
(1483-1520)
Biografía
Nació en Urbino, junto a la frontera sur de la república de San Marino, en territorio italiano. Fue uno de los tres grandes maestros de la pintura del alto renacimiento, famoso por sus madonnas y obras religiosas en el Vaticano.Tras el fallecimiento de su padre en 1494, queda bajo la tutela de un tío paterno y acude al taller de Timoteo Vitti (pintor formado en el estilo de Francia) donde da sus primeros pasos.Años más tarde, completaría su formación al convertirse en pupilo de El Perugino, del cual hereda la simpleza que evita retratar los detalles en exceso. Rafael, sorprende con la claridad de sus formas, es sencillo y directo.Poco a poco, alejándose de la influencia de el Perugino, se inclina hacia la manera de pintar de sus compañeros Leonardo y Miguel Ángel, con quienes se une en Florencia alrededor de 1504. Los tres son llamados a decorar la capilla Sixtina en Roma, hoy en el Vaticano. Los frescos de Rafael gozan de estilo personal, distante del detallismo florentino desarrollado en ese mismo lugar por Botticelli, Ghirlandaio y della Francesca.
Obras
Virgen en el trono con el Niño y santos Fecha:1503-05 Museo: Metropolitan Museum Material: Óleo sobre tabla Estilo: Renacimiento italiano
La Virgen aparece en el centro de la composición, sentada en un trono, acompañada de san Juanito a sus pies y el Niño Jesús en sus rodillas, bendiciendo éste a aquel con su mano derecha, encontrándose en la imagen un gran naturalismo.
Rodeando al trono hallamos a san Pedro y santa Catalina en la izquierda y a santa Margarita y san Pablo en la derecha. Las escultóricas figuras, ataviadas con pesados ropajes, dirigen su mirada a diferentes puntos, algunas de ellas al espectador, creando una comunicación inexistente hasta el momento.
Sanzio nos muestra en esta cuadro la integración de las figuras en el paisaje y el brillante colorido así como una correcta sensación de perspectiva.
Obras
Madonna Colonna Fecha:1507-08 Museo: Gemäldegalerie (Berlín) Material: Óleo sobre tabla Estilo: Renacimiento Italiano
En esta obra podemos ver a María y el niño Jesús, el cual juega con el escote de su madre mientras ésta detiene momentáneamente su lectura para dirigirle una dulce y cariñosa mirada.
La escena se desarrolla al aire libre, apreciándose los árboles al fondo.
Las figuras se sitúan en primer plano, proyectándose las piernas de la Virgen hacia el espectador para acentuar el escorzo, creando un entramado de líneas onduladas que anticipan el Manierismo.
Rafael humaniza la imagen al suprimir cualquier referencia sacra para presentarnos a la madre y al hijo de la manera más natural posible, no exentos de un elevado grado de idealización.
Las brillantes tonalidades empleadas crean un atractivo contraste con las sombras y un efecto atmosférico en el ambiente.
Obras
Fornarina Fecha:1518-19 Museo: Galería Nacional de Arte Antiguo (Roma) Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Renacimiento italiano
Fornarina es el nombre que románticamente se dio a la mujer que posa para Rafael en este lienzo.
En la imagen podemos observar el tocado de rayas que lleva la joven y el brazalete, en el cual aparece el nombre del pintor.
La pose de Fornarina y el realismo del retrato hablan de una actitud desenvuelta y confiada con el artista.
La penetrante mirada de la muchacha indica el interés del artista por captar la expresión de sus modelos.
Pieter Brueghel (el viejo)
(1525-1569)
Biografía
Pieter Brueghel “el Viejo” nació en Bélgica. Perteneció al grupo oficial de maestros en la ciudad de Antwerp y es uno de los más grandes pintores flamencos del siglo XVI. Su genio se ha equiparado frecuentemente al de El Bosco, con quien comparte cierto tratamiento fantástico en determinadas escenas. Prácticamente desconocido en su etapa de formación, los únicos datos sobre su vida y su carrera nos los ofrece una biografía de 1609, que le presenta como un ignorante dedicado a pintar escenas costumbristas de la vida cotidiana que a veces rayan en lo absurdo y hasta vulgar, pero lo hace con calidad de maestro.Viajó por Italia para aprender la forma de pintar de los renacentistas, permaneciendo incluso una temporada en el taller de un maestro siciliano. Su viaje le valió además una importante colección de dibujos excelentes sobre el paisaje de los Alpes, que hubo de atravesar durante su viaje. Tal vez esto resultara más importante para su carrera que el aprendizaje con los italianos, puesto que a su regreso desarrolló una serie de paisajes muy difundidos en Europa mediante el grabado.
Obras
Juegos de niñosFecha:1560 Museo: Kunsthistorisches Museum Material: Óleo sobre tabla Estilo: Pintura Flamenca
La imagen que contemplamos es de lo más curiosa, tanto por el tema como por la ausencia total de datos que puedan explicar el motivo que llevó a Brueghel a pintar un cuadro así.
El tamaño es suficientemente grande como para que el artista nos muestre una panorámica de su ciudad, completamente ocupada por niños. Los críos están entregados a todo tipo de diversiones, cada grupo enfrascado en su actividad.
Los estudiosos de costumbres populares y étnicas han llegado a identificar al menos ochenta y cuatro juegos diferentes, de los cuales muchos siguen hoy en día vigentes en muchos países: la gallina ciega, la cucaña, la peonza, etc.
Se ignora cuál es el significado del cuadro. Algunos suponen que pudiera ser una alegoría de la infancia, o tal vez parte de una serie sobre las diversiones del ser humano, pero es difícil asegurarlo.
Obras
Torre de BabelFecha:1563 Museo: Kunsthistorisches Museum Material: Óleo sobre tabla Estilo: Pintura Flamenca
Brueghel pintó varios cuadros con el mismo tema tras su estancia en Roma. Esta se conoce como la Gran Torre de Babel, y resulta evidente que los niveles de la construcción están inspirados en el impresionante Coliseo romano, que Brueghel visitó.
Tal vez lo grandioso de esa ruina inspiró a Brueghel lo sublime y al mismo tiempo lo vano o efímero del esfuerzo humano. Así es como generalmente se interpreta esta imagen: la Torre de Babel, monumento a la vanidad del hombre y su inconsecuencia, pero al mismo tiempo tan magnífica... En el interior de la torre pueden catalogarse todo tipo de actividades humanas, todas contribuyendo a la elevación de la torre. Los colores son excelentes y el paisaje de fondo está en la mejor tradición de las panorámicas de Patinir.
Obras
Cazadores en la nieveFecha:1565 Museo: Kunsthistorisches Museum Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Pintura Flamenca
En esta pintura de madurez, Brueghel retoma uno de sus elementos más característicos: el paisaje en su realidad cíclica, sometido a las estaciones. Si en sus dibujos llegó a otorgar la primacía a la Naturaleza desnuda, en sus óleos introduce aspectos de la pintura de género, que narra pormenores de la vida cotidiana de Flandes.
A pesar de la influencia que cierto tipo de paisajismo ejerció sobre Brueghel durante su recorrido italiano, no renunció a la introducción de estos elementos costumbristas típicamente flamencos, que llegaron a constituir una parte esencial y autónoma de su obra. Esta dualidad, la pintura de género y el paisajismo, alcanzará durante el siglo XVII un triunfo decisivo.
Los cazadores se desplazan, de espaldas, siguiendo una diagonal que lleva nuestra mirada hacia la derecha, hacia la infinitud del paisaje nevado, coronado por una cima rocosa; esta diagonal estructura toda la obra y es seguida tanto por los árboles del primer plano como por la villa que se extiende a media distancia.
El Caravaggio (Michelangelo Merisi)
(1573-1610)
Biografía
Nació en Caravaggio, Lombardía, Italia. Era un naturalista de estilo Barroco.En 1584 Michelangelo viajó por su cuenta a Milán para ingresar en calidad de aprendiz en el taller del pintor Simón Peterzano. Gracias a él, Caravaggio conoció los postulados de la Reforma trentina y el final del estilo manierista. Peterzano se consideraba discípulo de la pintura de Tiziano y supo transmitir al joven Caravaggio ciertos valores pictóricos que reunían la tradición veneciana y la lombarda, como eran el color y la sensualidad de Venecia y el luminismo realista de Lombardía. Caravaggio no se sumó a los preceptos tardo-manieristas de su maestro, pero aprendió el modo de manejar la luz, el color y el sentido de la realidad. Muestra de ello son los claroscuro que introduce en sus obras, cargando las escenas de un gran dramatismo.Este estilo se popularizó por toda Europa y son muchos los artistas posteriores a él que lo imitan, (caravallistas). Agregó nueva vida al antiguo manierismo romano, y para ello acentuó la simplicidad y el realismo, cosas que observamos en sus obras religiosas. Sus cuadros denotan la influencia del maestro Miguel Ángel.
Obras
Decapitación de Holofernes Fecha:1598 Museo: Galería Nacional de Arte Antiguo (Roma)Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Italiano
En este lienzo, Caravaggio recurre a un casi forzado realismo, que desnuda el alma de los personajes de la acción ante el espectador.
Podemos ver como la bella Judit, con serenidad de estatua, tira de la cabeza del rey Holofernes (opresor de su pueblo) para ayudarse en la ejecución, con cuidado de mantenerse apartada de la sangre que mana a chorros como una fuente.
La violencia de la acción repercute en las expresiones de los personajes, que ofrecen diferentes versiones de lo que está pasando.
El dramatismo se extiende en oleadas de color, desde el rojo agresivo de la sangre que se corresponde con el rojo del cortinaje, hasta el brillo de la espada y el tremendo fogonazo de luz que ilumina el pecho de la heroína del Antiguo Testamento.
Obras
Narciso Fecha:1600 Museo: Galería Nacional de Arte Antiguo (Roma) Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Italiano
Caravaggio emplea una composición sencilla para plasmar el tema, con esas típicas figuras enormes que parecen desbordar los propios límites del marco del cuadro. Esta técnica proporciona una gran cercanía al personaje así como un aspecto espontáneo, como de fotografía, que corta a veces el cuerpo retratado por estar demasiado próximo el espectador. De esta manera, las figuras del cuadro tiene un tamaño casi natural, lo que contribuye aún más a la sensación de proximidad con las mismas.
El lienzo está limpiamente seccionado en dos mitades, constituidas la primera mitad superior de ellas por el hermoso Narciso, que describe con su cuerpo una figura geométrica rectangular casi perfecta, con un arco de luz constituido por sus brazos, cuello y rostro, equilibrado con el destello central de la rodilla.
En la segunda mitad inferior le responde con armonía el reflejo del joven, más atenuado, perdido en el estanque, significando la fatuidad y lo superficial de la belleza física, no más estable que el reflejo trémulo de la superficie del agua.
Obras
Cristo atado a la columnaFecha:1606-07 Museo: Museo de BB. AA. De Rouen Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Italiano
La tortura es la protagonista de este lienzo, en el que aparece un Cristo de conmovedora belleza, semidesnudo y atado a una columna, mientras un par de esbirros le azotan.
La luz obtiene un tremendo protagonismo, ya que parece extraer de entre las sombras los volúmenes de los cuerpos ocultos. Como puede apreciarse a simple vista, nuestro artista ha reducido bastante la gama cromática hasta casi limitarse a ocres y amarillos blancuzcos.
Seguramente Caravaggio utilizó esta temática de la crucifixión de Cristo porque él mismo se vió reflejado en el hijo de Dios cuando estuvo exiliado entre 1606 y 1610.
Sir Anthony van Dyck
(1599-1641)
Biografía
Nació en Antwerp, cerca de Bruselas, Bélgica. Pintor precoz de estilo flamenco en el período Barroco, diseñador gráfico, especialista en retratos, cosa que realizó para muchos nobles. Estuvo en Italia para conocer las obras de los grandes maestros venecianos que dejaron huella en su pintura: Tiziano y El Veronés. De ellos perfeccionó la coloración diamantina que luego aplicó en sus pinturas, como también la inspiración para crear las obras mitológicas y religiosas que realizó. Poco después de estar en Italia, Anthony viajó a Inglaterra donde trabajó dos años con Rubens. Esto fue determinante en el estilo de Van Dyck, el cual transforma el concepto de la pintura de retratos en Inglaterra, fundando la escuela Británica de esta especialidad, mientras al mismo tiempo consolida su estilo Flamenco.
Van Dyck logra mucho viveza en la apariencia de sus personajes, aunque sin llegar al nivel supremo de su amigo Rubens. Sin embargo, aquella pintura más suave, de gran perfeccionismo, embebida en lo antiguo y apegada a las raíces de la pintura renacentista italiana, llegó al corazón de los ingleses.Van Dyck, un superdotado de las artes, era gran tallador y grabador. Sus trabajos en estas especialidades son de calidad excepcional. Aunque la mayoría de sus obras son colores al óleo, también pintó paisajes en acuarela.
Obras
San JerónimoFecha:1618/20 Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Centroeuropeo
Aquí vemos a San Jerónimo representado por algo más de medio cuerpo, rezando ante una rústica cruz, con una piedra en la mano derecha, cubriendo su figura con un manto rojo que simboliza su martirio y su atribuido cardenalato. Junto a él se observa una calavera.
El santo está representado con una buena dosis de realismo, siguiendo el naturalismo imperante en los primeros años del Barroco, aunque la luz y el color sean característicos de la Pintura Flamenca.
La ausencia de espacio puede venir motivada por la falta de soltura del maestro Van Dyck en este tipo de cuestiones, algo lógico si pensamos que tenía 19 años cuando lo realizó.
Obras
Martin RyckaertFecha:1630 Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Centroeuropeo
En este retrato podemos observar como el pintor Martin Ryckaert está sentado en un sillón apoyando su mano derecha en uno de los brazos y dejando la manga izquierda al aire por ser manco de esta mano.
Viste baladrón turco de marta sobre una bata de pintor y tras su figura, se observa una cortina sobre la que se recorta el rostro del artista.
Podemos ver también dos características muy marcadas como son: el lujo de detalles (observación de las telas) y la captación de la personalidad del modelo.
Los paños son siempre de una calidad altísima, realizados con una pincelada muy minuciosa.
