Las vanguardias

Bloque 3

Berthe Morisot

Introducción El escándalo de los Impresionistas Louis Leroy fue un crítico de arte que consideró insultante un cuadro de Claude Monet llamado “impresión: sol naciente” en el que se representaba un pequeño disco solar que brillaba entre las brumas en un amanecer portuario en la exposición organizada en el taller del fotógrafo Nadar en 1874. Además de este cuadro habían otros de autores como Sisley, Pissarro, Eduard Manet, Berthe Morrisot, Renoir, Cezanne, entre otros. Este será el comienzo público de una nueva de entender el arte.

En 1874 estos autores rompieron la costumbre de Los salones oficiales donde se guardaba “la Verdad Artística”. Los academicistas defendían el buen hacer del arte, defendían sus pautas artísticas clásicas como las únicas válidas en nombre del buen Arte. Este “arte” ya había sido puesto en entre dicho con el Realismo Social representado por autores como Millet Daumier y Coubert, amenazándo ya un tiempo antes ese

buen hacer que defendían críticos como Louis Leroy, los “ataques pictóricos” que estaban comenzando a surgir en contra del buen arte iban a marcar las pautas de una nueva visíón artística.

Jean -Françoise Millet “el ángelus” 1859

Honoré Daumier “ el vagón de tercera clase” 1864

Lo artístico y lo social ¿El impresionismo trato de socavar el orden artístico? a ¿es el inicio del arte contemporáneo? ¿se podría decir que el siglo XX empieza en el campo de las artes plásticas en 1874? Es difícil separar las relaciones entre arte y sociedad, como realidades distintas que se relacionan pero que están separadas la una de la otra, o que la una es el reflejo de la otra. Más bien deberíamos analizar lo artístico como parte fundamental de lo social, ya que el arte es un organismo de la sociedad.

¿Quién era el público del arte el último cuarto de siglo XIX? Era un número reducido de personas pertenecientes a las élites burguesas y aristocráticas, grupos que sus gustos no coincidían con las obras que pintaban estos nuevos creadores impresionistas. Abandono del taller: pintar a “plen air” Lo que se representaba en estos nuevos cuadros no era contar historias, no se exaltaban actitudes, no daba una visión pictórica de un acontecimiento ni Relato, los temas representados eran cotidianos, una calle por ejemplo como esta obra de Camille Pissarro de una calle de París pintado allá por 1898.

Un paseo en barca como este de Édouard Manet, una estación de ferrocarril o unas damas en el jardín o este “campo de amapolas” de Mary Casatt serán los temas representados por estos pintores. El estilo grandilocuente y retórico da paso a un modo de representar cotidiano y simple. El pintor se olvida de su estudio, sale a pintar al aire libre y pinta lo que ve y cuando lo ve, sólo le interesa el presente, aquello que ocurre en el mismo momento en el que está frente al lienzo. Los artistas abandonan progresivamente el encargo para ser en sentido estricto: autor de su obra y no sólo un mero individuo con habilidad manual.

En el siglo XIX o XX el “tiempo” se dinamiza, y el ritmo de la vida ha variado sus constantes. La necesidad de que el pintor sea autor de su propia obra responde y participa de ese cambio, y por consiguiente no sólo el tema varía sino también se introduce una nueva expresión plástica, la transformación no se queda sólo en el qué se dice si no en el cómo se dice.

Por ejemplo una crucifixión Románica s. XII y una del Barroco s. XVII poco tienen que ver en su contenido, ambas denotan una misma concepción de ver el mundo, de la realidad social en sus aspectos místicos, relaciones de poder, no se puede separar la forma del contenido.

En este sentido, el impresionismo no sólo aporta una nueva concepción iconográfica de la realidad , si no una distinta visión plástica de la misma. Podemos decir que por primera vez en la historia d la creación plástica el artista ve por sus propios ojos y transmite una realidad no manipulada. El pintor no construye una “escena” simplemente transmite lo que ve en ese momento.

