Las vanguardias artísticas
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LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS HISTORIA DEL ARTE 2º BACHILLERATO
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Presentación en imágenes sobre las tendencias pictóricas de la primera mitad del siglo XX.
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LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS
HISTORIA DEL ARTE 2º BACHILLERATO
1. INTRODUCCIÓN
En el siglo XX los movimientos artísticos no se suceden
ordenadamente sino que se atropellan, se superponen,
desfallecen y resucitan, por lo que es difícil establecer
la secuencia cronológica. Los artistas pasan, a veces, de
una tendencia a otra, o las cultivan simultáneamente
como hizo Picasso.
1.1. Marco histórico
Las primeras vanguardias, llamadas históricas, se
desarrollan desde el comienzo del siglo hasta la
Segunda Guerra Mundial y su devenir queda
condicionado por las cesuras que imponen los
enfrentamientos bélicos.
1.1. Marco histórico
El siglo XX ha sido una etapa de crisis periódicas y de
terribles enfrentamientos bélicos, pero también de
grandes aportes de la ciencia y del pensamiento. En 1902,
Sigmund Freud, publica La interpretación de los sueños que
pone las bases del conocimiento del inconsciente
humano. Unos años más tarde, en 1907, Albert Einstein
define la teoría de la Relatividad, que desmontaba gran
parte de la Física tradicional. A partir de ahí se suceden,
con ritmo incesante, descubrimientos que han
transformado profundamente la vida del hombre y su
concepción del mundo.
1.1. Marco histórico
Desde la óptica artística, los primeros años del siglo, los
de la Paz armada, ven surgir las primeras vanguardias, el
Fauvismo, el Cubismo, el Futurismo y el
Expresionismo.
1.1. Marco histórico
Durante la Primera Guerra los artistas manifiestan su
oposición al hecho bélico a través de la provocación
(Dadaísmo) o de la búsqueda de una serenidad perdida
(Pintura Metafísica).
1.1. Marco histórico
Las vanguardias resurgen del caos de la guerra en los
Felices veinte, se radicalizan en los años Treinta, en el
marco de la crisis económica, y toman partido ante el
enfrentamiento ideológico que antecede a la Segunda
Guerra Mundial. Es el momento de máxima pujanza del
Surrealismo y de la Abstracción.
1.2. Concepto de vanguardia
Etimológicamente, el término procede del francés avant-
garde, que designa, en el contexto militar, a un pelotón
avanzado que realizaba acciones de extrema dificultad. Las
artes adoptaron este término para designar aquellas
tendencias innovadoras que se oponían al academicismo
establecido.
1.2. Concepto de vanguardia
Las Vanguardias artísticas tienen los siguientes rasgos característicos:
Proclaman sus ideas e intenciones mediante manifiestos escritos.
Pretenden destruir la imagen pictórica tradicional. Por eso rechazan las formas anteriores de representación y sus valores de perspectiva, modelado y claroscuro. Niegan que exista un modelo universal de belleza.
Crean nuevos lenguajes artísticos alternativos.
Estos nuevos lenguajes son difícilmente inteligibles y hasta herméticos lo que provoca el divorcio con el gran público, pues exigen de éste un importante esfuerzo intelectual.
Proclaman la autonomía del arte frente a la naturaleza.
Tienen vida efímera pero su influencia pervive en movimientos posteriores.
2. FAUVISMO
Su más claro precedente es Gauguin, debido a su gusto
por el color y las superficies planas. El término fauve
(fiera) fue empleado despectivamente por el crítico Luis
Vauxcelles, para describir la obra de pintores como
Matisse, Derain yVlaminck, que habían expuesto en el
Salón de Otoño de 1905.
2. FAUVISMO
El Fauvismo tuvo una vida efímera, pues tres años más
tarde los componentes siguieron caminos individuales,
aunque su huella fue extraordinaria. Defendían que la
pintura debía seguir el instinto del artista, expresando
sus sentimientos, reivindicando de esta manera la
autonomía absoluta de la obra del arte.
2. FAUVISMO
Las características del Fauvismo son:
Afán decorativo, al que supeditan la línea y el color.
Violencia cromática, utilizando los tonos de forma
arbitraria. Son capaces de pintar, por ejemplo, un rostro verde
o un árbol rojo.
Color aplicado en manchas planas, y desinterés por la
apariencia tridimensional.
Composiciones sencillas, formas poco cuidadas, de apariencia
un tanto primitiva, y frecuentemente de tono amable y
optimista.
2. FAUVISMO
Como obras destacadas se pueden citar Madame
Matisse; Armonía en rojo; La danza; Odaliscas y la
Mujer con sombrero, pintadas por Matisse; El puente de
Waterloo, de Derain; y Arboles rojos de Vlaminck.
Mujer leyendo, de Mattise
Mujer con sombrero, de Matisse
Madame Matisse, retrato de la raya verde,
de Matisse
La danza, de Matisse
Odalisca, armonía en rojo, de Matisse
Puerto de Londres, de Derain
Arboles rojos, de Vlaminck
3. EXPRESIONISMO
El Expresionismo, entendiendo como tal la tendencia a
representar intensamente lo subjetivo del pintor, ha sido
una actitud recurrente en el arte. Toda obra que
expresa el sentimiento íntimo, el estado de ánimo de su
autor, es antecedente del movimiento expresionista,
como las pinturas negras de Goya o la obra de Van Gogh.
3. EXPRESIONISMO
El Expresionismo no constituye, en sentido estricto un
movimiento de vanguardia, pues sus límites
cronológicos y geográficos son imprecisos. Carece
de un centro unitario aunque su ubicación principal es en
Alemania, país cuya tradición expresionista arranca en la
Edad Media.
3. EXPRESIONISMO
Junto al mundo germánico, aportan su contribución al
Expresionismo pintores de procedencia flamenca como
Ensor (autor de grotescas máscaras de carnaval), el
francés Rouault (obras religiosas: Ecce Homo), los
españoles Nonell y Solana (temas de muerte o de toros),
el excelente retratista austríaco Kokoschka (retrato de
Adolf Loos) y, sobre todo, el noruego Munch, cuya obra
El grito (1893) es la que influyó más directamente en el
expresionismo germánico.
3.1. Características
Primacía de la expresión subjetiva del pintor. El arte deja de considerarse una representación para convertirse en manifestación primaria del estado de ánimo, del instinto, de la voluntad.
Manierismo formal que lleva a la deformación, a laexageración, a la distorsión.
Primacía de lo cromático, pero no con afán decorativo sino expresivo, tanto utilizando colores intensos y estridentes, como con colores oscuros, pardos o grises.
Pincelada violenta, empastada, agresiva.
La temática tiende hacia lo prohibido, lo morboso, lo pervertido, lo sexual, lo agobiante… Consideran que la sociedad está enferma y corrompida, y denuncian la alienación dramática que produce en el ser humano el entorno agresivo.
3.2. El expresionismo alemán
El primer grupo expresionista se constituyó en Dresde en
1905, bajo la denominación Die Brücke (El Puente),
influido por Munch. Lo constituían un grupo de
estudiantes de arquitectura, sin formación académica
pictórica, entre los que destacaban:
Kirchner, jefe del grupo, tiene un estilo agresivo, con escenas
urbanas agobiantes, sensación de aislamiento, figuras alargadas,
trazos angulosos... (Cinco mujeres; Retrato de Franzi;
Artilleros).
Nolde, autor de obras religiosas de intensa expresividad, como
La Última Cena.
Heckel, etc.
Melancolía, de Munch
El grito, de MunchExisten cerca de cincuenta copias de esta obra,
pero la versión más importante data del año
1893. Las notas personales del pintor dan
cuenta del momento en que tuvo lugar la
creación de esta obra desgarradora: “Iba
caminando con dos amigos por el paseo – el
sol se ponía – el cielo se volvió de pronto rojo
– yo me paré – cansado me apoyé en una
baranda – sobre la ciudad y el fiordo azul
oscuro no veía sino sangre y lenguas de fuego –
mis amigos continuaban su marcha y yo seguía
detenido en el mismo lugar temblando de
miedo – y sentía que un alarido infinito
penetraba toda la naturaleza.”