Obras
Carlos I con la Orden de la JarreteraFecha:1632 Museo: Staatliche Dresden Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Centroeuropeo
En este lienzo podemos ver como aparece el monarca, vistiendo elegantemente de negro, adornado el traje con cuellos y puños de encaje.
En la capa observamos la cruz de San Jorge bordada mientras que la Orden de la Jarretera la lleva el rey colgada de una ancha cinta blanca.
La mano derecha la apoya en un sombrero que se halla sobre una mesa cubierta con un elegante tapete, mientras que en la izquierda lleva un par de guantes.
El fondo está adornado con un pesado cortinaje bordado en brocado.
Además de la delicadeza y minuciosidad a la hora de realizar los detalles, debemos destacar la pose serena y el atractivo gesto del monarca.
Claude Gellée (Claudio de Lorena)
(1600-1682)
Biografía
Claudio de Lorena es el nombre por el que se conoce en España al gran paisajista del Barroco francés Claude Gellée, apodado Le Lorrain, el cual nació en el castillo de Chamagne, cerca de Nancy, en 1600. Dicen que trabajó como pastelero de niño, pero a los trece años se trasladó a Italia, trabajando para el Cavaliere d´Arpino en Roma, el mismo que protegió a Caravaggio. Después se marchó a Nápoles, regresando a Roma a los dos años para convertirse en el ayudante del paisajista Agostino Tassi. Al finalizar la década de 1630, Lorena tenía una excelente reputación, realizando unos paisajes muy románticos, inspirados en los manieristas italianos y nórdicos como Elsheimer. Los paisajes de Lorena consiguen unos maravillosos efectos poéticos gracias a la atmósfera con dorada niebla producida por la luz solar. Normalmente, son muy similares, siguiendo una composición predispuesta, muy idealizada. Sus composiciones resultan sumamente equilibradas, y sientan el modelo que se tomará durante todo el paisajismo posterior, especialmente en la pintura inglesa y alemana.Su estructura es la de un horizonte bajo, a un tercio, con dos tercios de cielo, lo cual le permite grandiosos efectos atmosféricos de luz y agua (nubes, reflejos, mar). Para dotar de simetría y equilibrio a las imágenes colocaba en el centro geométrico del lienzo un claro de luz, provocado por el sol o el mar, al cual rodeaba de masas oscuras: nubes, masas vegetales a los lados, y tierra abajo .
Obras
Entierro de Santa SerapiaFecha:1637-1639 Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Francés
Felipe IV le encargó a Claudio de Lorena numerosas obras para el Palacio del Buen Retiro, entre ellas este Entierro de Santa Serapia.
Lorena nunca representa el paisaje de manera aislada, sino que su temática se integra perfectamente en la composición paisajista. Así, el entierro se sitúa en primer plano, mientras Santa Sabina y sus acompañantes presencian el funeral.
Al fondo se observan unas ruinas clásicas que recuerdan la Roma antigua.
La luz será la gran protagonista de las obras del maestro, una luz romántica (de los momentos preferidos por el artista: el amanecer o la puesta de sol) de la que se obtienen composiciones ensoñadoras.
Obras
Paisaje con Apolo y MercurioFecha:1645Museo: Galleria Doria (Roma) Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Francés
La escena está tomada de la mitología clásica.
El dios Apolo, hijo de Júpiter, representaba la música y la adivinación, y era, asimismo, dios pastoral unido a la vegetación y la Naturaleza. Para vengarse de la muerte de su hijo Asclepio a manos de Júpiter, Apolo dio muerte a flechazos a los Cíclopes, forjadores del rayo. Júpiter, para castigarlo, ordenó que Apolo sirviese como esclavo al mortal Admeto, a quien sirvió como pastor. Sus ganados fueron robados por Mercurio (a la derecha con el gorro alado) aunque fueron recuperados en el monte Cileno.
Sin embargo, como Mercurio había inventado la lira, Apolo quedó tan maravillado que le entregó los rebaños a cambio del instrumento, que pasó desde entonces a ser el atributo permanente del dios. Dado que el robo de ganado sucede antes de la aparición de la lira, Claudio de Lorena ha representado, de forma inusual pero correcta, al dios de la música cantando con el acompañamiento de un violín. Absorto en su música, no es consciente del robo de los bueyes por parte de Mercurio.
Obras
Puerto al amanecerFecha:1674 Museo: Bayerisches National Museum (Munich) Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Francés
Lorena re-crea sus paisajes a partir del natural introduciendo un fondo de lirismo, de melancolía, que no aparece en la pintura del norte de Europa.
Su luminosidad abre nuevas puertas al género, y fue la referencia posterior de paisajistas como el británico Turner.
Frente al poderoso contraste de luz y oscuridad de Caravaggio, se alza la visión directa de la luz solar, en diferentes momentos, en especial en este cuadro vemos el amanecer, momento en que los colores se perciben con una mayor riqueza de matices.
La gradación cromática "atmosférica", reemplaza la perspectiva lineal.
Alonso Cano
(1601-1667)
Biografía
Alonso Cano nació en Granada y fue pintor, arquitecto y escultor. Por su gran versatilidad se le llamó el Miguel Ángel español. Se formó primero con su padre, Miguel Cano, y después en el taller de Pacheco, en donde también estaba Diego Velázquez. A partir de 1629 su actividad fue sobre todo escultórica, con la que tuvo un gran reconocimiento; de hecho, su labor como escultor, aunque escasa en número, es la más importante. Dentro de su obra pictórica vemos que desarrolla un estilo renacentista junto a un vivo colorido de influencia veneciana. En Madrid, junto a Velázquez tenía un taller en el que restauraba las pinturas de las colecciones reales. Sus temas fundamentales fueron religiosos, como “San Francisco de Borja” (1624) del Museo de Arte de Sevilla o el “San Juan Evangelista” (1635) de la Colección Wallace en Londres. Apenas pintó temas profanos. Su vida fue muy tormentosa, en contraste con la dulzura de sus pinturas. Casado con una adolescente casi niña, parece ser que le causaba malos tratos. La muerte de ésta hizo que se le acusara de parricidio, aunque no se demostró.
Obras
Cristo muertoFecha:1646 Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español
El Cristo muerto que nos presenta es uno de los más hermosos que se ejecutaron en el siglo XVII.
Resulta asombroso el estudio de la anatomía que Alonso Cano ha realizado y, sobre todo, el análisis de la luz, al modo de los caravaggistas: un fondo oscuro sin iluminación ni referencias espaciales, contra el cual se recortan las figuras de Cristo y el ángel, fuertemente iluminados por un foco lateral. Los matices de la piel del hombre muerto son infinitos, en una gama delicadísima de rosas y blancos, continuados como una melodía en los blancos y los grises del sudario.
Como ya resulta frecuente en estos años, el pintor coloca una serie de objetos al lado de la acción a modo de naturaleza muerta perfectamente captados: se trata de una jofaina con agua para lavar las heridas de Cristo, así como los símbolos de la Pasión, la corona de espinas y los tres clavos.
Obras
InmaculadaFecha:1653-57 Museo: Museo de BB.AA. De Granada Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español
Alonso Cano realizó esta Inmaculada Concepción según los postulados de la estética barroca sevillana.
El tema de la Inmaculada pone de manifiesto la inocencia y la virginidad de María al concebir a Jesús. Para destacar esta idea, la joven María suele representarse con una serie de características que el fiel conocía e identificaba. Eran, por ejemplo, la túnica blanca con el manto azul, las doce estrellas que coronan su cabeza, la media luna sobre la cual se apoya, etc. Estos rasgos fueron establecidos, especialmente, a través de escritos como los de Francisco Pacheco, el suegro de Velázquez, que luego otros pintores ejecutaban en sus obras.
Cano ha utilizado para esta pintura sus dotes de escultor, puesto que la imagen tiene un aspecto muy tridimensional, con correctos volumen y sombreado, como si fuera una escultura de bulto redondo
Obras
San BernardoFecha:1656-60 Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español
Se trata de uno de los acontecimientos milagrosos de San Bernardo, quien a punto de fallecer de inanición fue alimentado por la mismísima Virgen María en una aparición milagrosa.
La forma de plasmar al santo recibiendo la leche había de ser lo más pura posible, por lo que Cano ubica la acción en el propio altar. Dado el tamaño del lienzo, pudiera decirse que la escena es totalmente verosímil, pues tanto las dimensiones del altar como de las figuras se aproximan al natural. De este modo el santo, que se había arrodillado a rezar a la imagen de la Virgen, contemplaría asombrado cómo de esta imagen esculpida brotaba la leche que le alimenta.
El estilo dulce y colorido de Cano se mantiene en esta obra como en otras, aunque parece haber reducido su paleta a los colores blanco y rojo que predominan en el lienzo.
Bartolomé Esteban Murillo
(1617-1682)
Biografía
Nació en Sevilla, España. Pintor Barroco, post renacentista de escenas costumbristas y religiosas. Seguidor y admirador de su contemporáneo Diego Velázquez. Recibió influencias de maestros que pintaban al estilo de Caravaggio, como también de pintores flamencos y venecianos.Murillo empieza su aprendizaje en el taller de Juan del Castillo (se dice que era su tío), un pintor que no era de primera fila, pero tenía un gran número de encargos y era respetado en el ambiente artístico sevillano.Los primero cuadros de Bartolomé están muy influenciados por su maestro, pero en 1645, cuando recibe su primer encargo importante, ya se nota la influencia de los grandes maestros como: Van Dyck, Tiziano o Rubens.A la hora de retratar personajes de la vida diaria, la pintura de Murillo destaca por el logro de una luminosidad íntimamente cómplice con la escena que muestra. En este sentido fue un gran innovador para su época. Muy preciado entre algunos famosos pintores ingleses, fue él quien les influenció marcadamente el estilo.Aunque los trabajos de Murillo, fueron los primeros de un pintor español que lograron fama en toda Europa, el paso del tiempo dió a Velázquez una popularidad superior.
Obras
Dos niños comiendo melón y uvasFecha:1650-55 Museo: Neue Pinakothek (Munich) Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español
En este cuadro podemos observar a dos niños comiendo frutas, los cuales aparecen ante un edificio en ruinas, interesándose el artista por presentarlos como auténticos pícaros, destacando sus ropas raídas y sus gestos de glotonería.
Los detalles de la obra están captados a la perfección, creando así Murillo una apreciable sensación de realidad.
La pincelada es suelta y los efectos de vaporosidad y transparencia se pueden notar claramente.
Obras
Adoración de los Pastores Fecha:1655/60 Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español
Murillo ha dejado en penumbra a San José, iluminando a la Virgen y al Niño. Junto a ellos, dos pastores y una pastora entregan sus presentes: un cordero, huevos y una gallina.
El realismo que caracteriza a las figuras tiene una clara muestra en los pies sucios de los pastores.
Los tonos predominantes son: marrones, blancos, sienas y pardos que contrastan con los rojos y azules intensos.
La pincelada minuciosa del pintor muestra todo tipo de detalles, desde los pliegues de los paños hasta las briznas de paja del pesebre.
La composición carece de profundidad ya que se cierra sobre un fondo muy oscuro, marcando una típica diagonal barroca aunque aquí no sea muy pronunciada.
Obras
Muchacha con floresFecha:1670 Museo: Dulwich Picture Gallery Material: Óleo sobre lienzoEstilo: Barroco Español
La muchacha aparece al aire libre, dirigiendo su risueño gesto al espectador y sentada sobre un pequeño muro que tiene su continuación arquitectónica en el pilar que aparece a su espalda.
Viste de manera sencilla pero elegante, coronando su cabeza con un gracioso tocado.
La figura es iluminada por un potente foco de luz que resbala por las telas, realzando la volumetría del personaje y acentuando el contraste con el fondo en penumbra.
Esa luz también realza el colorido alegre empleado, obteniendo como resultado una obra de gran atractivo que ha sido copiada en numerosas ocasiones.
Johannes Vermeer
(1632-1675)
Biografía
Nació en Delft, Holanda. Pintor realista, posterior al Renacimiento, de cuadros al óleo de corte costumbrista. En un principio no se sabe exactamente quién fue su maestro, ni dónde realizó su aprendizaje, pero reconocemos la influencia caravallista (variación holandesa de el Caravaggio) en sus obras. Vermeer es descollante en la ejecución de su pintura y estricto observante de la perspectiva, además de un genio en la representación geométrica del espacio en torno a sus personajes. La coloración que aplica es primitiva, sus escenas de interior gozan de un realismo difícil de hallar en pares de su época. Las obras que de él aun se conservan son escasas (cerca de 30), sin embargo estas no dejan dudas para ubicar a Vermeer como el gran maestro holandés de la pintura.
Obras
Dama con dos caballerosFecha:1659-60Museo: Herzog Anton Ulrich Museum Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Centroeuropeo
En este lienzo se muestra una joven elegantemente vestida con un traje de satén rojo carmesí, con mangas doradas y cuello y puños blancos. Dirige su mirada al espectador con divertido gesto y sostiene en su mano una copa que le brinda un hombre que se inclina hacia ella y le dice algo. Al fondo, tras una mesa cubierta con un mantel azul y un intenso paño de color blanco, observamos a un hombre que apoya su cabeza en la mano derecha. La pared blanca del fondo, las baldosas bicromas y una ventana abierta en la que observamos una espléndida vidriera son los elementos que completan la composición.
Pero si buscamos las claves simbólicas del cuadro nos encontramos con una referencia a la seducción mediante la bebida y al adulterio. En la pared del fondo encontramos un retrato de un hombre que podría tratarse del esposo de la dama, cuya mirada parece dirigirse hacia la esposa y en la vidriera hallamos una representación de la Templanza.
La mujer dirige su mirada al espectador, como buscando en nosotros el refugio para eludir la relación adúltera que parecen proponerle.
La luz vuelve a convertirse en protagonista de la composición, bañando toda la estancia y resaltando el brillo de las tonalidades, especialmente los rojos, los amarillos, los azules y el blanco.
Obras
Mujer con aguamanilFecha:1664-65 Museo: Metropolitan MuseuMaterial: Óleo sobre lienzoEstilo: Barroco Centroeuropeo
En la siguiente imagen podemos admirar a la señora de la casa, la cual aparece suavemente iluminada desde la ventana de la izquierda, con los típicos vidrios emplomados del norte de Europa. Esta mujer está abriendo la ventana, en su rutina cotidiana y a la misma vez agarra una jarra de agua bruñida sobre una jofaina, posiblemente para hacer algún tipo de limpieza. En la pared hay colgado un cartulano.