El impresionista sale al campo, “a plein air” en Busca de aquello que le sugiere o le produce un placer estético y lo pinta. Lo hace con rapidez sin Preocuparse demasiado de las estructuras que Ordenan el color, el dibujo, si buscar armonizar las Combinaciones y mezclas cromáticas, de eso ya Se encargará la retina. La pincelada es rápida, no Demasiado larga y los colore puros. Su visión rápida No le permite ver los detalles, son manchas de color Que insinúan la realidad. Se dice que estos autores se encandilaban con las Teorías científicas de Chevreul sobre la luz y el color. Entre el pintor y la realidad sólo está el lienzo, el Transcurrir del tiempo y los efectos del mismo. El pintor impresionista sea captar el tiempo a través De la luz cambiante que transforma el cromatismo Como hace Monet en la catedral de Rouan

El color: descubrimiento de una técnica en sí Los descubrimientos técnicos relacionados con la descomposición de la imagen en colores primarios nos remite directamente con la técnica usada por los impresionistas. Los impresionistas aprendieron mucho de uso del color estudiando la obra de Delacroixe. Este autor hacía un sorprendente uso del contraste entre colores complementarios, es decir, Colores opuestos en el círculo cromático, llegando a abandonar el uso de tonos terrosos. Los impresionistas añadieron el uso del blanco como fuente de luz y las sombras las consiguieron abandonando el uso del negro para oscurecer (tan usado en la pintura academicista) y sustituyéndolo por la yuxtaposición de tonos puros.

“La libertad guiando al pueblo” Eugène Delacoix 1830

“La muerte de Sardanápalo “ Eugène Delacroix 1827

“Los convulsionados de tanger” Eugène Delacorix 1838

Técnica del puntillismo o divisionismo En 1885 Pissarro (uno de los principales pintores impresionistas) se topó con el trabajo de dos pintores Seurat y Signac. Ambos estudiaban un uso del color de manera particular, consistía En una técnica que se basaba en la aplicación de pequeñas pinceladas yuxtapuestas de colores

puros, para ello se requería hacer un estudio previo de las combinaciones de colores más adecuadas dependiendo de los efectos que se querían conseguir.

“Palacio de los papas “ Paul Signac . 1900

“Retrato de Félix Fénéon” Paul Signac 1890

“El pino de St. Tropez” paul Signac 1909

”Un domingo por la tarde en la isla de La Grande Jatte” George Seurat 1884-1886

“ Un baño en Asnières” George Seurat 1884

“Boulevard de Montmartre” Camille Pissarro, 1897

El color en sí no existe, es el resultado del efecto que ejerce la luz sobre los objetos. Depende del material que componen los objetos sean naturales (árbol) o Artificiales, la luz generará un efecto u otro que los distinguirá por su tonalidad. Por ejemplo, si tomamos un prisma de cristal y lo ponemos a la luz, veremos que lo atraviesa un haz de luz blanca, que dentro del prisma de cristal se descompone en diferentes colores, los colores del arco-iris, cada color tiene Una longitud de onda, es decir como una medida diferente, así pues Cada objeto atrapa o refleja una longitudes de onda, y éstas reflejadas serán Las que le den el color resultante al objeto.

Análisis del color: Mezclas sustractivas y aditivas. El color luz y el color pigmento

COLOR LUZ Si descomponemos la luz Al pasar por el prisma, Observamos las diferentes Longitudes de onda. Los tres Colores primarios del color Luz son el rojo anaranjado, El verde y el azul violeta.

MEZCLA ADITIVA Si hiciéramos girar a una gran Velocidad estos tres colores, Al superponerse los tres Obtendríamos el color blanco. Al mismo tiempo observamos Que al unir dos a dos obtenemos otros tres colores, el amarillo, el cian Y el magenta, es decir los colores secundarios del color luz.

COLOR PIGMENTO El color pigmento, es color creado por El hombre. A partir de él obtenemos toda Clase de pinturas que se utilizan tanto Para pintar un coche, una casa o Un cuadro. Los colores primarios del color pigmento Son: el cian, magenta y amarillo, NO SE DEBE CONFUNDIR CON EL COLOR LUZ MEZCLA SUSCRACTIVA Si mezclamos los tres colores primarios En la misma cantidad exactamente, Obtendremos el color negro.

Colores primarios

Los colores primarios son el magenta,

Cian y amarillo.

Los colores secundarios son el resultado de la mezcla de estos tres

Cian + magenta = violeta

Cian + amarillo = verde

Magenta + amarillo = naranja

Pintura. Claves estéticas y temáticas del simbolismo relacionado con el erotismo, drogas y el satanismo.

