La historia musical de los Rolling Stones comienza en 1960, cuando Mick Jagger y Keith Richards, dos viejos compañeros de estudios, comienzan a compartir su pasión por la música y el rythm & blues. Al año siguiente crearon un grupo, Little Boy Blue & Blue Boys, junto a Jack Taylor.

En 1962 conocen a Brian Jones. Este se une al grupo de Richards, Jagger y compañía y deciden renombrar el grupo. El nuevo nombre elegido: The Rolling Stones, estaba inspirado en un viejo tema de Muddy Waters, Rolling Stones Blues. Pronto se incorporó Charlie Watts, junto al pianista Ian Stewart.

Ese mismo año Bill Wyman sustituye a Taylor y en 1963 lanzan su primer sencillo, Come On, una versión de una canción de Chuck Berry. Por aquél entonces sólo se dedicaban a realizar versiones de temas conocidos. Ese año realizan su primera gira por Gran Bretaña.

En 1964 publican el primer álbum, The Rolling Stones, el cual sólo disponía de una canción creada íntegramente por ellos. El resto eran versiones de otros artistas. Pero no se limitaban a hacer versiones. El fuerte ritmo que imprimen a los temas y la agresividad que adoptan en sus intrumentos les confiere un aire propiamente suyo. Realizan dos giras por Estados Unidos y aparecen en el show de Ed Sullivan.

Fuera del escenario los expertos en marketing querían darles a conocer como los chicos malos del pop/rock, en contraposición con los Beatles, que podrían ser considerados los chicos buenos.

En enero de 1965 salió su segundo disco, Rolling Stones 2, para el que tomaron influencias de la música negra americana, principalmente de soul.

Por aquel entonces comenzaron a plantearse que, si querían mantenerse en la cima en el mundo de la música tendrían que demostrar su capacidad creativa. Por ello, su mánager les encerró varios días en un hotel para que trabajaran en la elaboración de temas nuevos e inéditos. De allí salieron algunos de sus mayores éxitos. A pesar de ello, su nuevo álbum Out Of Our Heads, seguía manteniendo un buen número de versiones, reservándose los nuevos temas para discos posteriores.

En 1966 lanzan al mercado Aftermath, compuesto completamente por temas suyos, abandonando las versiones de la música soul americana y los sonidos negros, y siendo considerado como uno de sus mejores discos.

En 1967 se edita Between The Buttoms, que se vió salpicado por el escándalo en torno a la detención de Jagger y Richards por posesión de droga. Los temas del disco coincidían con el de la detención, al tratar en asunto de las drogas en varias de las canciones.

Con el Lp Their Satanic Magesties Request se llevaron uno de sus fracasos. Intentaron imitar el Sgt. Peppers de los Beatles, pero la crítica les acusó de seguir la estela del otro grupo británico.

En 1968 publicaron Beggars Banquet, lo que supuso la vuelta a la esencia de los Rolling. Una portada provocativa que fue censurada por su propia compañía y que al final apareció totalmente en blanco fue el principio. La continuación, unos temas provocativos que hablaban de luchas, de sensualidad y un recordatorio de la música negra.

The Rolling Stones

En 1969 Brian Jones fue encontrado muerto en su casa, víctima de las drogas. Al grupo se unió Mick Taylor. Este hecho fue seguido por la publicación de un nuevo disco, Let It Bleed, una réplica irónica al Let it Be de los Beatles, en un momento en que el grupo de Liverpool planteaba su disolución. Este disco les encarama definitivamente en la cima del rock mundial.

En 1971 editan Brown Sugar, el primero con su propio sello discográfico y Sticky Fingers, el primero en que utilizan un diseño de Andy Warhol de unos labios como sello del grupo. Este último disco está considerado como uno de los grandes de los Rolling por su calidad instrumental. Con el fin de ahorrarse impuestos los Stones deciden trasladar sus cuentas a Francia.

En 1972 publican un doble disco, Exile On Main Street, un disco de calidad y muy ambicioso. Pretendía ser la puerta de entrada para una gran gira por Estados Unidos y había que cautivar al público. Fue número uno en Inglaterra y en USA.

La década de los setenta avanzaba y los Rolling continuaban sacando discos, alternando calidades. Así, en 1973 publicaban Goats Head Soup y en 1974 It's Only Rock'n Roll, para cuya promoción llenaron las calles de Londres de pintadas que decían eso: Es sólo rock and roll. Fue el último disco de Mick Taylor en la banda, que fue sustituído por Ron Wood, ex The Faces. También editaron un álbum en directo, Love You Live.

Hasta 1978 no sacaron su siguiente disco de estudio, Some Girls, considerado por la crítica como uno de sus mejores discos.

La década de los ochenta comenzó con la firma de un supermillonario contrato de los Stones con la CBS. Por él, los Stones recibirían varios millones de dólares por cada disco publicado. Fruto del acuerdo fueron discos como EmotionalRescue, seguido de Tattoo You en 1981, Stiff Life en 1982, Undercover en 1983 y Dirty Work en 1986.

El disco que elevó la calidad media de la década fue Steel Wheels, de 1989, en el que basaron una nueva macrogiramundial y un nuevo álbum en vivo basado en dicha gira, Flashpoint.

En 1990 realizan una gira por Japón y Europa, en la que fueron seguidos por más de dos millones de espectadores y generando unos ingresos cercanos a los doscientos millones de dólares.

En 1994 publican un nuevo disco, Voodoo Lounge y un año después sacan a la luz Rock And Roll Circus, grabado en 1968 y que nunca había sido publicado.

En 1995 editan Stripped y en 1997 Bridges To Babylon, con el que comienzan una nueva gira por todo el mundo con infinidad de conciertos y que les generan unos grandes ingresos.

El nombre de la banda deriva del nombre de Jethro Tull, un agricultor inglés que había inventado un sistema revolucionario para la siembra. No tiene ninguna relacion particular con el grupo, y sólo era un nombre más en una lista de nombres que tenía su agente. En un principio tuvieron problemas para encontrar locales donde tocar, por lo que cambiaron de nombre frecuentemente, con el fin de seguir tocando en los clubes de Londres. Dichos nombres los elegían los distintos agentes que concertaban sus actuaciones, uno de los cuales, aficionado a la historia, los bautizócomo Jethro Tull, en honor a un inventor agrícola que vivió en el siglo XVIII y que diseñó la primera máquina agrícola, denominada sembradera. La banda siguió usando este nombre sólo porque fue el que usaron la primera vez que el encargado de un club los invitó a tocar en el mismo nuevamente.