La dama medita sobre el motivo de la vidriera emplomada, con la mirada baja y concentrada. En la vidriera encontramos una representación de la templaza, una de las virtudes cardinales, por lo que los expertos consideran que estamos ante una representación de la virtud.
Como contraposición a los objetos virtuosos (el incensiario, la palangana o la propia jarra) hallamos un joyero con perlas y lazos azules que se interpreta como un símbolo de la coquetería y la vanidad, lo que implica que la mujer debe escoger entre la virtud y el vicio,
En cuanto a la técnica, Vermeer sigue interesado por representar la luz que provoca intensos contrastes y envuelve la estancia en una etérea atmósfera, al tiempo que resalta los brillos de los colores, especialmente el amarillo, el blanco y el azul.
Obras
Mujer joven con sombrero rojoFecha:1665Museo: National Gallery (Washington) Material: Óleo sobre tabla Estilo: Barroco centroeuropeo
En el siguiente cuadro observamos el retrato de una señora, la cual apoya su brazo derecho en el respaldo de una silla que se adorna con cabezas de león y anillos.
Su figura se recorta ante un tapiz, vistiendo un elegante manto y un sombrero rojo de ala ancha.
La potente luz procedente de la derecha provoca intensos contrastes lumínicos, resaltando el color rojo del sombrero.
El gesto de la joven se convierte en el principal foco de atención del lienzo y especialmente los ojos, que se dirigen al espectador a pesar de permanecer ligeramente en sombra.
Vermeer aplica el color siguiendo la técnica "pointillé", repartiendo de forma chispeante la luz por la limitada superficie del lienzo, empleando para la realización de la obra.
Eugène Ferdinand Delacroix
(1798-1863)
Biografía
Nació en Charenton Saint-Maurice, Francia. Pintor y dibujante del romanticismo europeo, movimiento intelectual de mediados del siglo XVIII y el XIX, que integra en la pintura motivos literarios, nacionalistas e históricos. Considerado el último pintor renacentista.
En sus comienzos Delacroix reproduce cuadros de famosos como Rubens, el Veronés y especialmente de Miguel Ángel. Allí hace revivir en sus obras, el estilo barroco lleno de colorido, que ya no era utilizado por los artistas neoclásicos del momento.Luego Delacroix evoluciona a un estilo que sienta las bases del movimiento impresionista, su influencia está presente en maestros como Cézanne y Matisse .
Obras
Hamlet y HoracioFecha:1835 Museo: Städelsches Kunstinstitut Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Romanticismo Francés
El secreto de este lienzo se encuentra en el tema, más que en el tratamiento. Delacroix ha elegido a "Hamlet, príncipe de Dinamarca". La figura de este joven príncipe medieval se consideraba el prototipo de la personalidad romántica: el joven atormentado por la duda, entre dos mundos, el real y el de ultratumba, acosado por el deseo incestuoso, la pasión no correspondida de Ofelia, el asesinato de su padre, la traición de sus cortesanos...
El hecho se consideraba de la más rabiosa modernidad y todos los admiradores de Delacroix se sentían identificados con este príncipe taciturno que se sienta sobre una tumba del cementerio para reflexionar sobre la existencia.
Obras
Boda judía en MarruecosFecha:1837-38 Museo: Museo Nacional de Louvre Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Romanticismo Francés
En este cuadro podemos observar como un patio sirve de escenario a la boda, representando diferentes tipos pintorescos en actitudes variadas, generalmente en escorzo. Pero la gran protagonista de esta escena es la iluminación, destaca el foco de luz que reciben las encaladas paredes y que se transmite a los personajes. Esa luz dorada crea una atmósfera especial en la que se aprecian ecos de la pintura barroca española.
Obras
Entrada de los cruzados en Constantinopla Fecha:1840 Museo: Museo Nacional del Louvre Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Romanticismo Francés
La composición se organiza a través de diagonales cruzadas tanto en superficie como en profundidad, creando un conjunto de enorme intensidad dramática.
Las figuras de primer plano piden clemencia a los cruzados mientras en el fondo encontramos una persecución.
Las llamas de la batalla provocan un especial efecto atmosférico que distorsiona los contornos. La ciudad al fondo y el azul del mar confieren a la escena cierto aspecto exótico.
El colorido y los marcados escorzos muestran la manera de trabajar del Delacroix maduro.
Gustave Courbet
(1819-1877)
Biografía
Gustave Courbet es el máximo representante del Realismo francés. Nació en Ornans en 1819, trasladándose a París con 20 años y realizando en esa capital su formación artística, copiando obras en el Louvre y trabajando en la Academia Suiza. Caravaggio, Rembrandt, Velázquez y la Escuela veneciana fueron sus maestros, desarrollando un estilo naturalista aunque adaptado al siglo XIX, representando escenas de la vida cotidiana, retratos, desnudos o paisajes.Courbet participó abiertamente en la Revolución de 1848, ganándose la reputación de artista peligroso, tanto por su actitud como por su pintura.Siempre rechazó la idealización del arte, proclamando que sólo el Realismo era genuinamente democrático, debiéndose tomar como modelos a los campesinos y trabajadores. Al participar en la Comuna de París fue encarcelado y multado, por lo que decidió exilarse a Suiza en 1873. Allí se dedicó a realizar, junto a una gran cantidad de colaboradores, paisajes suizos casi en serie para poder pagar al Estado francés la multa impuesta. Sería en Suiza donde fallecería Courbet en 1877.
Obras
BañistasFecha:1853 Museo: Museo Fabre (Montpellier) Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Realismo Francés
Es el primer desnudo de grandes dimensiones realizado por Courbet.
Las dos figuras se sitúan en un frondoso bosque que apenas permite el paso de la luz, existiendo cierta falta de integración de las figuras en el ambiente, iluminando la zona de primer plano para llamar la atención del espectador. Esta aparente incongruencia es un recurso del pintor para centrarnos en las figuras femeninas.
La mujer de espaldas hace un gesto extraño a su compañera, que responde de manera similar. Algunos especialistas quieren ver en este contacto entre ambas mujeres una relación lésbica.
La mujer desnuda está sabiamente trabajada, interesándose por resaltar sus carnes y su poderoso trasero en una clara referencia a las burguesas parisinas.
Esta desnudez y la renuncia a la idealización femenina provocaron el escándalo cuando el cuadro fue presentado en la puritana sociedad del Segundo Imperio francés.
Obras
Origen del mundoFecha:1866 Museo: Muse d´Orsay Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Realismo Francés
Nos encontramos ante una de las obras más sorprendentes y desconcertantes del maestro del Realismo, Gustave Courbet.
El espectador contempla en esta pequeña tela los órganos sexuales de una mujer sin rostro, en una "indecente" postura que raya la pornografía. La obra representa un paso más en el descubrimiento del cuerpo femenino, enlazando con el más puro realismo defendido por el maestro.
El lienzo fue pintado en 1886 por encargo del diplomático turco Halil Serif, quien en esos momentos residía en París.
La obra permaneció oculta durante bastante tiempo lo que llevó a los especialistas a considerar que se había perdido. Pero en 1995 el lienzo fue vendido al Estado francés, pasando a engrosar la colección del Museo d´Orsay.
Obras
El sueñoFecha:1866 Museo: Musée du Petit Palais Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Realismo Francés
El diplomático turco Khalil Bey fue quien encargo a Courbet esta imagen que observamos.
Gustave representa una de las primeras escenas lésbicas de la historia, con dos mujeres de carne y hueso, eliminando idealizaciones típicas en el academicismo.
Sus figuras enlazadas se recortan sobre la oscura pared entelada, resaltando sus brillantes cuerpos ante la blanca sábana de seda. A ambos lados de la cama encontramos sendas mesas, una con objetos decorados a la moda oriental y otra típicamente occidental, con un jarrón de flores, pudiendo tratarse de una relación entre las dos culturas que representaba el cliente.
La luz resbala por los dos cuerpos y acentúa el erotismo de la composición.
El tratamiento pictórico de la obra es perfecto, además de ser un hito dentro de la pintura tanto por el tema como por la manera de ejecutarlo.
Dante Gabriel Rossetti
(1828-1882)
Biografía
Nació en Londres, Inglaterra. Poeta y pintor de estilo prerrafaelista de retratos y temas religiosos. Hijo de un académico italiano, inicia su carrera en las artes a través de la poesía, cosa que cultivó siempre de forma paralela a la pintura.Rossetti forma parte de un grupo de pintores ingleses interesados en la pureza de la pintura medieval italiana del renacimiento temprano, previa a Rafael. No dominó el óleo y trabajo casi siempre en colores al agua, con lo cual logró resultados extraordinarios en la pintura de detalles.El cuadro más famoso del Rossetti prerrafaelita es Ecce Ancilla Domini. Más adelante en su carrera se aleja del prerrafaelismo moderno y se acerca al estilo de sus pares contemporáneos.Rossetti es un romántico empedernido, amante del arte sofisticado. Al observar sus obras, no queda duda que es uno de los grandes maestros. Ya maduro pinta en forma compleja, aplica diversas capas y esfumado (en italiano: sfumato), utiliza el puntillismo de 'pincelada casi seca', resaltando claramente su deseo de alcanzar la perfección.
Obras
Elizabeth Siddal leyendoFecha:1854 Museo: Fitzwilliam Museum Material: Dibujo Estilo: Prerrafaelista
En esta obra aparece una joven llamada Elizabeth Siddal, la cual está sentada en un sillón de inválido, dirigiendo su mirada al libro que sostiene en su regazo.
Las líneas son firmes y las sombras están conseguidas de manera acertada, mostrando la facilidad para el dibujo de Rosetti.
Gabriel nos muestra el dibujo de una chica llena de estimulante frescura y un sello inequívoco de inmortalidad.
Obras
Cenador azulFecha:1865 Museo: Barber Institute Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Prerrafaelista
La bella modelo aparece de medio cuerpo, dirigiendo su mirada hacia el espectador, tocando un instrumento musical y vistiendo una elegante capa verde forrada con piel blanca.
En el fondo contemplamos el exquisito diseño de azulejos orientales, en tonalidades azules y con decoración de enredaderas y flores de la pasión, aludiendo a la fogosa relación entre la modelo y el artista.
En primer plano observamos un ramillete de aciano.
Rossetti elude cualquier detalle narrativo en esta composición, vinculándose con la máxima de "el arte por el arte“.
Obras
Astarté SiríacaFecha:1877 Museo: City Art Galleries of Manchester Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Prerrafaelista
En este lienzo, se nos muestra a Jane Morris con la apariencia de la diosa siria Astarté, la diosa del Amor.
Distante como un icono, lejano al espectador y hierática en su postura, esta diosa del amor simboliza probablemente la obsesión amorosa de Rossetti por Jane, la cual se distanció del artista poco después.
Camille Pissarro
(1830-1903)
Biografía
Pintor francés, nacido en Charlotte Amalie, Saint Thomas, islas occidentales danesas, ubicadas en el mar Caribe. Pintor impresionista, impulsor original de este estilo. Es un artista innato que desde pequeño dibuja con maestría. A los 22 años se traslada a París con el propósito de ampliar sus estudios artísticos. No interesado con seguir la corriente clásica establecida por los académicos de su época y pintar con expresión personal, lidera a otros pintores, para formar la escuela francesa de impresionismo. Se asoció con Monet para organizar las exposiciones de otros disidentes como Renoir y Sisley y mantuvo una gran amistad con Cézanne, lo que hizo que ambos se influyeran mutuamente a la hora de pintar.Corot fue el primer maestro en el que se inspiró, descubriendo su atracción hacia el paisaje. La pintura de Pisarro se aleja de la pose artificial y el realismo fotográfico y perfeccionista para adentrarse en una técnica de pincelada libre, infantil para los expertos, que retrata escenas registradas en la memoria del artista y de esta manera, incorpora en la obra la singularidad del autor. Pissarro tuvo que esperar hasta pasado los 70 años de edad para lograr el respeto y la admiración de los críticos europeos.
Obras
PastoraFecha:1881 Museo: Museo de Orsay Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Impresionismo
Una joven pastorcilla que parece meditar semitumbada en la hierba es la protagonista de esta bella imagen.
La muchacha se sitúa en una zona iluminada por el sol, creando un atractivo juego de luces y sombras. La luz provoca el abocetado de la figura, desdibujando los contornos sin llegar a perderlos. Rápidos toques de color verde y marrón forman las hojas que se esparcen por el suelo, contrastando con el mayor detallismo de la joven.
Como buen impresionista, Pissarro se preocupa por mostrarnos las diferentes luces y cómo afectan éstas a los elementos, empleando en este caso a una joven chica.
Camille incluye un ligero toque de expresividad en su rostro, llenando de vida una obra en donde el color y la luz son los protagonistas absolutos.
Obras
Cosecha de manzanasFecha:1886 Museo: Colección Particular Material: Óleo sobre lienzoEstilo: Impresionismo
En el cuadro podemos ver a 3 mujeres situadas en una zona de sombra rodeadas de varios espacios soleados mientras recogen algo (parece ser que son manzanas)
Esa zona ensombrecida toma una tonalidad malva oscura, que contrasta con la claridad de los amarillos y naranjas del campo que la circunda. La iluminación provoca el abocetado de los personajes aunque apreciamos la perfecta volumetría de cada una de ellas, sin apenas perder la forma.
Pisarro emplea dos perspectivas para esta escena: la mujer del primer plano está vista desde arriba mientras que las que aparecen al fondo están en perspectiva frontal.
La instantaneidad se transmite en la vitalidad de las figuras, cortando los planos pictóricos por influencia de la fotografía.
Obras
Puente BoieldieuFecha:1896 Museo: Galería de Arte de Toronto Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Impresionismo
En primer plano de este cuadro podemos contemplar la frenética actividad portuaria, con un barco que expulsa una blanca columna de humo que se confunde con el ambiente grisáceo de la atmósfera.
El estilo de Pissarro en esta obra es casi puntillista, trabajando con rápidos toques de pincel e interesándose especialmente por los reflejos en el agua, una de las pocas fuentes de luz del lienzo.