El grito, de MunchEl tema de la muerte y la soledad del individuo
frente a ésta fue una constante en la obra de
Munch. Los colores son violentos,
sanguinolentos, anunciando ya la subjetividad
colorista de los expresionistas. La técnica del
cuadro es mixta: óleo, temple y pastel, mientras
que el soporte es cartón.
La cama del difunto, de MunchEl tema de la muerte
ha sido siempre
recurrente en el
pintor noruego. En
esta obra de 1895, el
espectador se suma a
los familiares que
velan al enfermo
gracias a la colocación
plana del lecho. Sobre
la cama todo es luz, a
la izquierda – en
sombras y de frente al
espectador- aparece
la figura femenina de
la muerte. La familia
ora esperanzada, pero
el final es inevitable.
Madonna, de MunchSe sabe que este cuadro de Munch, del que
existen varias copias, fue expuesto en un marco
decorado con espermatozoides. Dentro de la
serie a la que pertenecía – “Plenitud y Muerte del
Amor” - está considerada como una de las obras
maestras de su autor. El rostro de la mujer
aparece inclinado y con los ojos cerrados. La
posición del cuerpo con los hombros hacia atrás,
hace que el vientre pase a un primer plano. La
representación de Munch es erótica, pero también
se refiere al misterio de la maternidad.
Humo del tren, de MunchMunch fue consciente de la
potencialidad del color para
plasmar estados de ánimo. Por
ello, en sus paisajes, siempre
planteaba dicotomías
extremas que sólo la voz
interior del artista podía
contemplar y sacar a la luz. En
un primer plano aparece el
tren, con los tonos oscuros
del humo del progreso, el
infierno de los seres humanos.
En contraposición, hacia la
zona superior, flotan las líricas
imágenes de un lago y un cielo
que se confunden mientras el
sol se hunde en el horizonte.
Calle de Dresde, de Kirchner
La apariencia
espectral de los
transeúntes, en esta
obra de Kirchner,
recuerda por
momentos a los
fantasmagóricos
personajes de
Munch. El pintor no
duda en utilizar la
exaltación cromática
como vehículo para
expresar la amargura
y la impotencia que
le provoca la
sociedad en la que
se encuentra
inmerso.
Bañistas bajo los árboles, de Kirchner
Es éste un tema reiterativo en las primeras
vanguardias, que Kirchner recicló, en el año
1913, probablemente de Matisse: las líneas
verdes que modelan el cuerpo de las bañistas,
por ejemplo, así como las diferentes
posiciones de cada una de las figuras
recuerdan la obra “Lujo y voluptuosidad” del
maestro fauve. Las angulosidades y el
colorido algo más agresivo en cambio, son
propios de la estética expresionista.
Cinco mujeres, de Kirchner
Carnaval en la playa, de EnsorEn esta obra de Ensor
se ponen de
manifiesto tanto la
influencia como la
admiración del pintor
por la obra del inglés
Turner. Es sabido que
durante su estadía en
Londres, en 1886 se
sintió muy
impresionado por la
manera de trabajar la
luz y el color del
maestro londinense.
Los personajes del
paisaje, sin embargo,
siguen siendo las
máscaras del carnaval.
La entrada de Cristo en Bruselas, de Ensor
Dos son los motivos que llevaron a Ensor a la
realización de ésta, su obra maestra: por un lado,
la lectura de “La máscara de los muertos rojos”,
de Edgar Allan Poe, y por otro, el rechazo de la
crítica experimentado en su exposición en
Bruselas. Si bien el pintor belga ya había tratado
el tema de la vida de Cristo en telas anteriores,
esta vez, se tomó casi tres años para encontrar
la imagen definitiva, ayudado, según consta, por la
lectura del “Cristo en Flandes”, de Balzac.
En la tela resalta el tratamiento especial dado a
la perspectiva a través de las cabezas
enmascaradas. Éstas aparecen en primer plano y
se van repitiendo a lo largo del remolino de las
calles, hasta perderse como puntos de color en
la distancia. A través de un gigantesco carnaval,
Ensor expone y critica a toda la sociedad. Se
sabe que Cristo aparece con el rostro de pintor.
La intriga, de Ensor
Personajes, sin rostro,
enmascarados, avanzan
hacia el espectador en
esta obra que reúne todas
las virtudes del pintor
belga. El tratamiento del
color es rico, denso,
empastado, creando
texturas diversas. Hay una
aplicación magistral de la
técnica de las veladuras, es
decir, disponer una capa
muy fina de óleo y luego
otra y así sucesivamente,
dejando que la
transparencia de una
sobre la otra cree el
color.
Máscaras disputándose un cadáver, de
Ensor
Dos personajes
enmascarados
con calaveras se
disputan a un
muñeco que
cuelga del cuello
en medio de la
tela. El resto
contempla la
escena sin
atreverse a entrar.
La sociedad y su
inevitable destino,
la muerte, son los
temas que Ensor
nunca deja de
recordar con sus
grotescas figuras.
La Última Cena, de Nolde
Nolde realiza una serie
de cuadros religiosos
sobre la vida de Cristo,
pero bajo su mirada
expresionista. Las
figuras se encuentran
cinceladas a fuerza de
gruesas y vigorosas
pinceladas. Los tonos
rojizos predominantes
crean una luz de fuego
encendido.
Cristo entre los niños, de Nolde
Esta obra pertenece a
la serie de cuadros
bíblicos realizados por
Nolde en 1910. Se
puede considerar que
con ellos el pintor
logró construir una
nueva iconografía
cristiana, aunque fuera
del ámbito eclesiástico.
La intensidad de la
escena recae
completamente en el
color. La nube amarilla
de niños se acerca con
alegría a ese Cristo
que se inclina envuelto
en un manto azul.
3.2. El expresionismo alemán
Un segundo grupo expresionista surgió en Munich en
1911, con un planteamiento menos agresivo pero más
cromático y simbólico: es el grupo Der Blaue Reiter (El
Jinete Azul), bajo la dirección del ruso Kandinsky (que
por aquellos años derivó ya hacia la Abstracción
expresiva). Otros miembros de El Jinete Azul fueron
Marc (El sueño), que pintó temas de animales, con
colores simbólicos que le aproximan al Fauvismo, y Klee
que, a veces, practicó la abstracción y que, una vez
disuelto el grupo, perteneció como Kandinsky a la
Bauhaus, donde desarrollaron su actividad pedagógica.
Otoño en Baviera, de Kandinsky
El sueño, de Frank Marc
La tempestad o la novia del viento, de
Kokoschka
Tan dramática como
fructífera fue la
relación que unió al
pintor vienés con Alma
Mahler, la bellísima e
intelectual viuda del
genial compositor. En
esta obra aparecen
ambos envueltos por
una masa multicolor de
pinceladas. Sin
embargo, el efecto es
melancólico. La figura
de Kokoscha
permanece despierta,
como alerta, mientras
la mujer duerme
tranquilamente.
Ecce Homo, de Rouault
El baño en el lago, de Rouault
En el caso de
esta obra,
Rouault se
acerca en la
temática a las
bañistas de
Matisse, pero el
tratamiento del
color es de
corte
expresionista,
con contornos
bien marcados
en negro y el
fondo
abstractiforme.
4. PICASSO Y EL CUBISMO
4.1. Cubismo
Casi a la vez que el Fauvismo, surgía otra vanguardia que crea un lenguaje radicalmente diferente. Los cubistas se basan en la línea, la forma, el intelecto y el orden. Como antecedentes podemos aludir al puntillismo de Seurat y al racionalismo de Cezanne, integrantes ambos en la tendencia metódica y ordenada del postimpresionismo.