Jethro tulL

El auténtico Jethro Tulll, agrónomoe inventor inglés.

Grabaron un single que tuvo poco éxito (una canción pop escrita por Abrahams llamada "Sunshine Day“(en el que el nombre de la banda aparecióescrito erróneamente como Jethro Toe, convirtiéndose en un ítem de coleccionistas). Su álbum de debut fue This Was en 1968.

Su formación estuvo integrada por Ian Anderson (voz, flauta y guitarra acústica), Glenn Cornick (bajo), Clive Bunker (batería) y Mick Abrahams (guitarra eléctrica). Al poco tiempo, Mick Abrahams se separó del grupo y fue sustituido por Martin Lancelot Barre, que forma parte del grupo desde entonces.Con su versión de la pieza de jazz de Rahsaan Roland Kirk "Serenade to a Cuckoo”, Anderson empezó a demostrar su talento como flautista.

Tras este álbum, debido a la competitividad en el liderazgo de la banda con Ian Anderson, Abrahams dejó al grupo para formar su propia banda, Blodwyn Pig.

Esta alineación lanzó la obra más universal de Jethro Tull, Aqualung, en 1971. Este álbum es una combinación de hard rock (en los temas que tratan sobre la marginación o la religión oficial), y acústicas y poéticas canciones como el tema "Wond'ring Aloud") sobre lo insulso de la vida diaria. Aqualung es amado y odiado por igual, aunque la canción titular y "Locomotive Breath" se escuchan frecuentemente en las emisoras de radio de rock clásico. El álbum fue incluido en la posición 337 de la lista que, en 2003 la revista Rolling Stone hizo de "los 500 mejores álbumes de todos los tiempos". En España, debido a la censura imperante durante la dictadura del franquismo, el álbum Aqualung no fue publicado hasta 1976, y en una edición en la que la canción "Locomotive Breath" había sido censurada, siendo sustituida por "Glory Row". Esta última canción aparecería después en los demás países en recopilaciones o como bonus track. Esto convirtió a la edición española del álbum en una pieza muy apreciada para coleccionistas de otros países.

La primera baja de la agrupación fue Mick Abrahams quien se marchó (con todo y su estilo) a un nuevo proyecto "Blodwyn Pig", que resultó ser flor de un día. A inicios del 69 la guitarra fue ocupada por Martin Barre y el grupo se embarcó en el segundo disco: "Stand Up". El disco funcionó decentemente y eso les permitió abrirse a nuevos públicos en Europa y Estados Unidos. Este álbum es una muestra del nuevo rol de Ian Anderson quien mezcló Jazz, música clásica, folk y música étnica, definiendo claramente cuál sería el estilo de la banda.

La primera baja de la agrupación fue Mick Abrahams quien se marchó (con todo y su estilo) a un nuevo proyecto "Blodwyn Pig", que resultó ser flor de un día. A inicios del 69 la guitarra fue ocupada por Martin Barre y el grupo se embarcó en el segundo disco: "Stand Up". El disco funcionó decentemente y eso les permitió abrirse a nuevos públicos en Europa y Estados Unidos. Este álbum es una muestra del nuevo rol de Ian Anderson quien mezcló Jazz, música clásica, folk y música étnica, definiendo claramente cuál sería el estilo de la banda.

"Benefit", "Aqualung" y los llamados álbumes conceptuales "Thick as a Brick" o "A Passion Play" confirmaron la tendencia al rock progresivo o, como también fue bautizado, rock-arte, blues-rock, folk-rock y hard-rock. Semejante cantidad de calificativos solo pueden decir lo difícil que era encajonar el estilo propio de una banda.

Vino un reacomodo y Jeffrey Hammond reemplazó a Cornick en el bajo, Barrimore Barlow a Bunker en la batería y entró John Evan a tocar el piano. Todo esto facilitó la transición de la banda "blusera" del 68 a la agrupación que se hizo famosa a mediados de los años 70, que les permitió llenar el SheaStadium de Nueva York desde que tocaron allí los Beatles.

Sin embargo, el éxito no fue limitante para que su música fuera crítica, controversial y, a veces, una paradia de sí mismos. Con dos discos en el número uno de los Estados Unidos y haciendo fiesta en las listas del resto del mundo, la banda empezó a salirse de la lógica comercial disco-gira. A finales de los años 70 e inicios de los 80 la banda produjo discos y giras, que si bien no tenían el éxito numérico de sus predecesores, fueron una prueba de la aceptación de la gente a la costumbre de Jethro Tull de reinventarse regularmente

Discos como "Warchild", "Too Old to Rock and Roll: Too Young to Die", "Mistrel in the Gallery", "Songs from theWood" y "Heavy Horses" le abrieron la puerta al estilo musical del grupo en lugares tan disímiles como Buenos Aires o Budapest.

Nuevamente, la banda fue rearmada y músicos como David Palmer, John Glascock, Dave Pegg, Doane Perry, Andrew Giddings y Jonathan Noyce empezaron a tener más influencia en la creación de nuevos materiales. Esto fue lo que le valió la sobrevivir como banda al final de los ochenta y los noventa.

En la actualidad la agrupación la integran Ian Anderson en la flauta, voces, guitarra acústica y la mandolina; Marin Barre en la guitarra eléctrica; Doane Perry en la batería; Andrew Giddins en los teclados; y Jonathan Noyce en el bajo. Los cambios de miembros en la agrupación se debieron a razones tan variadas como el matrimonio, la necesidad de asentarse en un lugar o armar sus propios proyectos.

Hoy, con 60 millones de discos vendidos, 2 500 conciertos en cuarenta países, la banda sigue tocando unas cien presentaciones anuales para 300 mil espectadores. A pesar de los años, siguen congregando gente en Estados Unidos, Europa y América Latina.