Los colores grisáceos dominan una composición en donde destacan los colores rojos de la caseta de primer plano y de los edificios del fondo.
Hilaire Germain Edgar Degas
(1834-1917)
Biografía
Nació en París, Francia. Se le considera pintor impresionista, aunque en sus trabajos muestra la singularidad necesaria para separarlo de este estilo.En su vida encontramos grandes y excelentes contradicciones que nos dan muestra del gran maestro que fue. Degas participó en las exposiciones impresionistas y criticó los principios básicos de este movimiento, se inspiró en los maestros del pasado y sus escenas rebosaban modernidad, defendía la línea sobre el color y se destapó como uno de los mejores coloristas del momento en algunas obras. Estas curiosas paradojas las encontramos en la trayectoria artística de uno de los grandes genios del siglo XIX.Degas era un dominador de la figura humana en movimiento. Entre sus trabajos realizó muchas pinturas con escenas de bailarinas. También plasmó su arte en retratos y cuadros históricos de expresión romántica.Se formó en el taller de Louis Lamothe, pintor de temas históricos y discípulo de Ingres. Y fue compañero de grandes pintores como Edouard Manet y Giovanni Boldini.
Obras
Cantante con guanteFecha:1878Museo: Harvard University Art Museum Material: Pastel Estilo: Impresionismo
En este obra Degas nos muestra un primer plano de la cantante en plena actuación. El gesto es significativo del momento cumbre de la canción: la boca bien abierta y la mano en actitud de declamar.
La figura es iluminada desde abajo, igual que la perspectiva que nos presenta el pintor, por eso contemplamos con mayor claridad la zona del pecho y parte del rostro.
El fondo es más colorista que el primer plano, al aparecer varias franjas verticales de colores (naranja, amarillo, rojo y verde) que resaltan las tonalidades rosáceas del vestido y la piel de la cantante, así como los negros del guante y los adornos del cuello del vestido.
Obras
El santo de la madama Fecha:1878-79 Museo: Musée Picasso de París Material: Pastel Estilo: Impresionismo
Esta escena muestra las felicitaciones de las prostitutas a la madama por el día de su santo. Así, las mujeres desnudas abrazan o sonríen a la madura regente del establecimiento, disfrutando de esta manera de una pausa en el trabajo.
El ambiente distendido y hasta divertido resulta chocante con la actividad que desarrollan las mujeres.
El dibujo es magistral, mostrando los rollizos cuerpos desnudos casi con sarcasmo.
Los tonos malvas, amarillos y rojos, aplicados con pastel, animan una obra en la que, por ser un monotipo, abundan los blancos y negros.
Obras
Mujer peinándoseFecha:1885Museo: Museo del Hermitage Material: Pastel Estilo: Impresionismo
En la imagen podemos ver a una joven, la cual aparece de espaldas, cepillándose su largo cabello. Rodeada de toallas blancas, el artista ha creado un magnífico efecto de intimidad y movimiento. Las bellas formas de la modelo están sabiamente trazadas, demostrando las excelentes dotes como dibujante de Degas.
La figura está iluminada por un potente foco de luz procedente de la derecha, creando una serie de sombras coloreadas siguiendo la teoría impresionista.
El colorido es muy vivo, destacando el contraste entre el cuerpo blanquecino y la pelirroja cabellera. Las notas anaranjadas y azules que rodean a la muchacha otorgan mayor alegría al conjunto y la pincelada que se utiliza es algo suelta, considerando siempre que estamos ante un pastel, cuya aplicación es más rápida que el óleo.
Paul Cézanne
(1839-1906)
Biografía
Nació en Aix-an-Provence, Francia. Pintor post impresionista en el cuál se observa la influencia de Delacroix en sus comienzos.Cézanne era amigo de Pissarro y lo ayudó a desarrollar el impresionismo, sin embargo su forma de pintar no funda ninguna escuela o movimiento artístico. El estilo de Cézanne no se iguala al de ningún otro maestro de su época. Sus pinceladas de óleo, a veces inesperadas, como fuera de contexto, llevan al observador a un estado de meditación.La virtud que sobresale en Cézanne es su alejamiento por tener sólo una forma de pintar, como hacían algunos pintores famosos. Con ello, hace ver que para establecer un estilo no se requiere ser repetitivo y monocorde. De él dijo Picasso: "Cézanne era mi sólo y único maestro. No creáis que me limitaba a mirar sus cuadros ... Pasé años estudiándolos ... Cézanne era como un padre para todos nosotros".Pero este gran pintor también se relacionó con otros maestros de la paleta, como Monet, Boudin, Pissarro, Renoir, Sisley, Gautier, Morisot y Bracquemond, con los que mostró sus cuadros en una exposición en 1874.
Obras
Naturaleza muerta con cómodaFecha:1883-87 Museo: Bayerisches Nationalmuseum (Munich) Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Neo-Impresionismo
Cézanne nos presenta un gran plato de frutas sobre uno de sus habituales manteles plegados acompañados de diversos recipientes, todo ello sobre una mesa de color claro.
Los objetos están dispuestos sobre la mesa siguiendo un esquema triangular y el fondo se cierra con una cómoda y un biombo floreado en la zona de la izquierda.
El maestro recurre a una perspectiva doble para presentar los diferentes elementos, mostrando la mesa y el plato de frutas desde una vista alzada mientras que el resto de la composición se ve de frente.
. El color es aplicado de manera fluida, convirtiéndose en el vehículo gracias al que se obtienen las formas y los volúmenes .
Obras
GardanneFecha:1885-87 Museo: The Brooklyn Museum of New York Material: Óleo sobre lienzoEstilo: Neo- Impresionismo
En la siguiente imagen nuestro pintor muestra la localidad de Gardanne.
En ella observamos como Cézanne no se interesa por aspectos lumínicos o atmosféricos, sino que centra su atención en la construcción volumétrica de los edificios, acentuando sus siluetas a través de líneas negras. Las edificaciones se escalonan en torno a la montaña, predominando las líneas verticales que se ven reafirmadas por los árboles.
El color es aplicado de manera independiente, a base de rápidas y empastadas pinceladas que paulatinamente adquieren autonomía.
Obras
Jugadores de cartasFecha:1890-92 Museo: Metropolitan Museum Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Neo-Impresionismo
En la imagen podemos ver, en primer plano, a tres hombres jugando a las cartas. Tras ellos, en segundo plano, un hombre que fumando en pipa observa con atención la partida. Las figuras están inmóviles, dirigiendo su atenta mirada hacia abajo, expectantes en el juego.
Cézanne no busca mostrarnos una imagen de la vida cotidiana de Aix sino experimentar sobre cuestiones relacionadas con la forma y el color. De esta modo distribuye a los personajes en diferentes planos para crear el efecto de la perspectiva tradicional, aunque la mesa no deja de mostrarse ligeramente desde arriba, mientras que la figura del fondo se presenta con una perspectiva frontal.
Las tonalidades azules dominan la composición, aplicadas de manera uniforme al abandonar las pinceladas dinámicas de su etapa impresionista. El naranja y el rojo provocan acentuados contrastes, al igual que el blanco de la mesa y el tabardo del hombre de frente
Claude Monet
(1840-1926)
Biografía
Nació en París, Francia. Fue, sin duda alguna, el pintor más importante y obstinado representante del Impresionismo.En sus primeros años estudiantiles, Monet se interesó mas por las caricaturas y dibujos graciosos que por adquirir una formación artística. A los 15 años ya tenia relativa fama como caricaturista, realizando un buen número de caricaturas de ciudadanos de Le Havre (que es donde él vivía).Poco después, a los 18 años, conoció al pintor Boudin, al cual le gustaba trabajar al aire libre, característica que también acompañó a Monet toda la vida. Más adelante conoció a Pisarro, Sisley, Renoir y Bazille con los cuales formó el grupo de disidentes de la época, que impulsaron las artes francesas a una posición de vanguardia imposible de alcanzar con los clásicos previos. En algunos de sus cuadros, Monet rompe la barrera entre realismo y expresionismo puesto que teniendo mucho de lo último no carecen de lo primero. Conforme va pasando el tiempo, vamos viendo como sus pinturas se sumergen en un realismo mágico y cristalino, difícil de encontrar en otros pintores del mismo estilo.Al final de su carrera Monet incursionó en la pintura abstracta.
Obras
Amapolas en ArgenteuilFecha:1873 Museo: Museo de Orsay Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Impresionismo
En este lienzo vemos como el principal protagonista es la naturaleza, aunque también toma gran importancia la mujer y el niño que pasean en el primer plano y la pareja que les sigue al fondo.
La línea del horizonte se puebla de árboles y el azul del cielo se ve interrumpido por las blancas nubes que se desplazan en una magnífica sensación de movimiento.
La iluminación del atardecer inunda de sombras malvas el campo, destacando la tonalidad rojiza de las amapolas con las que ha conseguido crear el efecto de montículo.
La pincelada es suelta y produce una paulatina desaparición de la forma ante el protagonismo que adquieren el color y la luz.
Obras
Barco-tallerFecha:1874 Museo: Museo Kröller MüllerMaterial: Óleo sobre lienzo Estilo: Impresionismo
El pequeño barco protagoniza este lienzo, anclado en el centro de la imagen, apreciándose tras él un soberbio bosque conseguido a través de rápidos toques de pincel que semejan manchas y que eliminan toda referencia a las formas.
Los reflejos de los diferentes elementos proyectados en el agua hacen de esta escena una de las más atractivas de Monet, recogiendo la iluminación del atardecer, una de sus favoritas.
Las sombras malvas se aprecian claramente en los árboles del fondo, donde destaca una pequeña mancha rojiza que otorga mayor vivacidad al conjunto.
Obras
Catedral de Rouen a pleno solFecha:1894 Museo: Museo de Orsay Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Impresionismo
Los objetos varían según la luz que se les aplique, muestra de ello da este lienzo en el cual observamos la fachada de la catedral a pleno sol, por lo que las líneas de sus contornos se difuminan y casi desaparecen.
Los arcos de las portadas, el rosetón o la decoración gótica son absorbidos por el sol, provocando profundos contrastes de luz y sombras, sombras que ahora son más oscuras aunque dominan en ella las tonalidades malvas.
La rapidez del trazo refuerza la idea de inmediatez y especialmente la impresión que causa esta magnífica catedral gótica.
Pierre Auguste Renoir
(1841-1919)
Biografía
Nació en Limoges, Francia. Tuvo como referencia a maestros como: Tiziano, Tintoretto, Velázquez, Rubens… aunque también le prestó mucha atención a Delacroix y Courbet, por ser los dos grandes rompedores de esquemas de la época.Renoir es un pintor impresionista de retratos, panoramas citadinos y escenas de la vida diaria. Formó parte del selecto grupo de maestros que revolucionaron el arte pictórico al introducir el impresionismo como estilo de pintura, que más allá de pretender el perfeccionismo de las formas como normalmente se acostumbraba, apunta a retratar las escenas como el ser humano las ve.En este estilo donde se combinan el temperamento del pintor y la impresión ocular que tiene de la escena, logra la atención del observador de la obra, quien se identifica con la impresión que se lleva de lo que observa y no con la realidad absoluta difícil de recordar. Generalmente un maestro impresionista no requiere de un modelo estático para realizar sus cuadros, si no que pinta lo que su memoria a registrado. Esto le permite introducir elementos subjetivos y a veces ajenos a la escena, en la cual se ha inspirado.
Para lograr este tipo de pintura, los artistas franceses dieron un golpe a la cátedra y desarrollaron una técnica de pinceladas libres, que si bien se asemejan a manchas de color, en la práctica, al tomar distancia con la obra, se transforman en componentes reales.Renoir no fue el fundador de la escuela impresionista (Pisarro), pero sin duda alguna, contribuyó con su maestría a la difusión de esta escuela de pintura. Entre sus camaradas de profesión y amistad están el mismo Pissarro, Monet, Sisley, Cézanne, Degas, Caillebot y Bazille.A través de su carrera Renoir experimentó cambios evolutivos en su pintura. Pasó por tres períodos de impresionismo: el primero como tal, el segundo llamado período seco o "ingresque", acercándose a Ingres, dando mayor definición de las figuras, emulando la técnica veneciana de Rafael y finalmente, el estilo anacarado (tornasolado, iridiscente).
Obras
La GrenouillèreFecha:1869 Museo: Museo Nacional de Estocolmo Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Impresionismo
En este cuadro, Renoir está interesado en captar la luz natural en una zona típicamente dominada por la sombra.
La obra que contemplamos presta atención a las figuras, trazadas con rápidos y seguros toques de pincel, situadas en la zona central del lienzo. La parte baja ha sido ocupada por las barcas, cortando algunas en un enfoque propio de la fotografía; al fondo, en la zona más soleada, están los bañistas, creados con trazos vigorosos.
Los reflejos en el agua y las diferentes iluminaciones empleadas según la zona son otros de los elementos más destacados de la escena, empleando Renoir un colorido en el que sobresale el verde y una pincelada corta, típica del Impresionismo.
Obras
Guitarrista españolFecha:1876 Museo: Colección Particular Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Impresionismo
En este lienzo Renoir nos muestra a un guitarrista de flamenco vestido de torero, concentrado en su actividad musical y sentada en un poyete habitual en los patios andaluces.
El gesto del guitarrista es uno de los centros de atención mientras que los brillos del traje de luces no muestran tanta fuerza al utilizar una pincelada rápida y empastada, sin renunciar al dibujo y el modelado como bien observamos en la guitarra, elemento que organiza la composición al crear una acentuada diagonal que recuerda a las obras del barroco hispano.
Las tonalidades rojizas se adueñan de la escena, resaltando el intenso contraste con el blanco de la camisa en la que impacta la luz del sol, que provoca la sensación atmosférica que aboceta y difumina los contornos.
Obras
Hondonada en ArgeliaFecha:1881 Museo: Museo de Orsay Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Impresionismo
El paisaje está tomado directamente del naturaleza interesando el artista en captar la luz de un momento determinado del día, lo que provoca el estallido de una masa cromática diferente en cada momento.
Las pinceladas son rápidas y empastadas, precisamente para captar el citado momento lumínico, utilizando cortos toques de color que dotan a la composición del aspecto de un mosaico.