El punto de partida suele situarse en 1907, cuando Picasso acaba Las señoritas de Avignon, en que sienta las bases del nuevo lenguaje, y Braque pinta una serie de paisajes (Casas en l’Estaque), inspirados en Cezanne. El término Cubismo, procede del crítico Luis Vauxcelles que decía, refiriéndose a la obra de Braque, que parecían cubos.
4.1. Cubismo
Las características del Cubismo son:
Es una pintura racional que trata de plasmar las cosas no como las
vemos sino como sabemos que son, con su esencia geométrica,
olvidando emociones y sentimientos.
Reduce formas y volúmenes a sus esquemas geométricos básicos.
Para ello, primero descompone los objetos, para después
representarlos en una visión simultánea, desde distintos puntos de
vista.
Recupera la línea y los planos y elimina la perspectiva
renunciando al espacio y al modelado.
En un primer momento simplifican el color en una visión casi
monocroma, de tonos neutros castaños, grises y pardos. A partir de
1912, recuperan el color y comienzan a utilizar otros materiales,
como periódicos o etiquetas, insólitos para un cuadro: los collages.
4.1. Cubismo
Los creadores del Cubismo son Picasso y Braque, pero otros pintores y escultores incorporan sus ideas artísticas. El madrileño Juan Gris desarrolla el Cubismo de forma más estricta e intelectual que sus propios creadores, en obras (varias naturalezas muertas) en que resulta muy difícil reconocer los objetos. El francés Delaunay (Torre Eiffel) crea el Cubismo Órfico recuperando el color en obras próximas a la abstracción. Otro francés, Leger, se especializa en la pintura de obreros y máquinas (Los constructores, La ciudad) en un estilo que combina cubismo y realismo; simplifica las formas al modo cubista pero las recompone con una apariencia volumétrica, tridimensional, que acentúa empleando colores brillantes. El ruso Archipenko y el español Gargallo (El profeta), aplican los principios cubistas a la escultura.
Tocador de mandolina, de Braque
Esta obra pertenece a la primera serie de cuadros
cubistas de Braque. Fue realizada entre los años
1910 y 1911. A pesar de la apariencia de cristal
roto de la figura, todavía es posible percibir cómo
sostiene el instrumento con su mano izquierda. La
homogeneidad del color se mantiene, con
excepción de ciertas zonas de mayor volumen
trabajadas con cortas pinceladas de blanco.
Botella, periódico y compotera, de Juan Gris
En este bodegón de fragmentos, queda claro el clasicismo, a
pesar del motivo, de Juan Gris. Los colores están aplicados con
una delicadeza y elegancia que recuerdan a las grandes obras
del barroco francés. Los fragmentos de objetos cotidianos,
periódico incluido, han sido realizados por el pintor. Nos
encontramos otra vez ante la pintura que imita al collage.
4.2. Picasso (1881-1973)
Pablo Ruiz Picasso nació en Málaga, hijo de un profesor
de dibujo. A los 15 años dominaba la pintura académica.
En 1895 se establece con su familia en Barcelona y allí se
une a un grupo de poetas, pintores (Nonell, Regoyos…) y
periodistas en el café Els Quatre Gats, centro de la
vanguardia artística de la ciudad. Sus primeros cuadros de
esta época reflejan su asimilación del Postimpresionismo
y del Modernismo. En estos años realiza su primer viaje a
París, donde estableció su residencia, a partir de 1904, de
forma casi permanente. Su obra pasa por diversas etapas:
4.2. Picasso (1881-1973)
Periodo azul (1901-1904). Es una etapa expresionista, en que
mediante figuras estilizadas de dibujo expresivo y factura
magnífica, envueltas en una entonación azulada, eterniza la
melancolía y la tristeza; podríamos decir que, más que crítica
social, hace reflexión metafísica sobre la miseria. La vida; El
guitarrista ciego; La planchadora; Maternidad…
La vida, de Picasso
Picasso realizó cuatro bocetos preparatorios para el
cuadro, variando la composición de las figuras al
menos dos veces; cabe destacar que la figura
masculina, que empezó siendo un autorretrato,
acabó siendo una representación de su amigo Carlos
Casagemas. La Vida resume la mayor parte de los
temas y la atmósfera de la época azul: el pesimismo
nihilista desarrollado en su época de formación en
Barcelona, recrudecido bajo las dificultades
materiales que sufre en la época. «Cree que el Arte
es hijo de la Tristeza y del Dolor», decía su amigo
Jaime Sabartés. La soledad de los niños, la miseria de
pobres, mendigos y ciegos son a menudo descritos
en los cuadros de ese momento.
4.2. Picasso (1881-1973)
El Periodo rosa (1904-1906) es también expresionista pero
de tonos más ligeros y variados (rosas, azules), más alegre, más
sentimental, con tiernas representaciones de arlequines,
acróbatas, payasos… como en Familia de saltimbanquis.
Familia de saltimbanquis, de PicassoEn la primavera de 1905 pintó
La familia de saltimbanquis, una
de sus principales obras de ese
año, una clara evolución hacia
la época rosa; un paisaje
desnudo y desdibujado en el
que se enmarcan aisladas las
bien dibujadas y estilizadas
figuras de los titiriteros,
personajes marginales cuya
vida solitaria impresionaba a
Picasso.
4.2. Picasso (1881-1973)
Las Señoritas de Avignon (Les Demoiselles D’Avignon) fueron pintadas en 1907, aunque no se expusieron en público hasta 1916. Picasso admiraba el arte egipcio, los relieves ibéricos y la estatuaria africana. Todas estas formas están en la base de su fase cubista, iniciada con Las Señoritas de Avignon, un cuadro que recuerda algunas versiones de Las bañistas de Cezanne. Picasso rompe ya con la belleza tradicional: las figuras femeninas, realizadas mediante tonos uniformes, pierden su volumen y se articulan en una serie de planos que se cortan en ángulos, como cuerpos tallados a la manera de la estatuaria negra. Parece seguir en algunas figuras la ley de la frontalidad, la doble proyección egipcia. No hay perspectiva sino que personajes y fondo se fusionan. Dominan la geometría y la línea. Podemos afirmar que en esta obra está sintetizada la esencia del Cubismo.
Las señoritas de Avignon, de PicassoEn el año 1907, Picasso mostró a un
reducido número de amigos la obra que
marcaría un antes y un después en la
historia del arte. Con este cuadro el
pintor malagueño lograba romper desde
sus cimientos las tradiciones y
convenciones, creando un lenguaje que
evolucionaría luego a lo largo de todo el
siglo. Pero “Las Señoritas de Aviñón” no
surgió de una inspiración momentánea.
Picasso trabajó nueve largos meses
hasta dar con la obra definitiva,
realizando alrededor de ochocientos
estudios y dos bocetos en acuarela. El
pintor buscaba probar que la pintura era
un medio autónomo de representación
y que no tenía sentido esclavizarla al
modelo.
Las señoritas de Avignon, de PicassoPara ello se enfrentó a todas las teorías
y leyes: utilizó los colores
arbitrariamente, deformó rostros,
confundió fondo y primer plano, dejó de
lado la simetría y trató temas de la
historia del arte con gran ironía: las
mujeres de la izquierda bien podrían ser
las tres diosas del Juicio de Paris,
representando los nuevos criterios
estéticos; la naturaleza muerta en el
centro, uno de los géneros clásicos que
no podían faltar, equilibra la
composición. Así se podría seguir con
una infinidad de detalles que hacen de
esta obra uno de los manifiestos más
importantes del arte contemporáneo.