Su Vida The Who fueron, puesto simple y llanamente, la mejor banda de la época de los años 60' del "British Beat" (el ritmo británico). En cualquier noche, podían tocar, cantar, pelear, pensar o tomar mejor o más que todos sus contemporáneos. Siempre los terceros detrás de los Beatles y los Stones y con solo un guitarrista y escritor de música (Pete Townshend), un bajista (John Entwistle), un baterista (Keith Moon) y un cantante (Roger Daltrey), fueron siempre la banda que tenían que esmerarse más y consecuentemente siempre se pasaban de lo que tenían que hacer como una banda de pop en todas las categorías. El resultado fue una muy fuerte presentación sobre el escenario, ambiciosos álbumes conceptuales y más fracasos, desastres y mala suerte que cualquier banda con ideales se merecía. Pero el más importante aporte a música del grupo fue una serie de brillantes lanzamientos individuales, cambiando lo que era hasta entonces una mediocre y transitoria forma de pop a una plataforma de música heroica y sincera. El mercado quería canciones de amor con ganchos. The Who creó himnos. Volvamos a Londres en 1965... son buenos años después de lento años de recuperación después de la segunda guerra mundial... el Reino Unido se ha transformado en el epicentro de la cultura popular del mundo... y un cuarteto de muchachos del norte han capturado los rankings. Pero los Beatles eran escuchados principalmente por chicas adolescentes y aun peor, sus madres. Los jóvenes sofisticados preferían el Rhythm & Blues (R&B) "puro" y si quedaba algo de la plata de la semana que no había sido usada para ropa, anfetaminas o cerveza, hubieran comprado álbumes de 45" del rey (James Brown), Chess/Checker (Bo Diddley, Muddy Waters, Chuck Berry) y Tamla/Motown (Martha andVandallas, The Marvelletes, Marvin Gaye). Y los más a la moda de los en la moda se auto-denominaban "Modernistas" (también conocidos como "Mods") y su banda personal era The Who. Álbumes piratas y videos grabados de sus primeras presentaciones en vivo los mostraron como una competente pero desorganizada banda tocando interpretaciones de R&B de otros como "HeatWave" y "Shout" con un alto volumen, regeneración de sonido de guitarra y secciones largas de batería, luego cerrándolo todo con una orgía de romper sus instrumentos. Algo así como una demostración artística y dramática de cosas del mundo del entretenimiento que les garantizaba notoriedad y años de deuda. Pero la verdadera moneda en la industria de la música, entonces y en el presente, es un éxito individual, no solo un buen show. En estos primeros años de la banda, no había nada que indique su potencial para crear pop de multitudes. No eran lindos como los Beatles o sexy como los Stones, a ninguno de ellos le importaba escribir música y encima cada uno de ellos tenía una actitud defensiva. Eventualmente, Townshend trató de cualquier manera y en su primer intento, creó el primer individual del grupo ("I Can't Explain"). Una pieza sin nada que ver con el R&B; fresca, con onda, corta (2:02!) y hasta un poco desorganizada, capturó más bien su aspecto que como sonaban. Su segundo individual ("Anyway, Anyhow, Anywhere") fue más como ellos... letras atacantes con una sección de solista que demostró casi todo lo que se puede hacer con una guitarra eléctrica en vez de tocarla apropiadamente. Fue en el sorprendente "My Generation" donde finalmente le dan justo, una gran combinación de voces desparramadas encima de varios cambios de tono, un solo de bajo donde un solo tiene que ir, todo terminando en una rápida combinación de batería, bajo y guitarra. Aquí teníamos una banda compuesta por un anteriormente trabajador de hojalatería, un contador, un vago de escuela de arte y un loco juntando todas sus frustraciones de adolescencia en una simple pieza de pop para una audiencia que se sentían EXCACTAMENTE COMO SE SENTÍAN ELLOS. El resultado fue y todavía es sorprendente; "My Generation" es aun el más excitante individual de 3:14 puesto en disco. Individuales más extraordinarios siguieron. "The Kids Are Alright", "Substitute" y "Pictures of Lily" fueron magistrales creaciones, menos locas y con más confianza. En cuestión de letras, la banda se quedó con los temas de desesperación y soledad. Las dos cuerdas que dominaron "I'm A Boy" tenían una extraña manera de ir de masculino a femenino o viceversa y la canción tuvo una horrorosa producción que fue salvada solamente por una hermosa y clásica interrupción de guitarra. Hasta los individuales más chistosos eran todavía locos y brillantes: "Dogs" une la carrera de perros con la música del British Music Hall con las harmonías de Beach Boys. "Happy Jack" fue más bien liviana diversión que algo comprensible, pero sin embargo sorpresivamente fue la pieza que los metió en el mercado de los Estados Unidos.

The Who

Su racha continuó a golpes con el relampagueante "I Can See For Miles". Sacado del álbum "The Who Sell Out" (un álbum conceptual que fue una mirada cínica a los álbumes conceptuales pretensiosos) y con su sección doble de ritmo y letras de doble sentido, "Miles" también marcó el final de la carrera de The Who de solo individuales. Tan confiados en que habían grabado un pieza maestra que fue garantizado en transformarse en un éxito, la banda aguantó la creación. Grave error. El mercado cambió mientras la canción estaba en la hornalla. "Sgt. Peppers" de los Beatles y "Pet Sounds" de los Beach Boys habían cambiado las expectativas de los álbumes de pop humilde a arte pop, y a pesar de que audiencias y la industria de la música todavía demandaba éxitos, había en ese entonces la expectativa de que las grabaciones de los grupos tengan algún tipo de mensaje creativo en su música. Cada uno había sido exitoso a fuerza pura de su tosca y colectiva determinación. Hicieron "individuales conceptuales" que podían ser grabados rápidamente y a diferencia de tipos de constante estadía en el estudio como Lennon, McCartney y Wilson, los siempre sin dinero The Who eran una banda que trabajaba y no podía darse el lujo de tomarse meses sin cobrar para hacer un álbum. Para empeorar las cosas, Townshend otra vez había compensado demasiado y sobre soñado una chocante y estrepitosa combinación de canciones/historias sobre el traumático viaje de un niño que no tenía ni una pieza con potencial de ser un lanzamiento individual, esto hecho de esa manera a propósito.

El ciclo por supuesto, estaba tarde en su creación, hasta Townshend se dio cuenta que su presente visión estaba cortó por un lanzamiento individual. Encima a Tommy todavía le faltaba una ancla en realidad, algo que un cierto poderoso periodista de rock no tendría pena en sacar al frente. La solución a ambos problemas fue "Pinball Wizard". Sorprendentemente, la canción recibió su mayor fuerza de una guitarra acústica (algo como en "Substitute") y un sobre tocado bajo en vez de la patentada guitarra eléctrica de Townshend. Probablemente fue el último exitoso lanzamiento individual de The Who. Otros álbumes y lanzamientos individuales siguieron, "Next" nos dejó "Won't Get Fooled Again" (editado a un anémico 3:37) y "Quadrophenia" nos dejó "5:15", pero estos fueron escritos más para sus presentaciones en vivo, no para la radio o para la casa de uno. Todos podríamos haber sobrevivido sin "Squeeze Box", gracias, pero "Who Are You" fue un buen esfuerzo para retornar a su forma. El "probablemente" en el párrafo anterior necesita clarificación... porque a pesar de separaciones, tours de reunión, tours de re-reuniones, muy conocidas peleas entre integrantes, la muerte de Keith Moon (y hasta quizás a pesar de la razón y el sentido común), The Who irán de tour este verano como una banda de cuatro integrantes (agregando teclado) con una lista de canciones construidas alrededor de estos maravillosos individuales. También hay rumores de un álbum. ¿Hay otra canción brillante en ellos? Si sería cualquier otro grupo, diría que "no"... pero estamos hablando de The Who, quienes han hecho su carrera sobrepasando lo imposible.