Otra de las características del cuadro es el empleo de sombras coloreadas y colores complementarios que en lugar de mezclarse en la paleta lo hacen en nuestra retina.
Vincent Van Gogh
(1853-1890)
Biografía
Nació en Groot-Zundert, Holanda. Su estilo es post-impresionista de cuadros al óleo, conociendo de primera mano el estilo barroco e impresionista.Trabajando en Bélgica como pastor evangelista, Vincent decidió iniciar su carrera pintoresca con 27 años. Allí conoció las obras de Daumier y Millet, donde había asistido a una academia de arte en Antwerp, cerca de Bruselas. Posteriormente se marchó a Francia, junto a su hermano Theo quien trabajaba para una galería de arte, conociendo de cerca a Degas y Pisarro. Este último influenció la coloración que Van Gogh utiliza en sus obras. Trabajó por períodos con Signac (puntillismo) y Gauguin (fovismo). La demencia que le sobrevino a Van Gogh le impidieron mantener relaciones personales duraderas, y por ello, no logró disfrutar en vida la fama que gozaban los post-impresionistas clásicos. Sin embargo a los pocos años de haber fallecido, sus obras alcanzaron el nivel de celebridad y un valor inesperado en el mercado de la pintura.
Obras
ItalianaFecha:1887 Museo: Museo de Orsay Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Neo-Impresionismo
La figura y el aspecto decorativo de los colores tienen una doble dimensión en esta pintura.
En el lateral derecho y en la zona superior encontramos un entramado de líneas paralelas que centran la composición, considerándose como los laterales del lienzo y los hilos que unen la tela al bastidor, en un afán de romper con la pintura tradicional.
El aspecto sintetista está presente en este trabajo al marcar las líneas de los contornos con una línea oscura. Una vez más, el color ocupa el papel protagonista de la obra.
Obras
Joseph RoulinFecha:1888 Museo: Colección Particular Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Neo-Impresionismo
En 1888 Vincent establece amistad con el cartero Joseph Roulin y su familia, realizando una serie de retratos donde se interesa por captar su "rostro ancho y barbudo muy parecido a Sócrates".
En esta obra contemplamos a Roulin de frente, en pie, recortando Vicent su enorme silueta sobre un fondo azul, creando una atractiva armonía con su uniforme.
Van Gogh, a partir de la interpretación de la mirada inteligente y dura del Roulin, nos muestra el alma de éste.
Obras
Dormitorio de Van GoghFecha:1888 Museo: Museo Nacional de Van Gogh Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Neo-Impresionismo
La pequeña estancia está vista en perspectiva, marcando las líneas del suelo y de las paredes para crear el volumen de la habitación. Sin embargo, abandona las sombras y la textura tradicional, creando superficies planas de clara inspiración oriental.
Los tonos empleados son los más apreciados por Vincent: el amarillo y el azul aparecen en la mayor parte del lienzo, mientras que del rojo y del verde solo utiliza pequeñas pinceladas para jugar un poco con los contrastes.
Pablo Ruiz Picasso
(1881-1973)
Biografía
Nació en Málaga, España. Pintor y escultor cubista que revolucionó el arte durante la primera mitad del siglo XX. Sus primeros pasos en la adquisición de identidad pictórica los realiza observando las obras de impresionistas franceses como Manet, Courbet o Toulousse-Lautrec. Poco después capta el fauvinismo, (fovismo) de Henri Matisse y la pintura plana de Henri Rousseau. Picasso era una esponja que lo absorbía todo pero no retenía nada, buscando así su propio estilo. Entre 1901 y 1907 desarrolla la Etapa Azul y la Etapa Rosa, caracterizadas por el uso de estos colores y por su temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. Pero poco después, Pablo se fija en Cézanne y partiendo de él, y con la ayuda de su amigo Georges Braque, crea una nueva fórmula pictórica en 1909, llamada cubismo. El cubismo, sin ser un estilo abstracto, rompía con los márgenes del concepto clásico de pintura hasta ese momento conocido. Esta búsqueda incesante de nuevas fronteras en el mundo de la percepción y la gráfica establecen al innovador Pablo Picasso como maestro célebre de las artes modernas.
Obras
Autorretrato con la paleta en la mano Fecha:1906 Museo: Museo de arte de Filadelfia Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Cubismo
En este cuadro, Picasso se muestra a él mismo con la paleta en la mano. En la obra emplea las máscaras ibéricas como fuente, marcando la mandíbula y las orejas al tiempo que las sombras bajo la mejilla y la barbilla se interrumpen de manera brusca. El cuerpo es volumétrico, casi arquitectónico, definido gracias a intensas líneas de color negro con las que consigue aportar mayor volumetría, tanto a la cabeza como al brazo.
El resto de la composición pertenece claramente al periodo rosa como podemos apreciar en la postura frontal de la figura o el colorido empleado, jugando con tonos rosas, azules, blancos y grises. Los ojos abiertos del artista parecen indicar la expectación sobre lo que pronto va a llegar: la revolución cubista.
Obras
Desnudo con PañosFecha:1907 Museo: Museo del Hermitage Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Cubismo
En esta obra se observa un gran interés en la escultura primitiva llevándole a adoptar a Picasso una simplificación radical de la forma para expresar el aspecto conceptual de la imagen.
La figura está simplificada en una serie de planos sin relieve con grandes rostros semejantes a máscaras.
La representación del espacio está virtualmente descuidada
Obras
Les Demoiselles d´Avignon Fecha:1907 Museo: Museo de Arte Moderno de Nueva York Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Cubismo
Esta obra está relacionada con las últimas bañistas de Cézanne y en ella podemos ver 5 mujeres desnudas en un prostíbulo, quedando estas en un espacio poco profundo, como en un bajorrelieve.
En la figura de la izquierda está patente la norma del antiguo Egipto, mientras que el arte ibérico influye en el modelado de las cabezas.
El espacio está sujeto a deformaciones con lo que pasa de tener un carácter estático a dinámico.
La figura, gracias a la multiplicidad de planos, puede verse de frente, de perfil y de espaldas a un tiempo, como la mujer en cuclillas de la derecha, con lo que se rompe el sentido del volumen y la perspectiva tradicional.
Selección de 10 escultores
Fidias
(498-432 a. C.)
Biografía
Nació en Atenas, Grecia. Artista que por sus obras es considerado representante emblemático de la escultura griega. Se inició artísticamente en el mundo de la pintura junto a su hermano Paneno, pero pronto se decantará por la escultura de la mano de su maestro Ageladas de Argos.Sus trabajos más importantes y conocidos fueron hechos para formar parte del templo Partenón, cuya construcción fue ordenada por Pericles y en la cual Fidias realizó las esculturas de las metopas, frontones y frisos, representando temas heroicos y mitológicos.En el interior del Partenón creó dos estatuas gigantes y en su exterior labró el mármol de forma magistral logrando la combinación perfecta de sus tallados con el estilo Jónico.Fidias ejecutó sus obras en bronce, mármol y también materiales de alto valor como marfil y oro. Las obras esculpidas por este artista en el Partenón son un claro ejemplo de la escultura helénica clásica.
Obras
Metopa (Partenón)Fecha: 447-442 a.C Museo: Museo Nacional de Louvre Material: Mármol Estilo: Grecia
La decoración escultórica del Partenón se ha atribuido a Fidias y a sus discípulos.
Esta metopa corresponde al lado sur donde se representa la lucha entre los lapitas y centauros.
En esta escena un centauro, tal vez Quirón, vence a un lapita que se postra, derrotado, en el suelo.
Obras
Frontón orienta. Diosas (Partenón de Atenas)Fecha: 445-38 a.C Museo: British Museum Material: Mármol Estilo: Grecia
Conocido como Grupo de Afrodita, formaba parte del frontón oriental del Partenón, siendo considerado una de las cumbres y máxima evolución del estilo Partenón.
La diosa que aparece plácidamente recostada, lujosamente vestida y resplandeciente de belleza es Afrodita, probablemente ocupada en mirarse al espejo que sostendría en la mano derecha. La acoge en su regazo Artemis, su antigua enemiga hasta que la originalísima iconografía fidiaca las reconcilia, símbolo del espíritu conciliador que Pericles quiere para Grecia.
La tercera diosa es seguramente Leto, madre de Artemis y de Apolo.
Obras
Relieve de los dioses (Partenón)Fecha: 442-438 a.C Museo: Museo de la Acrópolis de Atenas Material: Mármol Estilo: Grecia
Tenemos aquí un grupo de dioses perteneciente a la asamblea de olímpicos del friso Este del Partenón, que contempla la escena de entrega del peplo tejido para Atenea.
El escultor hace gala en esta obra de una personalidad artística muy acusada y de una gran maestría.
El trabajo del plegado y el modelado de las cabezas son paradigma del estilo Partenón.
Donatello (Donato di Betto Bardi)
(1386-1466)
Biografía
Nació en Florencia, Italia. Escultor célebre, preferentemente de temas religiosos, considerado el máximo exponente de su disciplina en el Renacimiento italiano.Desde joven se formó con Ghiberti colaborando en los relieves de las puertas del Baptisterio de San Juan de Florencia. Posteriormente, trabajó con Brunelleschi y su obra más sobresaliente fue el David en bronce.Donatello sentó bases claras respecto a la escultura renacentista y fue el estilo a seguir de todos los escultores posteriores a él. Prolífico como el solo, el inigualable Donatello dejó un legado de, piezas de estilo original, que hasta su aparición nadie había creado. Esculpe, talla y graba utilizando mármol, metal, madera, terracota y piedras nobles.
Obras
San JorgeFecha:1417-20 Museo: Museo del Bargello de Florencia Material: Mármol Estilo: Renacimiento Italiano
El San Jorge de Donatello posee una dimensión radicalmente equilibrada.
El escultor traduce en esta obra la idea de clasicismo en monumentalidad y presencia compacta del volumen. Todo ello tratado con la armonía que proporciona la verticalidad de la figura y el equilibrio compositivo de la cruz del escudo.
Obras
David Fecha:1430 Museo: Museo del Bargello de Florencia Material: Bronce Estilo: Renacimiento Italiano
El David de bronce posee un modelado y proporciones clásicas.
La actitud de la figura muestra relación con la gracia de algunos modelos de Ghiberti.
En el David podemos observar a un joven pensativo, no exento de cierta melancolía, que ofrece, por encima de la normatividad del clasicismo, una nostálgica poética del sentimiento identificador de las obras de Donatello.
Obras
Monumento al GattamelataFecha:1443-53 Museo: Aire libre Material: Bronce Estilo: Renacimiento Italiano
Con esta escultura se produce la recuperación de uno de los modelos clásicos llamados a tener una mayor proyección en la escultura posterior: el retrato ecuestre.
Tipología esencialmente urbana, aparecerá unida a la ostentación visual de la imagen del poder.
Miguel Ángel
(1475-1564)
Biografía
Miguel Ángel (Michelangelo Buonarroti) nació en Caprese, cerca de Arezzo, el 6 de marzo del año 1475 y es, gracias a su personalidad tan fuerte que define los cánones de genio, el artista con mayúsculas: pintor, escultor y arquitecto.Cuando Miguel Ángel tiene seis años fallece su madre, conociendo en esos momentos al pintor Francesco Granicci, un mozo de 12 años que le anima a pintar, lo que no será del agrado de Lodovico Buonarroti (su padre). Tras algunos años de "lucha" entre padre e hijo, Lodovico da su brazo a torcer y Miguel Ángel ingresa con trece años en la "bottega", el estudio de Domenico Ghirlandaio con quien aprendería las técnicas del fresco y desarrollaría su extraordinaria capacidad como dibujante. Tras una corta estancia en la "bottega" (que parece abandonar por discrepancias con su maestro) inicia sus estudios de escultura en el Jardín de los Médici, bajo el patronazgo de Lorenzo “ II Magnífico” y la dirección artística del donatelliano Bertoldo di Giovanni. Estos años serán de gran felicidad para el joven, ya que es acogido como hijo adoptivo por el “Magnífico” en el palacio Médici, donde vivía con los miembros más destacados del humanismo: Poliziano, Marisilio Ficino o Pico della Mirandola. Sus primeros trabajos escultóricos se realizan en estos años bajo la protección de los Médici.
Biografía
La caída de la familia gobernante de la ciudad, a la que contribuyó decididamente la actuación del clérigo Girolamo Savonarola, provocó la huida del joven artista, primero hacia Venecia y después a Bolonia, donde estudió las obras de Jacopo della Quecia.
En estos años manifiesta ya una profunda admiración hacia la anatomía, que le llevará a acudir casi todas las noches al depósito municipal de cadáveres para practicar disecciones que le permitieran conocer mejor la estructura interna del cuerpo humano. En sus obras escultóricas de estos momentos (especialmente la Centauromaquia) muestra un dominio del movimiento y de la anatomía que no había sido conseguido por Donatello.
En 1534 Miguel Ángel se instala definitivamente en Roma, donde realizará el “Juicio Final”, en la Capilla Sixtina, por encargo del papa Paulo III, quien le nombra pintor, escultor y arquitecto del Vaticano. En el “Juicio Final”, Miguel Ángel exhibirá su admiración hacia la anatomía que le conllevará a desnudar al propio Cristo, anticipando con sus figuras el Barroco.
Obras
PiedadFecha:1498-99 Museo: Basílica de San Pedro del Vaticano Material: Mármol Estilo: Renacimiento Italiano
Miguel Ángel recibió el encargo de una Piedad en mármol del cardenal Jean Bilhiéres de Lagraulas con destino al Vaticano. Orgulloso de su obra, la firmó en la banda que cruza el pecho de la Virgen, en letras capitales.
En la escultura podemos ver a una Madre juvenil que sostiene sobre sus rodillas el cuerpo muerto del Hijo, sin insistencia ni en uno ni en otro en grandes expresiones de dolor torturado, ni en realistas diferencias de edades, constituyendo una de las más serenas definiciones plásticas de la belleza neoplatónica, de la mansedumbre consciente del humanismo cristiano. También en lo formal, podemos afirmar que los dos cuerpos insertos en una pirámide cerrada y equilátera forman un paradigma insuperable de la racionalización abstracta desvelada por Wölfflin para toda creación clásica.