Odilon redon

El romanticismo rompe con el clasicismo “artificial” de periodos anteriores, es un arte reaccionario en el nombre de la naturaleza y la razón. Este carácter “reaccionario” marcará también al realismo. Charles Baudelaire en 1846 reivindicó obras pictóricas que expresaran el heroísmo de la vida moderna. Así pues su amigo Courbet elaboró una serie de obras consideradas “vulgares” y carentes (ante los ojos de la sociedad del momento) de contenido espiriutal, a lo que él replicó: “ no puedo pintar un ángel porque nunca lo he visto”. Para el autor realista el artista debe apoyarse en su experiencia directa. También el preimpresionista Manet, basó su obra en la provocación como “reacción”, eso sí, de manera muy Sutil en lo referente a la técnica para Ser un iniciador del impresionismo Pero no tan sutil con alguna temática Gustave Courbet “los picapedreros” 1849

En la obra “almuerzo sobre la hierba” de 1863, Manet realiza un tributo a Courbet, una pintura campestre, tema tan habitual en la pintura academicista salvo por el detalle del tratamiento de las figuras, en medio de hombres vestidos de gris y negro, una muchacha sentada con ellos, desnuda, provoca en la opinión pública una ofensa para la moralidad. Así pues, este carácter reaccionario continuará también con los Simbolistas,

Los Impresionistas y durante las siguientes vanguardias. La “reacción” es un cambio, una ruptura Con lo “habitual”, una respuesta a unas necesidades plásticas que a partir de del siglo XIX y en Adelante desarrollarán una nueva concepción de la expresión artística.

“Mujeres jovenes al borde de la mar” Puvis de Chavanes 1879

El Simbolismo es un movimiento literario y de artes plásticas que se originó en Francia en la década de 1880, paralelo al post-impresionismo, y que surgió como reacción al enfoque realista implícito en el Impresionismo. Tanto el Impresionismo, como el idealismo y el naturalismo académico se habían identificado con los problemas contemporáneos, políticos, morales e intelectuales. Los artistas de 1885 disgustados por la incapacidad de la sociedad para resolver estos problemas buscaron nuevos valores basados en lo espiritual. Desean crear una pintura no supeditada a la realidad de su momento, rechazan lo que trae consigo la vida diaria, la aglomeración, la actividad industrial y la degradación.

Los simbolistas consideran que la obra de arte equivale a una emoción provocada por la experiencia. Tratan de exteriorizar una idea, de analizar el yo. Les interesa la capacidad de sugerir, de establecer correspondencias entre los objetos y las sensaciones, el misterio, el ocultismo. Sienten la necesidad de expresar una realidad distinta a lo tangible y tienden hacia la espiritualidad. El símbolo se convierte en su instrumento de comunicación decantándose por figuras que trascienden lo material y son signos de mundos ideales y raros. Hay una inclinación hacia lo sobrenatural, lo que no se ve, hacia el mundo de las sombras.

Gustave Moreau “poeta muerto llevado por un centauro 1890

Gustave Moreau “La aparición “ 1876 Tema religioso Que contrasta con La figura de Salomé erótica y sensual en un contexto religioso

La revelación de Freud acerca de la vida de los sueños y la existencia de una parte irracional en lo humano es aplicada al programa simbolista reivindicando la búsqueda interior.

Cultivarán el subjetivismo, el antirracionalismo y aflorará el interés por el cristianismo y las tradiciones diversas. Estudian la ambigüedad, la belleza hermafrodita, lo andrógino, la mujer fatal que destroza cuando ama, lo femenino devorador. La mujer brota del mundo del inconsciente y para huir de la realidad adopta forma de esfinge, de sirena, de araña o de genio alado. Los seres que aparecen en ese mundo de sueño serán incorpóreos

Prestan especial atención a la forma, pero la ponen al servicio de unos ideales que van más allá de la pura apariencia. Plasman sus sueños y fantasías por medio de la alusión al símbolo y a una rica ornamentación. A veces utilizan colores fuertes para resaltar el sentido onírico de lo sobrenatural. Puede decirse que es una pintura de ideas, sintética, subjetiva y decorativa. Los precursores de esta nueva pintura son Gustave Moreau, Puvis de Chavannes y Odilon Redon.