Deep Purple

De izquierda a derecha: Ritchie Blackmore, Ian Gill ian, Jon Lord, Roger Glover, Ian Pace (1971).

Deep Purple es una banda de rock formada en Hertfordshire, Inglaterra, en 1968, que está considerada como una de las pioneras del heavy metal y del hard rock, aunque también incorporó elementos del rock progresivo y del pop. A lo largo de su carrera han vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo, y fueron reconocidos como la banda más ruidosa del mundo por el libro Guinness de los récords en los años 70.

En 1967, el antiguo batería de The Searchers, Chris Curtis, contactó con Tony Edwards, un hombre de negocios londinense, para pedirle si podía ser el representante del nuevo grupo que había ideado, y que iba a llamarse Roundabout, llamado así porque los músicos iban a entrar y salir de él como si estuvieran en una rotonda (roundaboutsignifica "rotonda" en inglés). Impresionado con el plan, Edwards aceptó financiar la banda con dos compañeros de negocios: John Coletta y Ron Hire, con los que formaba HEC Enterprises.

El primer músico en reclutar fue el teclista de corte clásico Jon Lord, que había tocado para The Artwoods, cuyo líder Art Wood es hermano del actual guitarrista de los Rolling Stones Ronnie Wood. El siguiente en unirse al grupo fue Ritchie Blackmore, un guitarrista de sesión al que tuvieron que convencer para regresar de Hamburgo, donde estaba para realizar una audición para otra banda. Poco después Curtis abandonó el proyecto, pero tanto HEC Enterprisescomo Lord y Blackmore decidieron continuar.

Para llenar el hueco en el bajo, Lord recomendó a su amigo de la infancia Nick Simper, con quien había coincidido en una banda llamada The Flower Pot Men y que era también exmiembro de Johnny Kidd & The Pirates. La alineación se completó con el vocalista Rod Evans y el batería Ian Paice. Tras una pequeña gira por Dinamarca, Blackmore sugirióun nuevo nombre para la banda, Deep Purple, que era la canción favorita de su abuela.

El primer éxito de la banda vino con la versión de "Hush", canción original de Joe South que alcanzó el segundo puesto en Estados Unidos y el cuarto en Canadá, aunque en Gran Bretaña pasó desapercibida. Tomando como ejemplo a la banda Vanilla Fudge, la banda desarrolló un rock psicodélico con influencias de la música de Bach y Rimsky-Korsakov en el teclado de Lord. Gracias a "Hush" y al buen recibimiento que también tuvo el disco debut Shades of Deep Purple, la banda se embarcó en una gira como teloneros de Cream.

En junio de 1970 sale al mercado el primer disco hard rock de la banda titulado Deep Purple in Rock, que marcó el cambio definitivo del sonido de Deep Purple, pasando de ser una banda rock/pop con toques incluso progresivos, donde sus mayores éxitos eran versiones de otros grupos, a ser una de las formaciones de hard rock más sólidas del momento. En Deep Purple in Rock se encuentran canciones clave dentro de la historia de Deep Purple, como «Child in Time», «Speed King» o el sencillo «Black Night», que alcanzó el segundo puesto en las listas de sencillos del Reino Unido, dando inicio a una larga gira por el norte de Europa.

En julio de 1971 Deep Purple se embarca en la gira Norteamericana junto a la banda de Rod Stewart The Faces y dos meses más tarde publica Fireball, alcanzando el Top 40 de los charts americanos y el No. 1 de las listas británicas, otorgando la solidez suficiente para que la banda creara en octubre de ese mismo año su propio sello discográfico, "Purple Records".

Todo va en buen camino para los miembros de Deep Purple', a excepción de Roger Glover, quien extrañamente comienza a sufrir intensos dolores estomacales, inconvenientes que con el correr del tiempo fueron incrementándose, a tal punto de poner en riesgo las presentaciones de la banda. Blackmore, que observaba la situación como un espectador más, en una ocasión tras el escenario, mientras Glover se retorcía de dolor, atinó a comentarle que sería capaz de sobrellevar esos dolores mientras estaban actuando. Fue tal el problema que en una oportunidad Glover fue reemplazado en el bajo por Chas Hodges, antiguo compañero de Blackmore en la banda The Outlaws. Ni los doctores pudieron aplacar el malestar del bajista, quien finalmente tras unas sesiones de hipnoterapia pudo solucionar el problema. Todo se debía a una tensión subconsciente.

El 3 de diciembre la banda se encuentra en Monterux, Suiza para comenzar con las sesiones de su próximo álbum, Machine Head, su obra de mayor éxito comercial, álbum que contiene varios de sus himnos más reconocidos, como «Lazy», «Highway Star» o la popular «Smoke on the Water», canción que narra lo ocurrido al grupo en un incendio que arrasó el casino de Montreux en Suiza mientras asistían a un concierto de Frank Zappa and The Mother of Inventions. Cabe señalar que ese previamente había sido el lugar escogido por la banda para las sesiones de grabación de su nueva producción. Este desafortunado incidente motivó a que finalmente tuvieran que alquilar un hotel vacío por temporada para comenzar aquellas sesiones utilizando el estudio móvil de grabación de The Rolling Stones. Los conciertos de la gira de Machine Head en Japón fueron registrados y publicados en enero de 1973 en el afamado álbum en vivo Made In Japan, álbum que mantiene el récord de "el álbum en vivo más vendido en la historia de la música".