Obras
DavidFecha:1501-1504 Museo: Galería de la Academia de Florencia Material: Mármol Estilo: Renacimiento Italiano
Con este gigante de más de cuatro metros de alto, Miguel Ángel superó todo el legado plástico de la estatuaria antigua y labró su fama como cima de la escultura clasicista del Renacimiento.
Pero también es punto de partida para el desarrollo de la dicción manierista, con la poderosa energía concentrada, la cabeza grandiosa de mirada altiva y donatelliano rictus, la mano robusta y algo exagerada, y cierta disposición en zigzag del cuerpo a la vez que se muestra reposado y tenso.
Aunque en principio estaba destinada a decorar la fachada de la catedral florentina, se colocó ante el palacio de la Señoría por consejo de una comisión nombrada al efecto, de la que formaron parte Botticelli y Leonardo. El pueblo de Florencia la consideró como un monumento al triunfo de la democracia sobre el poderío de los Medicis.
Obras
Tumba de Lorenzo de MédicisFecha:1520-1534 Museo: Iglesia de San Lorenzo de Florencia Material: Mármol Estilo: Renacimiento Italiano
El modo cómo molduró Miguel Angel las paredes de la Sacristía Nueva de San Lorenzo de Florencia para albergar en los costados dos sepulcros-retablo crea un ambiente enrarecido y fúnebre gracias a la dicromía de los mármoles y la tensión con la que comprime en hornacinas angostas las estatuas simbólicas.
En el sepulcro de Lorenzo (duque de Urbino), sentado en meditabundo silencio y brazo retorcido en espiral, glosa la introspección del Pensamiento y exalta la vida contemplativa, en contraste con la actitud gallarda y activa de su hermano Juliano, duque de Nemours, en la tumba frontera. Dos alegorías, “el Crepúsculo” masculina, y “la Aurora” femenina, se deslizan como el transcurrir del tiempo efímero sobre el plano inclinado del frontón roto, imagen de la vida truncada del efigiado.
Alonso Berruguete
(1488-1561)
Biografía:
Es su padre, Pedro Berruguete, quien le inicia en el arte de la pintura, aunque luego Alonso se decantará por la escultura.Fue uno de los miembros más importantes del círculo castellano y representante del Renacimiento Español. Con sus creaciones facilitó la introducción de las formas renacentistas de la pintura en España. En sus primeros años como escultor emprende un viaje a Italia para estudiar las tendencias artísticas. Es entonces cuando conoce la obra de artistas como Miguel Ángel, Donatello, Sansovino o Fillippino Lippi.Las obras de Alonso están cargadas de efectismo y realismo, además de reproducir un fuerte dramatismo dando muestra de su fuerte carácter. La mayoría de su producción tiene una temática espiritual.Decir también que, aunque aprende de los grandes maestros italianos, no abandona la tradición castellana. En 1518 Berruguete regresa a Castilla y se establece en Valladolid, donde entra a trabajar en la corte de Carlos V. El monarca le encarga la decoración de la Capilla Real de Granada con quince escenas pictóricas y la ejecución del Sepulcro del cardenal Sevagio en Zaragoza.Poco después, en 1523, Alonso realiza el Retablo de San Benito de Valladolid, una de sus obras maestras que le sitúan como el mejor escultor de la escuela castellana.
Obras
Sacrificio de IsaacFecha:1526 Museo: Museo Nacional de Valladolid Material: Madera policromada Estilo: Renacimiento Español
La gran expresividad de las figuras, sus formas, sus proporciones estilizadas y los mecanismos emocionales enfatizados por el uso de la policromía, caracterizan la producción de Alonso de Berruguete y más en concretamente el sacrificio de Isaac.
En esta escultura se combinan, de forma dramática, las más refinadas licencias de manierismo con unas actitudes patéticas, consonantes con los valores más expresivos de la tradición gótica.
Obras
San SebastiánFecha:1526 Museo: Museo Nacional de Valladolid Material: Madera policromada Estilo: Renacimiento Español
En la siguiente escultura podemos observar una concepción singular de la imagen, la cual llevó a Berruguete a acentuar deliberadamente ciertas deformaciones que, en obras como el San Sebastián, suponen un intento de sustituir el canon de Vigarny por otro más estilizado y alargado, dando pruebas de su interés por el tema de las proporciones, aunque éste fuera asumido con una intención antinormativa, típicamente manierista.
Obras
San CristóbalFecha:1526 Museo: Museo Nacional de Valladolid Material: Madera policromada Estilo: Renacimiento Español
Berruguete dió muestras de unas preocupaciones formales que, enlazando con la estética expresiva del último gótico y orientan su producción hacia unas fórmulas licenciosas, radicalmente manieristas,
No es nada extraño, pues desde el punto de vista clasicista sus esculturas adoptan unas proporciones muy particulares, en algunos casos desajustadas, en beneficio de los efectos dramáticos, orientados a conmover al espectador en una opción netamente manierista como bien podemos observa en este San Cristóbal, retorciendo las figuras para dar la impresión de estar sometidas a una terrible angustia interna.
Benvenuto Cellini
(1500-1571)
Biografía
Nació en Florencia, Italia. Gran escultor y orfebre de estilo manierista. Junto al destacado Giambologna, fueron herederos artísticos de Miguel Ángel, a finales del Renacimiento. Cellini ocupa un sitio destacado en la historia de la escultura por la excelencia y perfeccionismo de sus obras, las que han servido de ejemplo para los escultores clásicos posteriores a él. Trabajó el mármol y en este material esculpió entre 1555 y 1562 el Crucifijo de la basílica de El Escorial, que pensó para su propia tumba o para la de Francisco I de Médici, pero finalmente fue regalado por éste a Felipe II.El rey Francisco I de Francia lo reclutó para el desarrollo de las artes en su país. Cellini residió en Paris durante tres años y allí creó sus obras más destacadas. En esa época se pensaba que después de Miguel Angel no existiría nadie que lo superara. Sin embargo, aunque no llegó a ese nivel, Cellini demuestra en sus esculpidos que gozaba de tanta habilidad como su célebre maestro.
Obras
Salero de Francisco IFecha:1540-43 Museo: Kunshistorisches Museum Material: Oro Estilo: Renacimiento Italiano
La verdadera vocación de Cellini, por encima de su talento como broncista, fue la de orfebre.
Con diseños previos de una seguridad y elegancia nada comunes brilló en el famoso Salero labrado en Fontainebleau para Francisco I de Francia durante su segunda permanencia en la nación transalpina, en 1540. En oro, plata y esmalte, lo concibió en un diámetro de unos 30 cm como una fuente monumental que también habría podido dilatarse a escala humana, hermoseada por una pareja de dioses desnudos en contraposto, Neptuno como dios del mar proporcionador de la sal, y Tellus como divinidad de la Tierra productora de la pimienta, para la que dispuso un estuche en forma de arco de triunfo.
Es pieza capital de la orfebrería europea del manierismo.
Obras
PerseoFecha:1554 Museo: Logia dei Lanzi Material: Bronce Estilo: Renacimiento Italiano
Benvenuto Cellini es, tras los pasos de Miguel Ángel, uno de los más conspicuos escultores del Manierismo tanto en mármol, en su desnudo del “Crucifijo de El Escorial”, como sobre todo en bronce. El “Perseo” degollando a Medusa, fundido en 1554 a su retorno de Francia, es, no sólo por la gallarda actitud del héroe, personificación del triunfo de Cosme I de Médicis sobre sus oponentes republicanos, sino también por el elaborado pedestal marmóreo con arpías y máscaras entre las que se abren cuatro hornacinas con dinámicas y elegantísimas figuras alusivas al mito de Perseo, una de las cimas expresivas del Manierismo maduro, excelso en el relieve de La Liberación de Andrómeda hoy en el Bargello.
Obras
El CrucifijoFecha: 1559Museo: Basílica de El EscorialMaterial: Mármol blancoEstilo: Renacimiento Italiano
“El Crucifijo” es una escultura del artista renacentista Benvenuto Cellini, realizada en mármol blanco de Carrara, sobre una cruz de mármol negro.
Vemos que en la escultura la cabeza está ligeramente inclinada hacia la derecha y no presenta ninguna corona de espinas. La anatomía está realizada con un gran realismo y el cuerpo aparece completamente desnudo, por lo que se decidió, como había pasado con los frescos de Miguel Ángel de la capilla Sixtina, cubrirlo con un paño de tela alrededor de sus caderas.
Esta obra fue ejecutada por un voto que hizo Cellini, cuando tuvo una visión en un sueño, encontrándose preso, por el papa Paulo III, con la intención de que fuera puesta en la tumba del propio Benvenuto, sin embargo, por una petición del duque Cosme I de Médici, pasó a formar parte de la colección de este último.
Gian Lorenzo Bernini
(1598-1680)
Biografía
Nacido en Nápoles en 1598, hijo del también escultor Pietro Bernini, pronto empezó a trabajar para el cardenal Scipione Borghese, quien le convirtió en su protegido. De ésta primera época son las obras “Cabra amaltea” (1615), "Eneas y Anchises" (1618-19) y "Neptuno y Tritón" (1620) de claro estilo manierista por influencia de su padre. Por encargo del cardenal realiza "El rapto de Proserpina" (1621-1622), "David" (1623) y "Apolo y Dafne" (1622-24), obras caracterizadas por una evolución de su estilo hacia la caracterización psicológica de los personajes, que esculpe repletos de fuerza interior, y la delicadeza de los acabados.Su estilo bebe de fuentes diversas, como Miguel Ángel, el clasicismo greco-romano, el naturalismo de Caravaggio o el tratamiento de los rasgos corporales de Guido Reni. Su básica innovación consiste en acercar al espectador a la obra, haciendo a éste partícipe de la acción, rompiendo las fronteras tradicionales de la obra de arte. Es por ello considerado como uno de los creadores del Barroco. Las mejores muestras de su hacer son el Éxtasis de Santa Teresa y las tumbas de Urbano VIII y Alejandro VII en el Vaticano. También trabajó para Luis XIV, para quien realizó un excelente busto.
Obras
Constanza BuonarelliFecha:1636-37 Museo: Museo de Bargello de Florencia Material: Mármol Estilo: Barroco Italiano
Si el Retrato del cardenal Borghese es una obra genial por su coherencia compositiva, su tratamiento del mármol y su captación de los rasgos físico-psicológicos del personaje, el de esta joven romana, de la que estaba fieramente enamorado Bernini, es aún más inmediato.
Captada en la intimidad, como por sorpresa, su espontaneidad de gesto y de aspecto prueban la fresca capacidad de síntesis plástica de Bernini.
Obras
El éxtasis de Santa TeresaFecha:1647-52 Museo: Iglesia de Santa María della Vittoria de Roma Material: Mármol Estilo: Barroco Italiano
El grupo escultórico del Éxtasis de Santa Teresa son los actores que, en medio de la interpretación, permanecen quietos durante unos momentos sobre la escena; la luz natural procedente de un transparente, que se materializa en un haz de rayos dorados que envuelve a los personajes, suspendidos en medio del aire sobre un cúmulo de nubes, es la gloria o tramoya que posibilita el vuelo entre los focos de luz indirecta de la iluminación escénica.
El grupo es, en sí mismo, una de las más exquisitas esculturas de la historia del arte, insuperable en su interpretación del éxtasis como turbamiento espiritual y sensual a un tiempo, pero también por su virtuosismo técnico.
Bernini tiene la rara capacidad de fundir tensión espiritual y carga emotiva y sensual, los componentes básicos de la religiosidad barroca, gracias a un conocimiento exhaustivo de las posibilidades expresivas de los materiales y a un dominio insólito de los procedimientos.
Obras
Beata Ludovica AlbertoniFecha:1671-74 Museo: Iglesia de San Francesco a Ripa en Roma Material: Mármol Estilo: Barroco Italiano
En sus esculturas, Bernini ha disfrutado de ambiguas interpretaciones eróticas.
Subrayemos que, si el Éxtasis de Santa Teresa se presenta en un escenario con palcos incluidos, la Muerte de la Beata se muestra a la vista más directamente.
Si la retórica escénica de Bernini se ha matizado algo, su concepción escultórica sigue siendo pictoricista, ya sea por los iridiscentes golpes de luz, ya por la mórbida factura del mármol, ya por la cromática labor con el alabastro.
François Girardon
(1628-1715)
Biografía
François Girardon nació en Troyes, en 1628, siendo este uno de los maestros de la escultura decorativa y monumental. Fue el protegido del canciller Séguier, el cual le envía a Roma para que desarrolle su formación. Sin embargo, François ingresa en la Academia Real de París.Estando en la fábrica de Versalles entra en contacto con Le Brun, quién dirigía la producción según los esquemas clásicos. Para los jardines de Versalles realizó “Apolo servido por las Ninfas”, una de sus creaciones más conocidas. Otro de los grupos escultóricos más famosos de su producción fue “El baño de las Ninfas” y el “Rapto de Proserpina”. Lejos del clasicismo impuesto por la monarquía, realiza otras obras fuera de Versalles, entre las que hay que destacar el “Monumento a Richelieu”. En París dejó la escultura ecuestre de Luis XIV, que en su momento ocupó la Plaza de Vendôme, basada en la escultura de Marco Aurelio del Capitolio.
Obras
Apolo con las ninfas Fecha:1666-75 Museo: Museo Nacional de Chateau (Versalles) Material: Mármol Estilo: Barroco
Obra clasicista perfectamente adaptada a los ideales estéticos propugnados y defendidos por Le Brun, como queda patente en el tratamiento individualizado de cada figura, así como en la relación espacial entre todas ellas.
Esta obra esculpida en mármol la podemos encontrar en el Parque de Versalles.
Obras
Sepulcro del cardenal RichelieuFecha:1675-77 Museo: Capilla de la sorbona de ParísMaterial: Mármol Estilo: Barroco
La equilibrada composición (situada en la capilla de la Sorbona), a pesar del contraposto, está contrarrestada por una teatralidad y magnificencia que procede del gusto de Charles Le Brun, que fue quien la diseñó, y al que Girardon se adaptaba perfectamente.
El estilo de Girardon consiste en un barroco equilibrado: la norma rectifica a la emoción.