Puvis de Chavannes. “María Magdalena en el desierto”. 1869

Odilon Redon. El interés por el inconsciente, lo onírico y lo fantástico se hace patente en su temática. Su obra se puede dividir en dos partes, una en blanco y negro y otra en color. Para él, el negro era el príncipe de los colores. La araña sonriente, El sueño acaba con la muerte o El ojo como un globo extraño se dirige hacia el infinito son algunos ejemplos. Esta última es un precedente claro del surrealismo. El tema del ojo permite la conexión con los surrealistas, aunque también es una actitud simbolista. En sus litografías aparecen metáforas a obras de escritores como Edgar Alan Poe, Baudelaire o Flauvert.

“Ojo- Globo”, Odilon Redon 1878, obra realizada A partir de un poema de Edgar Allan Poe

Con series de litografías como "Los Orígenes" de1883, homenaje a Darwin, y el mismo "Homenaje a Goya" de 1885,Redoncomienza a ser considerado como una de las grandes figuras de la representación fantástica.

“La pesadilla” y “el hombre cactus” 1884

“El pólipo deforme vagaba por las riberas, cual suerte de cíclope sonriente y horrible” (1893).

“Cíclope” 1898-1900.

Figura, 1876 Técnica pastel

" Ophélia y las flores " 1905-08

Influencia del simbolismo en el arte posterior:

El simbolismo no puede definirse como un estilo unitario, sino como un conglomerado de encuentros pictóricos individuales que supera nacionalidades y límites cronológicos. En esta línea podemos encontrar figuras tan dispares como Van Gogh, Gauguin, Klimt o Munch. El simbolismo derivará en una aplicación bella y cotidiana de profunda raigambre en el arte europeo de finales del S. XIX y principios del S. XX, el Art Nouveau.

impresionismo

Precedentes Impresionismo:

Corot y la escuela de Barbizon

Los impresionistas habían tenido un precedente en Camille Corot y en la Escuela de Barbizon. Corot tuvo un importante papel en la formulación del Impresionismo, porque renunció a muchos de los recursos formales renacentistas prefiriendo concentrar su atención en espacios más planos, más sencillos y en superficies más luminosas. Y, aunque a diferencia de los impresionistas nunca llegó a fragmentar la luz en sus componentes cromáticos y siempre organizó y simplificó sus formas para conseguir una cierta composición clásica, también usó con frecuencia una elevada clave tonal así como, en términos generales, un frescor y una espontaneidad nuevos en el Salón oficial.

Corot :Ville d’Avray (c. 1867). Óleo sobre tela

Corot :El estanque de Ville-d'Avray,

Impresionismo “revolución de las manchas de color” Con el nacimiento de la fotografía surge un nuevo estilo que de alguna manera es un desafío Ante la competencia de la máquina fotográfica. Manet insistió en que “ la tela pintada es, por encima de todo, una superficie material cubierta con pigmentos, que debemos mirar a ella, no a través de ella”.

La palabra “Impresionismo”, en tanto que utilizada para referirse a un movimiento artístico, tiene un origen muy concreto, que se remonta al año 1874. En efecto, en abril de ese año un grupo de artistas funda una «Sociedad anónima cooperativa de artistas pintores, escultores, grabadores, etcétera». Lo que estos artistas tenían en común era su desprecio por el arte tradicional oficial en favor de nuevas formas de expresión artística mucho más innovadoras. Tenían en común que sus obras habían sido reiterada y casi sistemáticamente rechazadas por los distintos jurados de tendencia conservadora de las muestras oficiales del Salon.

Ese grupo de artistas, encabezados por Monet, Renoir, Degas, Pissarro, Sisley y Morisot

El 15 de abril de 1874, en un local cedido por el fotógrafo Nadar abrió sus puertas al público la primera exposición de este grupo de artistas. Monet expuso, entre otras obras, una vista del puerto de El Havre, con el sol entre las brumas del amanecer, y algunos mástiles de barcos. La respuesta del público y de la crítica ante la muestra fue implacable: insultos, mofas, una auténtica humillación pública para los artistas. El 25 de abril un crítico llamado Louis Leroy publicó un artículo en la revista Charivari que tuvo mucha repercusión y que se titulaba: «Exposición de los Impresionistas». El artículo era demoledor con los artistas y sus obras, y de ahí en adelante el término “Impresionismo” se extendería para referirse a la concepción del arte de este grupo de artistas, que pasaron a ser los impresionistas.