En 1973, la formación MkII lanza al mercado discográfico lo que sería su último disco de estudio, Who Do We ThinkWe Are. Poco después Ian Gillan comunica al resto de los miembros su alejamiento, y, tras su última presentación junto a la banda el día 29 de junio de 1973 en Osaka, Japón, abandona ésta para iniciar su carrera en solitario no antes de un corto receso musical. El bajista Roger Glover a pesar de su solvencia y calidad musical, es despedido por losdemás miembros de la banda sin motivos justificables, lo cual lo dejaría con una profunda depresión, luego de superar este doloroso episodio comenzaría una carrera como productor musical de nacientes bandas como Status Quo y Nazareth, y en el año 1974 edita su primer álbum en solitario titulado The Butterfly Ball, obra basada en un libro infantíldel mismo nombre en donde cuenta con la colaboración de David Coverdale, Glenn Hughes, Mickey Lee Soul y RonnieJames Dio en otros, Ian Gillan colaboraría en la presentaciones en vivo de esta obra en el Royal Albert Hall de Londres, luego vendrían otras producciones, Elements de 1978, The Mask de 1984 y Snapshot de 2002, también forma parte de la banda de Ritchie Blackmore Rainbow y en 1988 edita un álbum junto a Ian Gillan titulado Accidentally OnPurpose.

Una vez separados Gillan y Glover de Deep Purple, Blackmore tuvo completa libertad para poner en marcha su visión de renovar la banda, planeando una combinación vocal única entre el vocalista de Free Paul Rodgers y el extraordinario Glenn Hughes de Trapeze en el bajo y las voces. Rodgers no aceptó el puesto que le fue ofrecido, siendo reclutado en agosto el prácticamente desconocido David Coverdale.

El último show de Deep Purple se dio el 15 de marzo de 1976 en el Liverpool Empire Theatre. Coverdale ya se había resignado e incluso ya había hablado en Micky Moody para iniciar un nuevo proyecto que terminaría siendo Whitesnake. Lord y Paice también cayeron en cuenta de que la aventura de ocho años de Deep Purple había llegado a su final, y habían empezado a planear su nuevo proyecto junto al teclista y vocalista Tony Ashton. Los únicos que no estaban enterados de la separación eran Bolin y Hughes.

La banda ha sufrido múltiples cambios en su alineación y permaneció inactiva desde 1976 hasta 1984. Sus cuatro primeras alineaciones son a menudo etiquetadas como "Mark I", "II", "III" y "IV". La "Mark II", formada por Ian Gillan(voz), Ritchie Blackmore (guitarra), Jon Lord (teclados), Ian Paice (batería) y Roger Glover (bajo), fue la alineación más exitosa y la que mayores ventas ha cosechado, y se mantuvo en activo entre 1969 y 1973 y entre 1984 y 1989, cuando la relación entre Blackmore y el resto de músicos se volvió irreparable. Su alineación actual, que cuenta con Steve Morse en lugar de Blackmore y con Don Airey en lugar de Lord, lleva en activo desde 2002.

DISCOGRAFIA

Shades Of Deep Purple(1968)

The Book Of Taliesyn(1969)

Deep Purple(1969)

ConcertoFor Group And Orchestra

(1969)

In Rock(1970)

Fireball(1971)

Machine Head(1972)

Made In Japan(1972 )

Who Do We Think We Are (1973)

Burn(1974 )

Stormbringer(1974)

Come Taste The Band(1975)

Perfect Strangers(1984 )

The House Of Blue Light(1987 )

Slaves And Masters(1990 )

The battle rages(1993)

Abandon(1998 )

Purpendicular

Purpendicular(1996)

Live At The Olimpia(1996)

Bananas (2003)

Carlos Santana

En 1966, ayudó a fundar la Santana Blues Band, acortándolo luego a Santana. El grupo empezó a tocar en The Fillmore West, donde muchas de las bandas legendarias de San Francisco tocaban, con el espectáculo estreno del conjunto de Santana Blues. Su primera grabación fue "The Live Adventures of Mike Bloomfield andAl Kooper“.

Durante los siguientes dos años, el conjunto estaba envuelto por una onda de popularidad que les llevó desde las plataformas de Fillmore West en San Francisco a su estreno histórico en el Festival de Woodstock, el Sábado 16 de agosto de 1969.

Santana unió las influencias latinas con el rock de la costa oeste de E.U., haciéndolo un artista de fusión antes de que el término fuera acuñado. Tras firmar un contrato con Columbia Records, sacó al mercado un álbum llamado Santana . El grupo estaba formado por el propio Carlos Santana (guitarra), Gregg Rolie, el cual llegaría a ser un miembro fundador de Journey, (piano y voz), Mariano Luís Díaz (Guitarra), David Brown (bajo), Michael Shrieve(batería), Diego Olivarez (maracas), Juan Perez Bruna (corneta), Jose "Chepito" Areas (percusión) y Michael Carabello (percusión). Haciendo una gira para promover el álbum, la banda Santana tocó en Woodstock, donde la presentación de la escena fue legendaria y aumentó mucho su popularidad. Santana fue un gran éxito, así como Abraxas (1970) y Santana III (1971). La banda original se disolvió finalmente.

1971 Carlos Santana, post Woodstock, cabello más largo y camisa abierta, camina a través de la pista de aterrizaje del aeropuerto internacional Jorge Chávez de Lima. Sus fanáticos locales cuentan las horas que faltan para que el guitarrista se presente en el estadio de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos. Dos días después, el músico regresa por donde llegó sin haber podido tocar. Por decisión del general Juan Velasco Alvarado el evento fue cancelado y Santana obligado a abandonar el país tras haber sido calsificado de "hippie imperialista".

“Pienso en la música como en un menú. No puedo comer lo

mismo todos los días“

SU HISTORIA

Carlos Alberto Santana Barragán (*Autlán de Navarro, Jalisco, México, 20 de julio de 1947), es un guitarrista mexicanode blues rock y jazz-rock.

Su padre fue violinista en una banda de mariachi. De joven, Carlos aprendió a tocar el violín, pero lo cambió por la guitarra cuando tenía ocho años. En 1955 su familia se mudó a Tijuana. Carlos, a los ocho años se dedicó a la guitarra, estudió y emuló los sonidos de B.B. King, T-Bone Walker y John Lee Hooker. Mientras tanto tocaba con conjuntos locales como Los T.J.'s, donde añadió su propio toque y sentido original a las canciones populares de rock 'n roll de la década del cincuenta.

Mientras que su banda estaba vendiendo álbumes de forma constante, el guitarrista místico de hizo un ávido de Sri Chinmoy. Y comenzó a colaborar con otros artistas fuera de su grupo. Grabó "Carlos and Buddy Miles! Live!" en 1972 con el baterista de Band of Gypsys. También trabajó con el también discípulo de Chinmoy Mahavishnu John McLaughlin en "Love, Devotion, Surrender" de 1973. Con la viuda de Coltrane, Alice, creó "Illuminations".