Obras
Rapto de Proserpina Fecha:1677-99 Museo: Museo de El Prado Material: Mármol Estilo: Barroco
El grupo escultórico (situado en el parque de Versalles) está labrado en un solo bloque de mármol y muestra cómo Girardon también hacía obras con una fuerte movilidad de aspecto barroco, pero que atemperaba con una composición perfectamente ordenada y de tipo clasicista.
Antonio Cánova
(1757-1822)
Biografía
Nació en Possagno, Italia. Escultor precoz considerado como el más importante del período Neoclásico. Sus obras más conocidas representan personajes mitológicos y religiosos, sin embargo su calidad artística, le permitió abordar todo tipo de temas. Aun siendo un niño (11 años), se fue a vivir a Venecia donde ingresó en el taller de G. Bernardi. En un primer momento revela cierta influencia de Bernini, que más tarde superará cuando realice el grupo Daedalus e Icaro. Gracias a esta obra, ganó mucho prestigio y una gran suma de dinero, que le permitió viajar a Roma para continuar su formación. Para ese entonces Cánova ya deslumbraba con sus obras talladas en mármol, tanto es así, que aún a su corta edad fue contratado para esculpir la tumba del papa Clemente XIV. El prestigio de Cánova era inmenso. Ingleses y franceses lo recibieron con honores cuando visitó Londres y París. Al observar sus esculturas es fácil concluir que han sido creadas por un superdotado de las artes. Su estilo y técnica incomparables lo sitúan entre los más grandes maestros de la escultura clásica italiana.Entre las Obras más importantes de Cánova destacan: Teseo y el Minotauro, Venus y Marte o Paolina Borghese.
Obras
Eros y PsiqueFecha:1786-93 Museo: Museo Nacional de Louvre Material: Mármol Estilo: Neoclásico
Inicialmente tallada para el palacio de F. Berio en Nápoles, esta obra de Cánova, el más importante escultor italiano de finales del siglo XVIII y comienzos del siglo XIX, ilustra adecuadamente su imitación analógica de las estatuas griegas y de los métodos de realización, abocetando fogosamente y realizando con flema.
Conviene recordar también que este grupo es poco anterior a una de las obras más meditadas y simbólicas de Canova, el Perseo, verdadera recreación del ideal de la escultura clásica.
Obras
Paolina Borghese como Venus vencedoraFecha:1805-08 Museo: Galería Borghese (Roma) Material: Mármol Estilo: Neoclásico
La retratada es Paolina Borghese, hermana de Napoleón, la cual contaba con 25 años cuando el escultor empezó su trabajo en un único bloque de mármol de Carrara.
Paolina aparece indolente, tumbada en un diván, extendiendo la pierna derecha sobre la que reposa la izquierda. En su mano izquierda sujeta una manzana (aludiendo a su triunfo en el juicio de Paris) mientras el brazo derecho sostiene su atractiva cabeza, dirigiendo su altiva mirada hacia el espectador.
El distante rigor clasicista de las estatuas de Cánova fue un exponente bien acomodado en la parafernalia neorromana de la corte napoleónica.
Obras
Napoleón como Marte pacificadorFecha:1809 Museo: Aire libre Material: Bronce Estilo: Neoclásico
El gran escultor neoclásico Antonio Cánova, realizó dos estatuas de Napoleón. Esta que contemplamos corresponde a la que se conserva en Brera, Milán. El emperador aparece representado desnudo, tal y como se hacía en la antigüedad.
Se trata de una obra que tuvo un gran éxito y se difundió por toda Europa a través de numerosos grabados.
Auguste Rodin
(1840-1917)
Biografía
Nació en París, Francia. Escultor sobresaliente en mármol y bronce, artífice de la edad moderna de la escultura. Impulsó su evolución desde un estilo idealista romántico a uno crudo y realista llamado naturalismo, que persigue la expresión más libre e individual. Este cambio, aunque rechazado por muchos especialistas de la época, finalmente terminó siendo ejemplo para los artistas de la escultura moderna que vinieron después.En 1880 Rodin recibe el encargo oficial de realizar una puerta de grandes dimensiones para el nuevo Museo de Artes Decorativas.Tomando a Dante como fuente, la tituló La Puerta del Infierno y en ella realizó 186 figuras, algunas de las cuales se convirtieron en esculturas independientes, como el famoso Pensador, inspirado en el Ugolino de Carpeaux o El Beso.Rodin vivió en la misma época que los célebres impresionistas Pisarro y Monet que disentían como él, de los cánones establecidos para el arte, aún influenciado en esa época por las formas idealistas de Miguel Ángel.
Obras
Edad de BronceFecha:1877 Museo: Museo de LuxemburgoMaterial: Bronce Estilo: Naturalismo
Con este desnudo masculino de tamaño natural Rodin se dio a conocer en París al presentarlo al Salón de 1877. La idea era representar a un hombre que encamara el espíritu de un ser primitivo en su máxima pureza.
Utilizó como modelo a un joven carpintero belga, llamado Auguste Neyt, el cual era físicamente perfecto y, aunque inteligente, sin mucha cultura.
El jurado no acostumbrado a este tipo de obra, la tachó de excesivamente realista. Su incomprensión fue paliada al ser adquirida en 1880 para los jardines del Museo de Luxemburgo.
Obras
El pensadorFecha:1880 Museo: Museo Rodin Material: Bronce Estilo: Naturalismo
Esta escultura forma parte de la idea original de las Puertas del Infierno, encargadas por el Gobierno a Rodin en 1880.
Su lugar de ubicación corresponde a la parte central del profundo dintel superior. En principio el escultor pensó que se llamaría El Poeta y que fuera identificado con Dante, pero más tarde se le quiso dar una simbología más universal con el apelativo de El Pensador.
Es considerada una de las obras maestras del escultor, tomando como punto de partida el Ugolino de Carpaux.
Obras
El Beso Fecha:1886 Museo: Museo Rodin Material: Mármol Estilo: Naturalismo
Este grupo escultórico fue realizado en 1886 dentro del diseño inicial de las Puertas del Infierno y exhibido en el Salón de 1898. Existen otras versiones del mismo, siendo la más famosa la de la Tate Gallery de Londres.
La composición revela una de las características más distintivas de Rodin: la no utilización de un punto de vista único, sino la visualización del conjunto desde varios observatorios. La pieza resultante, considerada como la obra más relevante de su autor, se dio a conocer por primera vez en París, en 1887
Constantin Brancusi
(1876-1957)
Biografía
Brancusi inició sus estudios artísticos en la Academia de Bucarest, trasladándose en 1899 a Viena para ampliar su formación, y desde allí a Munich, para recalar finalmente en París en 1904. En la capital francesa se relacionará con Mercié y Rodin y realizará su obra más importante, “El beso”, escultura que supone un importante giro en su manera de trabajar, abandonando el romanticismo y el naturalismo iniciales para introducirse en una mayor estilización formal y volumétrica, acercándose a las formas puras e impersonales gracias a la eliminación de lo accesorio. En 1908 toma contacto con Modigliani y Duchamp, iniciando en estas fechas su interés hacia el primitivismo.El final de la I Guerra Mundial le conducirá a una mayor admiración por la abstracción, pero sin renunciar a conocer la escultura egipcia, cicládica y mejicana. Todas estas influencias serán asimiladas en un estilo muy personal. A partir de 1926 realizará una serie de viajes que le llevarán a Estados Unidos y la India, trabajando muy duro en ambos países. Constantin seguirá esculpiendo hasta su muerte en la más absoluta soledad, renunciando a participar en las diferentes exposiciones y rechazando honores y recompensas.
Obras
El besoFecha:1912 Museo: Museo de Arte de Filadelfia Material: Piedra calcárea Estilo: Vanguardia
Con esta obra, Brancusi rompe definitivamente con su producción anterior, reduciendo la figura a la más mínima expresión anecdótica, preocupándose de factores exclusivamente escultóricas como el volumen, la textura o la masa.
Los personajes aquí representados, a modo casi de ídolos primitivos, se unen en un mismo bloque de piedra, tallada con tosquedad.
Obras
Mademoiselle Pogany Fecha:1919-20 Museo: Tate Gallery (Londres) Material: Bronce Estilo: Vanguardia
Se trata de una de las numerosas versiones del retrato que hizo Constantin Brancusi de la célebre bailarina.
Con su característica depuración de las formas, su obra se basa en el conocimiento del material, proponiendo la búsqueda de la esencia, influido seguramente por el pensamiento oriental que conocía a través de del libro del monje tibetano del siglo XI (Milarepa).
Obras
Pájaro en el espacio Fecha:1928 Museo: Museo de Arte Moderno de Nueva York Material: Bronce Estilo: Vanguardia
Antes que Brancusi, ningún escultor había rechazado tan radicalmente la sumisión al modelo.
Los volúmenes de sus esculturas son tensos y apuntan hacia el infinito. Es esta una escultura aparentemente sencilla en la que la emoción es tanto más fuerte cuanto que está cerrada en una forma más lacónica.
Como el propio autor dijo: "no es difícil hacer las cosas, lo que es difícil es ponernos en el estado de hacerlas", justificando así su obra y la gran parte del arte moderno.
Selección de 5 Fotógrafos
Nicéphore Niepce
(1765-1833)
Biografía
Nicéphore Niepce fue un científico, inventor y fotógrafo francés que nació en el año 1765 y murió en 1833. Fue el inventor, junto a su hermano, de un motor para barco y, junto a Daguerre, de la fotografía.Cuando en el año 1814 su hijo se alistó en el ejército, tuvo la genial idea de tratar de poner en relación la cámara oscura junto con las sales de plata sensibles a la luz para tratar de conseguir imágenes fijas.De este modo, obtuvo las primeras imágenes fotográficas de la historia en el año 1816, aunque ninguna de ellas se ha conservado. Eran fotografías en papel y en negativo, pero no se dio cuenta de que éstos podían servir para obtener positivos, así que abandonó esta línea de investigación. Un par de años después, ya en el 1818, obtiene imágenes en positivo sacrificando de este modo las posibilidades de reproducción de las imágenes, por ser las únicas imágenes obtenidas. Al procedimiento lo llamó la Heliografía (que significa lo mismo que Fotografía), distinguiendo entre heliograbados y reproducciones de grabados ya existentes.En 1833, Nicéphore fallece a causa de una apoplejía sufrida y en 1841, su hijo, lanza una publicación en la cual aclara el papel de su padre en el descubrimiento de la fotografía, ante las maniobras realizadas por Daguerre para ocultar sus trabajos.
La mesa puesta
Con el título de “la mesa puesta” se dice que trata de 1822, y que es la primera fotografía de la historia. Pero este hecho no esta probado científicamente, así que se la podemos atribuir como propia a Nicéphore, pero no como número 1 a la fotografía mundial.
Tirando de un caballo
Otras de las fotografías que se le atribuyen a Nicéphore Niepce. Se supone que trata de 1825 y esta realizada sobre un grabado del siglo XVII.
Punto de vista desde la ventana de Grass Esta imagen es importante porque es la primera fotografía reconocida de la historia, produciéndose esta en 1826 y conservándose actualmente en el museo de la universidad de Texas.
Roger Fenton
(1819-1869)
Biografía
Roger Fenton nació en 1819 en Lancashire. Fotógrafo de origen británico fue uno de los pioneros de la fotografía en la mitad del siglo XIX.Se desplazó a París para estudiar derecho, pero compaginó estos estudios con su verdadera pasión, la fotografía.Fenton empleó para sus fotografías papel encerado, método que en contraposición con el daguerrotipo, era más suave y con mayor capacidad gráfica. Sus primeras fotografías vieron la luz en febrero de 1852, dejando de lado su oficio de abogado y dedicándose plenamente a esta profesión de fotógrafo, profesión en la que estuvo poco tiempo (10 años), pero muy intenso todos ellos.Este hombre es importante en la historia de la fotografía porque es considerado como el primer reportero de guerra, ya que en el mismo 1852 se desplazó a Rusia con un amigo para realizar numerosas fotos de Moscú, San Petersburgo y Kiev, y en 1855, viajó hasta Crimea, para cubrir la batalla que lleva el mismo nombre, dejando un valioso y enorme testimonio de esta contienda.A la vuelta de estos dos viajes, Roger recibió un gran reconocimiento popular, además de el de la familia Real de Londres. En 1860 realizó bodegones y en 1862, decepcionado por el tema de la conservación y la comercialización fotográfica, Fenton perdió valiosos documentos, vendió todo su equipo y se retiró completamente de la fotografía.
Gen Brown y sus soldados (Guerra de Crimea)
Esta imagen fue realizada en 1855, cuando Roger Fenton marchó a la Guerra de Crimea para fotografiar a las tropas Británicas de modo que no se mostrarán los horrores que provocan los conflictos bélicos, para que los familiares y la ciudadanía no se desmoralizará cuando vieran las fotos.
Valley of the shadow of death
En esta foto (también de 1855), Fenton nos muestra, al parecer, algunos cráneos que adornan el camino por el que transitaba nuestro reportero.
The artist van´s
En esta foto podemos observar el carro en el que Roger se desplazaba en Crimea. Dentro de este llevaba productos químicos, unas 700 placas y 5 cámaras para realizar sus mejores fotografías.
Biografía
Julia Margaret Cameron nació en Ceylan, el 11 de Junio de 1815 y es considerada una gran excéntrica de la fotografía.A los 21 años conoció a Sir. John. Herschel quien más tarde implantó los términos (positivo - negativo y fotografía), y autor del descubrimiento de las propiedades del tío sulfito como fijador. Siendo Sir. John Herschel el asesor fotográfico de Cameron. Cuando contaba ya con cuarenta y ocho años, y a causa de un viaje de su marido, su hermana la regaló una cámara para paliar la soledad por su ausencia. Este hecho tuvo un fuerte impacto en Julia, que la hizo dedicarse plenamente a la fotografía.Transformó y adaptó una carbonera de la casa en un improvisado laboratorio y un cuarto de sus hijos en un estudio, y se dedicó a realizar fotografías, retratos en su inmensa mayoría, de sus familiares, amigos, criados,... obligándoles en muchas ocasiones a posar por largos períodos de tiempo debido a las investigaciones que llevaba a cabo con la luz y las placas.Tuvo una gran inspiración en pintores románticos de la época para realizar sus alegorías, muchas de ellas de ámbito religioso, que causaron gran admiración en sus convecinos, recibiendo grandes felicitaciones por sus interpretaciones.Henry, uno de sus tres hijos abrió un estudio fotográfico en Londres y en 1863, su hija le regaló su primera cámara fotográfica construida en madera con un objetivo de la marca Jamin y equipo de revelado. Gracias a la asistencia de John Herschel en pocos meses dominó el proceso al colodión.