Otra característica (por influencia de la fotografía y del grabado japonés) es que el Impresionismo busca captar en las obras la temporalidad, la apariencia fugaz del fenómeno que quieren representar. Ya se trate de un paseante, de un campo de amapolas o de la atmósfera cambiante frente a la fachada de una catedral, lo fundamental es lo que el artista percibe y cómo se siente frente a lo que percibe. En palabras de Pissarro, se trata de «no proceder según reglas o principios, sino pintar lo que se observa y lo que se siente». En consecuencia, el Impresionismo deja de lado el enfoque tradicional que exigía al artista contar una historia o transmitir un mensaje de tipo moral. Una exigencia adicional de este afán por captar instantáneamente momentos fugaces de motivos cotidianos era la de pintar «au plain air»», al aire libre

La descripción de la forma, relegada a segundo plano y dejada a manos del dibujante y no del pintor queda subordinada a la definición de las condiciones particulares de iluminación

Camille Pissarro “ Camino de Versalles” 1871

Por eso los artistas impresionistas buscarán condiciones pintorescas de iluminación como retos a su genio, recurriendo a iluminaciones de interior por luz artificial —como Edgar Degas y sus bailarinas—, la iluminación natural filtrada —como Auguste Renoir y la luz pasando entre hojas de árboles— o la iluminación al aire libre con reflejos en el agua o multitudes de gente como Claude Monet. La pintura pasa a ocuparse de aquello que le es intrínseco: la luz y el color y en ningún caso a la descripción formal del volumen heredada del clasicismo; así las formas se diluyen, se mezclan o se separan de forma imprecisa dependiendo de la luz a la que están sometidas, dando lugar a esa «impresión» que le da nombre al movimiento.

Édouard Manet

En su Almuerzo sobre la hierba Manet presenta un bodegón. Pese a que las figuras representadas son humanas, el autor trabaja el cuadro como si fuera una naturaleza muerta. Esto se evidencia por la ausencia de conexión de unos personajes con otros, tres personajes van vestidos mientras que el cuarto está desnudo; las miradas nunca se encuentran aunque haya un personaje hablando y la disposición en primer (cesta y comida), segundo (grupo) y tercer término (mujer en el agua) es meramente compositiva. Este trabajo influenciará a los impresionistas en la desatención del modelo y de la narración.

Édouard Manet Un autor clave entre los precursores del movimiento impresionista es Édouard Manet. Dos de sus obras son esenciales en la comprensión de su influencia sobre el grupo.

Por otra parte El bar del Folies-Bergère evidenciará el deseo de tratar los fenómenos lumínicos al introducir un espejo al fondo que refleja toda la profundidad de la sala y las grandes lámparas de araña, iluminación artificial que crea una luz difusa y menos directa y, por tanto, más difícil de pintar, recordándonos a las escenas festivas de Renoir.

“En la barca” 1874

“Pareja en el Père Lathuille” 1879

« La casa de Rueil » 1882

“La primavera”, detalle 1881

Claude Monet

Oscar-Claude Monet fue un pintor francés, uno de los creadores del impresionismo. El término impresionismo deriva del título de su obra Impresión, sol naciente (1872) Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de estilo realista. Monet logró exponer algunas en el Salón de París. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias de arte, empeoró su situación económica a la vez que afianzó su decisión de continuar en ese azaroso camino. En la década de 1870 formó parte de las exposiciones impresionistas en las cuales también participaron Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. Su obra Impresión, sol naciente formó parte del Salon des Refusés de 1874. Su carrera fue impulsada por el marchante Paul Durand-Ruel, pero a pesar de esto su situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados de la década de 1890. En esta época, Monet desarrolló el concepto de las «series», en las que un motivo es pintado repetidas veces con distinta iluminación. Al mismo tiempo comenzó a trabajar en el famoso jardín de su casa en Giverny con estanques de nenúfares que luego utilizó como motivo para sus pinturas.

“Baño en la Grenoullerè” 1869

“Casa del pescador”

“Jardín en Saint Andresse” 1867 “Molinos en Guiverny”

“Paisaje en Port-Villez2, 1885

Pissarro

Jacob Abraham Camille Pissarro, más conocido como Camille Pissarro fue un pintor impresionista, y se le considera como uno de los fundadores de ese movimiento. Se le conoce como uno de los "padres del impresionismo". Pintó la vida rural francesa, sobre todo los paisajes y las escenas en los que aparecían campesinos trabajando, pero también escenas urbanas en Montmartre. En París tuvo como discípulos a Paul Cézanne, Paul Gauguin, Jean Peské y Henri-Martin Lamotte. Pissarro fue asimismo un teórico de la anarquía, y frecuentó con asiduidad a los pintores de la Nueva Atenas que pertenecían a ese movimiento. Compartió esa posición con Gauguin, con quien luego tuvo relaciones tensas..