Su propio sentido de la devoción llevó a Santana a agregar el nombre Devadip, pero no se lo extendió a sus compañeros de banda. Santana, la banda, se hizo una unidad despegada. Mingo Lewis se unió a cargo de las congas en 1973 después que Santana lo sacó de la audiencia en un recital en el Madison Square Garden de Nueva York. Leon Patillo, sin duda el vocalista más talentoso de la banda, se unió en 1974. Schon y Rolie se fueron en 1973 para comenzar la banda Journey; Shrieve se fue para formar Automatic Man en el 75'. El álbumes como "Lotus andBorboletta" de 1974, la guitarra de Santana se fue a territorio inexplorado, a pesar de quien estuviera, o no, detrás de él.

Mucho esfuerzo se puso en tratar de renovar a la banda. "Inner Secrets" de 1978 contó con los servicios del productor de Four Tops y toda una nueva banda de instrumentistas. Pareció encontrar más su sonido en el álbum como solista en 1980 "Swing of Delighy", donde fue apoyado por Wayne Shorter y Herbie Hancock, dos veteranos de Miles Davis de los años 60'. Y el pop-tástico"Zebop!" nos dejó "Winning", su primer lanzamiento individual en el Top 20 desde 1971. Sin embargo, los años 80' probaron ser un tiempo difícil para el grupo Santana, con su líder siendo el único constante en una constantemente cambiante alineación. Carlos probó con varioas estilos, como el Tex-Mex de "Havana Moon" de 1983 y la casi pop música que hizo para la película "La Bamba". Un poco después, Rolie volvió con la banda como un co-escritor y productor, dando alguna proximidad a la estabilidad, pero para 1988 Carlos estaba haciendo tours con diferentes grupos, tanto con Santana con Rolie y con otro grupo llamado la Santana PromiseBand.El concierto del aniversario de 20 años de la banda contócon todos los anteriormente integrantes de la banda en el escenario, pero solo el tono cristalino de Santana podía cortar por su caos personal. En 1991 fue arrestado en el aeropuerto de la ciudad de Houston, Texas por poseer marihuana y en 1992 de Columbia por la empresa Polydordespués que le prometieron que le darían su propia discográfica. Hasta volvió a Autlan para tocar con la banda de mariachi de su padre. Para 1995 estaba en terapia psicológica. Podría haber desaparecido de la faz de la tierra, por lo que le importaba a muchos, pero los fanáticos lo encontraban en todos los huecos y rincones de aclamados álbumes de John Lee Hooker, Salif Keita y Lauren Hill. El anteriormente mentor Clive Davis reanudósu amistad con Santana en 1995 después que Carlos contribuyó a un pequeño documental de homenaje a Davis. Davis firmó a Santana a la empresa discográfica Arista y lo hizo su proyecto, uniéndolo con los mejores artistas que su imagen podía atraer. Con Eric Clapton, Santana grabó el dueto "The Calling". Con Rob Thomas de Matchbox 20, aproximó el sonido del Harlem latino con "Smooth". "Supernatural", Santana dijo, "fue diseñado para asaltar las frecuencias radiales con la onda de Santana, en unidad con estos increíbles artistas, con el propósito de cambiar la estructura molecular del oyente".

El grupo Pink Floyd nació en Cambridge, como la evolución de un pequeño grupo de aficionados a la música, 'Arquitectural Abdams'(anteriormente 'Sigma 6'), que debían su nombre al hecho de que la mayoría de sus miembros estudiaba arquitectura en la Universidad Politécnica de Londres.

Los componentes de Pink Floyd, por aquel entonces, eran: Nicolas Mason, Roges Waters, Richard Wright, Clive Metcalf, Juliette Gale y Keith Noble. Cuando Clive y Juliette abandonaron el grupo, se les unió Roger Keith 'Syd' Barret. Fue entonces cuando decidieron cambiar el nombre del grupo para iniciar una nueva etapa, bautizándolo como Pink Floyd, en honor a dos ídolos del blues: Pink Anderson y Floyd Council..

Pink Floyd queda conformado definitivamente con Nick Mason en la batería, Roger Waters en el bajo y como cantante, Richard Wright en los teclados y Syd Barret con la guitarra.

Su primera intención era hacer una especie de blues, aunque con variaciones instrumentales, y combinando todo ello con un gran juego de luces que revolucionaran la estética de los escenarios.

En sus inicios participan en varios espectáculos donde dieron a conocer su revolucionaria forma de entender la música (un nuevo movimiento llamado Psicodelia).

En 1967 Pink Floyd lanza su primer álbum, 'The Piper at the Gates of Dawin' y varios sencillos, a la vez que realizan una gran gira por Inglaterra.

Los problemas de Syd con las drogas crean problemas en el grupo, principalmente en las actuaciones en directo, lo que obliga a su sustitución por David Gilmour, su maestro de guitarra, quien además colaboraba con las voces.

En 1968 Pink Floyd publica su segundo disco completo, 'A Saucerfull Of Secrets'. Ese mismo año graban ‘Ummagumma', un disco doble con sus principales temas en directo y algún tema inédito. También inician la grabación del disco de su primera película 'More'.

‘Ummagumma' consta de una parte en vivo y otra parte grabada en estudio, en la que los distintos miembros del grupo hacen interpretaciones de lo que en ese momento se les ocurre. Es la improvisación en estado puro y con una gran calidad.

En 1970 publican 'Atom Heart Mother', una sinfonía con la que Pink Floyd alcanza los primeros puestos en las listas europeas.

Al año siguiente publican uno de sus mejores discos, ‘Meddle', un resumen del estilo musical de Pink Floyd. También publican una recopilación de sus mejores temas, bajo el título de ‘Relics'.

En 1972 editan la banda sonora de su segunda película 'La Vallee'. El título del disco: 'Obscured By The Clouds'.

En 1973 terminan la grabación de un nuevo álbum. El resultado: 'The Dark Side Of The Moon', seguramente el mejor disco de Pink Floyd, con más de treinta millones de copias vendidas, batiendo todos los records de permanencia en las listas de éxitos, con más de diez años de éxito continuado. El disco estaba lleno de efectos de sonido y canciones que abordaban la temática del hombre presionado por la sociedad, que le lleva al borde de la locura. Fue número uno en Estados Unidos y número dos en Inglaterra y su tema más representativo, 'Money'. Realizaron una gira apoteósica con un ingente despliegue de luces y sonidos como no se recuerdan en la historia de los conciertos en directo.