I Wait (Espero)
La foto fue realizada en 1860 y en ella aparece una niña (de unos 8 años), la cual, como bien muestra el título, muestra una actitud pasiva, como esperando a que venga alguien o algo que esperaba con ansia y que por su retraso ahora ve con desilusión y desgana.
The echo
Esta foto fue realizada en 1868, posiblemente a una amiga íntima o a alguna familiar de Julia Margaret. En este retrato fotográfico consigue captar la fuerza expresiva de su modelo, con tanta maestría como podría hacerlo un pintor.
Robert Browning
Esta imagen pertenece a la temática sobre mujeres y hombres famosos de Julia Margaret Cameron. En ella podemos ver un retrato de uno de los poetas más importantes de la época: Robert Browning.
Ansel Adams
(1902-1984)
Biografía
Ansel Adams nace en San Francisco (Estados Unidos) en 1902, adoptando como tema fotográfico los paisajes del suroeste de su país.En 1916 realizó un viaje a Yosemite (California), donde captó en blanco y negro la majestuosidad de la naturaleza de Estados Unidos. Sus fotografías reflejan un enorme contraste de sombras y luces, desiertos áridos, nubes gigantescas y monstruosos árboles.En 1932 Ansel Adams, junto con Imogen Cunningham y Edward Weston, crearon el f/64, siendo todos ellos un grupo de fotógrafos que defendían el detalle y la estética naturalista.Poco después, en 1939 Ansel expone por primera vez en San Francisco. Crea el primer departamento de fotografía en la escuela de Bellas Artes Decorativas de California y publica la colección “Libros esenciales sobre fotografía acerca de técnicas fotográficas”.En 1949 se encarga de poner a prueba los primeros prototipos de Polaroid, trabajo que desarrolló con entusiasmo para descubrir las nuevas posibilidades que ofrecía el sistema.Entre sus obras destacan Taos Pueblo (1930), Sierra Nevada (1948), This Is the American Earth (1960) y Yosemite and the Range of Light (1979)
Taos Pueblo
Foto realizada en 1942 en la que podemos ver una iglesia en el puebo de Taos. También podemos observar como nuestro fotógrafo abandona el estilo pictorialista para encaminarse hacia el estilo “straight photography” en el cual la fotografía debe de sufrir el menor número de ajustes y retoques posibles.
Yosemite and the Range of Light
Esta instantánea fue capturada en el invierno de 1979 por Ansel Adams. En ella, el autor nos transmite, con gran agudeza, la sensación vértigo y frío, al contemplar el espectador un árbol tan grande y tan blanco por el efecto de las grandes nevadas.
Montañas Tetons y río Snake
Imagen en blanco y negro de gran calidad, mostrando el espléndido paisaje que forman las montañas Tetons y el Río Snake. Podemos ver como había algunas nubes el día en que se realizó la fotografía, conllevando ello que se vea reflejada la sombra de estas en la hierba y el agua.
Cecil Beaton
(1904-1980)
Biografía
Cecil Beatón nació en Londres en 1904. Debido a sus grandes dotes conquista la fama a nivel mundial, como Fotógrafo y diseñador británico.En 1915 le regalan su primera cámara fotográfica una Kodak 3A de fuelle. Fue guiado por Alice Collard quien le enseñó las técnicas del revelado y fijado.En 1924 se introdujo en el mundo de Vogue con un retrato retocado de su amigo George Rylands. Durante varios años después, reúne material suficiente y abre una exposición en el West End, para finalmente, dedicarse en exclusiva a la fotografía en 1926.Hacia 1930 regresa con un gran triunfo a Londres donde escribe su primer libro "El libro de la belleza". Viaja hasta Hollywood donde gracias a su ingenio y aprovechando la deslumbrante luz de California y sus pintorescos claroscuros realiza una serie de retratos a grandes personajes, tales como; Gary Cooper, Johnny Weissmuller ó Dolores del Rió.En sus viajes por Rusia, África, España y México, retrata a numerosos personajes como Henry Ford, Salvador Dalí y su esposa Gala, Picasso o los Rolling Stones, entre otros.
Marlon Brando
Retrato de un jovencísimo Marlon Brando (1946), el cual sale de perfil y con una actitud un tanto chulesca al ser interrumpido en su intenso estudio. Se aprecia con bastante claridad la luz que le ilumina desde arriba.
Marilyn Monroe
Beaton también tuvo tiempo para retratar a una de las mujeres más famosas y deseadas del momento, como era Marilyn Monroe (1956). En esta instantánea la vemos tumbada en una cama, mirando a cámara de forma pensativa.
Greta Garbo
En esta ocasión contemplamos el retrato de Greta Garbo, mujer con la que Beaton tuvo un relación sentimental. En la foto, la vemos de frente a la cámara, creando una sombra en la pared un tanto espeluznante.
Selección de 5 autores libres
Alfred Hitchcock
(1899-1980)
BiografíaAlfred Joseph Hitchcock (Londres 1899, Los Ángeles 1980) fue un director de cine británicos nacionalizado estadounidense.En 1920 se dedicaba a hacer los rótulos de varias películas de cine mudo en la Famous Players Lasky. Este trabajo ocasional provocó que, poco a poco, el joven Hitchcock comenzara a apasionarse por el mundo del cine. En el lado profesional, Alfred estuvo tres años trabajando como ayudante de dirección de Graham Cutts. En 1923, se le encargó el rodaje del corto “Number 13” aunque la producción se detuvo y la película quedó inacabada. De todas maneras, la posibilidad de acabar un largometraje apareció poco después, ya que en 1925 dirigió en Múnich su primera película completamente acabada: “El jardín de la alegría”, una coproducción germano-británica que se haría muy popular. Poco después llegaría “Sospecha” (1941), protagonizada por Cary Grant, con quien mantuvo una gran amistad. Alfred Hitchcock siempre procuraba escoger para sus películas actores y actrices ya conocidos por alguna faceta, ya fuera la de la sensualidad, la simpatía o la seducción, pensando que así el papel quedaba más fácilmente definido desde el principio.En 1959 rodó “Con la muerte en los talones”, protagonizada por Cary Grant y Eva Marie Saint. La imagen de Cary Grant huyendo de una avioneta por los campos es ya una imagen inolvidable por los cinéfilos. Es considerada una de sus mejores películas.Pero en 1960 llegó su gran obra: “Psicosis”, protagonizada por Anthony Perkins y Janet Leigh. Fue uno de los mayores éxitos de su carrera. La película contiene una de las escenas más impactantes de la historia del séptimo arte: el asesinato de su protagonista, Janet Leigh, en la ducha, a mitad de la película
Con la muerte en los talones
Posiblemente una de las 5 mejores películas de Alfred Hitchcock. La imagen más recordada de esta película es la de Cary Grant huyendo por un campo sembrado de una avioneta.
Los Pájaros
Otra de las grandes películas de nuestro director, en la que el argumento principal de la película es el ataque de centenares de pájaros a la familia Westminster en Irlanda.
Psicosis
Es la película mas famosa y que por consiguiente, mejores resultados obtuvo de Alfred Hitchcook. Es mítica ya, la imagen de Janet Leigh en la ducha gritando, segundos antes de ser asesinada.
Woody Allen
(1935 - Actualidad)
BiografíaWoody Allen nació el 1 de diciembre de 1935 en el barrio de Brooklyn, Nueva York, con el nombre de Allan Stewart Königsberg. Es considerado uno de los principales directores y guionistas cinematográficos contemporáneos.En 1968 rueda su primera película (primera película completamente escrita y dirigida por él y en la que actúa como un ladrón), “Take the money and run”. En 1970 firma un contrato con United Artists (productora creada por Charles Chaplin), y comenzaría a rodar su segunda película “Bananas”. El contrato con United Artists lo comprometía para rodar tres películas, y el estudio le otorgó a Woody Allen total control sobre su producción, algo que era muy poco usual para cualquier director joven de la época (en aquella época ni siquiera Scorsese, Coppola o Mazursky tenían privilegios como éste). En 1977, tras filmar “El Dormilón (1973)” y “Love and Death (1975)”, Allen realiza la película con la cual obtendría su primer premio Óscar: “Annie Hall”.En 2002 recibe el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. Desde entonces tiene una estatua en su honor en el centro de Oviedo. Sus últimas películas (2005 – 2006) han sido filmadas en Europa, recibiendo, como ya ha sido una constante, la aclamación de la crítica, especialmente la francesa.
Love and Death
Gran comedia en los primeros años como director de Woody. En ella los personajes se debaten en discusiones filosóficas en los momentos más inoportunos, mezclando un hilarante espíritu humorístico con reflexiones profundamente existenciales.
Annie Hall
Esta película se rodó en 1977 y obtuvo varios Óscar, entre ellos al de mejor película, mejor director, mejor actriz principal y mejor guión original.
Vicky Cristina Barcelona
Esta película la rodo Allen en España en el año 2007, con actores de la talla de Javier Bardem, Scarlett Johansson o Penélope Cruz (la cual ganó un Óscar a la mejor actriz de reparto)
David Copperfield
(1956-Actualidad)
Biografía
David Copperfield (nacido en Metichen, New Jersey en 1956), cuyo nombre verdadero es David Seth Kotkin, es un ilusionista de renombre y uno de los mejores en su género ,conocido por la combinación de ilusiones espectaculares y narración. Sus trucos más famosos incluyen hacer desaparecer la Estatua de la Libertad, levitar sobre el Gran Cañón y atravesar la Gran Muralla China. Para que la gente no descubra sus trucos, los hace para usarlos de dos a cuatro maneras distintas en varios actos.David empezó su carrera profesional a la edad de 12 años, y fue la persona más joven admitida en la Sociedad Americana de Magos. A los 16 años emprendió un curso de magia en la Universidad de Nueva York.En 1982, David Copperfield fundó el “Proyecto Mágico”, un programa de rehabilitación para ayudar a pacientes minusválidos a recuperar la destreza y habilidad perdidas. El programa ha sido acreditado por la Asociación Americana de Terapia Ocupacional, y está en uso en 1.000 hospitales alrededor del mundo.
David Copperfield
Aquí vemos como el gran maestro se desencaja el tren inferior, dando muestra de un gran truco.
David Copperfield
Otro truco de Copperfield, en el cual el mago va a levitar unos segundos mas tarde de producirse esta instantánea.
David Copperfield
En este truco va a desaparecer con la colaboración de su ayudante. Copperfield es un magnífico mago y posiblemente, el mejor en la actualidad.
Leo Harlem
(1962-Actualidad)
Biografía
Leonardo González (Matarrosa del Sil, León, 1962) es un humorista español más conocido como Leo Harlem. Considerado como uno de los mejores cómicos del panorama actual, Leo Harlem trata en sus monólogos una gran cantidad de temas como "cocina creativa", "gimnasios", "estilo de vida japonés", "costumbres", "restaurantes", "juventud y alcoholismo","deportes", etc. Empezó su carrera en El club de la comedia, seguido de Radio Estadio en Televisión Española. En el verano de 2009 y de 2010 prestó su imagen para la campaña de abonados del Real Valladolid. Después trabajó en La hora de José Mota y más tarde en el Club del Chiste, de Antena 3. En septiembre de 2010, Onda Cero confirmaba la vuelta de Leo Harlem al amplio elenco de comentaristas deportivos de Radio Estadio que dirige y presenta Javier Ares Rodríguez por octava temporada consecutiva
Leo Harlem
Como gran aficionado que es al Real Valladolid, Leo Harlem se vistió de este equipo para rodar un anuncio de captación de socios para la temporada 2009/2010.
Leo Harlem
Leo comienza a ser conocido por los telespectadores por apariciones con grandes monólogos en cadenas punteras, como lo es el programa “La hora de José Mota” de Televisión Española.
Leo Harlem
Pero Leo da su salto definitivo a la fama y se consolida como uno de los mejores cómicos que existen actualmente en España gracias al programa “El club del chiste” de Antena 3, en el cual Harlem cuenta unos 5 o 6 chistes por programas, intercambiándose con otros cómicos durante 1 hora aproximadamente de programa. Leo, por su gracia y su gran manera de comunicar lo que cuenta, hace que el público se enganche a sus chistes y que cuando llega su turno, sea el más aplaudido entre los allí presentes.
Adam Sandler
(1966 - Actualidad)
Biografía
Adam Richard Sandler (Brooklyn, Nueva York, 1966) es un cómico, músico, guionista, productor y sobre todo actor estadounidense.Sandler tuvo el primer encuentro con la comedia a los 17 años, con una actuación espontánea en el club Boston. Desde entonces actuó con regularidad en clubs de comedia por todo el estado, mientras obtenía el título de Bellas Artes por la Universidad de Nueva York.Debutó en el cine con “Los Coneheads” junto a Dan Aykrod y Jane Curtin. A partir de entonces comenzó a trabajar en películas que alcanzaron éxito de taquilla, como “Happy Gilmore”, “El chico ideal”, “El Aguador”, “Un papá genial” y “Mr. Deeds”.Durante su carrera, Adam Sandler se ha involucrado en todos los aspectos de la producción de cine. Colaboró en los guiones de “Litlle Nicky”, “Billy Madison”, “Un papá genial” y “El chico ideal”, entre otros. También trabajó como productor ejecutivo en diferentes rodajes.
El chico ideal
En 1998 se lanza al mercado “El chico ideal”, película protagonizada por dos de los mejores actores del panorama actual, en la cual ambos ven truncadas sus distintas bodas para finalmente enamorarse el uno del otro.
Un Papá genial
Película estrenada en 1999 en la que Sandler es el actor principal, con el argumento de un hombre que adopta a un niño huérfano de 5 años para sorprender de esta forma a su novia.
Niños Grandes
Película protagonizada y dirigida por Adam Sandler en el año 2010. En ella se rodea de un gran elenco actores famosos.
Trabajo realizado por: Miguel Ángel Díaz BritoGrado en Educación PrimariaGrupo T5