4.2. Picasso (1881-1973)
Cubismo analítico o de facetas (1908-1912). Durante los años
siguientes Picasso, en colaboración con Braque y Juan Gris, entró en
el Cubismo analítico. Analizan la realidad y la descomponen en
múltiples elementos geométricos. Construyen las figuras
yuxtaponiendo o superponiendo en visión plana, pequeñas facetas
vistas desde puntos diferentes, de modo que un personaje es la
síntesis de visiones por delante y por detrás, desde arriba y desde
abajo, desde cualquier ángulo. De este periodo tenemos obras como
la Fábrica de Horta de Ebro, ejecutada con líneas y planos de color
que, como es corriente en esta fase analítica, son preferentemente
grises y ocres. En sus paisajes Picasso utiliza a veces, como en este
cuadro, una perspectiva divergente. Las formas se reducen a lo
esencial y la composición está dominada por la geometría y el
estatismo. Otras obras son Hombre con clarinete; Desnudo
femenino; Retrato de Vollard y numerosas naturalezas muertas.
Fábrica de Horta de Ebro, de Picasso
Muchacha con mandolina, de Picasso
De un colorido poético es este retrato de la
amiga de Picasso, Fanny Tellier, realizado en
1910 a medio camino entre el cubismo
analítico y el sintético. Existe una
descomposición de las distintas partes del
rostro teniendo en cuenta el volumen así como
las relaciones entre vacío y el lleno; se resaltan
ciertas zonas del cuerpo geométricamente,
como en este caso el seno izquierdo. Pero
también se encuentra la disolución de
elementos plásticos en meras líneas. No se
puede hablar aquí de un retrato en lo formal,
pero sí de un momento psíquico de la persona
que sirvió como modelo.
4.2. Picasso (1881-1973)
Cubismo sintético (1912-1920). La descomposición analítica
había llegado a tal hermetismo, que resultaba cada vez más
difícil identificar referencias concretas. Pero Picasso no se
atreve o no quiere dar el paso definitivo hacia la abstracción y
recupera de nuevo la apariencia de los objetos. Los planos
geométricos se simplifican, el color se hace más rico. Los
elementos se sintetizan y se unen. Toda la superficie es ocupada
por formas planas, pintadas o pegadas (collages). Mujer
sentada en un sillón; Los tres músicos; Violín.
Los tres músicos, de Picasso
4.2. Picasso (1881-1973)
Etapa clásica. Aunque a lo largo de toda su vida Picasso
siempre recurrió en mayor o menor medida a las experiencias
del Cubismo, al final de la Primera Guerra inicia una etapa
nueva, el periodo Neoclásico, que dura hasta 1925. Su interés
por lo clásico surge de su estancia en Italia, donde preparaba
los decorados para una obra teatral de Cocteau. Las pinturas
de esta época (Arlequín; Los amantes; La flauta de Pan) se
caracterizan por el predominio del dibujo que recuerda los
perfiles de la cerámica griega, por los suaves tonos pastel y por
la apariencia escultórica de las figuras.
Arlequín, de Picasso
4.2. Picasso (1881-1973)
A partir de 1925 mantuvo amistad con los pintores
surrealistas. Aun sin caer en un surrealismo decidido, el
contacto se manifiesta en las tendencias deformantes que
aplica a las figuras aunque nunca dejó de atender a la realidad
(Mujeres al borde del mar; Metamorfosis).
Mujeres al borde del mar, de Picasso
Esta obra de 1922,
que también se
conoce como “La
Carrera”, pertenece
a una serie de
cuadros que Picasso
propuso al director
de los ballets rusos
Sergei Diaghilev, en
el año 1924, como
telón de fondo para
la obra “Le Train
Bleu”. Por aquellos
años, el pintor se
interesaba sobre
todo por los temas
mitológicos.
4.2. Picasso (1881-1973) En la década de los 30 se imponen en su obra las formas
expresionistas. Las figuras adquieren trazos angulosos y violentos, se deforman y se rompen, a la vez que el dibujo acentúa una intensa expresividad (Minotauros). En 1937 sus experiencias culminan en el Guernica, un óleo sobre lienzo de grandes dimensiones en que denuncia el bombardeo de la ciudad vasca de Guernica, y que pintó, por encargo del gobierno de la República, para el pabellón de España en la Exposición Universal del París. Es un documento artístico y social, una metáfora del horror dentro de los presupuestos del expresionismo. El predominio de lo lineal es absoluto, con un dibujo preciso y ausencia de color, sólo el blanco y el negro. Los cuerpos son planos, apenas el caballo posee una ligera sensación volumétrica. Las lámparas no proporcionan luminosidad, son los cuerpos los que parecen desprender luz. Las figuras están distorsionadas, y en los rostros podemos observar planteamientos cubistas. Aunque a primera vista no lo parezca la composición es ordenada, en forma de pirámide pero también a manera de tríptico. Aparece una intensa línea de fuerza que atraviesa diagonalmente el cuadro en la dirección de las miradas de las figuras, pues todas ellas, menos las dos mujeres, dirigen su rostro hacia la izquierda.
El Guernica, de Picasso
Otra de las obras que marcó un hito en la carrera artística de Picasso fue sin duda ésta,
que el artista concibió en el año 1937. Independientemente de su calidad pictórica,
debe verse en esta obra uno de los alegatos más contundentes de un artista contra las
crueldades de la guerra.
El Guernica, de Picasso
Muy poco tiempo le llevó a Picasso su ejecución; su motivación era urgente. El
bombardeo de la ciudad de Guernica había durado algo más de tres horas y las víctimas
habían sido en su mayoría mujeres y niños. El pintor malagueño conoció las noticias
desde el exilio en París.
El Guernica, de Picasso
Con gran economía de medios y colores, cobró forma una de las telas más importantes
de la historia del arte. El gris y el negro son los tonos preponderantes, símbolos de la
destrucción y la muerte, sobre un fondo marrón–rojizo. No faltan las figuras más
importantes de la iconografía de España, como el toro y el caballo, aquí como alegoría
de la brutalidad y la desesperación.
El Guernica, de Picasso
Una luz eléctrica en el centro representa el ojo divino. En el extremo izquierdo, una
madre con su hijo muerto en brazos recuerda la “Matanza de los Inocentes” de la
iconografía cristiana, lo mismo que las dos mujeres en el extremo derecho aluden a la
“Crucifixión”.
4.2. Picasso (1881-1973)
Últimas obras. Tras la Segunda Guerra Mundial, en la época
de Antibes recupera los temas alegres: balcones abiertos,
palomas… un mundo amable de colorido brillante y
ornamental. En los años 50, etapa de Corea significa la vuelta
al expresionismo, como se ve en Matanza en Corea, que nos
remite, por su composición, a los Fusilamientos de la Moncloa, de
Goya. En los últimos años reinterpretó obras clásicas, como
el Desayuno en la hierba o la serie de estudios sobre Las
Meninas, y cultivó con intensidad el grabado y la cerámica.
Desayuno en la hierba, de Picasso
Las Meninas, de Picasso
4.2. Picasso (1881-1973)
Picasso encarna al arquetipo de artista del s. XX. Fue
un creador genial, social y políticamente comprometido
con el tiempo en que vivió, buscador incansable de
caminos y soluciones artísticas.
5. FUTURISMO
En 1909, el poeta italiano Marinetti publicó en Le Figaro,
el primer manifiesto futurista donde afirmaba: queremos
exaltar el movimiento agresivo, el febril insomnio, el salto
peligroso, el bofetón, el desafío a las estrellas (…) glorificar la
guerra (…) y el desprecio de la mujer.
5. FUTURISMO
Esta agresividad le llevaría, andando el tiempo, hasta el
fascismo. Es también famosa su afirmación de que un
automóvil de carreras es más hermoso que la Victoria de
Samotracia.
5. FUTURISMO
Los pintores futuristas, como Boccioni (Dinamismo del
ciclista), Severini (Bailarina azul), Carra y Balla
(Manifestación patriótica), embriagados por el
movimiento, buscan representar la velocidad captando
el objeto en como si se tratara de una secuencia crono-
fotográfica; para ello analizan y descomponen las formas
como los cubistas, y las construyen multiplicando líneas y
detalles para dar la sensación de movimiento
simultáneo.
Dinamismo de un ciclista, de Boccioni
De la figura que da su
nombre a esta obra
nada queda que sea
identificable. El esfuerzo
de Boccioni por
expresar plásticamente
la velocidad lo lleva a
este tipo de
abstracciones. Esta obra,
al contrario de la de
otros futuristas, es
totalmente abstracta.