En 1975 publican un nuevo éxito: 'Wish You Were Here', un homenaje a su antiguo compañero Syd Barret, con el tema estrella 'Shine On Your Crazy Diamond', compuesto por Roger Waters.

Un año después publican 'Animals', con el que Roger Waters comienza a ejercer como líder del grupo, imprimiendo su carácter en muchos de los temas.

Pink Floyd

Después de varios discos en solitario de sus miembros, y cuando parecía que el efecto de los Pink Floyd se desvanecería con la entrada de la nueva década, publican a finales de 1979 un nuevo doble: 'The Wall'. El disco trata la historia del fracaso de una estrella del rock. El disco fue número uno en Estados Unidos durante quince semanas.

'The Wall' fue uno de los últimos discos de los Pink Floyd. Las diferencias entre los miembros del grupo y el papel predominante que comenzó Roger Waters terminó con la separación, aunque todavía tuvieron tiempo de publicar en 1983 'The Final Cut', el último disco con Roger Waters y con la ausencia de Richard Wright.

Con la formación compuesta por Gilmour, Mason y Wright han editado 'A Momentary Lapse of Reason' (1987), 'Delicate Sound of Thunder' (1988), 'The Division Bell' (1993) y 'Pulse' (1994)

Roger Waters, por su parte, ha publicado, entre otros, 'The Pros and Cons of Hitch Hinking' (1984), 'Radio KAOS' (1987) y 'Amused to Dead' (1992).

HISTORIA

Banda inglesa de Rock Sinfónico cuya música logró una profundidad y majestuosidad sin precedentes, gracias a esosálbumes plenos de misticismo, brillantez instrumental y excesos artísticos.

El grupo ha tenido diversas formaciones através de su historia, destacando como miembros principales el cantante y letrista Jon Anderson , el bajista Chris Squire , el guitarrista Steve Howe , el pianista Rick Wakeman y el baterista Alan White .

El grupo se forma en 1968 presentando un rock bastante original con influencias de folk y jazz pero también incluyendo detalles de música clásica. Sus primeros discos presentan piezas cortas que presagian la vanguardia que llegará después. En esta época el guitarrista era Peter Banks y el baterista Bill Bruford (Futuro miembro de King Crimson ).

Para 1970 el grupo inicia su etapa de florecimiento artístico, teniendo una aportación definitiva para el nacimiento del Rock Sinfónico. A partir de ese momento escriben suites y sinfonías divididas en “movimientos” plenas de virtuosismo, en lugar de piezas cortas. LLegan discos definitivos como Fragile, Close to the edge, Tales from Topografic Oceans y Relayer. (Durante este último contaron con la presencia del pianista Patrick Moraz substituyendo a Wakeman).

En 1978 el grupo se ve confrontado con las nuevas tendencias de rock que proponían cánones estéticos opuestos a los que Yes desarrollaba, por lo que muchos de los nuevos músicos empezaron a consideralos caducos, llamándoles “dinosaurios”. Ante esta situación el grupo trató de adaptarse a los nuevos tiempos terminando por desintegrarse en 1980.

Un nuevo proyecto de Squire y White con el guitarrista sudafricano Trevor Rabin provoca la reintegración de Yes en el año de 1983. Vinieron dos discos muy exitosos; 90125 y Big Generator, en los que el grupo desarrolló un Rock FM con tendencia progresiva. Gracias a Rabin, Yes logró superar el cambio de década. Durante esta etapa el tecladista fue Tony Kaye .

Esta fórmula se agotó en 1989 cuando la nostalgia llevó a Anderson , Bruford , Wakeman y Howe a volver a trabajar juntos. Sin embargo, una demanda judicial les niega el derecho a utilizar el nombre de Yes, que los miembros restantes retuvieron. Durante un breve periódo “fantasma” exisitieron dos bandas que bien podrían llamarse “Yes”. Todo el lío terminó en 1991 con la fusión de ambos grupos, en el disco “Union”.Hubo dos regresos más: En 1994 resucita la formación que incluía a Trevor Rabin , y en 1996 la formación clásica de Anderson, Squire, Howe, Wakeman y White. Los discos más destacados de estas época reciente son, por mucho Keystudio (1997) y Magnification (2001), aunque el quinteto nunca pudo igualar aquel viejo estilo sinfónico de los años setentas. Actualmente el grupo continúa activo y pudiera dar una última sorpresa.

En Estudio :Yes (1969) Time and a Word (1970) The Yes Album (1971) Fragile (1972) Close to the Edge (1972) Tales from Topographic Oceans (1974) Relayer (1974) Going for the One (1977) Tormato (1978) Drama (1980) 90125 (1983) Big Generator (1987) Anderson Bruford Wakeman Howe (1989) Unión (1991) Talk (1994) Keys to Studio (1996-1997) Open Your Eyes (1997) The Ladder (1999) Magnification (2001)

Compilaciones En Vivo y Conciertos :Yessongs (1973) Yesshows (1980) 9012Live: The Solos (1985) An Evening of Yes Music Plus (1994) Keys to Ascension (1996) Keys to Ascension 2 (1997) House of Yes: Live from House of Blues (2000) The Word Is Live (2005) Compilaciones en Estudio :Yesterdays (1974) Yesyears (1991)Symphonic Of Yes Music (1993) In A Word: Yes (1969-...) (2002) The Ultimate Yes (2004)

Discografía :

Led Zeppelin fue una banda de música rock inglesa fundada en 1968 por el guitarrista Jimmy Page. Con la inclusión en el grupo de John Paul Jones como bajo -al que Page conocía de trabajos anteriores con The Yardbirds-, la adhesión del vocalista Robert Plant y de John Bonham a la batería -que coincidió con Plant en The Band of Joy-, quedó formado el que sería uno de los más influyentes grupos de la historia del rock, fundadores del hard rock e incluso del heavy metal. Además incluyó elementos de un amplio espectro de influencias, como blues, rockabilly, soul, funk, celta, música india, árabe, folk, country, e incluso latina.

Más de 25 años después tras la disgregación de la banda, en 1980, la música de Led Zeppelin continúa vendiéndose, disfruta de una amplia difusión radiofónica, y ha demostrado ser una de las bandas más influyentes en la música rock moderna[cita requerida]. Hasta la fecha, la banda ha vendido más de 300 millones de álbumes en el mundo, incluidos 109 millones de ventas sólo en Estados Unidos.