“La casa de los campesinos” 1887 “Los campos de centeno “1887

“Los O’Jays” 1879

Sisley

Alfred Sisley fue un pintor impresionista francobritánico. Entre 1872 y 1880 realizó lo mejor de su producción: paisajes de gran espontaneidad de los alrededores de París, de Marly, Louveciennes, Bougival, Sèvres, Saint-Cloud o Meudon. Paisajes soleados que contrastan con sus célebres inundaciones de Marly, en las que no pierde igualmente su connotación intimista y poética. Nunca alcanzó el renombre de la mayor parte de sus compañeros impresionistas y vivió en la miseria a partir del momento en que dejó de recibir la ayuda económica de su acomodada familia. Esta situación se produjo a causa del hundimiento del negocio familiar en 1871. Falleció como había vivido, en la pobreza, antes de poder contemplar como sus cuadros, que en angustiosos momentos de penuria había vendido a precios irrisorios, al poco de su muerte comenzaban a ser apreciados por la crítica y el público y alcanzaban elevadas cotizaciones en el mercado artístico.

“ el puente” 1872 “Inundación en Port Marly” 1872

“Pueblo a orillas del Sena”

Berthe Morisot

Berthe Morisot fue una rebelde y valiente pintora Impresonista. Se saltó las normas convencionales de las mujeres decentes, para lograr su meta: PINTAR Educada junto a su hermana en una familia acomodada amante del arte, la poesía y la música, recibieron en un principio una enseñanza artística convencional dentro de los límites del academicismo, pero enseguida ambas hermanas salieron a pintar al aire libre par captar esos efectos de la luz y los juegos de luces y sombras como hacían algunos pintores en esos momentos. Su primer profesor de pintura al aire libre fue Camille Corot. Berthe fue colega y amiga de Manet, trabajaron muchas veces influyéndose el uno al otro retratándose ambos en numerosas obras. Morisot entró en el grupo de Monet, Renoir, Pissarro y Siley. Fue uno más y al unirse a ellos perdió su prestigio como pintora y “señorita decente”. Partició en casi todas las exposiciones del grupo excepto en la de 1876. La técnica de Morisot es particular, su pincelada suelta es una característica en su obra, el juego de líneas que dan forma y volúmenes a los cuerpos y las sombras dotn de frescura e inmediatez a sus obras

“Tendiendo” 1881

“Mujer arreglándose”, 1875 “Manet y su hija en el jardín”

“Niñas jugando con barreño de agua”. 1875 “En la terraza” 1884

Mary Cassatt

Mary Cassat Su condición de mujer no ayudó a Mary en la academia de Pennsylvania y decidió abandonarla cansada del trato condescendiente de sus profesores y compañeros. A partir de ese momento decidió estudiar de manera autodidacta la obra de los grandes artistas. Para ello pudo viajar a Europa en 1866 acompañada de varios familiares, entre ellos su madre. París, Italia, España o Holanda fueron algunos de los destinos de Mary, quien pudo observar, analizar y copiar de primera mano las grandes obras del arte europeo. Era una e esas jóvenes estadounidenses de familia rica que buscaron formación artística en Paris. Fue descubierta por Edgar Degas que se convirtió en amigo y compañero de “aventuras artísticas”. El papel de Mary Cassatt en el impresionismo es fundamental: Estaba muy bien relacionada en los círculos norteamericanos Adinerados que visitaban Paris. Así ella fue la que se encargó de “exportar” la obra de los impresionistas a EEUU cuando en Europa aún no eran aceptados. Fue una luchadora de los derechos de la mujer y durante mucho Tiempo se encargó de becar a mujeres jóvenes procedentes de Estados Unidos para estudiar y formarse en Europa.

Edgar Degás, “clase de Danza”, 1883

“Paseo en barca” (1884)

“El te de las cinco” (1880) “Mujer joven en la ventana “ (1883)

“En el palco “ 1879