Ningún elemento nos
indica que se trata de
un ciclista, apenas se
esboza la rueda
delantera de la bicicleta.
Jeroglífico dinámico de Bal Tabarín, de
Severini
Ésta es una de las obras maestras de
Severini. El tema de la vida nocturna
en la ciudad fue común a muchos
pintores de las vanguardias. En este
caso se trata de una tela trabajada
con óleo y lentejuelas en la que las
representaciones naturalistas, como la
pequeña mujer desnuda a caballo de
las tijeras, se mezclan con las formas
más abstractas que representan al
resto de los personajes. Los colores
están dispuestos de manera tal que
crean campos de luz y sombras muy
dinámicos no exentos de cierto
decorativismo.
Retrato de Marinetti, de Carrá
Este es el retrato del que fuera creador
e impulsor del movimiento futurista, el
poeta italiano Filippo Tommaso
Marinetti. Carrá lo representa con toda
la fuerza y agudeza psicológica que lo
caracterizaban. Los planos superpuestos
de la composición recuerdan a algunos
retratos cubistas, no así el colorido casi
agresivo. El poeta ha sido captado en el
momento de redactar sus tan famosos
manifiestos, como si se tratara de una
instantánea pero hecha con el pincel.
Automóvil + velocidad + luz, de Balla
Balla fue sin duda el más
abstracto de los pintores
futuristas. Su obra es
extremadamente
avanzada para su época y
se da como consecuencia
de extensos y meditados
estudios de las teorías
impresionistas y
neoimpresionistas. En
esta obra el pintor
combina los trazos
angulosos con las formas
curvas creando en el
centro una repetición de
formas que imprime la
sensación de velocidad a
la composición.
Interpenetración iridiscente radial, de BallaPor medio de una
sucesión de
prismas, Balla
intenta, en esta
obra, captar y
reflejar el
recorrido de los
haces lumínicos. La
repetición era el
medio por el cual
los futuristas
intentaron plasmar
la velocidad.
5. FUTURISMO
El Futurismo muere con la Primera Guerra Mundial y,
después de él, surge en Italia un movimiento antitético, la
Pintura Metafísica. Artistas como De Chirico pintan
plazas y calles desiertas y silenciosas, de inacabables
perspectivas, pobladas por escasos personajes que
parecen maniquíes, y en las que impera la calma y el vacío.
6. ABSTRACCIÓN
La búsqueda incesante de un nuevo lenguaje conduce a la
pintura del siglo XX a la abstracción. La Abstracción es
una lucha para terminar radicalmente con el arte
imitativo y las referencias concretas a los objetos, al
espacio y al tiempo. Defienden que una obra de arte no
tiene necesariamente que hacer referencia a la realidad
concreta. En consecuencia, ponen en crisis todos los
valores establecidos sobre la visión estética y cultural de
la realidad.
6. ABSTRACCIÓN
La abstracción encontró, en el plano filosófico, un adalid
en la figura del historiador alemán Worringer, que la
justificó como el síntoma más evidente del desacuerdo
entre el hombre moderno y la naturaleza, del temor que
el hombre tiene ante ella. Se ha señalado como
sintomático que en 1907, Albert Einstein publicara la
teoría de la relatividad con la cual cambió el concepto
físico del universo; en este contexto escribió Kandinsky
que la desintegración del átomo fue para mí como la
desintegración del mundo entero.
6. ABSTRACCIÓN
La marcha hacia la abstracción transcurrió por dos
caminos diferentes, basados en concepciones opuestas,
una intuitiva, expresiva y sensorial, la otra racional y
geométrica.
6.1. Expresionismo abstracto
También se denomina, en ocasiones, Abstracción lírica.
Responde al predominio de lo intuitivo que se
manifiesta en un aparente caos compositivo y cromático;
se basa en improvisaciones o formas de apariencia
misteriosa, llenas de color y de ritmo, que parecen
concretarse en un marco informal. Son el resultado de la
libre expresión de las emociones del artista que las deja
fluir sin pretender racionalizarlas.
6.1. Expresionismo abstracto El creador de la Abstracción fue Kandinsky. En 1910, poco antes de
fundar el grupo expresionista El Jinete Azul, pintó su Primera acuarela abstracta. Kandinsky llegó a la abstracción a través del expresionismo, concentrándose en las impresiones que la naturaleza le producía y tratando, a partir de ellas, de intensificar lo expresivo. Fue un proceso que desarrolló de forma consciente a través múltiples ensayos, en muchos de los cuales todavía se pueden apreciar algunas referencias concretas (Batalla; Impresión nº 5). Trataba de liberar al color de toda connotación objetiva o descriptiva. Tal independencia y autonomía le permitieron ensayar una concepción de la pintura cercana a la pureza musical. Para él, el arte debe expresar el espíritu, su realidad interior. Desarrolló estas ideas en uno de sus más célebres ensayos De lo Espiritual en el Arte, publicado en 1912. En sus páginas nos dice que el color es el medio más poderoso para llevar a cabo el cambio de rumbo espiritual. Los colores aparecen vinculados a vibraciones musicales; a cada color corresponde un tono espiritual, una vibración interna.
Primera acuarela abstracta, de KandinskyLa importancia de
esta obra reside
en que está
considerada una
de las primeras
abstracciones del
arte del siglo XX.
Kandinsky se basó
para su realización
en las teorías
musicales. Así
intentó encontrar
un ritmo y una
estructura en la
que se
prescindiera
completamente de
la figura.
Composición V, de KandinskyA partir de 1910 Kandinsky
abandona todo tipo de
representación figurativa. Las obras
surgidas de esta nueva etapa fueron
denominadas “Impresiones y
Composiciones”. Se puede decir que
todas ellas ilustran claramente el
pensamiento del pintor y teórico
ruso y determinan un antes y un
después en la historia del arte. Como
este óleo, que el pintor presentó en
la exposición de la galería Tannhauser
en diciembre de 1911. La reacción de
la crítica, fue, como era de esperarse,
negativa. Muy pocos comprendieron
desde un principio lo que el pintor
llamaba: “La necesidad de expresión
múltiple del artista”.
6.1. Expresionismo abstracto
Agrupó la extensa producción artística de esta época bajo
las denominaciones de Impresiones, Improvisaciones y
Composiciones.
Cuadro con mancha roja, de KandinskyEn su obra “De lo espiritual en el arte”
(1910), Kandinsky se explaya sobre la
nueva función del arte: “La belleza del
color y la forma no es meta suficiente para
el arte”. En este óleo es posible
determinar de qué manera el pintor
estructuraba la composición: en este caso,
la mancha roja dicta la organización de los
demás elementos. Hay un ritmo que, si
bien no es evidente a simple vista, lo
intuimos. Ningún color está puesto al azar,
y a zonas abigarradas les corresponden
superficies más claras. La gran mancha de
la zona superior izquierda, por ejemplo,
concentra todos los tonos de la superficie
inferior. Para Kandinsky, la búsqueda de la
armonía interior a través del color era una
de las metas del artista.
Arco Negro, de Kandinsky
Composición IV, de Kandinsky
6.2. Abstracción geométrica
Para otros pintores el camino de lo abstracto discurrirá
entre formas regulares, determinadas por la línea y color
plano, regido por la reflexión, el orden y el criterio
racional. Hay varias tendencias:
Suprematismo, encabezado por Malevich, en la Rusia
prerrevolucionaria, que tomaba como base el cubismo. Se
expresaban por medio de formas geométricas sencillas,
cuadrados, rectángulos, triángulos, círculos…, pretendiendo que
no evocaran ni sensaciones ni sentimientos. La impresión que
domina en sus obras es la de vacío, como resultado de la
renuncia a la imagen.