Led Zeppelin se formó a finales de 1968, cuando Jimmy Page, que ya tenía cierta reputación en Inglaterra por su labor como sesionista de estudio y por ser el último guitarrista de la banda The Yardbirds buscaba nuevos músicos para su proyecto The New Yardbirds, surgido a partir de la disolución de The Yardbirds . El nombre de la banda surgió a raíz de un mal chiste de Keith Moon en una sesión de grabación de un tema de Jeff Beck en el que participaban Jimmy Page, John Paul Jones, Keith Moon y Jeff Beck. El nombre surgió en un principio como Lead Zeppelin, pero a recomendación de Peter Grant, el mánager de la banda, se suprimió la a de Lead para evitar problemas de pronunciación por parte de los norteamericanos (las vocales ea se pronuncian como una i en el inglés de Norteamérica).

Su primer disco fue editado en 1969, llamado también Led Zeppelin. Fue grabado en apenas una semana (grabado, mezclado y editado) en los estudios Olympic de Londres en octubre de 1968, empleando apenas 30 horas de estudio y sin casi horas de ensayo, ya que tenían los temas preparados desde la pequeña gira escandinava en la que aún eran The New Yardbirds. Al principio, el público británico no respondía muy efusivamente al lanzamiento del álbum y las explosivas actuaciones que lo siguieron, un hecho que provocó que la banda dejara de publicar singles en Inglaterra, pero tras embarcar en su primera gira norteamericana, el álbum tuvo un éxito inmenso en crítica y público, sobretodo en Estados Unidos. Su segundo disco, Led Zeppelin II los consagró definitivamente, llegando al número 1 en las listas británica y estadounidense (destronando al Abbey Road de The Beatles) y permaneciendo allí durante siete semanas, probablemente gracias al éxito de temas como Whole LottaLove.

Tras éste y su tercer disco, Led Zeppelin III, algunos acusaron al grupo de no ser más que un montaje comercial, debido al carácter íntimo y acústico de las canciones contenidas en dicho álbum. La banda entera y sobretodo Page se tomó personalmente estas críticas, lo que provocó que su cuarto trabajo, en su edición original, no tuviera título ni nada que permitiera identificarle, a excepción de cuatro extraños símbolos, o runas, uno para cada miembro de la banda. Era el año 1971. Este álbum, llamado comúnmente Led Zeppelin IV, fue el LP más vendido de la banda (actualmente está en la ubicación nº 4 de los álbumes más vendidos de la historia según la RIAA), y destaca su éxito más grande Stairway ToHeaven, además de clásicos de la banda como Black Dog, Rock and Roll, y When The Levee Breaks, de la cual destaca el imponente sonido atronador y pesado de la batería de John Bonham.

Su siguiente disco, Houses of the Holy (álbum) supone una nueva idea en el grupo, mezclando diversos estilos musicales, blues, rock, folk, e inclusos matices reggae. Como siempre, el álbum causócontroversia entre los críticos a pesar de tener excelentes ventas. Para sentirse más cómodos en la grabación de sus álbumes, Led Zeppelin crean en 1974 su propio sello discográfico Swan Song. A partir de ahora la banda hace todas sus grabaciones bajo este sello.

LED ZEPPELINLED ZEPPELIN

En 1975 se publica Physical Graffiti (álbum), el primer trabajo concebido desde Swan Song. Se trataba de un álbum doble que además de contener piezas nuevas como la impresionante Kashmir, incluía material descartado de álbumes anteriores. Éste álbum es considerado de los mejores de la banda, probablemente por la cantidad y diversidad de temas. 1975 supusó la coronación de Led Zeppelin como la mejor banda de rock de la historia tanto por la crítica como por la propia banda, cuyas actuaciones en directo en este año fueron apoteósicas y multitudinarias. Sin embargo, el acelerado ritmo de trabajo de Led Zeppelin se vio interrumpido cuando en el verano de ese mismo año Robert Plant sufrió un grave accidente automovilístico en la Isla de Rodas, que fue seguido por una difícil y larga recuperación que se extendió aproximadamente un año, 1976.

Es en este año en el que se prepara a toda velocidad el siguiente trabajo de la banda, Presence(álbum), grabado en la ciudad de Munich, caracterizado por no tener ninguna canción acústica y sin el uso de ningún teclado. Es un álbum marcado por el estado convalesciente de Robert Plant, quien grabósus tomas vocales postrado en una silla de ruedas o en muletas.

Posterioremente editaron su primer disco en vivo, The Song Remains The Same (álbum), banda sonora de la película del mismo nombre, la cual muestra unas actuaciones de 1973 en Nueva York que finalizaron una gira estadounidense, mezcladas con unas escenas de fantasía ideadas por la propia banda.

Tras volver a los escenarios en 1977, de nuevo Robert Plant vuelve a verse afectado, esta vez por la muerte de su hijo Karac Pendra de seis años, a causa de una infección estomacal, hecho que marcóprofundamente a Plant, llegando a plantearse su continuidad dentro de la banda. Sin embargo, Robert recapacita y en 1978 la banda vuelve al estudio, concretamente a Estocolmo para grabar el que sería inesperadamente su último álbum de estudio, In Through the Out Door (álbum).Desgraciadamente, de nuevo encontraban problemas para terminar el álbum, ya que por aquel entonces, Jimmy Page y John Bonham se encontraban en un estado de adicción a las drogas y el alcohol respectivamente, un hecho que hace In Through the Out Door (álbum) el único álbum de Led Zeppelin que contiene los primeros y únicos temas de la banda en los que no figura Page como autor.

En la gira de Led Zeppelin en 1979 se vio por primera vez a unos Zepp no tan concentrados en la improvisación (era un rasgo bastante característico de su compenetración como banda en directo), y más centrados en las canciones en sí. La banda había llegado a un estado de madurez, tanto a nivel compositivo como a nivel personal, habiendo apartado ya la mayoría de sus excesos, reemplazándolos por profesionalidad. Por aquel entonces eran de las únicas bandas capaces de llenar un estadio frente al fracaso comercial de las bandas punk rock surgidas entonces.

Con la llegada de 1980 Led Zeppelin vuelve a las grandes giras europeas, anuncian una nueva gran gira por Norteamérica ese año, que por desgracia nunca puede ser realizada, ya que el día 25 de septiembre muere John Bonham en la casa de Jimmy Page en Mill Lane por una intoxicación etílica tras ingerir una gran cantidad de vodka con naranja en una fiesta. Después de este suceso se especula sobre un posible sustituto para reemplazar la batería, pero al final todos deciden que Led Zeppelin no podía seguir existiendo sin uno de sus miembros.

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