Círculo negro, de Malevich
6.2. Abstracción geométrica
Neoplasticismo (Geometrismo holandés). Surge durante la
Primera Guerra Mundial, por obra de Piet Mondrian quien,
junto a Van Doesburg, fundó la revista De Stijl (El estilo). Esta
publicación sirvió como medio teórico de expresión de las
propuestas plásticas de un grupo de artistas que pretendía
crear una estética nueva, al margen del mundo concreto,
elaborada con elementos extraordinariamente simples. El
lenguaje pictórico del Mondrian neoplasticista se basa en el
empleo exclusivo de los colores primarios, rojo, amarillo y azul,
que alcanzan su esencia más pura entre el blanco y el negro.
Color, línea y escala de proporciones se combinan mediante
formas planas que se disponen en ángulos rectos. Es autor de
varias Composiciones en rojo, amarillo y azul.
Composición, de Mondrian
Composición en rojo, amarillo y azul, de
MondrianDesde sus comienzos como
paisajista, Mondrian estuvo
influenciado por la escuela de la
teosofía, que lo llevó a entender
que debajo de las apariencias de
la realidad se encontraba lo
misterioso de la naturaleza, lo
divino. Esto o llevó a crear la
corriente del neoplasticismo en
la que prescindió de todo tipo
de naturalismo. De allí la
abstracción geométrica, de
formas puras para transmitir la
pureza de las emociones
independientemente de las
apariencias, como este óleo en
el que el espectador se enfrenta
a líneas y colores.
Composición, de Mondrian
6.2. Abstracción geométrica
La Bauhaus era la Escuela de arquitectura, arte y diseño
fundada por Walter Gropius, en 1919, en Weimar. La Bauhaus
supone la confluencia de la mayor parte de los grupos de
abstracción surgidos en los años anteriores. Allí acuden
Kandinsky, Klee, Van Doesburg y otros, para crear un arte
racional y ordenado. Kandisnky y Klee tuvieron una importante
actividad pedagógica en la Bauhaus.
6.2. Abstracción geométrica
Klee (Nueva armonía; Senecio…) concebía el arte como la
posibilidad de crear una nueva naturaleza, no como una
imitación de la misma. Su actividad docente se basó en la
enseñanza de un lenguaje plástico expresivo, que enlazó con la
teoría del punto y las formas de Kandinsky.
El pequeño puerto, de KleeEn la construcción
de esta obra,
observamos cómo
el tema pasa a un
segundo plano y
son las formas y
los colores los que
mantiene el ritmo.
Klee crea así un
escenario
aparentemente
irracional en el
cual coloca la
figura del
pescador con sus
redes y sus peces.
Campanario verde como centro, de Klee
En su Confesión creativa (1920), Klee
plasma sus concepciones y creencias
artísticas. Así es posible comprobar la
importancia atribuida por el pintor a la
línea, el punto, el plano y la superficie,
como bases constructivas de la pintura
abstracta. En esta obra en particular,
Klee se acerca a los futuristas y
orfistas, dentro de la más pura síntesis
geométrica.
6.2. Abstracción geométrica
Kandisnky llegó a la Bauhaus en 1922 cuando era ya un pintor prestigioso. En estos años dio forma a su teoría de los colores y de las formas, que plasmó en numerosas obras (Puntas en arco; Varios círculos; Composición VIII…) y en el libro Punto y línea sobre el plano (1926). El color es la manifestación del espíritu puro. Los colores poseen efectos que atraen o alejan, según sean cálidos o fríos, y crean sensaciones de movimiento (el amarillo es centrífugo; el azul, centrípeto…). Estudió el punto (indivisible, inmaterial), la línea (cada línea tiene unas connotaciones características: la horizontal es fría, la vertical caliente…), el plano (posee cuatro campos de fuerza, a cada uno de los cuales le corresponde una sensación, un sentimiento: arriba, sensación de libertad, ligereza; abajo, represión, pesadez, etc.).
Composición VIII, de Kandinsky
7. DADAÍSMO
La Primera Guerra Mundial despertó en muchos artistas
la repugnancia y el horror que provoca en toda persona
libre la brutalidad camuflada bajo grandes ideales. Son
estos ideales lo primero que atacó el movimiento Dadá.
7. DADAÍSMO
Este movimiento se funda en Zúrich, en 1916, en el café
cabaret Voltaire donde se reunía una tertulia literaria y
artística de refugiados de varios países, que huían de la guerra.
Entre ellos estaban el poeta Tzara y el pintor y escultor Arp.
Casi al mismo tiempo Duchamp, Ray y Picabia fundaron en
Nueva York un grupo similar. Conjuntamente elaboraron un
manifiesto (1918). El nombre se escogió al azar abriendo un
diccionario, con la pretensión de dar un nombre absurdo a un
movimiento deliberadamente absurdo. Más que un estilo
artístico es un movimiento de protesta y de condena de la
guerra. Adoptan una actitud destructiva de los valores
establecidos (patria, religión, cultura…) y alardean de
agresividad, incluso hacia quienes visitaban sus exposiciones.
7. DADAÍSMO
El Dadaísmo se caracteriza por:
Negación del arte mismo, porque el arte forma parte del
orden social.
Libertad absoluta de creación, para provocar la reacción y el
rechazo del público.
Cualquier objeto cotidiano, incluso de desecho, puede ser
artístico. Por eso realizan collages, hacen fotomontajes, mezclan
color con objetos tridimensionales pegados, etc.
7. DADAÍSMO
Duchamp, que antes había pasado por una etapa
cubista/futurista, con obras como Desnudo bajando una
escalera, es quien mejor ejemplifica la actitud del movimiento.
Empleó los Ready-made (objetos encontrados) como ruedas
de bicicleta (Rueda de bicicleta), tazas de urinario (La
fuente); pintó bigotes a una reproducción de la Gioconda, etc.
Es la aceptación de lo absurdo, de lo irracional. Su obra más
importante (1923), que él sólo consideró acabada cuando el
azar quebró el cristal en que la había pintado, fue el Gran
Vidrio, una de las pinturas más influyentes en el arte
contemporáneo.
A partir de 1921 Dadá empezó a declinar pero su semilla tuvo
continuidad inmediata en el Surrealismo.
Portabotellas, de Duchamp
Desacralizar y descontextualizar la obra de arte; ironizar
y poner en tela de juicio los conceptos de estética y
funcionalidad; desconcertar al público y a la crítica; todo
ello logró hacer Duchamp con este botellero del Hotel
de Ville presentado en 1914. Se trataba por sobre todas
las cosas, de revisar los conceptos por los cuales se había
regido el arte hasta ese momento y que sólo habían
logrado encorsetar al artista y su capacidad creativa.
La fuente, de DuchampEl arte del siglo XX podría haber sido bien
distinto sin la existencia de los ready-mades de
Duchamp. La palabra ready–made significa algo
que ya está hecho, y por lo tanto, que existe, no
está realizado por el artista, pero es precisamente
el criterio del artista el que lo transforma en
obra de arte. Así se rompía definitivamente con
cuestiones tales como el significado del arte en sí
mismo. Este data de 1917 y es sin duda uno de
los más famosos de su autor.
Sobrevivió a su destino, de alguna manera,
porque al llegar a la exposición a la cual fue
enviado en América, se lo tiró en un desván
pensando que se trataba de una broma. Duchamp
no firmó el urinario con su nombre, sino con un
seudónimo. Actualmente no se conserva el
original, pero el autor firmó dos copias.
LHOOQ, de DuchampEsta obra muestra la conocidísima Gioconda de
Leonardo da Vinci, manipulada por Duchamp.
El título de la obra L.H.O.O.Q. leído rápidamente en
francés, constituye una frase cuya traducción sería
algo así como “ella tiene el culo caliente”. Mientras
que en inglés, el título se aproxima a LOOK (mira).
Pudiera ser que se tratara de una intención
desmitificadora respecto al arte sublime de la
pintura, representado por un cuadro tan
emblemático.
Estamos ante una obra para leer y mirar.
Según palabras del propio Duchamp “Lo más curioso
sobre este bigote y esa perilla es que, cuando los miras,
la Mona Lisa se convierte en hombre. No es una mujer
disfrazada de hombre; es un hombre auténtico, y ése fue
mi descubrimiento, aunque no me diera cuenta de ello
en aquella época”.
El Gran Vidrio, de Duchamp
Regalo (plancha con clavos), de Man Ray
La poética del absurdo, la ironía, el humor, fueron
parte de las obras de Man Ray. Esta plancha, que
después de haber sido manipulada por el artista,
ha perdido su función principal, es un ejemplo de
ello. La original data de 1917, pero actualmente
sólo se encuentran copias de los objetos
dadaístas, cómo esta.
Mujer, de Arp
Dentro de las obras más importantes de Arp se
encuentran los relieves en madera pintada. Con
estas construcciones biomórficas, Arp perseguía
una nueva estética en la que la magia y el absurdo
sustentaban una nueva simbología estética.
El niño carburador, de Picabia
La actitud rebelde e irónica de Picabia lo
llevó a realizar obras en las que la crítica a
la sociedad y a los valores en ella implícitos
era una constante. Esta máquina, realizada
en 1918, nos devela la visión del progreso
del artista, sobre todo si tiene en cuenta la
inscripción: détruire le future (destruir el
futuro).
8. SURREALISMO
Surge como una corriente literaria dirigida por los poetas
franceses Aragon, Eluard y, sobre todo, Breton. Fue éste
quien publicó el Manifiesto del Surrealismo en 1924. Al
año siguiente se celebró la primera exposición de pintura.
Igual que Dadá, el Surrealismo es más que un movimiento
artístico y literario; tiene un componente ético, que se
opone a los principios morales de la sociedad establecida.
8. SURREALISMO Características:
Propugnan la teoría de lo irracional en el arte. Reivindican la autonomía de la imaginación y el mundo de lo inconsciente.
No tuvieron un lenguaje artístico formal unitario. Así encontramos, por ejemplo, autores figurativos que emplean la perspectiva tradicional junto a otros próximos a la abstracción.
Reivindican el automatismo, es decir, dejar correr la mano o la mente al flujo de lo inconsciente.
Usan el collage, el frottage (frotar un lápiz sobre papel colocado sobre una superficie dura con irregularidades), objetos tridimensionales…
Tuvieron desde el primer momento una actitud provocadora contra la tradición y las represiones morales o culturales establecidas, que se manifiesta en la selección de temas: lo incongruente, lo insólito, lo físicamente contradictorio, lo onírico, lo perverso, lo absurdo, lo inquietante…
Como antecedentes remotos del Surrealimo se puede citar a pintores como El Bosco, Archimboldo o algunas obras de Goya; precedentes más inmediatos los encontramos en artistas expresionistas como Munch; pero es la Pintura Metafísica (De Chirico) la que les influye de manera más directa.
8. SURREALISMO
Entre los artistas surrealistas, algunos como Magritte
(La condición humana; La llave de los campos),
Delvaux (Nudos rosa) y Dalí, realizan obras plenamente
figurativas; Ernst crea los frottages (Árbol solitario y
árboles conyugales); otros como Miró, con su estilo
basado en el automatismo, bordea la abstracción; Dalí
realiza, también, objetos tridimensionales (Sofá-labios de
Mae West); Giacometti y Arp son escultores.
La condición humana, de Magritte
Los amantes, de Magritte
Árbol solitario y árboles conyugales, de
Ernst
8. SURREALISMO
Salvador Dalí
Nacido en Figueras (1904), tuvo, como él mismo escribió, un
carácter extraño, egocéntrico e irascible desde su niñez. En la
Escuela de Bellas Artes de Madrid, cuando se le pidió copiar
una Virgen gótica, pintó una balanza. Era, dijo, lo que él veía.
Formado en la Residencia de Estudiantes, amigo íntimo de
Lorca, colaborador de Buñuel en las películas surrealistas, Un
perro andaluz y La edad de oro, tras un pasajero interés por el
futurismo, el cubismo y la pintura metafísica, irrumpió en 1929
en el grupo surrealista parisino que estaba, en aquellos años, en
plena crisis. Su llegada les proporcionó nuevos bríos tanto en el
plano teórico como en el pictórico, hasta que en 1942 fue
expulsado por Breton.
8. SURREALISMO
Salvador Dalí
En París desarrolló su método paranoico: decía tener las
mismas alucinaciones, visiones y obsesiones que los psicópatas
paranoicos, pero a diferencia de éstos, que creen que sus
fantasías delirantes son realidad, Dalí se manifestaba consciente
de la diferencia entre el mundo de las visiones y el mundo real.
Al trasladar estas fantasías personales a sus cuadros se
propone ponerlas en contacto con la realidad, materializarlas,
convertirlas en reales.
Su pintura es de un asombroso dibujo, iluminada por una luz
clara y transparente. Emplea una técnica minuciosa que
recuerda a los pintores del Renacimiento o a los barrocos
Velázquez y Vermeer.
8. SURREALISMO
Salvador Dalí
Sus obras surrealistas más importantes fueron La persistencia
de la memoria (con los relojes blandos), Premonición de la
Guerra civil (un distorsionado hombre monumento de manos
y pies putrefactos, cuyas extremidades se agreden
dramáticamente), El gran masturbador, etc. Pintó también
Muchacha en la ventana y el Cristo de San Juan de la
Cruz, en original escorzo envuelto en luz tenebrista.
Muchacha en la ventana, de DalíMuchacha en la ventana forma parte de una serie de
sugerentes cuadros en los que la modelo es casi siempre
Ana María, la hermana del pintor. Es quizá la obra maestra
de esa serie, compuesta al menos por una docena de
retratos de Ana María. Ella misma recuerda las largas
sesiones en que sirvió de modelo al artista: “Pintaba
paciente e infatigablemente, y a mí no me cansaba posar
para él (...). Durante las horas en las que le servía de
modelo, yo no me cansaba de observar aquel paisaje que
ya, para siempre, ha formado parte de mí misma. Pues
siempre me pintaba cerca de alguna ventana. Y mis ojos
tenían tiempo de entretenerse en los detalles más
pequeños”.
Esta obra es en realidad un cuadro dentro de otro cuadro:
un magnífico paisaje al fondo, dentro de un original
retrato. La cuidada iluminación de la obra se combina con
la utilización de una gama fría de colores azules que
aportan a la pintura una sensación de serenidad.
La persistencia de la memoria, de DalíEsta obra que data de 1931 es una
de las primeras en las que Dalí
utiliza el método paranoico crítico.
De esta manera, el pintor
desarrollaba el concepto de que
todo lo espacial era duro y lo
temporal era blando. La idea le
surgió al artista luego de una cena
en la que estuvo observando la
blandura del queso camembert
-según él mismo lo comentara -. Al
llegar a su estudio, Dalí decidió
agregar los dos relojes blandos al
paisaje de Cadaqués. La obra fue
comprada por Julien Levy , galerista
americano, que la llevó a Estados
Unidos, preparando así el tan
ansiado viaje del pintor a ese país.
Ángelus Arquitectónico, de Dalí
Premonición de la Guerra CivilEl mismo pintor figuerense contó que la
terrorífica imagen de este cuadro lo
persiguió durante meses. No es difícil
asociar esta obra de Dalí de 1936 con la
del otro gran maestro español Goya,
“Saturno Devorando a un Hijo” de 1821.
Lo cierto es que Dalí se valió de todos
sus estudios de los grandes de la historia
del arte para la realización de este óleo.
No le ocupan mucho los detalles, pero sí
el efecto total de la obra. Utiliza trucos
visuales que le permiten una doble
lectura de las figuras, aunque a veces son
algo irritantes para el espectador, como
la torsión y agrupación de miembros
corporales sin fin. De un mismo color
produce piedras, pieles y huesos. Las
imágenes son cruelmente evocadoras.
Las tentaciones de San Antonio, de DalíDurante su estadía en
Nueva York, Dalí dio forma a
este cuadro para presentarlo
en un concurso que
finalmente ganó Max Ernst.
La obra inicia un nuevo
período creativo en el
pintor, en el que se
mezclarán lo místico con lo
estético, lo carnal con lo
espiritual, y lo científico con
lo intuitivo; algo que él
mismo dio en llamar el
realismo cuantificado. Las
tentaciones que se aparecen
a San Antonio son el poder,
en forma de caballo, y el
pecado, en forma de mujer.
Leda Atómica, de Dalí
Dentro de la líneas de “Galatea de las Esferas”
(1949), Dalí da forma a este cuadro en el que su
mujer, Gala, personifica a Leda, la doncella
seducida por Júpiter metamorfoseado en cisne.
Los objetos flotan alrededor de la figura central,
creando un campo de tensión muy especial, a la
manera de una estructura atómica. A pesar de
las rocas en último plano, el fondo dorado y azul
no crea una espacialidad definida, sino que más
bien hace que todo flote en un lugar
indeterminado del universo. Esta obra data de
1942 y es anterior a que Dalí publicara su
Manifiesto Místico.
Cristo de San Juan de la Cruz, de DalíLos temas religiosos tuvieron una gran relevancia para
Dalí en la década de los cincuenta. Esta crucifixión data
de 1951 y sigue fielmente el texto del “Cántico
Espiritual” de san Juan de la Cruz. La perspectiva se
encuentra trabajada en dos planos encontrados; parece
que la cruz fuera ascendiendo en el atardecer bajo la
mirada de Dios. Debajo, un paisaje acuático desolado. El
color se encuentra aplicado con la maestría
característica del autor; la obra en sí es una clara
referencia a Velázquez.
La crucifixión, de Dalí
La alusión de Dalí a los grandes pintores de la
historia del arte, en este caso al maestro español
Zurbarán, fue casi permanente a lo largo de toda su
obra. Él mismo afirmaba que el academicismo podía
llegar a jerarquías sublimes según como se lo utilizara.
Este óleo de 1954, además incluye las teorías del
arquitecto del Escorial Juan de Herrera del “Tratado
de la figura cúbica”. La estructura es impecable, tanto
desde el punto de vista de los planos de la cruz como
de las perspectivas del paisaje. La disposición del
color es magnífica, lo mismo que el modelado de las
figuras.
Iconográficamente no faltan los elementos de la
Crucifixión, pero siempre tomados de la biografía del
pintor: la mujer que espera debajo de la cruz es Gala,
su esposa. El Cristo podría ser Dalí, pero su rostro
permanece oculto al espectador, en un escorzo de
alta precisión.
El gran masturbador, de DalíEsta obra debe tomarse como
un autorretrato. En ella aparece
el rostro del pintor cansado,
agotado-símbolo de su
confesada impotencia-, además
de todo un catálogo de la
iconografía daliniana: un
saltamontes con el vientre
abierto y cubierto de hormigas,
una pareja abrazada, un león
que saca la lengua, y un anzuelo
con carne. El marco de la figura
es un desolador paisaje bajo un
cielo impecable. La técnica es
límpida, con colores luminosos.
El cuadro fue pintado por Dalí
en Figueras al mismo tiempo
que el retrato de Paul Eluard.
El enigma de Guillermo Tell, de DalíDalí realizó una
serie de cuadros
en los que la
palabra enigma
precedía al
nombre de algún
personaje famoso
de la historia o la
literatura. No es
que su obra
intentara
develarnos al
personaje en
cuestión, sino que
el pintor dejaba
así constancia de
su personal
interpretación.
El enigma de Guillermo Tell, de DalíEn este caso, vemos a
un Guillermo Tell -
fácilmente reconocible-
que amenaza con
comerse a su hijo,
representado por el
trozo de carne que
lleva en sus brazos. Es
una versión del Edipo
freudiano. La alusión a
la tragedia se
encuentra en las
sandalias que lleva la
figura central. También
se puede tomar como
una versión diferente
de “Saturno devorando
a sus hijos” de Goya.
Canibalismo otoñal, de Dalí
En la obra de Dalí, se encuentra
siempre la dicotomía muerte-
vida. Entre los años 1936 y1937
el pintor da forma a este óleo
en el que la imagen de un
banquete hace alusión al
alimento metafísico por el cual
el hombre adquiere el
conocimiento de sí mismo. No
caben dudas de que la imagen
hace alusión al ensayo que
escribiera en 1933 sobre “la
belleza terrorífica y comestible”.
Sueño un segundo antes de despertar, de
Dalí
En 1944, Dalí realiza este óleo que
ejemplifica muy bien sus asociaciones libres:
la abeja que revolotea alrededor de la
granada, en primer plano, se ha convertido
en dos tigres que llevan sus mismos
colores, amarillo y negro. La mujer que
yace, Gala, es el manjar erótico. Dalí
resaltaba siempre el estrecho vínculo entre
la comida, el sexo y la muerte. Además, él
mismo aclaró que con esta obra pretendía
ilustrar las teorías freudianas sobre los
sueños que se tienen poco antes de
despertar.
Virgen juvenil autosodomizada por los
cuernos de su propia castidad, de Dalí
Cuando la hermana de Dalí publicó su libro
Salvador Dalí visto por su hermana, el pintor
se disgustó bastante. De hecho, en el libro no
sólo se develaban y contaban secretos e
intimidades de su pasado, sino que también se
ponía en entredicho a su mujer, Gala. El pintor
decidió vengarse retratando a Ana, su
hermana, de espaldas –como en aquel retrato
de su juventud– pero esta vez desnuda. El
resultado fue uno de los cuadros más eróticos
de toda la obra del artista catalán.
8. SURREALISMO
Joan Miró
Aunque él decía que la forma no es nunca algo abstracto, Miró
es, con Masson, el pintor surrealista más próximo a la
abstracción. Recorrió un largo camino desde sus obras iniciales,
mediterráneas, pasando por el fauvismo, el cubismo, hasta que
en 1924 conoció a Bretón en París y entró en contacto con los
surrealistas.
8. SURREALISMO
Joan Miró
Con Miró desaparecieron las imágenes reales y en su lugar
surge un mundo metafísico y sugerente de apariencia
biomórfica, de colores intensos y puros (rojo, azul, amarillo y
negro), de formas estilizadas, de vigorosos contornos y con un
encantador tono infantil y poético.
8. SURREALISMO
Joan Miró
Son obras de Miro El Carnaval de Arlequín; Interior
holandés; Perro ladrando a la luna y Mujer, pájaro,
estrella. En 1950 realiza, en cerámica vidriada, los murales del
sol y de la Luna para la sede de la UNESCO, en París.
El carnaval de arlequín, de Joan MiróA partir de 1923,
Miró comenzó a
plasmar su propia
iconografía,
caracterizada por
grafismos y figuras de
apariencia orgánica
pero irreal. Es el
mundo de los sueños
y las asociaciones que
lo reflejan, según la
opinión de Breton
sobre el más
surrealista de todos
los artistas que
conformaron el
movimiento, a la vez
que el más abstracto.
Interior holandés, de Miró
El lamento de los amantes, de Joan Miró
Las figuras filamentosas en negro y rojo son
las protagonistas de esta tela. En su estructura
se corresponden plenamente con la
iconografía mironiana. Los amantes se mueven
uno en dirección del otro, y el pintor, con
pocos detalles, nos hace ver que la mujer es el
que está en el centro de la tela. La luna
contempla la escena.
La poetisa, de Joan MiróEn el año 1939, Miró se
trasladó con toda su
familia a la costa
normanda. De esta etapa
surge una serie de telas
que él mismo denomina
Constelaciones. En éstas,
el pintor trabaja con los
trazos formando
abigarrados tejidos a
modo de caligrafías
medievales. El resultado
son cuadros de superficie
dinámica y cambiante, muy
decorativos, cuya
organización tomará el
pintor para telas
posteriores.
